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EUROPEAN
MEDIA ART FESTIVAL
OSNABRUECK 2010
CONTENT
Imprint
Words of Welcome
Filmfestspezial
Film- & Videokommission 2010
INTERNATIONAL SELECTION
Rip: A Remix Manifesto
Mash Up - Once or Never
Utopian Landscapes
Silent Politics
What is... Media Art
Materia Luminosa
Erie
Lines and Traces
Tracing Memories
From Different Perspectives
We Don't Care About Music Anyway
The Emperor's New Clothes
Decay And Erosion
Adieu Mon General
Illusions + Other Truths
Oral Hypnosis
Missing Links
Mash Up - Holly Goes Wood
3-D Special
Treasure Island
Mark
Doubles and Look-Alikes
Travalogues
Daydreams and Nightmares
Die Pop-Parade
Flashes of Memory
Let Each One Go Where He May
SPECIAL PROGRAMS
Videoformes Clermont Ferrand
Cinetrans: European Media Art Festival
Cinetrans: Amsterdam Film Experience
Cinetrans: L'alternativa Barcelona Presents
Cinetrans: Signes de Nuit Paris presents
Cinetrans: Cork Film Festival Presents
Der Reisende Festivalzirkus
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RETROSPECTIVE ALDO TAMBELLINI
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MEDIA CAMPUS
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Mosaik / Mosaic
Passion Of Mind
Family Affairs
Constructed Nature
Raum-Zeit-Anomalien
Minds Gone Astray
Akademie für Bildende Künste Mainz
Fachhochschule Mainz
Fachhochschule Dortmund FB Design
Exhibition Sound Reflections
Exhibition Living Entities
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JUGENDMEDIENPROJEKTE/YOUTH PROJECTS
lokal-global – Die Lebenswelt der Jugendlichen
Medienwerkstatt der Generationen
PERFORMANCES
Synchronator
Videoloopmachine
Volker Winck Quartett
Feierabend
EXHIBITION MASH UP AND MORE
The Table Turning
Dies ist keine Übung
Cadavre Exquises Vivantes
Starry Starry Night
LightHouse
Greenhouse
Tri-ger
Music From The Masses
Frontiers. Ein Computerspiel, das an die Grenzen Europas führt
Neophonie
default to public – tweetleak / tweetscreen
The 52 Card Psycho
The Bir(d)th, a.k.a. die schudas reloaded, ich laß die Betten runter
Wie ich lernte, den Grossen Augenblick der Erkenntnis durch ein schlichtes ›ach so!‹ aufzuwerten
Ornament
Warden Sprites
Proximity (Bubble Version)
An-archic device
The Grand Defender
Two Dogs Watching
CONGRESS
Creative Comments
The Mash Up phenomenon
Movies meet Games – Konvergenz und Divergenz klassischer und Neuer Medien
Frontiers. Ein Computerspiel, das an die Grenzen Europas führt
Die Fähigkeit Zu Hören - Performance Lecture
guitar heroes und misheard lyrics
WJ-S
Kurt Schwitters - Leben und Werk
Netzkonzepte der Zukunft / Web concepts of the future
Nova-Kino: Die Geschichte der filmischen Agit-Prop
Do It, but do it again! - Künstlerstrategien für das Web 2.0
Mediaartbase.de
From the Archives: European Media Art Festival
Videopoetry
Normal Behaviour
Political Correctness
Gefundene Geschichten
REGISTER
List of Titles
List of Authors
List of Distributors
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IMPRINT
ORGANISATION
SCHIRMHERR
Veranstalter: Experimentalfilm Workshop e.V.,
Osnabrück
Festivalleitung: Hermann Nöring, Alfred Rotert,
Ralf Sausmikat
Kommission Internationale Film- und Video-Auswahl:
Tasja Langenbach, Katrin Mundt, Ralf Sausmikat,
Hospitant Philipp Czogalla
Jury des Verband der Deutschen Filmkritik:
Claus Löser, Ingo Petzke, Hans-Jürgen Tast
Jury des EMAF Award und des Live2011 Grand Prix
EMAF Award: Marina Kozul, Mark Boswell, n. n.
Jury des Dialog Preises des Auswärtigen Amtes:
Marina Kozul, Mark Boswell, Max Maldacker
(Auswärtiges Amt)
Kongress: Alfred Rotert, Hermann Nöring
Ausstellung: Hermann Nöring
Performances: Alfred Rotert
Retrospektiven: Ralf Sausmikat
Media Campus: Michaela Zysik (Koordination),
Sina Boldt, Dessirie Böhnke, Kilian Küffner,
Natascha Kurek, Nele Marx, Lea Saland,
Sebastian Weide, Swana Wilken
Ausstellungsführungen: Jan Giebel, Lennart Krauss,
Markus Miller, Oliver Mönter, Anna Nezel,
Bastian Ott, Jan B. Ratzmann (Koordination),
Bastian Schröder, Sabrina Schütze,
Antje Spreckelmeier, Christine Tebbe, Ellen Tesch
Presse- und Öffentlichkeitsarbeit, Werbung:
Karoline Kraut (Leitung), Corinna Laumeyer
Finanz- und Hotel-Organisation: Andrea Gehling
Disposition Film/Video: Gunther Westrup
Katalog- und Fotoredaktion: Gunther Westrup,
Ralf Sausmikat
Recherche: Katharina Lohmeyer, Tobias Sunderdiek
Feierabend und Performance-Organisation:
Holger Schwetter, Mario Schoo
Technik: Thorsten Alich, Christian Löwrick,
Michael Rosbeck, Hans-Jürgen Thünemann,
Reinhard Westendorf, Gunther Westrup
Schülertag und Jugendmedienprojekt lokal-global:
Karoline Kraut
Digitalisierung Videobar: Jurek Schönemann
Lektorat: Uschi Gröters
Übersetzungen: Europäisches Übersetzungsteam,
Osnabrück, Teresa Gehrs
Fotografinnen: Angela von Brill, Kerstin Hehmann
Festival-Trailer: Thorsten Alich, Ralf Sausmikat
Webdesign und Programmierung: Stefan Hestermeyer
Grafische Gestaltung: Holger Risse, Köln
Satz: www.dieter-lindemann.de
Druck: FROMM Druck- und Verlagshaus, Osnabrück
Schirmherr des European Media Art Festivals 2010
ist der Ministerpräsident des Landes
Niedersachsen Herr Christian Wulff
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FÖRDERER
FUNDED BY
nordmedia Fonds GmbH, Hannover
Stadt Osnabrück
Europäischer Fonds für regionale Entwicklung (EFRE)
Bundesministerium für Bildung und Forschung, Berlin
Auswärtiges Amt, Berlin
European Commission, Brüssel
Kulturstiftung des Bundes, Halle
Kulturstiftung der Länder, Berlin
Botschaft von Kanada, Berlin
IMPRESSUM
Herausgeber:
Alfred Rotert, Hermann Nöring, Ralf Sausmikat
European Media Art Festival Lohstraße 45a
D-49074 Osnabrück
Tel. ++49(0)541/21658
Fax ++49(0)541/28327
info@emaf.de
www.emaf.de
isbn: 978-3-926501-32-5
KOOPERATIONSPARTNER
COOPERATION-PARTNERS
Akademie für Bildende Künste, Mainz
ARGOS arts, Brüssel
Arte, Strassburg
Autour de Minuit, Paris
AV-arkki, Helsinki
Canadian Filmmakers Distribution Centre, Toronto
Cinema Arthouse, Osnabrück
Contour, Mechelen
Cybob comunications, Osnabrück
EyeSteelFilm, Montréal
Fachbereich Kultur, Stadt Osnabrück
Fachhochschule Dortmund / FB Design
Fachhochschule Mainz / Kommunikationsdesign
Film & Medienbüro Niedersachsen e.V., Osnabrück
Filmbank, Amsterdam
Filmtheater Hasetor, Osnabrück
Five Elements, Osnabrück
Freunde der Kunsthalle Dominikanerkirche e.V.
Galerie écart, Osnabrück
Glanz & Gloria, Osnabrück
Goethe Institut, München
Haus der Jugend, Osnabrück
IMAI, Düsseldorf
Kunsthochschule für Medien, Köln
Lagerhalle e.V., Osnabrück
Literaturbüro West-Niedersachsen
Live2011.com, Turku
LUX, London
Musik- & Kunstschule Osnabrück
Netherlands Media Art Institute, Amsterdam
RUHR.2010 GmbH
sixpackfilm, Wien
Stadt Osnabrück
Stadtbibliothek Osnabrück
Universal Pictures International Germany GmbH
Universität für angewandte Kunst, Wien
Universität Osnabrück
Video Data Bank, Chicago
Videoformes, Clermont-Ferrand
Vidéographe Distribution, Montréal
Winnipeg Film Group, Canada
Zimmertheater, Osnabrück
Gefördert im KUR Programm zur Konservierung
und Restaurierung von mobilem Kulturgut.
Medienpartner:
BESONDERER DANK AN
SPECIAL THANKS TO
Anna Maria Salamone Consoli, Joachim Groneberg,
Britta Habuch, Paulo Dermatosi, Jarmo Röksä,
Kristian Eppert, Dagmar von Kathen, Christian
Saßnik, Martina Scholz, Valérie Schwindt-Kleveman,
Aldo Tambellini, Reinhard Westendorf.
Kulturpartner:
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WORD OF WELCOME
GRUSSWORT DER
nordmedia
Das European Media Art Festival Osnabrück (EMAF) zählt zu den ambitioniertesten
deutschen Kulturveranstaltungen im Medienbereich: Bereits zum 23. Mal bietet es ein
nicht nur in Fachkreisen vielbeachtetes Forum für die neuesten Entwicklungen der internationalen Medienkunst.
Ein Blick in das diesjährige Programm zeigt, dass das Motto ›Mash Up‹ besonders treffend ist, denn den Organisatoren ist es gelungen, ein herausragendes Programmangebot voller spannender Facetten der aktuellen
Medienkunst zu komponieren, bei dem kaum ein Aspekt unserer multimedial geprägten Kultur unberücksichtigt bleibt. So gelingt es dem EMAF ›to mash up‹. Relevante und frische Positionen zeitgenössischer Medienkunst werden hier zu einem herausragenden Festival vereint.
Das EMAF bringt fünf Tage lang ein internationales Programmangebot nach Osnabrück. Die Stadt wird dadurch
alljährlich zum globalen Forum der Präsentation und Kommunikation für Künstlerinnen und Künstler. Über
2100 Filme, Videos und Installationen wurden in diesem Jahr aus über 60 Ländern eingesandt: Neben zahlreichen Einreichungen aus Deutschland, den USA und Großbritannien sind auch Beiträge aus Australien, Kanada,
Mexiko, Argentinien, Russland, Tschechien, Südkorea, Afghanistan, den Arabischen Emiraten und Palästina mit
dabei. Deutschlandweit kooperiert das EMAF darüber hinaus in diesem Jahr mit dem Programm der Kulturhauptstadt RUHR.2010 und erarbeitet gemeinsam mit dem documenta-Archiv in Kassel und dem ZKM Karlsruhe im Projekt MEDIA ART BASE bis 2011 eine Online-Datenbank zur Archivierung wichtiger Arbeiten der internationalen Medienkunst .
Das Spektrum der Festivalbeiträge ist vielfältig. Gezeigt wird alljährlich eine internationale Auswahl experimenteller Film- und Videoproduktionen, die häufig erstmals in Deutschland zu sehen sind. Aus der Vielzahl der
eingereichten Arbeiten hat es auch der von der nordmedia geförderte Kurzfilm BEINE BRECHEN von Florian
Krautkrämer, mit Lars Rudolph in der Hauptrolle, in das Festivalprogramm geschafft. Der in Hannover gedrehte Film erhielt bereits das Prädikat ›besonders wertvoll‹ und erlebt in Osnabrück seine Welturaufführung.
Das European Media Art Festival wird auch in 2010 maßgeblich durch Fördermittel der nordmedia, der Mediengesellschaft der Länder Niedersachsen und Bremen, unterstützt. Darüber hinaus stehen in diesem Jahr
wieder zusätzliche Mittel aus dem Europäischen Fonds für regionale Entwicklung (EFRE) zur Verfügung, die
über die nordmedia zur Stärkung der Film- und audiovisuellen Medienwirtschaft in Niedersachsen vergeben
werden. Mit den EFRE-Mitteln fördern wir das o.g. MEDIA ART BASE Archivprojekt ebenso wie den Media Campus 2010 des EMAF - den Treffpunkt junger Talente der europäischen Kunsthochschulen, bei dem eine eigene
Ausstellung sowie Vorführungen und Vorträge präsentiert werden.
Als Mediengesellschaft der Länder Niedersachsen und Bremen und langjähriger Förderer des Festivals, sind
wir stolz, dass dieses innovative Medienkunstfestival bei uns in Niedersachsen beheimatet ist und sich einer
großen internationalen Ausstrahlungskraft, Akzeptanz und Resonanz erfreut.
Vor diesem Hintergrund wünschen wir der 23. Ausgabe des EMAF einen hervorragenden Verlauf und seinen Gästen und Besuchern viele interessante mediale Entdeckungen.
Thomas Schäffer
Geschäftsführer der nordmedia
Jochen Coldewey
Geschäftsbereichsleiter
Förderung und Standort
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The European Media Art Festival Osnabrück (EMAF) is one of Germany’s most ambitious cultural events in the media context: for the 23rd time it offers not only experts
a highly regarded forum to present the latest developments in international Media Art.
A look at this year's programme is enough to see that the motto ›Mash Up‹ fits perfectly – the organisers have
managed to compile an excellent range of programmes, full of the fascinating facets of current Media Art, leaving virtually no stone in our multimedia-influenced culture unturned. Which is how the EMAF manages ›to mash
up.‹ Relevant and new positions of contemporary Media Art come together here to create an outstanding festival.
For five days, the EMAF transports an international range of programmes to Osnabrück. Year after year, the city
is transformed into a global forum of presentation and communication for artists. More than 2100 films, videos
and installations were sent in this year from over 60 countries: in addition to numerous entries from Germany,
the USA and Great Britain, contributions were also received from Australia, Canada, Mexico, Argentina, Russia,
Czech Republic, South Korea, Afghanistan, the Arab Emirates and Palestine. This year, the EMAF is also cooperating with the programme of the European Capital of Culture RUHR.2010. In collaboration with the documenta archives in Kassel and the Centre for Art and Media Karlsruhe, it is also creating an online database within
the MEDIA ART BASE project to archive important works of international Media Art. The project will be completed by 2011.
The contributions to the festival are extremely varied. Every year, an international selection of experimental film
and video productions are screened, often for the first time in Germany. The short film BEINE BRECHEN by Florian Krautkrämer, starring Lars Rudolph and funded by nordmedia, was one of the works selected for the festival programme. The film, shot in Hanover, has already been awarded a distinction, and will celebrate its world
premiere in Osnabrück.
In 2010, the European Media Art Festival will again receive major funding from nordmedia, the media company
of the Federal States of Lower Saxony and Bremen. Additional funding is provided this year by the European Regional Development Fund (EFRE), awarded through nordmedia to strengthen the film and audiovisual media
sector in Lower Saxony. We use EFRE funding to finance the MEDIA ART BASE archiving project mentioned
above, as well as the EMAF’s Media Campus 2010 – the meeting point for young talented artists from European
art academies, offering an exhibition, presentations and lectures.
As a media company of the Federal States of Lower Saxony and Bremen, and a long-term sponsor of the festival, we are proud of the fact that this innovative media art festival takes place in our home state of Lower Saxony, and that it enjoys such wide international acclaim, acceptance and response.
Against this backdrop, we wish the 23rd European Media Art Festival great success, and trust that its guests
and visitors will make lots of interesting media discoveries.
Thomas Schäffer
Director of nordmedia
Jochen Coldewey
Head of Funding and Location
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WORD OF WELCOME
GRUSSWORT DES OBERBÜRGERMEISTERS DER STADT OSNABRÜCK
Das 23. European Media Art Festival (EMAF) zeigt auch in diesem Jahr wieder Produktionen international bekannter Medienkünstler. Das Festival zählt zu den bedeutendsten Foren der internationalen Medienkunst. Als Treffpunkt für Künstler, Kuratoren, Verleiher, Galeristen und Fachpublikum hat es Thematik und Ästhetik der medialen Kunst entscheidend mitgeprägt.
Jährlich bietet das Festival einen aktuellen Überblick mit neuen Experimentalfilmen, Performances, Vorträgen,
der Ausstellung und dem Media Campus. Aus 2200 eingereichten Arbeiten wurden in diesem Jahr rund 220 aktuelle Beiträge für das Festival ausgewählt, die einen umfassenden Einblick in die aktuellen Tendenzen der Medienkunst bieten.
Während des Festivals wird der ›EMAF-Award‹ für eine richtungweisende Arbeit in der Medienkunst und der
›Dialogpreis‹ des Auswärtigen Amtes zur Förderung des interkulturellen Austausches sowie der Event Award
der Kulturhauptstadt Turku von einer internationalen Jury vergeben. Zudem verleiht die Jury des Bundesverbandes der Filmjournalisten den Preis für den besten deutschen Experimentalfilm des Jahres.
In der Ausstellung des 23. European Media Art Festivals werden aktuelle Arbeiten internationaler Medienkünstler gezeigt und neben Mixed-Media-Skulpturen auch Werke zum Festivalthema ›Mash Up‹ sowie Arbeiten im öffentlichen Raum präsentiert. Besonders spannend : die Installation ›Lighthouse‹ auf dem Rathaus
Markt.
In den Filmprogrammen des Festivals sind vermehrt dokumentarische Arbeiten vertreten, in denen sozialkritische, politische und historische, aber auch tagesaktuelle Zusammenhänge thematisiert werden.
Namhafte Referenten stellen außerdem aktuelle Projekte im Kongress des Festivals vor.
Mit dem Media Campus bietet das Festival ein Forum für die Förderung von Studierenden aus dem Hochschulbereich und erfüllt damit auch eine bedeutende Aufgabe für die Gestaltung zukünftiger Entwicklungen in Kunst
und Kultur.
Besonders freut mich, dass in diesem Jahr Kooperationen mit der Kulturhauptstadt Ruhr 2010 und mit der Kulturhauptstadt Turku 2011 in Finnland vereinbart werden konnten, die den Stellenwert des Festival in der nationalen und internationalen Kulturlandschaft fördern .
Die Kooperationen und Programme des Festivals werden gewiss wieder viele neue Besucher nach Osnabrück
locken. Das EMAF ist somit auch ein bedeutender Beitrag für das Profil der Friedens- und Kulturstadt Osnabrück, und wirkt über seine Grenzen hinaus.
Dem Ministerpräsidenten des Landes Niedersachsen und Schirmherrn des Festivals, Herrn Christian Wulff, und
den Förderern des Festivals möchte ich für ihre Unterstützung herzlich danken.
Den Veranstaltern des EMAF wünsche ich viel Erfolg, den Besuchern spannende Programme und den auswärtigen Gästen einen angenehmen und erlebnisreichen Aufenthalt in unserer Stadt.
Boris Pistorius
Oberbürgermeister
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WORD OF WELCOME BY THE LORD MAYOR OF THE CITY OF OSNABRUECK
Productions by internationally renowned media artists will again be shown this year at
the 23rd European Media Art Festival (EMAF). This festival is one of the most important forums of international Media Art. As a meeting point for artists, curators, lenders, gallery owners and an audience of specialists, the festival has had a great impact
on the theme and aesthetics of Media Art.
Each year, the festival offers its visitors an up-to-date overview of new experimental films, performances, lectures, an exhibition and the Media Campus. Around 220 current contributions were selected this year for the
festival from a total of 2200 submitted works, offering a comprehensive insight into the latest tendencies in
Media Art.
At the festival, an international jury will present the ›EMAF Award‹ for a trend-setting work in Media Art, the ›Dialogpreis‹ of the German Ministry of Foreign Affairs for the promotion of intercultural exchange, and the Event
Award of the European Capital of Culture, Turku. In addition, the jury of the German Federal Association of Film
Journalists will award the prize for the best German experimental film of the year.
The exhibition at the 23rd European Media Art Festival will present not only the latest works by international
media artists, but also mixed-media sculptures, oeuvres on this year's festival theme ›mash up‹ and works in
public spaces. Especially exciting: the installation entitled ›Lighthouse‹ at the town hall/market place.
A greater number of documentary works are represented in the festival's film programmes this year, in which
socially critical, political and historical, as well as current issues are explored.
Well-known speakers will also introduce current projects at the festival's Congress.
At the Media Campus, the festival offers a forum to promote students from the university sector, fulfilling a major task with regard to shaping future developments in art and culture.
I’m especially delighted that cooperative agreements were entered into this year with the European Capital of
Culture Ruhr 2010 and the European Capital of Culture Turku 2011 in Finland, enhancing the importance of the
festival in the national and international cultural landscape.
These cooperative endeavours and the programmes of the festival will inevitably attract many new visitors to
Osnabrück again. The EMAF therefore also makes a significant contribution to the profile of Osnabrück – the
City of Peace and Culture – making an impact beyond its boundaries.
I would very much like to thank the First Minister of the Federal State of Lower Saxony and patron of the festival, Mr. Christian Wulff, as well as the festival’s sponsors for their support.
I wish the organisers of the EMAF success; may the visitors enjoy the exciting programmes and may our guests
have a pleasant, eventful stay in our city.
Boris Pistorius
The Lord Mayor
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FOREWORD
WILLKOMMEN!
Entdecken Sie auf dem 23. European Media Art Festival aktuelle Produktionen
internationaler Medienkünstler und junge, innovative Werke aus den Akademien. Aus rund 2200 Einreichungen weltweit wurden in diesem Jahr in allen
Sektionen 220 aktuelle Beiträge ausgewählt. Im Mittelpunkt des diesjährigen
Festivals stehen ›Mash Up‹-Arbeiten: Durch die Collage und Vermischung vorhandener Medienbilder erreichen die Künstler überraschende Interpretationen
der Medienwirklichkeit.
Das Spiel mit dem Remix und damit mit Zitaten und Referenzen hat sich zum asthetischen, satirischen und subversiven Stilmittel entwickelt. Es spiegelt sich wieder im Filmprogramm, im Kongress,
in der Ausstellung, in den Performances und im Media Campus.
Im Bereich Cinema werden etwa 170 Kurz- und Langfilme, Musikvideos sowie Sonderprogramme gezeigt. Ein besonderer Leckerbissen: aktuelle Kurzfilme in 3D von Kerry Laitala und historische 3D-Filme von Jack Arnold aus den 1950er Jahren.
Die Retrospektive ist in diesem Jahr dem Filmemacher, Videopionier, Multimedia-Künstler, Poet und
Musiker Aldo Tambellini aus den USA gewidmet. Außerdem wird aus Anlass des 30jahrigen Bestehens
des Experimentalfilmworkshops eine Auswahl aus dem Archiv präsentiert. In der Konferenz des Festivals zeigen und diskutieren namhafte Referenten aktuelle Projekte zum Thema des Festivals.
In der Ausstellung erfinden Found- Footage-Kunstler neue Geschichten aus alten Filmen oder schaffen nach der Methode der Surrealisten Videoportraits. Als Performances werden ›Synchronator‹ und
›Videoloopmashine‹ gezeigt. Auch im öffentlichen Raum der Stadt sind installative Arbeiten zu sehen.
Der Aktionskünstler Heiko Beck präsentiert Texte an Eisenbahnbrücken und auf der Stadtbibliothek.
Auf dem Marktplatz ist die Lichtinstallation LightHouse des Malers Luc Coeckelberghs intensiv zu erfahren.
Wir freuen uns, dass der Ministerpräsident des Landes Niedersachsen, Christian Wulff, wieder die
Schirmherrschaft für das Festival übernommen hat. Außerdem bedanken wir uns bei der nordmedia,
der Stadt Osnabrück und allen weiteren Förderern und Sponsoren des Festivals.
Während der fünf Tage des Festivals und der fünfwöchigen Ausstellung wird Osnabrück wieder ein lebendiger Treffpunkt für internationale Künstler, Kuratoren, Verleiher, Galeristen und eine interessierte Öffentlichkeit.
Lassen Sie sich überraschen von den vielfältigen, spannungsreichen Werken und tauchen sie ein, in
die Welt des Mash Up.
Das Festivalteam
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WELCOME!
At the 23rd European Media Art Festival, you can discover current productions
by international media artists and innovative works by young artists from the
academies. The current festival’s edition, around 220 current contributions
have been selected from around 2200 submitted works. This year’s festival focuses on Mash Up work: by using collage and remixing available media images,
artists create surprising reinterpretations of media reality.
Playing around with re-mix, and hence with quotes and references, has developed into an aesthetic,
satirical and subversive stylistic device. This is reflected in the film programme, congress, exhibition,
performances and Media Campus.
Around 170 short and long films, music videos and special programmes will be screened in the Cinema domain. A special highlight: the latest 3D shorts by Kerry Laitala and historic 3D films by Jack
Arnold from the 1950s will be shown.
This year’s retrospective is dedicated to the filmmaker, video pioneer, multimedia artist, poet and musician Aldo Tambellini, from the USA. In addition, to mark the 30th anniversary of the Experimentalfilm workshop, a selection of films will be presented from the archives. At the festival’s own conference, well-known speakers will show and discuss current projects based around the theme of the festival. In the exhibition, found-footage artists invent new stories from old films or create video portraits
following the surrealists’ method. The performances ›Synchronator‹ and ›Videoloopmashine‹ will be
presented.
Installation works will also be visible in the public space of the city. The action artist Heiko Beck presents texts on railway bridges and the municipal library. Viewers can also experience the intense effect
of the light installation LightHouse by the painter Luc Coeckelberghs.
We are delighted that the festival is again under the patronage of the First Minister of the Federal
State of Lower Saxony, Christian Wulff. We would also like to thank nordmedia, the City of Osnabruck,
and all other promoters and sponsors of the festival.
During the five-day festival and the fiveweek exhibition, Osnabrück will once again be transformed
into a lively meeting place for international artists, curators, lenders and gallery owners, as well as an
interested audience.
Be amazed by the diverse, gripping works, and delve into the world of Mash Up.
The Festival Team
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›FILMFESTSPEZIAL‹ BERICHTET VOM EMAF
Das European Media Art Festival steht im Fokus einer 90-minütigen TV-Sendung. Vorgestellt
werden alle Bereiche des Festivals. In Gesprächen mit Filmemachern, Künstlern und Referenten wird FilmFestSpezial die Highlights und Besonderheiten des EMAF einfangen. Filmausschnitte, Reportagen über die Ausstellung, Berichte vom Kongress, Besuche bei Performances, die Preisverleihung und die EMAF-Partys werden ein vielseitiges Bild des Festivals
auf die Bildschirme der übertragenden Sender liefern.
›FilmFestSpezial-EMAF 2010‹ wird bereits am 29. April 2010 bei den folgenden Bürger-TVSendern ausgestrahlt und ist bei den meisten Sendern auch als livestream im Internet zu
sehen: h1 Hannover, oeins Oldenburg, TV 38 Wolfsburg/Braunschweig, Radio Weser TV Bremen, OK Kiel und OK Kassel . Die EMAF-Sendung wird auch bei Tide-TV in Hamburg, rok-tv
Rostock und beim OK Flensburg zu sehen sein.
Weitere Infos und aktuelle Sendetermine: www.filmfestspezial.de
ÆFotos FilmFestSpezial beim EMAF 2009: Kerstin Hehmann
Foto 1 Bao Mengte, Filmstudent aus Taipei, Antje Goltermann vom Media Campus des
EMAF und Moderatorin Ruth Strunk
Foto 2 Gerd Gockell, Ralf Sausmikat, Moderator Siegfried Tesche und Paul Winkler,
Filmemacher aus Australien
FilmFestSpezial reports about the EMAF
Once again this year there will be a 90-minute TV programme on the European Media Art
Festival (EMAF). All areas of the festival will be presented by guests and in film excerpts. To
be able to capture the diversity of the EMAF, it is planned to broadcast coverage from the
various settings.
›FilmFestSpezial‹ will be broadcast on 29 April 2010 by the following citizens TV channels. It
can also be viewed on the web as livestream on most channels:
h1 Hannover, oeins, Oldenburg, TV 38 Wolfsburg/Braunschweig, Radio Weser TV Bremen, OK
Kiel and OK Kassel. The programme on the EMAF can also be viewed on Tide-TV in Hamburg,
rok-tv Rostock and OK Flensburg.
For more information and the current broadcast dates see: www.filmfestspezial.de
ÆPhotos FilmFestSpezial at the EMAF 2009: Kerstin Hehmann
Photo 1 Bao Mengte, student of Film from Taipei, Antje Goltermann from the Media
Campus of the EMAF and presenter Ruth Strunk
Photo 2 Gerd Gockell, Ralf Sausmikat, presenter Siegfried Tesche and Paul Winkler,
Australian filmmaker
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FILM- & VIDEOKOMMISSION 2010
Tasja Langenbach, *1977. Studium der Kunstgeschichte und Kulturwissenschaften in Erlangen, Leipzig und Barcelona. Seit 2005 freie Ausstellungs- und Projektarbeit u.a. für Galerie Anita Beckers,
Frankfurt, Videonale Bonn, SoundTrack_Cologne.
Tasja Langenbach, *1977. Studied art history and cultural sciences in Erlangen, Leipzig and
Barcelona. Has been carrying out freelance exhibition and project work for Gallery Anita Beckers,
Frankfurt, Videonale Bonn and SoundTrack_Cologne, amongst others, since 2004.
Katrin Mundt, Freie Kuratorin und Autorin. Ausstellungen u.a.: Weder Entweder Noch Oder (2008),
Landschaft (Entfernung) (2007), beide im Württembergischen Kunstverein Stuttgart. 2009 Kokuratorin von White Heat, Stuttgart. Zahlreiche Filmprogramme, u.a. für den HMKV, Dortmund, die Int. Kurzfilmtage Oberhausen, Shift Festival, Basel und Intermediæ, Madrid. Textbeiträge zuletzt in Sylvie
Boisseau & Frank Westermeyer: Chinesisch von Vorteil (Bielefeld 2009), Dmitrij A. Prigov. Nekanoniceskij klassik (Moskau 2010) und Broad Day and Other Times. Films by Kevin J. Everson (Chicago
2010).
Katrin Mundt, Independent curator and author. Her exhibitions include Weder Entweder Noch Oder
(2008), Landschaft (Entfernung) (2007), both at the Württembergischer Kunstverein Stuttgart. 2009
co-curator of White Heat, Stuttgart. Numerous thematic film programmes for, among others, HMKV,
Dortmund, the Int. Short Film Festival Oberhausen, Shift Festival, Basel, and Intermediæ, Madrid. Her
texts have recently appeared in Sylvie Boisseau & Frank Westermeyer: Chinese Is A Plus (Bielefeld
2009), Dmitrij A. Prigov. Nekanoniceskij klassik (Moscow 2010) and Broad Day and Other Times. Films
by Kevin J. Everson (Chicago 2010).
Ralf Sausmikat, Studium der Medienwissenschaften, 1986 Abschluss M. A. 1981 Gründung des Int.
Experimentalfilm Workshop e.V. als Trägerverein des EMAF. Seit 1988 künstlerische Leitung verschiedener Sektionen des EMAF, Ausstellungen, Film, Video und Retrospektiven. Seit 1995 Fachreferent
des Goethe-Institut München für die Programme Experimentalfilm 80er und 90er Jahre. Kurator für
›Turbulent Screen‹ ein Ausstellungs- und Kinoprojekt, für das Edith-Ruß-Haus für Medienkunst, Oldenburg in 2003.
Ralf Sausmikat, studied media sciences, graduated in 1986 with a Magister Artium. 1981 International Experimentalfilm Workshop e.V. (Founding Member). Since 1988 artistic director of EMAF for exhibitions, films, videos and retrospectives. Consultant for the Goethe-Institute Munich, for the German
Experimental Film of the 80' and 90's programmes. Curator of ›Turbulent Screen‹, an exhibition and
cinema project on structural approaches in film and video, for the Edith-Russ-Site for Media Art, Oldenburg in 2003.
Studentische Hospitanz:
Philipp Czogalla, geb. 1986. Von 2005 bis 2010 Studium der Medienwissenschaft in Paderborn mit Abschluss Diplom. Mitarbeit bei der Organisation und Erstellung der Wanderausstellung Icons of a Border Installation – Photographic Search for Traces in Today’s Berlin in Zusammenarbeit mit dem
Goethe-Institut San Francisco mit zahlreichen Ausstellungsorten in Nordamerika. Seit 2007 verschiedene Experimental-, Dokumentar- und Kurzfilme.
Student Job-Shadowing:
Philipp Czogalla, born in 1986. Studied Media Science at Paderborn from 2005 to 2010, and graduated with a Diplom. Helped organise and create the touring exhibition Icons of a Border Installation Photographic Search for Traces in Today's Berlin in collaboration with San Francisco Goethe Institute,
which was exhibited at numerous venues in North America. Has been making all kinds of experimental, documentary and short films since 2007.
35
RIP: A REMIX MANIFESTO
RIP: A REMIX MANIFESTO
Brett Gaylor
Das Dokumentar-Feature des Webaktivisten und Filmemachers Brett Gaylor RIP: A Remix Manifesto untersucht
das Konzept des Copyright in der Epoche von Napster, Bit Torrent und anderen Peer-to-Peer Dateitauschbörsen. Giganten der Pop-Kultur wie Muddy Waters und die Rolling Stones konnten auf die Musik der Vergangenheit aufbauen, um ihre eigene Musik zu produzieren. Diese Tür schließt sich aber jetzt. RIPs Protagonist ist
Gregg Gillis, der Biomedizintechniker aus Pittsburgh, der nebenberuflich als Girl Talk arbeitet, ein Künstler des
Mash Up, der die DNA der Charts mit seinen wenig zusammenpassenden, komplett samplebasierten Liedern
neu arrangiert. Ist Girl Talk ein Symbol für die Macht des Volkes oder der Rattenfänger der Piraterie? Die digitale Technik eröffnet eine beispiellose globale Vermarktung von Ideen.
RIP untersucht die Raubritter und Revolutionäre, die dieses
Neuland abstecken, während der Film sich von den Regieräumen Washingtons in die Favelas von Brasilien bewegt. Auf dem
Weg interviewt Gaylor Schlüsselfiguren über die Komplexität
des Begriffs ›geistiges Eigentum‹ in der digitalen Ära, darunter
der Gründer von Creative Commons Lawrence Lessig, Kulturkritiker Cory Doctorow, der brasilianische Musiker und ehemalige
Kultusminister Gilberto Gil und Jammie Thomas, die allein erziehende Mutter, die mit Erfolg von der Recording Industry Association of America wegen illegalem Herunterladen von Daten
verklagt wurde.
Der Regisseur Brett Gaylor lehnt diese Copyrights vollkommen
ab: ›Das bedeutet doch, dass mein Lieblingskünstler ein Krimineller ist und man sich ihn nicht ansehen sollte, weil ich diese
Lieder nicht in meinem Film verwenden darf.‹ Gaylors Berechnung der potentiellen Urhebergebühren für eines der Lieder in
Girls Talk ist schockierend. Keiner könnte so viel Geld aufbringen. Mit seinem zeitgemäßen kineastischen Manifest möchte
Gaylor all diejenigen unterstützen, die schon bestehende Musik
verwenden, um etwas Neues zu schaffen. Die Tatsache, dass
Gaylor selbst Mash Up macht - nämlich in Form dieser Dokumentation - führt zu Kommentaren wie ›Das ist fantastisch und
komplett illegal!‹
Auf welcher Seite stehen Sie in diesem Krieg der Ideen?
36
Web activist and filmmaker Brett Gaylor's feature documentary RIP: A Remix Manifesto explores the concept of
copyright in the era of Napster, Bit Torrent and peer-to-peer file sharing. Although pop culture giants such as
Muddy Waters and the Rolling Stones were able to build on past music to produce their own, the door is now
closing behind them.RIP's central protagonist is Gregg Gillis, the Pittsburgh biomedical engineer who moonlights as Girl Talk, a mash-up artist rearranging the pop charts' DNA with his incongruous, entirely samplebased songs. But is Girl Talk a paragon of people power or the Pied Piper of piracy? Digital technology opens up
an unprecedented global economy of ideas.
RIP explores the robber barons and revolutionaries squaring off across this new frontier as the film journeys
from the control rooms of Washington to the favelas of Brazil. Along the way, Gaylor interviews key figures about
the complexities of intellectual property in the digital era, among them Creative Commons founder Lawrence
Lessig, culture critic Cory Doctorow, Brazilian musician and former Minister of Cultural Affairs Gilberto Gil, and
Jammie Thomas, the single mom successfully sued by the Recording Industry Association of America for illegal downloading.
Director Brett Gaylor completely disagrees with (these) copyright laws: ›That means my favorite artist is a criminal and you should not be watching, because I'm not allowed to use these songs in my film.‹ Gaylor's calculation of what one of Girl Talk's songs would end up costing in copyright fees is shocking. No one could come up
with that kind of money. With this contemporary, cinematic manifesto, Gaylor wants to stand up for everyone
who uses existing music to create something new. The fact that Gaylor is making a mash-up himself -- in the
form of this documentary -- exposes him to comments like ›That's fantastic, and totally illegal!‹
Which side of the ideas war are you on?
Brett Gaylor, *1977, is a documentary filmmaker and new media director. He is the creator of opensourcecinema.org, a video remix community which supports the production of his feature documentary RiP: A remix manifesto. He is also the web producer of the Homeless Nation.org, a web project dedicated to bridging the digital divide - allowing everyone to participate in online culture.
Brett is one of Canada’s first videobloggers and has been working with youth and media for over 10 years, and is
a founding instructor of the Gulf Islands Film and Television School.
ÆCDN 2008, Video, 86:00
ÆDirector, script Brett Gaylor
ÆCinematography, associate director Mark Ellam
ÆSound Richard Aylsworth, Kyle Stanfield, Pablo Villegas, Mila Aung-Thwin, Brett Gaylor
ÆEditing Tony Asimakopoulos, Brett Gaylor
ÆMusic Oliver Alary
ÆProduction EyeSteelFilm in coproduction with the National Film Board of Canada
ÆDistribution EyeSteelFilm
ÆPhotos (1) Andrew Strasser, (2) Bridget Maniaci, (3) Kat Baulu
37
MASH UP - ONCE OR NEVER
SLAP! THE GONDOLA
UN MERCI LOINTAIN
Marie Losier
Jean-Baptiste Lenglet
Ein Musical mit Musikern, Musen und Fischen... Auf einer riesigen Fähre spielen 2 Meerjungfrauen (Tony Conrad und Genesis
P-Orridge) Geige, um die Fische aus dem Meer anzulocken, als
plötzlich ein gigantischer Fisch mit 30 Tänzern im Bauch an
Bord gespült wird. Die großartige Sängerin April March tritt singend aus dem Bauch des Fisches heraus.
›Was für ein Feuerwerk an Brillianz! Brilliante Farben! Brilliante
Musik! Brilliante Kostüme! Brilliante Besetzung! Ich werde dieses Meisterwerk ewig lieben!‹ Guy Maddin - Nov. 2009.
Musical with musicians, muses and fishes... On a giant ferry, 2
mermaids (Tony Conrad and Genesis P-Orridge) play violin to attract the fish from the sea, when suddenly a giant fish with 30
dancers in its stomach land on board. April March, the great
singer appears while singing out of the fish belly.
›What a brilliant explosion of brilliance! Brilliant colors! Brilliant
music! Brilliant costumes! Brilliant casting! I shall cherish this
masterpiece forever!‹ Guy Maddin- Nov. 2009.
Eine Homage über den Koulechov-Effekt an
die Cut-Up-Technik, wie sie von William Burroughs in Nova Express verwendet wird:
Doktor Benway schlägt dort die Buschtrommel, indem er Videozellen entwickelt, die in
einem surrealistischen Mechanismus angeordnet sind. Es handelt sich um eine organisierte Permutation von Gruppen, die zwischen 12 und 44 Bildern variieren.
A homage via the Koulechov effect to the
cut-up technique as used by William Burroughs in Nova Express: Doctor Benway
plays bush telegraph there, by cultivating
video cells which are arranged in a surrealist
machinery. It is an organised permutation of
clusters which varies between 12 and 44 images.
Marie Losier, *1972 in France, is a filmmaker and curator working in New York City. She has shown her films and videos at museums, galleries, biennials and festivals. In 2009, she was invited
to The Centre George Pompidou in Paris to present her work in
progress her first feature film - a portrait of the musical genius
Genesis Breyer P-Orridge, and her band Psychic TV.
Jean-Baptiste Lenglet is currently working
on the relation between video and sculpture
at ENSBA, Paris. 2007-2008: work on Deserto
Rosso of Michelangelo Antonioni. 2006-2007:
work on Dog Star Man of Stan Brakhage.
ÆUSA 2009, Video, 15:00
ÆDirector, script, photography, editing Marie Losier
ÆMusic April March
ÆCast Tony Conrad, Genesis P-Orridge, April March
ÆDistribution arsenal experimental
38
ÆF 2008, 35 mm, 5:10
ÆDirector, script, editing, music
ÆPhotography Prelinger archives
ÆDistribution
7ATHENS 24
FEAR CHAMBER
intothepill
Christoph Draeger
Unisol untersucht und deckt auf: Falsch ausgelegte
Prinzipien, verheimlichte Fehler, manipulierte Fakten,
machen das Zentrum von Athen zu einem Ort des Ungleichgewichts und der Dekadenz, und lassen jeglichen Versuch zur Rettung fehlschlagen. ... Die Tatsache, dass die heutige griechische Gesellschaft von
Korruption regiert wird, die sich durch alle sozialen
Schichten zieht, und es nicht mal einen politischen
Plan zur Abhilfe dieser Missstände gibt, lässt die
Menschen vollends verzweifeln. Und das ist wahrlich
eine tragische Entdeckung.
Unisol investigates and reveals: the principles encroached, the mistakes concealed, the facts manipulated, bringing the centre of Athens to a state of imbalance and decadence, leading every attempt of salvation to failure. ... The fact that contemporary Greek
society is ruled by corruption, penetrating all social
classes, in combination with the lack of a political
plan of purification, brings people to a dead end. And
this is a tragic discovery.
Anhand von Szenen aus ca. 200 Filmen wird die Unterwelt im (bewusstseins-)erweiterten Sinn untersucht.
ein verschlungener Horrortrip durch Höhlen, Abgründe, endlose Gänge ins Innerste des Unterbewusstseins, wo urzeitliche Ängste brodeln. Ein psychedelischer Albtraum durch die Filmgeschichte, eine Achterbahnfahrt, auf der es immer weiter abwärts geht mit
der Hölle als Ziel.
An investigation into the underworld using scenes
from more than 200 movies: a mind-boggling horror
trip through caves, abysses and endless tunnels to the
dark corners of the subconscious, where primeval fear
slumbers. A psychedelic nightmare through film history, a roller coaster ride that keeps spiraling downwards, final destination: hell.
Intothepill is an artists' platform the purpose of which
is the development of a common ground of exchange
and collaboration, the creation of networks and the research and experimentation among artists who are involved with new media. The core of the research team
of intothepill is made up of Yiannis Isidorou, Lina
Theodorou, Yiannis Grigoriadis, Katerina Iliopoulou. It
was founded in 2006 and it publishes e-issues periodically (intothepill.net), presenting works by Greek and
international artists. It has participated in festivals,
and exhibitions in galleries, museums and independent
spaces.
ÆGR 2009, Video, 21:00
ÆRealisation intothepill team
ÆDistribution intothepill
Christoph Draeger, *1965 in Zürich, Switzerland, lives
and works in New York. He participated in the International Studio Program at P.S. 1 Contemporary Art Center, New York and studied at École Nationale Supérieur
des Arts Visuels de la Cambre, Brussels, as well as at
the School of Visual Arts, Luzerne. Draeger employs installation, drawing, sculpture, video, and photo-based
media to explore issues related to disaster and mediasaturated culture.
His work has been featured in solo exhibitions at The
Kitchen, New York; Paço das Artes, São Paulo; and
Massachusetts Museum of Contemporary Art and
group exhibitions at P.S.1, New York; the Whitney Museum of American Art, New York; and KunstWerke, Berlin
among others. He has participated in international festivals and biennials in Guangzhou, Havana, Valencia,
Turin, and Liverpool.
ÆUSA 2008, Video, 34:00
ÆDirector Christoph Draeger
ÆScript, editing Christoph Draeger,
Heidrun Holzfeind
ÆDistribution Christoph Draeger
39
UTOPIAN LANDSCAPES
BLACK RAIN
UTOPÍA
PERCEPTUAL
SUBJECTIVITY
Ruth Jarman & Joe Gerhardt
Estela Estupinyà-Garcia
Philippe Léonard
Black Rain basiert auf Bildern, die vom Zwillingssatelliten, Solar Mission, STEREO, eingefangen wurden.
Hier sehen wir die Bilddaten des HI (Heliospheric Imager) im interplanetarischen Raum auf der Spur des
Sonnenwinds und CMEs (koronalen Massenauswurf)
auf dem Weg zur Erde. In Zusammenarbeit mit STEREO Wissenschaftlern, sammelte Semiconductor bis
heute sämtliche HI Bilddaten, wodurch die Reise der
Satelliten von ihrer anfänglichen Ausrichtung bis hin
zur ihrer derzeitigen Erdumrundung um die Sonne
nachvollzogen werden kann.
Black Rain is sourced from images collected by the
twin satellite, solar mission, STEREO. Here we see the
HI (Heliospheric Imager) visual data as it tracks interplanetary space for solar wind and CMEs (coronal
mass ejections) heading towards Earth. Working with
STEREO scientists, Semiconductor collected all the HI
image data to date, revealing the journey of the satellites from their initial orientation to their current tracing of the Earth’s orbit around the Sun.
Man ist nie zufrieden mit
dem, was man hat, und in
seinem Streben nach Perfektion verpasst man sie.
Ein Film mit Bildern aus
Beständen der Wohnungsbaugesellschaft
›Neue Heimat‹, der von
der Verfolgung eines
Traumes von Perfektion
erzählt, der sich schließlich als Utopie erweist.
You are never satisfied
with something you already have, and in striving
for perfection you miss it.
A movie with pictures
from the housing society
›Neue Heimat‹, that recounts the pursuit of a
dream of perfection,
which becomes utopia.
Ideen nehmen in einer
Gehirnmasse Gestalt an,
wo den Rednern gesammelten Erfahrungen zugeteilt werden, aus denen
sich verständliche Elemente bilden. PERCEPTUAL SUBJECTIVITY ist
ein Essay über strukturelle Gedankengebilde.
Ideas take shape in a
cerebral magma where
the referents are assigned to parcels of experience from which intelligible
elements
are
formed.
PERCEPTUAL
SUBJECTIVITY is an essay
on the structural formation of thoughts.
Estela Estupinyà-Garcia,
*1983, graduated Fine Art
in Valencia, Spain in 2007.
She is currently studying
film at the HFBK Hamburg. Utopía is her first
film.
ÆCDN 2009, 16 mm, 5:30
ÆRealisation
Philippe Léonard
ÆDistribution CFMDC
Since 1999 UK artists Ruth Jarman, *1973 and Joe
Gerhardt, *1972 (Semiconductor) have worked with
digital animation to transcend the constraints of time,
scale and natural forces, they explore the world beyond
human experience questioning our very existence. Central to these works is the role of sound. Their award
winning work has been exhibited at Hirshhorn Museum, Washington USA, Arnolfini Bristol and Nuit
Blanche Paris, the British Council Jerusalem, Museum
of Contemporary Art Lyon and Dissonanze Festival
Rome.
ÆGB 2009, Video, 3:00
ÆRealisation Semiconductor
(Ruth Jarman & Joe Gerhardt)
ÆDistribution LUX
40
ÆD 2009, Video, 7:20
ÆDirector, script, editing
Estela EstupinyàGarcia
ÆPhotography
Archiv Neue Heimat
ÆMusic Silvio Nauman
ÆDistribution
HFBK Hamburg
Philippe Léonard, *1982.
DEAR ADVISER
SCENE 32
OTCHAJANIE (DESPAIR)
Vincent Meessen
Shambhavi Kaul
Galina Myznikova
Ein Mann in einem schwarzen Anzug – fast
nur als Silhouette erkennbar – läuft durch
eine trostlose Landschaft. Der Mann nimmt
uns mit auf seinem Spaziergang, entlang
verwaister modernistischer Gebäude, an denen der Zahn der Zeit seine Spuren hinterlassen hat. Die Kamera sondiert diese Landschaft, sucht nach Hinweisen bezüglich Zeit
und Ort. Das ist Chandigarh, eine auf dem
Zeichenbrett entstandene Stadt im indischen Staat Punjab. Mit seinem schwarzen
Anzug, Fliege und Bowlerhut, erinnert der
Spaziergänger an Le Corbusier, den Architekten dieser Stadt.
A man in a black suit – almost a silhouette –
is walking through a desolate landscape.
The man takes us for a walk along deserted
modernistic buildings that bear the marks of
time. The camera explores this landscape,
searching for clues as to time and place. This
is Chandigarh, the well-known preconceived
city in the Indian state of Punjab. With his
black suit, bow tie and bowler hat, the walker looks like Le Corbusier, the creator of this
city.
Scene 32 stellt das nicht
klar abgegrenzte Gebiet
dar, das zwischen einem
geliebten Ort und den Gegenständen liegt, die diesen Ort ausmachen. Die
Salzfelder von Central
Kaatch werden mit hochauflösendem Videofilm
sowie handbearbeitetem
Hochkontrast-16
mm
Film festgehalten, um am
Ende etwas Ungewöhnliches zu kreieren...
Scene 32 maps the indistinct terrain that lies between a beloved place
and the objects that represent it. The salt fields of
Central Kaatch are examined through high-definition video and handprocessed hi-contrast 16
mm film to become another thing altogether...
Unbedeutend klein wirkend inmitten einer weiten Schneelandschaft, widersetzt sich eine Gruppe
von Männern ihrer körperlichen Abneigung gegen die Naturgewalten.
Vereint, eng beieinander, begegnen
sie entschlossen der feindseligen
Umgebung, formieren sich zu einem absonderlich choreografierten, zögerlichen Ballet.
Insignificant within the immensity
of a snowy landscape, a handful of
men oppose their physical resistance to the force of nature. United,
close together, they tackle the hostility surrounding them by way of a
strangely choreographed, hesitant
ballet.
Vincent Meessen, *1971 in Baltimore, studied journalism and cultural policies. He was
active as a social worker and photographer
and completed his postgraduate studies at
the HISK (Higher Institute for Fine Arts) in
Antwerp. His work develops mainly around
the idea of ›disputed spaces‹, dealing with
territory as a political issue. His work has
been shown internationally at a variety of
festivals and exhibitions. Meessen lives and
works in Brussels, Belgium.
Shambhavi Kaul is an indian born filmmaker and
editor, living and working
in Durham, North Carolina.
ÆB 2009, Video, 8:00
ÆRealisation Vincent Meessen
ÆDistribution
Netherlands Media Art Institute
ÆIND 2009, Video, 5:18
ÆDirector, editing
Shambhavi Kaul
ÆScript Rachel Price
ÆPhotography
Josh Gibson
ÆDistribution
Shambhavi Kaul
Since 1993 Galina Myznikova and
Sergey Provorov have created a
large number of projects, which
demonstrate a wide range of the
artists' experiments in sphere cinema and of contemporary art. In
2005, they represented Russia with
›Idiot Wind‹ at 51st Venice Biennial.
ÆRUS 2009, Video, 29:55
ÆDirector, script
Galina Myznikova
ÆPhotography
Vsevolod Skuchayev
ÆEditing, music Sergey Provorov
ÆCast I. Yeroshovets, A. Kuritsin,
A. Nosov and others
ÆDistribution PROVMYZA
41
SILENT POLITICS
UNTITLED [TWO GUYS]
LAY CLAIM TO AN ISLAND
Mario Pfeifer
Chris Kennedy
›Untitled [Two Guys]‹ ist das Ergebnis einer engen Zusammenarbeit und eines eingehenden Dialogs mit zwei Jugendlichen
mit Migrationshintergrund aus Berlin-Kreuzberg. Auf der
Grundlage eines fiktiven Drehbuchs bewegen sich die beiden
Protagonisten durch soziale Räume und nehmen diese Räume
auf ästhetische Art und Weise ein. Ihr Schauspiel, bei dem sie
ihr großes Repertoire an Körpersprache, coolen Gesten sowie
ausschweifender Musik nutzen, schaukelt diese ambivalente
Beziehung zwischen den beiden immer weiter hoch und die Kamera, die die beiden begleitet, stellt sie eher dar als dass sie sie
aufnimmt.
›Untitled [Two Guys]‹ is the product of close collaboration and
dialogue with two Berlin-Kreuzberg adolescents with a migration background. Based on a fictionalized script the two protagonists move through social spaces, and occupy these spaces
aesthetically. Their acting/playing with a rich repertoire of body
language, modish gestures and expansive music escalates the
ambivalent relationship between the two and the camera that,
following them, does not so much capture but project.
Texte der amerikanisch-indianischen Besetzung von Alcatraz im Jahre 1969 sowie Briefe von deren Befürwortern entfachen eine
Untersuchung der politischen Sehnsucht,
der emanzipatorischen Architektur und fehlgeschlagener Utopien. Was bedeutet es,
Land zu beanspruchen, dessen symbolischer Wert höher ist als der, eine mögliche
Heimat zu bieten? Und wie funktioniert diese
symbolische Bedeutung außerhalb ihrer
geografischen Grenzen?
Texts from the 1969 American Indian Occupation of Alcatraz and letters from supporters propel an exploration of political yearning, emancipatory architecture and failed
utopias. What does it mean to claim land
that has more value as a symbol than as a
potential home? And how does that symbol
function beyond the boundaries of its geographic limits?
Mario Pfeifer, *1981 in Dresden, Germany, is a filmmaking artist
based in Berlin and Los Angeles. He studied Fine Art at the Academy of Visual Arts Leipzig, University of the Arts Berlin and
Städelschule Frankfurt am Main where he graduated in 2008. On
invitation of the Bangkok Experimental Filmfestival 5, he co-curated international, artist made films from Berlin for the 2008
festival's program. Mario Pfeifer is a current Fulbright Scholar at
the California Institute of the Art's Film Program.
ÆD 2008, Video, 7:30
ÆDirector, script, editing Mario Pfeifer
ÆPhotography Matthias Biber
ÆCast Sami Moss Mardina, Yeisen Acosta Media
ÆDistribution Mario Pfeifer / blackboardfilms.com
42
Chris Kennedy is an independent filmmaker,
programmer and writer currently living in
Toronto. His experimental films have
screened at over 50 film festivals worldwide
and he has presented film programs in Egypt,
Belgium, Germany, the US and Canada. He
holds an MFA from the San Francisco Art Institute.
ÆCDN 2009, Video, 13:00
ÆDirector, script, photography editing
Chris Kennedy
ÆDistribution Chris Kennedy
SILENT ELECTIONS
Sarah Vanagt
Eine Szene in den Straßen von Goma. Kinder spielen Nachrichtenkorrespondenten: Im Kongo laufen die Vorbereitungen für die ersten demokratischen Wahlen seit
1960. Unter Verwendung verschiedenster Quellen, sammelt Vanagt Beiträge aus
persönlichen Geschichten in einer Region, die durch Hass und Gewalt zerrissen ist.
Silent Elections ist ein Dokumentarfilm über die Erinnerungen und Vorstellungen
junger Kongolesen unmittelbar vor einem möglichen politischen Wandel in ihrem
Land.
In the streets of Goma, children play at being news correspondents: Congo is
preparing for its first democratic elections since 1960. Using a variety of sources,
Vanagt collects elements from personal stories in a region torn apart by hatred and
violence. Silent Elections is a documentary film on the memory and imagination of
young Congolese on the eve of potential political change in their country.
Sarah Vanagt, *1976, studied history in Antwerp, Brighton and Groningen, and film
(National Film and Television School, London). She makes documentaries (Little Figures, After Years of Walking, Begin Began Begun, First Elections, Silent Elections)
and video installations (Les Mouchoirs de Kabila, Power Cut, Hoofd, Ash Tree). Since
2006, Vanagt has also been working on Verplaatste Graven (Displaced Graves) a series of photographs of special cemeteries in Europe.
ÆB 2009, Video, 40:00
ÆDirector, script Sarah Vanagt
ÆPhotography Tonton, Daniel, Dodo
ÆEditing Inneke Van Waeyenberghe
ÆMusic Hughes Maréchal
ÆDistribution Balthasar
43
WHAT IS... MEDIA ART
COLLISION OF PARTS
CIUDAD SIN
TITULO (INSIDE)
BLACK OVAL WHITE
Mark Street
Pedro Jiménez
Sabine Gruffat
Eine kaleidoskopische Träumerei, die über
einen Zeitraum von fünf Jahren in verschiedenen Stadtmilieus aufgezeichnet wurde.
Das Prinzip einer Montage wird ausgeschöpft: kurze Momente, öffentlich und privat, reiben sich aneinander, schaffen eine
geladene Komplexität des Unmittelbaren.
Innen und außen, Bewegung und Stillstand,
Heimat und Reisen, Licht und Dunkel: Eine
Reihe von Antinomien kämpfen darum,
gehört und gesehen zu werden.
A kaleidoscopic reverie recorded over a period of five years in various urban milieus. An
excavation of the concept of montage: small
moments, public and private, brush up
against each other, creating a charged tapestry of the immediate. Inside and outside,
motion and stasis, home and travel, light and
dark: a series of antinomies struggle to be
heard and seen.
Ein intimes Porträt von
Mexiko Stadt durch einige
seiner Cafés, Kneipen
und Restaurants. Eine
Betrachtung des alten
und müden Ungeheuers,
zu dem diese Stadt geworden ist.
An intimate portrait of
Mexico City through some
of its cafés, taverns and
restaurants. A reflection
of the old and tired monster that has become this
city.
Eine Videoaufzeichnung einer abstrakten Computeranimation, die
durch elektronische Oszillatoren
und Rückkopplung verschlüsselt,
gelöscht und freigestellt wird. Das
Geräusch der elektronischen Oszillatoren kommt verspätet und
schrill um eine Modulation zu erzeugen.
A video recording of a computergenerated abstract animation that
is keyed, wiped and matted by
electronic oscillators and feedback. The sound of the electronic
oscillators is delayed and pitched
to produce modulations.
Mark Street graduated from Bard College
(B.A, 1986) and the San Francisco Art Institute (M.F.A., 1992). His work has appeared at
the Tribeca (5 times), Sundance, Rotterdam,
New York, London, San Francisco, New York
Underground, Sarajevo, Viennale, Ourense
(Spain), Mill Valley, South by Southwest, and
other film festivals. He is Assistant Professor
of Film in the Visual Art Department at Fordham University—Lincoln Center where he
teaches film/video production and other
courses that engage contemporary artistic
practice.
ÆUSA 2010, Video, 15:00
ÆDirector, photography, editing
Mark Street
ÆDistribution Mark Street
44
Pedro Jiménez studied
Communication where he
made his first short film
as cinematographer. In
1998 he takes an Experimental Hand Made Film
Workshop with Naomi
Uman. This becomes a
crucial moment in his
filming approach. He has
worked as director, photographer, editor and
sound designer for several
short films, feature films,
documentaries, collectives.
ÆMEX 2009, Video, 4:47
ÆDirector, script,
photography, editing
Pedro Jiménez
ÆMusic Rubén Albarrán
ÆDistribution
Pedro Jiménez
Sabine Gruffat is a media artist living and working in Madison, WI. She
received her BFA from the Rhode Island School of Design and MFA from
The School of The Art Institute of
Chicago. Currently Sabine is an Assistant Professor of Digital media at
the University of Wisconsin-Madison. Sabine's films and videos have
screened at festivals worldwide including the Image Forum Festival in
Japan, the Split Film Festival in
Croatia, the Ann Arbor Film Festival,
the PDX Film Festival in Portland,
the Dallas Video Festival, Migrating
Forms in New York, The Gene Siskel
Film Center in Chicago, and The
Gramercy Theater in New York.
ÆUSA 2009, Video, 3:00
ÆRealisation Sabine Gruffat
ÆDistribution Sabine Gruffat
THE COLLAGIST
HAUT DER DINGE
(SKIN OF THINGS)
STRETCHING
Amy Lockhart
Thomas Bartels
François Vogel
Diese bezaubernde und humorvolle
Animation entstand in Zusammenarbeit mit dem Künstler Marc Bell.
THE COLLAGIST richtet seinen Fokus auf die Hände von Bell,
während er eine seiner Arbeiten
fertigt. Dieses dynamische, zweidimensionale Werk besteht aus
Zeichnungen, Papier-Ausschnitten
und geloopten Animationen.
This charming and humorous animation is a collaboration with
artist Marc Bell. THE COLLAGIST focuses on Bell's hands as he assembles one of his works. This dynamic
two-dimensional piece incorporates drawings, paper cut-outs and
looped animations.
Am Anfang spaltet der Filmemacher Holz, um sein spartanisches
Atelier zu heizen, am Ende fährt er
auf einer alten Velo Solex dem
Sommer entgegen. Zwischen diesen Realfilm-Aufnahmen liegen
sechs Minuten Film, einzelbildweise an einem Tricktisch aufgenommen, welcher selbst im Film vorkommt: Found footage und Fotoanimation.
On the animation stand, found
footage from the silent film era
meets photographs of the filmmaker's studio and living space. This
poetic collage shows not only the
skin of things but also the beauty
of classic chemical filmworks.
›Stretching‹ ist eine eigenartige
Darstellung urbaner Gymnastik.
Ein exzentrischer Typ fabriziert
verrückte, rhythmische Übungen
entlang der Straßen von Manhattan. Die umliegende Architektur
vermischt sich mit seinem spielerischen Tanz, nimmt teil an seiner
Heiterkeit.
›Stretching‹ is a peculiar display of
urban gymnastics. An eccentric
character concocts crazy, rhythmic
exercises along the streets of Manhattan. The surrounding architecture mingles with his playful dance,
joining in his merriment.
Amy Lockhart is an independent
animator and artist. Her artwork
and award-winning films have been
exhibited internationally. Amy has
educated herself through attending
the Nova Scotia College of Art and
Design, completing an artist residency at the Quickdraw Animation
Society and completing a fellowship at the National Film Board. She
has received international acclaim,
speaking and exhibiting her work at
various art institutions including
The California Institute of the Arts,
where she just completed an artist
residency.
Thomas Bartels studied at the
Brunswick Academy of Fine Arts. In
1986 he co-founded the artists
group Laboratorium and together
with Martin Hansen he created
Karofilm Company in 1990. He has
been working as a free lance artist
since 1993 focussing on experimental film, sculpture and installations.
Bartels shows his films and sculptural works at festivals and exhibitions e.g. in Hamburg, London,
Verona, Grenoble, Budapest, San
Francisco and Amsterdam.
ÆCDN 2009, Video, 2:00
ÆRealisation Amy Lockhart
François Vogel's crazy audiovisual
inventions come from the experiments he has conducted with cameras and from his work in digital
arts. He manipulates images and
concepts, by twisting them like clay
(›Cuisine‹, ›Tournis‹, ›Trois petits
chats‹) or by fragmenting them like
crystal (›Rue Francis‹, ›Faux plafond‹, ›Les Crabes‹).
ÆF 2009, Video, 4:30
ÆDirector, script, photography,
animation, editing, cast
François Vogel
ÆMusic Alain Cure
ÆDistribution Drosofilms
ÆD 2009, 35 mm, 6:30
Thomas Bartels
ÆMusic Wolfgang in der Wiesche
ÆDistribution KAROFILM
45
WHAT IS... MEDIA ART
MEKANISK <-> ORGANISK REDSHIFT
CASTING
Ivar Smedstad
Rocco Helmchen
Gaelle Jaunay
mekanisk<->organisk ist ein Zersetzungsprozess, der eine mechanische Struktur in einen organischen Zustand verwandelt, allein
durch einen einzigen amorphen
Vorgang.
›Nichts hat sich je verändert seitdem ich hier bin, aber ich wage
nicht daraus zu schließen, dass
sich nicht vielleicht doch etwas
verändert hat.‹ (Samuel Beckett,
Der Namenlose 1953)
mekanisk<->organisk is a decomposition that transmutes a mechanical structure into organic
matter through one single amorphous passage.
›Nothing has ever changed since I
have been here, but I dare not infer
from this that it never has.‹
(Samuel Beckett, The Unnamable
1953)
Wie in der Nähe eines starken Gravitationsfeldes dehnt sich die Zeit
in diesem Film und macht die ›leeren‹ Räume zwischen den Bildern
digitaler zeitbasierter Medien
sichtbar, die normalerweise von
Computeralgorithmen interpoliert
werden um uns die Illusion von Zeit
als kontinuierlichen Fluss zu geben.
In this film, time is stretched as if in
the proximity of a strong gravitational field, rendering visible the
›empty‹ spaces between the images in timebased digital media,
which are normally interpolated by
computer algorithms to give us the
illusion of movement as a continual flow.
Ich selbst vergebe mir eine Rolle.
Meine Stimme, die aufgenommen
wird, gibt einer Schauspielerin Regieanweisungen, die die Rolle einer
Preisträgerin spielt. Durch den Text
wird die Situation richtig interessant, alles verschiebt sich ein wenig, da ich es bin, die sämtliche
Rollen spielt, wie ein Selbstporträt,
aber auch ein Kommentar über den
genauen Zeitrahmen einer Performance.
It's a casting of myself by myself.
My voice which is recorded gives
direction to an actress who plays
the role of an artist receiving a
prize. The situation becomes interesting by the text, the scale
changes as it is myself playing all
the roles, like a self-portrait but
also a commentary on the specific
time frame of a performance.
Ivar Smedstad is a Norwegian
artist who has worked in the field of
video art and electronic media
since the early 80s. He has participated in numerous international
video festivals and has received
awards from the Video Art festival
in Locarno, Switzerland as well as
the Norwegian Short Film Festival.
ÆN 2009, Video, 5:08
animation, editing
Ivar Smedstad
ÆDistribution Ivar Smedstad
46
Rocco Helmchen, *1974 in
Annaberg, studied media computer
science before changing to film/television majoring in cinematography,
at the Dortmund University of Applied Sciences and Arts, where he
received his design diploma in
2004. Since then he has worked as a
freelance media artist on various
projects between art, science and
entertainment.
ÆD 2009, Video, 3:40
editing Rocco Helmchen
ÆMusic Johannes Kraas
ÆDistribution Rocco Helmchen
Gaelle Jaunay graduated from
Beaux Arts de Paris in Claude
Closky's studio in 2009. Her videos
have been shown in different European festivals in 2008 and 2009.
ÆF 2009, Video, 3:46
editing Gaelle Jaunay
ÆDistribution Gaelle Jaunay
I STARE BOILING
DUSK
CENTIPEDE SUN
Yusuke Nakajima
Erwin Olaf
Mihai Grecu
Ich möchte, dass du das
anschaust, was ich anstarre.
I want you to watch the
thing which I stare at.
Eine schwarze Frau, in schwarz gekleidet,
läuft in einem dunklem Raum auf und ab, mit
einem Baby auf ihrem Arm... Eine bedrückende Atmosphäre erfüllt das Haus, die
durch die Dunkelheit und das glänzende
Schwarz/Weiß des Films noch verstärkt
wird... ›Dusk‹ ist ein Projekt, in dem Erwin
Olaf eine schwarze Familie als ›obere Mittelklasse‹ zu Beginn des 20. Jahrhunderts porträtiert. Ein soziales Paradies oder ein beklemmendes Gefängnis, eine Geschichte
voller Herablassung oder Hoffnung? (Esma
Moukhtar)
A black woman, dressed in black, walks
around in a dark interior with a baby on her
arm... An oppressive atmosphere fills the
house, amplified by the darkness and the
glossy black and white of the film... ›Dusk‹ is
a project in which Erwin Olaf portrays a black
family as ›upper middle class‹ at the beginning of the 20th Century. A social paradise or
an oppressive prison, a story of condescension or hope? (Esma Moukhtar)
Ein hypnotisierendes Videogedicht
über sich wandelnde Landschaften: eine Aneinanderreihung von
Metaphern der Isolation, Dekonstruktion und die Grenzen eines
bewohnbaren Gebiets schaffen einen einzigartigen Blick auf die gegenwärtigen Umweltverhältnisse.
(Mihai Grecu)
A mesmerizing video poem on
transforming landscapes: series of
metaphors of isolation, deconstruction and the limits of the inhabitable territory create a unique
view of the contemporary environmental condition. (Mihai Grecu)
Yusuke Nakajima, *1984
in Toyama, Japan, video
artist, lives and works in
Osaka. He is interested in
various phenomena existing in the world, and picturizing these. His works
are screened at international festivals and art
museums, EMAF, DOTMOV
etc. He sometimes performs a performance with
video and sound.
ÆJ 2009, Video, 5:22
ÆDirector, script,
Yusuke Nakajima
ÆDistribution
Yusuke Nakajima
Erwin Olaf, *1959 in Hilversum, NL, as Erwin
Olaf Springveld. He went to the School for
Journalism in Utrecht, where he graduated in
1981 as a writing journalist. After finishing
his formal education, he gained recognition
as a photographer. In 1988 he had his breakthrough when he was awarded the first prize
in the Young European Photographer competition. His photography as well as his moving
images have won multiple awards in and outside the Netherlands. He is world-famous for
photography, films and video.
ÆNL 2009, Video, 5:11
ÆRealisation Erwin Olaf
ÆDistribution
Mihai Grecu, *1981 in Sebes, Romania. After studying Design and
Fine Arts in Romania and France,
now he works as an independent
artist in the fields of video/contemporary art, cinematography and
graphic design. His videos explore
the structures and genesis of anxiety: distorted landscapes, unknown
menaces, metamorphosis, neonlight and alchemy convert into a
heterogeneous universe of roughcut
video and 3D animation.
ÆF 2010, Video, 10:00
ÆDirector, script Mihai Grecu
ÆPhotography Enrique Ramirez
ÆEditing Mihai Grecu,
Seto Momoko
ÆProducers Guillaume King,
Julien Taib, Mihai Grecu
ÆDistribution Mihai Grecu
47
MATERIA LUMINOSA
# 37
MATERIA OBSCURA
Joost Rekveld
Jürgen Reble
›Andronikos sagt, dass man an einem bestimmten Ort in Spanien kleine Steine verstreut vorfindet, die mehrkantig sind und
dort willkürlich wachsen. Einige von ihnen
sind weiß, andere wie Wachs, die kleinere
Steine mit sich tragen, die ihnen ähnlich sehen. Ich bewahrte einen davon auf um es
selbst zu testen, und gebar zu Hause ein
Kind – die Geschichte stimmt also.‹ (Paradoxographus Palatinus, anonym, 3. Jahrhundert)
›Andronicos says that in a certain place in
Spain one finds small, scattered stones that
are polygonal and grow spontaneously. Some
of them are white, others are like wax and
pregnant with smaller stones similar to
themselves. I kept one to verify this myself
and it gave birth at my place, so the story is
not a lie.‹ (Paradoxographus Palatinus,
anonymous, 3rd century)
Ausgangsmaterial sind handentwickelte 16mm Filmstreifen,
die ich mit Chemikalien überhäuft hatte. Dabei entstanden sogenannte ›Chemogramme‹ bei denen die verwendeten Substanzen - überwiegend Salze - zum bildgebenden Inhalt wurden. Ich
digitalisierte das Material Bild für Bild in hoher Auflösung und
begann am Computer allmählich die Abläufe der einzelnen Sequenzen zu analysieren. So entstand eine Morphologie der Filmemulsion mit den darin eingeschlossenen Substanzen.
The source material is hand-processed 16 mm film stripes that
I covered with chemicals. In these so-called ›chemo-grams‹ the
used substances, mainly salts, became moulding shapes. I digitized the material, frame by frame, in high resolution and started with the computer to slow down the speed just to analyse
the sequence of events. Thus arose a morphology of the film
emulsion, revealing the embedded substances and a bizarre,
strange world full of magic.
Joost Rekveld, *1970, makes abstract films
and kinetic installations since 1991, initially
judging by the idea of a form of music for the
eye. For his animation films he develops his
own tools, frequently inspired by historical
impasses in science and technology. He made
projections and AC2light composition for several dance and theatre productions and also
works as a curator and teacher.
#37 (2009). #23.2 Book Of Mirrors (2002).
#11, Marey <-> Moire (1999). #3 (1994).
ÆNL 2009, 35 mm, 31:00
ÆDirector, script, photography, animation,
editing Joost Rekveld
ÆMusic Yannis Kyriakides
ÆDistribution Filmbank
48
Jürgen Reble, *1956 in Düsseldorf. From 1979 until 1989 he was
a member of the film ensemble Schmelzdahin. His work is often
rooted in manual processing of film footage using mechanic and
chemical influences. Since 1992 he works together with the
sound artist Thomas Köner in special performances. His works
have exhibited at the Museum of Modern Art, New York; Auditorium of the Louvre, Paris; he has got a scholarship from the
Kunstfond in Bonn. Reble lives and works in Bonn, Germany.
ÆD 2009, Video, 45:00
ÆDirector, script, photography, animation, editing, music
Jürgen Reble
ÆDistribution Jürgen Reble
ERIE
ERIE
Kevin Jerome Everson
Einzelereignisse am Eriesee, wo das General-Motors-Werk kurz vor der Schließung steht. Zusammen ergeben
sie ein Bild der Kultur der afroamerikanischen Arbeiter in der postindustriellen Wirtschaft. In schwarz-weiß gedreht erzählt es Geschichten ohne Worte: Zwei Schwert kämpfende Männer, von denen einer immer verliert. Ein
Mann mit einem Schraubenzieher, Elektrodraht und einer engelsgleichen Geduld, der versucht, ein Auto aufzubrechen. Eine Gruppe junger Mädchen in Regenmänteln auf einer Bootsfahrt an einem Wasserfall. ›Erie‹ besteht aus unabhängigen Ereignissen, die in der Umgebung des Eriesees schwarz-weiß gedreht wurden. Sie alle
haben ungefähr die gleiche Länge - etwa 10 Minuten - die Länge einer Filmrolle und sind ohne Bearbeitung aneinandergeschnitten.Es werden kaum Worte gesprochen, außer von (umso mehr) drei Leuten, die im GeneralMotors-Werk arbeiten. Das Werk wird bald geschlossen, wie so viele Stahl- und Automobilunternehmen - zur
Freude all jener, die der Ansicht waren, dass die Ungelernten viel zu viel verdienten. Auf diese Weise passt ›Erie‹
perfekt zum zentralen Thema des umfangreichen Werks von Kevin Jerome Everson: Die Kultur der afroamerikanischen Arbeiter.
Isolated events around Lake Erie, where the General Motors factory is about to close. Together they sketch a
picture of the culture of Afro-American workers in a post-industrial economy. Shot in black-and-white it tells
stories without words: Two sword-fighting men, one of whom always loses. A man with a screwdriver, electric
wire and angelic patience, trying to break into a car. A group of young girls wearing raincoats on a boat trip along
a waterfall. ›Erie‹ is made up of independent events filmed in black-and-white in the area around Lake Erie.
They all last about the same length of time -10 minutes- the length film-roll and they are edited back-to-back
without any processing.Hardly any words are spoken, apart from (all the more) by three people working at the
General Motors factory. The factory is soon going to close, like so many major steel and car companies - to the
joy of those who thought that the untrained were earning much too much money. In this way, ›Erie‹ fits in perfectly with the central theme in the sizeable oeuvre of Kevin Jerome Everson: the culture of Afro-American
workers.
Kevin Jerome Everson. ›I'm hanging out, coolin’, on the frames that connect the necessity and the coincidence.
Formally, that is.‹ My films and artwork are about responding to daily materials, conditions, tasks and gestures
of people of African descent. These materials, systems, tasks and gestures are repositioned through a variety of
mediums such as photography, film, sculpture, artist books and paintings. The results usually have a formal reference to art history and resemble objects or images seen in working class culture. This strategy invites the work
to be interpreted by a variety of communities. Over the past twelve years I have completed three feature films
and almost fifty short 16mm, 35mm and digital films about the working class culture of Black Americans and
other people of African descent. My films focus on conditions, tasks, gestures, and materials in these communities. The films consist of the relentlessness of every day life, as well as its beauty-and have a naturalistic, almost
documentary-like texture. Recently I have been responding to the performance of peoples of African descent in
old film footage as if it were theater. Either by reenacting the films or just using the footage, I am attempting to
create an archive of these performances.
ÆUSA 2010, Video, 81:00
ÆDirector, script, photography, editing Kevin Jerome Everson
ÆCast Matilda Washington, Daisy McNeil, Sadie Swoope, Add Swoope, Aaron Pitre, Tafik Muhammed
ÆProducers Kevin Jerome Everson, Madeleine Molyneaux/Sales Picture Palace Pictures
ÆDistribution Kevin Jerome Everson
49
LINES AND TRACES
ME, MYSELF AND I IN THE AGE OF DOWNLOAD
Thomas Kutschker
Me, Myself and I in the Age of Download setzt sich auf unterhaltsame Weise mit dem Phänomen des
digitalen Kopierens und der Downloads aus dem Internet auseinander. Es ist ein wissenschaftlich anmutendes Experiment, eine poetische Betrachtung der (post-)modernen Welt. Es lässt ebenso an
Duchamps Gemälde ›Akt, eine Treppe herabsteigend‹ denken, wie an den Wandel der Kinotechnik seit
dem Beginn des 20. Jahrunderts. Am Ende sieht das Bild aus wie ein ›retro‹ anmutendes Computerspiel.
Me, Myself and I in the Age of Download is an entertaining exercise exploring the phenomena of digital copying and downloads from the internet. Me, Myself and I in the Age of Download is a scientificlike experiment, a poetical observation of (post-)modern times. It makes you think of Duchamp’s
painting ›Nude, Descending a Staircase‹; and the changes in the cinematic techniques since the beginning of the 20th century. It ends in a look-alike retro-styled computer game.
Thomas Kutschker, *1963 in Mannheim, Germany, professional freelance photographer since 1987.
Working in the film business since 1989. Freelance cameraman for cinema and TV since 1992. 19931996 postgraduate studies at the Academy of Media Arts Cologne, MA in Audiovisual Media. 1998 First
Prize of the state government for young directors and DOP´s. 2000 Stipendium for artists by the state
government. 2000-2005 lectures about film theory and documentary film at the Humboldt-University,
Berlin. From 2005 film lectures at the UDK Berlin and from 2006 film lectures at the Academy of Arts,
Düsseldorf.
ÆD 2010, Video, 4:14
ÆDirector, script. photography, editing
Thomas Kutschker
ÆMusic Aki Onda
ÆDistribution Thomas Kutschker
50
SCHUTZFILM - THAUMATROPE
CARBON DATING ANGELS
Daniel Kötter
Robin Kiteley, Samuel Stocks
schutzfilm - Thaumatrope ist eine Radikalisierung des
Schuss – Gegenschuss Prinzips. Der Grund für die Unschärfe zwischen Subjektive und Objektive liegt in der
Limitiertheit unserer Wahrnehmung. Der Film ist der
dritte Teil der Super8-Trilogie camera movement and
location. checkpoint (2006), Ein Kinderspiel (2007). Location: Schutzraum einer Tiefgarage in einer Hochhaussiedlung am Rande von Istanbul. Weiße Wände,
helles Licht, weder Tür noch Fenster.
schutzfilm – Thaumatrope is a radical approach to the
principle of shot-countershot. The reason for the blurring of subjective and objective lies in our limited perception. schutzfilm – Thaumatrope is the single-channel version of the third part of Daniel Kötter’s Super8Trilogy camera movement and location. Location: a
shelter in an underground car park on the outskirts of
Istanbul. White walls, bright light, neither doors nor
windows.
Der Grundgedanke von ›carbon dating angels‹ legt die
Suche nach dem Ursprung nahe und somit nach Bedeutung oder Wahrheit dessen, was sich dem Bereich
wissenschaftlicher Untersuchungen entzieht. Dieser
Beitrag bestimmt das kontrollierte und genaue Bewegungsvokabular archivierter Röntgenfilme in einem
faszinierenden und doch undurchdringlichen Ritual
choreografischer Bewegung. So wie die geleistete Pionierarbeit bei der Röntgenkinematografie eine neue
visuelle Perspektive möglich machte, weist dieser
Film auf Wissensformen hin, die gleichzeitig verborgen und doch offengelegt sind.
The idea of ›carbon dating angels‹ suggests a search
for origin, and by extension meaning or truth, in that
which is beyond the realms of scientific enquiry. This
piece appropriates the controlled and precise movement vocabulary of archive x-ray films in an intriguing,
yet impenetrable, ritual of choreographed movement.
Just as pioneering work in x-ray cinematography
opened up a new visual perspective, this film alludes
to ways of knowing that are at once buried and revealed.
Daniel Kötter, *1975, working as a director and video
artist with special interest in multiscreening and multiperspective video installations. His video- and theatre works were shown at various international festivals, in concert halls, theatres and galleries in Germany, Austria, Switzerland, Belgium, France, Portugal,
USA and Mexico.
ÆD 2009, Video, 7:51
Daniel Kötter
ÆPhotography, cast
Daniel Kötter, Begum Erciyas
ÆDistribution Daniel Kötter
Robin Kiteley is a visual artist based in Huddersfield
(UK) and he works primarily with digital moving image,
photography and writing. He has shown work in international video art and experimental film events since
2007.
Samuel Stocks is a sound composer and sound designer who has recently completed his studies at the University of Huddersfield (UK).
ÆGB 2009, Video, 11:35
ÆDirectors Robin Kiteley, Samuel Stocks
ÆPhotography Christian McGrath
ÆMusic Samuel Stocks
ÆDistribution Robin Kiteley
51
LINES AND TRACES
NIGHT
WALKING ON THE SEASHORE II
Farhad Kalantary
Yoshiki Nishimura
›Night‹ ist eine Reise durch die Dunkelheit. Es ist ein
Kurzfilm, der die Grenzen der Sichtbarkeit untersucht.
Sein packender Soundtrack trägt den Film in immer
tiefere Sphären der Dunkelheit, wobei das Zuschauen
zu einer zunehmenden Herausforderung wird. ›Night‹
wurde auf hochauflösendem Videofilm aus einem fahrenden Zug heraus gedreht, im tiefsten nordischen
Winter.
›Night‹ is a journey in the dark. It is a short film exploring the borders of visibility. Its gripping sound
track carries the film towards deeper layers of darkness as the act of viewing becomes more challenging.
›Night‹ was shot on high definition video from a travelling train in the height of Nordic winter.
Ein Dokumentarfilm über meine körperlichen Erfahrungen an der Küste. Mein Spaziergang wurde auf Video aufgenommen. Der Spazierweg wurde grafisch
dargestellt. Die reale und die virtuelle Welt wurden
durch meinen Wanderweg miteinander verbunden.
Der Verlauf des Wanderwegs und die Verteilung der
Punkte am Strand folgen beide der Wirklichkeit, die
ich an der Küste erlebte.
Documentary of my physical experience on the
seashore. My walk was taken on video. The walking
path was graphically depicted. The real world and the
virtual world were connected with my walking path.
The shape of the walking path and the positions of
dots on the beach all follow the reality I experienced
on the seashore.
Farhad Kalantary, *1962 in Tabriz, Iran, is a visual
artist working primarily with non-narrative films and
video installations. He has studied at San Francisco
State University (BA, 1992) and San Francisco Art Institute (MFA, 1996) and he lives and works in Oslo, Norway. His works have been shown in various international film festivals as well as in galleries and museums in
the US and Europe, and they are part of the collections
of Moderna Museet, Stockholm, and the Arts Council
Norway.
ÆN 2009, Video, 6:30
ÆDirector, script. photography, editing
Farhad Kalantary
ÆDistribution Farhad Kalantary
52
Yoshiki Nishimura, * in Nagoya, Japan. Undergraduate:
Tohoku University, Electronic Engineering, Sendai,
Japan. Graduate: Illinois Institute of Technology, Institute of Design, Chicago, USA. Worked at TAISEI Corp
(Architecture and Construction), Tokyo for Computer
Graphics. Currently teaching at Media Arts Course, Tohoku University of Art and Design, Yamagata, Japan.
ÆJ 2009, Video, 3:35
ÆDirector, script, animation, photography, editing
Yoshiki Nishimura
ÆDistribution Yoshiki Nishimura
A WALK WITH NIGEL
EAST MAN
Louis Henderson
Christian Neubacher
A Walk With Nigel ist ein Video Essay, das einen Dialog
zwischen zwei Künstlern aus zwei verschiedenen Epochen aufbaut, zwischen Bewegung und Stille, zwischen Reden und Schweigen. Eine archäologische
Studie einer Gemeinschaft, die die verstaubten Archive in der Gegenwart wieder zum Leben erweckt. Eine
materialistische Studie über Straßen und gesellschaftliche Beziehungen.
A Walk With Nigel is a video essay that constructs a dialogue between two artists from two different times,
between movement and stillness, between speech
and silence. An archaeological study of a community,
reawakening the archive in the present. A materialistic
study of streets and social relations.
Ein Vorführerfilm. Er setzt sich aus gesammelten
Start- und Endbändern im Standardmaß, 35mm, zusammen. Christian Neubacher zeigt uns eine Welt, in
der ein Vorführer den Film dort berührt, wo er nicht gesehen werden will, und das Kinobild aus exklusiver Distanz durch eine Glasscheibe wahrnimmt.
›East Man‹ is a projectionist’s movie. It is assembled
from a collection of 35mm leads and ends. Christian
Neubacher shows us a world in which a projectionist
touches film in its intimate parts, where it does not
want to be seen, while experiencing the filmic image
from an exclusive distance behind a pane of glass.
Louis Henderson is an artist who lives in London. He
uses film, video, photography and text. Currently he is
doing a practice based PhD at the University of Arts
London, under the supervision of William Raban and
Jonathan Lahey Dronsfield.
ÆGB 2009, Video, 21:14
ÆDirector, script, photography, editing
Louis Henderson
ÆDistribution Louis Henderson
Christian Neubacher, *1972 in Salzburg, Austria,
where he also grew up. Studied at the School of Graphic Arts in Vienna, photography class. Completed the
course in cinema and science studies at the University
of Vienna. Several works and exhibitions with film, cinema and photography. He acts as a projectionist, journalist and curator of film festivals. Since 2009 Christian Neubacher works at the Austrian Screenwriters Association.
ÆA 2009, 35 mm, 9:00
Christian Neubacher
ÆDistribution sixpackfilm
53
TRACING MEMORIES
WHITE SHOE STATION
TREE OF FORGETTING
Sara Preibsch
Dan Boord & Luis Valdovino
Inspiriert von der Geschichte des mysteriösen Mannes, der 2005 als der ›piano man‹ bekannt wurde, verbindet White Shoe Station Bild, Musik, Text und Stimme, um eine etwas verschleiernde und doch ergreifende Erzählung zu schaffen. Diese Elemente vereint,
versetzen den Film an einen unbestimmten Ort zu einer unbestimmten Zeit, wo er den Zusammenbruch eines Mannes dokumentiert, der sich nicht mehr erinnern oder genannt werden will.
Inspired by the story of the mysterious man who in
2005 became known as the ›piano man’, White Shoe
Station combines image, music, text and voice to create an oblique yet poignant narrative. Together, these
elements set the film in an unnamed place and time,
where it traces the breakdown of a man who no longer
wants to recall or be called.
Die kürzeste Kurzgeschichte der Welt macht einen
Umweg zu einem Ort, an dem Zeit ein Weg mit mehreren Gabelungen ist, die allesamt zu der gleichen Möglichkeit führen – der Vergangenheit. Ein Ort, an dem es
möglich ist unter Familienmitgliedern und Freunden
zu verschwinden, und an dem die Plätze und Dinge des
alltäglichen Lebens genauso gut schreckliche Formen
und Bedeutungen annehmen können. ›Tree of Forgetting‹ ist ein Ort, an dem du vergisst dich nicht an die
Dinge zu erinnern, die andere am liebsten vergessen
würden.
The world’s shortest short story takes a detour to a
place where time is a forking path of possibilities
leading to the same eventuality – the past. A place
where it was possible to vanish among family and
friends and where the places and things of everyday
life may also take on horrific features and meanings.
Tree of Forgetting is a place where you forget not to
remember those things others wish to forget.
Sara Preibsch. *1973 in Stockholm, currently lives in
London where she studied Fine Art and Cultural Studies. She has exhibited her work extensively in the UK
and abroad and recent exhibitions and screenings include: Under Construction, SC gallery, Zagreb 2008.
›Vom Zentrum der Welt und anderswo‹, Kölnischer
Kunstverein, Cologne 2008. Images Festival, Toronto
2008 and Les Recontres Internationales, 2007-08,
Paris, Madrid and Berlin. In 2008 Preibsch was awarded the London Artists' Film and Video Award (LAFVA)
for the production of a new film.
ÆGB 2009, 35 mm, 15:00
ÆDirector, photography, editing Sara Preibsch
ÆScript, voiceover Tilman Rammstedt
ÆMusic Avi Tchamni
ÆDistribution Sara Preibsch
54
Dan Boord and Luis Valdovino are Professors at the
University of Colorado, Boulder. Exhibitions: The Museum of Modern Art, New York, The Walker Art Center,
Minneapolis, The Metropolitan Museum, New York,
Venice Biennal, Italy, Centre Georges Pompidou, Paris,
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid,
Toronto Film Festival, Robert Flaherty Film Seminar
and Stedelijk Museum, Amsterdam.
Dan Boord, Luis Valdovino
ÆMusic Alberto Ginastera
ÆPianist: Alejandro Cremasch
ÆCast Familia Andersch, Familia Cardona,
Familia Valdovino
ÆDistribution Boord/Valdovino
MY MOTHER
AND HER PORTRAIT
THE LAST HAPPY DAY
Chaisiri Jiwarangsan
Lynne Sachs
Die Bilder, die erschienen, und die
ich mit Erinnerungen aus den verschiedenen Filmen verknüpfe, die
ich gesehen hatte; einige ganz lebendig, einige leicht überlappend,
aber alle hatten einen gemeinsamen roten Faden, der sie verbindet
– das murmelnde Geräusch meiner
Eltern, die sich im Bett unterhielten.
The images that appeared, looking
back on the memories of different
films I had seen; some are vivid,
some vaguely overlapping; but all
of them had a common thread
stringing them together, that is the
sound of my parents talking in bed
Das Porträt von Sandor Lenard, einem ungarischen Doktor der Medizin
und entfernten Cousin des Filmemachers. Im Jahr 1938 floh Lenard, ein
Schriftsteller mit jüdischem Hintergrund, vor den Nazis an einen sicheren
Zufluchtsort nach Rom. Dann wird Lenard vom U.S. Militär beauftragt, die
Knochen gefallener amerikanischer Soldaten zu rekonstruieren. Sachs
Film Essay bedient sich persönlicher Briefe, abstrakter Kriegsbilder,
Amateurfilmen, Interviews und einer Kinderaufführung, um eine intime
Betrachtung der zerstörenden Macht des Krieges zu schaffen.
The Last Happy Day is a portrait of Sandor Lenard, a Hungarian medical
doctor and a distant cousin of the filmmaker. In 1938, Lenard, a writer
with a Jewish background, fled the Nazis to a safe haven in Rome. Then
the U.S. Army hired Lenard to reconstruct the bones of dead American
soldiers. Sachs’ essay film uses personal letters, abstracted war imagery,
home movies, interviews and a children’s performance to create an intimate meditation on the destructive power of war.
Chaisiri Jiwarangsan, *1983, in
Bangkok. He is an emerging artist,
working on video and photo installation and also working for an independent film company, Kick the Machine Films. He currently lives and
works in Chaing Mai, Thailand.
ÆT 2009, Video, 4:30
editing Chaisiri Jiwarangsan
ÆDistribution
Chaisiri Jiwarangsan
Lynne Sachs makes films, videos, installations and web projects that explore the intricate relationship between personal observations and broader historical experiences by weaving together poetry, collage, painting, politics and layered sound design. Since 1994, her five essay films have taken her to Vietnam, Bosnia, Israel and Germany - sites affected by international war - where she tries to work in the space between a community's
collective memory and her own subjective perceptions.
ÆUSA 2009, Video, 38:00
ÆDirector, script, editing Lynne Sachs
ÆPhotography Lynne Sachs, Ethan Mass
ÆMusic J.S. Bach
ÆDistribution Lynne Sachs
55
FROM DIFFERENT PERSPECTIVES
HOLDING STILL
Florian Riegel
SEASIDE ist eine kleine Gemeinde an Floridas Golfküste welche auf der ganzen Welt als Geburtsort des NEW
URBANISM bekannt ist – eine Städtebaubewegung die es sich zum Ziel gesetzt hat fußgängerfreundliche, lebenswerte Gemeinden zu bauen. Ende der 90er Jahre erlangte SEASIDE erneut weltweite Aufmerksamkeit als
Drehort der TRUMAN SHOW - einem Spielfilm über das Leben von Truman Burbank (Jim Carrey), welcher in einer künstlich geschaffenen Welt aufwächst, umgeben von unzähligen Statisten - heimlich gefilmt von tausenden versteckten Kameras. Die Art, wie SEASIDE in dem Film dargestellt wurde, gepaart mit den Geschichten
von der kleinen ›perfekten‹ Gemeinde haben es auf der ganzen Welt berühmt gemacht.
Als ich anfing an diesem Projekt zu arbeiten, wollte ich einen Film über die Bewohner dieser kleinen Gemeinde
und die Touristen machen, welche jedes Jahr nach SEASIDE strömen um für ein paar Wochen in den Kulissen
von ›Seahaven‹ zu leben. Dann traf ich Janis... Obwohl Janis seit 20 Jahren in Seaside lebt und die meisten Bewohner ihren Namen kennen, beschreibt sie sich selber als ›unsichtbare Person‹, da sie hier zwar wohnt, an
dem Leben in Seaside aber nicht wirklich teilnimmt. Nachdem Janis im Alter von 22 Jahren einen tragischen
Unfall erlitt und seither querschnittsgelähmt ist, hat sie die folgenden Jahrzehnte fast ausschließlich im Bett
verbracht – eine Tatsache, die sie sich selber nur schwer erklären kann. Mit Hilfe einer Überwachungskamera
beobachtet sie all jene Orte, welche ihr sonst erborgen blieben – ihr Wohnzimmer, ihre Küche und vor allem das
Leben vor ihrem Haus.
SEASIDE is a small community on Florida’s Gulf Coast, known throughout the world as the birthplace of NEW
URBANISM – an urban development movement that aims to create pedestrian-friendly communities that are
worth living in. At the end of the 1990s, SEASIDE once again attracted worldwide attention as the filming location for the TRUMAN SHOW – a feature film about the life of Truman Burbank (Jim Carrey), who grows up in an
artificially created world, surrounded by countless extras – secretly filmed by thousands of hidden cameras.
The way in which SEASIDE was presented in this film, coupled with the stories of the small ›perfect‹ community, has made it famous throughout the world.
When I started working on this project, I wanted to make a film about the residents of this small community and
the tourists who flock to SEASIDE every year to spend a few weeks in the backdrop to ›Seahaven‹. Then I met
Janis... Although Janis has been living in Seaside for 20 years and most residents know her name, she describes
herself as an ›invisible person‹ because, although she lives here, she doesn’t really engage in life in Seaside. Janis had a tragic accident at the age of 22 which left her paralysed from the waist down. She has spent most of
the ensuing decades in bed – a fact that she herself finds difficult to explain. Using a surveillance camera, she
observes all those places that would otherwise remain hidden to her – her living room, her kitchen and, above
all, life in front of her house.
Florian Riegel, *1978 in Berlin. After stays abroad in Israel and Southamerica, he studied political science at the
Freie Universität Berlin in 2002. From 2003 to 2009 he studied film/television at the Academy of Media Arts
Cologne.
ÆD 2009, Video, 26:35
ÆDirector, editing Florian Riegel
ÆPhotography Luciano Cervio
ÆMusic Set Fire To Flames / PC & Sebastian Borowski
ÆProduction, distribution KHM
56
LES INVISIBLES
NESNÁŠÍM... CO? (I HATE...WHAT?)
Lennart Stuyck
Mark Ther
Drehort für den Dokumentarfilm The invisibles ist der
Bahnhof von Brüssel. Der Film handelt einerseits von
der Fähigkeit zu sehen und andererseits gesehen zu
werden. Die Bahnhofsuhr tickt, Züge fahren vorbei,
Menschen kommen und gehen. Und doch hat jeder
seine ganz individuellen Ambitionen und Träume. Sie
alle wollen, so oder so, bemerkt werden. In The invisibles sind die Kamerabewegungen ganz langsam inmitten dieser vielen verschiedenen Leben, die Kamera
zieht vorbei, kehrt zurück und verweilt somit bei jedem Einzelnen von ihnen einen kleinen Moment lang.
The documentary ›The invisibles is‹ set in the train
station of Brussels. It’s a film about the ability to see
on one hand and being noticed on the other. The clock
of the station ticks, trains pass by and people come
and go. Yet everybody has their own aspirations and
dreams. All of them want, in one way or another, to be
noticed. In The invisibles the camera moves slowly
among these different lives, passes by or returns and
thus halts at each and everyone of them.
Eine ältere, untersetzte, jedoch sehr elegante Dame, in
schwarz-weiß gekleidet, mit kurzen, grauen, in Spitzen abstehenden Haaren erzählt. Sie schwelgt in Erinnerungen, spricht Sehnsüchte aus, und vermischt
manchmal Dichtung und Wahrheit. Die Dame spricht
und das Publikum wartet. Die Rolle ist wie das wahre
Leben (nicht nur für diese Frau, Maria Callas oder
Andy Warhol), man kann sie nicht ablegen. Der Zuschauer sieht der Frau zu, und spürt ganz genau die
Anwesenheit einer anderen Person außerhalb des
Blickfelds der Kamera.
An older stout yet elegant lady clothed in black with
short spiky silver hair speaks. She reminisces, yearns,
and mixes traces of real stories with fiction. The lady
speaks and the public waits. The role is like life (not
only for this woman, Maria Callas or Andy Warhol), one
cannot step out of it. The viewer watches the woman,
and clearly perceives the presence of another person
outside the camera's field of vision.
Lennart Stuyck graduated in 2009 from the Belgian
filmschool RITS with great satisfaction. His graduation
project won the audience award at the GROOT
ONGEDULD festival. Currently he is making a movie for
the national public broadcasting company.
ÆB 2009, Video, 18:12
Lennart Stuyck
ÆPhotography Bram Conjaerts
ÆMusic haruki
ÆProduction Tom Van Herzele
ÆDistribution Lennart Stuyck
To enumerate all the possibilities of meaning and
pathos one finds in the vast oeuvre of Mark Ther, who,
in his late 20s, has already become a prolific video
artist in the Czech Republic, one would have to write an
entire book. Rather than producing a body of work that
boasts a coherent message, Ther's videos - incredibly
short, cinematic, hilarious, and confusing - have concerned themselves with the enunciation of a definitive
style ...
ÆCZ 2009, Video, 18:00
ÆDirector Mark Ther
ÆScript Eva Svobodová,
Nicoll Ulrich, Mark Ther
ÆPhotography, editing Martin Boyer
ÆMusic Martin Hejl
ÆCast Slecna Laura
ÆDistribution Mark Ther
57
WE DON'T CARE ABOUT MUSIC ANYWAY
WE DON'T CARE ABOUT MUSIC ANYWAY
Cédric Dupire, Gaspard Kuentz
Auf einem Schrottplatz legt Otomo Yoshihide vorsichtig und mit Präzision eine Münze auf eine Platte, die sich
auf einem Plattenteller dreht. Dann geht er in Richtung seines Transistorradios. Die Münze lässt den Tonabnehmer wieder und wieder an exakt die gleiche Stelle auf der Platte zurückkehren, zum gleichen hohen gläsernen Ton. Sinuswellen dröhnen aus dem Transistor. Ein Ausatmen, dann ein dichtes, dumpfes Geräusch. Der
Draht in einer Glühbirne wird weißglühend. Yamakawa Fuyuki, auf dessen nackter Brust ein elektronisches Stethoskop mit Klebeband befestigt wurde, lässt seinen Herzschlag in der Dunkelheit einer Höhle hallen. Zu jedem
Herzschlag flammt als Antwort ein Licht auf und macht so unauffällig die Felswände sichtbar.
Die Stadt erwacht. Geschwindigkeit, Lärm, Gedränge. Ein U-Bahn-Zug kommt und geht, die Hinweise ›Vergewissern Sie sich, dass Sie kein Gepäck im Zug lassen‹ ertönen aus den Lautsprechern und auch ›Bitte benutzen Sie für Ihren Abfall die dafür vorgesehenen Behälter‹. Sie alle klingen wie hypnotisierende Nachrichten, die
das Ziel haben, einen allgemeinen Ausbruch zu verhindern.
Sakamoto Hiromichi, Otomo Yoshihide, Yamakawa Fuyuki, L?K?O, Numb, Saidrum, Takehisa Ken und Shimazaki
Tomoko beachten sie nicht mehr. Sie haben diese Stimmen von Kindesbeinen an gehört. Sie gehören zur Lautsprecher-Generation. Die Generation, die damit aufwuchs, Papierschwingungen zuzuhören.
In a metal dump, Otomo Yoshihide is minutely placing a coin on a record playing on a turntable. Then he heads
towards his radio transistor. The coin sends the pick-up back to the exact same place on the record again and
again, to the same high-pitch glassy note. Sinus-waves burst out of the transistor. An exhalation, then a thick
and dull sound. The conducting wire of a light bulb turns white-hot. Yamakawa Fuyuki, an electronic stethoscope taped on his naked chest, is making his heartbeat resonate in the darkness of a cavern. To every beat a
light flash answers, stealthily revealing the rock walls.
The city wakes up. Speed, noise, crowd. A subway train comes and goes, the ›don’t forget your luggage on board‹
announcements are spread out by the loudspeakers as the ›please put your garbage in the appropriate container‹ are. They all sound like hypnotic messages aiming to hold any public outburst back.
Sakamoto Hiromichi, Otomo Yoshihide, Yamakawa Fuyuki, L?K?O, Numb, Saidrum, Takehisa Ken and Shimazaki
Tomoko don’t really pay attention to those anymore. They have heard those voices from the cradle. They belong
to the loudspeaker generation. The generation that was raised listening to the paper vibrations.
Cédric Dupire, *1979. In 2003, he went to India to listen to traditional music of Rajasthan. From this encounter
happened his first full-length documentary: Musafir (2005). In 2008, he participated in a project revolving around
the underground scene in Japan. This resulted in ›We don’t care about music anyway…‹.
Gaspard Kuentz, *1981. In 2003, he studied cinema at Eiga Bigakko school, Tokyo. In 2005, short fiction film Chinpira Is Beautiful for the japanese Yakuza 23 Ku series. In 2008, he co-directed ›We don’t care...‹.
ÆF 2009, Video, 80:00
ÆDirectors Cédric Dupire, Gaspard Kuentz
ÆScript Cédric Dupire, Gaspard Kuentz, Noa Garcia
ÆPhotography Cédric Dupire
ÆSound Jacob Stambach
ÆEditing Charlotte Tourrès
ÆCast, music Otomo Yoshihide, Sakamoto Hiromichi, Takehisha Ken,
Yamakawa Fuyuki, Numb, Saidrum, L?K?, Goth-Trad
ÆProduction, Distribution Studio Shaiprod
58
THE EMPEROR'S NEW CLOTHES
ALL RESTRICTIONS END
THE EXCEPTION AND THE RULE
Reza Haeri
Karen Mirza, Brad Butler
›All Restrictions End‹ ist ein experimenteller
Dokumentarfilm, der sich mit der zeitgenössischen iranischen Geschichte befasst und
dabei seinen Fokus auf die Entwicklung der
Kleidung und Mode richtet. Die Struktur dieses nachdenklich stimmenden, free-form
Films ist eine Collage, die sich dem Filmmaterial aus den Archiven iranischer Kinos bedient, Bildern aus verschiedenen Stilepochen in der Geschichte der persischen Malerei sowie Grafiken aus der Zeit der islamischen Revolution und Arbeiten, die von
diversen Künstlern zur Verfügung gestellt
wurden.
›All Restrictions End‹ is an experimental
documentary dealing with contemporary
Iranian history, focusing on the evolution of
clothes and fashion. The structure of this
thought-provoking, free-form film is a collage, using archival footage from Iranian cinema, imagery from various stylistic epochs in
the history of Persian painting, and graphics
from the period of the Islamic Revolution,
and works provided by various artists.
Vorwiegend in Karatschi gedreht, bedient sich The Exception
and the Rule einer Vielzahl von Strategien, um politische Themen bewusst zu behandeln. Unter Verzicht auf traditionelle Methoden der Dokumentation, zeigt der Film das alltägliche Leben
in Zeiten bürgerlicher Unruhen, z.B. Ereignisse vor Ort, öffentliche Interventionen und Beobachtungen. Diese komplexe Arbeit
ergänzt das Artangel Projekt ›The Museum of Non Participation‹
von Mirza/Butler. – Mark Webber London Film Festival Shot primarily in Karachi, The Exception and the Rule employs a
variety ofstrategies innegotiating consciously political themes.
Avoiding traditional documentarymodes, thefilm frames everyday activities within a period of civil unrest,incorporating performancesto camera, public interventions and observation. This
complex worksupplements Mirza/Butler'sArtangel project ›The
Museum of Non Participation‹. - Mark Webber LondonFilm Festival
Reza Haeri, *1974, is an Iranian filmmaker
and producer of documentary and short
films. He lives and works in Tehran. Some of
his recent works include 2004: landfill; waltzing. 2005: Imam Internet. 2006: 127 an Iranian
band. 2008: Final Fitting. 2010: FYI London
underground.
ÆIR 2009, Video, 31:00
ÆDirector, editing Reza Haeri
ÆScript, Narration Reza Haeri, Sahand Abbi
ÆPhotography Mostafa Ghaheri
ÆNarrator Maryam Erfan, Sahand Abbidi
ÆProduction Reza Haeri & Bani Khoshnoudi
for Pensee Sauvage Films
ÆDistribution Reza Haeri
Brad Butler, *1973, has an MA in Documentary Filmmaking from
the Royal College of Art and a degree in Anthropology. In 2000 he
won the BBC2 Documentary talent 2000 competition, as well as
the National Student Television Award in 1998. Since 1998 he
has been creating a body of work in collaboration with Karen
Mirza that has moved between the documentary form and
artists film. This ongoing dialogue about practice has manifested itself in artistic work presented in exhibitions, events and the
cinema. Together with Karen Mirza, he is co-founder of the space
no.w.here.
Karen Mirza, *1970, first studied painting at the Camberwell
College of Art and continued through her MA in film and video at
the Royal college of Art. Since graduating in 1997 she has created site specific and site conditioned works for galleries, public
spaces and the cinema that foreground the sculptural qualities
of projection and the architectonics of film and video.
Karen currently works on solo and collaborative projects utilising printmaking, photography and film to explore themes of ›the
imagination and the everyday’, ›the psychoanalytical and the political’.
ÆGB 2009, Video, 37:00
ÆRealisation Karen Mirza, Brad Butler
ÆDistribution www.@no-w-here.org.uk
59
DECAY AND EROSION
5 LESSONS AND 9 QUESTIONS
ABOUT CHINATOWN
THE HOMESTEAD ACT
Shelly Silver
Steven Woloshen
Man lebt irgendwo und geht immer dieselbe Straße entlang. 50 Mal. 100
Mal. 10.000 Mal. Jedes Mal schnappt man Teile auf, aber registriert doch
niemals das Ganze.
Ein Gebäude wird abgerissen, und bevor das neue dasteht, fragt man
sich: ›Was stand eigentlich vorher da?‹
10 Häuserblocks, Vergangenheit, Gegenwart, Zukunft, Zeit, Licht, Bewegung, Immigration, Ausgrenzung, Gentrizifierung, Rassismus, Geschichte,
China, Amerika, 3 Sprachen, 13 Stimmen, 152 Jahre, 17.820 Bildausschnitte, 9 Minuten, 54 Sekunden, 9 Fragen, 5 Lektionen, Chinatown.
You live somewhere, walk down the same street fifty, a hundred, ten
thousand times, each time taking in fragments, but never fully registering
the place.
A building comes down, and before the next one is up you ask yourself
›what used to be there?‹
10 square blocks, past, present, future, time, light, movement, immigration, exclusion, gentrification, racism, history, China, America, 3 languages, 13 voices, 152 years, 17,820 frames, 9 minutes, 54 seconds, 9
questions, 5 lessons, Chinatown.
Erosion ist ein Symbol für Veränderung und Regeneration in einem
Land. Das Homestead Act, das auf
US-amerikanischem Bundesrecht
basiert und den Antragsstellern
Anspruch auf Grundbesitz in Form
von 160 Hektar unerschlossenem
Land verleiht, ist ein kurzer Experimentalfilm über Erosion und die
Folgen von Verfall.
Erosion is a symbol of change and
regeneration in the land. The
Homestead Act, based on the United States Federal law that gave an
applicant freehold title to 160
acres of undeveloped land, is a
short experimental film about erosion and the results of decay.
Shelly Silver, *1957 in New York. Using an irreverent mixture of fiction,
documentary and experimental genres, Shelly Silver's work is funny, poetic and formally beautiful, seducing the viewer into pondering such difficult
issues as the cracks in our most common assumptions, the impossibility
of a shared language, and the ambivalent and yet overwhelming need to
belong. Silver's art has been exhibited widely throughout the U.S., Europe
and Asia. She lives in New York and teaches in the Visual Arts department,
Columbia University.
Steven Woloshen, *1960 in Montreal. In 1980 he was admitted to Concordia University in Montreal and
specialized in 16mm independant
film techniques. In 2002, he presented to the public his first retrospective of films produced between
1982 and 2002 hosted by The Cinémathèque Québécoise. Steven
Woloshen is currently living in Montreal and is a member of the Director's Guild of Canada since 1991,
and the STCVQ since 1986.
ÆUSA 2010, Video, 10:00
ÆDirector, script, photography, editing Shelly Silver
ÆProducer Karin Chien
ÆDistribution dGenerate Films
ÆCDN , Video, 8:11
animation, editing
Steven Woloshen
ÆDistribution Vidéographe
60
THEY COME THEY GO
(25TH FRAME)
BEYOND THE ROUNDABOUT?
Boris Oicherman
Nicky Larkin
Eine 1-minütige Animation aus
Schwarz-Weiß-Fotografien, die mit
einer Geschwindigkeit von einer
vierundzwanzigstel Sekunde über
den Bildschirm flimmert, untermalt mit Musik von Robert Fripp
und Patricia Leavitt.
A 1-minute animation built from
black and white photographs flickering at the rate of 1/24th of a second, with music by Robert Fripp
and Patricia Leavitt.
Beyond The Roundabout? erkundet die berüchtigten Viertel der Stadt Limerick. Der Film wurde über einen Zeitraum von acht Monaten gedreht
und entführt uns weit hinein in die verwahrlosesten Gegenden Irlands.
Der Stadtrat hat sich entschlossen, diese Gebiete komplett abzureißen
und die konfliktbeladenen Viertel neu aufzubauen. Die Bewohner werden
jedoch immer frustrierter, weil nichts unternommen wird und leben in
ständiger Angst inmitten eines endlosen Teufelskreises von Morden im
Unterweltmilieu. Kann die reine Umgestaltung des äußeren Bildes wirklich solch tiefverwurzelte Probleme sozialer Ausgrenzung beheben?
Beyond The Roundabout? explores the notorious estates in Limerick city.
Shot over the course of eight months, it takes us deep inside Ireland’s
most neglected estates. The City Council has decided to completely demolish these areas, and rebuild the troubled estates. However, the residents are becoming frustrated by the lack of action, living in fear amid an
endless cycle of gangland murder. Can a superficial transformation really address such deep-rooted issues of social exclusion?
Boris Oicherman: I studied printing
technologies, digital imaging, and
completed my PhD in colour science
in 2006. At the moment I am a senior research scientist in the Hewlett
Packard Laboratories, where I do
research in the fields of colour science, computational photography
and image emotion. I am an autodidact artist working with photography, animation, installation and
generative video.
ÆIL 2009, Video, 1:00
ÆRealisation Boris Oicherman
ÆDistribution Boris Oicherman
Nicky Larkin, *1983 in Birr, Ireland. He studied Fine Art in Chelsea College
of Art, London. In 2007 he travelled to the Chernobyl exclusion zone to
make the internationally-acclaimed experimental short ›Pripyat‹. In 2008
his work was screened at The Locarno Film Festival, Switzerland, The European Media Art Festival, Germany, The Optica Madrid International
Video-Art Festival, and The Strasbourg International Film Festival. He is
represented by The Molesworth Gallery, Dublin.
ÆIRL 2009, Video, 44:10
ÆDirector, script, photography, editing Nicky Larkin
ÆDistribution Nicky Larkin
61
ADIEU MON GENERAL
ADIEU MON GÉNÉRAL
Muriel Montini
Der Monat Juli. Alles, was zum Sommer gehört, Strand, Feste, Begegnungen, der Anfang von Liebesgeschichten. Und das Ende.
›Geht es hier darum, die tägliche Routine der Liebe darzustellen, eine Fiktion über das Ende einer Geschichte
zu schaffen? Muriel Montini weigert sich, die Dinge so zu sehen und ihre früheren Filme (insbesondere ihre
Kurzfilme) haben dies schon mit Vehemenz gezeigt. Stattdessen behandelt sie das Kino als ein aufwändiges
Vorhaben, selbst wenn die ihr zur Verfügung stehenden Mittel offensichtlich bescheiden sind, und sie passt
sich virtuos daran an. Es ist genau diese Kombination zwischen den unbearbeiteten, fast schon zusammengewürfelt wirkenden Szenen, die man auch als ›gestohlen‹ bezeichnen könnte – bei Tanzveranstaltungen, auf der
Straße, am Strand, bei Pferderennen, selbst in der Wohnung (natürlich sind diese die schwierigsten) und einer
Genauigkeit bei Bildeinstellung und Schnitt, die zeitweilig ungleichmäßig, ungeordnet sind - ein Können, das
kurz gesagt nicht von Anfang an sichtbar ist, sich vielmehr erst durch seine Beharrlichkeit offenbart, die den
Wert von ›Adieu‹ ausmacht. Der besagte General ist hier offensichtlich das Objekt jener Liebe und er wird allmählich seine Streifen verlieren. Er übernimmt auch eine Funktion als eine Art kineastische Position – interventionistisch, selbstbewusst, jemand, der wie ein guter kleiner Soldat Pläne organisiert. Daher ist es ein
zweifacher Kampf, der geführt wird. Wie über (fast) nichts sprechen: Spätes Aufwachen unter einem Kissen,
Geldprobleme, der Name des Viertels, Gesprächspausen, Enttäuschung, ohne Bedeutungskrümel mit einer
Geste zu verzerren, die viel zu großartig für sie ist. Im weiteren Sinne, wie ›Adieu‹ sagen zur bekannten Ordnung
und ein neues Drehbuch schreiben, das endlich zeitgemäß ist.‹ (Jean-Pierre Rehm/Fidmarseille - association
vue sur les docs)
The month of July. Everything that makes a summer; the beach, the balls, the encounters, the beginning of love
stories…And the end.
›Is this about documenting the daily routine of love, to create a fiction around the end of a story? Muriel Montini refuses to share things this way, and her previous films (her short films, especially) have already shown this
with firmness. Instead, she treats cinema as a massive operation, even though her resources are clearly modest, and she adapts to it with virtuosity. It is precisely this alliance between its raw, almost thrown together aspect of scenes we might call ›stolen‹ – at popular dances, in the street, on the beach, at horse races, in the flat
too (the most delicate, of course) – and a precision in the framing and editing which at times are uneven, disordered, whose mastery, in a word, does not reveal itself from the outset, but rather through its tenacity, that
gives value to Adieu. The General in question is here obviously the object of that love, and he will gradually lose
his stripes. But he also functions as a sort of cinematic position – interventionist, self-confident, someone to
organise plans like a good little soldier. It’s a twofold battle that is waged, therefore. How to speak about (almost) nothing: waking up late hidden under a pillow, money problems, the name of the neighbourhood, lulls in
conversations, disappointment, without distorting the crumbs of meaning in a gesture that is much too vast
for them. In a wider sense, how to say ›adieu‹ to known order and to write a new script that is, finally, contemporary.‹ (Jean-Pierre Rehm/Fidmarseille - association vue sur les docs)
Muriel Montini, studies of cinema, lives and works in Paris.
ÆF 2009, Video, 58:15
ÆDirector, script, photography, editing, production Muriel Montini
ÆCast Youcef Bélaribi, Muriel Montini, Steven Durose, Thierry Renon, Alain Comte, Wasthie Comte
ÆDistribution Muriel Montini
62
ILLUSIONS + OTHER TRUTHS
FILM FÜR ÜBERS SOFA
(FILM FOR ABOVE THE SOFA)
PSYCHO-ANALÝZA
(PSYCHO-ANALYSIS)
Daniel Kötter, Hannes Seidl
Barbora Švarcová
›Man muss auch mal Bilder für übers Sofa malen.‹ (Martin Kippenberger)
Katharina Kellermann und Frank Max Müller häufen an. Sie arrangieren Gegenstände im Zimmer, schichten, schieben, trennen, produzieren Klang, Bewegung, Lärm, Film, Musik. Während
der Bildraum immer wieder umgeschichtet, neu arrangiert und
umgedeutet wird, verdichtet sich der Klangraum zu einer musikalischen Erinnerungsspur von visuell schon wieder abwesenden Aktionen.
›Sometimes you need to produce paintings to be hung above the
sofa,‹ (Martin Kippenberger).
Katharina Kellermann and Frank Max Müller accumulate objects. They arrange and re-arrange the set, they push, pile up
and tear apart. They produce sound, movement, noise, film, music. While the cadre is rearranged and reinterpreted again and
again, the soundtrack accumulates musical traces of what has
visually already disappeared.
Als Material für meinen Film wählte ich einen
der bekanntesten ›Klassiker‹ aller Zeiten:
Hitchcocks Psycho. Ich war bestrebt eine Situation zu schaffen, wie ich sie mir immer
vor meinem geistigen Auge vorgestellt hatte
wenn ich über einen Film nachdachte.
As my material, I chose one of most wellknown ›classic‹ movie of all times: Hitchcock’s Psycho. I have endeavoured to construct the situation I always imagined in my
head when I was thinking about a film.
Daniel Kötter, *1975, working as director and video artist with
special interest in multiscreening and multiperspective video installations. His video- and theatre works were shown at various
international festivals, in concert halls, theatres and galleries in
Germany, Austria, Switzerland, Belgium, France, Portugal, USA
and Mexico.
Hannes Seidl, *1977 in Bremen, Germany. He studied composition at the Folkwang-Hochschule from 1998 until 2003 and as a
postgraduate in Graz 2003-04. He has had international performances with ensembles such as Klangforum Wien, Ensemble
Modern, Ensemble Oriol, Thürmchen Ensemble and KNM. He
lives in Frankfurt since 2005 as a freelance composer.
Barbara Švarcová, study at Centre of Audiovisual Studies FAMU, which is part of Academy of Performing Arts in Prague, Czech Republic. Her main domain is video, but now is
trying to emancipate from computer and
make installation.
ÆCZ 2009, Video, 3:10
Barbora Švarcová
ÆDistribution Barbora Švarcová
ÆD 2009, Video, 11:37
ÆDirectors, script Daniel Kötter, Hannes Seidl
ÆPhotography, editing Daniel Kötter
ÆMusic Hannes Seidl
ÆCast Katharina Kellermann, Frank Max Müller
ÆDistribution Daniel Kötter
63
ILLUSIONS + OTHER TRUTHS
BEINE BRECHEN
(BREAKING LEGS)
EVERYBODY
lorian Krautkrämer
Jessie Mott, Steve Reinke
Drinnen wurde allmählich alles so falsch wie
außerhalb. Die anhaltende Willkür war erdrückend. Doch seit einiger Zeit formierte sich
hier Widerstand. Mit Ausreden und Scheuklappen hat sich der Mann erfolgreich seine
eigene Welt geschaffen, ohne auf äußere
Einflüsse reagieren zu müssen. Als ihn das
Schicksal dennoch zur Entscheidung zwingt,
wählt er erneut eine Fassade aus Lüge und
Schauspiel. ›Beine Brechen‹ ist ein Stummfilm.
Everything seemed to go wrong from within
and without. The never-ending official arbitrariness was oppressing, the examining
glance outside. But lately, resistance has
formed here. With excuses and blinders, the
protagonist achieved in building his own
world without reacting to the events taking
place. But when fate tried to force him into
making a decision, he chooses again a facade constructed of lies and spectacle.
›Breaking Legs‹ is a silent movie
In dieser kurzen Animation diskutieren Tiere über das umstrittene Thema Körperwahn und die Vorzüge der wiederherstellenden Chirurgie. ›Jessie Mott schrieb das Drehbuch dafür, nahm
die Stimmen auf und machte die Zeichnungen. Ich entwarf die
Filmmusik und erweckte ihre Zeichnungen zum Leben.‹ - Steve
Reinke
Animals debate the sticky subject of body dysmorphia and the
merits of reconstructive surgery in this short animation. ›Jessie
Mott wrote the script for this, recorded the voices and made the
drawings. I constructed the soundtrack and animated her drawings.‹ - Steve Reinke
Florian Krautkrämer, *1977 in Freiburg,
studied Fine Arts (film class) at HBK Braunschweig. He is working as a research assistant and lecturer in the media studies department of HBK Braunschweig since 2005.
ÆD 2009, 35 mm, 14:40
ÆDirector, script Florian Krautkrämer
ÆPhotography Sebastian Egert
ÆEditing Sebastian Neubauer
ÆMusic Peter M Glantz
ÆCast Lars Rudolph, Susanne Maierhöfer,
Tilman Thiemig, Moritz Koch, a. o.
ÆDistribution Florian Krautkrämer
64
Jessie Mott is a visual artist who currently lives in Chicago. She
earned an MFA from Northwestern University and a BFA from
New York University. Her practice encompasses painting, drawing, collage, sculptural objects, video and installation that speak
to a dream-like or nightmarish quality of fantasy and the
grotesque.
In 2009, she collaborated with Steve Reinke on the animation
EVERYBODY, which has been screened in national and international festivals.
Steve Reinke, *1963, is an artist and writer best known for his
videos. His work is screened widely and is in several collections,
including the Museum of Modern Art (New York), the Centre Pompidou (Paris), and the National Gallery (Ottawa). His tapes typically have diaristic or collage formats, and his autobiographical
voice-overs share his desires and pop culture appraisals with
endearing wit. He is currently associate professor of Art Theory &
Practice at Northwestern University.
ÆDirector, producer Jessie Mott, Steve Reinke
ÆScript, art design Jessie Mott
ÆEditing Steve Reinke
ÆDistribution Video Data Bank
NII PIKK
(SO LONG)
ZEITRISS
THE HEALERS
Andres Tenusaar
Quimu Casalprim i Suárez
Tim Leyendekker
Dieser Film ist wie der unumgängliche Albtraum.
Menschen haben Angst
vor Dingen, die in ihnen
entstehen. Sie haben
auch Angst vor Dingen,
die auf sie zukommen
oder in sie eindringen.
This film is like the essential nightmare. People are
very afraid of things that
come out of them. They
are also very afraid of
things that are coming at
them or into them.
Im Wohnzimmer setzt sich die Frau
neben den Mann und schweigt. Es
ist das Ende. Und es ist gleichzeitig
der Anfang einer Verwandlung des
Geschehens: Licht, Geräusch und
Bewegung.
A woman sits down next to the man
in the living room and remains
silent. It is the end. And at the same
time, it’s the beginning of a transformation of events: light, sound
and motion.
The Healers ist die dekonstruierte Rekonstruktion einer Erinnerung, die im Nachtleben von Rotterdam in der Mitte der 90iger
Jahre liegt. Schichten, die normalerweise
eine kinematografische Einheit bilden, indem sie miteinander verschmelzen, werden
erlegt und dann einzeln serviert, um so die
Grenzen einer konstruierten Erzählung herauszufordern. The Healers kann als Fortsetzung von ›still‹ betrachtet werden, die von
der Kritik gefeierte Arbeit, die erstmals auf
dem IFFR 2006 gezeigt wurde, und die unter
anderem Teil der offiziellen Auswahl von
Clermont Ferrand, TIE und EMAF Osnabrück
war und mit diesem weltweit auf Tour war.
The Healers is a deconstructed reconstruction of a memory set in the mid-nineties
nightlife of Rotterdam. Layers that usually
form a cinematographic entity by merging
together are stripped bare and served up
separately in order to provoke the boundaries of the constructed narrative. The Healers can be regarded as the sequel to ›still‹,
the critically acclaimed work that premiered
at IFFR 2006 and that was in the official selection of Clermont Ferrand, TIE, and EMAF
which toured with the film worldwide.
Andres Tenusaar studied
Art and Photography. He
has been working as an
animator and film director
since 2000. He has also
made videos for theatre
and dance pieces, composed music for films, and
often performs as a VJ
playing his own animated
videos.
ÆEST 2009, Video, 4:15
ÆDirector, script,
Andres Tenusaar
ÆAnimation Andres
Tenusaar, Raivo Möllits
ÆMusic Tanel Ruben
ÆCast Heigo Eeriksoo
ÆDistribution
Andres Tenusaar
Quimu Casalprim i Suárez, *1977 in
Blanes, Catalonia. He studied Film
and Philosophy in Barcelona and
has since worked as a filmmaker
and media artist. He has been
studying as a postgraduate at the
Academy of Media Arts Cologne
since 2007.
ÆD 2009, Video, 11:07
Quimu Casalprim i Suárez
ÆPhotography Rasmus Sievers
ÆMusic Markus Zilz, Oliver Salkic,
Quimu C.S.
ÆCast Heike Trinker,
Klaus Nierhoff
ÆDistribution KHM
Tim Leyendekker, *1973, Netherlands, attended the Willem de Koning Academy for
Fine Arts in Rotterdam. He is a visual artist,
filmmaker and curator.
ÆNL 2010, 35 mm, 9:40
ÆDirector, script Tim Leyendekker
ÆPhotography Tim Leyendekker,
Matte Mourik
ÆEditing Adri Schrover
ÆCast Michiel Bijmans, Gijs Nollen,
Willem Schouten
ÆDistribution Filmbank
65
ORAL HYPNOSIS
ORAL HISTORY
RED HERRING
CÓMO DIBUJAR
ANIMALES TRISTES...
Volko Kamensky
Nico Herbst
Pere Ginard & Laura Gines
Gibt es ein kollektives Gedächtnis
und falls ja, kann man es abbilden?
Es befragen? Selbstredend ja, behauptet Volko Kamensky. Eine Reportage aus dem Land der Gebrüder Grimm.
Is there such a thing as a collective
memory? And, assuming there is,
would it be possible to represent it
in some way? To question it? For
Volko Kamensky, the answer is
self-evident: Of course! A report
from the land of the Brothers
Grimm.
Teil einer Reihe von Arbeiten, die
auf einer ganz eigentümlichen Methode des Porträtierens basiert –
oder gar einer Form des Anti-Porträts – je nach Körnung des Videos.
Eine fiktive Figur taucht aus verschiedenen Formen und Landschaften auf, ist aber nie wirklich
sichtbar. Die Bilder dienen als eine
Art Ablenkung – ein Ersatz für all
das, was man nie direkt sehen
kann.
Red Herring is part of a series of
works based on an idiosyncratic
method of portraiture–or even a
form of anti-portraiture–specific to
the porosity of video. An imaginary
figure emerges from various forms
and landscapes but is never seen
directly. The images serve as a kind
of camouflage–substitutes for
what can never be seen head-on.
›Cómo dibujar animales tristes o
cuaderno de todas las cosas vivas y
muertas que imaginé la noche que
te fuiste para siempre‹ (›Wie man
traurige Tiere malt oder das Notizbuch aller lebenden und toten Dinge, die ich mir vorgestellt hatte in
der Nacht, als du für immer
gingst‹).
›Cómo dibujar animales tristes o
cuaderno de todas las cosas vivas y
muertas que imaginé la noche que
te fuiste para siempre‹ (›How to
draw sad animals or notebook of all
the living and dead things that I
imagined the night you went away
forever‹).
Volko Kamensky,
*1972
in
Würzburg, studied at the HFBK
Hamburg from 1994 to 2001. He is
working as a filmmaker, visual
artist and set designer. In 1999 he
received the German Film Critics
Award and the Goethe-Institut Documentary Film Prize for ›Divina Obsesión‹. He has participated in
many film festivals in Europe and
abroad.
ÆD 2009, 35 mm, 22:00
Volko Kamensky
ÆPhotography Uli Fischer
ÆSounddesign Julian Rohrhube
ÆDistribution Volko Kamensky
Nico Herbst lives in New York City.
Recent screenings/exhibitions of
his work include European Media
Art Festival Osnabrück (2009 and
2006), La MaMa E.T.C., NYC, Compact Space Gallery, Los Angeles,
Sante Fe Art Institute, NM, Stageworks/Hudson, NY, Kinofilm, Manchester, UK, GLAMFA, Long Beach,
Supersonic, L.A., and Kava Lounge,
San Diego. He received a Bachelor
of Arts at Hampshire College and a
Master of Fine Arts at University of
California, San Diego.
editing, music, cast Nico Herbst
ÆDistribution Nico Herbst
66
Laura Ginès and Pere Ginard are illustrators, filmmakers and founding members of Laboratorium, a micro-factory that combines the creation of experimental films and
publications with illustration and
graphic design. Their works have
been exhibited at numerous art galleries in Europe, Asia and the United
States. They have also published
various books and won awards for
photography, illustration and audiovisual projects.
ÆE 2009, Video, 4:34
animation, editing, music
Pere Ginard, Laura Ginès
ÆDistribution Pere Ginard
THE INTERPRETERS
UNTITLED - HYPNO PROJECT
Johannes Maier
Douglas Fishbone
In einem Konferenzsaal der Europäischen Kommission in Brüssel organisierte ich ein Treffen mit 12 Dolmetschern. Aus Anlass der Arbeit ›The Interpreters‹
bat ich sie um die Verdolmetschung der Ankündigung
und Einführung in mein Projekt, sowie der anschließenden Diskussion, die sie untereinander führten.
Ich regte sie an ein eigenes Kommunikationssystem
zu entwickelten, welches die Grundlage für eine Diskussion über Simultanübersetzung darstellte.
In a conference room at the European Commission in
Brussels I arranged to meet 12 interpreters. For the
purpose of ›The Interpreters‹ I invited them to interpret the announcement and introduction to my project
as well as the following discussion amongst themselves. In doing so, they were encouraged to invent
their own communication system in order to create an
unusual platform for a discussion about simultaneous
interpretation.
Es interessierte mich zu sehen, wie ein Publikum reagieren würde, nachdem sein Bewusstseinszustand
verändert wurde und es die Möglichkeit hat zu erfahren, wie ein Werk auf verschiedenen Ebenen gleichzeitig Wirkung zeigen kann – je nachdem wer es anschaut. Ich filmte eine Gruppe von 12 Personen, die
alle von einem professionellen Bühnenhypnotiseur in
Hypnose versetzt wurden, während sie eine neue Videoarbeit von mir ansahen, die ich unter Verwendung
einer Reihe von unterschwelligen Bildern und anderen
Formen von visuellen Reizen gemacht hatte. Jeder Zuschauer erhielt spezielle Anregungen, während er sich
in Trance befand.
I was interested to see how an audience would respond after their conscious state had been altered,
presenting the possibility that a work can operate on
different levels simultaneously – depending on who
views it. I filmed a group of 12 people, all of whom had
been hypnotized by a professional stage hypnotist, as
they watched a new video work I made using a range of
subliminal images and other kinds of prompts. Each
member of the audience was given specific suggestions while under trance.
Johannes Maier, *1971 in Ulm, Germany, lives and
works in London. His work documents events in which
he collaborates with people and institutions such as
interpreters at the European Commission and a newsroom picture editor at the BBC. The focus of Maier's
work, intentionally positioned at the boundaries of art,
documentary and media, is a critical engagement with
televisual forms.
ÆGB 2009, Video, 21:56
ÆDirector, script, editing Johannes Maier
ÆPhotography Bjørn Ståle Bratberg,
Stefania Marangoni, Ulrich Walther
ÆDistribution Johannes Maier
Doug Fishbone is an American artist living and working
in London. He earned an MA in Fine Art degree at Goldsmiths College in 2003 and was awarded the Beck's
Futures Prize for Student Film and Video in 2004. He is
perhaps best known for his project 30,000 Bananas, a
huge mountain of ripe bananas installed in the middle
of London's Trafalgar Square and later given away free
to the audience - in October 2004.
ÆGB 2009, Video, 12:55
ÆDirector Douglas Fishbone
ÆPhotography Tim Sidell
ÆEditing Tolga Saygin
ÆDistribution Douglas Fishbone
67
MISSING LINKS
NACHT UM
OLYMPIA (NIGHT
AT OLYMPIA)
M FOR MOMMY
SISÄINEN LÄHIÖ
(SUBURB WITHIN)
GESCHICHTEN
AUS DER HEIMAT
(HOMESTORIES)
Timo Schierhorn
Kristine Diekman
Pekka Sassi
Curtis Burz
Essayistische Annäherungen an die Person des
eigenen Vaters, der nur
noch in Form von Bildern
und alten Filmen existiert. Die Befragung der
gefundenen Bilder führt
bis zur Neuinszenierung
von
Weihnachtsfesten
und Sportlertreffen.
Essayistic approach to
the person of one’s own
father, who only exists in
the form of images and
old movies. The examination of the found footage
leads to re-enactments
such as Christmas celebrations and work-outs
for sports tournaments.
Was sind das für unüberwindbare,
unstillbare,
enorme Bedürfnisse, die
wir auf das Kind übertragen, auf die die Mutter
mit Angst, Frustration,
Besorgnis und Wut reagiert? M for Mommy beschäftigt sich mit dem
Muttersein, aus der Sicht
von Tochter und Mutter.
What are these insurmountable, unquenchable, vast needs we assign to the child, towards
which the mother responds with fear, frustration, anxiety and rage? M
for Mommy examines
motherhood, from the
viewpoint of the daughter
and mother.
Ein Film über Kommunikation, Erzählung und Gegenwart. ›Das Gestern ist
Geschichte, das Morgen
ein Mysterium, das Heute
aber ist ein Geschenk.
Aus diesem Grund wird es
Präsens(t) genannt.‹
A film about communication, narration and presence. ›Yesterday is history, tomorrow is a mystery,
but today is a gift. That’s
why it’s called present.‹
›Geschichten aus der Heimat‹ wirft einen kurzen
Blick auf die Verelendung
der Bundeshauptstadt
und nähert sich der neuen Armut.
›Geschichten aus der
Heimat‹ takes a quick
look at the impoverishment of the German capital, and approaches the
new poverty.
Timo Schierhorn, *1979 in
Winsen/Luhe, Germany,
studied Visual Communications at the HFBK Hamburg, graduated in 2009.
ÆD 2009m, Video, 15:00
Timo Schierhorn
ÆPhotography
Thomas Oswald
ÆAnimation Ulf Groote
ÆMusic Christian Mevs
ÆCast Jo Kappl,
Timo Schierhorn,
Michael Schreiner,
Annekatrin Schütz
ÆDistribution
Timo Schierhorn
68
Kristine Diekman is a media artist whose work
shows internationally. She
is committed to making
socially integrated films,
videos and media installations. She is a Professor
in California.
ÆDirector, photography,
editing
Kristine Diekman
ÆMusic Jeffrey Ruckma,
Tony Allard
ÆDistribution
Kristine Diekman
Pekka Sassi, *1969, lives
and works in Helsinki. In
his work he uses various
combinations of video images, sounds, and texts
read aloud, architectural
drawings, manipulated
film material, music, voices, semi-scientific analyses, technical plans and
drawings. His installations and videos have
been show at solo and
group exhibitions, as well
as at festivals worldwide
such
as
Rotterdam,
Cannes, EMAF and Hamburg.
ÆFIN 2009, 35 mm, 11:20
ÆRealisation
Pekka Sassi
ÆDistribution
Bonobostudio
Curtis Burz, *1970 in Medias, Romania. Grew up in
Germany, studied Psychology and then Eastern
European Theory of Drama and Direction at Theaterinstitut Bremen. Curtis Burz works freelance
as an actor, director and
filmmaker.
ÆD 2009, Video, 29:08
Curtis Burz
ÆPhotography
Andreas Gockel bvk
ÆMusic Christian Biegai
ÆDistribution
Curtis Burz
MASH UP - HOLLY GOES WOOD
2:48 MINUTOS
CON LA PUERTA
GREAT MAN
AND CINEMA
TATITUDE
Andrés Jurado
Jim Finn
Vivian Ostrovsky
Dieses Werk ist ein Mash Up von
Szenen aus zwei lateinamerikanischen Horrorfilmen. Die Art wie
dieser Film bearbeitet wurde
schafft eine Gegenüberstellung
zweier Möglichkeiten zur Darstellung der Frau, die miteinander verbunden werden, um den skurrilen
Effekt von Horror, Spaß und Anspannung noch zu verstärken.
This Work is a mash up of fragments of two Latin-American horror films. The edit creates a confrontation of two kinds of representations of the woman, conjugated to potentiate a strange effect of
horror, fun and anguish.
Kim Jong II, der Stalinist David O.
Selznick, leitet das staatliche Filmstudio, um somit die Möglichkeit zu
haben, den Kult um sich selbst und
seinen Vater noch zu verstärken.
Dieser Film fasst die Führungsphilosophie des ›Geliebten Führers‹
kurz zusammen, mit seinen Gefühlen angesichts des imperialistischen Ungeheuers auf seinen Fersen.
Kim Jong II, the Stalinist David O.
Selznick, runs the state film studio
as a way of promoting his own and
his father's cult of personality. This
film succinctly synthesizes the
Dear Leader's directing philosophy
with his feelings toward the imperialist beast at his heels.
Ein wunderbare Neuauflage von
Jacques Tatis Klassiker Les Vacances de M. Hulot (Die Ferien des
Herrn Hulot). Möwen schreien, Wellen klatschen und Badeurlauber
tollen an endlosen Sommertagen
am Strand. TATITUDE legt nahe,
dass Sand, Wasser und Sonne die
Grundelemente für ein glückliches,
sorgenfreies Leben sind, vielleicht
sogar das Geheimnis ewiger Jugend. Auf Super 8-Film gedreht.
A delightful update of Jacques
Tati’s classic Les Vacances de M.
Hulot (Mr. Hulot’s Holidays). Seagulls squawk, waves crash and
swimmers cavort in endless summer days spent on the beach. TATITUDE suggests that sand, water
and sun are the basic elements in a
happy, carefree life, and maybe
even the secret to eternal youth.
Shot in super 8.
Andrés Jurado: Visual artist, teaches in the Department of Visual Arts
of the Pontificia Universidad Javeriana of Colombia. Studied at the
University of Caldas. Realized a
specialization in the National University of Colombia in Art and New
Technologies. He is attending a
Master in Visual Arts in the UNAM National School of Plastic Arts.
ÆDirector, editing Andrés Jurado
ÆDistribution Andrés Jurado
›Jim Finn has made a name for himself...thanks to his feeling for irony
and his capacity to shape something new from propaganda, news
and other historic images.‹ His films
have screened at the MoMA and international festivals like Sundance,
Rotterdam, Sao Paulo, AFI and Edinburgh as well as cinematheques,
galleries and museums throughout
the world. He has had retrospectives in Argentina, Spain, Colombia
and Venezuela. He was born in St.
Louis and is currently living in Providence, RI and teaching at Emerson
College in Boston.
ÆRealisation Jim Finn
ÆDistribution Video Data Bank
Vivian Ostrovsky, *1945 in New York
City. She grew up in Rio de Janeiro
and studied psychology and film
studies at the Sorbonne in Paris.
She lives in Paris and New York and
works as a filmmaker and distributor and as a programmer for the
Jerusalem Film Festival.
ÆF 2009, Video, 3:40
ÆDirector, script, photography
Vivian Ostrovsky
ÆEditing Vivian Ostrovsky,
Ruti Gdis
ÆDistribution JET LAG
69
MASH UP - HOLLY GOES WOOD
LES PARAPARAPLUIES
DON'T BOGART
THAT JOINT
MASHED UP
RADIO
ISABELLE HUPPERT
SECRET THOUGHTS
Stefan Demming
Harald Schleicher
Tilman Küntzel
Christina Speer
Basierend auf Ausschnitten aus dem Film ›Les parapluies de Cherbourg‹
von Jacques Demy von
1964 ist per Sampling
eine audiovisuelle Komposition entstanden, die
den narrativen Gehalt der
Einstellungen und Handlungen stark reduziert.
Based on the film ›Les
parapluies de Cherbourg‹
by Jacques Demy (1964),
an audiovisual composition evolved that reduces
the narrative elements of
the original movie by
turning short sequences
into transformative loops.
Ein bizarrer Trip in das
Kino der Drogen.
›Don't Bogart That Joint‹
is a bizzare trip into drug
cinema.
Öffentliches ›mashed-up‹
Radio
Mashed up public radio
Der Versuch, das Geheimnis Isabelle Hupperts zu
ergründen.
Psychologisches Portrait der Schauspielerin, das ihre intimsten Gedanken, Gefühle
ihrem Dolmetscher offenbart.
The attempt to find out the
mystery of Isabelle Huppert. A psychological portrait of the actress bares
her intimate thoughts and
feelings to her interpreter.
Stefan Demming, biography see page 173.
ÆD 2009, Video, 5:02
ÆDirector, editing
Stefan Demming
ÆScript Jacques Demy
(footage)
ÆPhotography
Jean Rabier (footage)
ÆDistribution
Stefan Demming
70
Harald Schleicher, *1951
in Backnang, Germany.
1973-79 Studies in Fine
Arts. 1983-90 Studies in
Cinematic Art, Promotion.
1993 Professor for Cinematic Art at the Johannes-Gutenberg-University, Mainz, Germany.
ÆD 2010, Video, 8:40
Harald Schleicher
ÆDistribution
Harald Schleicher
Tilman Küntzel, *1959 in
Jugenheim a.d. Bergstr.,
Germany, lives in Berlin.
He studied Fine Art at the
HFBK Hamburg from 1985
until 1992. 1993 DAAD
Stipend
with
Allan
Kaprow at the University
of California, San Diego.
2002
Klangkunstpreis
(sound art award) WDR.
2007
Guestlecturer
›Sound Art‹ at the University of Arts, Berlin, faculty
Fine Arts.
ÆD 2009, Video, 2:02
ÆRealisation
Tilman Küntzel
ÆDistribution
Tilman Küntzel
Christina Speer, *1969 in
Groß- Schönebeck. 19901992 studies of Dance and
painting at the Ultimate
Academy, Köln. 1992- 1995
Study of Fine arts at Free
academy of arts, Berlin.
1995- 2004 study at UDK,
Berlin. Lives and works in
Berlin.
ÆD 2009, Video, 4:40
ÆDirector, script,
Christina Speer
ÆMusic
Serge Gainsbourg,
Nick Cave
ÆCast Isabelle Huppert
ÆDistribution
Christina Speer
QUIERO ESTAR
EL RESTO DE MI
VIDA CONTIGO
4
LONG LIVE THE
NEW FLESH
SUSPENDED
ANIMATION
Manuela Moreno
Edouard Salier
Nicholas Provost
Billy Lumby
Ich möchte den Rest meines Lebens mit dir verbringen!
I want to spend the rest of
my life with you!
Vier Briefe. 400.000 Möglichkeiten. Nur eine ist
richtig.
Four letters. 400,000 possibilities. Only one is real.
Manuela Moreno's debut
as a director was the
short film Dolores in 2008.
Now she is promoting her
new short film Quiero estar el resto de mi vida contigo.
Edouard Salier has created over the past ten years
a wide range of graphic
works, including short
films, promos, tv idents
and installations over the
past 10 years. In 2005, his
short films Empire and
Flesh started touring
around the world (Venice,
Sundance, Paris, London,
New York, Toronto, Séoul),
and
winning
several
awards in festivals. His
new film 4 premiered in
Clermont-Ferrand 2009
and has already been selected in more than 20
festivals. Edouard Salier
is now preparing his first
feature film.
Teile von Horrorfilmen
kannibalisieren sich gegenseitig. Inmitten all des
Schreckens und Gemetzels tritt eine neue visuelle Erzählung ans Licht.
Fragments of horror films
consume one another. A
new visual story emerges
beyond the dissection
and horror.
Walt Disney wird in der
Zukunft aufwachen und
feststellen, dass er sich
seit einigen hundert Jahren im Dornröschenschlaf
befunden hat.
Walt Disney awakes in the
future to discover that
he's been chronically
frozen for a few hundred
years.
Nicholas Provost, *1969
in Ronse, Belgium, lives
and works in Brussels as a
filmmaker and visual
artist. His work is a reflection on the grammar of
cinema and the relation
between visual art and
the cinematic experience.
His films ›Plot Point‹,
›Suspension‹, ›Gravity‹,
›Papillon d’amour‹, ›Oh
Dear‹ and ›EXOTICORE‹
have been broadcasted,
screened and exhibited
worldwide and have been
awarded at prestigious
festivals such as The Sundance Film Festival, The
San Francisco International Filmfestival and the
The International Film
Festival Rotterdam.
Billy Lumby was born and
raised in London where he
studied philosophy before
entering the film world,
working as a creative assistant to directors such
as Harmony Korine, Terry
Richardson, Mike Figgis,
Jonathan Glazer. This
short, abstract piece is his
film debut.
ÆE 2009, 35 mm, 2:30
ÆDirector, script
Manuela Moreno
ÆPhotography
Paloma León Calopa
ÆEditing
Gaizka Ibarretxe
ÆMusic Lantana
ÆCast Manuela Burló,
Abel López,
José Ramón Ruiz
ÆProducer
Eduardo Moisés
Escribano Solera
ÆDistribution
Mailuki Films, S.L.
ÆF 2009, 35 mm, 16:40
Edouard Salier
ÆPhotography
Antoine Gallais Billaud,
André Chemetoff
ÆAnimation Florent
Gombeaud, Xavier
Reyé, Julien Michel,
Fabien Vantroys
ÆMusic Doctor L
ÆCast Thomas Winter,
Sarah Hilker,
Vi Sapyyapy
ÆDistribution
Autour de Minuit
ÆB 2009, 35 mm, 14:00
ÆDirector, script,
photography, editing,
production
Nicholas Provost
ÆDistribution
ARGOS distribution
ÆGB 2009, 35 mm, 11:00
ÆDirector, script
Billy Lumby
ÆPhotography
Brett Turnbull
ÆAnimation Ed Suckling
ÆEditing Julia Knight
ÆMusic Shervin Shaeri,
Kate Bush
ÆCast Samuel Roukin,
Amara Karan
ÆDistribution
Billy Lumby
71
3-D SPECIAL
AFTERIMAGE:
A FLICKER OF LIFE
CHROMATIC FRENZY
PIN-UPS IN 3D
Kerry Laitala
Kerry Laitala
Kerry Laitala
Der Film bedient sich des grafischen Nachzeichnens, um kinesthetische Inschriften zu schaffen, die die Körperlichkeit der
Arbeit mit dem Medium Film selbstreflexiv ansprechen. Um Bewegung für das nackte Auge sichtbar
zu machen, strebten Marey und
Muybridge das Nachbild zu erhalten, um auf skurrile Art an das
Sichtbarmachen menschlicher Bewegung heranzugehen und dabei
die Spuren ihrer Gegenwart zu beleuchten. Im 21. Jahrhundert sind
Menschen auf ihre Gesten und Bewegungen im Raum reduziert.
›Afterimage- a Flicker of Life‹ employs graphic tracings to create
kinesthetic inscriptions that speak
to the physicality of working with
the film medium in a self-reflexive
way. Making motion visible to the
naked eye was something that
Marey and Muybridge strove to
achieve ›Afterimage‹. They take a
whimsical approach to envisaging
human locomotion by illuminating
the traces of their presence. In the
21st century, human beings are reduced to their gestures and movements in space.
Gedreht in meinem Studio, durchdringen wilde Farblichter die Atmosphäre. Vibrierende Farbschwaden penetrieren die Dunkelheit
meines Ateliers; Scheinwerferspektren schwebender kristalliner
Formen, inspiriert von Menschen
wie Goethe, Fischinger, Albers,
Belson, und den unsterblichen
Sharits und Smith. Ein bunter Kessel, in dem Primärfarben gemischt
werden, um eine Fülle von schwebenden Lichtspektren zu schaffen.
Shot in my studio, frantic coloured
lights permeate the atmosphere.
Vibrating swathes of colour, penetrate the darkness of my studio;
searchlight spectrums of suspended crystalline forms inspired by the
likes of Goethe, Fischinger, Albers,
Belson, and the ever immortal
Sharits and Smith. A colorful cauldron where primaries are mixed to
create a cornucopia of suspended
spectrums of light.
Kerry Laitalas brandneue kleine
Ode an die Unanständigkeit in 3D!
Also dieses Video ist ziemlich
kitschig, aber ich wollte eine skurile und unbeschwerte Burleske im
Scherenschnittstil schaffen.
Kerry Laitala’s brand-new winky
ode to naughtiness in 3D!
Well this one’s pretty hokey, but I
wanted to make a whimsical and
light-hearted burlesque in silhouette.
ÆUSA 2009, Video, 11:00
editing Kerry Laitala
ÆMusic Nurse with Wound
ÆDistribution Kerry Laitala
72
Kerry Laitala
Kerry Laitala grew up in the wilds of
the Maine coast, while developing a
chronic passion for old things. She
attended Massachusetts College of
Art studying Photography and Film
and received her Masters degree
from the San Francisco Art Institute
in Film. Laitala has received numerous awards such as the Princess
Grace Award in 1996 and subsequent grants in 2004 and 2007. Her
work has been screened internationally and in the celestial ether
which connects us with the music
of the spheres
ÆUSA, 2009, 4:30, video
Kerry Laitala
IT CAME FROM OUTER SPACE
CREATURE FROM
THE BLACK LAGOON
Jack Arnold
Jack Arnold
›Gefahr aus dem Weltall‹: Eine kleine Stadt in der Wüste von Arizona.
John und seine Freundin Ellen sind Amateurastronomen. Sie beobachten,
wie in der Nähe einer alten Mine ein Feuerball niedergeht. John untersucht die Stelle und erkennt, dass ein UFO gelandet ist. Aber keiner in der
Stadt will ihm glauben…das hat ungeheuerliche Folgen!
A small town in the desert of Arizona. John and his girlfriend Ellen are
amateur astronomers. They observe how a fireball descends close to an
old mine. John explores the site and realises that a UFO has landed. But
no one in the town wants to believe him.... which leads to terrible consequences!
›Der Schrecken vom Amazonas‹: In
einem Fluss in der Nähe des Amazonas lebt ein uraltes gepanzertes
Schuppenwesen. Eine Expedition
will das Ungeheuer fangen. Das
Monster kann sich solange schützen, bis es sich in eine junge Frau
verliebt. Der ›Kiemenmensch‹ ist
das einzige Filmmonster in 3D, das
absoluten Kultstatus erlangte.
A prehistoric amphibious creature
lives in a river close to the Amazon.
An expedition wants to capture the
beast. The monster can only protect itself until it falls in love with a
young woman. The ›Gill-Man‹ is the
only film monster in 3D that
achieved absolute cult status.
Jack Arnold, *October 14, 1916 in New Haven, Connecticut, began his
show business career as an actor in the late 30s and early 40s. He served
in the US Army in the Signal Corps during World War II, apprenticed under
famous documentary filmmaker Robert Flaherty and started making short
films and documentaries. His first foray into the science fiction genre was
›It Came from Outer Space.‹ He achieved great cult popularity with ›The
Creature from the Black Lagoon,‹ a reworking of ›Beauty and the Beast.‹
›Revenge of the Creature‹ was the sequel, followed by ›Tarantula‹ and ›The
Incredible Shrinking Man.‹ Other movies include ›The Mouse That Roared‹
(with Peter Sellers) and the teen exploitation gem ›High School Confidential.‹ Arnold even joined forces with Fred ›the Hammer‹ Williamson on a
pair of blaxploitation items: the mystery thriller ›Black Eye‹ and the Western ›The Black Bounty Hunter.‹ In addition to his film work, Arnold also directed episodes of such TV shows as ›Peter Gunn,‹ ›Perry Mason,‹
›Rawhide,‹ ›Wonder Woman,‹ and ›Buck Rogers in the 25th Century‹
amongst others. Aged 75 he died in 1992.
›Jack Arnold reigns supreme as one of the great directors of 50s science
fiction features. His films are distinguished by moody black and white cinematography, solid acting, smart, thoughtful scripts, snappy pacing, a
genuine heartfelt enthusiasm for the genre, and plenty of eerie atmosphere.‹
ÆUSA 1953, 35mm, 3D-Version, 80:00
ÆDirector Jack Arnold
ÆScript Harry Essex based on a screen treatment by Ray Bradbury
ÆCinematography Clifford Stine
ÆEditing Paul Weatherwax
ÆSound Glenn E. Anderson, Leslie I. Carey
ÆCast Richard Carlson, Barbara Rush, Charles Drake,
Joe Sawyer, Russell Johnson, Kathleen Hughes a. o.
ÆProducer William Alland
ÆDistribution Universal Pictures International Germany GmbH
ÆUSA 1954, 35 mm, 3D-Version,
79:00
ÆDirector Jack Arnold
ÆScript Harry Essex,
Arthur A. Ross, Maurice Zimm
ÆCinematography
William E. Snyder
ÆSpecial photography
Charles S. Welbourne
ÆEditing Ted J. Kent
ÆSound Leslie I. Carey, Joe Lapis
ÆCast Richard Carlson,
Julie Adams, Richard Denning,
Antonio Moreno, Nestor Paiva,
Whit Bissell, Bernie Gozier,
Henry A. Escalante a. o.
ÆProducer William Alland
ÆDistribution Universal Pictures
International Germany GmbH
73
TREASURE ISLAND
IF THERE BE THORNS
OOPS WRONG PLANET
OTTANA
Michael Robinson
Anouk De Clercq
Pietro Mele
Eine dunkle Welle der Verbannung,
der Inzucht und der Magie schwelt
über den Tropen, zwingt einen verschlungenen Pfad zur Mündung in
das schwarze Loch. Drei zur Verdammnis bestimmte Geschwister
irren umher auf der Suche nach
einander als ein Sturm aus frivoler
Prosa und Unterhaltungsmusik sie
langsam verschlingt.
A dark wave of exile, incest, and
magic burns across the tropics,
forging a knotted trail into the
black hole. Three star-crossed siblings wander in search of one another as a storm of purple prose
and easy listening slowly engulfs
them.
Eine reizvolle, hügelige Landschaft
eines anderen Planeten. Es wird
versucht Kontakt aufzunehmen. Es
ist möglich aus der Ferne miteinander zu kommunizieren, obwohl es
immer wieder zu Störungen
kommt. Ein reibungsloser Kontakt
scheint jedoch unmöglich. Das
Rauschen wirkt wie ein Schleier,
der das Bild trübt. Der Film wechselt permanent zwischen dem, was
in Bezug auf Kontakte möglich und
nicht möglich ist.
An attractive, rolling landscape
from a different planet is being
shown. An attempt is made to establish contact. Long-distance
communication is possible, albeit
with some interference on the line.
Clear contact appears impossible,
though. The static appears like a
veil that clouds the picture. ›Oops
wrong planet‹ permanently switches between what seems possible
and impossible in terms of contact.
Morgendämmerung. Eine Karawane von Männern zu Pferd wird langsam von den giftigen Rauchwolken
einer Fabrik verschluckt. Dieses Video wurde auf Sardinien (I) gedreht, und ist eine Betrachtung der
Folgen, die das Industriegebiet von
Ottana (1960 gebaut ›im grünen
Herzen der Insel‹) auf die umliegenden Gebiete hatte, sowohl bezüglich der Umwelt als aus gesellschaftlicher Sicht.
It is dawn. A caravan of men on
horseback is slowly swallowed by a
poisoning factory. This video was
set in Sardinia (I), and is a reflection on the impact the industrial
pole of Ottana (1960, built in ›the
green heart of the island‹) had on
the surrounding area, both environmentally and from a social point of
view.
Since the year 2000, Michael
Robinson has created a body of
film, video and photography work
exploring the poetics of loss and the
dangers of mediated experience.
His work has screened internationally in both solo and group shows at
a variety of festivals, cinematheques and galleries.
ÆUSA 2009, Video, 13:15
editing Michael Robinson
ÆCast Buck Hanson, Michael
Robinson, Devon Sanger
ÆDistribution Michael Robinson
Anouk De Clercq, *1971, examines
the interaction between the video
image and the other arts. In doing
so, she rises to the challenge of
finding the right proportions, whilst
breaking the limitations that are inherent to each discipline. This is
how she combines text, image, architecture and music in three-dimensional installations. Anouk De
Clercq lives and works in Brussels.
ÆB 2009, Video, 8:00
ÆDirector, script Anouk De Clercq
ÆAnimation Tom Kluyskens
ÆMusic Scanner
ÆDistribution Auguste Orts
74
Pietro Mele, *1976 in Alghero, Italy,
studied at the Academy of Fine
Arts, Florence from 1997 to 2001. He
lives and works in Sardinia (Italy),
and Berlin (Germany).
ÆI 2009, Video, 11:46
ÆDirector, script, photography
Pietro Mele
ÆEditing Mauro Congia
ÆDistribution Pietro Mele
KÄFIG
VON DER NOTWENDIGKEIT,
DIE MEERE ZU BEFAHREN
Karl Kels
Philipp Hartmann
Einerseits ist ein Käfig eine reale Sache, andererseits
kann er auch als Metapher für verschiedene existentielle Zustände begriffen werden. Der Film ›KÄFIG‹ versucht diese beiden Bedeutungsebenen zu erzeugen
und zum Ausdruck zu bringen. Mit Hilfe einer komplexen metrischen Montage, die auf 3360 Einzelschnitten
beruht, wird der Naturalismus der repräsentativen
Bilder und Bewegungen radikal dekonstruiert.
On the one hand, a cage is a real thing. On the other, it
can be seen as a metaphor for various existential conditions. The film ›Käfig‹ tries to express and create
those two meanings. The basic material of the film are
two 35mm b&w shots, which I filmed in the rhinoceros
cage at Frankfurt Zoo. With the help of a complex metric montage, based on 3360 cuts, the naturalism of the
representational images and movements is radically
deconstructed.
Was suchen wir, wenn wir reisen. Was treibt uns an.
Welche Bilder machen wir uns und welche Bilder werden von uns gemacht? Drei Menschen reisen zu drei
verschiedenen Zeiten durch die gleiche Gegend, verbunden in einer essayistischen Schmalfilmcollage.
›About the necessity to travel the seas‹ is a film asking
questions like: What are we looking for when we travel? What kind of pictures do we take and what kind of
images do we get? Three people in three different
times travel through the same regions, connected in
an essayistic collage of 8 mm films.
Karl Kels, *1960 in Düsseldorf. He studied in Peter
Kubelka's film class at the Städelschule in Frankfurt
am Main from 1980 to 1985. After his studies, he received numerous grants, such as a grant from the Studienstiftung des deutschen Volkes for New York, where
he studied at the Cooper Union with Robert Breer.
Since 1991 Karl Kels has taught at the
Gesamthochschule Kassel and at the Frankfurter
Städelschule. In 1995 he co-founded the ›Initiative Experimentalfilm‹, since 1996 he has been teaching at
the Johann Wolfgang Goethe-Universität, Frankfurt am
Main. Karl Kels' works in the areas of photography, experimental film and installation have been shown in international exhibitions and festivals. The artist lives
and works in Berlin.
Philipp Hartmann, *1972 in Karlsruhe, Germany. Master in Visual Communication/Film from the HFBK Hamburg, 2007. Before: Master in Latin American Sciences,
Ph.D. in Economics. He has been working as a filmmaker and video artist since 2000, living in Hamburg and
Rio de Janeiro. Has participated in numerous festivals
with his short films.
ÆD 2009, Video, 21:45
ÆDirector, script, editing, music Philipp Hartmann
ÆPhotography M.
ÆCast Jacob Weigert, Meiko Heuser,
Daria Lupa Cayo a.o.
ÆDistribution Philipp Hartmann
ÆD 2009, 35 mm, 14:00
ÆDirector, script, photography, editing Karl Kels
ÆDistribution Karl Kels
75
MARK
MARK
Mike Hoolboom
›Die Gesellschaft ist nicht in erster Linie ein Milieu des Austausches, in dem das Wesentliche darin besteht, etwas zu verbreiten bzw. dafür zu sorgen, dass sich etwas verbreitet, sondern eher ein Socius der Beschriftung,
bei dem das Wesentliche darin besteht, zu markieren oder markiert zu werden.‹ Deleuze und Guatarri, Anti-Ödipus
›Mark ist ein elegisches Porträt seines Freundes und Mitarbeiters Mark Karbusicky, der 2007 verstarb. Mark
verwebt Schnappschüsse aus der Kindheit mit gefundenem Bildmaterial und Interviews mit Karbusickys
Freunden, seiner Familie und seinem langjährigem Partner, dem transsexuellen Performance-Künstler MirhaSoleil Ross, um die Konturen eines Lebens ›im Hintergrund‹ nachzuzeichnen und die Spuren aufzuspüren, die
er in den ihn umgebenden Gemeinschaften hinterlassen hat. Der Kurator Mark Webber bemerkt, dass ›wenige
Filmemacher wiedergefundenes Bildmaterial so emotional einsetzen … Hoolbooms jüngste Arbeit zeigt eine
tiefe Sympathie mit der Situation der Menschen und spricht direkt zu unseren Herzen.‹ Amy Beste, Conversations on the Edge, Chicago
›Mark starb mit 35 und Hoolboom machte sich auf die Suche nach Antworten, sprach mit Freunden, untersuchte Marks Leben, das im Dienste anderer und des Tierschutzes stand, sammelte Bilder und Geschichten.
Was er findet sind nur vage Spuren von Marks Leben in den Straßen und deprimierenden Wohnungen, in einem
Kind, das er zufällig trifft. Es gelingt ihm, eine sehr bewegende Betrachtung über Beziehungen und über die Geheimnisse der Abwesenheit und der Anwesenheit zu schaffen. Ein Film, der ein ganz eigenes nachdrückliches
Bedürfnis an sich ausstrahlt. Bislang Hoolbooms schönste Arbeit.‹ Bruno Dequen, Festival de Nouveau Cinema, Montreal
›Mark Hoolboom gilt als einer der besten unabhängigen Filmemacher seiner Generation. Er hat in den vergangenen drei Jahrzehnten Dutzende von Filmen und Videos geschaffen, die überall auf der Welt gezeigt wurden
und zahlreiche Auszeichnungen und viel Lob von Kritikern erhielten. Hoolbooms jüngster Film, Mark, ist ein Porträt seines vor kurzem verstorbenen Freundes im Feature-Format. Mit wiederverwendetem Bildmaterial aus einer Vielzahl von Quellen sowie mit Originalbildmaterial und privaten Videos schafft Hoolboom durch eine raumgreifende und energiegeladene Montage ein bewegendes und intimes Bild.‹ David Dinnell, UWM Union Theatre
›Nichts in der Stimme der Zikade sagt, wie bald sie sterben wird.‹ Basho
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›Society is not first of all a milieu for exchange where the essential would be to circulate or to cause to circulate, but rather a socius of inscription where the essential thing is to mark and to be marked.‹ Deleuze and
Guatarri, Anti-Oedipus
›Mark is an elegiac portrait of his friend and collaborator, Mark Karbusicky, who died in 2007. Mark weaves together childhood snapshots, found footage, and interviews with Karbusicky’s friends, family, and longtime partner, transsexual performance artist Mirha-Soleil Ross, to map the contours of a life lived ›in the background‹
and trace the mark he left on the communities around him. Curator Mark Webber notes, ›few filmmakers use
re-appropriated footage in such an emotive way...Hoolboom’s recent work is in profound sympathy with the
human condition that speaks directly to our hearts.‹ Amy Beste, Conversations on the Edge, Chicago
›Mark died at age 35, and Hoolboom went looking for answers, talking to friends, probing Mark’s life of service
to others and to animal rights, collecting images and stories. What he finds are only faint traces of Mark’s time
on earth, in the streets and sad apartments, in a child he meets by chance. What he makes is a deeply moving
reflection on relationship and the mysteries of absence and presence. A film that breathes with an urgent necessity of its own. Hoolboom’s finest work to date.‹ Bruno Dequen, Festival de Nouveau Cinema, Montreal
›Considered one of the finest independent filmmakers of his generation, Mike Hoolboom has created dozens of
films and videos over the past three decades which have been shown worldwide and have garnered numerous
awards and critical acclaim. Hoolboom’s most recent film, Mark, is a feature-length portrait of his recently deceased friend. With appropriated footage from a wide range of sources as well as original footage and home
movies, Hoolboom creates, through spacious and energetic montage, a moving and intimate view.‹ David Dinnell, UWM Union Theatre
›Nothing in the cry of cicadas suggests they are about to die.‹ Basho
Mike Hoolboom is a Canadian artist working in film and video. His films and videos have won more than thirty international prizes, two lifetime achievement awards and he has enjoyed twelve retrospectives of his work, most
recently in Poland.
ÆCDN 2009, Video, 70:00
ÆDirector, script, photography, editing. producer Mike Hoolboom
ÆAdditional Footage Mark Karbusicky and Mirha-Soleil Ross
ÆFeaturing (in order of appearance) Mark Karbusicky, Andrew Vollmar, Mirha-Soleil Ross,
Lauren Corman, Kristyn Dunnion, Zorka Karbusicky, Lorena Elke, Jack Fuller
ÆSpecial thanks to Mirha-Soleil Ross
ÆThanks to Paul Karbusicky, Tomas Tetiva, Steve Sanguedolce, Aleesa Cohene, John Price,
Helen Pancic, Alex Fuller, Gerry Hoolboom, Marleen Hoolboom, Aldershot High School
ÆThis work and other unembedded media is made possible
through the happiness of the Ontario Arts Council.
ÆDistribution Mike Hoolboom
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DOUBLES AND LOOK-ALIKES
SIC TRANSIT
ELASTIC CORD
PLAYING
REAL SNOW WHITE
Manuel Saiz
Byounglae Park
Pilvi Takala
Verschiedene Personen rennen auf
die Kamera zu, um der Reihe nach
Sätze von sich zu geben, keuchend,
in einem Zustand emotionaler Intensität. Der Text wird erst durch
den Vortrag sämtlicher Teilnehmer
vervollständigt und bildet am Ende
eine poetische Zusammenfassung
der Begegnungen der Künstler mit
Kunst und Kultur aus vielen Jahrhunderten. Das Video wurde in Rom
gedreht, in Zusammenarbeit mit
ausländischen Künstlern, die in der
Stadt leben.
Several people run towards the
camera to sequentially deliver
phrases, in a high moment of panting and emotional intensity. The
text is only complete by the recital
by all participants, and then it
forms a poetical recount of the
artists’ encounter with the numerous centuries of Art and Culture.
The video was shot at the riverside
in Rome, with the collaboration of
foreign artists living in the city.
Das Neue möchte die andere Seite
des eigenen Egos zeigen, die Illusion zwischen meiner positiven und
negativen Seite sowie mein eigenes Ich. Insbesondere versuche ich
bis in mein Innerstes durchzudringen, bewusst zu verstehen, dass
die Person, die ich sehen kann, ich
selber bin und gleichzeitig ein individuelles Ich, um schlussendlich
meinen wahren Charakter zu finden. Ich möchte darüber reden, wie
es ist mich selbst durch das eigene
Unterbewusstsein zu verstehen.
The new wants to show the different side of one’s own ego, the illusion between the positive side and
the negative side of me and my other self. I am particularly attempting
to phase through, consciously understanding that the person I can
see is myself and at the same time
an individual me, and finally finding
my true character. I want to talk
about
understanding
myself
through my own unconsciousness.
Die absurde Logik der ›wahren Persönlichkeit‹ und die strengen Regeln in Disneyland werden offensichtlich, als ein echter Fan von
Schneewittchen daran gehindert
wird den Themenpark zu betreten,
als Schneewittchen verkleidet.
The absurd logic of the ›real character‹ and the extreme rules of Disneyland become apparent when a
real fan of Snow White is banned
from entering the theme park
dressed as Snow White.
Manuel Saiz, London based visual
artist. Since 1995 he works in video
and video installations. His videos
have been shown at Impakt
(Utrecht), VideoLisboa (Lisbon),
Videoex (Zurich), Int. Kurz Film Fest.
(Hamburg), Transmediale (Berlin).
His video installations have been
shown worldwide.
Byounglae Park, *1974 in Yeosu,
South Korea, filmmaker and visualartist. Studied Fine Art at the
Kunsthochschule Kassel with Prof.
Bjørn Melhus, and graduated M.F.A.
in 2007. Lives and works in Seoul.
My works have been exhibited in
various galleries and Festivals.
ÆI 2009, Video, 4:37
ÆDirector Manuel Saiz
ÆPhotography Alessandro Chiodo
ÆDistribution
78
ÆROK 2008, Video, 7:45
ÆRealisation Byounglae Park
ÆDistribution Byounglae Park
Pilvi Takala, *1981 in Helsinki, currently lives and works in Amsterdam. She graduated 2006 from
Academy of Fine Arts, Helsinki
(MFA). Her works are narratives
based on site-specific interventions
and actions, sort of exceptions in
everyday life. The actions aim to reveal and question unwritten rules
and shared truths of the specific
social setting in a subtle way. The
actual artworks produced based on
the actions are mostly videos, but
also photographs and publications.
ÆF/NL 2009, Video, 9:15
ÆRealisation Pilvi Takala
ÆDistribution AV-ARKKI
WHAT-IF? BEYOND A CARNALOVE
MONUMENTS
Torsten Burns & Darrin Martin
Redmond Entwistle
In ›What-if? Beyond a CarnaLove‹ möchten wir fast
ausschließlich das Zusammenspiel von Workshop und
Choreografie nutzen, um den Fokus auf die Liebesspiele einer wieder vorgestellten Orlan innerhalb einer
komplizierten Viererbeziehung zu richten und sie
gleichzeitig innerhalb einer Gruppierung physischer
und virtueller Avatare kontextualisieren, die die Grenzen der genauen Definition des Wortes ›fleischlich‹
verschieben.
In ›What-if? Beyond a CarnaLove‹, we will utilize an excess of workshop & choreographic interactions to focus on the mating rituals of a re-imagined Orlan within a complicated foursome, simultaneously contextualizing her within a grouping of physical & virtual
avatars that push the boundaries of the very definition
of the word carnal.
Monumente erzählen von einem fiktiven Kampf zwischen Kino und Skulptur in der Entwicklung der Arbeiten von Robert Smithson, Gordon Matta-Clark und
Dan Graham. Auf den Spuren der Geschichte ihrer Beziehung zu New Jersey, wird der Film zum Sinnbild der
Folgen, die der Neo-Liberalismus und die Globalisierung seitdem auf diese Gesellschaft und das Landschaftsbild gehabt haben. Ein geistreicher, wunderschön vorgestellter Film, verfeinert mit einer Prise unerwarteten trockenen Humors.
Monuments narrates a fictional struggle between cinema and sculpture in the development of the work of
Robert Smithson, Gordon Matta-Clark and Dan Graham. In retracing the history of their relationship to
New Jersey, the film becomes an allegory for the effects that neo-liberalism and globalization have had
on this society and landscape in the years since. A
brainy, beautifully imagined film with an unexpectedly
dry humour to boot.
Torsten Zenas Burns and Darrin Martin began their
collaborations in the video and sculpture programs at
the School of Art and Design at Alfred University, where
they both received their BFAs. Burns received his MFA
in video from the San Francisco Art Institute in 1993.
Martin received an MFA in media from The University of
California, San Diego in 2000. Together, they have
based videotapes, and current performance works on
their research into science fictions, re-imagined educational practices, cryptozoology, and trans human
love stories.
ÆUSA 2009, Video, 17:00
ÆDirector, script, editing, animation, music
Torsten Zenas Burns, Darrin Martin
ÆPhotography Torsten Zenas Burns, Darrin Martin,
Michael O'Malley
ÆCast Torsten Zenas Burns, Darrin Martin,
Caspar Stracke, Gabriella Monroy, Joo-Mee Paik,
Seong-Whan Park, Jamil Hellu, Mercedes Teixido
ÆDistribution Torsten Zenas Burns, Darrin Martin
Redmond Entwistle, *1971 in London, is an artist-filmmaker currently living in New York. Entwistle employs
documentary and abstract modes of film-making, often investigating histories of social displacement and
creating portraits of cities anchored on the invisible or
the implied. He studied at California Institute of the
Arts and the Whitney Independent Study Program. He
has presented projects at recent group shows at
Miguel Abreu Gallery (NY), Nought to Sixty (ICA, London) and has an exhibition at Art in General (NY) in January 2010.
ÆGB/USA 2009, 16 mm, 30:00
ÆDirector, script Redmond Entwistle
ÆPhotography Lee Daniel
ÆEditing Redmond Entwistle, Julia Halperin
ÆMusic Christopher McIntyre
ÆCast T. Ryder Smith, Zachary Oberzan,
Brian Mendez, a.o.
ÆDistribution LUX
79
TRAVALOGUES
LOOKING FOR
APOEKOE
WHITE BOY
FROM THE EAST
WAY FARE
Karel Doing
Istvan Kantor
Sylvia Schedelbauer
Eine mysteriöse und verzaubernde
Reise in den unberührten Regenwald von Surinam. Dichtung und
Wahrheit vermischen sich.
A mysterious and enchanting trip
to the pristine rainforest of Suriname. Fiction and reality mingle.
In diesem autobiografischen Manifest werden Dokumentarfilm und
experimentelles Musikvideo miteinander vereint. Istvan Kantor
stellt die Begriffe von Ursprung und
Identität in Frage, indem er die
asiatischen Wurzeln der Ungarn in
einem urkomischen und auch einnehmenden Roadmovie zurückfordert.
In this autobiographical manifesto
fusing documentary with experimental music video, Istvan Kantor
challenges the concepts of origin
and identity as he re-claims the
Asian roots of Hungarian people in
an outrageously humorous and engaging travelogue performance.
Lyrisch verwobenes Found Footage
und unterlegte Tonebenen zeichnen ein nomadisches Psychogramm; scheinbar simultan erscheinen dissoziierte zeitliche und
emotionale Räume.
A layered tone poem of found images and woven soundscapes renders a shifting psychogram; a nomadic passage across spaces in
and out of time.
Karel Doing, *1965 in Canberra,
Australia, lives and works in Rotterdam. After starting as an admirer of
the surrealists, romantic aesthetics
and the new american cinema,
Karel Doing has developed into a
headstrong filmmaker who gets his
inspiration as easily from a thai
ghostmovie, a documentary essay
or a handdeveloped conceptual experimental film. He works often together with composers, musicians,
performers, dancers and visual
artists. His films are screened in a
wide range of public spaces such as
musea, theaters, cinema and internet.
ÆNL 2010, 16 mm, 13:00
editing Karel Doing
ÆPoem Dorus Vrede
ÆDistribution Karel Doing
Istvan Kantor, recipient of the 2004
Governor General's Award for Visual
and Media Arts, also known as
Monty Cantsin, open-pop-star, the
founder of Neoism, is a media
artist/producer, active in many
fields, performance, robotics, installation, painting, sound, video
and new media. His work has been
described as intellectually rebellious and highly experimental.
ÆCDN 2009, Video, 19:00
editing Istvan Kantor
ÆMusic Istvan Kantor,
Trevor Tureski
ÆCast Istvan Kantor,
Isai Rivera Blas
ÆDistribution Istvan Kantor
80
Sylvia Schedelbauer's interest in
filmmaking is fueled by the need to
explore the personal and cultural
effects of her half-German and
half-Japanese heritage. At the
crossroads of disparate cultures,
she finds herself continually oscillating between different places of
belonging while mediating intercultural relationships. Her films negotiate the space between broader
historical narratives and personal,
psychological
realms
mainly
through poetic manipulations of
found and archival footage.
ÆD 2009, Video, 6:30
Sylvia Schedelbauer
ÆMusic Giuseppe Iacono
ÆDistribution
Sylvia Schedelbauer
DAS IST SEHR GUT
(THAT IS VERY GOOD)
I KNOW WHERE I'M GOING
Jakub Vrba
Ben Rivers
Ein Sonnenuntergang ist nicht
kitschig. Natur ist nie kitschig, Natur ist einfach da, liegt einfach herum, zeugt weder von Talent noch
von keinem. Erst wenn Natur fotografiert oder gefilmt wird, vermag
sie kitschig zu werden. Der Kitsch
liegt im Auge des Betrachters.
A sunset is not kitschy. Nature is
never kitschy, nature’s just there,
lying around, not demonstrating
any kind of talent or lack thereof.
When nature’s filmed or photographed it might become kitschy.
The kitsch is in the eye of the beholder.
›Was würde von all den von Menschenhand geschaffenen Taten,
Konstruktionen, Bauwerken, den menschlichen Spuren und
späteren Auswirkungen des menschlichen Lebens nach so langer Zeit übrigbleiben ... wenn wir davon ausgehen, dass die
Menschen in der nahen Zukunft unserer Erdgeschichte verschwinden.‹ Eine mehrmals unterbrochene Autofahrt durch
Großbritannien, am Rande der Zivilisation. Auf leeren Straßen,
in Richtung Wildnis, ein paar einsame Nachzügler sind unterwegs. Meine erste Station, der Geologe Jan Zalasiewicz, erzählt
von der Erde, so wie sie in hundert Millionen Jahren sein könnte.
›What would be left of human action, human traces, human constructions, human buildings and wider ripple effects of humans
after that length of time…assuming, that humans disappear in
the geologically near future.‹ A fragmented road trip through
Britain on the peripheries. Down empty roads, off in the wilderness, a few lone stragglers. My first stop geologist Jan Zalasiewicz, talking about the Earth in one-hundred million years
time.
Jakub Vrba, *1989, lives in Prague,
Vienna and Lisbon.
ÆA/CZ 2009, Video, 4:30
editing Jakub Vrba
ÆCast Martin Sturm
Ben Rivers, *1972 in Somerset, studied Fine Art at Falmouth
School of Art, initially in sculpture before moving into photography and super8 film. After his degree he taught himself 16mm
filmmaking and hand-processing. His first film ›The Joy of Walking‹, toured the world as part of the package ›Experiments in Terror‹ organised by Other Cinema in San Francisco. Since then he
has made over 15 films, showing extensively at international film
festivals, as well as galleries, and theatres around the UK.
ÆGB 2009, 16 mm, 29:00
Ben Rivers
ÆDistribution LUX
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DAYDREAMS AND NIGHTMARES
SCHLAFENDE FÜCHSIN
(SLEEPING VIXEN)
JEWISH REVENGE
Ute Ströer
Amit Epstein
Surreales Bildgedicht frei nach dem Märchen ›Das kleine Mädchen mit den Schwefelhölzern‹ von Hans Christian Andersen.
This surreal picture poem is loosely based on
the fairy tale ›The Little Match Girl‹ by Hans
Christian Andersen.
Das Werk handelt von der Sehnsucht vieler Juden, nach Europa
zurückzukehren. Besonders viele junge Israelis fühlen sie sich
zu einer Heimat hingezogen, in der sie nicht geboren wurden
und von der sie wissen, dass sie vom Täter-Opfer-Verhältnis gekennzeichnet ist, ein Verhältnis, das eine Schlüsselrolle in der
Herstellung von Israeltum spielt.
The video is about the tendencies of Jews to return to Europe,
as young Israelis find themselves attached to a homeland in
which they were never born while aware of the victim-victimizer relationship, which is rooted in the fabrication of Israelism.
Ute Ströer, 2005-2006 MFA at the HBK
Braunschweig. 2005 Diploma at the HBK
Braunschweig. 2002 BA-Diploma at the AKI
Academy of Fine Art and Design in Enschede.
1997-1998 Architecture HAWK Hildesheim.
1994-1996 Construction draftswoman. In
2006 she was awarded for her film ›Daumenlutscherin‹ the Prize of the German Association of Film Critics for the best German experimental film at the European Art Media Festival in Osnabrück.
ÆD 2009, Video, 15.00
ÆDirector, script, photography, animation,
editing, cast Ute Ströer
ÆMusic Jamie Ross
ÆDistribution Ute Ströer
82
Amit Epstein, *1977 in Tel Aviv, is an Israeli artist, lives and works
in Berlin since 2003. 1995 Graduated Thelma Yellin High School
of Fine and Stage Arts, Music and Performance, Giv'ataim, Israel.
1997 Rena Scheinfeld Dance Theater Company, Tel Aviv. 2002
Bachelor of Fine Art at Bezalel Academy of Art and Design,
Jerusalem. 2001 & 2002 Winner of Bezalel Prize for Excellence.
2005 Graduate of the Haute Couture class by Vivienne Westwood
at UdK-Berlin, Germany. 2004-2006 DAAD Scholarship.
ÆD 2009, Video, 46:00
ÆDirector, script Amit Epstein
ÆPhotography Benjamin Nimrod Chiram
ÆAnimation Or Moran
ÆEditing Sarah J. Levine
ÆCast Amit Epstein, Anna von Rueden, Christoph Glaubacker,
Wolfgang Menardi, Irina Szodruch, Renana Raz, Idit
Neudoerfer, Klarutza Arden
ÆDistribution Amit Epstein
DIE POP-PARADE
BRANDT BRAUER
FRICK - BOP
CAKE SONG
LAS HORAS
(THE HOURS)
Daniel Brandt & Julian Schleef
Claudia Sárkány
Gerard Freixes, Pilar Pascual
In der deutschen 60er-Jahre Fernsehshow ›Minimal Parade‹ wird das
Ensemble ›Brandt Brauer Frick‹
vorgestellt. Während des Stücks
dehnt sich das Trio auf ein zwölfköpfiges Kammerorchester aus, um
dann für die Choreographie von vier
Balletttänzerinnen Platz zu schaffen und wieder auf ein Trio zurückzuschrumpfen. Der Moderator und
seine Assistentin sind gleichermaßen beeindruckt.
The brand new ensemble ›Brandt
Brauer Frick‹ is being presented on
the German ‘60s-style TV show ›The
Minimal Parade‹. Throughout the
piece, the trio morphs into a 12piece chamber orchestra and back
again to make space for a choreography of four ballet dancers. The
TV-presenter is equally impressed
as his assistant.
Das Musikvideo für den ›Cake
Song‹ des Performance-Duos Sad
Wig (Hilary Flamingo und Gloria Salami) erzählt von Kuchenliebe. Flamingo und Salami backen sich
Ehemänner, Kaninchen, Mini-Klone
und tanzende Torten. Sie möchten
ihre ganze Welt in Kuchen verwandeln.
The music video for the ›Cake Song‹
by the performance duo Sad Wig
(Hilary Flamingo and Gloria Salami)
is about loving cake. Flamingo and
Salami bake their own grooms, rabbits, mini clones and dancing cupcakes. They want to turn their
whole world into cake.
Super 8-Amateurfilmmaterial, das
von Zeiten erzählt, in denen Glück
ein schier endloser Moment zu sein
scheint
Super-8 amateur footage chronicles the times when happiness
seems to be a never-ending moment
Daniel Brandt, *1984 in Wiesbaden.
Studying Film and Television at
Academy Of Media Arts, Cologne.
Julian Schleef, visual artist.
ÆD 2009, Video, 9:01
ÆDirectors, script, editing
Daniel Brandt, Julian Schleef
ÆPhotography
Richard Brzozowski
ÆAnimation Julian Schleef
ÆMusic Daniel Brandt, Jan Brauer,
Paul Frick
ÆCast Andreas Engelmann,
Wilma Elles, Petra & Ute
Huetzen, Jasmin Arnold,
Katherina Wessels
ÆProduction KHM Köln
ÆDistribution Daniel Brandt
Claudia Sárkány, *1981 in London,
England. 2004 graduation with BA
degree Film and Animation Production at the Arts Institute in
Bournemouth, England. Diploma
course Audiovisual Media at the
Academy of Media Arts in Cologne
since 2005.
Gerard Freixes, *1978 in Igualda,
Spain and Pilar Pascual, *1980 in
Sabadell, Spain, studied Fine Arts
at the University of Barcelona.
Nowadays, Gerard currently works
mostly in video while Pilar has specialised in web design. ›Las Horas‹,
the music video for Delanada, is
their first work together.
ÆE 2009, Video, 4:10
ÆDirectors, script Gerard Freixes
& Pilar Pascual
ÆEditing Gerard Freixes Ribera
ÆMusic Delanada
ÆDistribution Gerard Freixes
ÆD 2009, Video, 4:30
ÆDirector, script Claudia Sárkány
ÆPhotography Jonathan Rinn
ÆEditing
Kasia Paczesniowska-Renner
ÆMusic Sad Wig
ÆCast Harriet Fleuriot, Duncan
McGonigle, Stephan Ganoff,
Emilia Fischer, Claudia Sárkány
ÆProduction KHM
ÆDistribution Claudia Sárkány
83
DIE POP-PARADE
BRIDGES AND
BALLOONS
Anne Klotzek, Chris Nagel &
Pauline Karlson
LES GRANDS CHEVAUX
GESCHICHTEN VON
LEUTEN DIE VOR ZÜGE
SPRINGEN
Joris Clerté
Henning Basler
Geborgen fühlt man sich in dieser
vorbestimmten Welt. Ein Mädchen
verliert jedoch den Faden, der sie
durchs Leben führt. Panisch und
verwirrt findet sie sich zwischen
klugen Wegweisern und boshaften
Wesen wieder, die sie letztendlich
vor die bedeutende Entscheidung
stellen: Will sie in ihr behütetes Leben zurück oder ihre neu gewonnene Freiheit leben?
Secure is how you feel in this predetermined world. But a girl loses
the thread that leads her through
life. Panicky and confused, she
finds herself in between canny
guides and malicious creatures
that eventually drive her towards
the important decision: does she
want to return to her sheltered life
or does she want to live her newly
won freedom?
Ein junger Bursche, der auf einer
imaginären Kreatur reitet, verfolgt
einen Räuber zu Pferd, um eine
seltsame Art der Vergeltung zu fordern.
A young boy riding an imaginary
creature pursues a bandit on
horseback to exact mysterious revenge.
›Geschichten von Leuten die vor
Züge springen‹ ist das Musikvideo
für den gleichnamigen Song, der
auf dem Album spass.freude.gutgehn. (Flame Records) erschienen
ist.
›Geschichten von Leuten die vor
Züge springen‹ (Stories for people
who jump in front of trains) is the
music video for the song of the
same name that appeared on the
album
spass.freude.gutgehn.
(Flame Records).
Anne Klotzek, Pauline Karlson,
Christopher Nagel have been
studying Film and Animation at
Georg-Simon-Ohm-Hochschule
Nuremberg since 2007.
ÆD 2009, Video, 3:49
editing Anne Klotzek, Pauline
Karlson, Christopher Nagel
ÆAnimation Anne Klotzek,
Christopher Nagel
ÆMusic: Joanna Newsom
ÆProduction, Distribution
Nürnberg
84
Joris Clerté, *1969, is a director, animator, illustrator and musician. A
tort ou à raison, his first music
video, was for his band, called Prudence. Since then, through the company Doncvoilà he co-founded with
Virginie Giachino, he has directed
various music videos, as well as TV
designs for ARTE channel. Talented
technician, he likes creating different graphic styles, mixing real animated objects, 2D or 3D.
ÆF 2009, Video, 3:00
ÆDirector, script Joris Clerté
ÆAnimation Jean-Yves Castillon,
Pierre-Emmanuel Lyet
ÆMusic Prudence
ÆDistribution Doncvoilà
Henning Basler, *1982 in Haselünne, Germany. Studied Communication Design at Minerva, Groningen from 2003-2007. Freelance illustrator and animator since 2007.
ÆD 2008, Video, 3:31
ÆDirector, script, animation,
editing, music, cast
Henning Basler
ÆPhotography Andreas Heiser
ÆDistribution Henning Basler
NO PLACE LIKE HOME
BANG OUT
TELARAÑAS
Rosto
Transforma
Alejandra de la Cruz Chavez
Nirgendwo ist es wie zu Hause. Nirgendwo ist es wie in der Hölle …
KEIN Musikvideo: Thee Wreckers
ist eine fiktive Musikgruppe, und
Rostos Musikprojekt ist angelehnt
an seinen Bilderroman ›Mind my
Gap‹.
There’s no place like home, There’s
no place like hell… NOT a musicvideo: Thee Wreckers is an imaginary music band, and Rosto's musical project spawned by his graphic novel ›Mind my Gap‹.
Als CLP uns fragten, ob wir nicht
ein Video zu einem Track Ihres neuen Albums produzieren wollten,
waren wir natürlich sofort begeistert. Wir fingen sofort an in unseren Requisitenkisten zu suchen,
wurden fündig und nach ein paar
Schlägen auf den Kopf, erträumte
›Helmet Man‹ diesen bunten Alptraum.
When CLP asked us to do a video to
a track from their new album, we
dug deep in the prop-box, whacked
the helmet man on the head a few
times and he dreamed up this
colourful cardboard Nightmare.
Bang out of order.
Schildkröte schlägt zurück, als
Godzilla versucht Spielzeug City zu
verwüsten.
Turtle strikes back when Godzilla
attempts to destroy Toy City.
Artist Rosto gets national and, increasingly, international recognition for his free work as well as his
commissioned graphic design,
leaders and TV-animation and
award-winning music-video's for
Dutch rock-singer Anouk.
ÆF 2009, Video, 6:10
ÆDirector, script, editing, music
Rosto
ÆPhotography Stephan Smidt
ÆAnimation Rosto, Elte Hartlan
ÆCast Rosto, W. Folley, W. Walley
ÆDistribution Autour de Minuit
Transforma are Luke Bennett,
Baris Hasselbach and Simon Krahl.
Berlin video artist collective Transforma combine the momentum of
improvisation with the power of
highly composed imagery. Transforma started producing experimental
video art in 2001 and have been taking their imageworld and production processes to higher levels of
absurdity ever since. Transforma's
work has been performed live and
shown at festivals worldwide.
Alejandra de la Cruz Chávez, *1990
in Monterrey, Nuevo León: I'm Mexican. Since my childhood I felt attracted to visual arts and realized
that I wanted to do this for the future. I have always been involved in
drawing and painting, so I have
been training my eye perception for
a long time. Actually I study Digital
Arts in the 4th semester, looking to
polish up my artistic knowledge into
videos.
ÆRealisation
ÆDistribution
ÆD 2009, Video, 3:50
Transforma
ÆMusic CLP
ÆDistribution Transforma
85
DIE POP-PARADE
WHERE'S YOUR HEAD AT
WORDS
Max Hattler
Jan Machacek
Verbinden Sie vier über die Disco Tanzfläche:
Licht, Flüssigkeit, Form und in einen PixelSpielplatz gesperrte Farbe.
Connect four on the disco dance floor. Light,
liquid, shape and colour locked into a pixel
playground.
In Jan Machaceks Video sitzen wir vor dem ewigen Spielautomaten – unserem Gegenüber – und müssen gebannt zuschauen. Wie der Phantompunkt hüpft. Hin und Her. Wie die Punktezahl wächst. Doch für wen? Wie die Wörter nicht kommen. Wie
das Gegenüber samt hüpfendem Punkt sich multipliziert. Erwischen, nur den Punkt erwischen. Den springenden Punkt. Das
Spiel. Das Spiel läuft und wir sind dabei. (Radostina Patulova)
In Jan Machacek’s video we sit before an eternal slot machine—
the person facing us—and must watch, captivated. As the
phantom point jumps. Here and there. As the point count grows.
But for whom? As the words do not arrive. As the person facing
us, together with the jumping point, multiplies. Catch it, simply
catch the point: The crux of the matter, the most important
point. The game is on and we’re there. (Radostina Patulova /
Translation: Lisa Rosenblatt)
Max Hattler, * in Ulm, Germany, lives and
works in London and Germany. He teaches
animation at Goldsmiths College and at University of East London. Royal College of Art
graduate Hattler has shown his work at hundreds of festivals worldwide including Onedotzero, Resfest, EMAF and Animafest Zagreb. His films won prizes at the London International Animation Festival, Videofestival
Bochum, Videologia, 700IS Festival, and others. Max has made music videos and tour visuals for several bands including Basement
Jaxx and The Egg.
ÆGB 2009, Video, 5:55
Max Hattler
ÆAnimation Max Hattler, Milad Firoozian
(3D), Noriko Okaku, Rodrigo Vives,
Papaya Gonzales
ÆMusic Basement Jaxx
ÆDistribution Max Hattler
86
Jan Machacek, *1975 in Vienna, Austria. Study of sculpture and
stage-design in Vienna and Karlsruhe. Since 2001 Jan Machacek
is showing his ›live-Video-Performances‹. In these works the
film-studio is turned into a stage for performances. The performer appears as cameraman, director, technician and actor at
the same time.
ÆA 2009, Video, 4:00
ÆDirector, script, photography, editing Jan Machacek
ÆMusic Oliver Stotz
ROBOSONIC SPRACHFEHLER
R. Gruss, F. Leitl, K. Peter,
S. Schierwater, N. Strehlow
STATIC
AIRPORT TUNNEL
Tyler Funk
Vitor Hugo
Paul nimmt's im Leben sehr genau.
Alles läuft nach Plan, bis ihn etwas
Unverhofftes auf die Probe stellt.
Paul is very scrupulous. Everything
runs to plan, until something unexpected puts him to the test.
Ein gequälter Musiker, der versucht, mit dem Druck kreativ sein
zu müssen fertig zu werden.
Anmerkung: Dieses ist ein Experimentalfilm, den ich für ein 48 Stunden-Filmfestival machte. Der
ganze Film besteht aus 1800 Fotografien, die ich mit einer SLR-Digitalkamera machte.
A tortured musician trying to cope
with the need to create.
Note: This is an experimental film I
created for a 48 hour film festival.
The whole film is made from 1800
photographs shot with a Digital
SLR camera.
Eine magische Reise durch die
Klänge des OliveTreeDance erinnert an die Straßen als freie Bühne
für alle Künstler, die unseren Alltag
verschönern.
A magical journey through the
sound of the OliveTreeDance recalls the street as the free stage of
all the artists that beautifies our
everyday life.
Robert Gruss, Florian Leitl, Kristina
Peter, Sebastian Schierwater, Nils
Strehlow have been studying Film &
Animation at Georg-Simon-OhmHochschule Nuremberg since 2007.
ÆD 2009, Video, 3:57
ÆDirectors, script, photography,
animation, editing Robert Gruss,
Florian Leitl, Kristina Peter,
Sebastian Schierwater,
Nils Strehlow
ÆMusic Robosonic
ÆCast Paul Kaiser,
Vladimir Peregud,
Birgit Donaubauer
ÆProduction, Distribution
Nürnberg
Tyler Funk, *1986 in St. Anne, Manitoba, Canada, started making short
films and experimenting with photography in 2002. He also illustrates, paints, and writes music. He
currently lives in Winnipeg; working
as a freelance camera operator, editor, and camera assistant. Tyler
continues to pursue photography
and video creatively.
ÆDirector, photography, editing,
music Tyler Funk
ÆScript Tyler Funk, Carmen Ponto,
Stephen Haiko
ÆDistribution
Winnipeg Film Group
Vitor Hugo, *1972 in Espinho, Portugal, studied Drawing in the Porto
Superior Art School. Member of the
Animation Cinema Workplace at
Cinanima from 1995 until 1999
where he developed a few animation works. Worked in Cine-Clube of
Avanca studios making animation
for nearly 15 episodes of the TV series estórias a passo de cágado by
Artur Correia and drawing backgrounds for Until the Top of the
World by António Costa Valente,
Carlos Silva and Vitor Lopes.
ÆP 2009, Video, 4:38
ÆDirector, script Vitor Hugo
ÆPhotography, editing Vitor Lopes
ÆMusic OliveTreeDance
ÆDistribution
Cine-Clube de Avanca
87
FLASHES OF MEMORY
PALMES D´OR
LA BARCA
Siegfried A. Fruhauf
Thomas Köner
Verwischte Silhouetten, wo sonst die großen Stars
promenieren, Grauschlieren, wo sonst der Glamour regiert, ein Bildersturm, wo ansonsten penibel auf die
visuelle Inszenierung geachtet wird. Palmes d’or
speist sich aus Bildern, die beim Filmfestival in Cannes aufgenommen wurden, und ist zugleich dessen
ureigenste Konterkarierung. Aus über 800 Fotografien
hat Siegfried A. Fruhauf ein pochendes Konzentrat geschaffen, hat Bild über Bild geschichtet, die Resultate
verzerrt und deformiert, bis nur noch Schemata übrig
bleiben, die blitzschnell auftauchen und sich ebenso
abrupt dem überforderten Auge wieder entziehen.
(Christian Höller)
Blurred silhouettes, where otherwise big stars stroll,
gray streaks where glamour normally reigns, iconoclasm where strict attention is usually paid to visual
staging. Palmes d’or is nourished by photos that were
taken at the film festival in Cannes, and it, at the same
time, presents its most quintessential undermining.
Siegfried A. Fruhauf has created a pulsating concentrate from more than 800 photographs. He layered the
pictures over one another, distorted and deformed the
results until what remains are mere schemata that
appear at lightning speed only to just as abruptly
withdraw from the overtaxed eye. (Christian Höller /
Translation: Lisa Rosenblatt)
La Barca bringt leuchtende Erinnerungen zum Vorschein, indem es die noch verbliebenen Reste aufgezeichneter visueller und akustischer Realität in musikalische Bilder urbaner Räume umwandelt. Auf einer
Barke segelt sie über die Höhen der Vergangenheit.
Bug und Heck schimmern und leuchten, weisen der
Barke den Weg, der unsichtbar ist. Sie ruft die Geister
dieser Stunde an, wodurch wir sogar ihre Stimme zu
vernehmen vermögen.
La Barca locates a radiance of memories by transforming the residues of recorded visual and sonic reality into imaginary music of urban spaces. In a barque, she sails across the high lands of the past. The
barque heads shimmer and glow at stern and bow,
lighting her invisible passage. She calls to the spirits
of this hour, which is how we come to even hear her
voice.
Siegfried A.Fruhauf, *1976 in Grieskirchen, Upper Austria, lives and works in Linz and Heiligenberg. Since
1993 experiments with video and later with film. Since
2001 has organized art events with the artist group
›wunderkinder‹. Studied Experimental Visual Design at
the Art University Linz. Participation in numerous international film festivals.
ÆA 2009, 35 mm, 6:00
Siegfried A. Fruhauf
88
Thomas Köner, *1965 in Bochum, Germany, attended
the music college in Dortmund and studied Electronic
Music at the CEM-Studio in Arnhem. He worked as an
editor and sound engineer for the film industry until
1994. He extended his concept of time and sound
colour to images, resulting in video installations, photography and film works. In 2004 the Prix Ars Electronica awarded him the ›Golden Nica‹ for his video ›Banlieue du Vide‹. ›Suburbs Of The Void‹ was presented at
La Biennale di Venezia, Teatro La Fenice as a live performance in the same year. Köner’s video ›Nuuk‹ received the Tiger Cub Award (best short film) during the
International Filmfestival Rotterdam 2005. The Rimbaud Museum commissioned Thomas Köner with five
permanent sound installations for five rooms of the
›Maison Rimbaud‹ in Charleville-Mezières, France. In
2008 he was a participant of the Media Art Biennial in
Seoul. In 2009 he received the MuVi Award Short Film
Festival Oberhausen.
ÆD 2009, Video, 6:40
ÆRealisation Thomas Köner
ÆDistribution Thomas Köner
M
MEMORY FADE
Felix Dufour-Laperriere
Carl Brown
Kleine Architekturen und
flüchtiger Nebel. Ein abstrakter Film.
Small architectures and
brief nebulas. An abstract
film.
Die neue Doppelprojektionsarbeit des kanadischen Alchemie-Meisters Carl Brown
verarbeitet und bearbeitet Medienbilder durch Handbearbeitung und Kolorierung.
Die Textur ist dicht, vielschichtige Szenen von Katastrophen und Zerstörung, Nachrichtenbilder vom 11. September werden erbarmungslos wiederholt und bilden so
ein Klagelied über das mangelnde Erinnerungsvermögen und die schwindende Vernunft der Menschheit. Klangkomposition: Dan Browne.
›In meiner jüngsten Arbeit ›Memory Fade‹ sind die Bilder nicht verloren ...sie sind
wie Gespenster und die im Verlauf der Zeit immer und immer wiederholten Tanzschritte bekämpfen das Verschwinden – ein Zusammenbruch, der den Rücken des
Buchs des Lebens (die Menschheit) zerstört. Nächtlicher Aufenthalt ›Ja‹ ... gibt es
wirklich ›bessere Engel unserer Natur‹ das nasale und entfernte Geräusch der
wandernden Suche im Geist – ich muss den Weg neu erlernen – der Strom wird
schwächer – es führt noch immer eine dritte Schiene durch mein Gehirn,....
A new dual-screen work by Canada’s alchemical master Carl Brown, ›Memory Fade‹
works and re-works media images through hand-processing, tinting and toning.
Richly textured and layered scenes of disaster and destruction, including news
footage from 9/11, are relentlessly repeated, forming a lament for humankind’s
lack of memory and fading reason. (CEB)
›In my latest work ›Memory Fade‹ the images are not lost…they are spectral and
the dance steps repeated over and over in time fights the Fade – a falling down
that breaks the spine of the book of Life (mankind). Nightime stay ›Yes‹…are there
really ›better angels of our nature‹ nasal and distant the sound of the migratory
mind search – I need to relearn the route – the electricity has been losing juice –
still a third rail running through my brain causing the 400 agitations of Julie…‹(CEB)
Felix Dufour-Laperriere,
*1981 in Chicoutimi. He
studied, lives and works in
Montreal. M is his sixth
film.
ÆCDN 2009, 35mm, 7:40
ÆDirector, script,
photography,
animation, editing
Felix Dufour-Laperriere
ÆMusic Gabriel DufourLaperriere
ÆDistribution Felix
Dufour-Laperriere
Carl E. Brown, a graduate of Sheridan College's film school, has developed a distinctive style of working in film. Hand-processing and then toning and tinting hi-con
stock creates movement, colour and texture within the emulsion that is stunning to
the eye. Brown's films have been shown widely internationally. His film ›Re: Entry‹
was screened at the Louvre, Paris in the Fall of 1995 to launch the book, ›Constraste
Simultane La Couleur Une Histoire De Cinema Experimental Anthologie‹. Brown also
works as a photographer, holographer and writer.
ÆCDN 2009, 35 mm, 36:00
ÆRealisation Carl E. Brown
ÆMusic Dan Browne
89
FLASHES OF MEMORY
TREES OF SYNTAX, LEAVES OF AXIS
Daïchi Saïto
›Trees of Syntax, Leaves of Axis‹ ist, nach ›All That Rises‹, Saïtos zweite Zusammenarbeit mit dem Komponisten/Violinisten Malcolm Goldstein, der, auf der Grundlage der originalen Struktur, die improvisierte Musik
›Hues of the Spectrum‹ für den Film komponierte und spielte. Der Film zeigt vertraute Landschaftsszenen, die
Saïto und Goldstein beide aus ihrer Nachbarschaft am Fuße des Mount-Royal Parks in Montreal kennen. Unter
Verwendung von Bildern der Ahornbäume im Park als vorwiegendes Motiv, schafft Saïto einen Film, in dem die
Baumgruppen und ihr sanftes Zusammenspiel mit der umliegenden Szenerie als Vermittler dienen, um die Sinneswahrnehmung des Zuschauers hinsichtlich der dargestellten Landschaft umzusetzen. Gänzlich handbearbeitet vom Filmemacher, ist ›Trees of Syntax, Leaves of Axis‹ mit dem kontrapunktischen Violinenspiel von
Goldstein, ein Gedicht bestehend aus Bild und Ton, das anstrebt durch seine syntaktische Struktur, basierend
auf Mustern, Variationen und Wiederholungen, eine gewisse Einsicht und Enthüllung zu erreichen.
›Trees of Syntax, Leaves of Axis‹ is Saïto’s second collaboration, after ›All That Rises,‹ with composer/violinist
Malcolm Goldstein, who composed and performed the original structured improvisation score, ›Hues of the
Spectrum‹ for the film. The film explores familiar landscape imagery Saïto and Goldstein share in their neighbourhood at the foot of Mount-Royal Park in Montreal. Using the images of maple trees in the park as the main
visual motif, Saïto creates a film in which the formations of the trees and their subtle interrelation with the
space around them act as an agent to transform the viewer’s sensorial perception of the space portrayed. Entirely hand-processed by the filmmaker, ›Trees of Syntax, Leaves of Axis,‹ with the contrapuntal violin by Goldstein, is a poem of vision and sounding that seeks certain perceptual insight and revelation through a syntactical structure based on patterns, variations and repetition.
Originally from Japan, Daïchi Saïto is an independent filmmaker based in Montreal. In 2004, Saïto co-founded the
Double Negative Collective, a Montreal-based artist filmmaking group dedicated to the exhibition and production of experimental cinema, and has been active as a catalyst for the resurfacing interest in celluloid in the local artistic community. The films of Saïto explore the relation between the corporeal phenomena of vision and the
material nature of the medium, fusing a formal investigation of frame and juxtaposition with sensual and poetic
expressions.
His films have screened in various venues both in Canada and abroad, including: The New York Film Festival; The
International Film Festival Rotterdam; The Images Festival; The Toronto International Film Festival; The London
Film Festival; The Hong Kong International Film Festival; San Francisco MOMA; Cinematheque Ontario; Anthology Film Archives, among others.
His films are distributed in Europe by Light Cone (Paris) and in North America by the Canadian Filmmakers' Distribution Centre (Toronto), where he serves as a member of the Board of Directors.
ÆCDN 2009, 35 mm, 10:00
ÆRealisation Daïchi Saïto
ÆSound (violin) Malcolm Goldstein
(original structured improvisation score Hues of the Spectrum)
90
LET EACH ONE GO WHERE HE MAY
LET EACH ONE GO WHERE HE MAY
Ben Russell
Der Film besteht aus dreizehn Aufnahmen von jeweils zehn Minuten. Zwei Brüder (Benjen und Monie Pansa)
werden mit einer 16mm Steadycam verfolgt, eine athletische und ästhetische Hochleistung vom Kameramann
Chris Fawcett. Beginnend in den Vorstädten von Paramaribo, an Waldpfaden und Marktplätzen entlang, an illegalen Goldminen vorbei bis zum Dschungel und dann in einem Motorboot den Fluss entlang bis zu einem Dorf
der Maroons, wo sie an den spannendsten Ritualen teilnehmen, die immer noch durch diese Nachfahren von
Sklaven, die einst den niederländischen Kolonialherrschen entkommen sind, praktiziert werden.
Das Ergebnis ist eine Reflektion der Geschichte der Zwangsmigration und eine tiefgreifende Untersuchung der
kulturellen Besonderheiten des Betrachtens und der Darstellung.
›In seiner kartographischen Darstellung zeitgenössischer Saramaccaans Kultur, lädt "Let Each One Go" den
Anachronismus und die Legendenbildung ein, teilzunehmen an der gewagten Verschmelzung der Geschichte,
die im Film entsteht, sowie an dessen Schwankungen zwischen Nachstellung und Bericht, an dessen Untersuchung des Anstaunens, der kulturellen Unterdrückung und des Überlebens. Wie eine Ethno-Fiction von Rouch,
führt der Film den Zuschauer nicht nur auf eine außergewöhnliche Suche, sondern auch auf eine Untersuchung
über Darstellung und die Veränderungskraft der Kamera.‹ - Andréa Picard, Toronto International Film Festival
The film is made up of thirteen takes of ten minutes each. Two brothers (Benjen and Monie Pansa) are followed
with a 16mm steady cam, an athletic and aesthetic top achievement by cameraman Chris Fawcett. From the
outer suburbs of Paramaribo, along forest paths and marketplaces, past illegal goldmines to the jungle and on
a motorboat along the river to a Maroon village, where they take part in the most exciting rituals still performed
by these descendants of slaves who once fled the Dutch colonial rulers.
The result is a reflection on the history of forced migration and a profound investigation into the cultural characteristics of looking and showing.
›In its cartographic portrayal of contemporary Saramaccan culture, "Let Each One Go" invites anachronism and
myth-making to participate in the film's daring conflation of history, its oscillations between re-enactment and
record, its investigation of the gaze and cultural oppression and survival. Like a Rouchian ethno-fiction, the film
leads the viewer not only on an extraordinary quest, but also into an inquiry on representation and the camera's
transformative powers.‹ - Andréa Picard, Toronto International Film Festival
Ben Russell, *1976, is an itinerant photographer, curator, and experimental film/videomaker whose works have
screened in spaces ranging from 14th Century Belgian monasteries to 17th Century East Indian Trading Company buildings, police station basements to outdoor punk squats, Japanese cinematheques to Parisian storefronts,
and solo screenings at the Rotterdam Filmfestival and the Museum of Modern Art. A 2008 Guggenheim award recipient, he began The Magic Lantern screening series in Providence, Rhode Island and currently teaches at the
University of Illinois in Chicago.
ÆUSA 2009, 16 mm, 135:00
ÆDirector, producer, editing Ben Russell
ÆPhotography Chris Fawcett, Ben Russell
ÆCast Benjen Pansa, Monie Pansa
ÆDistribution Ben Russell
91
VIDEOFORMES
CLERMONT FERRAND
PHONE TAPPIN
AANAATT
STRANGE LIGHTS
HeeWon Navi Lee
Max Hattler
Joe King
Der Film wird an einem Wendepunkt gedreht, der uns unmerklich
vom Tag in die Nacht führt, ein
flüchtiger Moment, in dem alles
Vergangene auch verloren ist, in
dem Dinge andere Bedeutungen
annehmen können.
The film is shot from a tipping point
that leads us imperceptibly from
day to night, showing a fleeting moment where what was is gone,
where things can take on another
meaning.
Analoger Futurismus...
Analog futurism...
In einer Winternacht, 1980 werden
amerikanische Soldaten, auf einem
RAF Stützpunkt, Zeugen einiger
rätselhafter Lichterscheinungen in
den Bäumen des Redendlesham
Forest.
On a winter’s night in 1980, American servicemen stationed at an
RAF base witnessed some ›unexplained lights‹ through the trees in
Redendlesham Forest.
ÆF 2009, 10:20
92
ÆGB 2009, 4:45
ÆGB 2009, 8:00
LOOPLOOP
SIX EASY PIECES
PASSENGER
Patrick Bergeron
Reynold Reynolds
Robert Croma
Im Zug Richtung Hanoi - die Häuser
ziehen vorbei. Durch Animation und
Zeitverschiebungen läuft das Video
vor- und rückwärts, auf der Suche
nach vergessenen Details, und imitiert so den Prozess, wie Erinnerungen durch das Gedächtnis wiedergegeben werden.
In a train going to Hanoi the houses
pass by. Using animation and time
shifts, this video runs backwards
and forwards looking for forgotten
details, mimicking the way memories are replayed in the mind.
Sechs einfache Stücke verbinden
Kunst und Wissenschaft, richten
ihren Fokus auf Raum und Zeit und
verweisen auf romantische Art und
Weise auf eine Epoche, in der
Künstler und Wissenschaftler ganz
ähnliche Anliegen hatten, ja, häufig
beides in sich vereinten.
Six easy pieces connect art and
science, focusing on space and
time, and romantically refers to an
age when artists and scientists had
similar concerns and were often
one and the same person.
Jedermann ist ein Reisender.
Everyone is a passenger.
ÆCDN 2008, 5:00
ÆD/USA 2010, 7:00
ÆGB 2009, 5:57
93
CINETRANS
EUROPEAN MEDIA ART FESTIVAL
WESTCOAST
BURLESQUE
PAINTING PARADISE
Ulu Braun
Tim Shore
Barbara Hlali
Zwischen Film, Video, Collage und
Animation angesiedelt, schwenkt
ein Bildausschnitt horizontal über
ein digital montiertes Tableau, das
Menschen und Tieren Raum für ihr
Dasein bietet.
Settled between film, video, collage and animation, an image detail
pans a digitally mounted tableau
that offers humans and animals
space for their existence.
Fünf Soldaten führen eine Performance durch. Sie bringt die aggressiv körperlichen Spiele an britischen Privatschulen ins Bewusstsein.
Five soldiers enact a performance
that evokes the aggressively physical games of the British public
school..
In den Medien wird asthetische Gestaltung eingesetzt, um militärische Maßnahmen und Kriegsauswirkungen zu kaschieren. Ähnlich
verfahre ich im Film: Bilder aus Krisengebieten sind mit Farbe überdeckt, verändert, verschönert.
Media use aesthetic creation to
cover military measures and war
effects. In the film I am applying a
similar technique regarding the
overall situation: Pictures from
conflict areas are layered with
colour, changed, adorned.
ÆD, 7:00, V
ÆGB, 10:00, V
ÆD, 6:00, V
94
NAUFRAGE
IVO BUROKVIC…
REHAB
Clorinde Durand
Paul Wiersbinski
Camille Verbunt
Was ist da los, im Büro? Eine Auseinandersetzung, ein Erdbeben
oder doch ein Liebesdrama. Reduziert auf das Nötigste, spielt sich
etwas Katastrophales ohne Erzählung ab.
›Naufrage‹ lists fears: the narration
stops at the frozen instant. What is
it talking about? We don’t know...
perhaps an accident, a depression,
an explosion?
›Ivo Burokvic – The Life Of The Fake
Artist As A Young Business Model‹
zeigt wie die Bestellung eines Ölgemäldes nach Photovorlage in
China und der Dokumentation und
dessen Versteigerung bei einer renommierten Benefizveranstaltung,
das Verhältnis zwischen ideellen
und profanen Werten und deren Erschaffung in der bildenden Kunst
ändert.
›Ivo Burokvic – The Life Of The Fake
Artist As A Young Business Model‹
documents the ordering of an oil
painting after a photoshop-picture
in China and the selling of this
piece at a renowned auction. The
tension of symbolic and material
value and their creation within fine
arts is put to a test.
Menschen singen Amy Winhouse’s
Rehab.
People singing Amy Winehouse’s
Rehab.
ÆF, 7:00, V
ÆNL, 4:00, V
ÆD, 12:00, V
95
CINETRANS
AMSTERDAM FILM EXPERIENCE
Oliver Conrad,
Gian Klainguti
SINUS AESTUM
THE DAY
WE SURRENDER
TO THE AIR
Bret Battey
Antonio Jose Guzman
Dennis H. Miller
Ein mit viel Geduld und
Strenge gemachtes Musikvideo, in dem Tausende
Standbildfotografien zusammengefädelt werden,
um ein flüssiges, einzigartig originales Animationswerk zu schaffen. Die
Geschichte handelt von
Krussia und C-Rayz Walz,
die wildesten und härtesten Underground HipHop-Künstler aus Russland und New York.
A music video made with
great patience and rigour,
threading together thousands of still image photographs to create a fluid,
uniquely original animated work. Its story features
Krussia and C-Rayz Walz
- Russia's and New York's
most rugged and hardened underground Hip
Hop artists.
Sinus Aestum (Bay of Billows) ist eine glatte, dunkle Mondebene, die durch
Fäden aus weißem Staub
aufgegliedert wird, wie
die
verschwindenden
Schaumkronen fließender, geräuschloser Wellen. Aus diesem Bild heraus präsentiert die Tonund Bildkomposition einen Klangsyntheseprozess und an die 12.000
einzelnen Punkte, die
ständig verändert und
verzerrt, zurückgehalten
und wieder befreit werden, ohne Schnitte, um
vermischte, multidimensionale Wellen der Aktivität zu formen...
Sinus Aestum (Bay of Billows) is a smooth, dark
lunar plain articulated by
threads of white dust, like
evanescent tips of flowing and silent waves.
Drawing from this image,
the sound and image
composition presents
one
sound-synthesis
process
and
nearly
12,000 individual points,
which are continually
transformed and warped,
restrained and released,
without cuts, to form
compound, multi-dimensional waves of activity...
Diese Arbeit ist Teil eines
größeren multimedialen
Kunstprojektes, das die
Verbindung zwischen Migration, der Diaspora und
der Schwerkraft untersucht. Ausgehend von der
eigenen DNA Guzmans,
begleiten wir ihn auf seiner Reise in dieser mitreißenden abstrakten Erzählung.
This work is part of a larger multi-media art project
exploring the connection
between migration, Diaspora and gravity. Starting
with Guzman’s own DNA,
we follow his journey in
this sweeping abstract
narrative.
Echoing Spaces untersucht einige virtuelle Umgebungen, in der die
Hauptelemente sich wiederholen (widerhallen)
sowohl unmittelbar hintereinander als auch zu
unterschiedlichen Zeitpunkten über das ganze
Werk hinweg, aber immer
in abgewandelter Form.
Die visuelle Darstellung
verwendet einige ähnlich
geformter Elemente, die
in überlappenden, gemorphten Strukturen erscheinen. Die begrenzte
Farbpalette hilft, dich auf
die Hauptobjekte zu konzentrieren.
Echoing Spaces explores
a number of virtual environments in which the
primary elements recur
(echo) both in immediate
succession and at different times throughout the
piece, always in varied
form. The visual imagery
employs a number of similarly shaped elements
that appear in overlapping, morphing configurations, and the restricted
colour palette helps
maintain a focus on the
primary objects.
F@©K THAT
ÆUSA 2008, 3:22, V
ÆMusic: Krussia
ÆGB 2009, 8:30, V
96
ÆNL/Panama 2009,
15:00, V
ECHOING
SPACES
ÆUSA 2009, 9:10, V
CINETRANS
L'ALTERNATIVA BARCELONA PRESENTS
MY DEAR GRANDMA
DAGER AV
KJÆRLIGHET
(DAYS OF LOVE)
LAPSUS
(SLIP)
Marta Abad Blay
E. Magnusson
Juan Pablo Zaramella
In ihren Träumen ist Dolores eine
ganz normale Großmutter, die Ihre
Ruhe und ihren Frieden, sowie ihre
Familie genießt. Die Realität sieht
jedoch ganz anders aus...
In her dreams, Dolores is an ordinary grandmother who enjoys her
peace and quiet and her family. The
reality, however, is quite different...
Eine Ehe, ganz viel Knäckebrot und
zu wenig Sex. Das ist der Ausgangspunkt dieses Kurzfilms über
die Liebe.
A marriage, a lot of crispbread and
too little sex. That is the starting
point of this short film about love.
Unterschätzen Sie nie die Kraft der
dunklen Seite.
Never underestimate the power of
the dark side.
ÆRA 2007, 4:00, V
ÆN 2007, 7:00, V
ÆNL 2008, 5:00, V
DEN FREMDEN
LANGE ANSTARREN
DIALOGOS
RIF
(REEF)
S. Winkler & S. Köperl
Ülo Pikkov
Eric Steegstra
Staring at the Stranger for a Long
Time. Wir halten das Skript und die
Videokamera zwischen uns und
stellen uns in einem lebhaften Viertel zur Schau.
Staring at the Stranger for a Long
Time. Holding the writing and having the video camera between us,
we put ourselves on display in a
lively neighbourhood.
Eine experimentelle Animation, in
der das gesamte visuelle Material
direkt auf die Filmkopie gezeichnet
wurde. Sie basiert auf absurdem
Humor. Der Film handelt von einer
modernen High-Tech-Gesellschaft,
die zu viele Zeichensysteme hat.
An experimental animation, where
all visual material has been drawn
directly on the film print. It's based
on absurd humour. Subject of the
film is a modern hi-tech society,
which has too many sign systems.
Eine einzigartige Puppenanimation
über ein Treffen unter Wasser.
A unique puppet animation about
an underwater meeting.
ÆCN 2007, 2:00, V
ÆNL 2008, 12:00, V
ÆEST 2008, 5:00, V
97
CINETRANS
SIGNES DE NUIT PARIS PRESENTS
HAMLET
COCAIS, THE
REINVENTED
TOWN
BRISES
(WAVES)
NOUS
(US)
Andres Amory Bartos
Ines Cardoso
Enrique Ramirez
Olivier Hems
Eine Nacherzählung des
Klassikers von Shakespeare, im heutigen Hongkong; zusammengesetzt
aus ›gefundenem Material‹, aufgenommen mit der
›Film‹-Funktion
einer
herkömmlichen kompakten Digitalkamera. Dank
der geringen, unauffälligen Größe der Kamera,
konnten Sequenzen gedreht werden, die sonst
unzugänglich gewesen
wären. Die daraus entstandenen Bilder sind
eindringlich, ein Zeitdokument der Erfahrung einer Person aus dem Westen in Hongkong, erzählt
in einminütigen Segmenten.
A retelling of the Shakespeare classic set in
modern day Hong Kong;
pieced together from
›found footage‹ shot using the ›film‹ function of
an ordinary compact digital camera. Due to its
small,
inconspicuous
size, sequences were
filmed that would have
otherwise been inaccessible. The resulting images are haunting, a time
document of a Westerner's experience in Hong
Kong told in one minute
segments.
Ein poetischer Dokumentarfilm, realisiert mit Patienten und Angestellten
einer psychiatrischen Klinik, die ihre Stadt wieder
erfinden.
A poetic documentary, realised with the patients
and employees of a psychiatric hospital, who
reinvent their town.
Wie kann man Geschichte
erneut sehen? Wie kann
man die Zeit zurückdrehen? Ich wurde 1979 geboren, sechs Jahre nach
dem Militärputsch in Chile. Ich bin Teil dieser Geschichte, voller Widersprüche.
How to look again at History? How to turn back
the hands of time? I was
born in 1979, six years after the military coup d'état in Chile. I am part of
this history, full of contradictions.
Ein Polizist untersucht
die Wohnung eines Mannes und dringt in das Leben eines Menschen ein,
der von allen anderen vergessen worden ist.
A police officer carries
out a search of a man's
apartment and enters the
life of someone who has
been forgotten by everyone.
ÆE 2008, 9:30, V
98
ÆBR 2008, 15:00, V
ÆF/RCH 2008, 13:00, V
ÆF 2007, 11:00, V
ÆFrench with English
subtitles.
CINETRANS
CORK FILM FESTIVAL PRESENTS
SNAKES
POINT OF DEPARTURE
WOUND FOOTAGE
Paddy Jolley
Maximilian Le Cain
Thorsten Fleisch
Ein Mann liegt in einem Hotelzimmer und wird von glitschernden
Schlangen überwältigt.
Lying in a hotel room, a man is overcome by the slithering of snakes.
Betty verbringt die letzten Jahre ihres Lebens in einer Institution. Aber
das Bedürfnis zu entkommen und
wieder eine Verbindung zur Außenwelt herzustellen motiviert sie weiterhin zu jeder Zeit.
Betty is spending her last years in
an institution. But the need to escape and reconnect with the outside world continues to motivate
her every waking and sleeping hour.
Das Ausgangsmaterial ist das Found-Footage eines mit Super8 gedrehten Films. Der Tonträger wurde
auf vielfältige Weise beschädigt. Er
wurde gekratzt, aufgeschnitten
und zerstört.
Source material is a found footage
super-8 film. The visual carrier was
attacked in a multitude of ways. It
was scratched, cut open and violated.
ÆIRL 2009, 9:00, V
ÆD 2009, 6:00, V
ÆIRL 2009, 5:00
LADY OF SOULS
M. De Inimas & Oriol Sanchez
Täglich nach Einbruch der Dämmerung geht die Lady of Souls durch
das Dorf und führt ein Ritual durch:
Sie hält an den Ecken an, läutet
eine Glocke und stimmt eine den
Toten gewidmete Psalmodie an.
Every day at dusk, the Lady of
Souls walks around the village performing a ritual: stopping at corners, she rings a bell and intones a
psalmody dedicated to the dead.
ÆE 2009, 15:00, V
CONTRE-JOUR
Christoph Girardet,
Matthias Muller
Der Blick, mit dem wir die Welt verstehen, und den sie uns als Antwort
zurückgibt, zerbricht in beunruhigende Fragmente. Flecken, Blitze
und Stroboskopmontagen zerschlagen die Realität in schattenhafte Bilder.
The look with which we comprehend the world and which it casts
back at us in response, breaks up
into disquieting fragments. Blurs,
flashes and stroboscope montages
disintegrate reality into shadowy
images.
ÆD 2009, 11:00, V
99
SPECIAL PROGRAM
DER REISENDE FESTIVALZIRKUS
DER REISENDE FESTIVALZIRKUS: EMAF 1988-2009
EIN PERFORMATIVER SCHMALFILMABEND MIT DV-SUPPORT
Reinhard Westendorf, Holger Tepe
›Es begann mit einem Geschenk von Reinhard Westendorf, eine Super 8-Kamera – die lichtstarke Canon 310XL.
Die ›Nachteule‹ wurde meine treue Begleiterin bei allen Filmfestivals. Jahrelang. Das Modell benutze ich noch
heute, auch wenn zwischenzeitlich einige Geräte verschlissen wurden. Das Ergebnis: Die Langzeitdokumentation ›Der Reisende Festivalzirkus‹. Ein Work in Progress, das mittlerweile rund 100 Kurzfilme umfasst: Hamburg, Basel, Berlin, Luzern, Rotterdam, Weiterstadt, Wiesbaden, Osnabrück... Nie geschnitten, grundsätzlich
nur aneinander montiert, streng chronologisch. Die Akteure: Freunde, Bekannte, Festivalkolleginnen und -kollegen. Alltägliches, Ungewöhnliches, Unsinniges. Festgehalten im Augenblick: Unbedacht, zufällig, glücklich.‹
(Holger Tepe)
Schmalfilm-Schnüffler Reinhard Westendorf filmt seit 1979 alles kurz und klein. Schon 1982 tummelte er sich
auf dem damals noch ›Internationaler Experimentalfilm-Workshop‹ genannten Medienkunst Festival in Osnabrück. Kurz darauf traute er sich mit selbstgedrehten Kurzfilmen selbst an die Festival-Öffentlichkeit. Als Leiter des Kinos in der Lagerhalle betreut der Langzeit-Hobbyfilmer und sporadische Vollvideot das EMAF bis heute projektionstechnisch.
Exklusiv für das EMAF präsentiert Holger Tepe eine Auswahl der Osnabrücker Filme aus dem Reisenden Festivalzirkus (ab 1997). Kamera-Kollege Reinhard Westendorf greift noch tiefer ins Archiv, sein ältester Beitrag
zeigt das erste European Media Art Festival im Jahr 1988. Gemeinsam plaudern die beiden Film-chrono-grafischen Festivalarchivisten aus Ihren S8-Kameratäschchen und lassen die letzten Jahrzehnte des EMAFs spannend und unterhaltsam Revue passieren. So war es wirklich!
Für eine optimale Projektion sorgt authentische Schmalfilm-Technik, die begeistert: Der legendäre ›Bauer T 610
Microcomputer Stereo‹ mit Public-Address-Technology und der ›Braun Visacustic 1000 Stereo‹ mit monomorpher Tonwiedergabe eisenloser Gegentaktendstufen.
The Travelling Festival Circus: EMAF 1988-2009
A performative narrow gauge film evening with DV support
›It all started with a present from Reinhard Westendorf, a Super 8 camera – the high-speed Canon 310XL. The
›night owl‹ soon became my trusty companion at all of the film festivals. For years. I even use the model today,
even though the wear and tear is now showing. The result: the long-term documentary ›The Travelling Festival
Circus.‹ A work in progress, now comprising around 100 short films: Hamburg, Basel, Berlin, Lucerne, Rotterdam, Weiterstadt, Wiesbaden, Osnabrück... Never edited, simply mounted together in strict chronological order.
The actors: friends, acquaintances, festival colleagues. Everyday events, unusual occurrences and nonsense.
Captured in the moment: unreflected, haphazard, happy.‹ (Holger Tepe)
Narrow gauge film enthusiast Reinhard Westendorf has been filming everything short and small since 1979.
Even back in 1982, he cavorted at the Media Art Festival in Osnabrück, then called the ›International Experimental Film Workshop.‹ It was not long before he dared to share his own short films to the festival audience.
As cinema director at the Lagerhalle, the long-term amateur filmmaker and sporadic ›Vollvideot‹ has been managing the projection at the EMAF to the very day.
100
Exclusively for the EMAF, Holger Tepe will present a selection of Osnabrück films from the Travelling Festival
Circus (from 1997). Camera colleague Reinhard Westendorf delves even deeper into the archives – his oldest
contribution shows the first European Media Art Festival back in 1988. Together, the two film chronographic
festival archivists will reveal the secrets of their S8 collection, giving us an exciting, entertaining reflection of
the past decades of EMAF. For real!
To ensure ideal projection, we'll provide inspiring authentic narrow gauge film technology: the legendary ›Bauer
T 610 Microcomputer Stereo‹ with public address technology and the ›Braun Visacustic 1000 Stereo‹ with
monomorphic sound reproduction from ironless push-pull amplifiers.
Die Filme des Programms (Reihenfolge ohne Gewähr)
The programme comprises the following films (sequence not guaranteed)
Reinhard Westendorf:
EMAF 1988: Troy Tempest meets the European Media Art Festival, S-8, Livesound, 3:00
EMAF 1992, S8, 2:00
EMAF 1997, S8, 3:00
EMAF 1998: Dante Orgel, S8, 3:00
EMAF 2006: Doppelprojektion, 2 x S8, x 3:00
Ten Things Projectionists Hate About Filmmakers, MiniDV, 4:00
Holger Tepe (a selection from):
EMAF 5/1997, S8, 3:00
EMAF 5/1998, S8, 12:00
EMAF 5/1999, S8, 3:00
EMAF 4/2000, S8, 12:00
EMAF 4/2001, S8, 12:00
EMAF 4/2002, S8, 12:00
EMAF 4/2003, S8, 12:00
EMAF 4/2004, S8, 12:00
EMAF 4/2005, S8, 9:00
EMAF 5/2006, S8, 9:00
EMAF 4/2007, S8, 3:00
EMAF 4/2008, S8, 12:00
EMAF 4/2009, S8, 4:00
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RETROSPECTIVE
ALDO TAMBELLINI - ELECTROMEDIA
ELEKTROMEDIA: ZUM THEMA UNBESTÄNDIGKEIT
EINE PHILOSOPHISCHE AUSFÜHRUNG
Slide Scan Of Lumagram
Black Trip2
Painting Untitled 1960
Ein Gedankenaustausch zu den Themen Unbeständigkeit, Elektromedia und Elektronik im Rahmen einer Diskussion zwischen einer Gruppe junger Ingenieure und Techniker von Video Flight, einem Video-Tape- Center in
New York, und Aldo Tambellini. Die Gesprächsrunde fand am 15. Januar 1968 im Black Gate Theater in New York
statt und wurde in der 2. Ausgabe von ARTS CANADA 1968 erneut veröffentlicht. Die von Aldo formulierten Ausführungen bilden die Philosophie und die Grundlage seiner Arbeiten im Bereich ›Elektromedia‹, die ihren Höhepunkt in ›Black Zero‹ fanden.
›Von Strukturen zu träumen, die sich verändern können, Strukturen, die im ständigen Fluss sind, Strukturen, die
schweben und immerzu ihre Verbindungen ändern, so wie auch lebende Organismen wachsen und sich selbst
verwandeln und somit auf ihre Umgebung reagieren. Je schneller die Menschheit sich im freien Raum ausweitet, desto mehr erweitert sie auch ihre Sinne und desto schwerer wird es für sie, das Gefühl der Beständigkeit
zu erhalten und zu bewahren. Der Mensch betrachtet Gewicht, Masse und Größe als Stabilitätsfaktoren unserer Erde. Wir sind beeindruckt von enormer Größe, wie sie von den Pyramiden, gotischen Kathedralen und Wolkenkratzern imposant dargestellt wird. In der Zukunft wird es um Energie gehen. Wie die Atomenergie, die ständig in Bewegung ist, im Prozess der Verschmelzung. Das Konzept der Instabilität, der Unbeständigkeit, der
Schwerelosigkeit wird ein Teil der Menschheit werden. Oder diese wird ein Teil dieses Konzepts. Besagte Konzepte werden jedoch immer unmittelbarer werden, sie währen nicht ewig, sondern unterliegen einer ständigen
Veränderung. Der Mensch wird sich dem anpassen, er wird seine Umgebung dementsprechend umändern, wie
auch seine sozialen Muster, er wird sich wandeln. Je tiefer er in die schwarze Natur da draußen eindringt, je
mehr wird er seine Angst und überhaupt seine gesamte sichere Vorstellung von Stabilität verlieren. Wir werden
uns im freien Raum bewegen wie Nomaden des Himmels. Erst gestern krochen wir auf allen Vieren; heute gehen wir aufrecht auf zwei Beinen, morgen werden wir fliegen – und morgen ist das Hier und Jetzt. Wir werden
geboren und wir sterben, der Körper hat keine Beständigkeit. Von Erde zu Erde. Von Staub zu Staub. In der Zukunft wird es für uns freie Sphären geben, in denen wir leben, im Meer treibend, im Himmel schwebend. In diesem Fall geht es nicht um Unbeständigkeit gegen Beständigkeit, sondern um eine realistische Annäherung an
das Weltraumzeitalter, basierend auf Energie, das neue Lösungen erforderlich macht.‹
›Aldo wünscht sich eine Zukunft, in der Kunstobjekte nicht mehr vom Sammler erworben werden, denn Elektromedia hat mit Film zu tun und muss erlebt werden.‹ Jerry Wakefield, Down Town Magazine, NYC, 7. Okt. 1967
Aldo beschreibt, wie er die sogenannten ›lumagrams‹ und Filme machte, die er für sein ›Elektromedia‹-Projekt
verwendete. Diese Beschreibung steht in einem Kapitel, den er für das Buch ›Captured; A Film and Video History
of the Lower East Side‹ schrieb. Herausgeber war Clayton Patterson.
Ich hatte jede Menge 35mm-Dias, die ich eigentlich wegwerfen wollte. Eines Tages, es muss so um 1963 gewesen sein, nahm ich sie und benutzte instinktiv Nadeln und andere kleine Werkzeuge, um Muster in die Filmschicht zu kratzen. So kratzte ich Spiralen und andere runde Formen und stach ab und zu noch Löcher hinein.
Zusammen mit ein paar Leuten projizierte ich diese Dias mit Hilfe eines Kodak Diaprojektors mit Rundmagazin
vom Dach eines Wohnhauses, 6. Straße und Avenue D, auf die Fassade des Gebäudes auf der gegenüberliegenden Straßenseite. Das war der Anfang meiner Leidenschaft für den Bereich Multimedia.
102
ELECTROMEDIA: ON IMPERMANENCY
A PHILOSOPHICAL STATEMENT
Tambellini with VCR
Lobby Blackgate Performance
Black Gate Audience
Some exchanged thoughts on impermanency, electromedia and electronics in a conversation between a group
of young engineers and technicians from Video Flight, a video tape center in New York City, and Aldo Tambellini. The conversation took place at The Black Gate Theater on January 15, 1968, in New York City and was reprinted in the 2nd issue of ARTS CANADA, 1968. The statement made by Aldo forms the philosophy and underpinnings of the ›electromedia‹ work which culminated in ›Black Zero‹.
›To dream of structures which can transform, structures in a state of flux, structures to float, to constantly
change relationship, this like living organisms will grow and transform themselves and react to the environment. The faster man expands into space, the more he expands the senses, the harder it becomes for him to retain and preserve his sense of permanency. Man considers weight, mass and size in terms of stability upon this
earth. We are impressed by enormous physical size, like pyramids, gothic cathedrals, skyscrapers. The future
will deal with energy. Like atomic energy which is constantly in motion, in the process of fusion. The concept of
instability, impermanency, weightlessness will become part of man or man part of it. Concepts will become instantaneous, not everlasting but ever changing. Man will adjust to it, he will reshape his environment, his social pattern, he will mutate. As he penetrates deeper into the black nature out there, he will lose his fear and
his whole secure concept of stability. We will move in space as nomads of the sky. Yesterday we crawled on four;
today we walk on two, tomorrow we will float, and tomorrow is here. We are born and we die, the body is not
permanent. As from dust to dust. From particle to particle. In the future there will be floating spheres to live in,
floating in the sea and sky. It is not a case of impermanency against permanency but a realistic approach to the
space age based on energy, demanding new solutions.‹
›Aldo is looking to a future in which art objects are no longer purchased by a collector, for Electromedia is kinematical and must be experienced.‹ Jerry Wakefield, Down Town Magazine, NYC, Oct. 7, 1967
Aldo describes the process used to make the ›lumagrams‹ and films which he used in his ›Electromedia‹ in the
chapter which he wrote for the book, ›Captured; A Film and Video History of the Lower East Side‹ Clayton Patterson, Editor.
I had a bulk of 35 mm slides which were ready to be discarded. One day, around 1963,
I took them and instinctively I used needles and other tools to scratch the emulsion. I scratched spirals and other round forms sometimes piercing holes through them. With a small gathering, I projected these slides onto
the façade of the building across the street from a tenement rooftop on 6th Street and Avenue D using a Kodak
Carousel Projector. This marked the beginning of my involvement with multi-media.
Don Ross from the ›New York Herald Tribune‹ later, on June 13, 1965 describes the ›lumagrams‹: ›Some of the
lumigrams are reminiscent of slides of diseased tissue…..Tambellini said he is interested in evolving an art form
from the revelation of the microscope. He is also interested in the revelation of the telescope in the cosmos,
and some of the lumigrams are reminiscent of sidereal space. Others have a kind of fetal, placenta look…..I
work from intuition, he (Tambellini) says, and not from intellectualization.‹
Holding true to the philosophy of the underground that art can be created outside the restriction of expensive
equipment and materials, I continued to work in many art forms. Therefore, it was a natural progression to treat
my films in a physical way by experimenting with painting, drawing and burning on clear leader and scratching,
103
RETROSPECTIVE
Black Zero (Photo by Paul Ehrlich)
Einige Zeit später, am 13. Juni 1965, beschreibt
Don Ross von der ›New York Herald Tribune‹ die
›lumagrams‹ wie folgt: ›Einige der ›lumagrams‹ erinnern an Diapositive aus längst verrottetem Material ….. Tambellini sagte, er sei daran interessiert
eine Kunstform zu entwickeln, die zeigt, was unter
dem Mikroskop alles zu sehen ist. Ebenso interessiere es ihn darzustellen, was ein Teleskop uns
vom Kosmos zeigt. Einige der ›lumagrams‹ erinnern auch an siderische Räume. Andere sehen aus
wie ein Fötus oder eine Plazenta ….. Ich arbeite intuitiv, so Tambellini, und nicht mit dem Kopf.‹
Der Philosophie aus meinen künstlerischen Untergrundzeiten nach wie vor treu bleibend, nämlich dass Kunst
durchaus auch ohne teure Ausrüstung und Materialien gestaltet werden kann, arbeitete ich auch weiterhin mit
vielen Kunstformen. Aufgrund dessen war es nur eine logische Entwicklung, dass ich meine Filme auch auf eine
technische Art und Weise behandelte, indem ich mit Mal- und Zeichentechniken experimentierte, auf Blankfilm
brannte, kratzte, Löcher stanzte und später die Schicht von Schwarzfilmen entfernte, unter der Verwendung
von Chemikalien, die bei mir schwere Allergien verursachten. Gleichzeitig arbeitete ich an Bildfolgen auf 35mmDias. Ich produzierte meinen ersten 4 Minuten-Film mit dem Titel ›BLACK IS.‹ Der Grove Press Filmkatalog, der
später fast all meine Filme vertrieb, beschrieb ›BLACK IS‹ folgendermaßen: ›Zum Klang eines Herzschlags und
ohne die Verwendung einer Kamera, projiziert dieser Film abstrakte Formen und Illuminationen auf einen
nachtschwarzen Hintergrund, der, so Tambellini, auf das ‘Schwarz der Samen, das Schwarz der Samen, das
Schwarz der Spermien, das Schwarz der Spermien’ hindeutet‹.
Eines Tages, als ich auf der Straße spazieren ging, fand ich eine große, weggeworfene Rolle, bei der es sich, wie
ich dann feststellte, um Computerdatenband handelte. Die ausgestanzten Löcher bedeuteten Daten in einer
Sprache, die nur ein Computer verstehen kann. Ich übertrug diese Sprache auf Blankfilm, indem ich dieses
Band praktisch als Schablone nutzte und die Löcher mit schwarzer Farbe besprühte. Als ich diesen Film abspielen ließ, bemerkte ich die hektischen Bewegungen, die die einzelnen Ausschnitte produzierten, wobei sie
eine neue visuelle Sprache durch ihre Bilder entstehen ließen. Ich begann Vorspänne von japanischen Filmen
zu sammeln, deren Markierungen anders waren, sowie anderes gefundenes Filmmaterial und Filmschnipsel.
Ein Filmemacher verkaufte mir eine gebrauchte Bolex Kamera für $ 300 und ich begann Filme zu drehen. Nachdem ich unendlich viele Stunden damit verbrachte hatte zu schneiden, anzuschauen und danach wieder neu zu
schneiden, war eine Filmreihe, die ich mit vielen ›Sinneserfahrungen‹ verbinde, geboren. Meine 10 Filme wurden zu bewegten Bildern.
104
Aldo as projectionist
Blackout
Black
punching holes and eating away the emulsion on black leader later, using chemicals which caused me to develop severe allergies. Simultaneously, I was working on 35 mm sequential images on slides. I produced my first
4 minute film called ›BLACK IS.‹ The Grove Press Film Catalog which later distributed almost all of my films described ›BLACK IS‹: ›To the sound of a heartbeat and made entirely without the use of a camera, this film projects abstract forms and illuminations on a night-black background and suggests says Tambellini, ‘seed black,
seed black, sperm black, sperm black’‹.
One day, while walking on the street, I found a large discarded roll of what was then computer tape. The
punched out holes was data in a language understood by a computer. I transferred this language onto clear
leader by using this tape as a stencil, spraying the holes with black paint. By projecting this leader, I realized
the frantic action that the frames produced forming a new visual language through its images. I began to collect leader from Japanese films whose markings were different, other found footage and scraps of film. A filmmaker sold me a used Bolex Camera for $300 and I started shooting film. After endless hours of editing, viewing and re-editing a series of film which were ›sensory experiences‹ was born. My 10 films became paintings in
motion.
My films began to be used in many ways not only shown in the movie theatre as a traditional projected film; but
also, as part of my ›Electromedia‹ performances de-materializing the space where it was projected and producing a dislocation of the senses of the viewer. I consider my films to be an ›experience‹. Sometimes, the films
were used as an environment projected on a given space and sometimes, films and the zooming of the animated slides became one. At times, the films were projected on bodies of performers and objects such as inflatable screens (black weather balloons) and other times, the films were projected on split screens or in simultaneous multiple projections.
Richard Preston in Status Magazine wrote: ›Like LSD, mixed media heightens the senses to give the audience a
total and overwhelming experience. To this end, film, slides, stroboscopes, oscilloscopes, stereo-sound, actors,
dancers and musicians are used singly and collectively in this grand synthesis of the arts. Aldo Tambellini is one
of the major practitioners.‹
For me, ›Electromedia,‹ at that time was the fusion of the various art and media forms, breaking media away
from the ›traditional‹ media role bringing it into the area of art-bringing the other arts, poetry, sounds, painting
and kinetics and film and later video into a time and space re-orientation toward media transforming both the
arts and the media. I acknowledged an historical shift into the culture, defining the time in both the social and
technological revolution, I defined the role of the ›new‹ artist in my 1962 Art Manifesto, ›The Seed,‹ as a ›primitive of a new era.‹ I later wrote, ›The editing process of our culture takes place continuously every night in front
of the TV screen---and bits of information we call news…images and words we call information. In the regeneration of old icons, the making of new ones---in a digested format, the world is defined.—we connect for a
moment over the air in isolated spheres we called homes. Years from now we will remember that art was swallowed by media—that media was the language of communication---that interactive media brings the process
to a live response. Aldo Tambellini
105
RETROSPECTIVE
Black Gate Cologne
Meine Filme fingen an vielerlei Anwendung zu finden, sie wurden nicht nur in Filmtheatern als traditionell abgespielter Film gezeigt, sondern auch als Teil meiner ›Elektromedia‹-Performances, die die Fläche, auf die sie
projiziert wurden, entmaterialisierte und eine Sinnesverschiebung seitens der Zuschauer zur Folge hatte. Ich
betrachte meine Filme als Erfahrung. Manchmal wurden meine Filme als eine Art Kulisse verwendet, wobei sie
auf eine vorhandene Fläche projiziert wurden, und manchmal wurden die Filme und die herangezoomten, animierten Dias zu einer Einheit. Zuweilen wurden die Filme auch auf die Körper von Darstellern und auf Objekte
projiziert, wie z.B. aufblasbare Leinwände (schwarze Wetterballons) oder sie wurden auf geteilte Bildschirme
projiziert bzw. in zeitgleiche, Multiprojektionen.
Richard Preston schrieb im ›Status Magazine‹: ›Wie LSD schärfen miteinander kombinierte Medien die Sinne
und verschaffen somit dem Publikum eine totale und überwältigende Erfahrung. Aus diesem Grund nimmt man
Filme, Dias, Stroboskope, Oszilloskope, Stereoton, Schauspieler, Tänzer und Musiker in dieser großen Synthese der Kunst einzeln oder gemeinsam zu Hilfe. Aldo Tambellini ist ein Meister dieses Fachs.‹
Für mich bedeutete ›Elektromedia‹ seinerzeit eine Verbindung der verschiedenen Kunst- und Medienformen,
es löste die Medien praktisch aus ihrer ›traditionellen‹ Medienrolle und entführte sie in den Bereich der Kunst
– und führte andere Kunstformen wie die Dichtkunst, Klänge, Malerei, Kinetik, Film und später Videos zeitlich
und räumlich zu einer Neuorientierung in Richtung Medien. Somit wurden sowohl die Kunst als auch die Medien einem Wandel unterworfen. Ich erkannte eine historische Verlagerung in den kulturellen Bereich, für mich
gab es ganz klar eine Zeit der sozialen als auch eine der technologischen Revolution. Ich definierte die Rolle des
›neuen‹ Künstlers in meinem künstlerischen Manifest ›The Seed‹ aus dem Jahr 1962 als den ›Urvater eines neuen Zeitalters‹. Später schrieb ich ›Der Änderungsprozess unserer Kultur findet kontinuierlich Nacht für Nacht
vor unserem Fernsehbildschirm statt – bruchstückhafte Informationen, die wir Nachrichten nennen…Bilder
und Worte, die wir Informationen nennen. Bei der Wiederauflebung alter ›Ikonen‹ und der Schaffung von neuen
- in verkürzter Form, wird die Welt definierbar. — Für einen Moment werden wir quasi über die Luft miteinander verbunden, in unseren isolierten Räumen, die wir Zuhause nannten. Auch Jahre später werden wir uns noch
daran erinnern, dass die Kunst einst von den Medien geschluckt wurde, — dass die Medien die Sprache der
Kommunikation war --- und dass interaktive Medien den Prozess zu einer lebendigen Reaktion führen. Aldo
Tambellini
FUTURISMUS UND BLACK ZERO
Es gibt eine Verbindung zwischen Black Zero und den Futuristischen Performances. Nicht als ein Duplikat der
früheren Performances; sondern als Einfluss der einzelnen Bestandteile in einem modernen Umfeld. So wie die
Futuristen neue Wege einschlugen, so wagten sich auch ›Elektromedia‹ und Black Zero auf unbekanntes Terrain, und verhalfen somit dem Publikum zu einer Erfahrung, die alles bisher Erlebte in Schatten stellte.
Verwendung von Sound (Geräusche). Black Zero nutzt Geräusche oder ›rumori‹, wie beispielsweise im Futuristischen Theater. Das wird erreicht durch die Verwendung folgender Hilfsmittel:
- Geräuschmaschinen
- Das Geräusch des Aufblasens
- Verstärkte Celloklänge, live, mit improvisierten Dissonanzen
- Provozieren des Publikums
106
107
RETROSPECTIVE
Die Futuristen hatten es sich zur
Aufgabe gemacht, das Publikum zu
provozieren, als eine Art Herausforderung für die Zuschauer. Black
Zero provoziert das Publikum in
diesen beim Thema Rassismus so
schwierigen Zeiten und stellt es
durch Calvin Hertons Gedicht
›Monster Demon‹, das mit Hilfe eines Spulentonbandgerätes aufgenommen worden waar, auf die Probe. ›Monster Demon‹ verstört das
Publikum mit unscharfen, rassischen
Darstellungen
eines
schwarzen Dichters, live, der das
Gedicht ›Jitterbugging in the Streets‹ vorträgt, das von den Ausschreitungen in Harlem handelt.
Verwendung von Licht. In den Arbeiten der Futuristen wird Licht
nicht als Effekt auf der Bühne eingesetzt, sondern als Element
selbst. In Black Zero gibt es viele
Momente, in denen das Licht ein
Element ist: Am Anfang wird Blitzlicht verwendet, wodurch aufwändige Schattenformen in einem
schwarzen Umfeld entstehen. Ein
Darsteller in einem dunklen, leeren
Raum trägt eine Gasmaske, die er
mit einer Taschenlampe, die er darunter hält, beleuchtet. Andere Darsteller halten eine runde Metalloder Masonitscheibe mit einem
Loch in der Mitte, durch das sie
flackernde Lichtsignale an das Publikum senden.
Vier Fernsehmonitore im hinteren
Teil des Raumes mit elektronischen
Bildern, elektronischer Sound und
menschliche Atemgeräusche werden gemischt. Aufblasbare schwarze Wetterballons werden größer
und größer, während gleichzeitig
schwarz-weiße Diaprojektionen
von Handprojektoren mit Rundmagazin und zusätzlich mit der Kurzschnittmethode produzierte Bilder
aus dem Jahr 1960 (Nachrichten,
Bilder von der NASA, Ausschreitungen, Polizei schlägt Demonstranten
etc.) gezeigt werden.
108
Black Zero Score
Video image Double Screen
FUTURISM AND BLACK ZERO
There is a relation between Black Zero and the Futurists Performances. Not as a duplication of those early performances; but, as an influence of those components in a modern setting. As the futurists were breaking
ground so, too, ›Electromedia‹ and Black Zero was venturing into uncharted waters bringing the audience a new
experience, unlike anything they had experienced before.
Use of Sound (noise ) Black Zero uses noise or ›rumori‹ as in the Futurist Theater. This is achieved through the
use of:
- Noise Machine
- Sound of inflating air
- Live amplified cello, improvised dissonance
- Provocation of Audience
The Futurists made a point of provoking the audience as a challenge to them. Black Zero is provoking and challenging the audience of the modern racially torn times through: Calvin Herton’s poem on reel to reel tape
recorder, ›Monster Daemon,‹ disturbing audience with scaly racial imagery of Black poet, live, reciting poem,
›Jitterbugging in the Streets,‹ dealing with the riots in Harlem.
Use of Lights. As in the Futurists work, Lights is used not as a stage lighting effect but Light used as an element
in itself. Black Zero contains many moments where light is an element: Use of flashlight in the beginning, creating intricate shadow forms on a black environment. Performer in a dark empty area wears a gas mask lighting it with a flashlight held under it. Performer hold a round metal or masonite disc with a hole in the middle
through which pulsating light messages are sent to the audience.
Four television monitors in the back of the space with electronic images and electronic sounds and human
breathing sounds combined. Inflatable black weather balloon that expands as simultaneously black and white
slide projections from hand held carrousel projectors plus short cut images from 1960 (news, NASA images, riots, police beating protesters etc.) are also projected.
MULTIMEDIA PERFORMANCES
BLACK, the first of Aldo’s ›electromedia‹ performances, a work in progress, was first performed at International House, Columbia University (1965) & culminated as BLACK ZERO at the Brooklyn Academy of Music (1968).
The performances toured in the United States and Canada. The performances brought together poets, experimental dancers, concrete sounds, lights, improvised music, inflatable screens & projected paintings (lumagrams), films and videos. It was a fusion of arts & media in a series of organic performances; expressing, conceptually, the expansion of humans into the space era contrasted with the socio-political turmoil of the times
on earth. ›During the performance, as the creator of ›BLACK,‹ I interacted with over 40, 21/4 by 21/4, handpainted glass projected slides which I called ›lumagrams.‹ Don Ross from the ›New York Herald Tribune‹ later,
on June 13, 1965 describes the ›lumagrams‹: ›Some of the lumigrams are reminiscent of slides of diseased tissue…..Tambellini said he is interested in evolving an art form from the revelation of the microscope. He is also
interested in the revelation of the telescope in the cosmos, and some of the lumigrams are reminiscent of sidereal space. Others have a kind of fetal, placenta look…..I work from intuition, he (Tambellini) says, and not from
intellectualization.‹
109
RETROSPECTIVE
MULTIMEDIA PERFORMANCES
BLACK, die erste von Aldos ›Elektromedia‹-Performances, eine unvollendete Arbeit, wurde erstmalig 1965 im
Internationalen Haus der Columbia Universität vorgeführt und hatte ihren Höhepunkt als BLACK ZERO an der
Brooklyn Academy of Music im Jahr 1968.
Die Performances gingen in den USA und Kanada auf Tour. Dichter, Experimentaltänzer, konkrete Sounds, Licht,
improvisierte Musik, aufblasbare Leinwände und projizierte Bilder (›lumagrams‹), Filme und Videos, all das war
Teil dieser Performances. Kunst und Medien wurden in einer Reihe von organischen Performances vereint; die
Ausbreitung der Menschen in das Weltraumzeitalter, konzeptionell zum Ausdruck gebracht, im Kontrast zu den
sozio-politischen Unruhen dieser Zeit auf der Erde. ›Während der Performance, als Schöpfer von ›BLACK‹ arbeitete ich mit mehr als vierzig 21/4 mal 21/4 handgemalten, auf Glas projizierten Dias, die ich ›lumagrams‹
nannte. Einige Zeit später, am 13. Juni 1965, beschreibt Don Ross von der ›New York Herald Tribune‹ die ›lumagrams‹ wie folgt: ›Einige der ›lumagrams‹ erinnern an Diapositive aus längst verrottetem Material ….. Tambellini sagte, er sei daran interessiert eine Kunstform zu entwickeln, die zeigt, was unter dem Mikroskop alles zu
sehen ist. Ebenso interessiere es ihn darzustellen, was ein Teleskop uns vom Kosmos zeigt. Einige der ›lumagrams‹ erinnern auch an siderische Räume. Andere sehen aus wie ein Fötus oder eine Plazenta ….. Ich arbeite
intuitiv, so Tambellini, und nicht mit dem Kopf.‹
Black Zero wurde Teil der ›Intermedia ‘68‹, einem von John Brockman organisiertem Festival, das zwei Monate
lang auf Tour ging und bei sieben Universitäten Station machte. Unterstützt wurde dieses Festival durch Zuschüsse vom New York State Council of the ARTS und dem National Council of the Arts.
›Zur Zeit verändert und wächst BLACK ZERO mit jeder Vorführung weiter, während der SCHWARZE Ballon, der
im Laufe der Performance erscheint, qualvoll wächst, größer wird und verschwindet. In BLACK ZERO findest du
dich innerhalb des schwarzen Leibes des Weltraumzeitalters wieder. Und in diesem Leib, wird der Schwarze
Dichter Calvin C. Herton, vom ›Monster Demon‹ aus ›Jitterbugging in the Street‹ erzählen, die Geräusche der
eingesetzten Schlagstöcke während der Straßenunruhen in Harlem im Hintergrund. Eine Gestalt mit einer Plastikgasmaske schwebt wie ein Astronaut unter den gleichzeitig ausschweifenden Bewegungen der Sterne. Die
Fernsehmonitore flackern in ihrem irrsinnigen, kosmischen Tanz. Eines Tages werden das Licht und die Energie
der Sonne eiskalt werden und die riesige Sonnenscheibe wird SCHWARZ.‹ Aldo Tambellini über Black Zero, 1968
›Aldo Tambellini beschreibt sein BLACK ZERO als ein Event mit Raum—Licht—Sound. Mit Ausnahme der beiden überzeugenden, aufwühlenden Gedichte, besteht es aus abstrakten visuellen und akustischen Reizen —
das ist Theater für die Sinne. Vieles hat mich beeindruckt ….. Tambellini schafft etwas Lohnenswertes. Das
Theater hat nicht diese Fähigkeit, die Sinne des Publikums zu stimulieren. Tambellini verhilft dem Theater sich
auf unbekanntes Terrain zu wagen, verstärkt dessen die Sinne ansprechenden Inhalte und bezieht das Publikum auf einem ganz neuen Niveau mit ein.‹ Michael Smith, the Village Voice, 1965
›Aldo Tambellinis ›Black Zero‹ bietet explosive, schwarz-weiße Abstraktionen, die auf Videoband produziert
wurden, ergänzt durch handgemalte Filme und Diabilder.‹ Howard Junker, Newsweek, 18. März 1968
›Gegen Ende begann ein riesiger Ballon anzuschwellen. Kurz bevor dieser zu platzen drohte, passierte etwas
Unerwartetes. Er löste sich aus seiner Halterung und schwebte bedrohlich in Richtung Publikum, an dessen
ausgestreckten Händen er schließlich zerplatzte. Als eine Art symbolischer Kommentar zu der explosiven Rassensituation in diesem Land, war Mr. Tambellinis Werk im wahrsten Sinne des Wortes eine durchaus schmerzhafte Erfahrung. Andererseits war es aber auch ein höchst effektives Stück abstrakten Theaters.‹ Grace Glueck, New York Times, 9. März 1968
›Sich auf das ursprüngliche Bild fokussierend (interstellar oder innerzellulär), nimmt Tambellini uns von Beginn
an mit auf eine verwirrende Reise funkelnder Dunkelheit bis hin zu einem grellen und explosiven Finale.‹ David
Bourdon, Redaktionsassistent Bereich Kultur, Life Magazine
Anlässlich seiner letzten Performance von Black Zero an der Brooklyn Academy of Music als Teil des Intermedia 68, gefördert vom New York Council of the Arts und dem National Council of the Arts, schrieb Aldo Tambellini folgendes: ›BLACK ZERO begann und wuchs in New York, es wird jedoch irgendwo da draußen weiter wachsen, außerhalb von New York, denn Amerika lehnt alles ab, was auf natürliche Art wächst‹.
110
Black Zero became part of ›Intermedia ‘68‹ a two month touring festival which went to seven university campuses produced by John Brockman and supported by grants from the New York State Council of the ARTS and
the National Council of the Arts.
›At present, BLACK ZERO keeps on changing and growing with each presentation as the BLACK balloon which
appears through the performance agonizingly grows, expands and disappears. In BLACK ZERO you’ll be inside
of the black womb of the Space Era. And in that womb the Black poet, Calvin C. Herton, will speak of the ›Monster Demon,‹ of ›Jitterbugging in the Street‹ under the beat of the bully sticks during the Harlem riot. The plastic gas masked figure floats like an astronaut under the expanding simultaneous motion of the stars. The television monitors pulsate in their insane cosmic dance. One day the light and the energy of the sun will become
ice cold and the enormous sun disc will become BLACK.‹ Aldo Tambellini on Black Zero, 1968
›Aldo Tambellini describes his BLACK ZERO as a space—light—sound event. Except for two strong energizing
poems it consists of abstract visual and auditory stimuli — it is theatre of the senses. I was impressed by much
of it….. Tambellini is doing something worthwhile. The theatre lacks and needs the ingredient of direct sense
stimulation. He’s expanding the theatre into unexplored territory, intensifying its sensory content and engaging
the audience on a new level.‹ Michael Smith, the Village Voice, 1965
›Aldo Tambellini’s ›Black Zero‹ provides explosive black-and-white abstractions produced on video tape supplemented by hand-painted film and slide images.‹ Howard Junker, Newsweek, March 18, 1968
›Toward the end a huge balloon began to swell. As it reached the bursting point, something unplanned happened. It broke from its mooring and floated threateningly out over the audience, at whose hands it finally exploded. As a symbolic comment on the explosive racial situation in this country, Mr. Tambellini’s work was a
painfully literal experience. On another level, as well, it was a highly effective piece of abstract theatre.‹ Grace
Glueck, New York Times, March 9, 1968
›Zeroing in on a primal image (interstellar or inner cellular), Tambellini leads us on a dazzling voyage from the
first moment of glittering darkness to a blinding an explosive finale.‹ David Bourdon, Assistant Editor of Arts,
Life Magazine
In Tambellini’s ›electromedia‹ there are images which are like microscopic or sidereal visions, telescopic,
space-like I would say, nuclear at the same time, circles, biological, cellular organisms. Black was the emblem
of the new generation of existentialists extensively existing throughout Europe as well as the United States. It
is a moment in which a whole generation is evolving which is totally new which re-enters, for the first time, back
into the historical scene: this was due to youth and the economic boom. They will be the ones to first experience the crisis which their so called good life was unable to address.‹ Paolo Antognoli, Art Critic, Aldo Tambellini’s Retrospective in Lucca, Italy, 2007
For the final performance of Black Zero at the Brooklyn Academy of Music as part of Intermedia 68, sponsored
by the New York Council of the Arts and the National Council of the Arts, Aldo Tambellini wrote the following:
›BLACK ZERO began and grew in New York but it will grow out there somewhere outside of New York for America rejects that which naturally grows.‹
111
RETROSPECTIVE
ALDO TAMBELLINI - BIOGRAPHICAL WORKS
AN INTRODUCTION AND SURVEY OF TAMBELLINI'S LIFETIME ART-WORK
In einem seiner Gedichte schrieb Aldo, dass er bereits im zarten Alter von 3 Jahren wusste, dass er der geborene Künstler sei. Seine künstlerische Ausbildung begann er mit 10 Jahren im italienischen Lucca, als seine Mutter ihn am A. Passaglia Kunstinstitut anmeldete. Dort vertiefte er sich in die Geschichte und die traditionellen
Methoden der Kunst. Als er in die USA zurückkehrte, erhielt er ein Vollstipendium für ein Kunststudium an der
Universität von Syracuse und anschließend ein Lehrstipendium, um an der Notre Dame Universität unter dem
jugoslawischen Meister-Bildhauer Ivan Mestrovic ein Studium zu absolvieren, das er mit einem MFA in Bildhauerei abschloss. In den späten 50er-Jahren zog Aldo in die Stadt New York, genauer gesagt an die Lower East
Side. Dort widmete Aldo sich der Bildhauerei und der Malerei, leistete im Bereich Videokunst bedeutende Pionierarbeit, organisierte Multimedia-Performances, drehte Filme und schrieb Gedichte. Dieses Video umfasst
mehr als 40 Jahre seines Lebens und beinhaltet eine Übersicht seiner Arbeiten. In einem Interview beim Fernsehsender WNYS in Syracuse, New York, gibt Aldo Details seiner eigenen künstlerischen Entwicklung bekannt,
während er Fotografien zeigt, die er 1948 im Alter von 18 Jahren in seiner Nachbarschaft in Syracuse, New York,
machte. Eine multimediale Reise durch Fotografien, Auszüge aktueller Arbeiten sowie Film- und Zeitungsausschnitten quer durch Aldos künstlerisches Schaffen.
Aldo wrote in one of his poems that he knew he was born an Artist as early as the age of 3. His formal artistic
training Arts began at the age of 10 when, in Lucca, Italy, his mother enrolled him in the Art Institute A. Passaglia. There, he became steeped in the history and the traditional methods of art. When he returned to the
United States, he received a full scholarship to study Art at Syracuse University and then got a Teaching Fellowship to attend Notre Dame University where he received his MFA studying under the Yugoslavian Master
Sculptor, Ivan Mestrovic. In the late 1950’s Aldo moved to New York City and specifically, the Lower East Side.
There Aldo did sculpture, painting, pioneered in video art, did multi-media performances and made films and
wrote poetry. This video spans over 40 years of his life and contains a survey of his work. Aldo, in an interview
at WNYS in Syracuse, New York, details his own artistic development while showing photographs which he took
of his neighborhood in Syracuse, New York, in 1948 at the age of 18. A multi-media journey through photographs, excerpts from actual work, film and newspaper clippings through Aldo’s artistic output.
Video contains:
- The interview from WNYS, Syracuse, NY, 1975 which include some early drawings, paintings and sculpture
- Interview at the Black Gate Theatre, New York City with ABC Television on multi-media
- Aldo’s first video tape, New York City, 1966
- TV as a Creative Medium Howard Wise Gallery, New York, 1969 (excerpts) from a video made by Ira Schneider
- ›Electromedia‹ Explanation and Performances
- ›Moonblack‹ Performance Film, 1966- an ›Electromedia‹ Performance excerpts from a film by Jud Yalkut
- ›Black Gate Cologne‹ WDR3 TV Cologne Germany, 1968 (excerpts)
- ›Black‹ in ›The Medium is the Medium‹. WGBH TV, Boston MA., 1969 (excerpts)
- ›6673‹ Aldo’s original tape from 1966 was reprocessed using the Paik-Abe Synthesizer in 1973 WNET TV channel 13 The Television Laboratory. Aldo made some of the unusual sounds heard on the video (excerpts)
- ›Atlantic in Brooklyn-the life of a street‹, in camera edited, 1971 (excerpts)
ÆUSA 2005, 57:00
ÆAldo will be present to give a personal insight in his artistic Life and will answer questions from the
audience.
112
RETROSPECTIVE
ALDO TAMBELLINI - THE BLACK FILM SERIES
BLACK ON BLACK
Eine poetische Einführung in die Black Film-Reihe
A poetry introduction to the Black Film Series
BLACK IS
›Our creative involvement with television must begin
now so that the electronic energy of communication
can give birth to new visions: we will face the realities
which astronauts and scientists know to be part of
life.‹Intermedia-Künstler und Filmemacher Aldo Tambellini arbeitete viele Jahre kreativ mit dem Medium
fernsehen. Er produzierte synaesthetische Videos, videographische Film, und Closed Circuit teledynamische Environments. Seine gesamte Arbeit in welchem
Medium auch immer beschäftigt sich mit dem Thema
›Schwarz‹ als Idee und als Erfahrung. Für Tambellini
ist Schwarz der Mutterleib und der Kosmos, die Farbe
von Haut und die Farbe des neuen Bewusstseins.
›Schwarz ist der Anfang von Allem‹ sagt er, ›es ist die
Geburt, die Erweiterung der Bewusstseins in alle
Richtungen.
Intermedia artist and filmmaker Aldo Tambellini has
worked creatively with television in many ways over
the years. He has produced synaesthetic videotapes,
videographic films, and closed circuit teledynamic environments. All of his work, in whatever medium, is
concerned with the theme of ›black,‹ both as idea and
experience. For Tambellini, black is the womb and the
cosmos, the colour of skin and the colour of the new
consciousness. ›Black is the beginning,‹ he says. ›It is
birth, the oneness of all, the expansion of consciousness in all directions.‹
Hierbei handelt es sich um Aldo Tambellinis ersten
Film, bei dem auf die Kamera ganz verzichtet wurde.
Der Film wird im Programm des Bridge Theaters in
New York wie folgt beschrieben: ›Schwarze, teuflische
Spermien zeugen, eilen durch die Dunkelheit ans
Licht. Zum Leib, zu Reibung, Wehen und Ausdehnung.
Metamorphose. Sie projizieren abstrakte Formen und
Illuminationen vor einem nacht-schwarzen Hintergrund, der, so Aldo, auf ›das Schwarz der Samen, das
Schwarz der Samen, das Schwarz der Spermien, das
Schwarz der Spermien‹ hindeutet.
This is Aldo Tambellini’s first film done entirely without the use of a camera. The film is described in the
Bridge Theatre, (NYC) Program, ›Black sperm Demons
generate, speed through darkness into light. To the
womb, to friction, contraction and expansion. Metamorphosis. Projecting abstract forms and illuminations in a night-black background which Aldo says it
suggests ›seed black, seed black, sperm black, sperm
black.‹
Aldo Tambellini
ÆUSA 1965, 4:00, 16mm, b&w, opt. sound
ÆUSA 2009, DVD, 9:30
ÆBlack Film Series 1965-1969:
113
RETROSPECTIVE
ALDO TAMBELLINI - THE BLACK FILM SERIES
BLACK TRIP1
BLACK TRIP 2
BLACKOUT
Aldo Tambellini
Aldo Tambellini
Aldo Tambellini
Im Filmkatalog der Grove Press
wird diese Arbeit als ›reine Abstraktion nach Art von Jackson
Pollock beschrieben. Durch die
Verwendung von Bildwiedergaberöhren, Video, Multimedien und
der direkten Malerei auf den Film,
erhält man den Eindruck hektischer Aktivität von Protoplasma
unter einem Mikroskop, wo der
imaginäre Betrachter vielleicht sogar den Ursprung des Ganzen zu
sehen vermag.‹ Die japanische Film
Review (Tokio) sagt, dass ›Tambellini eine neue Stufe der Bilddarstellung beschritten hat und seine Arbeit eine Innovation des elektronischen Zeitalters ist.‹
Described in the Grove Press Film
Catalogue as ›pure abstraction after the manner of Jackson Pollock.
Through the uses of kinescope,
video, multimedia and direct painting on film, an impression is gained
of the frantic action of protoplasm
under a microscope where an
imaginative viewer may see the
genesis of it all.‹ The Japanese Film
Review (Tokyo) says that, ›Tambellini stepped into a new stage of imagery and his work is a pioneer
piece of the electronic age.‹
Aldo Tambellini beschreibt diesen
Film als ›innerliches Erforschen
der Gewalt und des Mysteriums der
amerikanischen Seele, gesehen
durch die Augen eines schwarzen
Mannes und der russischen Revolution.‹
Aldo Tambellini describes this film
as ›an internal probing of the violence and mystery of the American
psyche seen through the eyes of a
black man and the Russian Revolution.‹
Aldo Tambellini schreibt über den
Film, ›…nach New York, ins tiefe
Schwarz, ins Licht, wie ein neues
Embryo, das Schwarze gebärend.‹
Der Filmkatalog von Grove Press
sagt, ›…. wie eine Aktionsmalerei
von Franz Kline, ist es ein steigendes Crescendo abstrakter Bilder.
Rasche Schnitte weißer Formen
auf einem schwarzen Hintergrund,
ergänzt durch einen gleichermaßen
abstrakten Soundtrack, erinnern
an ein Bombardement am Himmelszelt oder an ein Schlachtfeld,
auf dem Kanonen auf einen unsichtbaren Feind in der Dunkelheit
schießen.‹ Dieser Film wurde ohne
Verwendung einer Kamera gemacht.
Aldo Tambellini writes about the
film, ›…to New York-to black-to
light as a new embryo giving birth
to black.‹ Grove Press film Catalogue talks about the film ›….like
an action painting by Franz Kline, is
a rising crescendo of abstract images. Rapid cuts of white forms on
a black background supplemented
by an equally abstract soundtrack
give the impression of a bombardment in celestial space or on a battlefield where cannons fire an unseen enemy into the night.‹ This
film was done without the use of
the camera.
ÆUSA 1965, 4:30, 16mm, b&w,
opt. sound
ÆUSA 1967, 3:00, 16mm, b&w,
opt. sound
ÆUSA 1965, 9:00, 16mm, b&w,
opt. sound
114
BLACK PLUS X
MOONBLACK
BLACK TV
Aldo Tambellini
Aldo Tambellini
Aldo Tambellini
In diesem Werk beobachtet Aldo
das Geschehen im Coney Island
Park, New York. Er verfolgt das
Spiel der schwarzer Kinder, nimmt
die Aktivitäten der Familien dort
auf und den Spaß, den diese im
Wasser und rund um den Freizeitpark haben. Dieser Film wurde professionell in der Kamera geschnitten.
Aldo here focuses on the activities
at Coney Island Park, NY. He follows
black children through their playing, capturing family activities and
the fun they are having in the water
and around the amusement park.
This film is competently edited in
camera.
Aldo Tambellini schafft hiermit eine
nachempfundene Reise durch den
Weltraum, der Mond ist das Ziel.
Das Gefühl eines Weltraumfluges
wird noch durch das permanente
Dröhnen eines Raketentriebwerks
sowie den Gesprächen zwischen
den Astronauten und der Kontrollstation in Houston verstärkt. Aldo
Tambellini, für den die Farbe
Schwarz eine Quelle ständiger Fantasie darstellt, schrieb über Moonblack, ›und bevor alles anfing war
es schwarz‹. Bei diesem Film wurde auf die Kamera gänzlich verzichtet.
Aldo Tambellini creates a vicarious
trip through space, destination
Moon. The sensation of space flight
is further heightened by the continuous roar of rocket engines and the
conversation between the astronauts and Houston Control. Aldo
Tambellini for whom black was a
source of permanent imagination
wrote about Moonblack, ›……and
before beginning there was black.‹
This is a film done entirely without
the use of the camera.
›Der Film‹ so der Filmkatalog der
Grove Press, ›zeigt die sensible
Wahrnehmung der Gewalt seitens
des Künstlers auf der Welt, in der
wir leben, quasi durch die Fernsehröhre dargestellt.‹ Die Japanese Film Review (Tokio) nennt es
›sein (Tambellinis) Meisterwerk.
Ein Werk, in dem das Video TV zu einem persönlichen und künstlerischen Medium geworden ist. Dieser Film gewann den Grand Prix
beim Filmfestival in Oberhausen im
Jahr 1969.
›The film‹ Grove Press Film Catalogue writes, ›is the artist’s sensory
perception of the violence of the
world we live in, projected through
the television tube.‹ The Japanese
Film Review (Tokyo) calls it ›his
(Tambellini’s) masterpiece. Where
video TV has become a personal
and artistic medium. This film won
the Grand Prix at the Film Festival
Oberhausen, Germany in 1969.
ÆUSA 1966, 4:00, 16mm, b&w,
opt. sound
ÆUSA 1968, 10:00, 2x16mm split
screen, b&w, opt., shown on DVD
ÆUSA 1969, 13:00, 16mm, b&w,
opt. sound
115
RETROSPECTIVE
ALDO TAMBELLINI - VIDEOWORKS
A ›DIGITAL TRIPTYCH‹: -1
MARCH 27, 1980
8:00PM–1:00AM
Aldo Tambellini
Aldo Tambellini
Im Studio des WXXI TV, Rochester, New York, wurde 1969 auf einem 2Zoll-Quadband eine Videoaufnahme gemacht, gefördert mit einem Zuschuss der New York State Council of the Arts, die Teil einer Programmreihe bildete, die vom New York State Education Television produziert und
gesendet wurde. Aldo Tambellini, Pionier im Bereich Multimedien, veranstaltete ein Live-Event im Fernsehstudio, wo er ein urbanes Klassenzimmer mit Kindern nachstellte. Aldos Film/Video bombardiert die Kinder,
die spontan anfangen zu singen, wobei ihre Kinderlieder mit dem sich
wiederholenden Countdown eines Raketenstarts vermischt werden; die
Gespräche zwischen den Astronauten und der Weltraumflugkontrollstation und US-amerikanischen Truppen im Vietnamkrieg, mitten im Gefecht. Der 1.Teil des Triptychons besteht aus reiner Improvisation, ohne
jegliches Drehbuch.
Im 2.Teil des Triptychons hört das Publikum vor einem tiefschwarzen Hintergrund drei Anti-Kriegsgedichte, die von Aldo verfasst und aufgenommen wurden.
Der 3.Teil besteht aus animierten Zeichnungen, die außer Landes geschmuggelt worden waren, Zeichnungen irakischer Kinder, die den Krieg
hautnah miterlebten und so dokumentierten. Diese kleinen Kunstwerke
der Kinder stammen aus Aldos Digitalfilm ›LISTEN‹ aus dem Jahr 2005,
Gewinner beim Syracuse International Film Festival sowie beim New
England Film and Video Festival 2006, in der Kategorie ›Bester Experimentalfilm eines unabhängigen Filmemachers‹.
A videotape was made in the studio of WXXI TV, Rochester, N. Y. on a 2 inch
Quad broadcast tape in 1969 with a grant from the New York State Council of the Arts as part of a program series which was produced and aired
by New York State Educational Television. Aldo Tambellini, multi-media
pioneer, created a live event in the television studio using an urban classroom of children. Aldo’s film/video bombard the children who are spontaneously singing, their children’s’ songs mixed with the repeated countdown of a rocket launch; the conversation between the astronauts and
Mission Control and US troops engaged in battle in the Vietnam War. Part
1 of the triptych is a non-scripted improvisation.
Part 2 of the triptych, in a background of intense black, the audience
hears 3 anti-war poems written and recorded by Aldo.
Part 3 is the animated smuggled drawings by Iraqi children as they witnessed and document the present war. This children’s artwork is from
Aldo’s digital film ›LISTEN‹ 2005, winner of the Syracuse International
Film Festival and the New England Film and Video Festival for best experimental-film by an independent filmmaker category in 2006.
Dieses Video dokumentiert fast minutiös einen ganz gewöhnlichen
Alltag. Es ist der 27. März 1980.
Aldo zappt zwischen den einzelnen
Fernsehsendern hin und her, von
20.00 Uhr bis 1.00 Uhr. Er nimmt all
das auf, dem der Fernsehzuschauer ausgesetzt ist, hält die Dramatisierung und vor allem die Gewalt
und Absurdität des wöchentlichen
Fernsehprogramms fest.
This video frames time of an ordinary day. Aldo switches the stations on a television between the
hours of 8:00PM and 1:00 AM on
March 27, 1980. He records what a
viewer is exposed to being on
broadcast television, capturing the
dramatization and particularly the
violence and absurdity of the
weekly programming.
ÆUSA 1969 & 2005, 24:00
116
ÆUSA 1980, 13:00
ÆFrom the series ›A Day In The
Life Of Television‹
INAUGURATION ‘81
(From the series: ›A Day In The Life Of Television‹)
Aldo Tambellini
Neuauflage aus dem Katalog für die Show ›BOSTON: NOW‹, Institute of Contemporary Art, Boston, MA, 10. Mai
1983 - 5. Juni 1983. Es gibt ein von den Medien erfundenes Amerika. Es hat Wurzeln in Hollywood und andere
Mythologien, die von den Europäern abgewandelt wurden und im neuen Land somit langsam ihre eigenen Merkmale erhielten. Die Medien verbinden uns und schaffen eine Realität, die mehr als nur Realität ist; sie ist ›das
Bild eines Bildes‹ auf Mehrfachkanal. In ›Inauguration ‘81‹ sendet jeder Kanal ›live‹ ---- jedes Sendernetz hat
sein eigenes Kamerateam mit Zugang zu Satelliten- und Schaltsystemen — ein Sender strahlt den alten Film
›There’s No Business Like Show Business.‹ aus. Die Fernsehgeräte zeigen hohe Tiere und Stars, darunter Reagan, zum Präsidenten ernannt. Im Fernsehen zeitlich stark verkürzt, bekommt man die wichtigsten Ereignisse
geballt gezeigt. Die Struktur des Fernsehens liegt in der Mythologie unserer Regierung, unseres Landes. Das
Fernsehen ist das Museum für die Massen; es ist die Welt, die unseren Geist beherrscht, was durch die sich
ständig entwickelnden technischen Möglichkeiten in den komplexen Systemen der Kommunikationsnetzwerke
nur noch verstärkt wird. Es gibt im Fernsehen Momente von größter Bedeutung. ›Inauguration ‘81‹ ist einer dieser Momente. Werden die Geiseln befreit werden? Ein zunächst siegessicherer Carter, der am Ende die Wahl
verlor, triumphiert. Es ist der Glanz der ›Inauguration‹ und des ikonenhaften Bildes einer Marilyn Monroe mit
Ethel Merman auf mehreren Kanälen gleichzeitig. Die Aufnahme wurde in einem Videogeschäft in einer kleinen
Stadt außerhalb von Boston gedreht. Ich rief im Vorfeld dort an und bat darum, alle verfügbaren Kanäle einzuschalten. Während der Aufnahme nähert sich ein Verkäufer, der sich der Dreharbeiten gar nicht bewusst zu sein
scheint, einem Fernsehgerät, in der Bemühung dieses an einen Kunden zu verkaufen und macht somit das
Ganze noch glaubwürdiger.
Reprinted from the Catalogue for the Show ›BOSTON: NOW‹, Institute of Contemporary Art, Boston, MA, May 10,
1983-June 5, 1983 There is an America invented by the media. It has roots in Hollywood and other mythologies
which were transposed by the Europeans and began to have their own characteristics in the new land. Media
connects us and creates the reality which is more than reality; it is ›an image of an image‹ in multi-channels. In
›Inauguration ‘81‹ each channel is happening ›live‹----each network has its own camera crew with access to
satellite and switching systems—one station is broadcasting the old movie ›There’s No Business Like Show
Business.‹ The TV sets project big brass and stars and Reagan is one of them becoming President. The compression of time in television blows up the essence. The structure of broadcast-television is in the mythology
of our government and land. TV is the museum of the masses; it is the environment inhabiting our minds, made
possible by the ever developing technological means in the complex systems of communication networks.
There are moments in television of epic significance. ›Inauguration ‘81‹ is one of those moments. Will the
hostages be released? A victorious Carter, who lost the election, is triumphant. It is the glory of the Inauguration and the iconic image of Marilyn Monroe with Ethel Merman on simultaneous channels. The tape was shot
in a video store in a small town outside of Boston. I called ahead and asked to have all available channels
switched on. During the taping one salesman, oblivious to it all, came in front of a TV set, trying to sell it to a
customer which adds a spark of reality.
ÆUSA 1981, 35:00
117
RETROSPECTIVE
ALDO TAMBELLINI BIOGRAPHY
ALDO TAMBELLINI
Aldo Tambellini, Maler, Bildhauer, Fotograf, Videokünstler, Filmemacher und Dichter, wurde 1930 in Syracuse,
New York, geboren. Sein Vater stammte aus São Paulo, Brasilien, die Mutter aus Italien. Im Alter von 18 Monaten nahm man ihn mit ins italienische Lucca (Toskana). Bereits mit 10 Jahren wurde er dort an der Kunstschule am A. Passaglia Kunstinstitut angemeldet. Als er 14 war, überlebte er wie durch ein Wunder die Bombardements in seiner Wohngegend während des 2. Weltkrieges, denen viele Nachbarn und Freunde zum Opfer fielen.
1946 kehrte er in die USA zurück. Im Jahr 1954 erhielt er ein Vollstipendium in der Fachrichtung Kunst an der
Syracuse Universität, erreicht dort den BFA in Malerei, sowie 1958 ein Lehrstipendium an der Universität, das
er mit einem MFA in Bildhauerei abschloss.
1959 zog Aldo an die Lower East Side von New York. Dort gründete er die Gruppe ›Group Center‹, eine im Untergrund operierende ›Gegenkultur‹ Gruppe, die öffentliche Kunstveranstaltungen organisierte und nicht-traditionelle, alternative Methoden aufzeigte, um der Allgemeinheit künstlerische Arbeiten zu präsentieren. Auch die
Organisation von anderen Aktivitäten erfolgte, um das politische und künstlerische Bewusstsein der Öffentlichkeit zu wecken. 1964 veranstaltete Group Center die wohl erste Loft Show, an einem Ort, den wir heute als
SOHO in New York kennen.
In den 60er-Jahren galt Aldo als Pionier der Videokunst-Bewegung. 1965 begann Tambellini direkt auf Film zu
›malen‹, womit er seine ›Black Film Reihe‹ ins Leben rief, von der ›Black TV‹ 1969 den ›International Grand Prix‹
beim Filmfestival in Oberhausen gewann und sich jetzt in der Sammlung des Museum of Modern Art befindet.
Gleichzeitig begann Aldo mit einer Reihe von ›Electromedia Performances.‹ ›Black,‹ ein noch unvollendetes
Werk, organisch zusammengestellt, zeigte Malereien, Film, Video, Gedichte, Licht, Tanz, Sound und Improvisationsmusiker, und erreichte seinen Höhepunkt mit ›Black Zero‹ bei der ›Intermedia ’68‹ an der Academy of Music in Brooklyn. Es wurde 2009 im Rahmen der Performa09 in der White Box in New York wieder gezeigt. 1966
war er Mitbegründer des ›Gate Theatre‹ in der Lower East Side von New York, wo es täglich Vorstellungen avantgardistischer und unabhängiger Filme gab. Im Jahr darauf gründete er mit Otto Piene, das Black Gate Theater,
an dem erstmalig in New York multimedia (Electromedia) Performances und Installationen live gezeigt wurden.
Im Jahr 1968 entwickelten Aldo Tambellini und Otto Piene beim WDR in Köln (Deutschland) die erste durch
Künstler gestaltete internationale Fernsehsendung mit dem Titel, ›Black Gate Cologne‹.
Tambellini nahm an den folgenden bahnbrechenden Ausstellungen teil:
›Some More Beginnings- Experiments in Art and Technology‹ Brooklyn Museum, in Zusammenarbeit mit dem
Museum of Modern Art, 1968 – die erste Museumsshow, die Kunst und Technologie verbindet.
›Television as a Creative Media‹ Howard Wise Gallery, New York, 1969 – die erste Show, die das Thema Fernsehen in einer Galerie eingehend behandelt.
›The Medium is the Medium‹ WGBH, Boston, MA. – die erste Fernsehsendung von Künstlern in den USA, 1969.
›Vision and Television,‹ Rose Art Museum, Brandeis Universität, Waltham, MA. 1970 – die erste größere Videoausstellung in einem Museum.
›A Special Video Show,‹ Whitney Museum, New York, 1971 - die erste Videoshow im Whitney Museum.
›First National Videotape Festival,‹ Minneapolis Art Institute in Zusammenarbeit mit dem Walker Art Center
Minneapolis, MN., 1972.
›Circuit: A Video Invitational‹ Everson Museum of Art, Syracuse, New York, 1972 – die erste Ausstellung von Videokünstlern, die Museen und Galerien bereisen.
Von 1976 bis 1984 arbeitete Aldo als wissenschaftlicher Mitarbeiter am Center for Advanced Visual Studies am
Massachusetts Institute of Technology. Während seiner Tätigkeit dort, wirkte er bei vielen Projekten mit und
nahm an den internationalen ›Sky Art Conferences‹ sowie der Biennale 1983 in São Paolo teil und blieb fast ein
Jahr in Brasilien. Er war der Austauschkünstler in Paris für das interaktive Medienprojekt ›Interface‹, Paris
American Center for Artists und CAVS MIT, im Jahr 1981. Mit dem Prinzip der sogenannten ›Kommunikationssphäre‹, organisierte er eine Reihe von internationalen und interaktiven Kommunikationsprojekten, die eine
Welle des ›social networking‹ auslösten, so eine Art Vorläufer des heutigen Internets.
Seine dichterischen Werke, aus denen er in zahlreichen öffentlichen Lesungen vorträgt, wurden vielfach veröffentlicht. Mit seinem Werk ›LISTEN‹ aus dem Jahr 2005 schuf er einen digitalen Anti-Kriegsfilm, der 2005 beim
Filmfestival in New England in der Kategorie ›Short Experimental Film by an Independent Filmmaker‹ und beim
internationalen Filmfestival in Syracuse im Jahr 2006 den ersten Preis gewann. 2007 erhielt Aldo den ›Lifetime
Achievement Award‹ ebenfalls von der Universität von Syracuse, im Rahmen des dortigen internationalen Filmfestivals. Im gleichen Jahr wurden ihm die ›Keys to the City of Cambridge‹ vom Bürgermeister Ken Reeves überreicht, als Anerkennung für seinen Beitrag zum kulturellen Leben in der Stadt.
118
Aldo Tambellini, painter, sculptor, photographer, video artist, film-maker and poet was born in Syracuse, New
York in 1930. Father from Sao Paolo, Brazil - Mother from Italy. He was taken to Lucca (Tuscany) Italy at the age
of 18 months. He was enrolled in the art school in Lucca at the A. Passaglia Art Institute at the age of 10. At 14,
he miraculously survived the bombing of his neighborhood during WWII when many of his friends and neighbors
died. He returned to the United States in ›46. Awarded a full Art Scholarship at Syracuse University, BFA in
Painting, ›54 and a Teaching Fellowship at the University of Notre Dame, MFA in Sculpture, ’58.
In ›59, Aldo moved to N.Y.’s Lower East Side. He founded the underground, ›counter-culture‹ group, ›Group Center,‹ which organized public art events and non-traditional alternative ways to present artists’ work to the community, and other activities to raise the political and artistic consciousness of the public. In ’64 Group Center
held probably the first Loft Show in what is now SOHO in NYC.
Aldo pioneered in the video art movement in the 60’s. In ›65, he began painting directly on film beginning his
›Black Film Series‹ of which, ›Black TV,‹ won the International Grand Prix, Oberhausen Film Festival, ’69 - now
in the Collection of the Museum of Modern Art. Simultaneously, Aldo began a series of ›Electromedia Performances.‹ ›Black,‹ a work in progress, organically brought together, projected paintings, film, video, poetry, light,
dance, sound and improvisational musicians, culminating with ›Black Zero‹ at the Brooklyn Academy of Music
in ›Intermedia ’68‹ and performed again in 2009 for Performa09 at the White Box in NYC. In ’66, he co-founded
the Gate Theatre, in the Lower East Side of NYC, showing avant-garde and independent films daily and in ›67,
he co-founded with Otto Piene, the Black Gate, the 1stspace in NYC for live multi-media (Electromedia) performances and installations. Aldo and Otto Piene created at WDR, Cologne, Germany, the 1stinternational television broadcast by artists, ›Black Gate Cologne,‹ in ’68.
He participated in the following pioneering exhibitions: ›Some More Beginnings- Experiments in Art and Technology‹ Brooklyn Museum in collaboration with Museum of Modern Art, 1968 - 1st museum show of arts and
technology. ›Television as a Creative Media,‹ Howard Wise Gallery, N.Y., N.Y., 1969 - 1stcomprehensive show
about TV in a gallery. ›The Medium is the Medium,‹ WGBH, Boston, MA. - 1stU.S. broadcast by artists, 1969. ›Vision and Television,‹ Rose Art Museum, Brandeis University, Waltham, MA. 1970 - 1stmajor museum video exhibition. ›A Special Video Show,‹ Whitney Museum, N.Y., N.Y. 1971-1stvideo show at the Whitney. ›First National
Videotape Festival,‹ Minneapolis Art Institute in collaboration with Walker Art Center‹ Minneapolis, MN., ’72.
›Circuit: A Video Invitational,‹ Everson Museum of Art, Syracuse, N.Y., ’72 - 1stexhibition of video artists travelling to museums and galleries.
From 1976 to 1984, Aldo was a Fellow at the Center for Advanced Visual Studies at the Massachusetts Institute
of Technology. While at CAVS, he collaborated in many projects and participated in the International ›Sky Art
Conferences‹ and the Sao Paolo Biennale ’83, remaining in Brazil almost a year. He was the exchange artist to
Paris for the interactive media project, ›Interface,‹ Paris American Center for Artists and CAVS MIT, ›81. With the
concept of ›communicationsphere‹ he organized a series of international, interactive, communication projects
leading to the wave of social networking, in some way a precursor of the internet.
As a poet, he is widely published - performing in countless public readings. He produced an anti-war digital film
with his poetry, ›LISTEN‹ in 2005. This film won First Place in the ›Short Experimental Film by an Independent
Filmmaker‹ at the New England Film Festival in ›05 and at the Syracuse International Film Festival in ›06. In ›07,
Aldo was awarded the ›Lifetime Achievement Award‹ from Syracuse University at the ›07 Syracuse International Film Festival. The same year he received the Keys to the City of Cambridge from Mayor Ken Reeves in recognition of his contribution to the cultural environment of the City.
119
MEDIA CAMPUS
MEDIA CAMPUS. Als Forum speziell für studentische Nachwuchskünstler zeigen wir dieses Jahr, was die junge
Medienkunst aus 16 Nationen in der Gegenwart ausmacht.
In diesem Rahmen finden zwei Ausstellungen statt: Unter dem Titel ›sound reflections‹ werden im Turm Bürgergehorsam Medieninstallationen präsentiert, die sich mit dem Spektrum menschlicher Wahrnehmung befassen, aber auch die Frage nach dem Wahrgenommenwerden stellen. Hierbei wird der Besucher dazu auffordert, seine Sinnesorgane auf ungewohnte Weise zu beanspruchen.
Im Stadtgalerie Café wird bis zum 2. Mai 2010 die Ausstellung ›living entities‹ gezeigt. Die einzelnen Installationen, welche unterschiedliche Facetten des Lebens beleuchten, schlagen eine Brücke zwischen Natur und
Kultur. Einige dieser Arbeiten bedürfen der Interaktion mit dem Besucher, sodass erst durch diesen das Kunstwerk vervollständigt wird.
Diesmal heißen wir drei Hochschulen willkommen, die sich mit Vorträgen und Filmprogrammen vorstellen:
Prof. Philipp Pape präsentiert mit ›Visualising Europe‹ und ›Generative Typografie‹ zwei Projekte der FH Mainz,
in deren Rahmen abstrakte Daten per Design künstlerisch vermittelt werden. Außerdem stellt sich die Filmklasse der Akademie für Bildende Künste Mainz unter der Leitung von Prof. Harald Schleicher in Form eines
Kurzfilmprogramms vor. Prof. Jörg Udo Lensing gewährt mittels des Vortrags ›Experimentelle audio-visuelle
Wechselwirkungen im Film‹ und des Filmprogramms ›Filme machen – anders‹ einen Überblick über das Studienangebot des Fachbereichs Design der FH Dortmund.
In diesem Jahr hat das Auswahlkomitee des Media Campus sechs Filmprogramme zusammengestellt:
›Passion of Mind‹ widmet sich dem Labyrinth menschlicher Psyche sowie der Gefahr, sich darin zu verlaufen.
›Raum-Zeit-Anomalien‹ durchstreift das akustische und optische Spannungsfeld zwischen Meditation und
Reizüberflutung. In ›Constructed Nature‹ werden typisch menschliche Verhaltensmuster auf ungewöhnliche
Weise pointiert. Bei ›Minds gone astray‹ steht die Macht der Fantasie im Mittelpunkt, ob als Lebensprinzip oder
seelische Stütze. ›Family Affairs‹ thematisiert die Licht- und Schattenseiten familiärer Kommunikation. ›Mosaik‹ hingegen kombiniert Filme unterschiedlichster Themen zu einem Potpourri aus Alltäglichem und Absurdem.
Darüber hinaus laden zwei Workshops zu künstlerischer Betätigung ein: Teilnehmer des Workshops ›TRASH UP‹
werden unter der Leitung der Medienkünstlerin Joanna Schulte einen Minimusikfilmclip produzieren. Im
Workshop ›Raus aus der Blackbox!‹ von Erik Schmelz gilt es dagegen, miteinander korrespondierende Medien
zu einer multimedialen Installation zusammenzufügen.
Wir freuen uns auf ein spannendes und unterhaltsames Programm
Das Media Campus-Team
120
MEDIA CAMPUS. As a forum especially for budding student artists, this year we will show what young Media Art
from 16 different countries currently signifies.
In this context, two exhibitions will be held: under the title ›sound reflections‹, media installations that explore
the spectrum of human perception and the act of being perceived will be presented in the Turm Bürgergehorsam. Here, visitors will be invited to utilise their sense organs in an unusual way.
The ›living entities‹ exhibition will be shown in Stadtgalerie Café up to 2 May 2010. The individual installations,
which illuminate the various facets of life, build a bridge between nature and culture. Some of these works require interaction with visitors, completing the work of art.
This time we would like to extend a warm welcome to three higher education institutions, which will introduce
themselves in lectures and film programmes:
Professor Philipp Pape will present ›Visualising Europe‹ and ›Generative Typography‹, two projects at Mainz
University of Applied Sciences in which abstract data was artistically conveyed by design. Also the Film Class
of the Akademie für Bildende Künste Mainz, under the direction of Professor Harald Schleicher, will present itself within a short film programme. In his lecture ›Experimental audio-visual interactions in film‹ and the film
programme ›Alternative filmmaking‹, Professor Jörg Udo Lensing will give visitors an overview of the courses on
offer at the Faculty of Design of Dortmund University of Applied Sciences and Arts.
This year, the selection committee of Media Campus has compiled six film programmes: ›Passion of Mind‹ is
dedicated to the labyrinth of the human mind and the danger of losing oneself in it. ›Space-Time Anomalies‹
touches upon the acoustic and optical area of conflict between meditation and stimulus satiation. In ›Constructed Nature‹ typical human behaviour patterns are pointedly illustrated in an unusual way. ›Minds Gone
Astray‹ centres on the power of fantasy, whether as a life principle or a mental pillar. ›Family Affairs‹ explores
the theme of the bright and dark sides of family communication. ›Mosaic‹, on the other hand, combines films
on a variety of topics into a potpourri of everyday matters and the absurd.
In addition, in two workshops participants are invited to become artistically active: under the direction of the
media artist Joanna Schulte, participants in the ›TRASH UP‹ workshop will produce a mini music film clip. In the
›Out of the black box!‹ workshop by Erik Schmelz, on the other hand, corresponding media will be brought together to create a multimedia installation.
We look forward to an exciting, entertaining programme
The Media Campus Team
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MEDIA CAMPUS FILM PROGRAM
MOSAIK / MOSAIC
UNTITLED #44
DIRK & THOMAS 1-17 & 20
MUM’S LUNCH
Stefan Riebel
Henning Basler
Eva Münnich
In seiner werbespotartigen Kürze
informiert der Film das Publikum,
dass er all jenen Dingen gewidmet
ist, die an seiner Stelle hätten gezeigt oder sich hätten ereignen
können. Damit stellt er dem Publikum einen Möglichkeitsraum zur
Verfügung, der durch die individuellen Vorstellungen der Betrachter
gefüllt werden kann.
This text-based animation tells the
audience that it is dedicated to all
those things that could have been
shown or that could have occurred
instead. The movie therefore offers
a space of possibilities that can be
used and filled by the audience’s
imagination.
Dirk & Thomas 1-17 & 20 ist eine Zusammenstellung von kurzen Clips, in denen die beiden Protagonisten auf mannigfache Weise
immer wieder anders interagieren. Der daraus resultierende Spannungsmoment erzeugt eine gewisse Komik.
In einer Bierlaune von Andreas Heiser und
Henning Basler erdacht, hat es die Serie auf
20 Folgen und für eine Weile auf die Startseite von youtube geschafft. Folge 18 und 19
kamen in der Zwischenzeit bei einem Einbruch abhanden. Gezeigt wurden die Filme
unter anderem auf dem Noorderzon und dem
Klik! Amsterdam Animation Festival.
Dirk & Thomas 1-17 & 20 is a compilation of
short clips in which the two protagonists are
interacting in different ways. The resulting
moment of suspense provides some sort of
comic effect.
Created by Andreas Heiser and Henning
Basler while drinking beer in a mood of relaxation, the series has been completed to a
sequence of 20 episodes even to appear on
the front page of youtube. Episodes 18 and
19 have meanwhile disappeared due to a
burglary. Among other screenings, the films
were presented at Noorderzon and the Klik!
Amsterdam Animation Festival.
Wie wurden all die großen
Affen groß und stark? Ein
kleiner Film über eine
mögliche Antwort auf diese Frage.
How do big bad apes grow
big and bad? A small film
about a possible answer
to this question.
Stefan Riebel, * 1982 in Halle/
Saale, Germany. Studied at the
Finnish University of Fine Arts in
Helsinki, majoring in Sculpture.
Diplom at the Academy of Visual
Arts in Leipzig in 2010.
ÆD 2009, Video, 1:00
ÆRealisation: Stefan Riebel
ÆDistribution: Stefan Riebel
Henning Basler, *1982 in Haselünne, Germany. Studied Communication Design in Minerva, Groningen from 2003-2007. Freelance illustrator and animator since 2007.
ÆNL/D 2006-2009, Video, 3:29
ÆConcept: Henning Basler, Andreas Heiser
ÆRealisation: Henning Basler
ÆDistribution: Henning Basler
122
Eva Münnich, *1982. Has
been studying film science at the Hfg Offenbach
since 2004.
ÆD 2008, Video, 1:10
ÆRealisation:
Eva Münnich
ÆDistribution:
Eva Münnich
MIRACLES
SYNCHRONIZATION
CHANCES
Dorian Gaudin
Josh Willard, Daryl Spong
Lindsay Denniberg
Miracles ist ein Versuch, das Göttliche zu einer Kunstfertigkeit zu machen. Eine Kettenreaktion, in deren
Verlauf physisch unmögliche Ereignisse aufeinander folgen, während
sie gleichzeitig ihre Funktionsweise preisgeben. Dorian Gaudin zieht
es vor, diese Kunstgriffe deutlich zu
machen, um den Zuschauer dazu
einzuladen, sich auf diese Aktion
geistig einzustellen bevor die Wunder im Film tatsächlich geschehen.
Miracles is an attempt to cristalise
the divine into an artifice. A chain
reaction in which physically impossible events succeed each other
while simultaneously revealing
their modality of function. Dorian
Gaudin chooses to make these
tricks obviously present in order to
invite the viewer to mentally anticipate the action before the miracles happen in the film.
Synchronization ist ein Mash-up
Video, das die Komplexität linearer
Zeit in urbanem Raum untersucht.
Das Video wurde dreimal auf dem
Dundas Square in Toronto gedreht
und dann in eine multi-screen
Collage eingefügt. Die Arbeit befasst sich mit Ton, Bewegung und
Raum und gibt der Zeit eine fast
körperliche Gestalt.
Synchronization is a mash-up
video that explores the complexity
of linear time in an urban space.
The video was shot three times at
Dundas Square in Toronto, and then
placed into a multi-screen collage.
The work examines sound, movement and space and formalizes
time into something almost physical.
Gefilmt in einem Land aus Glitzer
und Ausgespucktem, dokumentiert
CHANCES! die Reise zweier Triscults, die einfach nur herumhängen. Dabei werden sie von ihrem
bösen Tanzlehrer Herrn Transylvania gestört; die Triscults schwören
Rache, treffen neue Freunde und
werden von Franks Kraft überwältigt. Das Projekt CHANCES! dauerte ein Jahr und wurde 2009 von
einer Gruppe von Freunden ins Leben gerufen, die sich auf ihrer Suche nach Magie der Filmkunst bedienten!
Filmed in lands made of glitter and
spit-up, CHANCES! documents the
journey of two Triscults just hanging out. Disrupted by their evil
dance instructor Mr. Transylvania;
Triscults seek revenge, meet new
friends and overcome with the
power of Frank. CHANCES! was a
year-long project created in 2009
by a group of friends seeking magic
through the use of film!
Dorian Gaudin, *1986 in Paris,
France. Has been studying Animation at the Ecole nationale
supérieure des arts décoratifs in
Paris and is now in Le Fresnoy, Studio national des arts contemporains in Tourcoing, France.
ÆF 2009, Video, 8:00
ÆRealisation: Dorian Gaudin
ÆCamera: Xavier Ehrestermann
ÆMusic: Florian Billon
ÆDistribution: Jean-Louis Padis
Josh Willard, a 4th year Communication Studies & Multimedia student at McMaster University in
Hamilton, Ontario, Canada.
Daryl Spong, a 4th year Communication Studies & Multimedia student at McMaster University in
Hamilton, Ontario, Canada.
ÆRealisation, actor: Josh Willard
ÆCamera: Daniel Esposto
ÆMusic: Daryl Spong
ÆDistribution: Josh Willard
Lindsay Denniberg, *29 July 1984 in
Miramar, Florida. Studied Film BFA
and Palm Reading at the University
of Central Florida from 2005-2009.
ÆUSA 2009, Video, 16:00
ÆRealisation: Lindsay Denniberg
ÆActors: Jill Shea,
Brittany Morris, Chris Shields,
John Scarboro, Frank Traynor,
Uncle Lou
ÆCamera: Marco Cordero,
Nick Briz, Lindsay Denniberg,
Chris Shields
ÆDistribution: Lindsay Denniberg
123
MOSAIK / MOSAIC
KLEINE BRÖTCHEN
DESTROYING
SULUKULE
SIDE BY SIDE
Marcus Zilz
Zafer Topaloglu
Nassiem Valamanesh
Eine Gesprächsrunde.
Wer kennt sie nicht, die Situationen, in denen wir uns offenbaren
müssen, doch viel lieber hinter einer glitzernden Wolke der Unkenntlichkeit verbergen würden?
Auch in der Welt des Zeichentricks
kämpfen die Leute mit sich und mit
dem, was sie von ihren Eltern mit
auf den Weg bekommen haben.
Eine Momentaufnahme.
A roundtable.
We all know this kind of uneasy situation where we have to show ourselves, although we would much
rather hide behind a glittering
cloud of unrecognisability… Cartoon characters also have to deal
with themselves and what their
parents have instilled in them.
A snapshot.
Das Video untersucht den Übergang von der Ordnung zur Unordnung in den einzelnen Menschenleben, indem es durch physische
Kraft eine Zerstörung in deren sozialem Umfeld hervorruft und somit indirekt in deren Privatsphäre
eindringt, und sie praktisch zwingt,
Zeuge dieser schockierenden Zerstörung zu sein.
The video explores the transition
between order and disorder in individuals’ lives via intervention in individuals’ privacy indirectly by
physically creating social destruction around them and forcing them
to witness to this shocking destruction.
Vertraute und doch befremdlich erscheinende Landschaften animieren uns über die Befreiung nachzudenken, die durch die Zugabe von
Banalem zur Schönheit des Absurden entsteht. Fische fliegen. Ein
Haus geht auf Reisen. Papierboote
setzen ihre Segel. Ein Junge und
ein Mädchen schauen, Seite an
Seite, gemeinsam, und doch allein.
Bei dieser Arbeit wurden sowohl digitale Fotografie als auch Video
und Animation verwendet. Die Dreharbeiten fanden in Melbourne,
Australien, statt.
Landscapes familiar yet strange incite us to consider the liberation
that comes from infusing the banal
with the beauty of the absurd. Fish
fly. A house travels. Paper boats set
sail. A boy and a girl watch, side by
side, together yet alone.
This work mixes digital photography, video and animation. It was
filmed on location in Melbourne,
Australia.
Marcus Zilz, *1982 in Cologne.
Worked as a stage actor, sound designer and musician before enrolling at the Academy of Arts
Cologne in 2007.
ÆD 2009, Digibeta, 4:26
ÆRelisation: Marcus Zilz
ÆAnimators: Katharina Huber,
Simon Steinhorst,
Nicole Wegner, Marcus Zilz
ÆMusic: Andreas Koecher,
Marcus Zilz
ÆSounddesign, voices:
Marcus Zilz
ÆMentoring: Raimund Krumme
ÆProduction: KHM
ÆDistribution:
Kurzfilmagentur Hamburg
124
Zafer Topaloglu, * 1978 in Sakarya,
Turkey. Holds a bachelor in Film-TV
from Istanbul Bilgi University. He
lives in Rotterdam and studies
Lens-Based Digital Media at Piet
Zwart Institute.
ÆNL, 2009, Video, 0:40
ÆRealisation: Zafer Topaloglu
ÆDistribution: Zafer Topaloglu
Nassiem Valamanesh, * 1978 in
Adelaide, Australia. Graduated from
the Victorian College of the Arts
Film and Television School in Melbourne.
ÆAUS 2009, Video, 10:00
ÆRealisation:
Nassiem Valamanesh
ÆActors: Simon Barry,
Kristina Brew
ÆDistribution: Paco Pictures,
Selena Tan
TROY VON BALTHAZAR: CATT ALRIGHT (COS NOTHING IS ALRIGHT)
Adrian Schmidt & Jonathan Kromer
daniel R mueller
Bei der Entstehung von CATT wurde sich mit
dem Höhengleichnis bzw. der ›Heldenreise‹,
auf welcher sämtliche Populärmythen basieren, auseinandergesetzt.
CATT handelt von einem Mann, welcher in einem kahlen Raum sitzt, vor einem Puppenspielautomaten, welcher ihn eine verflossene Liebe wiedererleben lässt – immer und
immer wieder. Er hat bereits eine Art Suchtverhältnis zu diesem Automaten aufgebaut
und völlig vergessen, dass noch ein Leben
jenseits des Raumes existiert... Bis etwas
unerwartetes geschieht...
The idea of CATT was to base the story on the
monomyth, better known as the hero’s journey.
It tells of a lonely man who finds himself
trapped in an uncomfortable, empty room
watching the action of a puppet machine.
The action mirrors a love he lost long ago,
which he is able to relive again and again –
until he completely forgets about the real
world outside. Until something unexpected
happens...
Über 30 000 Fotos Footage wurden über das Nachtleben von
Subkulturen in verschiedenen europäischen Städten angefertigt. Der rein dokumentarische Charakter der Fotos soll eine
vom Künstler seit langem in Musikvideos vermisste Authentizität schaffen.
Die verwendete StopMotion Technik ermöglicht eine präzise
Synchronisierung von Musik- und Montageryhthmik. Die Technik imitiert auch die Wahrnehmung beim nächtlichen Feiern.
Der Einfluss von Alkohol und Drogen, die optischen Eindrücke
durch z.B. Strobo Licht und das Einwirken einer Unmenge an
verschiedenen Reizen soll durch die Montagetechnik nachempfunden werden. Die hohe Geschwindigkeit der Montage, die die
Aufnahme aller Elemente so gut wie unmöglich macht, spiegelt
diese Situation wieder. Das Ergebnis – visual rock’n’roll.
More than 30,000 pictures were taken in the nightlife of subcultures in various European cities. The pure documentary style of
the photos aims to achieve an authenticity, which often lacks in
music videos.
The stop motion method used makes possible the precise synchronization of the music and editing rhythm. The execution
also imitates the perception of the nightlife. The influence of alcohol and drugs, the visual impressions of flashing lights and
the impact of all kinds of different amenities is felt by the editing. This is reflected by the fast editing which makes it impossible to perceive everything. The result – visual rock’n’roll.
Adrian Schmidt, * 1987 in Nürnberg, Germany. Has been studying Design at the GSOHochschule NBG, majoring in Graphic and
Film.
Jonathan Kromer. Has been studying Design
at the GSO-Hochschule NBG, majoring in Film
and Photography.
ÆD, 2009, Video, 3:20
ÆRealisation: Adrian Schmidt,
Jonathan Kromer
ÆActors: Stephan Menzel-Gehrke
ÆDistribution: Myriam Pitschak
daniel R mueller, *1983 in Rosenheim Germany. Studied Media
Design at the Media Design Hochschule München. He has been
reading for his Master Degree in Design and Communication
Strategies at the HS Augsburg since 2009.
ÆD 2009, full HD, 4:12
ÆRealisation: daniel R mueller
ÆMusic: chromatic BLaCK
ÆDistribution: daniel R Mueller
125
PASSION OF MIND
WHO LIVES IN
MY HEAD?
STIMME DER LÜCKE
JUKKA
Margarida Paiva
Sunjha Kim
Emmanuel Trousse
Ein experimentelles Video, das mit Wiederholungen den Zusammenhang von Wahnsinn und
den Sinn von Angst erforscht. Es untersucht in
bestimmten Filmszenen
die Rolle einer rebellierenden und kranken Frau.
An experimental video
which, with the use of
repetition, explores the
compulsions of madness
and the sense of fear.
Vaguely inspired in the
fictional character of the
madwoman in the attic,
the video looks into the
role of the rebellious and
insane woman in certain
film representations.
Während die blauen Bilder im verschlossenen Raum umherkreisen,
dringen die verschobenen Töne des
Tür-Klingelns, des Handys und der
Uhr in die Lücke ein, die sich zwischen Raum und Zeit befindet.
Licht und Sound wechseln sich ab,
und verschmelzen letztendlich
miteinander in der Lücke.
While the blue images circulate in
the closed room, the displaced
sounds of the doorbell, the mobile
phone and the clock enter the gap
between space and time.
Light and sound alternate, and finally merge into one another in the
gap.
Jukka ist ein Labyrinth, eine Reise in einen
menschlichen Zustand, betrachtet durch
das Auge eines Fotografen oder vielleicht
auch nur eines Voyeurs, der sowohl Herr als
auch Sklave seiner Erinnerungen an vergangene Zeiten, an die Gegenwart und die Zukunft ist. Durch eine Reihe kurzer Charakterskizzen, stolpert der Zuschauer quasi in den
Entstehungsprozess seines eigenen Kunstwerks.
Jukka is a labyrinth, a journey into the human condition seen through the eyes of a
photographer or perhaps just a voyeur, both
a director and a slave to his memory of the
past, the present, and the future. With a series of vignettes, the spectator somehow
stumbles into the making process of his own
piece of art.
Margarida Paiva, *1975 in
Coimbra, Portugal. Degree
in plastic arts and sculpture at the Faculty of Fine
Arts at the University of
Porto in 2000. Erasmus
grant at the Trondheim
Academy of Fine Arts in
Norway. Master of Fine
Arts the Oslo Academy of
Fine Arts in 2007.
ÆN 2009, Video, 4:00
ÆDirector, script,
Margarida Paiva
ÆCast Merete Nordahl
ÆDistribution
Margarida Paiva
126
Sunjha Kim, * 15 June 1983 in
Seoul, South Korea. Studied Visual
Design and Philosophy at Seoul National University. Has been studying
Media Arts at the Academy of Media Arts in Cologne.
ÆD 2009, 16mm, 06:06
ÆRealisation: Sunjha Kim
ÆActors: Sion Jeong
ÆCamera: Gustav Hungar
ÆDistribution: Sunjha Kim
Emmanuel Trousse, *Monaco 1984. After
studying Fine Art and Photography in France
and Spain, he attended a one-year filmmaking course at the New York Film Academy in
2006/2007. Berlinale Talent Campus Alumni
2010.
ÆMCO 2009, DVD, 12:00
ÆRealisation: Emmanuel Trousse
ÆActors: Jeremiah Maestas
ÆEditor: Sasa Jokic
ÆMusic: Sacha Vanony
ÆDistribution: Emmanuel Trousse
EVEN
LOSING YOU
WINDSCHIEF
FERMENT
Daniela Risch
Maximilian Leo
Ioann Maria
Ein persönlicher Film zum
Gedicht ›One Art‹ von
Elizabeth Bishop.
A very personal film
based on the poem ›One
Art‹ by Elizabeth Bishop.
Der Weg aus dem Wahn – ein Hirngespinst
als letzte Rettung.
Simon Merten, ein schizophrener Grundwasserwissenschaftler, hat seinen Verstand zwischen den emotionalen Widersprüchen seines Lebens verloren. Seine letzte Rettung ist
der neunjährige Jonathan, der nur in seinem
Kopf existiert.
Der Junge macht sich auf die Suche nach
seinem Alter Ego und erschafft dabei ein
Netz aus Erinnerungen und Stimmen, die
sich in Fäden und scheinbaren Widersprüchen immer mehr ineinander verwickeln, bis sie schließlich auch Jonathan zu
erdrücken drohen...
The path out of delusion – a phantom as the
last resort.
Simon Merten, a schizophrenic ground water
scientist, has lost his mind over the emotional contradictions of his life.
His last resort is nine-year-old Jonathan,
who exists only in his mind. The boy begins to
look for his alter ego and creates a web of
memories and voices. Fueled by the inner
turmoil of Simon’s mind, the web creates its
own dynamics and threatens to crush
Jonathan...
Surrealistische Reise in die deliriöse Dunkelheit einer menschlichen
Psyche. Eine Verbindung zwischen
zwei Charakteren, deren Leidenschaft innerlich verflochten ist, erreicht den Punkt des realen Wechselspiels innerhalb ihrer sexuellen
Vorstellung, die sich am Rande der
Perversion bewegt. Es handelt sich
hier um den ersten Kurzfilm der
Multimedia-Künstlerin Ioann Maria, in dem sie mit den Inhalten experimentiert, die sie bereits zuvor
in ihren zahlreichen Live-Videoperformances vorgestellt hat.
Surreal ride into delirious darkness
of a human's mind. A junction between the two characters, whose
passion interlaces internally,
meets the point of the real interaction within their sexual imagination
on the border of perversion. This is
a debut short film by multimedia
artist Ioann Maria, in which she experiments with the content previously pictured in her numerous live
video performances.
Maximilian Leo, *1979. Freelancer as editor
and cutter from 2003 to 2008. He studied
Film/Directing at the Academy of Media Arts
in Cologne, Germany from 2005 to 2009. He
was awarded his Diplom in 2009. Formed augenschein filmproduktion in 2008.
Ioann Maria, *1985 in Poland. Has
been studying Game Design and
Graphics at the Game Development
-Gotland University Visby, Sweden
since 2008.
Daniela Risch, *1969 in
Dahme/Brandenburg,
Germany. Has been studying Media Arts as a postgraduate at the KHM
Cologne since 2007.
ÆD 2009, DVD, 04:20
ÆRealisation:
Daniela Risch
ÆMusic: Thomas Buts
ÆSpeaker:
Matthew McGrath
ÆDistribution: KHM
ÆD 2009, MiniDV, 20:04 min
ÆRealisation: Maximilian Leo
ÆActors: Tilman Fromelt, Vincent Mix
ÆDistribution: Maximilian Leo
ÆPL/S 2009, Video, 1:26
ÆRealisation: Ioann Maria
ÆMusic: Marco Donnarumma
ÆDistribution: Ioann Maria
127
PASSION OF MIND
INSIDE OUT
BASED ON A TRUE STORY
Sarah Mock
Yaschar Scheyda
Ein Bild der inneren Welt, als würde man in einem
Traum filmen können. Handlungsort ist ein Modell der
Heimatstadt der Künstlerin, und, weiter im Inneren,
ein Haus. Dort passieren innere Vorgänge, denen man
zusehen kann. Baden in schwarzem Wasser, ein ewiges Bad, da das Wasser immer wieder steigt und sinkt,
aber nie ablaufen wird. Im Keller liegt ein seltsames
Ding. Es ist ein Teil des Körpers, der sich losgelöst und
selbstständig gemacht hat. Dann ein Papp-Raum, eine
Erweiterung der seltsamen Stimmung, die im äußeren
Inneren herrscht. Draußen hat sich währenddessen
eine klaustrophobische Situation entwickelt…
The inner world becomes visible, as if it was possible
to record a dream. The film is set in a model of the
artist's hometown, and, further inside, in a house.
There, inner processes occur that can be observed.
Someone is taking a bath in black water, an endless
bath because the water increases and decreases
again and again, but never lapses. In a cellar lies a
weird thing. Part of a body has become detached and
autonomous. Then a room made of pasteboard, an extension of the strange mood that dominates the outer
inside. Meanwhile, a claustrophobic situation is developing outside …
Iran 1981 – im Ausnahmezustand nach der Revolution.
Das islamische Regime übt eine Schreckensherrschaft aus und treibt dabei zielsicher und gewaltsam
das Land in die geistige Stagnation. Während der Krieg
mit dem benachbarten Irak die Aufmerksamkeit der
ganzen Welt auf sich zieht, bestimmen im Landesinneren Masseninhaftierungen, Folter und Hinrichtungen Andersdenkender den Alltag. Zwei politischen
Häftlingen, deren Traum von Freiheit an den hohen Gefängnismauern geplatzt ist, scheint die Flucht durch
ein unterirdisches Tunnelsystem zu gelingen. Es beginnt eine unglaublich kurze Reise, fernab von der Alltagsrealität, in einem undefinierbaren Raum zwischen
Hoffnung und Verlust.
Iran 1981 – in a state of emergency after the revolution. The Islamic regime exercises a reign of terror,
thereby violently driving the country to stagnation.
World attention is focused on the war with neighbouring Iraq, whilst mass arrests, torture and executions of
dissidents define everyday life in Iran's interior.Two
political prisoners, whose dreams of freedom have
been shattered by high prison walls, seem to have
succeeded in escaping through an underground tunnel system. A very short trip begins, far from everyday
reality in an indefinable space between hope and sacrifice.
Sarah Mock, *1984 in Worms, Germany. Has been
studying Video/New Media Art at the Akademie für
Bilde Künste/ Mainz since 2005.
ÆD 2009, DVD, 16:00
ÆRealisation: Sarah Mock
ÆActors: Sarah Mock
ÆDistribution: Sarah Mock
128
Yaschar Scheyda, *1984 in Mashad, Iran. Has been
studying Film/Media at the HfG Offenbach/Main since
2007.
ÆD 2009, DVD, 02:15
ÆRealisation: Yaschar Scheyda
ÆActors: Ali Kamrani, Iman Sadati
ÆCamera: Ivan Robles Mendoza
ÆDistribution: Yaschar Scheyda
FAMILY AFFAIRS
AM SONNENBERG
CATAFALQUE
O.T. FÜR FOKKO
Kristin Franke
Christoph Rainer
Arne Enno Strackholder
Elke und Bernd, beide Mitte 40,
sind seit 20 Jahren zusammen. Sie
haben verlernt, was es heißt zu reden, zu leben und zu lieben. In ihrer
Routine gefangen, der Ignoranz ergeben, demütigen sie sich gegenseitig um sich selbst noch spüren
zu können.
Olga, eine jüngere Nachbarin tritt
unvermittelt in ihr Leben und treibt
sie zum Äußersten.
Elke and Bernd, both in their 40s,
have been together for 20 years.
They've forgotten how it feels to
talk, live and love. In this routine
they humiliate each other, wanting
to be able to feel alive again.
Olga, a young neighbour, suddenly
enters their life and drives them to
extremes…
Zwei Brüder eingeschlossen in der
Schwärze des Kellers. Der Vater
bleibt eine anonyme Bedrohung
aus dem Off. Verkrampft versuchen
die beiden Buben den Tathergang
zu rekonstruieren; dabei verschwimmen die Grenzen zwischen
Traum und Realität, Licht und
Schatten, Leben und Tod.
Two brothers locked in the blackness of the basement. The father
remains an anonymous threat offscreen. The two boys try desperately to reconstruct the course of
events; in doing so, the boundaries
between dream and reality, light
and shadow, life and death become
blurred.
Was passiert, wenn man die dem
Film zugrunde liegende Technik,
die Bewegung durch Erinnerung,
umkehrt? Wie funktioniert Familiengeschichtsschreibung? Stimmt
es, dass ich Fokko sehr ähnlich
bin? Stimmt es, dass ich wenig
über ihn weiß?
Ein Film über die Konstruktion von
Erinnerung.
What happens if one reverses the
basic technique of film-making,
pretending to achieve movement
through memory? How does family
historiography work? Is it true that I
resemble Fokko? Is it true that I
don’t know much about him?
A film about the construction of
memory.
Kristin Franke, *1981 in Leipzig,
Germany. Has been studying Feature Film Directing at Baden-Württemberg Film Academy since 2007.
ÆD 2009, B/W, Beta SP, 18:00
ÆDirector: Kristin Franke
ÆActors: Elisabeth Findeis,
Georg Prang, Beate Malkus
ÆDoP: Lucia Hofer
ÆProducer: Leonid Godik
ÆProduction and Distribution:
Filmakademie BadenWürttemberg
Christoph Rainer, *1985 in
Klosterneuburg, Austria. Has been
studying Section Directing at Vienna Film Academy since 2006.
ÆA 2010, 35mm, 12:00
ÆRealisation: Christoph Rainer
ÆActors: Vito Baumüller,
Sam Baumüller, Milie Baumüller,
Thomas Mraz
ÆCinematography: Felix Striegel
ÆEditing: Fabian Rüdisser
ÆMusic: Robert Rich, David Furrer
ÆProduction: Diego Breit Lira
ÆSound: Hannes Plattmeier
ÆWritten and Directed by:
Christoph Rainer
ÆDistribution: Christoph Rainer
Arne Enno Strackholder, * 1980 in
Celle/ Lower Saxony. He has been
studying Fine Art at the HBK Braunschweig since 2003. He is a member
of the Filmklasse and Meisterschüler of Professor Michael Brynntrup.
ÆD/A/CH 2009, HDV, 40:00
ÆRealisation:
ÆActors: Hannah Georgi,
Meike Kirscht,
Irene Strackholder,
Magdalena Wörle u. a.
ÆCamera: Arne Strackholder,
Hannah Georgi
ÆDistribution:
129
CONSTRUCTED NATURE
MAKE-DOWN
WORDS
03/28/2009
Maurice Hübner
Laura Schäffer
Philipp Czogalla
Im Unterbewusstsein schlummern
in uns verschiedene Identitäten,
Ängste, Träume und Abgründe. In
›Make-Down‹ arbeiten sich diese
Facetten aus dem Inneren an die
Oberfläche und werden als animierte Visionen auf dem Gesicht
einer Frau abgebildet.
Many different identities, fears,
dreams and abysms lie in our subconscious. In ›Make-Down‹ these
facets find their way from the inner
to the surface and come to life as
vivid animated visions on the face
of a woman.
‚words’ ist eine experimentelle Körperstudie, die durch Dekonstruktion, Isolation und Fragmentierung
eine neue Perspektive auf den Körper eröffnet. Durch mentale Montage wird die Rekonstruktion einer
neuen Bewegungssprache möglich, die vom rhythmischen Klang
ihrer Umgebung, ihres Atems, ihres
Körpers gezeichnet wird. Im Detail
oder Kontext werden Strukturen in
der Komplexität der Zeichen sichtbar, die ein je eigenes Körperbild
entwerfen und so dem Körper seine
Beweglichkeit zurückgeben.
By deconstruction, isolation and
fragmentation of its parts, ›words’
uncages a body freed from all common images. Mental editing makes
the reconstruction of a new body
language possible, which is drafted
by the sound of its environment, its
breathing, its rhythm. Free from all
prior perception, it is given a meaning by structures in the complexity
of signs. In detail or context.
03/28/2009 zeigt vier Minuten eines Tages aus zwei sehr unterschiedlichen Perspektiven. Zwei
Tauben, die sich an einen Ast klammern, werden zur Hintergrundfläche, als sich aktuelle Börsendaten durch das Bild schieben. Der
Film verknüpft beide Welten in einem stillen Raum zwischen Natur
und Hochfinanz, individueller Erfahrung und zahlenbasierter Zusammenfassung des politischen
Zeitgeschehens.
03/28/2009 shows four minutes of
a day from two very different perspectives. Two doves latching onto
a branch are contrasted to overlaid
stock market data. The film questions the relationship of both
worlds by creating a silent space
between nature and high finance,
individual experience and numerical summary of the global state of
affairs.
Maurice Hübner, *1986 in Freiburg
i. Br., Germany. Has been studying
Feature Film at the Film Academy
Baden-Württemberg since 2008.
ÆD 2009, DVD, 03:42
ÆRealisation:
Maurice Hübner
ÆScreenplay, actress:
Kerstin Laudascher
ÆCinematography, editing:
Christina Heeck
ÆSound-Design: Maik Oehme,
John Gürtler
ÆProduction / Distribution:
Filmakademie BadenWürttemberg © 2009
ÆDistribution: Filmakademie
Baden-Württemberg
130
Laura Schäffer, *1987 in Berlin,
Germany. Has been studying New
Media and Film at the University of
Hildesheim since 2007.
ÆD 2009, HDV, 01:51
ÆRealisation: Laura Schäffer
ÆActor: Laura Heid
ÆDistribution: Laura Schäffer
Philipp Czogalla, *1986 in Coesfeld,
Germany. Has been studying Media
Culture at the University of Paderborn since 2005.
ÆD 2009, DVD, 04:00
ÆRealisation: Philipp Czogalla
ÆDistribution: Philipp Czogalla
MY BABY
LITTLE JOHNNY
DISCOVERS
DOORS
Moyi Zhang
Benjamin Wilson
Or First
Ein Geist aus einer virtuellen Welt
wird in Gestalt eines Babys geboren und erscheint dann in der Realität.
Aus der Perspektive eines unschuldigen Babys, beobachtet er das Leben der anderen Leute. Sein Verhalten ist das eines menschlichen
Wesens, was ihn befähigt, das Leben zu verstehen. Sein fleischloser
Körper hindert ihn jedoch daran,
mit seiner Umgebung wirklich eins
zu werden. Die große Welt verwirrt
ihn genauso, wie sie alle Babys verwirrt, die den Erfahrungen des Lebens gegenüberstehen.
A spirit from a virtual world was
born in the shape of a baby and
then turned into reality.
He observes people’s lives from his
innocent perspective. His behavior
is like that of a human so he can
understand life. But his fleshless
body prevents him from truly becoming involved with his surroundings. His confusion about the world
is the same as the confusions of
every baby facing life experience.
Little Johnny Discovers untersucht
die Entstehung sexueller Identität
mit Hilfe von gefundenem Filmmaterial, darunter Filme über Sexualerziehung sowie wissenschaftliche
Filme über den menschlichen Körper. Wilson manipuliert Bild und
Ton des Originalmaterials, um entweder eine tiefere oder manchmal
auch eine komische Bedeutung zu
schaffen.
Little Johnny Discovers is an exploration of the formation of sexual
identity using found footage, including sexual education films and
scientific films about the body. Wilson manipulates the image and
sound of the original footage in order to create profound, and, at
times, comedic meanings.
Eine Person, die sich im Koma befindet, hat eine außerkörperliche
Erfahrung. Sie erreicht eine neue
Welt und versucht, ihre eigene Position und Bedeutung darin zu finden. Im Laufe des Films wird der
Person klar, dass sie selbst die
Hauptkraft hinter alldem ist und
sie einen Weg finden muss, um
wieder aufzuwachen und in die
reale Welt zurückzukehren. ›Doors‹
enthält Cutout-Animationen, AfterEffects-Animation und Videoloops.
Bei der Musik handelt es sich um
die Original Filmmusik.
A person in a coma has an outerbody-experience. He arrives in a
new world, and he tries to find his
own position and meaning in it. As
the movie progresses, he realizes
that he is the main force behind it
all, and he needs to find a way to
wake up and get back to the real
world. ›Doors‹ contains cut-out animation, after-effects animation
and video loops. The soundtrack in
the movie is original.
Moyi Zhang, graduated from the
China Academy of Art in China in
2008. She is now pursuing her MFA
Degree at University in New York.
ÆUSA 2009, DVD, 7:10
ÆRealisation: Moyi Zhang
ÆScreenplay: Moyi Zhang
ÆCinematography and Editing:
Moyi Zhang
ÆDistribution: Moyi Zhang
Benjamin G. Wilson, *1984 in Carbondale, Illinois (USA), is an M.F.A.
candidate in Media Arts at Southern Illinois University Carbondale,
where he has been studying since
2007.
ÆUSA 2009, DVD, 4:50
ÆRealisation: Benjamin G. Wilson
ÆScreenplay: Benjamin G. Wilson
Benjamin G. Wilson
ÆDistribution: Benjamin Wilson
Or First, *1984, Tel Aviv, Israel. He
has been studying Animation and
New Media at the ›Minshar for Arts‹
in Tel Aviv for the last 5 years.
ÆIL 2009, DVD, 5:00
ÆRealisation, screenplay,
cinematography, editing:
Or First
ÆDistribution: Or First
131
CONSTRUCTED NATURE
DEAD SEEQUENCES
AMOURETTE
LUMIÈRE
Fabio Scachioli
Maja Gehrig
Benno Verschueren, Lukas Woegerer
Ein Video, das aus 3770 Bildern zusammengestellt wurde. Schaut
man von Bildausschnitt zu Bildausschnitt, so finden wir, dass innerhalb eines einzelnen Bildes nichts
passiert, sondern alles eher zwischen den Einzelbildern stattfindet, in der unsichtbaren Lücke, die
das eine Bild von dem anderen
trennt. Der Film existiert, aber es
gibt nicht wirklich etwas zu sehen
– das Wesentliche bleibt unsichtbar und unklar. Es gibt keine Wahrheit zu entdecken. Die Wahrheit ist
immer anderswo.
A video made up of 3770 frames.
Working frame by frame, we find
that nothing happens inside each
single image, but everything passes between the frames, in the invisible gap that separates one frame
from any other. The film is here, but
there isn't anything to see, the
most important aspects remain invisible and uncertain. There is no
truth to discover. The truth is always elsewhere.
Zwei Holzpuppen liefern
sich auf einem Schleifpapier eine heiße Nummer.
Durch konstanten Wechsel der Stellungen schleifen sie sich dabei am Boden gegenseitig immer
mehr ab. Die Stimmung
schwankt zwischen Ringkampf und Liebesspiel.
Der Akt wird zum Rennen
gegen die Schleifmaschine Zeit.
Two wooden dolls are
having sex on sandpaper.
By constantly changing
positions, they sand
themselves down by rubbing the floor. The mood
varies between wrestling
and amorous play. Finally, the love act turns into a
race against time.
Ein abstraktes Bühnenspiel bei welchem die
Einheit der Zeit, die Einheit der Handlung
und die Einheit des Ortes die klassische Dramaturgie behandelt. Liebe, Eifersucht und
der Tod erwecken drei Lampen zum Leben
und setzen deren Dreiecksbeziehung aus einem interessanten Standpunkt buchstäblich
in neues Licht.
Eine außergewöhnliche Stopmotion-Animation deren technischer Aspekt den Zuschauer genauso in seinen Bann zieht wie die fortwährend starke Verbindung der Bilder zu Antonio Vivaldi's ›Sommer‹ aus den ›Vier Jahreszeiten‹.
An abstract stage play where the unit of
time, unit of action and unit of place deal
with classic dramaturgy. Love, envy and
death bring three lamps to life and literally
present their ›ménage à trois’ from an interesting position in a new light. An extraordinary stopmotion animation with , technical
aspects that cast a spell over the audience,
along with the constantly strong connection
between the images and Antonio Vivaldi's
›Summer‹ from ›The Four Seasons‹
Fabio Scachioli, *1979 in Teramo,
Italy. He studied Communication
Science (Audiovisual Language and
New Media) at the Universita Degli
Studi di Perugia (Italy) and the Universidad Complutense of Madrid
(Spain). His work is focused on interactions between memory, perception and thought.
ÆI 2009, DVD, 4:10
ÆRealisation, screenplay,
cinematography, editing:
Fabio Scachioli
ÆDistribution: Fabio Scachioli
132
Maja Gehrig, *1978 in
Zurich. She studied Media
Art in Aargau from 2000 to
2002 and completed her
studies in Animation at
Lucerne University of Applied Sciences and Arts in
2005.
ÆCH 2009, DVD, 5:20
ÆRealisation, screenplay
Maja Gehring
ÆCinematography and
Editing: Nora de Baan,
Fee Liechti
ÆAnimation: Maja
Gehring, Claude Luyet
ÆDistribution:
swiss effects
Benno Verschueren, *23 October 1981 in
Linz, Austria. Now he is studying Media Technology and Design in Hagenberg, Austria. He
is currently a 3D-artist trainee at Blackmountain VFX in Stuttgart, Germany.
Lukas Woegerer, * 24 July 1988 in Linz, Upper
Austria. After successfully completing Grammar School in Wilhering, he embarked on a
degree programme in Media Technology and
Design in 2007 at Upper Austria University of
Applied Sciences.
ÆA 2009, DVD, 6:00
ÆRealisation, direction, cinematography,
editing, animation Benno Verschueren
and Lukas Woegerer
ÆScreenplay Benno Verschueren
ÆDistribution: Benno Verschueren
Q (2ND CUT 09)
HYBRIS
PTAK (BIRD)
Eva Münnich
Florian Schnell & Martin Minsel
Gerhard Funk
Ein kurzer Film über die
Unfähigkeit des Menschen die Ressourcen
seines Planeten vernünftig zu nutzen.
A short fiction about the
human, who’s unable to
use his planet’s resources
sensibly.
In einer Welt voller Krüppel raubt
ein Bettler dem anderen seine
Beinprothese. Auf dem Weg ins
Licht steigert sich seine Gier nach
technischer Verbesserung ins Unermessliche, bis er sogar dazu bereit ist sich selbst zu zerfleischen.
Eine schlichte Parabel, die
menschlichen
Fortschrittdrang
und technische Revolution in einer
dis-topischen Welt ad absurdum
führt. Der Film besteht aus einem
Stilmix irgendwo zwischen Rotoskopie, Pixilation, Realifilm, Animation und Comic.
In a world of cripples, a beggar
steals a prosthesis from one of his
compatriots. His avarice for technical improvement grows sky high
until, he is even capable of hurting
himself to achieve his aim. The film
is a simple parable that, reduces to
absurdity the human desire for
progress and technical revolution
in a distopic world. It is a mixture of
styles, including rotoscopy, pixilation, animation, comedy and elements of real film.
Der Held dieser Geschichte wird wie alle seine Artgenossen als eine Mischung zwischen
Tier und Pflanze geboren. Er sieht zwar wie
ein Vogel aus, hat aber nur ein Bein das mit
einer Wurzel endet. Bei einem Unfall verliert
er jedoch seine Wurzel und wird durch dieses
Handicap zum ersten richtigen Vogel.
Während seine Artgenossen ein ziemlich
langweiliges Leben führen, genießt der Held
die plötzliche Freiheit, die ihm das Fehlen
seiner Wurzel plötzlich ermöglicht - er stolpert von Abenteuer zu Abenteuer. Diese Animation ist eine kleine Erzählung darüber, wo
Vögel eigentlich herkommen.
Like all his conspecifics, the hero of this story was originally born half-animal, halfplant. He looks like a bird, but has a root at
the end of his leg. After an accident, the hero
loses the root, which suddenly gives him unexpected freedom, making him the first real
bird. An adventurous life begins as he stumbles from one adventure to an other. This animation is a story about where birds actually
come from.
Eva Münnich, * 1982. She
has been studying Visual
Communication, majoring
in Film, at Offenbach
Academy of Art and Design since 2003.
ÆD 2009, DVD, 0:56
ÆRealisation:
Eva Münnich
ÆActor: Daniel Frerix
ÆScreenplay:
Eva Münnich
ÆCinematography and
Editing: Eva Münnich
ÆAnimation:
Eva Münnich
ÆDistribution:
Eva Münnich
ÆD 2009, DVD, 03:15
ÆRealisation: Florian Schnell
ÆDirection: Florian Schnell,
Martin Minsel
ÆScreenplay: Florian Schnell,
Martin Minsel, Patrick Müller
ÆActor: Christian Beier
Florian Schnell
ÆDistribution: Filmakademie
Baden-Württemberg
Gerhard Funk, * 1981 in Russia. Moved to
Germany in 1995. He has been studying Media Arts & Design at the Academy of Fine Arts
Saar (Saarbrücken) since 2006.
ÆD 2010, DVD, 6:20
ÆRealisation: Gerhard Funk
ÆSound & Music: Marvin Brendel
ÆDistribution: Gerhard Funk
133
RAUM-ZEIT-ANOMALIEN
BRÜDER UND
SCHWESTERN,
EIN GEDENKEN
SYNCHRONISATION
TOLYGIAI
TOLYDZIAI
AFFECTION
REJECTION
REFLECTION
Enrico Viets
Rimas Sakalauskas
Rimas Sakalauskas
Hanne Lippard
Losgelöst von gewohnten
Erzählstrukturen, berichtet der Film in Form von
Untertiteln von Gedanken
über Gedanken. Gedacht
wird der Schattenseite
des kreativen Prozesses
an sich, welcher als Kernpunkt thematisiert wird.
Wenn Gedanken verworfen werden, was wird
dann mit ihnen passieren? Sind sie dann gestorben?
Detached from using normal narrative structures,
the film, in the form of
sub-titles, reports about
thoughts about thoughts.
The negative side of creative processes is remembered, which is addessed as the quintessential point. If thoughts
are rejected, what will
happen to them afterwards? Do they then die?
Die Hauptidee des Films
besteht darin, Bilder aus
Kindertagen zu zeigen.
Für monumentale und
suggestive Aufnahmen
wählte ich bestimmte ruhigere Objekte und Plätze
aus den Zeiten der Sowjetunion. Der Film entstand auf der Grundlage
von Assoziationen – der
Entstehung einer Überraschung, oder einfach logisch unmöglichen Bildern.
The main idea behind the
film was to release images from childhood. For
monumental and suggestive shots I chose certain
slow-pace Soviet time
objects and places. The
film is designed on the
principle of associations
– the birth of a surprise,
or just logically impossible sights.
Der Film besteht aus seiner Vielzahl an einfachsten räumlichen Formen
– aus Würfeln. Allmählichen spalten sie sich in
kleinere Strukturen, auf
eine ähnliche Art und
Weise, wie es auch die
Geräusche tun. Dieser zyklische und sich wiederholende Prozess ist ein
Versuch, die Besonderheiten der Kreativität im
digitalen Raum zu verdeutlichen.
The film consist of a large
number of the simplest
spatial forms – cubes.
They gradually divide into
smaller structures, in a
seemingly similar fashion
to the noise. This cyclical
and repetitive process is
an attempt to reveal the
specifics of the creativeness in the digital space.
Dieser Film handelt von
der ewigen Faszination,
die ein Spiegel auf uns
ausübt, von der Tatsache,
dass man zweimal existieren kann, jedoch einmal lediglich als reine
Fassade. Es ist eine
lockere Erzählung zweier
Menschen, die inmitten
dieser erweiterten, dualen Welt gefangen sind,
ohne sich der Existenz
des Anderen bewusst zu
sein.
This film is based on the
everlasting fascination of
the mirror, the fact that
you can exist twice but
only one of them is purely
a matter of surface. It is a
loose narrative of two
people who are caught in
between the extension of
this dual world, unaware
of their dual encounters.
Enrico Viets, *1984 in
Hannover, Germany. Has
been studying Art and
Film/Video at the HBK
Braunschweig since 2007.
Rimas
Sakalauskas
*1985, from Lithuania. BA
of Audiovisual Art from
Vilnius Academy of Arts in
2009.
Rimas
Sakalauskas
*1985, from Lithuania. BA
of Audiovisual Art from
Vilnius Academy of Arts in
2009.
Hanne Lippard, *1984,
UK. Studying at The Gerrit
Rietveld Academie, Amsterdam, Holland. Graphic
Design, 3rd year (Graduation)
ÆD 2009, DVD, 4:29
ÆRealisation, text,
sound Enrico Viets
ÆDistribution:
HBK Braunschweig
Filmklasse
ÆLIT 2009, DVD, 8:50
ÆRealisation:
Rimas Sakalauskas,
Mykolas Natalevicius
ÆMusic:
ÆDistribution:
Rimas Sakalauskas
134
ÆLIT 2009, DVD, 3:20
ÆRealisation:
Rimas Sakalauskas
ÆMusic:
ÆDistribution:
Rimas Sakalauskas
ÆD 2009, DVD, 5:35
ÆRealisation:
Hanne Lippard
ÆDistribution:
Hanne Lippard
MOUNTAINWATER-PAINTING
CRUDE CARRIER
DER HERR
DER LAGE
Christin Bolewski
Pascal Fendrich & Bernd Härpfer
Antshi von Moos
Das Konzept der traditionellen Chinesischen
Landschaftsmalerei
›Shan-Shui-Hua‹ wird hier als moderne Videokunst interpretiert. Das
Video enthält keine komplexe Erzählung, sondern versucht ein offenes und meditatives Werk zu sein.
Proceeding from Chinese thought
and aesthetics, the traditional concept of landscape painting ›ShanShui-Hua‹ is recreated as modern
video art. The work contains no
complex narration and attempts to
be a meditative open artwork.
Im Hintergrund eine wolkenverhangene Skyline am Wasser. Nur ein Tanker bleibt, als ein
dem Betrachter plausibel erscheinendes Objekt erhalten, während der Bildraum als
Ganzes transformiert wird. Unbehelligt von
den bekannten Gesetzen der Physik, zieht
das Tankschiff seine Bahnen und setzt seine
Reise fort in unbekannte Gefilde, die noch
vor ihm liegen.
In the background, an overcast skyline on the
shore. Only a tanker remains as a verisimilar
object for the spectator, while the view as a
whole is transformed. Undisturbed by the
known laws of physics, the ship continues its
journey to unknown domains that lie ahead.
Ein Film über einen Herrn,
der den Boden unter den
Füßen wieder finden
möchte.
A film about a man who
would like to find ground
under his feet again.
Christin Bolewski, *1966 in Salzgitter, Germany. Postgraduate Studies
in Film/AV at the Academy of Media
Arts 1993-1995.
ÆD 2009, DVD, 6:12
ÆRealisation: Christin Bolewski
ÆDistribution: Christin Bolewski
Pascal Fendrich, *1972, lives and works in
Cologne, Germany. 2000-2005 studied at the
Academy of Media Arts Cologne with Professor Peter Zimmermann and Professor Jürgen
Klauke, Diplom.
Bernd Härpfer, *1967, lives and works in
Cologne, Germany. 1989-2007 Musicology,
Philosophy, Linguistics, University of Cologne,
Master Degree
Antshi von Moos, studies
Video Arts at Lucerne University of Applied Sciences and Arts.
ÆCH 2009, DVD, 6:56
ÆRealisation:
Antshi von Moos
ÆDistribution:
Hochschule Luzern,
Design & Kunst
ÆD/TR 2009, Video, PAL 16:9, 6:31, stereo
ÆRealisation, distribution:
Pascal Fendrich, Bernd Härpfer
135
RAUM-ZEIT-ANOMALIEN
A NEW ECOLOGY FOR
THE CITIZEN OF A
DIGITAL AGE
SKYGGEN
WIE DAS GEFÄSS
LÄUFT ES AUS
Nick Briz
Hanne Lippard
Min Eui Hong
Der Film bedient sich sowohl originalem als auch wiederverwendetem/neu gemixtem Filmmaterial
während seines nicht ganz
›störungsfreien‹/komprimierten,
von Menschenhand beeinflussten
Entstehungsprozesses. Er untersucht die Beziehung von Individuen
zu der neuen Ökologie unserer digitalen Kultur; er versteht seine eigene Identität über die Aussöhnung
mit der überwältigenden Geschwindigkeit des gesellschaftlichen Aufstiegs in Richtung einer
technologischen Singularität.
The film uses both original and appropriated/remixed footage in its
glitch/compression
artifacting
process. It is an examination of the
individual’s relation to the new
ecology of our digital culture; it is
understanding
one’s
identity
through a reconciliation with the
overwhelming pace of our society’s
ascent towards a technological
singularity.
Die Arbeit wurde auf der Basis von
Ideen geschaffen, die mit Flug und
fliegen zu tun haben. Anstatt nach
Vögeln Ausschau zu halten, die sie
›einfangen‹ kann, schaute Hanne
Lippard nach Objekten, die als imaginäre fliegende Wesen dienen
können, um deren versteckte Talente mit Hilfe eines Ventilators
und einer starken Lampe deutlich
zu machen.
The work was created according to
ideas connected to flight and flying. Instead of looking for birds to
capture, Hanne Lippard looked for
objects, that could function as
imaginary flying beings, revealing
their hidden talents with the use of
a fan and a strong lamp.
›Eine Bewegung inmitten die
Ruhe‹.
Das Video ›Wie das Gefäß läuft es
aus‹ ist eine Meditationszeremonie
für den Weg ins Nirvana. In diesem
Stück wird die Kultur einer Region
Ostasiens neu interpretiert - einerseits digital durch das Video, in das
man eintaucht, und andererseits
analog durch Instrumente.
›A movement between the tranquility‹.
The Video ›It’s empty like the vessel‹ is a ceremony for meditation to
enter into Nirvana. In this piece, the
culture of Eastern Asia will be interpreted newly in digital expression through immersed media and
sound.
Hanne Lippard, *13.05.84, UK.
Studying at The Gerrit Rietveld
Academie, Amsterdam, Holland.
Graphic Design, 3rd year (Graduation).
Min Eui Hong was born in Seoul,
South Korea. Has been studying
Composition – New Media at the
California Institute of the Arts in the
USA. Has now been working and
studying Composition and Video at
the HfK Bremen since 2008.
Nick Briz, *1986 in Miami Florida
(US). He is currently a first year
graduate student at the School of
the Art Institute of Chicago.
ÆUSA 2009, DVD, 4:16
ÆRealisation: Nick Briz
ÆCamera: Jon Perez
ÆDistribution: Nick Briz
136
ÆNL 2009, DVD, 3:15
ÆRealisation Hanne Lippard
ÆMusic: Kim Hiortøy
ÆDistribution: Hanne Lippard
ÆD 2009, DVD, 08:46
ÆRealisation: Min Eui Hong
ÆMusic: Min Eui Hong
ÆInstruments:
Charlotte Kinateder (Flute),
Min Eui Hong (Percussion and
Video), Quan Yuan (Accordion)
ÆDistribution: Min Eui Hong
KLEINGARTEN
LE CHANT DE L’ARBRE
2,5MGO
Joanna Schulte
Elsa Werth
Gerhard Funk
Aus abstrahierten, unscharf dahinfliegenden Farbflächen schälen
sich Szenen eines verwilderten
Gartenhauses
heraus. Etwas
scheint geschehen zu sein, das
nicht hätte geschehen dürfen. Der
Betrachter kommt zu spät. Die
traumähnliche Verschwommenheit
des Gesehenen stellt die Frage
nach der alltäglichen Wahl, sich um
möglicherweise
schmerzhafte
Wahrheit zu bemühen, oder Erlebtes ins Unscharfe, Märchenhafte zu
verklären.
Abstract and blurred images that
pass by to the sound of dreamy
music are added. Details of the interior of an abandoned summer
house come into focus. Something
that should not have happened
seems to have happened . The
viewer arrives too late to witness
any action. The dreamlike blurriness of the film sequences poses
the question whether the potentially brutal truth should be sought
or whether the experiences should
be transformed into unreal, creative mystification.
Das Lied des Baumes ist ein Animationsfilm, bei dem ein animistisches Thema Pate stand. Wind
weht durch die Bäume des Waldes
und erhellt die Natur. Mit Hilfe von
Zeitraffer-Technik versucht Elsa
Werth die Bewegungen der Jahreszeiten sowie die unsichtbare Anwesenheit der Tiere durch den Rhythmus der Natur umzusetzen.
The song of the tree is an animation
film inspired by an animist theme.
Wind blows through the forest and
lights up nature. Using stop motion
technique, Elsa Werth tries to
translate the seasons’ movement
and the invisible presence of animals through nature's rhythm.
2,5mgo ist eine ›Stimmungsgeschichte‹, die von dem Zusammen-,
Wechsel- und Gegenspiel des
Natürlichen und des Künstlichen
handelt. Der Film zeigt einen Tag in
einer Stadt, gesehen mit den Augen
eines Fußgängers, der gerade Musik hört und dadurch seine Umwelt
intensiver erlebt. 2,5mgo ist ein
Versuch, das Phantastische in alltäglichen Dingen und Vorgängen
durch zeitliche Verzerrung und Musik-Synchronität der Bilder hervorzuheben und erlebbar zu machen.
2,5mgo is a story of moods that
deals with the interplay between
natural and artificial elements. The
film shows a day seen through the
eyes of a person who is walking
through a city while listening to
music and experiencing his surroundings more intensively. 2,5mgo
is an attempt to show the fantastic
side of our everyday surroundings
by distorting time and synchronising the music of the images.
Joanna Schulte, *1969 in Osnabrück, Germany. Studied Art at
the University of Science and Art,
Hanover, 1995-2001, Masterclass of
Professor Ulrich Eller.
ÆD 2009, DVD, 03:39, colour
ÆRealisation: Joanna Schulte
ÆMusic: Joanna Schulte
ÆDistribution: Joanna Schulte
Elsa Werth, *1985 in Paris, France.
Studied Animation at the Ecole
Nationale Supérieure des Arts Décoratifs in Paris, France from 2004
to 2009. She is now working in both
drawing and filmmaking.
ÆF 2009, DVD, 6:39
ÆRealisation: Elsa Werth
ÆMusic: Dylan Corlay
ÆDistribution: Elsa Werth
Gerhard Funk, * 1981 in Russia.
Has been living in Germany since
1995. Started studying Media Arts
& Design at the Academy of Fine
Arts Saar (Saarbrücken) in 2006.
ÆD 2009, DVD, 4:18
ÆRealisation: Gerhard Funk
ÆMusic: ›Apparat‹ by Sascha Ring
ÆDistribution: Gerhard Funk
137
MINDS GONE ASTRAY
CHYTTE HO!
PARADE
NACHTSCHATTEN ZWEI WELTEN
Boris Šima
Eike Mosler
Jan Haering
Mögliches
Szenario
während eines ganz normalen Schulausflugs in
ein Museum: Aufgrund
dieses Unfugs, das ihn
grundlegend zu ändern
droht, erlebt ein kleiner
Junge
unglaubliche
Abenteuer. Aber allen Widrigkeiten zum Trotz lässt
er sich nicht unterkriegen
und bleibt sich selber
treu.
What might happen on an
ordinary school trip to the
museum: a small boy
exxperiences great adventures because of this
mischief, which threatens
to change him gravely. But
against all odds, he prevails and remains true to
himself.
Der Protagonist möchte
sich von seiner überbordenden Fantasie befreien, um das Herz seiner
Angebeteten zu gewinnen.
The leading character liberates himself from the
workings of his wild imagination in order to win
over the woman of his
dreams.
Inmitten eines dunklen
Waldes findet ein Junge
ein seltsames, leuchtendes Wesen, das in einem
Gebüsch verheddert ist.
Nachdem er es daraus
befreit hat, beginnen unerklärliche Ereignisse.
Late at night in a dark forest, a child finds a
strange gleaming creature tangled up in a bush.
Once the child has untangled it, a mysterious adventure begins
Ein fünfjähriges Kind verliert seine zerstrittenen
Eltern in einem tristen
Bürogebäude und entdeckt die Welt der Erwachsenen auf seine
ganz eigene Weise. In einem kindlichen Traum
verwandelt sich die monotone Bürowelt in eine
bunte Spielwiese voller
Möglichkeiten.
A five-year-old child loses
his quarreling parents In
a depressing office building and finds his very own
way to explore the world
of adults. In an infant
dream, the monotonous
office setting is transformed into a colourful
playground full of opportunities.
Boris Šima, *1977 in Nitra, Slovakia. Graduated
from the Department of
Animated Film at the
Academy of Music and
Dramatic Arts (VSMU) in
Bratislava, Slovakia in
2003.
ÆSK 2008, DVD, 18:00
ÆRealisation: Boris Šima
ÆAnimation: Boris Šima
ÆCamera: Leevi Lehtinen
ÆMusic: Stano Palúch
ÆProducer: Marian Varga
ÆDistribution:
Protos Productions
138
Pierre-Emmanuel Lyet,
*1984. Graduated Animation from the Art/Mediaschool ENSAD in Paris,
France in 2009. He directed his first movie Parade
as a schoolfilm
ÆF 2009, DVD, 8:00
ÆRealisation:
ÆAnimation:
Jean-Yves Castillon,
ÆMusic:
Mathieu Balanant,
Christophe Grémiot
ÆDistribution:
Doncvoilà
Eike Mosler, *1981 in Wilhelmshaven, Germany.
Studied at the Academy of
Media Arts Cologne, Germany up to 2009
ÆD 2009, DVD, 4:16
ÆRealisation:
Eike Mosler
ÆDistribution: KHM
Jan Haering, *1978 in Hagen. Has been studying
Directing at the BadenWürttemberg Film Academy in Ludwigsburg since
2008.
ÆD 2009, DVD, 12:00
ÆRealisation:
Jan Haering
ÆCamera: Dominik Berg
ÆMusic: John Gürtler
ÆActors:
Mareile Metzner,
Christoph Schüchner,
Mikesch Miethe
ÆDistribution:
Friedemann Goez
VIOLA: THE TRAVELING
ROOMS OF A LITTLE GIANT EMBRACE
WHILE AWAKE
(BEHAKITZ)
Shih-Ting Hung
Josh Tanner
Reut Pardo
Bei ihrem Versuch die Welt zu entdecken, packt die 7-jährige Viola
auch die Einsamkeit in ihren Koffer
und macht sich auf ihre träumerische Reise. Schon bald wird ihr
klar, dass diese Reise ihre Vergangenheit, ihre Gegenwart und ihre
Zukunft zu einem phantastischen
Abenteuer vereinen wird, teils
Wirklichkeit, teils Traum.
Seven-year-old Viola, trying to discover the world, puts solitude in
her suitcase and embarks on her
dreamy journey. She soon discovers that her journey will unite her
past, present and future into a fanciful adventure, part life and part
dream.
In einer Welt, die sie vergessen hat,
kämpft eine Frau mit ihrem kläglichen Dasein. Das tägliche Einerlei
ist für sie unerträglich geworden
und es wächst in ihr die Abhängigkeit von einem unwahrscheinlichen
Retter. Gefangen in ihrem Schmerz
und durch ihr Leid isoliert, ist diese
Hoffnung das Einzige, das ihr noch
geblieben ist. In einem Leben, das
so leer erscheint, klammert sie sich
an die einzige Möglichkeit um zu
überleben.
Living in a world that has forgotten
her, a woman struggles with her
miserable existence. Her daily routine has become too much to bear,
instilling in her a dependency on an
unlikely saviour. Confined by her
pain and isolated by her suffering,
it is the only thing she has left. in a
life that seems so empty, she is
holding on the only way she can.
WHILE AWAKE ist ein kurzer Videound Animationsfilm, der von meinem Bedürfnis handelt eine Fantasiewelt zu schaffen, die es mir ermöglicht mit dem Tod meines Onkels besser fertig zu werden. Dieser Film richtet sich an all
diejenigen, die einen geliebten
Menschen verloren haben, mit dem
sie in einer Traumwelt wieder vereint sein möchten.
WHILE AWAKE is a short video &
animation film that deals with my
need to create a fantasy world as a
method of coping with my uncle’s
death. It legitimises for all those
who have ever lost someone they
love and who want to be reunited
with them in a dream world.
Shih-Ting Hung, *1980 in Taipei,
Taiwan. Has been studying Animation/Live Action at the University of
Southern California, USA. Has been
widely involved in numerous film
productions as a production designer since 2008.
ÆUSA 2008, DVD, 8:47
ÆRealisation: Shih-Ting Hung
ÆCamera: John Harrison
ÆMusic: Natasha Miren
ÆActors: Erin Fleming,
Zev McAllister, Christina
Robinson, Jean Tanner,
Dani Thorne
ÆDistribution: Shih-Ting Hung
Josh Tanner, *1988 in Sydney, Australia. Has been stuying Film and
Television Production at the TAFE
NSW – New England Institute Inverell, Australia for three years.
ÆAUS 2009, Beta SP, 6:54
ÆRealisation: Josh Tanner
ÆScript: Jade van der Lei
ÆCamera: Simon Harding
ÆActors: Belle Fitzgerald
ÆDistribution:
Jade van der Lei
Reut Pardo, *1982 in Afula, Israel.
Studied Communication Design
(New Media) at the HIT College of
Design/Communication Arts in
Holon, Israel up to 2009. WHILE
AWAKE is her final graduation project.
ÆIL 2009, DVD, 4:39
ÆRealisation: Reut Pardo
ÆCamera: Shiran Valk,
Yair Keisary
ÆMusic: Shachar La-vi
ÆActors: Amit Pinkosevich,
Keren Talias
ÆDistribution: Reut Pardo
139
MEDIA CAMPUS ACADEMIES
AKADEMIE FÜR BILDENDE KÜNSTE MAINZ
OHNE TITEL
Jonas Etten
Filmklasse der Akademie für Bildende Künste, Mainz. Die Akademie für Bildende
Künste Mainz, einzige Kunsthochschule des Landes Rheinland-Pfalz, zählt mit ihrer Gründung im Jahr 1757 zu den traditionsreichsten im deutschsprachigen
Raum; heute ist sie in die Johannes Gutenberg Universität Mainz integriert.
Mit derzeit rund 250 Studierenden bietet die Kunstakademie breit gefächerte, an
aktuellen künstlerischen und gestalterischen Anforderungen orientierte Qualifizierungsmöglichkeiten. Die Akademie bietet die beiden Studiengänge ›Freie Kunst‹
und ›Lehramt für Bildende Kunst an Gymnasien‹ an. Studierende beider Studiengänge studieren gemeinsam in künstlerischen Klassen. Zu den dreizehn künstlerischen Klassen der Akademie gehört die Filmklasse. Ziel des Studiums in der
Filmklasse ist, die Studierenden bei der Entwicklung einer künstlerischen Position
zu unterstützen, die sich in Spiel-, Dokumentar- und Experimentalfilmen oder in
Videoinstallationen artikulieren kann. Entscheidend ist die authentische, subjektive Ausdrucksform, der innovative und experimentierfreudige Charakter.
Auf der Homepage der Filmklasse sind aktuelle Informationen zum Lehrangebot
sowie zu Projekten der Studierenden zu finden. Homepage der Filmklasse:
www.filmklasse-mz.de, Kontakt: filmklasse@uni-mainz.de, Fon: 06131/3932127,
Homepage der Akademie für Bildende Künste Mainz: www.afbk-mainz.de
Film Class at the Akademie für Bildende Künste, Mainz. The Akademie für Bildende
Künste Mainz, the only art academy in the Federal State of Rhineland-Palatinate,
was established in 1757, and is one of the most traditional academies in the German-speaking world; today, it is an integral part of the Johannes Gutenberg University of Mainz.
The Academy of Art, which currently has around 250 students, offers a wide range
of qualification opportunities oriented towards current artistic and design requirements. The Academy offers two degree programmes: ›Fine Arts‹ and ›Teacher Training for Art at Grammar Schools‹. Students from both degree programme study together in the artistic classes. One of the thirteen artistic classes at the Academy is
the Film Class.
The aim of the Film Class is to support students in developing their own artistic position, which may be articulated in feature films, documentaries and experimental
films or in video installations. The crucial element is the authentic, subjective form
of expression - the innovative and experimental character.
Current information about courses offered and students' projects can be found on
the Film Class homepage: www.filmklasse-mz.de, contact: filmklasse@unimainz.de, Tel.: 06131/3932127, homepage of the Akademie für Bildende Künste
Mainz: www.afbk-mainz.de
ÆProfessor Dr. Harald Schleicher
Akademie für Bildende Künste, Johannes Gutenberg University
Am Taubertsberg 6, 55099 Mainz
140
Eine kleine Kiste voller
Geheimnisse.
A little box full of secrets.
Jonas Etten, *1980 in
Simmern/Hunsrück.
2001-2003 studied Interior Design at Wiesbaden
University of Applied Sciences. Studied Literature
and Philosophy at Johannes Gutenberg Universität, Mainz, from 2003.
Has been studying Fine
Visual Arts (Film Class) at
the Akademie für Bildende Künste, Mainz,
since 2007.
ÆD 2009, DV, Color, 3:00
ÆExperimentalfilm
ÆRealisation
Jonas Etten
KALIMBA
KLÖPPEL
KASHMIR
ANA
Nils Hillebrand
Sabine Ermann
Björn Rodday
Joanna Bielinski
Die Percussionisten Joss
Turnbull und Nora Thiele
erzeugen mit Hilfe einer
Rahmtrommel,
einer
Kalimba
und
einem
Teelöffel eine Musik der
besonderen Art.
Percussionists Joss Turnbull and Nora Thiele create a special kind of music using a frame drum, a
kalimba and a tea spoon.
›Klöppel‹ zeigt die Herstellung eines Kirchenglockenklöppels in der
letzten Eisenhammerschmiede im Spessart
aus der Gründungszeit im
Jahre 1779. Die Arbeit der
Schmiede geht Hand in
Hand. Ohne dass ein Wort
zuviel gesagt wird - man
versteht sich ohne Worte.
›Klöppel‹ shows how the
clapper of a church bell
was made at the last ironheaded hammer blacksmith's shop in the Spessart from the Gründerjahre in 1779. The blacksmiths' work goes hand in
hand. Without a word too
many being uttered - they
comprehend one another
without words.
Erster Teil einer Kurzfilmreihe, in der sich Rodday
mit seinen Reiseerfahrungen durch Indien und
Nepal im März 2008 auseinander setzt. Es handelt sich dabei nicht um
ausformulierte Betrachtungen, sondern um Impressionen, die der Autor
mit der Kamera gesammelt hat und die für ihn
einen roten Faden auf
seiner Reise darstellten.
First part in a series of
short films in which Rodday deals with the experiences he had travelling
through India and Nepal
in March 2008. Rather
than offering fully formulated contemplations, the
author gives impressions
he has compiled on camera and which were a recurrent theme for him on
his travels.
Ana - ein Portrait. Ein junges Mädchen personifiziert ihre Magersucht.
Damit kann sie ihre Essstörung (Anorexia Nervosa) besser verarbeiten.
Ana - a portrait. A young
girl
personifies
her
anorexia. This way, she is
able to deal better with
her
eating
disorder
(anorexia nervosa).
Nils Hillebrand, *1984 in
Bielefeld.
Has
been
studying Fine Visual Arts
(Film Class) at the
Akademie für Bildende
Künste, Mainz, since 2007.
ÆD 2008, DV, 3:00
ÆMusikvideo
ÆRealisation
Nils Hillebrand
Sabine Ermann. *1980 in
Würzburg.
2001-2002
studied History of Art,
Philosophy and Italian
(Magister), Julius Maximilian
University
of
Würzburg.
2002-2010
studied Teacher Training
for Art at Grammar
Schools (Film Class) at
the
Akademie
für
Bildende Künste, Mainz.
ÆD 2008, DV, 11:00
ÆDokumentarfilm
ÆRealisation
Sabine Ermann
Björn Rodday. *1977 in
Buchholz i. d. N. 2000-03
studied Fine Arts (Painting) at the Akademie für
Bildende Künste, Mainz.
Studied Medicine from
2004. Has been studying
Fine Visual Arts (Film
Class) at the Freie Akademie für Bildende Künste, Mainz, since 2006.
ÆD 2008, DV, 5:00
ÆDokumentarfilm
ÆRealisation
Björn Rodday
Joana Bielinski. *1984 in
Bromberg (Poland). Has
been studying Fine Visual
Arts (Film Class) at the
Künste, Mainz, since
2005.
ÆD 2007, DV, 3:00
ÆSpielfilm
ÆRealisation
Joanna Bielinski
ÆSound Tobias Kroha
ÆMonologue
Joanna Bielinski
ÆActor
Veronika Bielinski
141
AKADEMIE FÜR BILDENDE KÜNSTE MAINZ
DER HEILAND
IST GEBOREN
QUBIA
FESTIVAL II
CHRISTIANE
STINKT
Christoph Otto
Saad Yaseen
Danilo Vogt
Stefanie Jaehde
Was geschah mit der Welt
seit der Geburt Christi
und welchen Einfluss hat
der Glaube auf Menschheit? In ›Der Heiland ist
geboren‹ wird die Weihnachtsgeschichte nach
Matthäus vergegenwärtigt.
What has been happening
to the world since the
Birth of Christ, and what
influence does religion
have on humanity? In ›Der
Heiland ist geboren‹, the
Nativity Story according
to Matthew is visualised.
Um Asyl zu erhalten muss
ein irakischer Krankenwagenfahrer seine Geschichte zu Protokoll geben. Er schildert eine
Odyssee durch verschiedene Kidnapper-Organisationen, die ihn zum Opfer einer Medienschlacht
werden ließ.
In order to obtain asylum,
an Iraqi ambulance driver
must have his story
recorded. He describes
an odyssey through various kidnapper organisations, which made him
the victim of a media battle.
Flüchtige Blicke, unscharfe Erinnerungen,
hektisches Treiben –
wenn
die
glitzernde
Scheinwelt des Films jedes Jahr in Cannes zusammenkommt, passiert
ein Großteil des Spektakels abseits der Blicke im
kleinen Kreis der Reichen, Wichtigen und
Schönen.
Fleeting glances, vague
memories, lively hustle
and bustle – when the
glittering illusory world of
film comes together every
year in Cannes, much of
the action takes place
away from the public eye,
in the elite circle of the
rich, the powerful and the
beautiful.
Seit langem will Bartho
sich von seiner Geliebten
trennen. Es gelingt ihm
nicht, weil eine höhere
Macht es zu verhindern
weiß. Doch Bartho findet
einen Weg sich zu wehren. ›Christiane stinkt‹ ist
eine Geschichte in einer
Geschichte, die von den
Auswirkungen einer Trennung handelt.
Bartho has been wanting
to finish with his lover for
ages. He can't do it because a higher power
knows how to prevent it
from happening. But
Bartho finds a way to defend himself. ›Christiane
stinkt‹ is a play within a
play that explores the impact of separation.
Danilo Vogt. *1982 in
Jena. Trained to become a
Digital Media Designer.
Has been studying Fine
Visual Arts (Film Class) at
the
Akademie
für
Bildende Künste, Mainz,
since 2004.
Stefanie Jaehde. *1986 in
Cottbus. Has been studying Fine Visual Arts (Film
Class) at the Akademie für
since 2006.
Christoph Otto, *1985 in
Hildburghausen, Thuringia. Has been studying
since 2007.
ÆD 2008, DV, 5:00
ÆExperimentalfilm
ÆRealisation
Christoph Otto
ÆMusic ›Godspeed you!
Black Emporer‹
ÆActors Claudia Henn,
Martin Budai,
Thomas Burkart
142
Saad A. Yaseen. *1977 in
Baghdad (Iraq). Has been
studying Fine Visual Arts
(Film Class) at the
ÆD 2009, XDCAM, 18:00
ÆSpielfilm
ÆSkript, Direction
Saad Yaseen
ÆAssistant Director
Murad Atshan
ÆActors Rasoul al Saghir,
Peter Heusch,
Kareem Juma,
Dyhaa Abd Alrazak
ÆCamera Jürgen und
Nico Herrmann
ÆSound Felix Heidecke
ÆEditing Melanie Dietz
ÆProduction
Regina Heidecke
ÆD 2008, DV, 5:00
ÆExperimentalfilm
ÆRealisation
Danilo Vogt
ÆMusic
›Nine Inch Nails‹
ÆD 2010, AVCHD, 13:00
ÆSpielfilm
ÆRealisation
Stefanie Jaehde
ÆCamera
Sebastian Linke
ÆActors Jakob Gail,
Juliana Fuhrmann,
Ricarda Baus
ÆMusic
›Kelle und die Vatos‹
DOLCE VITA
SMOKE GETS IN
YOUR EYES
JIMMY ... ADJA
(BULGARIWOOD)
Michael Schwarz
Harald Schleicher
Vladimir Mladenov
Ein experimentelles Portrait von Andrea und
Wolfgang, die gemeinsam
einen Swingerclub betreiben. ›Alle Menschen haben Fantasien... Und ich
bin der Meinung, dass die
Menschen, die ihre Wünsche und Fantasien umsetzen, glücklicher sind.‹
(A. Knoblauch).
An experimental portrait
of Andrea and Wolfgang,
who run a swinger club
together. ›Everyone has
fantasies... And I believe
that those who put their
desires and fantasies into
practise are happier.‹ (A.
Knoblauch).
Heutzutage wird das Rauchen stigmatisiert, aber
das war nicht immer so:
Lange Zeit war die Leinwand ein geradezu paradiesischer Ort für Raucher. ›Smoke Gets In Your
Eyes‹ ist eine Hommage
an die rauchenden Stars
im Kino.
Nowadays, smoking is
stigmatised, but it wasn't
always the case: for a
long time, the silver
screen was an absolute
paradise for smokers.
›Smoke Gets In Your Eyes‹
is a homage to smoking
stars in the movies.
›Jimmy....Adja (Bulgariwood)‹ zeigt zum 80er
Jahre Disco-Sound von
Bappi Lahiri eine lustige,
farbintensive und hotbeat-musikalische Liebesgeschichte an der bulgarischen Schwarz MeerKüste.
›Jimmy....Adja (Bulgariwood)‹ presents a funny,
colour-intensive and hotbeat musical love story on
the Bulgarian Black Sea
coast to the sound of 80s
disco music by Bappi
Lahiri.
Michael Schwarz. *1979
in Nuremberg. 2002-2007
read Film Studies and
Drama at the Johannes
Gutenberg Universität,
Mainz. Has been studying
since 2007.
ÆD 2009, DVCProHD,
13:00
ÆDokumentarfilm
ÆPicture
Alexander Griesser
ÆProduction A. Griesser,
Michael Schwarz
ÆMontage
Michèl Hammann
ÆLighting/Sound
Stefan Sick
Harald Schleicher. *1951
in Backnang/Württemberg.
Professor
of
Film/Video
at
the
Künste, Mainz.
ÆD 2010, 9:00
ÆRealisation:
Harald Schleicher
ÆExperimentalfilm
Vladimir Mladenov. *1977
in Plovidv, Bulgaria. 19992001 studied at Varna
University of Economics
(Bulgaria).
2002-2007
studied at the University
of Duisburg-Essen (Business Informatics). Has
been studying Fine Visual
Arts (Film Class) at the
GOLD
Gerald Haffke,
Sebastian Linke
Impressionistisches Portrait eines Rauchkünstlers.
Impressionistic portrait
of a smoke artist.
Gerald Haffke. *1981 in
Neuwied. Has been studying Fine Visual Arts (Film
since 2003.
Sebastian Linke. *1974 in
Mainz. 1996-2000 studied
Teacher Training for Art at
Grammar Schools at the
Künste, Mainz. 2000-2006
studied Fine Visual Arts
(Film Class) at the
Künste, Mainz. 2007-2008
master scholar
ÆD 2008, DV, 3:00
ÆSpielfilm
ÆRealisation
Gerald Haffke,
Sebastian Linke
ÆMusic Andreas Weis
ÆD 2010, DV, 5:00
ÆMusikvideo
ÆCamera, Produktion
Vladimir Mladenov
ÆActor Vesselina Sarieva
ÆEditing Merlin Magg
143
FACHHOCHSCHULE MAINZ
Die Lehreinheit Kommunikationsdesign der Fachhochschule Mainz (www.designinmainz.de) besteht aus einem BA Studiengang Kommunikationsdesign und
dem MA Gutenberg-Intermedia. Innerhalb beider Studiengänge haben sich drei inhaltliche Schwerpunkte herausgebildet: erstens die traditionell in Mainz stark vertretene Typografie, zweitens der Bereich Werbung und drittens der Bereich der digitalen/interaktiven Gestaltung, aus dem die hier vorgestellten Projekte stammen.
Sie sind in zwei interdisziplinären Kursen entstanden, bei denen die Studierenden
jeweils von zwei Lehrpersonen aus unterschiedlichen Lehrgebieten betreut wurden. Es handelte sich in diesem Fall um die Kooperation der Fächer ›Konzeptionelles Gestalten‹ (Philipp Pape) und Medieninformatik (Florian Jenett). Die beiden
Kurse ›Visualizing Europe‹ und ›Generative Typografie‹ zeigen exemplarisch, was
an der Medieninformatik für Kommunikationsdesigner interessant ist. Zum einen
ist das der Umgang mit unüberschaubaren Datenmengen und dynamischen Datenquellen. Nicht ausgehend vom Einzelfall oder Details, sondern sozusagen konzeptionell ›von oben herab‹ geht es hierbei um das Entwickeln von Systemen. Es
müssen Regeln und Verhalten definiert und gestaltet werden, ohne jede einzelne
Konstellation erproben zu können. Das zweite Anliegen der Kurse ist der Umgang
mit spielerischen, veränderlichen Prozessen wie sie sich in den Projekten zur generativen Typografie zeigen. Diese Projekte sind weniger anwendungsorientiert,
sondern erforschen die Möglichkeiten einer flexiblen gestalterischen Umgebung
und deren Auswirkung über verschiedene Medien hinweg. Für die Entwicklung dieser Projekte hat sich die Programmierumgebung und -sprache ›Processing‹ bewährt. Sie erlaubt es innerhalb eines Semesters den gesamten Weg vom Erlernen
des Programmierens bis hin zur Realisierung eines Projektes zu durchlaufen.
The Communication Design teaching unit at Mainz University of Applied Sciences
(www.designinmainz.de) consists of a BA study programme in Communication Design and an MA in Gutenberg Intermedia. Three thematic focal points have evolved
within the two degree programmes: first, Typography, which is traditionally very
strong in Mainz; second, the area of Advertising; and third, the area of Digital/Interactive Design, which led to the projects presented here.
These projects were created in two interdisciplinary courses where students were
supervised by two teaching staff from different teaching units. In this case, cooperation took place between the subjects ›Conceptual Design‹ (Philipp Pape) and
Media Informatics (Florian Jenett). The two courses ›Visualizing Europe‹ and ›Generative Typography‹ are useful illustrations of what makes Media Informatics interesting to communication designers. On the one hand, it is handling vast quantities of data and dynamic data sources. This involves developing systems that are
not based on individual cases or details but which function conceptually ›top
down‹. Rules and forms of behaviour must be defined and shaped, without being
able to test each individual constellation. The second aim of the course is to teach
students to deal with interactive, variable processes, as you can see in the Generative Typography projects. Rather than being application-oriented, these projects
explore the possibilities of flexible creative surroundings, and the impact they have
on various media. The programming environment and language ›Processing‹
proved useful in developing these projects. It enables students to not only learn
how to programme but also to realise their own project in just one semester.
144
Visualizing Europe
Die europäische Statistik-Behörde ›Eurostat‹
(ec.europa.eu/eurostat)
stellt über das Internet
Massen an Daten zur Verfügung und sieht darin
ihre Informationspflicht
erfüllt. Tatsächlich dürften aber die wenigsten Interessenten der Komplexität der Datentabellen
gewachsen sein. Daraus
entstand die Idee, die Daten auf interessante Fragestellungen hin zu untersuchen, diese herauszuarbeiten und visuell zu
übersetzen, sodass die
Daten auf intuitivere Art
erlebbar werden.
Visualizing Europe
The European statistics
authority
›Eurostat‹
(ec.europa.eu/eurostat)
posts masses of data on
the internet, believing it
has then fulfilled its duty
to inform. But in fact only
very few interested persons are able to cope with
the complexity of the
data tables. This led to
the idea of exploring the
data with regard to interesting issues, developing
them and visually translating them to enable the
data to be experienced in
a more intuitive manner.
AIDS IN EUROPE
Dina Fluck, Kirsten
Leistenschneider
›Aids in Europe‹ visualisiert die Verbreitung der
Aidsinfektion in Europa
über Jahre hinweg. Dabei
symbolisieren
unterschiedliche Zeichen die
häufigsten Ansteckungswege sowie die Anzahl
der Toten. Die Entwicklung von AIDS lässt sich
darüber hinaus eindrücklich zwischen Ländern
vergleichen.
›Aids in Europe‹ visualises the spread of AIDS in
Europe over the years.
Different signs symbolise
the most frequent routes
of infection and the number of deaths. The development of AIDS in various
countries can also be
strikingly compared.
EUROPEAN AIR
TRAFFIC
Christoph Tim Schneider
stellt den Verkehr auf und
zwischen Europas Flughäfen dar. Die Flughäfen
sind geografisch angeordnet und können zeitlich verfolgt werden. Dabei zeigt die veränderliche Größe eines Flugzeugsymbols
die
Häufigkeit von Starts und
Landungen. Zusätzlich
können die häufigsten
Flugverbindungen eines
Flughafens dargestellt
werden.
represents traffic at and
between Europe's airports. The airports are geographically arranged,
and can be monitored
over time. The variable
size of an aircraft symbol
shows how frequently
take-offs and landings
occur. In addition, the
most frequent flight connections from an airport
can be portrayed.
COLORSTOXX
POLYEUROPE
Alexander Leu,
Christian Rau
Kersten Stahl,
Tobias Tschense
Christian Rau und Alexander Leu zeigen in ihrer intuitiv zu bedienenden
Software Colorstoxx die
Entwicklungen am europäischen Aktienmarkt
in minimalistischen Farbabstufungen. Dabei lassen sich durch Vergleich
verschiedener Aktienkurse deren Unterschiede
und Parallelen intuitiv erkennen. Die verwendeten
Farben orientieren sich
am Corporate Design des
jeweiligen
Unternehmens.
In their intuitive software
Colorstoxx, Christian Rau
and Alexander Leu show
developments on the European stock market in
minimalist colour nuances. By comparing various stock prices, their
differences and parallels
can be recognised intuitively. The colours used
are based on the corporate design of the company in question.
Anhand europäischer Daten wird ein Weg zur dreidimensionalen Datenvisualisierung gezeigt. Daten spezifisch aufzurufender
Indizes
unterschiedlicher Länder
werden in dreidimensionale Formen übersetzt
und können nach der Generierung aus unterschiedlichen Blickwinkeln betrachtet werden.
Dabei wird deutlich, dass
unterschiedliche
Betrachtungswinkel auch
verschiedene Aspekte der
Daten hervorheben bzw.
verbergen.
A method of visualising
data three-dimensionally
is shown using European
data. Indexes from various countries, retrieved
data-specifically,
are
translated into three-dimensional shapes, and
can then be seen from
different angles. It can be
seen that different viewing angles emphasise or
conceal various aspects
of the data.
145
EUROPEAN
LANGUAGES
BOLZPLATZ
Lisa Reimann
Denis Klein
In der Anwendung European languages wird die
Verwandtschaft der in
Europa
gesprochenen
Sprachen angezeigt. Es
entsteht eine Baumstruktur, durch Eingabe eines
Wortes erscheinen an deren Enden und Knotenpunkten die in die jeweilige Sprache übersetzten
Begriffe.
By applying European
languages, we can see
how the languages spoken in Europe are related
to one another. A tree-like
structure emerges. When
a word is entered, the
term is translated into
various languages appears at the ends and intersections of the tree.
Denis Klein visualisiert in
bolzplatz die Transfers
(Zugänge und Abgänge) in
europäischen Fußballklubs und den Wert der
Landesligen, sowie deren
Veränderung über Jahre
hinweg. Dabei wird die
wirtschaftliche Komponente des Fußballsports
unmittelbar erfahrbar.
In bolzplatz, Denis Klein
visualises transfers (acquisitions and departures) that took place between European football
clubs, their value to national leagues and how
they change over the
years. The economic component of football is
clearly revealed.
146
ORGAN-UNION
Stephanie Behm,
Cesalie Kern
Die Applikation OrganUnion zeigt zeitabhängig, wie
häufig welches Organ in
den verschiedenen Ländern der Europäischen
Union transplantiert wird.
The application OrganUnion shows, time-dependently, how frequently
which organ is transplanted in the various
Member States of the European Union.
IMPORT/EXPORT
-CONTAINER IN
EUROPA
Sonja Hahn, Jörg Ziggert
In Form einer animierten
Grafik wird der Umschlag
von Containern in Europa
demonstriert. Die Container-Symbole fallen wie
Tetris-Steine auf die Silhouetten der Länder. Jeweils zwei Länder können
miteinander verglichen
werden.
The handling of containers in Europe is demonstrated in the shape of an
animated diagram. The
container symbols fall
like Tetris blocks onto the
silhouettes of the countries. Two countries can
be compared at a time.
MONITORING AND
VISUALIZING LAST.FM
IRRATIO
Christopher Adjei, Nils Holland-Cunz
Ingo Reitheimer
In welchen Städten ballen sich bestimmte Musikgenres und in welchen Ländern wird ein neu erschienenes Musikalbum als Erstes
gehört? Diesen und anderen Fragestellungen gehen Christopher
Adjei und Nils Holland-Cunz in
ihrem Projekt ›Monitoring and Visualizing Last.fm‹ mit Hilfe des sozialen Musik-Netzwerkes Last.fm
nach. Ihre Arbeit gliedert sich in
vier verschiedene Bereiche: Fangruppenvergleich, Fanfluktuation,
Album-Release und Genreballung.
In which cities are certain music
genres clustered, and in which
countries are new albums heard
first? These and other issues are
explored by Christopher Adjei and
Nils Holland-Cunz in their project
›Monitoring
and
Visualizing
Last.fm‹, using the social music
network Last.fm. Their work is split
into four areas: a comparison of fan
groups, fan fluctuation, album release and genre clustering.
Generative Typografie
Dieser Kurs entstand aus
dem Interesse an experimentellen typografischen
Formen. Schriften sind
Software. Die Möglichkeiten des Opentype Formates lassen das erahnen.
Es liegt also nahe zu untersuchen, welche experimentellen Formen Typografie mit den Mitteln der
Programmierung annehmen kann, sodass der
prozesshafte Charakter
von Schriften erfahrbar
wird.
Generative Typography
This course evolved out of
our interest in experimental typographic forms.
Fonts are software. The
possibilities available to
us in the open-type format give us an idea of this
phenomenon. So why not
explore which experimental forms typography can
take using programming,
to enable us to experience the process-like nature of fonts?
Die Arbeit Irratio basiert auf einer
sehr einfachen, eckigen Ausgangsschrift. Durch Verwendung der Eckpunkte, aber unter Umwandlung
der Bezierkurven entsteht eine immer wieder neu verwobene NetzSchrift.
The work entitled Irratio is based
on a very simple, square-cut starting font. Newly interwoven internet
fonts are created using corners and
by transforming Bezier curves.
147
PONG
BASTARD
ELIEN
BLAST
Kersten Stahl
Tobias Tschense
Tatevik Aghabayans
Denis Klein
Die Schrift Pong entsteht
durch die Bewegung einer
Linie
innerhalb
von
Schriftzeichen. Wie eine
Flipperkugel rast die Linie
innerhalb der Grenzen eines Zeichens hin und her,
sodass je nach Startposition neue Endformen entstehen.
The font Pong is created
by moving a line between
the characters. The line
hurtles back and forth
like a pinball within the
borders of a character, so
that each starting position creates new final
shapes.
In dem Projekt ›Bastard‹
werden
aus
Bruchstücken sehr unterschiedlicher Schriften –
aber mit passenden
Übergängen
–
neue
Schrift-Bastarde generiert. Diese sind in ein eigens
entwickeltes
Schreibprogramm integriert, das jeden Buchstaben zu jeder Zeit unterschiedlich ausgibt.
In the ›Bastard‹ project,
new font bastards are
generated from fragments of completely different fonts which, however, have matching transitions. These are integrated into a specially
developed text editor that
displays every letter differently each time.
Die Schrift lässt sich
durch Eingaben in seiner
Form und Vielschichtigkeit verändern oder durch
Interaktion gänzlich verformen, sodass der Eindruck einer aus veränderlichen, weichen Prozessen bestehenden Schrift
entsteht.
The shape and complexity
of the font can be
changed by entering inputs, or can be completely deformed by interaction to give the impression of a font being created out of variable, soft
processes.
Blast verändert die Form
einer Ausgangsschrift je
nach gespielter Musik.
Die Tonabfolgen werden
dazu von einer Bibliothek
interpretiert und in neue
Parameter übersetzt.
Blast changes the shape
of a starting font, depending on the music being played. The sound sequences are interpreted
by a library and translated into new parameters.
148
ZWIRN
WDCE (WORDS
DON’T COME
EASY)
PDE_LUBANOISE
CARVELLCD
Lisa Reimann
Christoph Köhler
Il-Ho Jung
Alex Balzien
Das Programm Zwirn verwebt alle Buchstaben eines Wortes miteinander.
Dabei dienen die Ankerpunkte der Buchstabenformen als Anfangs- und
Endpunkte der Verwebungen, sodass die zugrunde liegende Schrift
noch erahnbar bleibt.
The programme Zwirn interweaves all of the letters contained in a word.
The anchor points of the
letter shapes act as the
starting and end points of
interweavings, enabling
the basic font to be
recognised.
Diese Schrift bildet sich
allein aus Verläufen.
Durch die Veränderung
der Winkel und Segmente, deren Drehung, Spiegelung und Überlagerung,
entstehen immer wieder
neue,
faszinierende
Schriftzeichen.
This font is created from
gradients alone. New, fascinating characters are
created again and again
by changing angles and
segments, and by turning,
mirroring and superimposing them.
Die Schrift Lubalin wird in
unterschiedlich
viele
Punkte zerlegt, die ihren
Durchmesser und eine
zueinander verschobene
Bewegung
verändern
können. Durch diese wenigen variablen Parameter entstehen gänzlich
unterschiedliche Ergebnisse.
The font Lubalin is decomposed into different
quantities of points,
which can change their
diameter and movement
displaced towards one
another. Completely different results are created
by changing these few
variable parameters.
Durch die Verschiebung
einiger Proportionsparameter werden jeweils völlig neue Zeichenformen
generiert.
Absolutely new characters are generated by displacing a few proportion
parameters.
149
FACHHOCHSCHULE DORTMUND FB DESIGN
Fachhochschule Dortmund, Fachbereich Design. Nach Schließung der Studienrichtung ›Kamera‹ an der FH
Dortmund stellt sich der Fachbereich Design mit der Bachelor-Studienrichtung ›Film‹ in Dortmund neu auf. Aktuell wird eine neue Professur ›Film‹ in Dortmund besetzt. Zusammen mit den vorhandenen Stellen ›Foto/Filmdesign‹ von Prof. Adolf Winkelmann und ›Sound-Design‹ von Prof. J.U.Lensing entsteht ein Studiengang ›Film‹,
der sich in seinem Lehrplan für ›digitalen Film‹ dem Kurzfilm, Experimentalfilm und der audio-visuellen Komposition sowie Musik- und Tanzvideos bis hin zu Animation und Advertising-Video widmet. Ziel des Studiums
ist, filmsprachliche Kompetenz durch Experimente und Projekte mit Bild und Ton auch im dramaturgischen Sinne zu erlangen und deren Anwendungsformen professionell zu beherrschen. Eigenständige Filmprojekte werden mit Unterstützung von kompetenten Fachleuten und in enger Zusammenarbeit mit Licht-, Sound-, Set- und
Grafikdesignern im Fachbereich Design Dortmund besonders gefördert. Aktuell wird bei erfolgreichem Abschluss des 6-semestrigen BA Studiums Design/Medien/Kommunikation im Schwerpunkt Film der Hochschulgrad Bachelor of Arts (BA) Design vergeben. Ab dem Wintersemester 2012 wird in Dortmund ein 8-semestriger
BA Film angeboten. Durch die Partnerschaft mit der University of Abertay Dundee (GB) besteht die Möglichkeit
für Studenten der FH Dortmund nach dem deutschen BA durch ein einjähriges Aufbaustudium in Großbritannien einen BA of Honours (BA Hons) in Creative Sound Production oder in Visual Communication and Media Design zu erlangen. Im Anschluß an diesen internationalen Zusatzbachelor bietet die FH-Dortmund zukünftig
auch einen einjährigen MA Film oder MA Sound an, so dass bei vollem Programm in einem 12-semestrigen Studium drei internationale Abschlüsse erlangt werden können.
Dortmund University of Applied Sciences and Arts, Faculty of Design. Following the closure of the discipline
›Camera‹ at Dortmund University of Applied Sciences and Arts, the Faculty of Design is repositioning itself in
Dortmund with a Bachelor programme in ›Film‹. A new ›Film‹ professorship is currently being filled in Dortmund. Together with the existing positions in ›Photo/Film Design‹ and ›Sound Design‹, held by Professor Adolf
Winkelmann and Professor J.U. Lensing, respectively, a degree programme in ›Film‹ is being created. The curriculum for ›Digital Film‹ is dedicated to short films, experimental films and audio-visual composition, as well
as music and dance videos, animation and advertising videos. The aim of the programme is for students to acquire cinematic language skills through experiments and projects involving image and sound, also in the dramaturgical sense, and to professionally master their forms of application. At the Faculty of Design in Dortmund,
special emphasis is placed on encouraging independent film projects with the support of competent experts
and in close cooperation with light, sound, set and graphic designers. Upon successful completion of the 6-semester BA programme in Design/Media/Communication, majoring in Film, graduates are awarded a Bachelor of
Arts (BA) Design degree. From winter semester 2012, an 8-semester BA in Film will be offered in Dortmund.
Thanks to the existing partnership with the University of Abertay Dundee (GB), students of Dortmund University of Applied Sciences and Arts have the opportunity, after completing the German BA, to read for a BA of Honours (BA Hons) in Creative Sound Production or in Visual Communication and Media Design following a one-year
post-graduate programme in Great Britain. After completing this additional international Bachelor, Dortmund
University of Applied Sciences and Arts will offer graduates a one-year MA in Film or MA in Sound. In other
words, if students take the whole programme, they can acquire three international degrees after studying for
12 semesters.
150
NICHT AUSZUSCHLIEßEN
DASS ER TOT IST
MÖRDERBALL
Harald Opel
Thilo Gosejohann, Karl Tebbe
Karl Blechen hatte den Auftrag, mit einer speziellen
Technik ein 400 Jahre altes Archiv in einem einzigen
Foto virtuell begehbar zu machen. Als Kompendium
aller möglichen Bilder ist das Bild eine Sicherungskopie der vom Verfall bedrohten archivierten Papiere und
Fotografien. Das Eingangsfoto zeigt ihm einen Moment in diesem Archiv, an den er sich nicht erinnern
kann. Eine spannende audiovisuelle Reise durch die
Geschichte der Fotografie und Bildtheorien des 20.
Jahrhunderts.
Karl Blechen was commissioned to make a 400-yearold archive virtually accessible in one single photograph, using a special technique. As a compendium of
all possible images, the photo is a backup of the
archived papers and photographs that are in danger of
disintegration. The entrance photo shows him a moment in this archive that he is unable to remember. An
exciting audiovisual journey through the history of
photography and visual theories of the 20th century.
Rollstuhl Rugby wurde Ende der 70er von einem kanadischen Architekturprofessor und zwei Rollstuhlsportlern entwickelt. Sie nannten die Sportart ursprünglich Mörderball. Rollstuhl Rugby ist eine Mischung aus Autoscooter und Schach. Unser Film entstand während eines Spielwochenendes am 13./14.
Oktober 2001 in Bochum.
Wheelchair rugby was devised by a Canadian professor of Architecture and two wheelchair athletes at the
end of the 1970s. They originally called the discipline
murder ball. Wheelchair rugby is a combination of
bumper cars and chess. Our film was created over the
course of a wheelchair rugby weekend in Bochum on
13/14 October 2001.
Harald Opel, see ›Soundness‹.
Professor J. U. Lensing, *1960 in Düsseldorf. From 1987
to 1989, he undertook post-graduate studies in ›New
Music Theater‹ under Mauricio Kagel at the University
School of Music in Cologne. In 1987, he founded the
Theater der Klänge in Düsseldorf. Has been making
soundtrack compositions for numerous artists' and
documentary films since 1988. Has been Professor of
›Sound Design‹ at Dortmund University of Applied Sciences and Arts since 1996.
Æ35mm, Color, 10:04
ÆSeitenverhältnis: 1:1,85
ÆDolby SR
ÆScript and Direction Harald Opel
ÆScreen-Design Astrid Busch
ÆSound-Design J.U.Lensing
ÆDigital Vfx Martin Constien
ÆEditing Harald Opel, Astrid Busch
ÆProduction Cuefilm, FH-Dortmund
ÆPrädikat wertvoll der FBW
Thilo Gosejohann, *1970 in Gütersloh-Niehorst. While
studying to become a cameraman under Adolf Winkelmann at Dortmund University of Applied Sciences and
Arts, Gosejohann gained recognition as a director
through his trash film Captain Cosmotic, broadcast on
VIVA Zwei.
Karl Tebbe; *1970 in Dortmund. 1996 Diplom in Drama/Theatre/Media from Justus Liebig University
Giessen. 1994 job-shadowed direction at the Schauspielhaus
Frankfurt.
2008
Diplom
in
Film/Television/Camera at Dortmund University of Applied Sciences and Arts.
Æ16mm, b & w, 7:55
ÆSeitenverhältnis: 1,33:1
ÆDolby SR
ÆRealisation Thilo Gosejohann, Karl Tebbe
ÆSound Marlen Schlawin, Michael Kupczyk
ÆSound Mixer Tobias Fleig (Rursound Studios)
ÆProduction FH Dortmund
151
OCTAVES TAG
JETZT IST WICHTIG
Johannes Klais
Max Kluger, Tina Porsche, Guido Rambeck, Cengiz Sunter
Äußerliche Unruhe und innere Leere. Der
Film Octaves Tag ist der Versuch einer visuellen Charakterisierung eines Menschen, der
auf den Höhepunkt seiner Karriere zusteuert
und doch immer tiefer fällt. Der Film experimentiert mit Mitteln der Kamera und der
Montage. Ein dünner, narrativer Faden ist
dabei fast vollständig auf die Tonebene verlagert. So lässt ›Octaves Tag‹ viel Raum für
ein assoziatives Zusammenwirken von Bildern, Schnitten und Tönen.
Outer restlessness and inner emptiness. The
film Octaves Tag is an attempt to visually
characterise a person who is headed towards the pinnacle of his career, and yet who
keeps falling further and further down. The
film experiments with the instruments of the
camera and montage. A thin, narrative
thread is almost completely transferred to
the sound level. In this way, Octaves Tag
leaves plenty of room for associative interaction between images, cuts and sound.
Ein Kurzfilm über das Vergehen von Zeit in einer konstruktiven
Montage, in der Bilder aus einem Altenheim mit denen einer gegenüberliegenden Grundschule assoziativ verbunden werden.
Die Interviewaussagen der ›Alten‹ werden dabei den Bildern aus
der Schule unterlegt, die Stimmen der Kinder hingegen kommentieren die Bilder aus dem Altenheim. Eine Musik, die aus
dem Musizieren der ›Alten‹ entwickelt wird, klammert den Film
in drei Akte. Eine bewegende, wiewohl experimentell montierte
Reflexion über Werden und Vergehen.
A short film about the passage of time in a constructive montage, in which shots from a nursing home are connected associatively with those from the primary school opposite it. The
statements made by the ›elderly‹ in their interviews are put to
scenes from the school, while the children's voices comment on
shots from the nursing home. A piece of music created in a session with the ›elderly‹ holds the film in three acts together. A
moving, albeit experimentally mounted reflection on growth and
decay.
Johannes Klais, *1977 in Dortmund. Trained
to become an Audio Engineer (SAE) and Audio
Visual Media Producer, IHK. Has been studying Camera at Dortmund University of Applied
Sciences and Arts since 2003.
Æ16mm, Color, 8:00
ÆRealisation Johannes Klais
ÆActor Pablo Jorge Sievers
ÆProduction
Johannes Klais & FH Dortmund
152
Tina Porsche, *1982 in Dresden. Trained with VIVA to become an
Audio Visual Media Producer. Has been studying Camera on the
Film and Television degree programme at Dortmund University of
Applied Sciences and Arts since 2005.
Guido Rambeck, March 2007 Intermediate Diplom at Dortmund
University of Applied Sciences and Arts, Germany, Feb. - Dec.
2009 Diplom in Film and Television (Documentary) at Victorian
College of The Arts, University of Melbourne, Australia.
Cengiz Sunter, *1978 in Oberhausen. Has been studying Film &
Television, majoring in Camera at Dortmund University of Applied
Sciences and Arts, Faculty of Design, since 09/2005. Carried out
a work placement at WDR as a senior camera assistant in 2006.
ÆBetacam SX, Color, 13:49, Seitenverhältnis 1:1,85, Stereo
ÆRealisation, sound-design
Max Kluger, Tina Porsche, Guido Rambeck, Cengiz Sunter
ÆMusic Jewgeni Birkhoff
ÆAudio Postproduktion Markus Löbel,
Soundision Film- und TV-Tonstudio
DSW
LOOSE CONNECTION
Dominik Leube
Jan Haering
Der moderne Städter und Fahrgast begibt sich heutzutage wie selbstverständlich unter die Erde, um mit
der U-Bahn von A nach B zu gelangen. Ohne sich des
zurückgelegten Weges bewusst zu sein, rauscht er
durch dunkle Schächte, unfähig diese Welt von Tunnels und Hallen zu überblicken. Diese ›Maschine-UBahn‹ funktioniert scheinbar ohne äußeres Zutun. Alles was der Fahrgast machen muss, ist einsteigen.
Dieser Film ist ein Portrait dieser unterirdischen Welt
und jener Menschen, die dort arbeiten. Eine audiovisuelle Reise durch suburbane Formen und Klänge.
Nowadays, modern urbanites and passengers go underground without a second thought to get from A to
B. Unconscious of the journey he has taken, he rushes
through dark shafts, unable to comprehend this world
of tunnels and halls. This ›underground machine‹ appears to function without external assistance. All the
passenger needs to do is to board the train. This film is
a portrait of this underground world and the people
who work there. An audiovisual journey through suburban forms and sounds.
Das Englische Loose Connection lässt sich mit Stromausfall oder Wackelkontakt übersetzen. Der Kurzfilm
zeigt ein recht düsteres Geschehen. Ein Heranwachsender hat sich im Bannkreis seines Computers eine
eigene Welt geschaffen. Erst ein Stromausfall öffnet
dem Jungen die Augen über sein Leben als eine Art
menschlicher Grottenolm und eröffnet ihm den Blick
nach draußen auf die Straße. Es könnte der Schritt
zurück in ein normales Leben sein.
The short film portrays a very gloomy event. An adolescent has created his own world around his computer. It takes a power cut for the boy's eyes to be opened.
He now sees his life as a kind of human olm, and is
able to look outside onto the street. It could be the
step back into a normal life.
Dominik Leube, *1983 in Tübingen, 2004/05 Academy
of Music Hanns Eisler Berlin, 2005 Information and
Media Technology, Brandenburg University of Technology, Cottbus and, since 2006, Film/Television Camera at
Dortmund University of Applied Sciences and Arts.
ÆSeitenverhältnis 1,33:1, Stereo
ÆDirection, camera, montage,
sound-design Dominik Leube
ÆO-Tone Oscar Stiebitz
Jan Haering has been a self-employed web designer
since 2000. He did a one-year placement at Versfilm in
2001, where he found employment as a director from
2002 to 2005. He has been freelancing in direction,
post-production and motion graphics since 2005, and
has been attending Baden-Württemberg Film Academy, Staged Direction since 2008.
ÆRed One 4K Cinemascope, 6:01
ÆDirection, montage Jan Haering
ÆCamera Ingo Scheel
ÆProduction-Design Michael Miemczyk
ÆMusic Gunther Steudel
ÆSound-Design Simon Wirtz, Soundvision GmbH
ÆPostproduction Jan Haering, Calliographix GbR
ÆGrip Paul Pieck
ÆCamera Assistant Michael Jörg
ÆAssistant Director Franziska Wellner
153
SOUNDNESS
CARAMCOLLAGE
Harald Opel
Daniel Gerken
Gezeigt werden immer nur Bruchstücke, einzelne in sich logische Bilder/Argumente. Ausschnitte von Begegnungen dreier
Frauen im Tanz, jeweils als Paar. Begegnungen mit ihrem Schatten, mit ihren Abbildern auf einer Leinwand, mit Erinnerungsstücken aus ihrer Kindheit und mit Versatzstücken einer Musik.
Der Film arbeitet mit Ausschnitten aus der Produktion ›HOEReographien‹ (Choreografie: Jacqueline Fischer) des THEATERs
DER KLÄNGE zu einer Metakomposition über die Sinfonia 9 von
Johann S. Bach elektronisch erarbeitet von J. U. Lensing. Die Teile fügen sich zu einer neuen Einheit, zu einem neuen Tanz, der
unversehrt (soundness) und logisch scheint und zu den Frauen
und ihren möglichen Geschichten führt.
Only fragments are shown, individual logical shots/arguments.
Excerpts of encounters between three women dancing, each
time as a pair. Encounters with their shadows, with their images
on a screen, with memorabilia from their childhood and with set
pieces of music. The film works with excerpts from the production ›HOEReographien‹ (choreography: Jacqueline Fischer) by
the THEATER DER KLÄNGE on a meta composition on Johann S.
Bach’s Sinfonia 9, electronically compiled by J. U. Lensing. The
parts are remixed into a new entity, a new dance that appears
intact (soundness) and logical, and that leads to the women and
their potential histories.
Der Motor heult auf, wenn das Gas durchgetreten wird. Der Sound ist bombastisch: Ein
voluminöses Röhren, ein maskulines Dröhnen, ein Brummen, das in Mark und Bein
geht. Ein Automobilgeräusch, das das Herz
jeden Motorfans höher schlagen lässt. Der
Sound eines Autos am Höhepunkt seines
Wirkens, seines Lebens. Aber die Faszination
am Klang eines Autos ist mehr als die hörbaren PS unter der Haube. Der Dokumentarfilm
›CaramCollage‹ findet zu den Ursprüngen
der Klänge eines Wagens und zum Leben
nach dem Schrott.
The engine roars when the pedal hits the
metal. The sound is bombastic: a voluminous
thunder, a masculine drone, a hum that sets
your teeth on edge. A car noise that make
every engine lover's heart skip a beat. The
sound of a car at the pinnacle of its life, its
achievements. But the fascination of the
sound of a car is more than the audible HP
beneath the bonnet. The documentary film
›CaramCollage‹ discovers the roots of the
sounds of a car, and explores life after scrapping.
Harald Opel, *1962 in Bayreuth, has lectured since 1999 at Dortmund University of Applied Sciences and Arts in Analogue/Digital Film Production Techniques and Experimental Film Design in
the Camera degree programme, as well as in Principles of Film
Design, Multimedia and Digital Film Technology in the BA in Design Media Communication degree programme.
ÆDigiBeta Letterbox, anamorph, 8:00
ÆSeitenverhältnis 1:2,35
ÆStereo/Dolby 5.1
ÆDirection Harald Opel
ÆDop Harald Opel
ÆCamera Simone Friedel,
David Stevens, Jacob Creutzburg
ÆSoundtrack J.U.Lensing
154
Daniel Gerken, *1978 in Soest, Westphalia.
Has been studying at Dortmund University of
Applied Sciences and Arts since 2006 and
working as a radio presenter for Eldoradio
since 2007.
ÆHDV, Color, 6:00
ÆStereo
ÆDirection Daniel Gerken
ÆCamera Driss Azhari, Daniel Gerken
ÆEditing Max Hüttermann,
Daniel Gerken, Dominik Leube
ÆSound-Design Dominik Leube
ÆLighting Eduard Malsam
ÆScene Gunar Meinhold
ZEIT-TRÄUME
DIE KNEIPE
D.O.A. – RECOMPOSED
Friedrich Schöning
Andrzej Król
Klaus Hommerich
Experimentaler Tanzfilm
in den Räumen des PACT
›Zeche Zollverein Essen‹.
Der Film ›Zeit-Träume‹
basiert auf choreografischem Material der Produktion ›inherent simplicities‹ von Rodolpho Leoni Dance. Der Tanz verändert die Wahrnehmung
der Räume einer früheren
Kohlenzeche. Der Film
kreiert dabei eine faszinierende Verbindung von
Ort,
Bewegung
und
Klangkomposition.
Experimental dance film
shot on the premises of
the PACT ›Zollverein Colliery, Essen‹. The film
›Zeit-Träume‹ is based on
choreographic material
from the production ›inherent simplicities‹ by
Rodolpho Leoni Dance.
The dance changes the
perception of the rooms
of a former coalmine. In
the process, the film creates a fascinating connection between location,
motion and sound composition.
Der Film ist das dunkle, lyrische Portrait einer Kneipe und der Menschen, die sich in ihr
aufhalten. Je mehr diese sich in ihren Gedanken verlieren, desto weiter verwischen
sich ihre persönlichen Wahrnehmungen mit
surrealen Geschehnissen. Ein allein lebender Familienvater erinnert sich an ein Ereignis, das genau vor einem Jahr in der Geburtstagsnacht seines 5-jährigen Sohnes geschah. In Erinnerungsfetzen wird diese Nacht
erzählt, in der der Vater in betrunkenem Zustand das zu verhindern versucht, was bereits stattfindet.
The film is the dark, lyrical portrait of a pub
and the people who frequent it. The more
they lose themselves in their thoughts, the
more their individual perceptions become
blurred with surreal events. A single father
looks back on something that happened to
his 5-year-old son exactly one year ago on
the night of his birthday. In fragmented
memories, a tale is told about the night when
the drunken father tried to prevent what had
already happened from occurring.
Der Film D.O.A. (USA 1949) von Rudolph Maté in seine Einzelteile zerlegt und neu komponiert verlässt
die lineare Erzählweise durch bis
zu neun zeitgleich gezeigten Einstellungen. Ein filmisches FoundFootage Experiment, das die Fassbarkeit der Bilderflut und den Aufbruch des ursprünglichen ZeitRaum-Konstrukts thematisiert.
The film D.O.A. (USA 1949) by
Rudolph Maté is cut into its single
parts and recomposed, departing
from the linear narrative style, in up
to nine simultaneously screened
settings. A cinematic foundfootage experiment that explores
the conceivability of the flood of
images and the breakup of the original time-space construct.
ÆDirection
Friedrich Schöning
ÆCamera Andreas Krol
ÆMontage &
Sounddesign A. Krol,
Friedrich Schöning
ÆProduction FH
Dortmund
Andrzej Król, *1947 in Olpe (Poland), 2006
studied at the Escuela Internacional de Cine
y Television in Havana (Cuba), 2000-2008
studied Film Television Camera (Dortmund
University of Applied Sciences and Arts).
Æ35mm, Color, 9:40
ÆSeitenverhältnis 1: 2,35
ÆDolby Digital/Dolby SR
ÆDirection Andrzej Król
ÆCamera Andrzej Król
ÆEditing Andrzej Król, Gabriel Gauchet
ÆSound Andrzej Król
Klaus Hommerich, *1963, has been
working as a lighting technician,
chief lighting technician and cameraman since 1988. Has been
studying Film/Television at Dortmund University of Applied Sciences and Arts/Faculty of Design
since 2006.
ÆDVD- 4:3 b & w, 12:57, stereo
ÆOriginal: D.O.A. - Rudolph Maté
ÆNeu-Montage Klaus Hommerich
155
MEDIA CAMPUS EXHIBITION
SOUND REFLECTIONS
Der Media Campus präsentiert im
Turm Bürgergehorsam die Ausstellung ›sound reflections‹. Dort werden Medieninstallationen von verschiedenen Künstlern gezeigt, die
sich mit der Sinneswahrnehmung,
aber auch dem Wahrgenommenwerden befassen. Wie klingt ein Individuum? Wie sehe ich mit den Ohren? Und welche Geräusche macht
das Licht?
Eingebettet in die altertümlichen
Gemäuer des Turms Bürgergehorsam, werden dem Besucher innerhalb eines, ohnehin schon außergewöhnlichen Raumerlebnisses,
jene künstlerisch konstruierte
Reizverknüpfungen eröffnet. Die
Begehung wird Augen und Ohren in
ungewöhnlicher Weise auf die Probe stellen.
Media Campus presents the exhibition entitled ›sound reflections‹
in the Turm Bürgergehorsam. Media installations by various artists
will be shown there that explore
not only sensory perception but
also the act of being perceived.
What does an individual sound
like? How can I see using my ears?
And what sounds does light make?
Embedded in the ancient walls of
the Turm Bürgergehorsam, artistically designed stimulus connections are revealed to visitors in an
extraordinary spatial experience.
The exploration will put the visitor’s eyes and ears to the test in an
unusual way.
156
AUGEN ZU BASEL
V+ - EXPANDED
TIMECODE VINYL
Janis Schroeder
Jonas Bohatsch
Ohne Basel zu kennen, komme ich
dort hin, verbinde mir die Augen,
laufe drei Stunden durch die Stadt,
um dann wieder zu fahren. Kristina
führt mich, erzählt mir, was sie
sieht, was ich nicht sehe.
Die ganze Zeit über begleitet uns
ein Kameramann. Im entstandenen
Video sind allerdings nur wenige
Szenen zu sehen. Auch der Zuschauer sieht nicht, was passiert.
Er ist wie ich gezwungen, sich die
Bilder einzubilden – basierend auf
der Schilderung Kristinas, auf Umgebungsgeräuschen und auf den
wenigen Bildern, die er sieht von
Dingen, die ich fühle oder ertaste.
Without actually being familiar
with the City of Basel, I arrive there,
blindfold myself, walk through the
city for three hours and then leave.
Kristina leads me, and tells me
what she sees and I cannot.
A cameraman is with us the whole
time. However, only a few scenes
can be seen in the resulting video.
The audience cannot see what is
happening either. Like me, they are
forced to imagine the images –
based on Kristina’s descriptions,
ambient noises and the few images
they see of objects that I feel or
touch.
In v+ werden computergenerierte
Objekte direkt auf die Oberfläche
einer Schallplatte projiziert. Das
Verhalten der Objekte ist an die Abspielgeschwindigkeit der Schallplatte gekoppelt und kann vom
Ausstellungsbesucher beeinflusst
werden. Kommen die Objekte untereinander oder mit der Nadel des
Plattenspielers in Berührung, werden Klänge abgespielt. v+ erweitert Schallplatten um visuelle Elemente und bricht die eigentliche
Linearität des Mediums auf.
Computer-generated objects are
projected directly onto the surface
of a vinyl record. The behaviour of
these objects is connected to the
turntable's rotational speed and
can thus be changed by the audience. Sounds are triggered if objects touch one another or the
turntable needle. v+ expands timecode vinyl with visual elements and
breaks with the medium’s linearity.
Janis Schroeder, *1986 in Herne.
Has been studying Pure Visual Arts
in Münster/Geneva since 2007
ÆBasel, CH 2009, DV, 9:48 min
ÆRealisation Janis Schroeder
Æmit Kristina Brinkkemper,
Janis Schroeder
ÆKamera: Hector Barrios
Jonas Bohatsch, *1981 in Oberpullendorf, Austria. Has been studying
Digital Art at the University of Applied Arts, Vienna since 2006.
ÆVienna, A 2009, Interactive
Installation
Æsponsored by University of
Applied Arts, Vienna
NON VISUAL FILM
TRANSDUCERS
Ana Petrovic
Verena Friedrich
Die Videoinstallation ›Non Visual Film‹ ist eine Kombination aus einem Video, das es erforderlich macht,
dass der Zuschauer beim Zusehen die Augen schließt,
und dem sichtbaren Teil einer Installation, zu der ein
Fernseher, ein Tisch, ein Stuhl, ein DVD-Player und
Stoffe gehören. Wenn die Zuschauer das Video starten, so müssen sie ihre Augen schließen um es sehen
zu können. Obwohl das Video den Titel ›non visual‹
trägt, ruft der Kontrast von Schwarz und Weiß die Entstehung eines Bildes im Kopf des Zuschauers hervor.
Obwohl dieses für die Augen nicht sichtbar ist, lassen
die Augenlider genug Licht durch und ermöglichen somit eine visuelle Erfahrung, die nur mit geschlossenen
Augen möglich ist.
The video installation ›Non Visual Film‹ is a combination of a video that requires viewers to close their eyes
when watching it and the visual part of an installation
containing a TV, table, chair, DVD player and drapery.
When viewers start the video, they have to close their
eyes in order to see it. Even though the video is called
›non visual,‹ the contrast of white and black demands
the formation of an image created by the brain. Although it is not seen by our eyes, our eyelids distribute
enough light, thus creating a visual experience that
can only be seen with our eyes closed.
Eine Anordnung gläserner Apparaturen, in deren Inneres jeweils eine biologische, von einem bestimmten
Individuum entnommene Probe implantiert wurde: Ein
einzelnes menschliches Haar – bloßer körperlicher
Überrest auf der einen; aussagekräftiger Informationsträger auf der anderen Seite.
Die Haarproben werden von der Maschinerie ›getriggert‹ und zu einer Reaktion angeregt. Diese wird registriert, vielfach verstärkt und in einen hörbaren Output übersetzt, der implizit Information über die physiologische Beschaffenheit des Humanmaterials enkodiert. So erzeugt jede der Apparaturen einen
individuellen Klang basierend auf der individuellen
Haarprobe des jeweiligen Spenders.
TRANSDUCERS sucht die Dominanz der Wissenschaften im Hinblick auf die Beschreibung des Lebens und
seiner grundlegenden Bestandteile zu hinterfragen.
An installation composed of several laboratory glass
devices, each encasing biological material collected
from different individuals: a single human hair – merely physical debris on the one hand; significant information carrier on the other.
The hair samples are triggered by the machinery and
are stimulated to react. Their reaction is registered,
amplified and transduced into an audible output that
implicitly encodes the human materials’ physiological
constitution. Each of the devices generates a unique
sound based on each donor’s individual specimen.
TRANSDUCERS seeks to question the dominance of
science in describing life and its basic units.
Ana Petrovic, *1985 in Bjelovar, Croatia. Has been
studying Multimedia at the Art Academy in Osijek since
2005.
ÆOsijek, HR 2009, Installation
Verena Friedrich, *1981 in Hanau, Germany. Completed her studies in Fine Arts and Media at the University
of Art and Design Offenbach in 2008.
ÆOffenbach, D 2008-2009, Installation
ÆFoto: Max Schroeder
157
MEDIA CAMPUS EXHIBITION
LIVING ENTITIES
AKOUSMAFLORE
scenocosme : Grégory Lasserre & Anaïs met den
Ancxt
Das Stadtgaleriecafé eröffnet mit dem diesjährigen
Media Campus Programm ›living entities‹ verschiedene Perspektiven auf den Umgang des Menschen mit
Lebendigem. Bei den ausgewählten Exponaten handelt es sich um eine Mischung aus Raum-, Video- und
Objektinstallationen, welche alle in ihrer eigenen Weise das Leben reflektieren und einen Bogen von Natur,
über Kultur, bis hin zur Technik spannen.
Passend zu diesem Kontext wird eine Dokumentation
der FH Mainz über ihre Projekte ›Visualizing Europe‹
und ›Generative Typografie‹ gezeigt, die die Hochschule in diesem Jahr im Haus der Jugend präsentiert.
So bietet das Stadtgaleriecafé eine facettenreiche
Auswahl an Arbeiten, die einerseits durch direkte interaktive Einbeziehung des Besuchers, andererseits
mittels einschlägiger wechselnder Bilder, einen Appell
an den Menschen formulieren.
In this year’s Media Campus programme ›living entities‹ at the Stadtgaleriecafé, different perspectives of
how humans deal with living things are explored. The
selected exhibits are a mixture of spatial, video and
object installations, all of which, in their own way, reflect life, creating an arch between nature, culture and
technology.
In line with this context, a documentary will be shown
by Mainz University of Applied Sciences on their projects ›Visualizing Europe‹ and ›Generative Typography,‹
which the Academy will present in Haus der Jugend.
In other words, the Stadtgaleriecafé offers a wide selection of works that formulate a plea to humans by,
on the one hand, including the visitor through direct
interaction and, on the other, using relevant varying
images.
Bei Akousmaflore handelt es sich um eine interaktive
Installation, einen kleinen Garten, bestehend aus lebendigen, musikalischen Pflanzen, die auf menschliche Gesten und sanfte Berührungen reagieren. Jede
Pflanze reagiert auf ihre ganz eigene Art und Weise auf
Berührungen oder Wärme, indem sie einen speziellen
Klang produziert. Die ›Sprache‹ der Pflanzen, bzw. deren Lieder entstehen durch Berührung und die unmittelbare Nähe des Betrachters. Unsere unsichtbare
elektrische Aura wirkt auf die Stiele der Pflanzen und
animiert sie, darauf zu reagieren. Die Pflanzen singen
wenn das Publikum sie leicht berührt oder streichelt.
Somit entsteht ein Konzert der Pflanzen.
Akousmaflore is an interactive installation, a small
garden composed of living musical plants that react to
human touch and gentle contact. Each plant reacts in
a different way to contact or warmth by producing a
specific sound. The plant ›language‹, or song, arises
through touch and close proximity to the spectator.
Our invisible electrical aura acts on the plant’s stalks
and encourages them to react. The plants sing when
the audience touches or strokes them lightly. A plant
concert is created.
scenocosme: Gregory Lasserre, Anais met den Ancxt.
Anaïs: *1981 in Lyon. She graduated in Anthropology
from the University of Lyon, the Ecole Nationale des
Beaux Arts in Lyon and the Ecole Supérieure d’Art et de
Design of St Etienne.
Grégory: *1976 in Annecy. He studied Computer Science and Electronics and graduated with a Master in
Multimedia. He has been creating interactive artwork
as a digital artist since 2002.
ÆF 2008, Sensitive and interactive musical plants /
Installation
158
DURCHGANG
GLOBAL CO.
Keosang Yoo
Joanna Polak
Das Objekt hat ca. 24.000 Tasten. Die Computertastatur, in die wir ständig hauen, der wir uns ständig bedienen, ist ein notwendiges Mittel, mit dem wir in die
digitale Welt hineingelangen. Mit der sich wiederholenden Aktion des Tippens treten wir in eine neue Welt
ein. Die Tastatur übernimmt dabei die Rolle einer Tür.
Die einzelnen Tasten sehen zwar gleichförmig aus, ihre
Inhalte sind aber jeweils vollkommen verschieden.
Und die Summe der einzelnen Tasten spielt eine große
Rolle, ist wesentlich, für den Eintritt in eine andere
Welt.
The object contains about 24,000 keys. The computer
keyboard, which we constantly strike and of which we
constantly avail ourselves, is a means we require to
enter the digital world. The repeated tapping action
opens up a new world for us. By doing so, the keyboard
acts as a door. Although the individual keys look the
same, their contents are completely different. And the
sum of the individual keys plays a major role, is substantial, with regard to entering another world.
Für ihren Film auf fünf simultan geschalteten Bildschirmen verwendete Joanna Polak mehr als 30.000
Einzelbilder, die sie mittels digitaler ScherenschnittAnimation montierte. ›Global CO.‹ setzt sich inhaltlich
mit der Überproduktion von Menschen, Information
und Waren auseinander. Die technisch sehr aufwendige Arbeit entstand während Polaks zweimonatigen Arbeitsaufenthalts in Wien.
For her film on five simultaneously connected
screens, Joanna Polak used more than 30,000 frames,
which she mounted using digital silhouette animation.
›Global CO.‹ explores the theme of the overproduction
of humans, information and goods. The technically
elaborate work was created during Polak’s two-month
working stay in Vienna.
Joanna Polak, *1978 in Lublin, graduated with a Master’s in Animation Film Direction from the Academy of
Fine Arts Poznan in 2003.
ÆPL 2009, Videoinstallation
Keosang Yoo, *1973 in Seoul, Korea. Has been studying
Media Arts at the Academy of Media Arts Cologne since
2006.
ÆKoeln 2009, Installation
159
JUGENDMEDIENPROJEKTE
YOUTH PROJECTS
LOKAL-GLOBAL – DIE LEBENSWELT DER JUGENDLICHEN
Karoline Kraut
Aufgewachsen mit den elektronischen Kommunikationsmedien benutzen heute Jugendliche wie selbstverständlich deren vielfältige Möglichkeiten wie e-Mail, Chat, SMS, Videoblogs oder YouTube. Aber knüpfen sie
damit auch Verbindungen zwischen ihrer lokalen Umgebung und der globalen Umwelt? Dieser Frage widmete
sich das Medienkunstprojekt ›lokal-global – Die Lebenswelt der Jugendlichen‹ des European Media Art Festivals. Anknüpfend an die Ausstellung ›young identities – global youth‹, die das EMAF 2008 zeigte, wurden mit
Schülerinnen und Schülern der Johannes-Vincke-Schule in Belm die künstlerischen Möglichkeiten zur globalen Kommunikation getestet.
Unterstützt durch die Stiftung Stahlwerk Georgsmarienhütte haben sich zwei Klassen aus Belm mit Schülerinnen und Schülern der sibirischen Stadt Murawlenko ausgetauscht. Dieser interkulturelle Austausch fand über
die Erstellung von Videos, das Einstellen bei youtube und einem anschließenden skype-Talk statt.
Das Besondere des Projekts lag in der großen räumlichen Distanz der Projektteilnehmer. Die Projektleitung
übernahm für das EMAF Karoline Kraut, die künstlerische Leitung Elisabeth Lumme. Mit dabei von Seiten der
Schule waren die Lehrerinnen Sonja Wielebinski, Marianne Hellmann und Bernd Sieker sowie die langjährig in
Murawlenko tätige Irina Schönfeld.
local/global – The living environment of youths
Having grown up with electronic communication media, today’s youths use the wide options available to them
- e-mail, chat, text messages, video blogs and YouTube - as a matter of course. But do they establish ties between their local surroundings and the global environment? The media art project entitled ›local/global – The
living environment of youths‹ of the European Media Art Festival is dedicated to this question. To tie in with the
exhibition ›young identities – global youth,‹ presented at the EMAF 2008, pupils at Johannes Vincke School in
Belm tested the artistic possibilities available for global communication.
With funding from the Foundation Stahlwerk Georgsmarienhütte, two classes from Belm exchanged their views
with pupils from the Siberian town of Murawlenko. This cross-cultural exchange was realised by creating
videos, posting them on YouTube and then talking to one another via skype.
What made the project special was the vast distance between the project participants. The project was led by
Karoline Kraut for the EMAF; the artistic director was Elisabeth Lumme. The teachers involved in the project
were Sonja Wielebinski, Marianne Hellmann and Bernd Sieker, as well as Irina Schönfeld, who has been working in Murawlenko for many years.
160
MEDIENWERKSTATT DER GENERATIONEN
Karoline Kraut
Schüler der Medienwerkstatt der Generationen in der Musik- und Kunstschule der Stadt Osnabrück näherten sich in einem künstlerisch-experimentellen Prozess filmisch dem Thema: ›Jugendwahn-Schönheitsideal.‹
Über mehrere Wochen arbeiteten Jugendliche im Alter von 14-19 Jahren gemeinsam mit Erwachsenen im Alter
von 44-65 Jahren mit gefundenem Film-, Foto- und Textmaterial zum Thema. Der Generationsunterschied zwischen den Schülern verlangte von beiden Seiten eine besondere Form der Auseinandersetzung- ein ständiges
Infragestellen der eigenen altersbedingten Sichtweise auf das Thema, dass sich zu einer neuen Einheit zusammenfügt.
Entstanden ist eine Medienskulptur mit Mitteln der Collage.
Unterstützt wurden sie dabei von:
Thorsten Alich, werk.statt e.V.
Monika Witte und Kristina Busch, Dozentinnen der Musik und Kunstschule
Participants in the Intergenerational Media Workshop at the Music and Art School of the City of Osnabrück cinematically approached the topic of ›Youth mania - the ideal of beauty‹ in an artistic/experimental process.
For several weeks, youths aged between 14 and 19 worked together with adults aged 44 to 65, using found film,
photographic and text material on the topic. The generation gap between the participants demanded that both
sides explore the subject in a special way, constantly questioning their own age-related perspective of the subject, which merged to become a new unit.
The result is a media sculpture based on collage.
Support was given by:
Thorsten Alich, werk.statt e.V.
Monika Witte and Kristina Busch, lecturers at the Music and Art School
ÆOrt: Unordentliche Zimmertheater, Lohstr. 45a, im Hof
Venue: Unordentliche Zimmertheater, Lohstr. 45a, in the yard
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PERFORMANCE
SYNCHRONATOR
Bas van Koolwijk, Gert-Jan Prins
Synchronator ist ein audiovisuelles Projekt von Bas van Koolwijk und Gert-Jan Prins, für das die Künstler ihre
eigenen elektrischen Geräte entwickelten. Das Projekt ist eine Fortsetzung von Experimenten, die an die frühen
Jahre der Videokunst erinnern.
Die Live Performance wird als Doppelprojektion gezeigt, in der beide Künstler Audio und Video Signale produzieren, die gänzlich auf Improvisation basieren. Alle Signale werden live generiert und durch die speziell hergestellte Hardware verändert.
Der Synchronator ist ein analoges, elektrisches Instrument, das empfangenes Input verändert und als Videosignal wiedergibt. Es ist im Oktober 2009 entstanden.
Gert-Jan Prins und Bas van Koolwijks Synchronator Performance setzt Experimente fort, die im Original bei
Nam June Paik und den Vasulkas begannen. Beide führen ihre Erfahrung der Beziehungen zwischen Ton und
Bild zusammen, während Bas van Koolwijk sich hauptsächlich auf digitale Experimente konzentriert und GertJan Prins meistens mit analoger Technik arbeitet.
Synchronator is an audiovisual project by Bas van Koolwijk and Gert-Jan Prins, for which the artists have developed their own electronics. The project is a continuation on medium specific experiments between image
and sound from the early years of video art.
The dual screen live performance, in which both both artists produce audio and video signals, is entirely based
on improvisation. All signals will be generated live and routed through the custom build hardware.
The Synchronator device, an analogue electronic instrument that disguises any input it receives as a composite video signal, was released in October 2009.
Gert- Jan Prins and Bas van Koolwijks Synchronator project continues a lineage of experimentation originally
embarked upon by the likes of Nam June Paik and the Vasulkas. Bas van Koolwijk concentrates mainly on digital experiments, while Gert-Jan Prins mostly works with analogue techniques. They both carry out research
into the relationship between sound and image, as well as the limits of what is audible and visible.
Æwww.synchronator.com
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VIDEOLOOPMACHINE
Stefan Demming
Ein Mash Up für die Kinoleinwand.
Performance für Keybord und Software, Videoprojektor und 2 Kanal Audio, 2009/2010
Mit ›Videoloopmachine‹ von Stefan Demming werden Ausschnitte aus bekannten Kinofilmen in Loops gesampelt, um daraus Bild- und Tonrhythmen zu komponieren.
Anfangs- und Endpunkte der kurzen Loops werden in mehreren Schritten umgestaltet, so dass ein Filmausschnitt zeitlich diagonal gescannt wird. Das Narrative der filmischen Handlungen wird von dem entstehenden
Bild- und Tonteppich so nur nach und nach freigegeben. Ziel der Arbeit ist es, audiovisuelle Kompositionen auf
der Basis von found footage mit deren Originalton zu generieren. Atmosphärisch werden die Bestandteile der
Filmsprache so gesteigert und die Kulissen inszenierter Handlungen erscheinen in der Wiederholung als Labyrinthe.
In Stefan Demming's ›Videoloopmachine,‹ clips from well-known cine films are sampled in loops so as to compose image and sound rhythms out of them.
The starting and end points of the short loops are rearranged in several steps so that a film excerpt is temporally diagonally scanned. The narrative of the cinematic acts is then only uncovered gradually by the emerging
tapestry of images and sounds. The aim of the work is to generate audiovisual compositions on the basis of
found footage with their original sound. The elements of the cinematic language are thus intensified atmospherically, and the sceneries of staged acts appear in the repeat as labyrinths.
ÆFootage (Auszüge für mash-up):
Les parapluies de Cherbourg (F 1964, R: J. Démy)
Solaris (UdSSR 1972, R: A. Tarkowski)
Tears of the black tiger (Thailand 2000, R: W. Sasanatieng)
ÆVLM-Programmierung: Michael Rieken, Stefan Demming
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PERFORMANCE
VOLKER WINCK QUARTETT
Komposition und Improvisation - im Volker Winck Quartett kein Widerspruch: Eher zwei Seiten einer Medaille,
handelt es sich bei den Kompositionen des Saxophonisten doch um fixierte Improvisationen, die seinen Mitmusikern den Weg zu Improvisation und Interaktion - also Realtimecomposition im wahrsten Sinne des Wortes
- ebnen. Ob Florian Weber dabei am Flügel ein abenteuerliches Netz aus Sequenzen und fugato bzw. kanonisch
entwickelten Motiven ausbreitet, Jens Heisterhagen am Bass und Christian Schoenefeldt am Schlagzeug der
rhythmischen Textur eine straight ahead oder eher offen pulsierende Richtung geben, oder der Bandleader sein
Saxophon ›höchstgradig expressiv und virtuos‹ (Zitat aus der Laudatio zum Internationalen Jazzwettbewerb
Granada 2004), bisweilen aber auch melancholisch-verhangen erklingen lässt - das erwächst aus dem musikalischen Moment, und gestaltet sich von Abend zu Abend extravaganter. Innovativer Modern Jazz par excellence.
Composition and improvisation – in the Volker Winck Quartett, this is no contradiction in terms: more like two
sides of the same coin, because the saxophonist’s composition are set improvisations that pave the way for his
fellow musicians to improvise and interact – i.e. real-time composition in the true sense of the word. Whether
Florian Weber disperses an adventurous web of sequences and fugato or canonic themes on the grand piano,
whether Jens Heisterhagen on double bass and Christian Schoenefeldt on drums give the rhythmic texture a
straight ahead or more of an openly pulsating direction, or whether the bandleader creates ›highly expressive
and virtuoso‹ (quotation from the laudatio to the International Jazz Contest in Granada 2004) and occasionally
also melancholic/overcast sounds on his saxophone – this evolves out of the musical moment, and becomes
increasingly extravagant from evening to evening. Innovative modern jazz par excellence.
ÆVolker Winck Tenor/soprano saxophone
ÆFlorian Weber Piano
ÆJens Heisterhagen Double bass
ÆChristian Schoenefeldt Drums
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FEIERABEND
Der EMAF Feierabend bringt einen respektlosen Stilmix auf die Bühnen und an die Plattenteller.
Am Donnerstagabend fischt im ›Glanz und Gloria‹ ab 23h DJ Dom Thomas vom LabelFinders Keepers im Fundus der vinyllastigen Musikgeschichte nach altbekannten Klängen aus Jazz, Folk und Funk und bastelt geniale Retro-Klangmuster, in die sich auch orientalische Sounds wie selbstverständlich einfinden. Mit eigener Clubnacht in Manchester und auf internationalen Tourneen wird Dom Thomas sein Material einer tanzwütigen Meute vor die Füße werfen.
Am Freitagabend geht es beim EMAF-Feierabend ab 23h im ›Five Elements‹ unter der Lichtkuppel des imposanten, zwölf Meter hohen Ringlokschuppens mit Mikro Machine und DJ Stylwarz aus Hamburg weiter. Sie
gehören zur ersten Generation der deutschen Hip Hop DJs. Oldschool, Nuschool, Mash Up, Funk, Rock und dazu
ein Herz aus Soul werden auf Links gedreht bis die crowd durchdreht.
Am Samstagabend wird dann ab 23h mit ›The Smack‹ im ›Glanz und Gloria‹ bis in die Morgenstunden weitergefeiert. Mit Schlagzeug, Bass, Synthesizer entsteht treibend energetischer Minimaltechno, mit allem, was dazugehört. Handgemachten Techno spielen heißt, als Tanzband vor einem tanzwütigen Feinschmeckerpublikum zu
bestehen, und das können The Smack.
The after-work party brings an irreverent mixture of styles onto the stage and turntables.
Thursday night, DJ Dom Thomas of the label Finders Keepers will dive deep into the pool of vinyl-heavy music
history for well-known sounds from jazz, folk and funk from 11p.m. in ›Glanz und Gloria.‹ He’ll create brilliant
retro sound patterns in which oriental sounds also feel at home. With his own club night in Manchester and on
internationals tours, Dom Thomas throws his material at the feet of dance-crazy crowds.
The EMAF after-work party continues with Mikro Machine and DJ Stylwarz, from Hamburg, from 11 p.m. Friday
night in ›Five Elements‹, beneath the dome light of the imposing, twelve-metre high roundhouse. They belong
to the first generation of German hip hop DJs. Oldschool, Nuschool, Mash Up, Funk, Rock and, to boot, a heart
of soul will be turned inside out till the crowd goes crazy.
From 11 p.m. Saturday night, the party continues into the early hours with ›The Smack‹ in ›Glanz und Gloria‹.
Driving, energetic minimal techno, with everything you expect and more, is created by drums, bass and synthesizer. For a dance band, playing hand-made techno means surviving a discerning, dance-crazy audience, which
The Smack excel at.
165
EXHIBITION
MASH UP AND MORE
MASH UP AND MORE - EMAF-AUSSTELLUNG 2010
Hermann Nöring
Die Ausstellung des European Media Art Festival zeigt einen Überblick über das jüngste vielfältige Schaffen internationaler Medienkünstler. Neben aktuellen Arbeiten unterschiedlicher Mixed-Media-Skulpturen werden
bis zum 24. Mai in einem Schwerpunkt zum Festivalthema MASH UP Werke präsentiert, die das ironische Spiel
mit der Neu-Verwertung gefundener Materialien vorantreiben. Denn der Re-Mix des Gerölls aus dem Steinbruch der Medien hat sich zu einer weitverbreiteten Kulturtechnik der kreativen Adaption und zum Grundprinzip der Kultur im digitalen Zeitalter entwickelt.
Im kulturellen und künstlerischen Bereich werden die Möglichkeiten und problematischen Entwicklungen sehr
genau beobachtet. Die Konzepte, Werke und Positionen, die sich mit der Gegenwart der alltagsumspannenden
Netze auseinandersetzen sind vielfältig. Neben den anfänglich euphorischen und die Perspektiven begrüßenden Standpunkten haben immer mehr kritische und warnende Stimmen die Meinungsführerschaft errungen.
Vorrangig wird aber das Potential der Inhalte und der technischen Strukturen der nicht mehr ganz so ›Neuen
Medien‹ ausgelotet und mit ihm gespielt, ohne eine Bewertung in den Vordergrund zu stellen. Viele Kunstschaffende, Medienkünstler und geniale ›Bastler‹, Theoretiker und Aktivisten greifen dabei auf bereits vorhandene Arbeiten und Konzepte zurück, verhandeln die Geschichte des sie interessierenden Bildkosmos und komponieren aus den dort existenten Impulsen, Fragmenten und Ansätzen neue, weiterreichende Werke.
Diese Genese bzw. Evolution aus Bezügen und Zitaten ist wesentliches Merkmal der Kunstgeschichte und der
Kulturentwicklung. Cicero gilt als der Eklektiker griechischer Ideen; ebenso versichern sich die Renaissance
und nachfolgende Epochen ständig der Antike. Bilder galten als Abbilder bereits vorhandener Werke, die einer
Mimesis bzw. einer Transformation unterzogen wurden. Erst das 19.Jhrh. sucht das Authentische, die Wahrheit
im Künstler-Ich, die Unmittelbarkeit der Naturerfahrung, das Unverwechselbare des Originals. Die frühen
Avantgarden des 20.Jhrh. radikalisieren mit Zeitungscollagen, Ready-Mades, Photogrammen und MusiqueConcrete den Werkbegriff und konstruieren in ungewöhnlichen Verbindungen von vorgefundenen Materialien
Neues. Nun wird der Kontext entscheidend, dessen Faktor die Pop-Art noch einmal steigert: erst die Präsentation im Museum macht ein Produkt der Warenästhetik zum Kunstwerk. Die digitale Epoche setzt noch eins
drauf: Die Copy-Paste-Kultur entwertet den Begriff vom Original komplett. Im Zeitalter der spurenlosen digitalen Reproduktion ist alles dem Manipulationsvorbehalt ausgeliefert, da die Authentifikation, die Feststellung
einer Urheberschaft nicht mehr möglich erscheint. Alles Digital-Verfügbare kann zum Material einer neuen Arbeit werden. Alles ist Konstruktion - der Konstruktivismus erlebt einen Daseinshöhepunkt und erschafft eine
Welt in Selbst-Referenzialität. Der Künstler kreiert eine neue Form aus vorhandenen Grundelementen. Er verweist damit sowohl darauf, dass die Gesellschaft von bestimmten Kräften gemacht ist, als auch auf die Tatsache, dass die Wahrnehmung der Kunst und der Welt konstruierbar ist. Nicht die Rekonstruktion oder Kopie eines bewunderten Artefaktes ist sein Ziel, sondern er will im Zitatenschatz neue Referenzen setzen und Dialoge bzw. Kontroversen ermöglichen.
166
Eng verknüpft mit der Collage ist das Spiel, der lustvolle, zwangfreie Umgang mit Materialien, Elementen und
Fragmenten, die der Steinbruch der menschlichen Kultur anbietet. Erst im Spiel wird man ganz Mensch, weiß
Schiller, der zweck›lose‹ Freiräume für die Kunst fordert, um offene Kunstwerke möglich zu machen. Sie sollen
durchaus auch Reflexion und Diskurs einbeziehen, wobei die Ironie ein wichtiges Stilmittel, so F. Schlegel, wird.
Sie rückt die Aussage in eine reflektorische Distanz. Ein weiterer Aspekt ist die zunächst augenscheinliche
Disparatheit der gesuchten Elemente, die in einer Kontextverschiebung mit neuem Sinn ›aufgeladen‹ werden.
Für Max Ernst ist die Collage-Technik ›die systematische Ausbeutung des zufälligen oder künstlich provozierten Zusammentreffens von zwei oder mehr wesensfremden Realitäten auf einer augenscheinlich dazu ungeeigneten Ebene - und der Funke Poesie, welcher bei der Annäherung dieser Realitäten überspringt‹.
Mash Up, der Spaß an und das ironische Spiel mit der De- und Re-Konstruktion, der Bricollage und der erneuten Kontextualisierung, wird durch die günstige Verfügbarkeit leistungsfähiger Computer zum verbreiteten
Vergnügen. Mash Up hat sich als Kulturtechnik filtriert, mit der es möglich wird, dem vermeintlichen Chaos der
überkomplexen Welt der Information, der Bilderströme und der Partizipationsumklammerung ein eigenes Produkt und eine Poesie der Funktionslosigkeit hinzuzufügen oder sogar entgegenzusetzen. Bei aller Lust am Medienmosaik haben doch einige Künstler eine große Virtuosität und eine eigene Handschrift entwickelt, die der
Collage und Dada des 21. Jahrh., dem Mash Up, verschrieben ist.
The exhibition at the European Media Art Festival gives visitors an overview of the latest array of creations by
international media artists. In addition to current works containing various mixed-media sculptures, the subject of the festival will focus on MASH UP works, which will be on show until 24 May. These works advance the
ironic game involving the reuse of found material. After all, re-mixing boulders from the quarry of the media has
evolved into a widespread cultural technique of creative adaptation and the fundamental principle of culture in
the digital age.
Mash up, having fun with and ironically playing with de- and re-construction, bricollage and renewed contextualisation, has evolved into a popular enjoyment, thanks to the easy availability of powerful computers. Mash
up has filtered itself into a cultural technique that can be used to add one's own product and poetry of dysfunctionality or even oppose the supposed chaos of the overcomplex world of information, floods of images and
participation strangleholds. In the desire to create media mosaics, however, a number of artists have developed
great virtuosity and their own style, committed to the collage and Dada of the 21st century – mash up.
167
EXHIBITION
MASH UP AND MORE
THE TABLE TURNING
Ruben Bellinkx
Ruben Bellinkx 16mm-Film-Installation ›The Table Turning‹ zeigt auf drei Leinwänden einen Tisch, den vier
Schildkröten tragen. In gemeinsamer und gegenseitiger Anstrengung setzen diese das Möbel in Bewegung. In
klaren, schönen Schwarz-Weißbildern und in unterschiedlichen Perspektiven aufgelöst, präsentiert der Künstler diese zwiespältige Szene einer Beziehung zwischen den Tieren und dem Alltagsgegenstand des Menschen.
Festgezurrt an die Beine des Tisches, gibt es für die Panzertiere kein Entrinnen im tragisch-ausweglosen
Kampf gegen die Domestizierungsbemühungen. Die Natur im Ringen mit der Kultur. Oder ist das Gegenteil der
Fall? Denn die Schildkröte steht ebenso für den Beginn aller Ordnung. In der Symbolik amerikanischer Urvölker
trägt die Schildkröte die Welt; und auch in einigen asiatischen Ursprungsmythen hebt sie die Erde aus den Fluten des Chaos. Demnach ist sie die aktive Basis einer zivilisatorischen Dynamik. So gesehen, zeigt Ruben Bellinkx eine durchaus versöhnliche Variante der großen Menschheitserzählung. (Hermann Nöring)
Ruben Bellinkx's 16mm film installation ›The Table Turning‹ shows a table bearing four tortoises on three
screens. With joint, mutual forces, they manage to set the furniture in motion. In clear, beautiful black-andwhite images, broken up into different perspectives, the artist presents this ambivalent scene of a relationship
between animals and the everyday object of humans. Tied to the legs of a table, the shelled animals are unable
to escape from the tragic, hopeless battle against efforts to domesticate them. Nature wrestling against culture. Or is it the other way around? After all, the tortoise also stands for the beginning of order. In the symbolism of Native Americans, the tortoise bears the world. In some Asian myths of origin, too, it raises the earth out
of the floods of chaos. According to these tales, they are the active basis of civilised dynamics. As such, Ruben
Bellinkx presents a quite conciliatory variant of the great story of mankind. (Hermann Nöring)
Ruben Bellinkx, *1975 in Wilrijk / Belgium. He lives and works in Brussels, Belgium. Currently guest Professor at
KASK, University college Ghent, department of Fine Arts (Drawing). He studied at Higher Institute for Fine Arts,
Antwerp; Gerrit Rietveld Academy, Amsterdam; St. Lucas Institute, Gent
ÆRuben Bellinkx
ÆBelgium, 2006
Æ16mm film, loop, 3 projections, dimension variable
168
DIES IST KEINE ÜBUNG
Heiko Beck
›Dies ist keine Übung, weil jetzt mit dem Selbstmitleid, dem Gejammer und den Ausreden Schluss ist.‹ Heiko
Beck zeigt Textinstallationen im öffentlichen Raum, auf Bahnbrücken und auf der Stadtbibliothek am Markt in
Osnabrück. In der Kunsthalle wird er darüber hinaus eine multimediale Arbeit aus Texten, Cut-Outs, Fotos und
Videos präsentieren.
Mit kurzen Textbotschaften trägt Heiko Beck seine Gedanken in den öffentlichen Raum der Städte. Im Gegensatz zu den vermeintlich privaten Kurzmitteilungen wie SMS-Botschaften oder Twitter-Tweets hängt er in seinen Aktionen große Buchstaben über stark frequentierte Straßen oder an emblematischen Gebäuden wie dem
Essener ›Zollverein‹. Oder er mischt sich mit Tafeln und Figuren in stadtpolitische Entscheidungsprozesse ein,
wie mit seiner Intervention zur Planung eines Rheintunnels in Köln. Mit kleinen Eingriffen verändert er gewohnte Umgebungen, indem er Stadtmöbel wie Glascontainer oder Telefonzellen verschönert. Heiko Becks
Messages entstehen oftmals spontan, kurz bevor er sie aus Holz oder Styropor ausschneidet. Sie leben vom
Augenblick und fordern gerade wegen ihrer Unmittelbarkeit einen zwischenmenschlichen Dialog. Seine schlauen Sätze, Gemütsäußerungen, großartigen Sprüche oder auch direkte Aufforderungen zielen eher auf den Konsens der Gemeinschaft, als dass sie zum Widerspruch reizen. Wie andere ›situationistische‹ Bestrebungen verfolgt er den gesamtkünstlerischen Ansatz, die Kunst mit dem Leben zu versöhnen.
›This is not an exercise, because now that's that with the self-pity, the whinging and the excuses.‹ Heiko Beck
places text installations in public spaces, on railroad bridges and on the central municipal library in Osnabrück.
In addition, he will present a multimedia work comprising texts, cut-outs, photographs and videos in the Kunsthalle.
Heiko Beck transposes his thoughts to the public spaces of cities in short text messages. In contrast to supposedly private short messages, such as text messages or Twitter tweets, in his works he hangs large letters
above busy roads or on emblematic buildings such as the ›Zollverein‹ in Essen. Or he interferes in urban-policy decision-making processes using boards and figures, as with his intervention in the planning for a Rhine tunnel in Cologne. He alters familiar surroundings with minor interventions by embellishing urban furniture, such
as bottle banks and telephone booths. Heiko Beck's messages are often created spontaneously, shortly before
he cuts them out in wood or polystyrene. They live from the moment and, precisely because of their directness,
promote interpersonal dialogue. His clever sentences, expressions of the mind, fantastic slogans and direct requests aim to gain the consensus of the community rather than to provoke. Like other ›situationist‹ endeavours,
he pursues the holistic artistic approach in its entirety of reconciling art with life.
Heiko Beck, * 1973, studied Communication Design in Hamburg and Düsseldorf. Since 2006 co-operation with
Valentin von Vacano as ›Dies ist keine Übung / This is not an Exercise‹.
Selected solo and group shows: 2009: colourblind Gallery, Cologne; Contemporary Art Ruhr, Essen; Berliner Kunstsalon, Berlin; ich-bin-ein-blickfang, Düsseldorf; Tease Art Fair, Cologne; 2008: EL-DRAC, Cologne; PAL Bar,
Cologne. Since 2005 text boards in public spaces at Art Basel, Art Cologne, Bambi award ceremony, Düsseldorf,
Zeche Zollverein, Essen, to name a few.
ÆIn der Stadt an Brücken und auf der Stadtgalerie
ÆHeiko Beck
ÆGermany, 2010
169
EXHIBITION
MASH UP AND MORE
CADAVRE EXQUISES VIVANTES
BitteBitteJaJa (Ulu Braun & Roland Rauschmeier)
Das Künstler-Duo BitteBitteJaJa fügt aus Spielfilmen und TV-Dokumentationen digitale Körperformen zu
Collage-Portraits zusammen und präsentiert diese in einem fünffachen Video-Altar. Die ›Cadavre Exquises Vivantes‹ sind als knapp über dem Boden schwebende Frankenstein'sche Monster, oder auch als hybride Propheten der modernen digitalen Welt zu lesen. Sie beziehen sich auf André Breton’s surrealistischen Satz ›Le
cadavre exquis boira le vin nouveau.‹ Abwechselnd, aber ohne zu wissen welche Arbeitsbereiche der Andere
auswählte, komponierten sie Fragmente von Filmpersonen, -szenen, und -landschaften zu filmischen Figuren,
die abseits filmischer Realitäten existieren. Es treten auf: Kaspar Hauser, Henri Becquerel, Erasmus von Rotterdam, Felix Mendelssohn und Daphne.
BitteBitteJaJa ist der Zusammenschluß von Ulu Braun und Roland Rauschmeier, die seit 1997 an gemeinsamen
Projekten arbeiten. Im Zentrum ihrer künstlerischen Praxis steht die Auseinandersetzung mit dem Phänomen
des Alltags. Durch ihren spontanen, performativen und integrativen Einsatz aller Medien findet eine poetische
Umdeutung des sozialen Dramas statt: Wo kommen wir her, wo gehen wir hin, was ist los? Unbeeindruckt von
inhaltlicher Kritik und formaler Dekonstruktion produziert BitteBitteJaJa Arbeiten, die falsche Hoffnungen,
künstlerische Einöde und intellektualisierende Blockadehaltungen ignorierten.
The artist duo BitteBitteJaJa merges digital physical shapes from feature films and TV documentaries into collage portraits, which they present in a quintuple video altar. The ›Cadavre Exquises Vivantes‹ can be detected
as Frankensteinish monsters floating just above the ground or as hybrid prophets of the modern digital world.
In the exhibition will be present: Kaspar Hauser, Henri Becquerel, Erasmus von Rotterdam, Felix Mendelssohn
and Daphne.
BitteBitteJaJa’s filmic Cadavres Exquises Vivantes reference André Breton’s surrealist phrase ›Le cadavre exquis boira le vin nouveau.‹ Taking turns, and without knowing which segment of film the other has chosen,
Roland Rauschmeier and Ulu Braun compose horizontal film fragments as moments of person, plot, and landscape into film portraits. The result is a Frankenstein monster, a true sur-realité that goes beyond the reality of
the film. BitteBitteJaJa is an artistic duo that started working together in 1997. Their work deals with the phenomena of everyday life. Through their spontaneous and integrated use of all media, almost in the way of a performance, they create a poetic interpretation of social drama: Where do we come from? Where are we going?
What is going on? Unimpressed by criticism and formal deconstruction they create art that ignores false hopes,
artistic boredom and intellectual blockades.
BitteBitteJaJa, collaboration of Roland Rauschmeier and Ulu Braun, working together since 1997.
Ulu Braun: Residing in Berlin, Vienna and Helsinki. Sudies of painting, concept art and film at the Academy of Fine
Arts, Vienna, Academy of Fine Arts, Helsinki, Film & Television Academy, Potsdam
Roland Rauschmeier: * 1974, residing in Vienna. Studies analytical philosophy in Munich and Berlin, painting and
graphics at Akademie der bildenden Künste Vienna.
ÆUlu Braun & Roland Rauschmeier
ÆGermany, Austria, 2010
Æ5 players, 5 monitors up-right
170
STARRY STARRY NIGHT
Yun-Ju Chen
Die taiwanesische Künstlerin Chen Yun Ju möchte mit ihrer Installation ›Starry, Starry Night‹ den Blick der Öffentlichkeit auf Umweltprobleme richten. Die fünf sphärischen Objekte symbolisieren die fünf Kontinente. Gespeist von Blogs, Foren oder anderen web 2.0 Seiten werden die Objekte entweder größer oder kleiner, je nach
dem, ob mehr umwelt-positive oder -negative Nachrichten dort veröffentlicht werden.
Per Google AJAX Search API werden Foren, News und Blogs in Chinesisch, Englisch, Französisch, Deutsch und
Japanisch nach Umweltnachrichten ausgewählt. Das Vorkommen von Stichworten wie Erderwärmung, Flutkatastrophe, Dürre, Wirbelstürme und Erdbeben vergrößert die fünf Objekte, die die Umweltlast der Kontinente
symbolisieren. Hingegen verlieren die Objekte an Volumen wenn positive Nachrichten nach den Stichworten
Energiereduktion, CO2-Minderung, grüne industrielle Anstrengungen oder reduzierter Fleischkonsum die Installation erreichen und damit ein weltweit verminderter Umweltdruck dokumentiert wird.
With her installation ›Starry, Starry Night‹, the Taiwanese artist aims to steer the public's attention towards environmental problems. The five spherical objects symbolise the five continents. Fed by blogs, forums and other Web 2.0 sites, the objects either increase or diminish in size, depending on whether more positive or negative news regarding the environment is published there.
Chinese, English, French, German and Japanese will be used for these installations. Through Google AJAX
Search API, the environmental issues related news, blogs and forums are selected. When getting negative news,
such as global warning, floods, droughts, hurricanes, tornados, and earthquakes, the installations will be inflated symbolizing the burdens the globe has borne. On the other hand, the installations will be deflated when
getting positive news such as energy saving and carbon reduction, green energy industry, alternative energy
and International Meat Less Day. This refers to less impact on the earth.
Yun-Ju Chen: * 1980 in Taipei, Taiwan. Studied graduate school of multimedia and arts at National Taiwan University of Arts 2006-09. Often based on the concepts of female experiences, describing females' their own emotions. In 2009, she won the Special Jury Award at the ›Bains numriques #4 International Digital Arts Festival of
Enghien-les-Bains‹, and selected by ›Argentina SEASON VI 404 FESTIVAL‹. In 2010, she was invited to perform at
›10TH ANNIVERSARY Edith Russ Site for Media Art‹. And now she stay in Germany for 2 months artist-in-residence at Edith Russ Site.
ÆYun-Ju Chen
ÆTaiwan 2010
ÆIn Co-operation with: Edith Russ Site for Media Arts, Oldenburg
171
EXHIBITION
MASH UP AND MORE
LIGHTHOUSE
Luc Coeckelberghs
Für seine Lichtinstallation hat der Maler und Lichtkünstler Luc Coeckelberghs die Wände eines Containers
durch Plexiglas ersetzt, das starkes weißes Licht ausstrahlt. Da alle Konstruktionsteile hinter dem milchigen
Glas und in der weissen Strahlung verschwinden, verliert das Gebilde jede Materialität zu Gunsten einer skulpturalen Leichtigkeit. Innerhalb des geschlossenen Raumes der Lichtinstallation kann der Besucher ein intensives Farblichterlebnis erfahren. In den hohlen Wänden der Metallstruktur befinden sich blaue, rote und grüne
LED, deren Licht im Minuten-Rhythmus zu mehr als 16.000 Farben gemischt wird. Der Raum und die Besucher
werden von durchdringendem Licht überflutet, das sich langsam aber stetig farblich wandelt.
Luc Coeckelberghs sieht seine Lichtkunst als Fortsetzung seiner Malerei. Auf der Bildleinwand überlagert er
wiederholt zweidimensionale Farbfelder und monochrome Flächen und belässt die einzelnen Schichtungen
dennoch farblich durchlässig. Daher spricht er in Bezug auf seine Lichtarbeiten auch weniger von Lichtskulpturen, sondern verweist auf den zweidimensionalen Charakter ihrer Lichtwirkung.
For his light installation, the artist replaced the walls of a container with frosted glass that radiates strong
white light. The outside of the Lighthouse is extremely white. It is statically lit with white TL light. The TL lighting is hidden behind a translucid synthetic sail so that the fittings are not visible. On account of the extremely
white light at the outside the pavilion loses its materiality and gets a sculptural dimension.
LightHouse consists inside of walls of Plexiglas. Inside the closed space of the light installation, visitors can experience an intense display of coloured light. The LED lighting is worked into the hollow walls, brushes the
translucid Plexiglas and colours it. Red, green and blue LED are mutually and in terms of percentage mixed to
more than 16.000 shades to enable a perception and experience of colours. So the colour, or rather the coloured
light, is continuously changing. Luc Coeckelberghs views his light art as a continuation of his painting. He repeatedly superimposes two-dimensional patches of colour and monochrome areas on the screen, but nevertheless leaves the individual layers permeable in colour. Consequently, with regard to his light works, he therefore, refers less to light sculptures than to the two-dimensional nature of their light effect.
Luc Coeckelberghs, * 1953 in Meensel-Kiezegem, Belgium, lives & works at Meensel-Kiezegem.
ÆRathausmarkt, Osnabrück, 15.-25.April 2010
ÆLuc Coeckelberghs
ÆBelgium, 2009
Æcontainer with LED, perspex, vinyl, DMX-equipment, computer; 390 x 280 x 800 cm)
172
GREENHOUSE
Stefan Demming
Geräte und Materialien aus dem Baumarkt, Plastikkitsch und Alltagsgegenstände nutzt Stefan Demming oftmals in seinen installativen Arbeiten. Aus ihren gewohnten Zusammenhängen entführt, aber dennoch in ihren
eigentlichen Kontexten wieder zusammengefügt, entlockt er ihnen hintergründigen Witz. Natürlich gehören
Pflanzen in ein Treibhaus; und selbstverständlich werden Flächen von ihren Resten mit Gebläsen gereinigt.
Wachsen aber viel zu kleine, aufblasbare Plastikpalmen und gigantische Gemüse in einem abstrus engen Glashaus, entwickelt sich nicht nur ein absurdes Bewegungsspiel. Die prall mit Luft gefüllten Objekte sind auch ein
Kommentar über unsere zivilisatorische Nahrungskette und zu heutigen Konsumgewohnheiten.
Stefan Demming interpretiert mit seiner Gewächshaus-Installation die industrialisierte Gemüseproduktion als
Choreographie künstlicher Pflanzen. Laubbläser lassen Bäume und Früchte in Sekundenschnelle wachsen, für
kurze Zeit gut aussehen und dann wieder in sich zusammenfallen. Riesen-Zucchini und Plastikpalmen werden
zu Konkurrenten im Wachstumsrennen.
Stefan Demming often uses equipment and material from DIY stores, plastic kitsch and everyday objects in his
installation works. Far removed from their usual contexts and yet reassembled in their actual ones, he elicits
humour from them. Of course plants belong in a greenhouse; and it goes without saying that surfaces are
cleaned using blowers. But when far too small, inflatable plastic palms and gigantic vegetables grow in an absurdly cramped hothouse, it is not only an absurd activity game that evolves. The over-inflated objects are also
a comment about our civilising food chain and today's consumer habits.
With his greenhouse installation, Stefan Demming interprets industrialised vegetable production as choreography of artificial plants. Leaf blowers make trees and fruit grow in a matter of seconds; they look lovely for a
short while, and then collapse. Giant courgettes and plastic palm trees become rivals in the growth race.
Stefan Demming, *1973, lives and works in Berlin. He studied Fine Art and History in Paderborn (D), Le Mans (F),
at Bremen University (D) and at Bremen Academy of Art under Jean Francois Guiton. He was awarded the German Video Installation Prize, Marl, 2000 (D), Bremer Förderpreis für Bildende Kunst, OLB-Medienkunstpreis at
European Media Art Festival and a DAAD Travel Grant. Solo exhibition at Galerie im Park, Bremen, 2002 (D), Neues
Museum Weserburg Bremen, 2003 (D), Casa del Lago, Mexico City, 2007 (MEX) and Galerie 149, Bremerhaven,
2008 (D), Kunstraum, Tosterglope, 2009.
Participation in exhibitions at European Media Art Festival, Osnabrück, 2002, 2008 (D), Villa des arts, Casablanca, 2003 (Morocco), Simultanhalle Köln, 2004 (D), Waterpieces, Riga, 2005 (LT), Galerija Akademia Vilnius (LI), 2005
Lothringer 13, Munich (D), 2006, Kunstverein Hannover (D) 2006, Kunsthalle der BRD, Bonn (D) 2007, Museum
Macay, Merida (MEX), 2007, Noass/ öffentl. Raum, Riga (LT), 2008; Contested Ground, Projectspace 176, London
(UK), 2009.
ÆStefan Demming
ÆGermany 2008
Ægreenhouse, inflatable plastic plants, motors, fans
173
EXHIBITION
MASH UP AND MORE
TRI-GER
Eitan Efrat & Sirah Foighel Brutmann
Das Triptychon zeigt eine Videotrilogie auf drei Monitoren mit drei Geschichten von Kriegserfahrungen dreier
Männer aus drei Generationen einer Familie. In einer Puppenshow, einer Performance und in einem Marsch
werden moralische Fragen verhandelt, die die drei Charaktere vereinen. Im ersten Teil wird die Geschichte des
stolzen Großvaters des Künstlers erzählt, der erfährt, dass seine Frau am gleichen Tag in ein Krankenhaus eingeliefert wird, an dem er einen Feind erschoss. Sie gebar einen Sohn, den Vater des Filmemachers. Die Geschichte der zweiten Generation wird als Tanzfilm über die gefallenen Helden der Nation präsentiert. Der
Künstler trägt den Namen eines dieser Helden: sein Onkel gab sein Leben. Jetzt ist es die Aufgabe seiner Generation, den Gefallenen die Ehre zu erweisen. Im letzten Teil spielt der Regisseur einen Marsch auf einem
Schlagzeug mit einer Gehässigkeit, die den Stolz seiner Mutter verletzt. Sie zog ihn alleine groß, da sein Vater
früh starb. Nun dient er in einer Spezialeinheit, was sie zunächst ablehnt, dann aber akzeptiert. Sie sprachen
nie darüber, bis er für die Rettung eines Kameraden ausgezeichnet wurde. Die Mutter weint, obwohl er dieses
verhindern möchte.
In this trilogy, the filmmaker sketches his turbulent family history - heavily influenced by experiences on the
battlefields - on the basis of three stories. The first part tells the story of the filmmaker's proud grandfather,
who heard that his wife had been admitted to the hospital on the same day he shot an enemy dead. She gave
birth to a son - the filmmaker's father. The story of the second generation takes the form of a dance film about
the fallen heroes of the nation. The filmmaker was named after one of these heroes, his uncle, who gave his life
for the cause; now it is up to the next generation to honor the names of the fallen. In the third and last part, the
director sits behind his drum kit, playing a strict military march with venom. In doing so, he mercilessly destroys
the pride of his mother, who brought him up alone as his father died young. Her son wants to fulfill his military
service with the Special Forces. She is against this, but eventually agrees. They never discuss it, until he is
awarded a medal for saving a comrade. The filmmaker's mother cries, even though he doesn't want her to.
Eitan Efrat, * 1983 in Tel Aviv, Israel. lives and works in Amsterdam, video artist and musician. He currently studies at the Audio-Visual department (VAV3), at The Gerrit Rietveld Academy, Amsterdam, The Netherlands.
Sirah Foighel Brutmann, * 1983 in Tel Aviv, Israel, lives and works in Amsterdam, video artist, curator, dancer and
choreographer. She graduated a 4 year program of choreography and performance at P.A.R.T.S- performing arts
research and training studios, Brussels, Belgium.
ÆEitan Efrat & Sirah Foighel Brutmann
ÆIsrael/NL 2009
Æ9min, dvcam / made with the help of STUK, Leuven, Belgium
Æ3 monitors, 3 players, 3 pedestals
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MUSIC FROM THE MASSES
Matthias Fritsch
Matthias Fritsch stellt selbstproduzierte Musikvideos ohne Tonspur ins Netz mit der Aufforderung, Soundtracks für diese Clips zu produzieren und sie an den Filmemacher zurueckzuschicken. Ueber 100 Versionen, die
er bisher aus aller Welt zurückerhielt, sind in seiner Installation zu hören und zu sehen. Neben den Videos der
ersten 4 Staffeln zeigt Fritsch auch die neue, bisher unveroeffentlichte Serie mit Sequenzen der Kravalle aus
Griechenland. Auf dem EMAF wird M. Fritsch ebenfalls einen Vortrag halten zum Thema ›Kuenstlerischen Strategien im Web 2.0‹.
Matthias Fritsch posts music videos without sound tracks he has created on the web with the request to produce music for these clips and to return them to the filmmaker. Over 100 versions, which he received from all
over the world, can be seen and heard in his installation. In addition to the videos of the first four series, Fritsch
will also show the new, previously unpublished series containing sequences of the rioting in Greece. M. Fritsch
will also hold a lecture at the EMAF on ›Artistic strategies in Web 2.0‹.
Matthias Fritsch * 1976, lives and works in Berlin. He studied media art at the University of Arts and Design Karlsruhe (HfG) and film, fine art and curating at Bard College, Center for Curatorial Studies (CCS), New York State.
Several short and long movies and media based installations.
Recent selected Group shows: 2010: Transmediale, Berlin; Stuttgarter Filmwinter; 2009: Electro Mechanica Festival, St. Petersburg; ISEA 2009 - Symposium on Electronic Art, Belfast; Videonale Bonn; Parallaxe - ZKM,
Karlsruhe; Music from the Masses - Badischer Kunstverein, Karlsruhe; 2008: eArts, Shanghai Science and Technology Museum; 2007: YOU_ser at ZKM, Karlsruhe; 100 Tage = 100 Videos - Kunstforeningen GL Strand, Copenhagen; EMAF Osnabrueck; 2006: 100 Tage = 100 Videos - Heidelberger Kunstverein
ÆMatthias Fritsch
ÆGermany 2002-2010
Æ10 monitors, 10 players, 10 headphones, Internet connection
175
EXHIBITION
MASH UP AND MORE
FRONTIERS. EIN COMPUTERSPIEL, DAS AN DIE GRENZEN EUROPAS FÜHRT
FRONTIERS – YOU’VE REACHED THE FORTRESS EUROPE
gold extra
Frontiers führt seine Spieler an die Grenzen Europas. Als Flüchtling oder Grenzwache können sie die Grenze
und das Leben dahinter von beiden Seiten erleben.
Frontiers lässt die dramatische Situation an den Grenzen anhand der Stationen zweier Fluchtrouten nach Europa durchleben. In der Rolle des Flüchtlings oder Grenzsoldaten gelangen die Spieler in die Sahara, an das algerische Hoggar- Gebirge, an den Zaun in Ceuta und an einen spanischen Strand oder in den Norden des Irak,
die Bergen der Türkei oder in die Wälder zwischen der Ukraine und der Slowakei.
Der Produktion an dem Spiel ging eine intensive Recherchephase zu Hintergründen von Migration und der Situation von Flüchtlingen an den europäischen Grenzen vor allem in Spanien und der Ukraine voraus. Das Team
von Frontiers besuchte die spanische Exklave Ceuta, andalusische Städte und die ukrainisch-slowakische
Grenzregion um Uschgorod. Zahlreiche Gespräche mit Flüchtlingen, Anrainern der jeweiligen Gegenden, mit
Hilfsorganisationen, staatlichen Vertretern oder anderen Medieninitivativen bilden den Hintergrund zum Spiel.
Reale Fakten, Orte, Schicksale werden in die Spielrealität übersetzt. Ein hoch brisantes politisches Thema wird
so zur Grundlage für das relativ junge Genre des Computerspiels.
›Wir haben bewusst das Medium Computerspiel verwendet, um eine Zielgruppe zu erreichen, die sich sonst wenig mit Politik beschäftigt. Ein Computerspiel ermöglicht es wie kein anderes Medium in eine Situation einzutauchen und diese aktiv zu gestalten‹, meint Karl Zechenter, einer der Produzenten des Spiels.
Frontiers is a computer game that enables its players to experience life of both sides of the border. Race for the
Moroccan-Spanish fenceline in Ceuta and make it safely to the other side. Should you fail, you’ll find yourself
back in the saharan desert with 600 km to go until you make it back to the border.
You are a refugee or the border patrol in challenging stations of two routes to Europe: In the Algerian HoggarMountains, before the fence in Ceuta, on a Spanish beach, or in the Iraqi north, the Turkish mountain range or
the forest between Ucraine and Slovakia. You must confront a wilderness full of new unknown dangers and use
your cunning to understand the motifs of your fellow refugees and patrols who stop to interrogate you. The
game encourages unusual approaches to the situation and team-work.
gold extra (Adam Donovan, Georg Hobmeier, Sonja Prliæ, Karl Zechenter, Tobias Hammerle) is a group of artists
based in Salzburg who have been working since 1998 on the interfaces between theatre, fine arts, new media and
music. They have received numerous awards for their works, and were most recently awarded a prize by the Austrian Federal Ministry of Innovative Cultural Work.
Ægold extra
ÆAustria 2010
Æ2 projectors, 2 computers, monitor, player
176
NEOPHONIE
Tilman Küntzel
In den Fenstern der Galerie flackern 15 Leuchtstoffröhren, die in ihrem Zündvorgang verharren. Lichtsensoren
übertragen das Flackern der Röhren auf 15 Radios, die den individuellen Leuchtrhythmus aufnehmen und je einen Sender wiedergeben.
Inspiriert durch die Geräusche der Zündvorgänge von Neonröhren und nach der Natur der Technik, inszeniert
Küntzel eine ›Musik für Leuchtröhren‹, die zugleich Klang-, Licht- und Rauminstallation ist. Intermediale Bezüge zum Visuellen und Räumlichen ergeben sich von selbst, da Zündgeräusch und Lichteffekt technisch direkt
zusammenhängen, während die räumliche Anordnung teils durch die vorhandene Beleuchtungsstruktur, teils
durch hinzugefügte Gruppen bestimmt wird. Ähnlich dem Prinzip der LIGHTS & SOUNDS wird hier ein ursprünglich rein visuell ausgerichtetes Ereignis in den synästhetischen Bereich versetzt. Auch hier findet eine
Zweckentfremdung statt, nun jedoch auf anderes gerichtet: auf die Störung, auf das Stadium des Übergangs
zwischen zwei regulären Zuständen.
Rolf Großmann, 2003 (Aus: MEDIENREFLEXE. Technologie und Medienkritik in den Arbeiten Tilman Küntzels
In: Strukturgeneratoren und andere Allegorien, Saarbrücken 2003)
In the windows of the gallery, 15 fluorescent tubes that have become stuck in the lighting process are flickering. Light sensors transmit the flickering of the tubes to 15 radios that receive the individual rhythm of the light.
Each radio reproduces the rhythm from one tube.
Inspired by the sounds of the lighting processes of neon lights and the nature of technology, Küntzel stages
›Musik für Leuchtröhren‹ (music for neon lamps), which doubles up as a sound, light and room installation. Intermedia references to the visual and spatial arise automatically since lighting sounds and light effects are
technically directly connected, while spatial arrangement is partly determined by the existing lighting structure
and partly by added groups. Similar to the principle of LIGHTS & SOUNDS, an originally purely visually-based
experience is placed in the synaesthetic domain. A misuse also takes place here, albeit now geared towards
other things: to interference, to the state of the transition between two regular conditions.
Tilman Küntzel, *1959, he lives and works in Berlin. Fine Arts at Hochschule für Bildende Künste Hamburg, music science at Universität Hamburg, with Allan Kaprow at University of California, San Diego, California. Winner
of Deutscher Klangkunstpreis 2002. Professor at Universität der Künste Berlin.
ÆTilman Küntzel
ÆGermany 2010
ÆRauminstallation, 15 portable radio receivers, 90 batteries, 15 opto devices, 15 neon tubes
ÆIn der Galerie écart, Große Gildewart 23, 15.April – 11. Juni 2010
177
EXHIBITION
MASH UP AND MORE
DEFAULT TO PUBLIC – TWEETLEAK / TWEETSCREEN
Jens Wunderling
Eine Interventionen in Öffentlichen Raum der digitalen Selbstdarstellung.
Auf Aufklebern veröffentlicht Jens Wunderling in ›tweetleak‹ twitter-Nachrichten ihm unbekannter Personen.
Die Absender reagieren in der Regel sehr verstört, sobald sie realisieren, dass sie den öffentlichen Status ihrer
Mitteilungen gar nicht bedacht haben.
In seiner Installation ›tweetscreen‹ projiziert Jens Wunderling Nachrichten, die in der nahen Umgebung der
Projektion gesendet wurden. Twitter-User, deren Beiträge auf der Leinwand zu sehen sind, erhalten je eine Antwortmessage mit einem Foto der Projektion mit ihrer Nachricht.
Jens Wunderdings Projekt ›default to public‹ thematisiert die Diskrepanz zwischen der Selbstdarstellung von
Menschen im Internet und ihrem Anspruch auf Privatheit in der physischen Welt am Beispiel der Microblogging-Plattform Twitter. Diese ermöglicht UserInnen, Einträge über die eigene Person auf unterschiedliche Weise, etwa über Internet oder SMS zu veröffentlichen. Aufgrund der Grundeinstellungen von Twitter sind die meisten Einträge, oft sehr privater Natur, für UserInnen weltweit einsehbar. ›default to public‹ besteht aus einer
Reihe von Objekten und Interventionen, in der unsere physische Welt mit der Online-Welt auf unerwartete Weise verlinkt wird, um eine Bewusstwerdung der zunehmenden Selbstdarstellung zu erreichen.
Interventions in the field of digital self-exposure and physical privacy using the example of twitter
In ›default to public - tweetleak‹, Jens Wunderling publishes twitter messages written by people he doesn't
know on stickers. Most of the senders are quite distraught when they realise they've completely disregarded
the public status of their messages.
›tweetscreen‹ is a networked projection/installation in public space showing tweets which have been written
near it’s own physical location on a large projection screen. The twitter users whose tweets have been chosen
receive a reply message aling with the photo taken by a webcam.
Jens Wunderding’s ›default to public‹ explores the discrepancy between people’s modes of self-revelation online and their simultaneous desire for privacy in the real world. This project focuses on the micro-blogging site
Twitter that enables users to post entries about themselves in a variety of ways—for instance, via internet or
SMS. Due to Twitter’s basic settings and conditions of use, most of the entries—often of a very private nature—
can be viewed by users worldwide. ›default to public‹ consists of an ongoing series of objects and interventions
linking the physical world to the online sphere in unexpected, narrative ways to create awareness of this proliferating self-exposure.
Jens Wunderling, * 1979, is a media artist with a professional background in graphic design, living and working
in Berlin, Germany. Starting as a graphic designer in a design bureau mainly dealing with printed media and some
webdesign, he began studying at the university of the arts, Berlin in 2003. From 2004 until 2008 he was a student
of the digital media class of Prof. Joachim Sauter where his focus shifted towards interaction design and interactive art as well as awareness- and critical design. default to public is his graduation project.
ÆJens Wunderling
ÆGermany, 2009
Æ2 computer, 2 projectors, label printer, Internet connection, misc.
178
THE 52 CARD PSYCHO
Geoffrey Alan Rhodes
Wie in einem Patience-Spiel legt der Besucher Karten in wechselnder Zusammenstellung
auf einen Spieltisch. Je nach Mischung und der gewählten Reihenfolge erscheinen die Einzeleinstellungen der berühmten Duschszene aus Hitchcocks ›Psycho‹ auf der Leinwand und
lassen sich zu einem eigenen Video neu zusammenstellen.
Durch die Augmented Reality Technologie (AR) untersucht The 52 Card Psycho die einzigartige Architektur kinematographischer Elemente. Als animierte Bildfolge verlieren diese zwar
das Privileg der erzählenden Linearität, dabei gewinnt der User aber die Möglichkeit, Kino
als die Neu-Zusammenstellung der Einzel-Teile zu erfahren. Rhodes filmische und installative Arbeiten inspizieren die Grenzen zwischen der Illusion des Kinos und der Realität, zwischen dem Foto und dem bewegten Bild, zwischen dem Fluss der Erzählung und der solitären Dauer sowie zwischen dem Performativen und der Abstraktion.
As in a game of patience, the visitor places cards on a gambling table in alternating combinations. Depending on the composition and the selected sequence, the individual settings
of the famous shower scene from Hitchcock's ›Psycho‹ are projected onto the screen. These
can then be reassembled to make one's own video.
The 52 Card Psycho project is an exemplar of the unique architecture of cinematic pieces
mapped on to the real world, made possible by AR technology. The medium of the animated
image, in its wedding with the real world, loses the privileged linearity of the screen, and
gives the opportunity to re-perceive cinema as the juxtaposition of its parts. In feature film
work, gallery installations, and festival shorts Rhodes made work that inspects the line between the cinematic and the actual, the photo and the moving image, the narrative and the
durational, the performative and the structural
Geoffrey Alan Rhodes lives in Rochester (USA). He is a filmmaker and installation artist working in upstate New York. His work has been exhibited recently at several art institutions inside
and outside the US.
ÆGeoffrey Alan Rhodes
ÆUSA 2008
Æcomputer, camera, projector, table, cards
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EXHIBITION
MASH UP AND MORE
THE BIR(D)TH, A.K.A. DIE SCHUDAS RELOADED,
ICH LAß DIE BETTEN RUNTER
Susanne Schuda
Eine Familiensaga als ästhetisch-politische Disposition.
Die computeranimierte Soapopera ›Die Schudas‹ von Susanne Schuda zeichnet das Soziotop einer Familiensaga, die per Internethomepage durch navigierbare Zonen und im Ausstellungskontext interaktiv funktioniert.
Es sind Collagen, die Susanne Schuda in ihrem mehrteiligen Projekt ›Die Schudas‹ animiert und deren Produktion aus der Fläche gleichzeitig Schichten ihrer Existenz freilegt. Die bewusst überzeichneten Posen, die gekonnte Animation im Raum spielen unvermittelt mit Elementen des sozialen Designs der Geschichtsschreibung
unserer Medienkultur.
Defekte soziale Mechanismen und deren Rückkoppelung auf das Medium der Animation legen gesellschaftspolitische Schnittstellen offen. Auch in der sprachlichen Rhetorik und in der Aneignung und Umkehrung visueller medialer Codes spiegelt sich Susanne Schudas Talent als kritische Gesellschaftsanalytikerin wider.
Susanne Schuda schreibt ihren ProtagonistInnen eindringliche, prägnante Charaktere zu, so ist Henry Schuda
der kreative Part, während die suzidgefährdete Betti selbstzerstörerische Verhaltensmuster zeigt und gleichzeitig Warnsignale gegenüber einer vermeintlich schönen heilen Welt setzt. Wohingegen die Riedls als ihre
Nachbarn einer ungebrochenen Wirtschaftsgläubigkeit nacheifern. Die zunehmende Isolation einzelner Individuen, das soziale Disaster, Depression, Ängste, Verdrängungen, und Sex als letzte Zuflucht werden von Susanne Schuda schonungslos visuell und sprachlich miteinander verwoben. Die hybride Gestaltung der ProtagonistInnen lässt sie als MutantInnen ihrer emotionalen Ausnahmezustände erscheinen.
Angst als Vitalisierungselement, als Lebenselixier, Angst, die uns aufzufressen droht und uns gleichzeitig wie
eine Mutter nährt - mit ihren akribisch durchkomponierten Animationen wagt sich Susanne Schuda an Tabuthemen, zoomt uns in ihren interaktiven Videos heran an die Familie der Angst. Angst wird zum Thema von Aufwärmung und Verdrängung und gleichzeitig zur sportlichen Disziplin. Jenes Geschäft mit der Angst, aus dem
sich Medien, Politik und Wirtschaft bedienen, gerät hier zur Angriffsfläche.
Die Transformation von Kommunikationsgewohnheiten und die kritische Analyse unserer Existenz als MedienkonsumentInnen ist unter anderem ein diskursiver Aspekt der Medienkunst von Susanne Schuda. Die Rhetorik
in den Texten und der Bildanimationen baut auf der Vorstellung von einer Art virtueller Verschmelzung zwischen
Ich und dem Anderen bei der Produktion von digitaler Kunst auf. In ihrem Einsatz medienkünstlerischer Mittel
vermag Susanne Schuda deren Potential optimal zu nützen und der Gefahr eines entpolitisierten Kunstverständnisses entgegen zu wirken.
Ursula Maria Probst, 2008
A family saga as an aesthetic/political disposition.
The computer-animated soap opera ›Die Schudas‹ by Susanne Schuda portrays the sociotope of a family saga
that functions interactively via the internet homepage using navigable zones and in the context of the exhibition. They are collages that Susanne Schuda animated in her multi-part project ›Die Schudas‹, the production
of which simultaneously reveals layers of their existence from the surface. The intentionally over-the-top poses, the skilful animation in the space play unexpectedly with elements of the social design of our media culture's historiography.
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Defective social mechanisms and their feedback to the medium of animation disclose socio-political interfaces. Susanne Schuda's talent as a critical societal analyst is also reflected in the linguistic rhetoric and in the
acquisition and reversal of visual media codes.
Susanne Schuda ascribes striking, succinct characters to her protagonists. Thus Henry Schuda is the creative
part, while suicidal Betti demonstrates self-destructive patterns of behaviour and simultaneously sends warning signals to a supposedly beautiful, unspoilt world. Whereas their neighbours, the Riedls, emulate unfailing
faith in the economy. The increasing isolation of individuals, the social disaster, depression, anxieties, repressions, and sex as the last refuge are visually and linguistically interwoven by Susanne Schuda with ruthlessness. The protagonists' hybrid form makes them appear as mutants of their emotional states of emergency.
Fear as an element of vitalisation, as the elixir of life, fear that threatens to consume us and that simultaneously feeds us like a mother - with her meticulously composed animations, Susanne Schuda dares to approach
taboo subjects, zooming us in to the family of fear in her interactive videos. Fear becomes the subject of warming-up and repression, and a sports discipline at the same time. The business in fear, of which the media, politics and the economy avail themselves, becomes vulnerable to attack here.
Amongst other things, the transformation of communication habits and the critical analysis of our existence as
media consumers is a discursive aspect of Susanne Schuda's Media Art. The rhetoric contained in the texts and
graphic animations is built on the idea of a kind of virtual blending of me and the others in the production of
digital art. In her use of the methods of Media Art, Susanne Schuda is able to make optimum use of their potential and to counteract the danger of a depoliticised appreciation of art.
Ursula Maria Probst, 2008
Susanne Schuda, *1970, degree in Digital Art , University for Applied Arts, Vienna with Peter Weibel, Valie Export,
Karel Dudesek; works in the field of video, web und digital photomontage, art in public space, installation; public
art together with Florian Schmeiser
Selected Exhibitions: 2009: Gallery Dana Charkasi; Vienna, Red Gate Residency, Beijjng; medianoche, New York;
Studio der Neuen Galerie Graz; 2008 Passagegalerie, Vienna 2007 Gallery Dana Charkasi, Vienna; Galerie link, Edinburgh; Dana Center, London; 2006: ›Preview‹ Berlin; 2005: ega-lounge, Vienna chudas‹,
ÆCollage, Animation, 3D, projector, computer
ÆAustria 2007-2008
ÆText und Regie: Susanne Schuda
ÆMusik: Florian Schmeiser
ÆProgrammierung: Christoph Fuchs
ÆTextdramaturgie und Lektorat: Nehle Dick
ÆSprecher: Christian Rainer
ÆSprecherin: Monika Maria Pawel
ÆDas Projekt wurde unterstützt von: Medienbeirat des BMUKK und Netzkultur MA-7, Wien
181
EXHIBITION
MASH UP AND MORE
WIE ICH LERNTE, DEN GROSSEN AUGENBLICK DER ERKENNTNIS DURCH
EIN SCHLICHTES ›ACH SO!‹ AUFZUWERTEN (HOW I LEARNED TO
ENHANCE THE BIG MOMENT OF REALISATION BY A SIMPLE ›OH, I SEE!‹)
David Sarno & Tobias Hermann
Die Echtzeit-Inszenierung von Kamera, Monitor und Mensch lässt den Betrachter zum unwissentlichen Protagonisten im eigenen Erkenntnisprozess um Abbildhaftigkeit und Präsenz werden. Während der Betrachter versucht, von der unmittelbar vor ihm platzierten Kamera wahrgenommen zu werden, bleibt sein Abbild konsequent unsichtbar. Es entsteht eine Brechung der Kontinuität, der Erfahrung, die sagt, wo eine Kamera und ein
Bildschirm steht, sei ein Abbild gegeben. Dabei geht es um mehr als um die Melancholie des durch Technik und
Virtualität entfremdeten Menschen, immerhin sind die Abbilder bestimmter Personen zu erkennen.
Die Aufteilung der einzelnen Betrachter, also eine Regulierung von Raum und Zeit der Identitäten ordnet, wer
Teil hat an bestimmten gesellschaftlichen Prozessen. Es ist eine spezifische, ausgrenzende und ausschließende Konstellation, wer inszeniert und wer inszeniert wird. Alles spricht für einen undurchdringlichen technischen Aufwand mit Bewegungsmeldern, Bildgenerierung, Renderingprozessen und dem unwiderruflichen
Glauben an die Unfehlbarkeit der Technik. Aber wenn genau das die Konspiration ist, derer sich endlich alle bewusst werden, entsteht durch den Einblick in die Inszenierung ein Verständnis von Manipulierbarkeit.
Jos Diegel
The real-time setting of the camera, monitor and people makes the observer, unbeknown to him, the protagonist in his own cognitive process regarding illustratability and presence. While the observer attempts to be perceived by the camera placed directly in front of him, his image remains consistently invisible. A break in continuity occurs, in the experience that says that where there is a camera and a screen, there should be an image.
But it is about more than just the melancholy of human beings alienated by technology and virtuality. After all,
the images of certain people are recognisable.
The fragmentation of the individual observer, i.e. a regulation of the space and time of identities, decides who
participates in certain social processes. It is a specific, ostracising and excluding constellation of who is stagesetting and who is being stage-set. All this points to an impenetrable technical expenditure with motion detectors, image generation, rendering processes and the irrevocable belief in the infallibility of technology. But
if that is precisely what the conspiracy is, which we all ultimately become aware of, an understanding of susceptibility to manipulation arises due to the insight into the stage-setting.
Jos Diegel
Tobias Hermann was born in 1979 in Frankfurt am Main. He lives and studies electronic arts at the academy of
fine arts and design (Hochschule für Gestaltung Offenbach am Main).
David Sarno was born in 1982 in Offenbach am Main, where he studies film and audiovisuell arts at the academy of fine arts and design (Hochschule für Gestaltung Offenbach am Main).
ÆDavid Sarno & Tobias Hermann
ÆEine performative Installation oder installative Performance
ÆGermany, 2009
Æmonitor, camera, computer, light beam
182
ORNAMENT
Anna Sokolova
Anna Sokolova bezieht sich mit ihrer Videoskulptur
›Ornament‹ auf den Ausstellungsraum ›Dominikanerkirche‹. Im ehemaligen Chor der Kunsthalle steht ihre
Videostele aus 16 Monitoren, deren Linienmuster die
Rhythmik und das Aufwärtsstreben der Kirchenarchitektur aufnehmen und kongenial in Bewegung umsetzen. Im Alten Reich der Ägypter wurden Obelisken als
Darstellung der Strahlen der Sonne aufgestellt, die
wiederum die Verbindung zwischen dem Sonnengott
Re und dem irdischen Herrscher symbolisierten. Die
Platzierung der lichtausstrahlenden Skulptur im Altarraum der ehemaligen Kirche greift diesen Bezug
auf. Gleichzeitig gibt die Verspieltheit der Balkenstruktur ihrer Bilder auch Hinweise auf die Eigendynamik und auf mögliche Richtungswechsel der Prozesse
zwischen unten und oben, zwischen den konkreten
und den abstrakten Dingen sowie zwischen der physischen und der metaphysischen Sphäre.
In her video sculpture ›Ornament‹, Anna Sokolova
refers to the ›Dominican Church‹ exhibition space. Her
video column, consisting of 16 monitors with linear
patterns that absorb the rhythm and upward trend of
the church's architecture, and congenially transform
them into motion, is located in the former chancel of
the Kunsthalle. In the empire of Ancient Egypt,
obelisks were erected to portray the sun's rays which,
in turn, symbolised the connection between the sungod Re and the terrestrial ruler. By placing the lightemitting sculpture in the chancel of the former
church, the artist takes up this reference. At the same
time, the playfulness of the bar-like structure of her
images also allude to momentum and to the potential
shifts in direction of processes between above and
below, between the physical and the metaphysical
sphere.
Anna Sokolova, *1975 in Minsk (Belarus). 2002 residency at art site Boswil. Studies at Le Fresnoy, Tourcoing, France, Düsseldorf und Cologne. She lives in Düsseldorf, Germany.
ÆAnna Sokolova
ÆGermany 2010
Æ16 monitors, 2 players, steel construction
183
EXHIBITION
MASH UP AND MORE
WARDEN SPRITES
Jan Peter Sonntag
Jan Peter Sonntag erinnert in seiner Arbeit ›Warden Sprites‹ an einen Mythos der kanadischen Ureinwohner. Die
Inuit sagen von sich, dass sie das Polarlicht (Aurora borealis) hören können, wenn die Geister der Ahnen mit den
Menschen Kontakt aufnehmen. In einem sonst leeren Raum gibt Sonntag einen kleinen textlichen Hinweis auf
diese Fähigkeit und sendet einen Audiostrahl in die Kuppel der Kirche, dessen Reflexion das sphärische
Knacken des Sonnenwindes hörbar macht.
Der Titel der Installation bezieht sich auf die Erfindungen Nikola Teslas, auf Experimente Selim Lemströms mit
Nordlicht in den Bergen Finnlands 1882-1884 sowie auf aktuelle Forschungen der NASA und der ESA zu ›Sprites‹ (dt. Geister oder Kobolde). Dabei handelt es sich um Blitze, so genannte Transient Luminous Events, die
über den Wolken zwischen der Tropo- und der Ionosphäre in 50 bis 100 km Höhe entstehen und elektromagnetische Impulsfelder - Extremely Low Frequency (ELF) Wellen - erzeugen, die sich im Radio als Knistern und Rauschen bemerkbar machen.
2012 erwarten Wissenschaftler den nächsten großen Sonnensturm - einen ›elektromagnetischen Tsunami‹, wie
im September 1859 als auf der ganzen Welt Nordlichter zu sehen waren und die damals brandneue Komunikationstechnologie der elektrischen Telegrafie von ›natürlichem Radio‹ gestört wurde noch bevor das Gerät des
›Radios‹ erfunden war.
Die akustischen Gestalten von ›sferics‹ – atmosphärischen langwelligen Radiosignalen sind ›Pfeifer‹ und
›Knackser‹. Sie sind im sichtbaren Bereich des elektromagnetischen Spektrums Nordlichter oder Sprites und
Jets, die erst 1989 erstmalig mit hochsensiblen und ultraschnellen Spezialkameras gesichtet worden sind.
›Pfeifer‹ und ›Knackser‹ - so beschreiben auch die Inuit die Stimmen der Geister, die die geisthaften Nordlichter begleiten. Man muß ihnen antworten.
Der Antropologe E.W. Hawkes schreibt über die himmlischen Regionen der ›Labrador Eskimos‹ 1916: ›The sky is
a great dome of hard material arched over the earth. There is a hole in it through which the spirits pass to the
true heavens. (…) This is the light of the aurora. (…) The whistling crackling noise which sometimes accompanies the aurora is the voices of these spirits trying to communicate with the people of the earth.‹
184
In his work ›Warden Sprites‹, Jan Peter Sonntag recalls a myth passed down by First Nation peoples. The Inuit
claim to be able to hear the northern lights (aurora borealis) when the ancestral spirits establish contact with
humans. In an otherwise empty room, Sonntag gives a brief textual reference to this faculty, and emits an audiobeam that makes the spherical crackling of the solar wind audible.
Based on inventions and ideas of Nicola Tesla, explorations of Selim Lemström in the late 1880th and the current NASA and ESA research on SPRITES (= transit luminous events between the tropo- and ionosphere) and
their radial echo in natural electromagnetic Extremely Low Frequency (ELF) waves, Sonntag transforms atmospheric plasma live stream data from the ESA labs into ultrasonic modulated air and high frequency electrical fields in the space which makes fluorescent tubes glow: Tesla Light.
In 2012 NASA scientists expect the next solar super storm, an ›electromagnetic tsunami‹, like in September
1859 when auroras could be seen all over the world and the new technology of electric telegraphy was disturbed by natural radio before our radio had been invented.
The received natural ELF-waves will be pitched into the ultraviolet part of the electromagnetic spectrum and
transformed into ultrasonic wave which will be projected to a wall inside the black cube / reception space
where they reflected as hearable soundfigures - ›whistlers‹ and ›cracklers‹ - sferics and and red luminous
flashes. Sferics are the radiosignals from northern lights, too. The inuits can hear the aurora borealis what also
Alexander von Humboldt in the 18th century still mentioned.
›The sky is a great dome of hard material arched over the earth. There is a hole in it through which the spirits
pass to the true heavens. (...) This is the light of the aurora. (...) The whistling crackling noise which sometimes
accompanies the aurora is the voices of these spirits trying to communicate with the people of the earth.‹ - the
anthropologist E. W. Hawkes reported about the ›heavenly regions‹ of the Inuits in his book ›The Labrador Eskimo‹ from 1916.
Jan-P
Peter Sonntag, *1965, lives in Berlin Jan-Peter E.R. He is an artist focusing mainly on media art-based installations. He studied fine arts, art history, music theory, composition, philosophy and cognitive science and, in
2002, founded N-solab. He is a cofounder of hARTware-projects / HMKV, oh Ton, unerhört and the sound-art-edition HORCH. He had several grants and participations in international exhibition. In 2008 he was awarded the
›German Sound Art Prize‹, the ›Cynet Art Award‹, for a mobile architecture ›ohrenstrand mobil‹ and he opened
the Ars Electronica in Linz with his sonArc::project – which ended in a book and DVD about the essence of electricity and modelating high voltage plasma in 2009.
2010 works will be shown among others at the International Biennale for Lightart in 2010 inside RUHR 2010,
Aram Art Gallery der Gioyng Cultural Foundation in Seoul, Center for Contemporary Art in Torun and at the Laboral Centro de Arte y Creatión Industrial in Gijon
ÆJan Peter Sonntag
ÆGermany 2009/2010
Æsound beam, pedestal, print
185
EXHIBITION
MASH UP AND MORE
PROXIMITY (BUBBLE VERSION)
Caspar Stracke
Der Zuschauer ist konfrontiert mit 50 hell erleuchteten Gebilden, die, dreidimensional wahrgenommen, im virtuellen Raum der Installation schwimmen. Ähnlich wie die Blasen einer
Lavalampe verbinden sich die Lichthöfe dieser Leuchtblasen im Moment der größten
Lichtintensität miteinander. Wie Luftblasen, sind sie ständig in einer leichten Bewegung und
verändern ihre Form.
Nur nah an der Grenze der Wahrnehmbarkeit zeigen diese 50 Farb›kissen‹ auf ihrer Matrix
einer 5 x 10 Pixel-Auflösung bewegte Bilder. Bewegungen und die Luminanzänderungen der
Farben verbleiben die einzigen Hinweise für die Orientierung. Gleichwohl ergibt sich ein
zweites Erkennen durch die dreidimensionale Konstellation der Farbsphären. Durch ihren
Schattenwurf lösen sich Umrisse von Objekten (so zum Beispiel eine Nahaufnahme eines
Gesichts) von ihrem Hintergrund und verlassen die Leinwand Richtung Raum; indessen
springen die Pixel des verbleibenden Hintergrunds nach innen. Es ergibt sich eine Ansammlung von fluktuierenden Lichtern in Gestalt eines großen sich bewegenden Flachreliefs.
Während das bewegte semi-abstrakte Bild nur einen kleinen Hinweis auf das im Video Gezeigte gibt, liefert der Soundtrack den Originalton der acht Ausschnitte aus Kinofilmen, in
denen die Hauptfigur entweder gerade das Augenlicht wiedergewinnt oder unter Hypnose
eine Vision beschreibt. Der Zuschauer ist geneigt, in diesem synthetischen Surrogat die fehlenden Teile durch eigene Bild-Erinnerungen und Filmklischees zu ersetzen, die durch den
Ton evoziert werden.
Der etwas lästige Gebrauch von 3D-Brillen erzeugt eine gewisse Ironie im Kontext der Erzählung. Obwohl man das Bild mit den Brillen dreidimensional sieht, bleibt es verschwommen und abstrahiert, während man Augenärzte hört, die über das Wesentliche des Sehens
sprechen.
Eine frühere Version dieser Arbeit entstand speziell für das ehemalige THE THING Büro in
Chelsea, New York, wo es auf die 80 Scheiben eines großen Fabrikfensters projiziert wurde.
The viewer is confronted with a wall of 50 bright illuminated spheres, floating in a virtual
space. They can be perceived three-dimensionally. In moments of emitting maximum brightness, the halo of these light sources create visual connections between the spheres similar
to bonding oil bubbles in lava-lamps. All of them are in minimal movement like air bubbles,
slightly changing shape.
Together these 50 spheres display a set of moving images in a crude 5 x 10 pixel resolution,
remaining on the threshold of recognizability. Movements and luminance/color changes are
the primary means of perception. Nonetheless, the three-dimensional constellation of the
spheres provides a second layer of cognition - Those spheres, showing shadows, and outlines of objects (i.e. a close up of a human face) are extracted from the background and protruding outwards of the screen whereas the spheres displaying the remaining parts of the
background jump inwards. A cluster of fluctuating lights in shape of a giant moving bas-relief.
186
AN-ARCHIC DEVICE
Tobias Rosenberger
The semi-abstract moving image itself offers
only a small clue what it might display in the
source video, but the sequences are accompanied by a soundtrack, playing the original
sound from eight excerpts of narrative films
in which the protagonist either re-gains eyesight or is being hypnotized and described a
vision. From this synesthetic surrogate, the
viewer is prompted to fill in the missing
parts, drawing from his/her own visual memories as well as clichées that the movie
soundtrack brings along.
The cumbersome use of polarized 3d glasses
posses a certain irony in the context of the
narrative, as the image - even watched with
glasses in full 3D - remains blurred and
semi-abstract, while one is listening to eye
doctors describing the quintessence of human seeing.
An earlier version of this work was created
site-specifically for the former THE THING
office in Chelsea, New York, projected on 80
window panes of a giant factory window.
Caspar Stracke, * 1967, lives and works in
New York and Berlin. His works deal with architecture and sociology. Their aesthetic origin lies in experimental film. In his current
videos and installations, he creates temporal
and spatial connections between thematically related places and events.
Mediale Skulptur nach einem Text von Antonin Artaud.
The An-Archic Device ist irgendetwas zwischen Schaukasten,
Kasperletheater und Strassenaltar: Modellhafte Bühne im Miniaturmassstab, blinkender Automat, audiovisuelle Lach-Maschine, die physikalische und anarchische Dissoziation erzeugt.
Ausgehend von Antonin Artauds Theatermanifest ›Die Eroberung von Mexiko‹, wird Mexiko zum Projektionsort und Raum
des Anderen. ›Denn das Prinzip ist, gleichsam wie auf Notenpapier zu einer Notation oder Chiffrierung dessen zu gelangen,
was nicht mit Worten zu beschreiben ist.‹ (Antonin Artaud). Eine
Münze startet den Apparat.
The An-Archic Device is something between toy theatre, street
altar and peepshow: a small-scale stage model, a blinking automata, an audio-visual machine, that produces physical and
anarchic dissociation by means of laughter. Based on Antonin
Artauds theater manifesto ›The Conquest of Mexico‹, The AnArchic Device deals with Mexico as a space of otherness and as
a subjective heterotopia. Following Artaud, Mexico becomes the
playground for an examination of danger and fear along the site,
where each subject is set back to its self in its relation to the
world. A coin starts the device.
ÆTobias Rosenberger
ÆMexico/Germany 2009
Æwood, plasticine, computer, 12Volt-Motor, TFT-screen,
Pal + Stereo, 8min + 6min27
ÆCaspar Stracke
ÆUSA 2010
Æ2 projectors, 2 synch. players, screen,
pol-filters, 3D-glasses
187
EXHIBITION
MASH UP AND MORE
THE GRAND DEFENDER
Tobias Rosenberger
Man könnte Tobias Rosenbergers jüngstes Projekt, The Grand Defender, glatt für bare Münze nehmen und meinen, man betrete den Informationsstand einer Beratungsfirma. Die geradlinige Gestaltung in neutralem Weiß,
die seriöse Videopräsentation, die zwölf Figuren, die in einer vertikal verlaufenden Vitrine in gleichmäßigem Abstand aufgereiht sind und das an der vorderen Ecke aufgebaute Architekturmodell verraten auf den ersten Blick
nicht, dass es sich um die mediale Aufbereitung von zweieinhalb tausend Jahre alten Ideen des chinesischen
Philosophen, Ingenieurs und Militärberaters Mozi handelt. Erst beim Nähertreten entdeckt der Betrachter, dass
die Figuren Verteidigungsstrategien, wie beispielsweise Fluten oder Unterminieren sowie militärische Ausrüstung wie Leitern, Haken, Rammbock und Panzerwagen darstellen, die am Computer modelliert und mit Hilfe
von 3D-Druckern realisiert wurden. Und erst nachdem man den Ausführungen des leicht borniert wirkenden
Sprechers eine Zeit lang zugehört hat, stellt man fest, dass hier von Maßnahmen die Rede ist, die nicht auf dem
technologischen Stand der Zeit sind.
Die Beraterbranche, deren Praxis bei der Konzeption von The Grand Defender die Folie bildet, hatte vor wenigen Jahrzehnten noch bei weitem nicht die Bedeutung, wie dies heute der Fall ist. Externe Beratungsfirmen beschäftigen weltweit Heerscharen von Experten, die ihr Wissen und Können daran setzen, ihrer Klientel zu mehr
Effizienz und Produktivität zu verhelfen.
Welches Bild ergibt sich aber, wenn man die Beratertätigkeit aus ihrem Kontext herauslöst und so ihren konkreten Zweck vorübergehend suspendiert? The Grand Defender platziert sich in einem historisch-politischen
Zwischenraum, der sich durch diesen Vorgang der De-Kontextualisierung ausbreitet. Durch das neue Zusammensetzen an passenden Anknüpfungspunkten entsteht ein Epochen und Kulturen übergreifendes Modell. Die
›Military Chapters‹ von Mozi, die Inspiration für The Grand Defender und Grundlage für die Textgestaltung waren, sind frühe Zeugnisse der chinesischen Kultur für die Entwicklung einer Staatsräson, die den heutigen Problemen moderner westlicher Staaten sowohl in politischer wie in wirtschaftlicher Hinsicht ähnlich ist. Allerdings schafft die Differenz durch das Spiel mit verschiedenen Kontexten die Möglichkeit, die Prinzipien dieses
Gedankengebäudes wieder wahrnehmbar zu machen, die im Verlauf der historischen Entwicklung zum festen
Inventar des kollektiven Bewusstseins geworden sind.
Die Mittel, die Meister Mo den ratsuchenden Herrschern zur Verfügung stellt, sind in erster Linie politischer und
militärischer Natur: ein gut funktionierender Verwaltungsapparat und effektive Verteidigungsstrategien bilden
die Eckpfeiler. So ergeben sich die Nahtstellen, an denen man die mohistische Lehre der Zeit der Streitenden
Reiche (481-221 v. Chr.) mit der Unternehmensphilosophie von Beratungsfirmen der Gegenwart bündig zusammenbringen kann. Das erklärte Ziel der mohistischen Schule ist es, Städten und Kommunen Sicherheit zu gewährleisten, damit sie zu florierenden Zentren des Volkes werden können. Da eine militärische Auseinandersetzung immer die Mobilisierung aller Kräfte erfordert und der Nutzen selten in einem Verhältnis zu den Kosten
steht, riet Mozi von einem Angriffskrieg generell ab. In einer Anekdote über Mozis Wirken als Berater wird erzählt, wie er den Fürsten von Chu davon überzeugte, von seiner geplanten Eroberung der kleinen und schwachen Stadt Song abzusehen. Da der Chu-Fürst erstens weder wirtschaftlichen noch politischen Nutzen daraus
ziehen würde, und zweitens vom militärisch-strategischen Standpunkt überhaupt nicht in der Lage sei, die
Stadt einzunehmen, unterlies er den Feldzug. Allerdings erst, nachdem Mozi ihm demonstrierte, dass der Fürst
die mohistische Verteidigung nicht werde überwinden können.
188
Die Verteidigungsstrategien des Grand Defenders entfalten so bereits im diplomatischen Machtspiel ihre Wirkung, gerade weil es bei einer symbolischen Demonstration der Möglichkeiten bleibt, die der scheinbar
Schwächere zur Verteidigung hätte aufwenden können. Die Geschichte der strategischen Absicherung wäre
ohne geeignete Begrifflichkeiten sowie ohne geeignetes Anschauungsmaterial undenkbar. Das Modell, die Skizze, die schematische Darstellung, die sich an den Gegebenheiten der Wirklichkeit entzündet, nimmt wiederum Einfluss auf die Wirklichkeit und kann Teil eines Plans werden, indem Möglichkeiten, Vorstellungen, oder
auch reine Phantasien suggeriert werden, die schon manch einen zur Einsicht gebracht haben, denn das dem
Bewusstsein dargebotene sinnliche Anschauungsmaterial überdeckt zumindest für den Moment die vielen Gesichter der Angst.
Durch das besondere Interesse an der modellhaften Darstellung, wie sie zentraler Bestandteil der mohistischen Verteidigungslehren und der Arbeit von Beratern des 21. Jahrhunderts ist, eröffnet Tobias Rosenberger
mit seiner Installation ›The Grand Defender‹ den Blick auf eine frühe Entwicklungsstufe im Zivilisationsprozess, gekoppelt an gegenwärtige Praktiken. Der Kunstgriff, dass sich die Schnittmengen scheinbar wie von
selbst ergeben, verdeckt gleichzeitig einen langen Zeitraum unterschiedlichster Entwicklungen und werfen
beim Betrachter Fragen über den Menschen des 21. Jahrhunderts auf, der sich technologisch längst selbst
überholt hat, während er im Grunde noch von denselben Wünschen, Sorgen und Ängsten getrieben wird. Der gemeinsame Nenner der so unterschiedlichen Kulturen und der weit auseinanderliegenden Epochen kann nur der
Mensch sein, denn, wie André Gide einmal für sich entschied: egal welche Frage die Sphinx vor den Stadttoren
ihm gestellt hätte: ›Ich hätte immer gesagt der Mensch. Denn es ist doch der Mensch, um den sich alle Rätsel
ranken.‹
Dominik Meier
Tobias Rosenberger's latest project, The Grand Defender, could be taken at face value; you might think you were
approaching the information booth of a consulting agency. At first glance, the no-nonsense design in neutral
white, the respectable video presentation, the twelve figures lined up, equally spaced, in a vertical showcase
and the architectural model set up in the front corner do not betray the fact that this installation is the media
processing of the two and a half thousand-year-old ideas of the Chinese philosopher, engineer and military advisor Mozi. It is only when viewers come closer to the installation that they discover the figures portray defence
strategies, such as flooding or undermining, and military equipment comprising ladders, hooks, battering rams
and armoured vehicles that have been modelled on the computer and realised using 3D printers. And you only
come to realise that the measures described are not the state of the art after listening to the statement of the
seemingly somewhat narrow-minded speaker for a while.
The consultancy industry, upon whose practices The Grand Defender was conceived, was by far not as influential a few decades ago as it is today. External consulting agencies around the world employ hosts of experts
whose knowledge and skills are used to help make their clients become more efficient and productive.
But what picture evolves if consultancy is taken out of context, temporarily suspending its specific purpose?
The Grand Defender positions itself in a historical/political space that expands, thanks to this process of decontextualisation. By restructuring at suitable points of contact, a model evolves spanning epochs and cultures. The ›Military Chapters‹ by Mozi, which inspired The Grand Defender and were used as the basis for the
text design, are early evidence in Chinese culture of the development of a reason of state resembling today's
problems of modern western states from both a political and an economic perspective. Nonetheless, the difference arising by playing with various contexts enables the principles of this construct of ideas to become perceptible again which, in the course of historical development, has become a permanent fixture of the collective
conscience.
The means Master Mo provides to rulers seeking advice are primarily of a political and military nature: successfully functioning administrative machinery and effective defence strategies are the cornerstones. This
leads to interfaces where Mohist teaching from the Warring States period (481-221 BC) can be lined up with the
corporate philosophy of modern-day consulting agencies. The declared objective of the Mohist School is to ensure cities and municipalities have the security to enable them to evolve into flourishing centres of the people.
189
EXHIBITION
MASH UP AND MORE
Since military disputes always require the mobilisation of all forces and since the benefit is rarely proportional to the costs involved, Mozi generally advised against wars of aggression. In an anecdote on Mozi's work as
an advisor, it is told how he convinced the ruler of Chu not to carry out his plan to attack the small, weak town
Song. Since the Chu ruler would not have gained any economic or political benefit from it and would have been
unable to capture the city from a military/strategic point of view, he abandoned the campaign. He was only willing to abandon it, however, after Mozi had shown the ruler his inability to break through the Mohist defence.
The defence strategies of the Grand Defender therefore develop their impact in the diplomatic power game precisely because it stops at a symbolic demonstration of the possibilities the apparently weaker side could have
employed for its defence. The story of the strategic protection would be inconceivable without suitable terms
and illustrative material. The model, the sketch, the diagram kindled from the circumstances of reality in turn
influence reality and can become part of the plan by suggesting possibilities, concepts or even pure fantasies
that have already made many an aggressor see reason, because the sensual illustrative material offered to the
conscience covers the many faces of fear, at least for the moment.
Due to the special interest in model representation, a central component of Mohist defence teachings and the
work of 21st century advisors, Tobias Rosenberger's installation ›The Grand Defender‹ allows observers to view
an early stage of development in the process of civilisation, coupled with present-day practices. The trick of the
interfaces appearing to arise automatically simultaneously conceal a long period of highly varied developments, leading observers to ask questions about 21st century humans, who have long since excelled themselves technologically, while still basically being driven by the same desires, worries and anxieties. The common denominator between the completely different cultures and the historically distant epochs can only be
humans because, as André Gide once decided for his part: regardless which question the Sphinx would have
put to him in front of the city gates: ›I would always have said humans. Because all mysteries surround humans.‹
Dominik Meier
Tobias Rosenberger, *1980, lives in Frankfurt / Main. Tobias Rosenberger studied ›Applied Theatre Studies‹ in
Giessen / Germany. 2008-2009: European Mobile Lab for Interactive Media Artists In 2007 he teached at Harvestworks Digital Arts Centre, New York. Various performances (i.e. Schauspiel Frankfurt). Installations for the
German and French Embassies, Sana'a / Yemen, Goethe Institut, Barcelona, Luminale Frankfurt. Artist in residence in Lyon (Goethe Institut), Schöppingen, Mexico-City (Mexico-scholarship at Centro Multimedia del Centro
Nacional de las Artes, Werkleitz Center for Media Art, Goethe Institut) and Esslingen as well as at Okuparte
(Huesca, Spain)
ÆTobias Rosenberger
ÆGermany 2010
Æmonitor, player, sound equipment, ply-wood, plasticine, light
190
TWO DOGS WATCHING
William Wegman
Bekannt und gefeiert wird William Wegman für Video- und Fotoarbeiten
mit seinen Hunden und deren tierischen Freunden. Humorvoll und mit
zurückhaltender Ironie blickt er auf diese Weise auf die Unstimmigkeiten
des menschlichen Alltags. In ›Two Dogs Watching‹ verfolgen Wegmans
Weimaraner ›Man Ray‹ und dessen Freund perfekt synchron die Bewegungen eines Objektes hinter der Kamera.
William Wegman is renowned and acclaimed for videos and photographic works with his dogs and their animal friends. With humour and reserved irony, he uses this method to look at friction in everyday human
life. In ›Two Dogs Watching‹, Wegman's Weimaraner ›Man Ray‹ and its
friend follow the movements of an object behind the camera in perfect
synchrony.
William Wegman: * 1943. B.F.A., Massachusetts College of Art, Boston,
M.F.A., University of Illinois, Champaign Urbana. Photographs, drawings,
paintings and videos. Numerous retrospectives, among them Wegman's
World at Walker Art Center in Minneapolis, Minnesota in 1981 and toured
the United States. William Wegman: Paintings, Drawings, Photographs,
Videotapes at the Kunstmuseum in Lucerne in 1990 and travelled to venues across Europe and the United States including the Pompidou Center in
Paris and The Whitney Museum of American Art in New York. More recent
exhibitions have been mounted in Sweden, Japan, Korea, and Spain. Funney/Strange opened at the Brooklyn Museum of Art in 2006.
In permanent collections: Hammer Museum, Los Angeles; Los Angeles
County Museum; the Montgomery Museum of Fine Arts; and the Smithsonian American Art Museum in Washington, D.C.
ÆIn der neuen EMAF-ArtBox in der Stadtgalerie am Rathausmarkt
ÆWilliam Wegman
ÆUSA 1975
ÆDVD, Loop
ÆCourtesy: Electronic Arts Intermix (EAI), New York
ÆIm Rahmen des Ausstellungsprojektes ›Der Hund ist auch
nur ein Mensch‹
191
CONGRESS
CREATIVE COMMENTS
Alfred Rotert
Im Projekt mediaartbase.de setzen wir die Vortragsreihe ›From Archive to Living Database‹ fort. Darüber hinaus werden im Kongress aktuelle Themen und Projekte zu ›Mash Up‹ vorgestellt. Insbesondere im Hinblick auf die Diskussionen zu Creative Commons, YouTube und Onlinearchiven und die Praxis, diese als Quelle für Remixes und Mash Ups zu nutzen.
Namhafte Referenten stellen aktuelle Themen und Projekte zum Festivalthema ›Mash Up‹ vor. Das
Spektrum reicht von ironischen Remixen im Internet, über Online-Games, bis zu historischen Betrachtungen der Collage.
Ein absolutes Highlight: der finnische Medienexperte Lasse Rintakumpu präsentiert unter ›The Mash
Up phenomenon‹ Beispiele zu dem deutschen Erfolgsfilm ›Der Untergang / The Downfall‹. Kaum zu
glauben, aber diese Versionen sind ein internationales Phänomen. Der Vortrag zeigt eine Auswahl der
zahlreichen Versionen, die bereits mehrere hunderttausend Male downgeloaded wurden. Hier wird
ironisch mit Bildern über die deutsche Geschichte umgegangen und laufend neue aktuelle Bezüge
hergestellt. Darf man das? Diese Frage stellt sich dem verwunderten Zuschauer.
In ›Guitar Heroes und misherad lyrics‹ werden ausgesuchte Mash Ups der YouTube Sammlung des Jugendkulturarchivs Frankfurt präsentiert. Prof. Birgit Richard zeigt ausgewählte Beispiele aus der Musikkultur.
Unter dem Titel ›WJ-S‹ zeigt die französische Künstlerin Anne Roquigny die Arbeit des Remixen von
Sounds, Bildern und Texten aus dem Internet, wie es DJ's und VJ's täglich zelebrieren. Ihr neues Buch
WJ-Spots #1 ›15 years of artistic creation on the internet‹ steht dabei im Mittelpunkt.
Der Vortrag von Dr. Karin Orchard beschäftigt sich mit Kurt Schwitters. Sein Schaffen beeinflusste die
nachfolgende Kunst und Literatur von Pop Art, Neo-Dada, Nouveau Realisme, Lautpoesie, Fluxus bis
hin zur heutigen jungen Kunst. ›Merz bedeutet Beziehungen schaffen, am liebsten zwischen allen
Dingen der Welt.‹ (Kurt Schwitters)
In ›Nova-Kino: The History of Cinematic Agit-Prop‹ zeigt Mark Boswell (USA) die Entwicklung von der
historischen Filmavantgarde bis zum heutigen Mash Up auf und bezieht sich dabei auf Duchamp's
Ready- Mades, Vertov's Agit-Prop und Eisenstein's Montage Theorie.
In zunehmendem Maße findet eine Vermischung von Medienformaten statt und die Abgrenzungen
zwischen Film, Games und Onlineangeboten verändern sich ständig. Michael T. Bhatty wird in seinem
Vortrag ›Movie meets game‹ auf die Parallelen der Erzählformen in Film und Computerspielen eingehen.
Mit ›Frontiers‹, ein Computerspiel, das an die Grenzen Europas führt, vorgestellt von Sonia Prlic und
dem Gold Extra Team, präsentieren wir dazu auch ein Online Game aus der Kategorie Serious Games,
das sich einer aktuellen Problematik widmet. ›Frontiers‹ führt seine Spieler an die Grenzen Europas.
Jürgen Keiper von der Stiftung Deutsche Kinemathek wird unter ›Netzkonzepte der Zukunft‹ einige
zentrale Linien der aktuellen Netzentwicklung aufzeigen und dabei auf Creative Commons, Mash Ups
und das Netz als Archiv eingehen.
Unter die ›Die Fähigkeit Zu Hören‹ präsentiert Malte Scholz einen Performancevortrag, der sich auf
seine Arbeit in der Ausstellung bezieht. ›Do It, but do it again! - Künstlerstrategien für das Web 2.0‹,
unter diesem Titel wird der Medienkünstler Matthias Fritsch Arbeiten vorstellen, die sich mit dem
künstlerischen Potential im Web 2.0 befassen.
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In the mediaartbase.de project, we continue the series of lectures entitled ›From Archive to Living
Database‹. Furtheron current themes and projects involving ›Mash Up‹ are introduced in the congress,
in particular with regard to the debate about creative commons, YouTube and online archives, and the
practice of using them as a source for remixes and Mash Ups.
Well-known speakers will introduce current projects on the festival’s theme ›Mash Up‹. The spectrum
range from ironic Remixes in the Net and Online-Games to the historical examination of Collages.
One absolute highlight is the presentation of Mash Ups on one of the greatest German films of all
time. It’s hard to believe, but Mash Up versions of ›Der Untergang‹ (The Downfall) are an international
phenomenon. The Finnish media expert Lasse Rintakumpu will show in ›The Mash Up phenomenon‹ a
selection of the numerous versions that have already been downloaded several hundred thousand
times. Here, artists use images about German history in a tongue-in-cheek way; new current references are constantly being drawn. Is this permitted? This is what the astonished audience asks itself
when it sees how disrespectfully these re-mixes are made.
Under the title ›Guitar heroes and misheard lyrics‹ selected Mash Ups from the YouTube collection of
Frankfurt Youth Culture Archives are presented. Professor Birgit Richard shows a range of examples
from music culture.
By ›WJ-S,‹ the French artist Anne Roquigny demonstrates the work of re-mixing sounds, images and
texts from the internet, as celebrated daily by DJ’s and VJ’s. Her new book WJ-SPOTS #1 ›15 years of
artistic creation on the internet‹ will be the focal point of the talk.
The lecture by Dr. Karin Orchard centres on Kurt Schwitters. His ›collage principle‹ has influenced art
and literature ever since, from Pop Art, neo-Dada, Nouveau Réalisme, sound poetry, Fluxus right up to
current young art. ›Merz means creating relationships, preferably between all things in the world.‹
(Kurt Schwitters)
With ›Nova-Kino: The History of Cinematic Agit- Prop‹ Mark Boswell shows the development that took
place from the historic film avant-garde to today’s Mash Up, referring in the process to Duchamp’s
ready-mades, Vertov’s Agit-Prop and Eisenstein’s theory of montage.
There is an increasing blending of media formats, and the boundaries between film, games and online
features are constantly changing. With with ›Movie meets Game‹ Michael T. Bhatty will explore the
parallels of forms of narration in film and the new media, such as computer games, and their synergetic effects. To accompany
›Frontiers‹ introduced by Sonia Prlic and the Gold Extra Team, we present an online game from the serious games category, which is dedicated to a topical problem. ›Frontiers‹ takes its players to the frontiers of Europe.
Jürgen Keiper from the Deutsche Kinemathek foundation will highlight with ›Web concepts of the future‹ several central routes taken by the current development of the web, addressing creative commons, Mash Ups and the web as an archive.
›The Ability to listen‹ is a performance lecture by Malte Scholz, which refers to his work in the exhibition. By ›Do it, but do it again‹ media artist Matthias Fritsch presents works that explore the artistic
potential of Web 2.0. The lecture focuses on the specific relationship between artistic production and
the audience, authorship and distribution.
193
CONGRESS
THE MASH UP PHENOMENON
Lasse Rintakumpu
Information and examples
of the meme
Hintergrundinformationen
Background information
http://knowyourmeme.com/
memes/downfall-hitler-meme
›Der Untergang‹ und der Aufstieg eines Internet Memes
Die berühmte Szene aus dem 2004 gedrehten Film von Olivier Hirschbiegel Der Untergang zeigt den leidenden Diktator Adolf Hitler (gespielt von
Bruno Ganz), in dem Moment, in dem er erkennt, dass der Krieg wirklich
verloren ist. Seit der Premiere des Films hat die Szene ein Eigenleben als
Internet-Meme entwickelt. Auf YouTube überlagern Hunderte von Mashup-Liebhabern die Szene mit idiosynkratischen Untertiteln und verwandeln die dramatische Szene somit in anachronistische, witzige Reaktionen auf aktuelle Ereignisse. Als eins der ansteckendsten Online-Meme,
können Parodien auf Der Untergang als Vertreter des gesamten Mashup-Konzeptes angeschaut werden. Die Präsentation durch den finnischen Filmkritiker und professionellen Mediengestalter Lasse Rintakumpu untersucht die Geschichte und die Auswirkungen des Mems Der Untergang.
Im Vortrag werden andere witzige, historische Abbildungen von Hitler gestreift. Es wird gezeigt wie das Mem Der Untergang bereits bestehende
Medien nebeneinander stellt, um Stellung zu verschiedenen Interessengebieten zu nehmen.
In der Präsentation wird auch diskutiert wie die weitverbreitete, billige
Digitaltechnologie nicht nur eine Demokratisierung der Kreativität freigesetzt hat, sondern auch die öffentlichen Wahrnehmungen des Eigentums
digitaler Inhalte aktiv verändert.
›Downfall‹ and the rise of an Internet meme
The famous scene from Olivier Hirschbiegel's 2004 film Der Untergang
shows ailing dictator Adolf Hitler (played by Bruno Ganz) realising that
the war is truly lost. Since the premiere of the movie, the scene has taken a life of its own as an Internet meme. On YouTube hundreds of mashup
enthusiasts are superimposing the scene with idiosyncratic subtitles,
transforming the dramatic scene into anachronistic, humorous reactions
to current events. As one of the most virulent online memes, parodies of
Der Untergang can be seen as representative of the whole concept of
mashup. The presentation by Finnish film critic and digital media professional Lasse Rintakumpu explores the history and the impact of the Der
Untergang meme.
Touching on other humorous, historical representations of Hitler, the talk
demonstrates how Der Untergang meme juxtaposes pre-existing media
to comment on different topics of interest.
The presentation also discusses how widespread, cheap digital technology has not only unleashed a democratization of creativity but is actively
transforming public perceptions of the ownership of digital content.
194
Hitler's dissapointment to the
features of a new Flight Simulator
X game:
http://video.google.com/
videoplay?docid=1488386185968955631&hl=en#
Hier kann man die wahrscheinlich
erste Downfall Parodie dieser Art
sehen, die jemals gemacht wurde.
The apparently first Downfall parody of its kind ever made is here.
Hitler Can't Get Tickets
to Billy Elliot:
http://www.youtube.com/
watch?v=_HbO-E_NZIw
Ein Lieblingsmem von Herrn
Hirschbiegel.
One of Mr. Hirschbiegel's favorites.
Hitler get enough of the Downfall
meme:
watch?v=7vMUvgce_5s
Hitler and a ›Downfall‹ with the
global economy crisis:
watch?v=bNmcf4Y3lGM
Hitler rants about bad fonts:
watch?v=qDiDATbIG-o
Hitler finds out Usain Bolt Breaks
100m World Record:
watch?v=9xUS30-RFf0
Hillary's Downfall
(U.S. Democratic Primaries):
watch?v=t8Ky1_pyn6Q
MOVIES MEET GAMES –
KONVERGENZ UND DIVERGENZ KLASSISCHER UND NEUER MEDIEN
Dr. Michael Bhatty
Computerspiele, ›Games‹, rücken zunehmend in den Fokus der Öffentlichkeit. Das Schmuddelimage fällt nach
und nach ab, seit nicht nur der Wirtschaftsfaktor erkannt wurde, sondern auch die Qualität als eigenständige
Medienform, wenn nicht gar als Kulturgut.
Narrative Games und Filme haben oftmals gemeinsame Wurzeln, doch auch Unterschiede in der Art und Weise, wie sie ›erzählen‹. Diese dramaturgischen, storymechanischen und spielmechanischen Elemente und Mechanismen gilt es aus Entwicklersicht zu betrachten. Gemeinsamkeiten und Unterschiede in den linearen und
interaktiven Erzählweisen werden vorgestellt und scheinbar ›Hollywood-reservierte‹ Themen wie Action, Fantasy und Science Fiction auch hier in Deutschland als produzierbar erörtert.
Dr. Michael Bhatty schuf in seiner Funktion als Lead Game Designer von SACRED (2004) die Story und Welt des
international erfolgreichen Titels und ist Autor der offiziellen Romane zu ›FarCry‹ und ›Runes of Magic‹.
Movies meet Games – convergence and divergence of classic and new media
Computer games have increasingly become the focus of public attention. Their shoddy image is gradually disappearing, now that not only the economic factor but also their quality as an independent media form, and possibly even as cultural heritage, have been recognised.
Despite often having the same roots, narrative games and films differ in the way they ›narrate‹. These dramaturgical, story-mechanical and game-mechanical elements and mechanisms should be considered from the
developer's perspective. Similarities and differences in the linear and interactive narrative styles are presented, and topics apparently reserved for Hollywood, such as action, fantasy and science fiction, are also discussed with regard to their viability here in Germany.
In his capacity as Lead Game Designer of SACRED (2004), Dr. Michael Bhatty created the story and world of the
internationally acclaimed title, and is the author of the official novel on ›FarCry‹ and ›Runes of Magic‹.
Michael T. Bhatty (*1967) wrote his first scripts and produced his first science fiction films on Super 8, based on
films from his youth such Star Wars, Star Trek, Alien and Planet of the Apes, at the age of twelve.
After finishing his studies, he worked as a project leader on numerous media productions in the areas of video,
radio, photography and multimedia. At the same time, he wrote the first German PhD in Media Science on the
subject of ›Interactive Story Telling‹ (Shaker, 1999), for which he received a doctorate.
In 2000, Michael Bhatty started working as a concept author and consultant in the IT and Games branch. As Chief
Executive Producer at Phenomedia Publishing GmbH, he has been leading the development of casual games
such as ›Moorhuhn – Piraten‹ since the end of 2005.
At the beginning of 2007, he established ›Michael Bhatty Entertainment‹. In addition to such games projects as
›Beryl Tales‹, ›Nintendo DS: Meine Tierklinik – Babys‹, he is the author of the official novels on the ›FarCry‹ series, ›Götterdämmerung‹ and ›Blutige Diamanten‹, as well as on MMO-RPG ›Runes of Magic – Shareena.
Michael Bhatty married in 1997. In 2008, he returned to Osnabrück, where he lives and works.
195
CONGRESS
FRONTIERS. EIN COMPUTERSPIEL, DAS AN DIE GRENZEN EUROPAS FÜHRT
gold extra (Adam Donovan, Georg Hobmeier, Sonja Prlic, Karl Zechenter, Tobias Hammerle)
Frontiers führt seine Spieler an die Grenzen Europas. Als Flüchtling oder Grenzwache können sie die Grenze
und das Leben dahinter von beiden Seiten erleben.
Frontiers lässt die dramatische Situation an den Grenzen anhand der Stationen zweier Fluchtrouten nach Europa durchleben. In der Rolle des Flüchtlings oder Grenzsoldaten gelangen die Spieler in die Sahara, an das algerische Hoggar-Gebirge, an den Zaun in Ceuta und an einen spanischen Strand oder in den Norden des Irak,
die Bergen der Türkei oder in die Wälder zwischen der Ukraine und der Slowakei. Ein hoch brisantes politisches
Thema wird so zur Grundlage für das relativ junge Genre des Computerspiels.
›Wir haben bewusst das Medium Computerspiel verwendet, um eine Zielgruppe zu erreichen, die sich sonst wenig mit Politik beschäftigt. Ein Computerspiel ermöglicht es wie kein anderes Medium in eine Situation einzutauchen und diese aktiv zu gestalten‹, meint Karl Zechenter, einer der Produzenten des Spiels.
Frontiers - You've reached the Fortress Europe
Frontiers is a computer game that enables ist players to experience life of both sides of the border. Race for the
Moroccan-Spanish fenceline in Ceuta and make it safely to the other side. Should you fail, you'll find yourself
back in the saharan desert with 600 km to go until you make it back to the border. You are a refugee or the border patrol in challenging stations of two routes to Europe: In the Algerian Hoggar-Mountains, before the fence
in Ceuta, on a Spanish beach, or in the Iraqi north, the Turkish mountain range or the forest between Ucraine
and Slovakia. You must confront a wilderness full of new unknown dangers and use your cunning to understand
the motifs of your fellow refugees and patrols who stop to interrogate you. The game encourages unusal approaches to the situation and team-work.
›gold extra‹ is a group of artists based in Salzburg, who have been working since 1998 on the interfaces between
theatre, fine arts, new media and music. They have received numerous awards for their works, and were most recently awarded a prize by the Austrian Federal Ministry of Innovative Cultural Work. (see: EMAF exhibition)
Æwww.goldextra.com
196
DIE FÄHIGKEIT ZU HÖREN - PERFORMANCE LECTURE
Malte Scholz (CCO, THE GRAND DEFENDER)
Eine Mash Up-Strategie als Grundlage erfolgreicher Verteidigungsarbeit
In der Ausstellung des EMAF zeigt der Künstler Tobias Rosenberger einen Informationsstand des Sicherheitsconsultings THE GRAND DEFENDER, deren Existenz man durchaus für bare Münze nehmen könnte. Malte
Scholz, vermeintlicher Chief Customer Officer (CCO) der Firma, stellt deren ›Philosophie‹ im Duktus einer Konzernpräsentation vor. Insbesondere geht er darin auf die Adaption historischer Strategien und auf die Bedeutung der Integration vielfältigster Ideen innerhalb seines Businesskonzeptes ein.
Abstrakt des Vortrags: Der Sicherheitssektor hat in den letzten Jahrhunderten maßgebliche Veränderungen erlebt. Auch wenn Verteidigung in der Vergangenheit schon Thema war, muss man aus heutiger Perspektive feststellen, dass es noch viel mehr zu tun gibt. Nicht zuletzt deshalb nehmen wir von ›The Grand Defender‹ eine
ganzheitliche Betrachtungsweise ein, anstatt uns auf einen einzigen Blickwinkel zu beschränken. Komplizierte Probleme haben meist zahlreiche Ursachen. Um den Herausforderungen des 21. Jahrhunderts auf Augenhöhe zu begegnen, ist ein kreativer und innovativer Einsatz bereits etablierter Werkzeuge und Methoden
vonnöten. Folglich haben wir bei uns intern im Jahre 2009 neue Richtlinien eingeführt, welche unser operationales Team von Militär-Experten in ein kohärentes Framework einbinden.
Was bedeutet das konkret? Anstatt sich ausschließlich auf Kreation und Eigeninitiative zu verlassen, haben wir
erkannt, dass Umgebung, Situation, Kontext, und Geschichte genauso wie unsere Wettbewerber und Feinde ein
gewisses Potential in sich tragen, welches wir lediglich identifizieren müssen und dann für unsere Zwecke nutzen können. Wenn wir davon sprechen, dass etwas Potential hat, bedeutet dies, dass es von seiner ursprünglichsten Natur her dazu bestimmt ist, eine Entwicklung in Gang zu setzen, an die wir andocken können. Gemäß
unserem Leitspruch ›Es gibt keinen Grund das Rad neu zu erfinden, aber seine volle Durchschlagskraft kann es
nur entfalten, sobald es in neuen Kontexten und Kombinationen aktualisiert wird‹, haben wir eine auf Mash Up
basierende Strategie entwickelt, welche die Grundlage einer erfolgreichen Verteidigung bildet.
The Ability to listen. Mash up-Based Strategy lays the foundation for a successful defense
At the EMAF exhibition, the artist Tobias Rosenberger presents an information booth of the security consultancy THE GRAND DEFENDER, the existence of which could be taken at face value. Malte Scholz, the supposed
Chief Customer Officer (CCO) of the company, explains its ›philosophy‹ in the style of a corporate presentation.
In his presentation, he focuses on the adaptation of historical strategies and on the importance of integrating
a wide range of ideas into his business concept.
Abstract: Within the past centuries there have been very significant developments in the approach to security. While
this is a matter that was attended for in the past, recently it has been recognized that much more needs to be done.
This is why we at ›The Grand Defender‹ take on a holistic approach, instead of adopting a single angle. Complex
problems have many different causes. To meet the 21st century challenges, we need a new use of old methods and
tools, the use of what we call the unique 21st century defense-craft. Therefore we introduced in 2009 new internal
policy guidelines, that provide our operational team of military experts with a coherent framework.
What does that mean? Instead of having everything depend on our own initiative, we recognize that environment, situation, context, history, competitors and enemies themselves carry a certain potential that we should
identify and then let ourselves be carried along with it. So when we say that something possesses a potential,
we mean that by its very nature it is destined for some kind of development on which we can rely. Embarking on
this notion of ›There's no point in reinventing the wheel, but its full penetrating power can only be actualized in
new contexts and combinations‹, we developed a mash up-based strategy that lays the foundation for a successful defense. What we call to have a ›Mash up-minded-disposition‹ means, that we are working in a fashion
where multiple avenues are organized to refine the apparent one at hand.
197
CONGRESS
FROM ARCHIVE TO LIVING DATABASE
GUITAR HEROES UND MISHEARD LYRICS: SELECTED MASHUPS UND BASTARDE
DER YOUTUBE SAMMLUNG DES JUGENDKULTURARCHIVS FRANKURT
Prof. Dr. Birgit Richard
Der Vortrag zeigt ausgewählte online Videobeispiele aus der Musikkultur und stellt die in fünf Jahren intensiver Grundlagenforschung in Frankfurt entwickelte Typologie für online Videos vor, die selbstverständlich nie
beendet ist, da sich die Welt des online Video stündlich verändert. Das Grundprinzip der präsentierten youtube favorites ist Bastardisierung und Hybridisierung von Bildern und Musik also ›mashup‹ in Reinform. Die Videos geben so auch Einblicke in die Mediensammlung als Teil des Frankfurter Jugendkulturarchivs und in die
aktuelle online Video Forschung für das Web 2.0.
Bei YouTube wird alles mit allem vermischt, so trifft Politik auf Rihanna, Lady Gaga ist bei den Sims zu Gast oder
Second life kommt ins Real Life. Jedes Bild ist mit anderen Bildern kombinierbar und macht die Bildwanderung
zu einer selbstverständlichen visuellen und gängigen Strategie, derer sich Künstler, Artisten und jugendliche
Medienmeister bedienen.
Die Videos geben auch Einblicke in die umfangreiche Mediensammlung als Teil des Frankfurter Jugendkulturarchivs und in die aktuelle Online Video Forschung für das Web 2.0.
Guitar heroes and misheard lyrics:
selected mash-ups and bastard art from YouTube Collection of Frankfurt Youth Culture Archives
A selection of online video examples from music culture will be shown in this lecture. In addition, a typology for
online videos, developed in Frankfurt following five years of intensive basic research, will be introduced. It goes
without saying that this research is never-ending, because the world of online video changes by the hour. The
basic principle of the presented YouTube favourites is to bastardise and hybridise images and music, i.e. a pure
form of ›mashup‹. The videos give us an insight into the media collection as part of the Frankfurt Youth Culture
Archives and into current online video research on Web 2.0.
Everything can be mashed up on YouTube – hence politics meets Rihanna, Lady Gaga makes a guest appearance with The Sims, and Second Life comes to Real Life. Every single image can be combined will other images,
making image migration an automatically practised visual strategy exploited by artists, performers and media
whizzkids.
The video also give an insight into the comprehensive media collection as part of the Frankfurt Youth Culture
Archives and into current online video research for Web 2.0.
Prof. Dr. Birgit Richard has been lecturing theoretical and practical New Media at the Johann Wolfgang GoetheUniversität Frankfurt/ Main since 1997. Field of research and teaching: image cultures (youth-art-gender), especially in social networks of Web 2.0 (YouTube, flickr, MySpace, Facebook), material and visual cultures, media and
net cultures and Intersectional Visual Gender Studies (Visual Construction of Gender), aesthetics of current
youth cultures (Youth Culture Archive, among others, with the fashion of youth cultures at the Universität Frankfurt). Youth Culture Archive http://www.rz.uni-frankfurt.de/fb09/kunstpaed/jkastart.htmlwww.birgitrichard.de
(research project on games and Youth Culture Archive) and www.inter-cool.de (inter-cool 3.0. Youth Image Media. An exhibition in the Dortmund U, Ruhr 2010).
Publications include: co-edited with Heinz-Hermann Krüger: inter-cool 3.0. Jugend Bild Medien. in print Wilhelm
Fink Verlag München 2010. Konsumguerilla. Widerstand gegen Massenkultur? Frankfurt 2008 (co-edited together A.Ruhl); Hülle und Container. Medizinische Weiblichkeitsbilder im Internet. München 2007 (co-edited with
Zaremba). Sheroes. Genderspiele im virtuellen Raum Bielefeld 2004.
198
WJ-S
Anne Roquigny
Präsentiert wird WJ-S, eine Software und ein flexible Gerät für Performances im Web, die es WJ-S (Webjays,
Künstler, Webabhängige und Webmutanten) ermöglicht, live mit online verfügbaren Texten, Ton und visuellen
Inhalten zu spielen.
WJs übernehmen die Kontrolle über die Umgebung eines Multiscreens und surfen gleichzeitig in verschiedenen
Browserfenstern mit einem gewissen Abstand. WJ-S ist ein sichtbares, kollektives Erlebnis des Surfens. WJS
ist eine im Wandel befindliche immersive Erfahrung.
Anne Roquigny wird auch ihr Buch WJ-SPOTS #1 ›15 years of artistic creation on the internet‹ präsentieren. Im
November 2009 veröffentlicht, ermöglicht das Buch Künstlern, Kritikern, Denkern, Erfindern, Forschern, Kuratoren, Organisatoren und Herstellern kultureller Ereignisse auf 15 Jahre Internetgeschichte zurückzublicken.
http://www.wj-s.org/WJ-SPOTS-1-15-years-of-internet.
Presentation of WJ-S, a software and a flexible public device for web performances allowing WJ-S (webjays,
artists, web addicts and web mutants) to play live with text, sound and visual content available online.
WJs take control of a multiscreen’s environment and surf simultaneously at a distance in different browser windows. WJ-S is a visible and collective experience of the surf. WJS is an immersive experience in the flux.
Anne Roquigny will also present her book WJ-SPOTS #1 ›15 years of artistic creation on the internet‹. Launched
in November 2009, the book enables artists, critics, thinkers, inventors, researchers, curators, organisers and
producers of cultural events to look back on 15 years of Internet history.
http://www.wj-s.org/WJ-SPOTS-1-15-years-of-internet
For the past decade, Anne Roquigny, media arts curator, has specialised in producing and curating hybrid digital projects linked to networks and the Internet. In 1999, she started working at CICV Pierre Schaeffer, one of the
first new media centres in France, as artistic co-ordinator and curator of the international urban multimedia arts
festivals, and then as co-director of the establishment with Pierre Bongiovanni. From 2002 to 2004, Anne
Roquigny was in charge of the general co-ordination of the preliminary project for a future Digital Arts Center in
Paris, dedicated to digital production and electronic music, at la Gaité Lyrique (http://gaite.arscenic.org). Anne
Roquigny is currently developing the web performance project WJ-S (http://www.wj-s.org) and simultaneously
co-coordinating a research lab that specialises in audio art and its relation to space and networked audio systems with Peter Sinclair and Jérôme Joy Locus Sonus (http://www.locusonus.org).
Ecole supérieure d'Art d'Aix en provence, http://www.ecole-art-aix.fr/
Ecole nationale d'art de Nice Villa Arson, http://www.villa-arson.org
Æhttp://www.roquigny.info
199
CONGRESS
KURT SCHWITTERS - LEBEN UND WERK
Dr. Karin Orchard
›MERZ bedeutet Beziehungen schaffen, am liebsten zwischen allen Dingen der Welt.‹
Kurt Schwitters (Hannover 1887-1948 Kendal) ist einer der individuellsten und vielseitigsten Künstler der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, der sich strikter Kategorisierung entzieht. Sein ›Prinzip Collage‹ beeinflusste
die nachfolgende Kunst und Literatur von Pop Art, Neo-Dada, Nouveau Réalisme, Lautpoesie, Fluxus bis hin zur
heutigen jungen Kunst.
Schwitters entwickelte sein Konzept ›Merz‹, das alle Kunstgattungen umfasst. Das Wort Merz geht auf einen
Zufallsfund zurück, es ist Bestandteil des Wortes ›Commerz- und Disconto-Bank‹, das er aus einer Anzeige
ausgeschnitten und 1919 an zentraler Stelle in eine seiner Assemblagen eingeklebt hat. Die Alltagswelt sollte
nach seiner Vorstellung in das erstrebte Gesamtkunstwerk (›Merzgesamtweltbild‹) Eingang finden. Dieser romantisch-utopische Ansatz findet seine künstlerische Verwirklichung in der Collage und Assemblage und nicht
zuletzt in seinem Hauptwerk, dem ›Merzbau‹.
Parallel zu seiner künstlerischen Arbeit verstand sich Schwitters zudem auch als Dichter und Schriftsteller. Im
Januar 1937 sah er sich genötigt, nach Norwegen zu emigrieren. Die überwältigende Natur beeindruckte ihn
stark und bestimmte sein dortiges Werk. Als 1940 die Deutschen Norwegen besetzten, floh Schwitters nach
England. Nach Aufenthalten in verschiedenen Internierungslagern und in London siedelte Schwitters 1945 in
den Lake District über. Bei seinem Tod 1948 hinterließ er dort unvollendet sein letztes Hauptwerk, die ›Merz
Barn‹, den mit Holz, Gips und Stein in fließenden, organischen Formen modellierten Innenraum einer Scheune.
›MERZ means creating relationships, preferably between all things in the world.‹
Kurt Schwitters - Life and Works
Kurt Schwitters (1887 Hannover - 1948 Kendal) is one of the most individual and multifaceted artists from the
first half of the 20th century, who cannot be put into a specific category. His ›collage principle‹ has influenced
art and literature ever since, from Pop Art, neo-Dada, Nouveau Réalisme, sound poetry and Fluxus right up to
current young art.
Schwitters developed his concept ›Merz‹, which includes all genres of art. The word Merz was created after a
chance find. It is part of the word ›Commerz- und Disconto-Bank‹, which he cut out of an advert and glued into
his assemblage in 1919. According to his concept, the everyday world was to be introduced into the intended
total work of art (›Merzgesamtweltbild‹). The artistic realisation of this romantic/utopian approach is found in
his collage and assemblage and, last but not least, in his main work, the ›Merzbau‹.
In addition to his artistic work, Schwitters also saw himself as a poet and writer. In January 1937, he felt compelled to immigrate to Norway. The overwhelming natural beauty impressed him greatly, and influenced his
work there. When the Germans occupied Norway in 1940, Schwitters fled to England. After staying in various internment camps and in London, Schwitters moved to the Lake District in 1945. When he died in 1948, he left behind his unfinished final main work, the ›Merz Barn‹ - the inside of a barn, modelled using wood, plaster and
bricks in flowing, organic forms.
Dr. Karin Orchard, born 1961 in Bristol (UK). Studied Art History, History and Literature in Hamburg, Edinburgh
and London.. Since 1994: Director of the Kurt Schwitters Archive in the Sprengel Museum Hannover, joint editor
of the ›Catalogue Raisonné Kurt Schwitters‹ (2000–2006). Publications on art in the 16th and 20th century.
200
NETZKONZEPTE DER ZUKUNFT
WEB CONCEPTS OF THE FUTURE
Jürgen Keiper
Einige zentrale Linien der aktuellen Netzentwicklung sollen in diesem
Vortrag erläutert und weiter gedacht werden: Creative Commons, Mash
ups und das Netz als Archiv. Retrospektiv wird dabei der technische Begriff der ›service-orientierten Struktur‹ des Netzes immer mehr zu einer
universellen Metapher für das Netz, deren Dimension noch völlig offen
ist.
Und der Versuch eines Ausblicks soll unternommen werden: Die Zukunft
des Netzes wird durch eine Konkurrenz zwischen einer Aufmerksamkeitsökonomie, personalisierten Recommendation-Systemen und hochspezialisierten communities geprägt sein. Auch innerhalb dieses Geflechtes können die Creative Commons eine wichtige Rolle spielen. Doch
schon jetzt zeichnet sich ab, dass das Netz der Creative Commons eigentlich viel zu weit geknüpft ist und daher nur unzureichend auf die
neuen Entwicklungen reagieren kann.
Some of the central lines of the current web development shall be described and explored in this lecture: creative commons, mash-ups and
the web as an archive. Retrospectively, the technical term of a ›serviceoriented structure‹ of the web is increasingly becoming a universal
metaphor for the web that has completely unrestricted dimensions.
In addition, an attempt will be made to give an outlook: the future of the
web will be marked by competition between an attention economy, personalised recommendation systems and highly specialised communities.
Creative commons might also play an important role within this network.
Even now, it is already becoming apparent that the mesh of creative commons is actually already far too wide, which is why it can react only inadequately to new developments.
Jürgen Keiper: Film scientist, focusing on Film and New Media, editor of
the journal ›Film und Kritik‹; project leader of filmportal.de, MIDAS (film
archives online), CEN (standardisation of filmographic data in the EU),
COLLATE (up to 2006); has been employed by the Deutsche Kinemathek
since 2006, where he leads the project LOST FILMS and the internet presentation of ›Wir waren so frei... Momentaufnahmen 1989/90‹, the development of collaborative systems.
ÆFor further information and texts, visit: www.jkeiper.de
201
CONGRESS
NOVA-KINO: DIE GESCHICHTE DER FILMISCHEN AGIT-PROP
Mark Boswell
Nova-Kino ist eine filmische Theorie des 21. Jahrhunderts, die in den Werken unterschiedlicher internationaler
Filmemacher, Medienkünstler und kultureller ›Jammer‹ vertreten wird. Diese Künstler verwenden Found Footage als das Ausgangsmaterial, das dann überarbeitet oder neu animiert wird. In dem rekonstruierten Zustand
erlebt das Material eine radikale Wiedergeburt oder ein neues Leben. Ein entscheidender Bestandteil dieses
Prozesses ist die Verwendung kritischer, politischer und anderweitig hochbrisanter Ansichten, eingebettet in
die Struktur der Arbeit, die die hegemonialen Machtstrukturen insgesamt oder in spezifischeren Bereichen infrage stellen. Das Ergebnis ist ein didaktischer, oppositioneller Sprengkopf, historisch anerkannt als Agit-Prop,
das ewige Nebenprodukt der Russischen Revolution.
Nova-Kino ist eine digital aktive, filmische Theorie, die in verschiedenen künstlerischen Bewegungen der
1920er Jahre entstand, unter anderem im Dadaismus, im Surrealismus und bei den Theoretikern und Praktikern
des frühen russischen Kinos: Vertov, Eisenstein, et al. (alle Wege führen nach Moskau). Von da an geht es rasant
weiter mit ›Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit‹ von Walter Benjamin, in der der
zukünftiger Einfluss des Kinos auf die zeitgenössiche Kultur vorhergesagt wird. Es folgen verschiedene Aspekte von den ›Entfernungs-‹wirkungen Bertoldt Brechts; Nova-Kino durchquert den Film Noir, die französische
Neue Welle, internationale avantgardistische Filmbewegungen, Situationismus, und wird dann regelrecht zum
zum Leben erweckt durch die querdenkenden Found-Footage-Meisterwerke von Bruce Conner.
Nova-Kino: The History of Cinematic Agit-Prop
Nova-Kino is a 21st century cinematic theory represented in the works of various international filmmakers, media artists, and cultural jammers who utilize found footage as source material to be re-edited or re-animated,
giving radical re-birth or second life in their reconstructed state. A crucial component of this process is the usage of critical, political and other highly charged points of view embedded within the structure of the work that
challenge hegemonic power structures at large or in more specific realms. The end result is a didactic, oppositional warhead, historically recognised as Agit-Prop, the eternal bi-product of the Russian Revolution.
Nova-Kino is a digitally active, 21st century cinematic theory that has its departure point in various 1920’s
artistic movements, including Dada, Surrealism and the theorists and practitioners of early Russian cinema,
Vertov, Eisenstein, et al. (all roads lead to Moscow.) Hurtling forward from this point, with Walter Benjamin’s ›Art
in the Age of Mechanical Reproducibility‹ prophesising the future impact of cinema on contemporary culture as
well as certain aspects of Bertoldt Brecht’s ›distancing‹ effects; Nova-Kino traverses through film noir, the
French new wave, international avant-garde film movements, Situationism, and then wholeheartedly springs to
life by Bruce Conner's maverick found footage masterpieces.
Mark Boswell, the founder and leading theorist of the NOVA-KINO experimental film movement. Born 1960 in
Asheville, N.C., Boswell studied film, film theory and art history in Switzerland, France, Germany and the Florida
Space Coast from 1984-1992. He was awarded the 2004 International Media Art Award from The ZKM Museum
in Karlsruhe, Germany for his film- The End of Copenhagen. He has also lectured internationally on agit-prop cinema at the UCLA Hammer Museum in Los Angeles, The Wolfsonian/FIU Museum Of Propaganda in Miami Beach,
The Magis Film Conference in Italy, and Oxford University, England.
202
DO IT, BUT DO IT AGAIN! - KÜNSTLERSTRATEGIEN FÜR DAS WEB 2.0
Matthias Fritsch
Der Medienkünstler Matthias Fritsch wird Arbeiten vorstellen, die sich mit dem künstlerischen Potential im
Web 2.0 befassen. Im Zentrum des Vortrags steht das spezifische Verhältnis von künstlerischer Produktion und
Publikum, Autorenschaft und Distribution. Im Zentrum seiner aktuellen künstlerischen Tätigkeit stehen das
›Technoviking- Archiv‹ welches die vielfältigen Reaktionen auf sein Internet Meme
Technoviking untersucht sowie die derzeit in der Dominikanerkirche ausgestellte offene Serie ›Music from the
Masses‹.
Durch die Nutzung der offenen globalen Kommunikationsnetze werden hier mit Hilfe von kreativen Usern aus
individuellen Werken kollektive Werkkomplexe, deren einzelne Versionen und Mutationen eine unglaubliche
Multiplikation des ursprünglichen Werkes mit sich ziehen.
Do It, but do it again! - artists' strategies for Web 2.0
Media artist Matthias Fritsch will present works that explore the artistic potential of Web 2.0. The lecture focuses on the specific relationship between artistic production and the audience, authorship and distribution.
His latest artistic work concentrates on the ›Technoviking Archive‹, which explores the wide range of reactions
to his internet memes Technoviking and the open series ›Music from the Masses‹ currently showing in the Dominikanerkirche.
By using open global communication networks, creative users are called upon to make collective ensembles of
works out of single works, the individual versions and mutations of which result in an incredible multiplication
of the original work.
Matthias Fritsch, * 1976, lives and works in Berlin. He studied Media Art at the University of Arts and Design
Karlsruhe (HfG) and Film, Fine Art and Curating at Bard College, Center for Curatorial Studies (CCS), New York
State. Has made several short and long movies, and media-based installations. (See exhibition)
ÆWebsite: http://subrealic.net
203
CONGRESS
MEDIAARTBASE.DE
Grafik: Matthias Zipp, basis5
Das European Media Art Festival Osnabrück erhielt gemeinsam mit dem documenta Archiv Kassel/DOKFEST
und dem Institut für Musik und Akustik des ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe von der
Kulturstiftung des Bundes innerhalb des KUR-Programms zur Konservierung und Restaurierung von mobilem
Kulturgut den Zuschlag für das digitale Archivierungs- und Präsentationsprojekt mediaartbase.de.
Das Vorhaben der mediaartbase.de soll die umfassenden Bestände der beteiligten Häuser der Öffentlichkeit
zugänglich machen: Das historische Material der documenta-Ausstellungen seit 1955, das umfangreiche Videomaterial des Kasseler Dokumentarfilm- und Videofestes seit 1989 sowie den einmaligen Fundus von Experimentalfilmen, Videokunst, Performancedokumentationen und Installationskonzepten der internationalen
Medienkunstszene des European Media Art Festival Osnabrück und die auf mehreren institutionellen Ebenen
der produzierenden ZKM-Institute (ZKM | Institut für Musik und Akustik sowie ZKM | Institut für Bildmedien)
sowie der im ZKM angesiedelten Archive. Die Kulturstiftung des Bundes beauftragte die Projektpartner zudem,
eine exemplarische Datenbankstruktur und Präsentationsform zu erstellen.
ÆProjektmanagement: Prof. Ludger Brümmer, Dr. Achim Heidenreich (ZKM)
ÆProjektkoordination: Matthias Zipp (basis5, Kassel)
ÆMehr Information: www. mediaartbase.de
204
Together with the documenta Archive Kassel/DOKFEST and the Institute for Music and Acoustics of the ZKM
Centre for Art and Media Karlsruhe, the European Media Art Festival Osnabrück has been commissioned to realise the digital archiving and presentation project mediaartbase.de by the German Federal Cultural Foundation to preserve and restore mobile cultural assets within the KUR programme.
The aim of the mediaartbase.de project is to make the extensive stock of the participating institutions accessible to the public: the historical material of the documenta exhibitions from 1955, the substantial video material of the Kassel Documentary Film and Video Festival from 1989, as well as the unique pool of experimental
films, video art, performance documentations and installation concepts from the international Media Art scene
of the European Media Art Festival Osnabrück, the several institutional levels of the ZKM’s producing institutes
(ZKM | Institute for Music and Acoustics and ZKM | Institute for Visual Media), as well as the archives housed
in the ZKM. The German Federal Cultural Foundation has also commissioned the project partners to establish
an exemplary database structure .
ÆProject management: Prof. Ludger Brümmer, Dr. Achim Heidenreich (ZKM)
ÆProject coordination: Matthias Zipp (basis5, Kassel)
ÆMore information: www. mediaartbase.de
Gefördert im KUR Programm zur Konservierung und Restaurierung von mobilem Kulturgut.
205
CONGRESS
ZKM | INSTITUT FÜR MUSIK UND AKUSTIK
Das ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe vereint Ausstellungen, Produktionen, medienwissenschaftliche Forschung, Veranstaltung, Dokumentation und Vermittlung unter einem Dach. Im Jahr 1989
gegründet und 1997 in das eindrucksvolle Gebäude einer ehemaligen Munitionsfabrik eingezogen, gilt das ZKM
als führend in der inhaltlich-künstlerischen Verknüpfung von Kunst und digitaler Technologie.
Das ZKM | Institut für Musik und Akustik verbindet künstlerische Arbeit mit Forschung und Entwicklung und
versteht sich als Forum des internationalen Austausches. Das Institut ist in vielfältigen Bereichen aktiv, veranstaltet und initiiert zeitgenössische Konzerte, Symposien und Festivals, die eine Plattform für Musikschaffende und -interessierte bieten. Die Projekte umfassen mit digitaler Klangsynthese, Live-Elektronik und algorithmischer Komposition bis zu interaktiven Klanginstallationen, audiovisuellen Produktionen und Hörspiel eine
breite Palette dessen, wozu digitale Technologien musikalische Phantasie anzuregen vermögen. Mit dem
Klangdom des Instituts – fast fünfzig Lautsprecher sind dreidimensional im Raum installiert – können komplexe Raum-Klang-Bewegungen realistisch dargestellt werden. Innerhalb des Projekts mediaartbase.de entwickelt das ZKM | Institut für Musik und Akustik ein offenes Datenbanksystem, das die spezifischen und komplexen Erfordernisse elektroakustischer Musik zu berücksichtigen vermag und die Langzeitarchivierung gleichermaßen einschließt. Die Werke können auf diese Weise langfristig aufbereitet und reproduziert werden.
Die Archivbestände des ZKM: ZKM | Institut für Musik und Akustik (Produktionsarchiv: 450 Kompositionen, Veranstaltungsarchiv: 300 Aufführungen), Internationales digitales elektroakustisches Musikarchiv IDEAMA (550
Kompositionen), Sammlungen (Vasulka, Boulez, 40 Jahre Videokunst, Kluge-Archiv, Ulmer Filminstitut mit über
1000 Arbeiten), Mediathek (48 000 Bücher und Datenträger).
The ZKM | Centre for Art and Media Karlsruhe includes the areas of exhibitions, media scientific research, areas of production and venues under one roof and topic. The ZKM, which was founded in 1989 and moved into
the impressive building of a former munitions factory in 1997, is considered to be at the forefront of aesthetically merging art and digital technologies.
Artistic work, research and development are the main activities of the ZKM | Institute for Music and Acoustics.
It views itself as a forum for international exchange. The institute is active in a wide range of areas and organises and initiates contemporary concerts, symposia and festivals, offering a platform for musicians and musiclovers. The projects, comprising not only digital sound synthesis, algorithmic composition and live electronics
but also interactive sound installation and audiovisual productions and radio drama, and, cover a broad range
of elements that digital technologies use to inspire musical imaginativeness. Complex space/sound movements can be portrayed realistically at the Klangdom (sound dome) of the ZKM | Institute for Music and
Acoustics – almost 50 loudspeakers hang three-dimensionally from an ellipsoidal rig system.
Within the project mediaartbase.de the ZKM | Institute for Music and Acoustics develops an open database
system which considers the specific and extensive requirements of electroacoustic music and which likewise
include the long-term preservation.
The Archives: ZKM | Institute for Music and Acoustics (500 productions, 300 events), International Digital ElectroAcoustic Music Archive IDEAMA (550 compositions), collections (Vasulka, Boulez, 40 Jahre Videokunst,
Kluge-Archiv, Ulmer Filminstitut mit über 1000 Arbeiten), Media library (48000 books and media).
ÆProjektleitung: Prof. Brümmer
ÆGeschäftsführung: Dr. Achim Heidenreich
ÆZKM | Institute for Music and Acoustics
ÆFotonachweis: CHROMA_LUX, Foyer ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe
206
documenta Archiv KASSEL
Die documenta, seit ihrem Bestehen die immer noch größte und wohl auch bedeutendste Ausstellung aktueller bildender Kunst, gab den Anlass für die Gründung des documenta Archivs in Kassel. 1961 von Arnold Bode,
dem Initiator der documenta ins Leben gerufen, ist das Archiv mit der Dokumentation und wissenschaftlichen
Bearbeitung von internationaler Gegenwartskunst betraut. Als eine der bedeutendsten Spezialbibliotheken
Deutschlands zur Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts hält das Archiv Bücher, Ausstellungskataloge, Zeitschriften und anderweitiges Pressematerial zu mehr als 80.000 Künstlern und Künstlerinnen für die Forschung und
den interessierten Laien bereit.
Neben der Bibliothek enthält der Archivbestand im Kern eine umfangreiche Materialsammlung zu den bisher
zwölf documenta-Ausstellungen. Mit ihren Archivalien wie z. B. den Ausstellungskonzepten, Rechnungsführungen, Korrespondenzen mit den Künstlern sowie Presseausschnitten, Katalogen und Kleinschriften hält
die Dokumentation reichhaltiges Material zum Studium der Kunst und des Ausstellungswesens nach 1945 bereit.
Ein Bildarchiv und eine Videothek vervollständigen die Informationsquellen mit audiovisuellen Medien. Die Organisation von dokumentarischen Ausstellungen gehört ebenso zum Tätigkeitsfeld des documenta Archivs wie
die Durchführung wissenschaftlicher Kongresse und die Herausgabe einer Publikationsreihe. Die Bestände
umfassen bisher in der Bibliothek 30.000 Monographien, 60.000 Kataloge (2.000 Neuanschaffungen jährlich)
und 150 laufende Zeitschriften; in der documenta-Dokumentation 2.000 Akten, 250.000 Zeitungsausschnitte
und 150.000 Einladungskarten und im Medienarchiv 3.000 Videotitel, 450 DVD’s und ca. 40.000 Dias/Fotos. Im
Rahmen von mediaartbase.de wird das documenta Archiv besonders gefährdete Originalkunstvideos von documenta-Künstlern, Künstlerinterviews, aber auch Mitschnitte von seltenen dokumentarischen Fernsehbeiträgen in Zusammenarbeit mit dem Hessischen Rundfunk digitalisieren.
The documenta, which has been the largest and most highly esteemed exhibition of contemporary arts ever
since its inception, prompted the establishment of the documenta Archive in Kassel. Created in 1961 by the
founder of the documenta, Arnold Bode, the archive is entrusted with documenting and scientifically processing international contemporary art. As one of Germany’s most significant specialty libraries on 20th and 21st
century art, the Archive houses books, exhibition catalogues, magazines and other kinds of press releases on
over 80,000 artists for research purposes and interested laymen.
In addition to the library, the Archive’s stocks also contain an extensive collection of materials from the twelve
previous documenta exhibitions. With its papers and documents from the archives, such as the exhibition concepts, invoices, correspondence with artists, as well as press cuttings, catalogues and short scripts, the documentation offers extensive material for studying art and exhibitions after 1945. Photographic archives and a
video library round off the sources of information with audiovisual media. The documenta Archive is also involved in organising documentary exhibitions, as well as hosting academic congresses and releasing a publication series. The library’s current stock includes 30,000 monographs, 60,000 catalogues (2,000 new acquisitions each year) and 150 serial magazines; the documenta documentation comprises 2,000 files, 250,000 newspaper cuttings and 150,000 invitation cards, while the media archive contains 3,000 video titles, 450 DVDs and
approx. 40,000 slides/photos. Within the framework of mediaartbase.de, the documenta Archive will digitise
particularly vulnerable original art videos by documenta artists, interviews with artists and live recordings of
rare documentary telecasts in collaboration with the Hessischer Rundfunk.
ÆProject partner Karin Stengel
207
CONGRESS
KASSELER DOKUMENTARFILM- UND VIDEOFEST
KASSEL DOCUMENTARY FILM AND VIDEO FESTIVAL
Im traditionellen Festivalherbst, zur Novembermitte, findet das Kasseler Dokfest an fünf Tagen statt und präsentiert jährlich ca. 220 nationale und internationale Dokumentarfilme, experimentelle und künstlerische Arbeiten. Feste Bestandteile des Programms sind zudem die Medienkunstausstellung Monitoring, die das Medium Film/Video aus dem Kinosaal heraus in den Ausstellungskontext überführt, audiovisuelle Performances
und VJ-Kunst in der DokfestLounge sowie die interdisziplinäre Workshop-Tagung interfiction.
Seit 1989 sammelt das (1981 gegründete) Festival das eingegangene Sichtungsmaterial sowie eine Auswahl
der in den Programmen der jeweiligen Festivalausgabe präsentierten Filme und Videos. Darunter befinden sich
Arbeiten renommierter Filmemacher/innen und Künstler/innen gleichermaßen wie Arbeiten junger Nachwuchskünstler/innen, klassische Dokumentarfilme genauso wie Experimentalfilme mit dokumentarischem
Ansatz. Damit spiegelt der Bestand an Videomaterial im Archiv des Festivals zweifelsohne die Entwicklung des
dokumentarischen Schaffens der letzten 20 Jahre wider.
In 26 Jahren Kasseler Dokfest kamen bisher 4.137 Arbeiten zur Aufführung. Der Bestand an vorhandenem Videomaterial beläuft sich auf circa 2.000 Arbeiten und ermöglicht einen ständigen Zugriff auf die Filme und Videos aus dem Festivalprogramm seit 1989. Zum 20- und 25jährigen Jubiläum des Dokfestes ermöglichte genau
dieser Bestand, zwei DVDs zu konzipieren, die mit den darauf vertretenen 54 Filmen und Videos einen Einblick
in das audiovisuelle Archiv des Festivals geben.
Im Rahmen des mediaartbase.de-Projektes werden zunächst die Metadaten aller beim Kasseler Dokfest gezeigten Filme, Videos und Installationen erfasst und in die gemeinsame Datenbankstruktur überführt. Aus dem
vorhandenen Bestand an Film- und Videomaterial wird eine Auswahl für die Digitalisierung getroffen, um zum
einen bedeutende filmische wie künstlerische Werke zu archivieren und zu konservieren als auch diese Auswahl (der Öffentlichkeit) zugänglich zu machen.
In the traditional autumn of film festivals, the Kassel Documentary Film and Video Festival takes place on five
days in mid-November and presents about 220 international films and videos. Other permanent events include
the media art exhibition Monitoring, that repeatedly accomplishes to extract the medium film/video from the
cinema into an exhibiton space, the audiovisual live program in the DokfestLounge and the interdisciplinary
conference interfiction.
Since 1989, the festival collects a wide variety of the screened works and a considerable number of the overall
submitted screening copies. Among this selection you find works by both reputable and upcoming filmmakers
and artists, classic documentary films as well as experimental works with a documentary approach. Due to our
large inventory we can trace back the development of documentary filmmaking for the past 20 years.
In the 26 years of its existence, the Kassel Dokfest screened 4,137 works. Our inventory consists of about 2,000
works in total and allows us a constant access to the various works from the festival programs since 1989. On
the occasion of the 20th and the 25th anniversary of the Kassel Dokfest in 2003 and 2008 we could profit from
our vast inventory when compiling our anniversary DVDs. They consist in total of 54 films and videos and give a
first impression of our audiovisual archive.
In the context of the mediaarbase.de-project the Kassel Dokfest first seeks to gather the metadata of all
screened films, videos and installations and transfer the collected data into a common data bank structure.
Based on the present inventory a sample of film and video material will then be selected for digitalization in order to preserve outstanding filmic and artistic works and make them accessible to a wider public.
Æwww.filmladen.de/dokfest
ÆProject partners Gerhard Wissner, Kati Michalk
208
EUROPEAN MEDIA ART FESTIVAL
Das European Media Art Festival in Osnabrück bietet jährlich einen aktuellen Überblick über die internationale Medienkunstszene und ist ein lebendiger und bedeutender Treffpunkt für Medienkünstler, Kuratoren, Verleiher und Galeristen und ein interessiertes internationales Publikum.
Das European Media Art Festival verfügt über etwa 4.000 Filme, Videos und Dokumentationen inklusive der Hintergrundtexte, Fotos und Biografien, die seit 1981 in Osnabrück gesammelt wurden. Dieser einmalige Fundus
von Experimentalfilmen, Videokunst, Performancedokumentationen, Installationskonzepten und -bändern sowie Arbeiten auf CD Rom - von und über die internationale Medienkunstszene - soll nach anerkannten Qualitätskriterien grundlegend aufgearbeitet und zugänglich gemacht werden. Aufgrund der zeitlichen Dimension
von fast drei Dekaden ist auch die kunsthistorische Aufarbeitung notwendig.
Die Sicherung und Restaurierung der Originalbänder und Filme ist eine wesentliche Zukunftsaufgabe für diesen Archivbereich, denn es ist bekannt, daß Videobänder, CDs und auch Filme nur eine begrenzte Lebensdauer
besitzen. Die achtziger und neunziger Jahre sind kunsthistorisch deshalb so interessant, da sich in dieser Zeit
aus den Disziplinen Experimentalfilm, Videokunst und (interaktive) Computerkunst sowie Netzkunst eine neue
Form entwickelt hat, die unter dem Begriff Medienkunst subsumiert wird. Das Festival in Osnabrück und damit
auch dessen Bestand zeichnen sich dadurch aus, dass hier Avantgarde-, Experimentalfilm, Videokunst, Filmund Videoinstallationen, Performances, interaktive digitale Projekte bereits aus den achtziger und neunziger
Jahren vorliegen, die in ihrer Vielzahl bei keiner anderen Institution existieren. Das EUROPEAN MEDIAART
FESTIVAL möchte nun die wichtigsten Materialien des Archives bearbeiten und in Zusammenarbeit mit weiteren Institutionen zeitgemäße Vermittlungsformen für Medienkunst entwickeln.
The European Media Art Festival in Osnabrück offers a current overview of the international Media Art scene
every year, and is a lively, important meeting place for media artists, curators, lenders and gallery owners, as
well as an international audience.
European Media Art Festival has around 4,000 films, videos and documentations, including the background
texts, photos and biographies collected in Osnabrück since 1981. This unique pool of experimental films, video
art, performance documentation, installation concepts and volumes, as well as works on CD ROM – by and
about the international Media Art scene – is to be fundamentally processed and made accessible to the public in compliance with recognised quality criteria. Art historical reprocessing is also necessary, due to the time
span of almost three decades, including also the contextualisation of Media Art from today’s perspective in
view of technical and social developments.
Safeguarding and restoring the original reels and films is a major future task for this area of the archive, because it is well known that video tapes, CDs and films only have a limited life span. The 1980s and 90s are so
interesting, from an art-historical perspective, because a new form – subsumed under the term ›Media Art‹ –
developed out of the disciplines of experimental film, video art, (interactive) computer art and web art back
then. What characterises the festival in Osnabrück, and its stock, is that it is the institution with the largest
number of avant-garde, experimental films, video art, film and video installations, performances, interactive
digital projects from the 1980s and 90s. The EUROPEAN MEDIA ART FESTIVAL would now like to process the
most important material in its archives and develop up-to-date means of communication for Media Art in collaboration with other institutions.
ÆProject partners Alfred Rotert, Ralf Sausmikat
ÆFoto: SSHTOORRTY, Michael Snow 2005
209
MEDIAARTBASE.DE
FROM THE ARCHIVES: VIDEOPOETRY
FLAMINGO’S BLOW
RADIO IMAGE
Ernst Jürgens
John Goff
Das Video FLAMINGO'S BLOW bietet zweierlei Lüste:
Lust am Schauen und die Lust an der Entdeckung ungewöhnlicher Texte und Dichter, an der Vielfältigkeit,
mit der Lyrik auf das Thema Lust eingeht. Jeder Text
findet in den Videobildern seine assoziative Fortsetzung: auf dem Programm stehen metaphysische, surrealistische, irdische und überirdische Geschmacklosigkeiten der lüsternen Art.
The video FLAMINGO'S BLOW offers two kinds of
pleasure: visual pleasure and pleasure in the discovery of unusual texts and poets, and in the variety with
which poetry deals with the subject of lust. Every text
finds it's associative sequel in the video-images:
metaphysical, actionistic, symbolic, surrealistic, natural, and supernatural offences against good taste of
the lustful kind.
Elektromagnetische Schwingungen werden mit Hilfe
einer Kathodenstrahlröhre und eines Computers
sichtbar gemacht: Das ¯Radio-Bild® bewegt sich, im
Versuch, seine verschiedenen Teilimpulse zu offenbaren.
Electromagnetic rays are visualized with the help of a
cathode ray tube and a computer: the radio-image
moves in an attempt to display its heterogenous
sources.
ÆBRD 1988, 6:45
ÆCamera Manfred Scheer
ÆActors Marc van Arschot, Manuela Hoffstadt
ÆScript Ernst Jürgens
ÆEdit Ulla Dorin
ÆVoice Marc van Arschot
ÆMusic Peter Tschaikowsky.
›Ich steige in einer Kleinstadt in den Zug...‹ Eine in einem Zug aufgebaute Erzählung, die einem alten ›ausländischen Film‹ ähnlich ist? Untertitel, Schwarzweiß-Bilder, eine Schwedisch sprechende Frau... Die
Geschichte wiederholt sich dreimal. Die Bilder sind
hypnotisch. Schliesslich werden Stimme und Untertitel voneinander getrennt.
›I get on the train in a small town...‹ A narrative constructed on a train, resembling an old ›foreign film‹?
sub-titles, black and white images, a woman speaking
in Swedish... The story repeats three times. The images are hypnotic. Eventually the voice and sub-titles
drift apart from each other.
FLYING TRUNK
The David Finch
Ein Videogedicht, über 12 Monate gefilmt. Als Erinnerung an die Geschichte von Hans Andersen und meinen alten Internatskumpanen. Über Trennung, Verlassen, Verlust und Unabhängigkeit.
A video poem, shot on film over 12 months. Remembering the story by Hans Andersen and my old boarding school trunk. About separation, abandonment,
loss and independence.
ÆGB 1987/88, 15:00 U-matic, b/w & col.
DAS ZAUBERGLAS
Bjørn Melhus
Hast du mich kommen sehn? - Ja, hierdurch! - Ist das
ein Zauberglas? - Willst du es haben? - Tut das nicht
weh? - Nein nein!
Have you seen me come? - Yes, through this. - Is it a
magic glass? - Do you want it? - Doesn't it hurt? - No
no.
ÆBRD 1991, 6:00, U-matic, col.
ÆCamera Bjørn Melhus,
Oliver Becker
ÆDesign Julia Neuenhausen
210
ÆGB 1989, 4:30 U-matic, col.
ÆActor Jane Chapman
SLEEPING CAR
Monique Moumblow
ÆCDN 1999 5:00 Beta, b/w
DELIRIUM
Michael Maziere
Maziere enthüllt eine beunruhigende und dennoch
verführerische Welt von Schönheit, Überfluss und
Sucht. Dieser archäologische Ausflug in unser kollektives Unterbewusstsein benutzt Poesie, Kino und Psychoanalyse, um einen melodramatischen Traumtext
visueller Sinnlichkeit zu schaffen.
Maziere reveals a disturbing yet seductive world of
beauty, excess and addiction. This archeological trip
into our collective unconscious draws from poetry,
cinema and psychoanalysis to create a melodramatic
dream text of visual sensuality.
ÆGB 2001, 10:00, Beta, col.
ÆMusic Pierre Jansen
DURCH DEN WIND
FLIES
Robert Hutter
Romy Achituv, Danielle Wilde
Aus der Bewegung, Materie schlägt gegeneinander, Staub wirbelt auf; Materie gegen
Materie - trifft meinen Kopf. Den Körper ins
Material gerollt, eingewickelt, ausruhen und
aushalten, vorbereiten auf die nächste
Berührung, auf die Gewißheit des Zusammenpralls.
Through the Wind From motion, matter
clashes with matter: dust is stirred. Matter
against matter hits my head. The body rolled
up in the material, enwrapped, resting, bearing, and preparing for the next touch; the
certainty of the collision.
In Flies entdecken wir eine Welt, in der Schwerkraft und Perspektive von den Beziehungen zwischen ihren Bewohnern und
den von ihnen verwendeten Requisiten definiert werden. Eine
Welt, in der jedes Element dem anderen Bedeutung verleiht,
und jedes ohne das andere grundlos ist.
In Flies we discover a world where gravity and perspective are
defined by the relationships between its inhabitants and the
props they use. A world where each element attributes meaning
to the other and each is groundless without the other.
ÆUSA 1998, 4:50 Beta, col
ÆDarsteller Yasmeen Godder, Charlotte Griffin, Danielle Wilde
ÆNarration Danielle Wilde
ÆD 1993, 4:00 U-matic, col.
SALVE NOSTRADAMUS!
LOVEHOTEL
Barbara Konopka
Linda Wallace
Körperlich-sinnliche Videoperformance zu
poetischem Text in künstlicher Sprache.
Carnal-sensual video performance for a poetic text in artificial speech.
Es geht es um das Auftauchen neuer Interaktionsräume, neuer
Technologien und neuer Formen von Verlangen. Es ist das Haus
ohne Mauern oder die fließende Raum-Zeit einer spektralen
Ausstrahlung, die durch die Zwischenräume zwischen den Bildern schleicht, zwischen Wörten und Bildern, und sich so unserem Erkennungsvermögen entzieht, uns aber mit dem Gefühl
zurücklässt, dass das, was wir sehen, eine verzerrte Dissimulation von etwas Neuem ist... Es ist eine Zone der Möglichkeiten,
in der losgelöstes Verlangen und neue Vektoren der Kommunikation einen Raum für die widernatürliche Erweckung der alltäglichen Marionetten strukturiert, die in diese Sphäre einbrechen. Das Problem, das sich Lovehotel selbst stellt, besteht
darin, diesen vergänglichen Ort fühlbar zu machen, der hier und
da blitzartig auftaucht und ein seltsames Empfinden von Verstörung zurücklässt. Dazu kommt ein Gefühl, dass das Neue in
die Konventionen und Zeichensysteme des Alltags eingebrochen ist und diese verzerrt hat.
Lovehotel is about the emergence of new spaces of interaction,
of new technologies and of new formations of desire. It is the
house without edifices or the floating space-time of the spectral emanation that sneaks through the spaces between images, between words and images, escaping our cognition but
leaving us with a sense that what we see is a distorted dissimulation of something new. It is a zone of potential in which unhinged desire and new vectors of communication fabricate a
space for the perverse arousal of the workaday puppets who
swerve into its domain. The problem Lovehotel gives itself is to
render palpable this transient abode which bursts out here and
there in flashes, leaving in its wake a strange feeling of distrubance and a sense that the new has slithered into and distorted the conventions and codes of everyday life.
ÆPL 1990, 4:00 U-matic, col.
THE GODS LOVE THOSE SILENT
ONES WHO CLENCH LIFE
BETWEEN THEIR THEETH
Pieter Eycken
Ein Zimmer. Ein Mann und eine Frau an einem Tisch, sie essen schweigend. Das
Schweigen scheint ein unausgesprochenes
Verlangen zu verbergen. Langsam bilden sich
Risse in diesem alltäglichen Ritual. Aus ihren
kleinen, zögernden Gesten entsteht ein Tanz.
Eine Geschichte ohne Worte und über die
Unmöglichkeit zu sprechen. Wie soll man aus
diesen ruhigen Zimmern fliehen? Ein
Stummfilm in einer surrealistisch-visuellen
Sprache.
A room. A man and a woman eating silently at
a table. This lilence seems to hide a unspeakable desire. Slowly fissures come in to
this ordinary ritual. Out their small hesitating gestures arise a dance. A story without
words about the impossibility to speak. How
to escape out of this calm rooms? A silent
film in a surrealistic visual language.
ÆB 2000, 11:40 Beta, col.
ÆAUS 2000 Beta, 6:45, col.
ÆMusic Jason Gee
211
MEDIAARTBASE.DE
FROM THE ARCHIVES: NORMAL BEHAVIOUR
A CONVERSATION
(ABOUT WORK)
DOG OF MY DREAMS
CALLING 911
Lily Markiewicz
Roz Mortimer
Jan de Bruin
Konfrontiert mit einer unbekannten Person, werden Arthur und Joe
nach Dingen gefragt, die auch mit
dem glänzendsten Anzug nicht beantwortet werden können. Die Alltags-Körpersprache
erschließt
neue Dimensionen in dieser farbigen und frechen Beobachtung des
männlichen Körpers.
Questioned by an unknown interrogator, Arthur and Joe are asked
things even the shiniest suit can´t
reliably answer. Everyday bodylanguage acquires new dimensions
in this colourful and cheeky observation of the male body.
Dieses zeitgenösische Bestiarium
betrachtet die Beziehung von
Mädchen und Hunden aus einem
subversiven und ironischen Blickwinkel. Ein Dokumentarfilm, ein
langes Gedicht an den Hund, erzählt in einer köstlichen Mischung
aus Bildern, Texten und Stimmen
von Piero di Cosimo, Joan Baez,
Enid Blyton, Virginia Woolf und dem
Mädchen von nebenan. In einer
Reihe von phantastischen und surrealen Tableaus haben kleine
Mädchen ferne Treffen mit großen
Hunden, während erwachsene
Frauen Geschichten von Haustieren, Unbehagen in der Familie und
unterdrückten sexuellen Spannungen erzählen. Bleibt sitzen! Es
dreht sich alles um Mädchen und
Hunde.
This contemporary bestiary takes a
subversive and tongue in cheek
look at the relationships between
girls and dogs. A documentary, a
long poem to the dog. As told by a
delicious medley of images, texts
and voices from Piero di Cosimo to
Joan Baez to Enid Blyton to Virginia
Woolf to the girl next door. In a series of luscious and surreal
tableaux, small girls have distant
encounters with big dogs whilst
grown women tell their stories of
childhood pets, family malaise and
repressed sexual tensions. ...hold
onto your seats, its all about girls
and dogs.
›Calling 911‹ wurde in Los Angeles
aufgenommen und handelt von der
geheimen Resque-Organisation in
den USA, welche die Theorie verfolgt, dass die Wirklichkeit in Amerika nicht existiert, sondern eine
unendliche Reihe von Fortsetzungen einer fiktiven Geschichte ist.
Teil eines größer angelegten Projekts mit Namen ›In America‹.
›Calling 911‹ recorded in Los Angeles about the hidden network of
resque in the United States. An example of the idea that reality in
America does not exist but is a constant continuation of narrative.
Part of bigger project called ›In
America‹
ÆGB 1998, 9:40 Beta, col.
ÆActors Theatre PUR
(James, Igor, Sef, Joe)
ACTIONS IN ACTION
HalfLifers
Actions in Action versinkt in einer
Welt der wilden Helden, die in einer
kontinuierlichen Krise der Auflösung und Vergegenständlichung
gefangen sind. Ein gewöhnliches
häusliches Umfeld wird zur psychoaktiven Landschaft umgearbeitet, in der das Konzept der ›Funktion‹ situationsbezogen und fließend
wird. Nur durch den strategischen
Einsatz organischer und anorganischer Mittel kann die Mission gerettet werden.
Actions in Action plunges into a
world of frantic heroes trapped in a
continual crisis of dissolution and
reification. An ordinary demostic
setting is recast as a psychoactive
landscape in which the concept of
›function‹ becomes situational and
fluid. Only through the strategic application of organic and inorganic
devices can the mission be saved.
ÆUSA 1998, 10:30 U-matic, col.
212
ÆGB 2001, 11:36 Beta, col.
ÆSchnitt Roz Mortimer, Brian King
ÆTon Jon Wilkinson,
Maciek Hrybowicz
ÆDarsteller: Georgia Climpson,
Danelle Kerley, Jodie McLaren,
Taryn McCarthy,
Charlotte Andrew,
Scarlet Billham, Jodie Mooney
ÆNL 2004, 8:00, miniDV
RON & LEO
Oliver Husain
Die schielenden, schwulen StarZwillinge Ron und Leo in einem Musical über Unzufriedenheit in der
elektronischen B-Ebene.
The cross-eyed Gay twin stars Ron
and Leo in a musical about the discontent in the electronic B-zone.
ÆD 1999, Beta / 12:47 / col.
ÆActors
Markus und Phillip Danzeisen
A SPY
ART MODERNA
CHA CHA CHA
GEBURT DER NEUZEIT
Suzie Silver
Akiko Hada
Smart Cursor Produktion
The Spy ist eine genusbeugende
und intellektuell provozierende Mischung aus reinem visuellen Vergnügen mit verwirrenden Untertönen. Wenn Reeve ihre Lippen synchron zu dem Doors-Song ›I am a
spy in the house of love‹ bewegt,
sehen wir eine neue Manifestation
von Jesus, der sich in einem Videofeld pulsierender Regenbogen,
amöbischer Formen und Girls aus
B-Filmen in schwarzen Höschen
bewegt – und so auf ein paar der
Wünsche hinweist, die wir vielleicht vor uns oder anderen zu verbergen suchen.
The Spy is a gender-bending and
thought-provoking mixture of pure
visual pleasure with disturbing undercurrents. As Reeve lip-syncs to
the Doors' number ›I am a spy in
the house of love. I know the dream
that you're dreaming of, I know your
deepest secret fear‹, we see a new
manifestation of Jesus walking in a
video field of pulsing rainbows,
amoebic forms, and B-movie girls
in black panties – suggesting some
of the desires we may try to hide
from ourselves or others.
Eine vollständige Geschichte der
modernen Kunst in fünf Minuten
›Spanglish‹. Eine Kunsthistorikerin
(die Sängerin Chantal Remion aus
Martinique) singt in entspannter
südländischer Stimmung ›Salvador
Dali es lunos ... Pollock el splishos
y splashos ... enormous lumpo de
Moore‹. Das ›Interview‹ ist entsprechend illustriert, einschließlich einer Lektion Van-Gogh-Fälschen
des verstorbenen großen britischen Fälschers Tom Keating.
A complete history of Modern Art in
5 minutes of Spanglish. An art historian (Martiniquen singer Chantal
Remion) sings in a relaxed latin
mood ›Salvador Dali es lunos ...
Pollock el splishos y splashos ...
enormous lumpo de Moore‹. The
›interview‹ is suitably illustrated,
including a lesson in forging Van
Goghs, from the late great British
forger Tom Keating.
Das Problem ist eben einfach, daß
es leider diesen archimedischen
Punkt, von dem aus man reden
kann, nicht gibt.
The problem rather consists in the
fact that, unfortunately, this archidemic point from which to talk
from does not exist.
ÆGB/D 1989, 5:50, U-matic, col.
ÆScript Andrew Brenner
ÆCamera Peter Harvey
ÆEdit Tony Cloarec, Akiko Hada
ÆActor Chantal Remion
ÆMusic, sound: Steve Beresford
ÆLyrics Andrew Brenner,
Max Eastley
Gebe etwas Mehl und etwas Wasser, oder irgendeine andere Flüssigkeit, in eine Schüssel, füge all
die Seltsamkeiten hinzu, die dir gerade durch den Kopf gehen und
knete alles mit deinen Händen, bis
du eine gleichmäßige Masse erhältst. Das Ergebnis musst du
nicht unbedingt zu dir nehmen.
Put some flour and a small amount
of water, or any other kind of fluid,
in a bowl, add all the odd stuff that
goes through your mind and knead
all this together with your hands,
until you obtain a homogenous
mixture. You don’t necessarily have
to eat or drink the result.
ÆUSA 1992, 4:15, U-matic, col.
ÆActor: Hester Reeve
ÆMusic: The Doors
ÆBRD 1989, U-matic, 8:00, b/w.
ÆMusic, sound Andreas Merz
IDIOT`S BREW
Antonin de Bemels
ÆB 2002, BetaSP, 9:30, col.
213
MEDIAARTBASE.DE
FROM THE ARCHIVES: POLITICAL CORRECTNESS
A.K.A. (ALSO KNOWN AS)
DRAMA, STRINGS AND HORNS
Leon Cmielewski, Josephine Starrs
Gunter Krüger
›a.k.a.‹ (also known as), ein Deckname, eine Front, ein
Deckmantel. Dieses Video fragt: Wie werden wir reagieren, wenn der Tag der universellen Überwachung
gekommen ist? Die Antwort ist einfach: sei niemals
dieselbe Person zweimal.
›a.k.a.‹ (also known as), an alias, a front, a smokescreen. This video poses the question: how will we respond when the day of universal surveillance arrives?
The simple answer: never be the same person twice.
Ausgangspunkt dieser Arbeit war eine kleine, ca. 60
Sekunden lange Filmrolle des DDR-Fernsehens aus
dem Jahre 1968, deren Beschriftung keinen Zweifel an
der Form ihres Inhaltes zuließ: ›POIW-NO8575 Weiterer Bericht von dem Notstandsterror in Westdeutschland: Polizei knüppelt Demonstranten, 16.4.68,
21.45‹... wenn auch stumm, ein klassischer Propagandafilm im Stile des kalten Krieges... mit Opfern und Tätern und noch mehr Opfern....
The starting point for this film was a 60 second long
film produced by the German Democratic Republic
television station in 1968. The title says it all: ›POIWNO8575 Another report about the terror in West Germany: The police club demonstrators, 16.4.68, 21.45‹.
A classic but silent propaganda film typical for the
Cold War period, with victims and culprits and more
victims…
ÆAUS 2001, 3:30 Beta, col.
ÆMusic Danielle Salvati
ÆD 1998 Beta, 7:22, b/w
ÆMusic John Fiddey
BILOCATIA / BILOCATION
DIE ANGST DIE MACHT DIE BILDER
DES ZAUBERLEHRLINGS
Marina Grzinic, Aina Smid
Herbert Distel, Peter Guyer
Bilocation ist ein Begriff, der Dislocation/Verwirrung
bedeutet: ein Körper an zwei verschiedenen Orten (Bilocation ist auch ein Begriff für transzendente und
geistige Existenz). Das Projekt BILOCATION ist eine sowohl politische als auch künstlerische Sicht der jüngsten Ereignisse/Vorfälle in Kosovo im (damaligen) Jugoslawien.
Bilocation is a term which means a dislocation: one
body in two different places (BILOCATION is also a
term for transcendental and spiritual existence). The
project BILOCATION is a political and artistic view on
the (at that time) recent events/incidents in
Kosovo/Yogoslavia.
Erzählt wird die Geschichte von Goethes Zauberlehrling mit recycelten TV-Bildern unserer Zeit. Ist es die
Angst, die die Bilder macht, oder ist es die Macht der
Bilder, die Angst macht? - Das ist hier die Frage.
The Fear the Power the Pictures of the Apprentice Sorcerer. Recycled TV pictures tell the story of the Apprentice Sorcerer by Goethe. Is it fear which provokes
the pictures, or is it the power of the pictures which
frightens us? That is the question here.
ÆYU 1990, 14:00, U-matic, col.,
ÆCamera Lupinc Andrej
ÆActors Rebolj Mateja, Stefe Milan
ÆScript Grzinic/Smid
ÆEdit Cuckon Zlatjan
214
ÆCH 1987-93, 18:00, Beta, col. & b/w
ÆMusic Paul Dukas
ÆSupport Swiss Television DRS
ALLES WANDELT SICH
EISENKUSS
Egon Bunne
Matthias Glatzel
Alles wandelt sich. Neu beginnen Kannst du mit dem
letzten Atemzug.Aber was geschehen, ist geschehen.
Und das Wasser, das du in den Wein gossest, kannst
duNicht mehr herausschütten.Was geschehen, ist geschehen. Das Wasser, das du in den Wein gossest,
kannst duNicht mehr herausschütten, aber Alles wandelt sich. Neu beginnenKannst du mit dem letzten
Atemzug. (Bert Brecht)
Everything changes. You can start all over with the last
breath.But what happened, happened. And you can't
pour out the water anymore,Which you have poured
into your wine. What happened, happened.
And you can't pour out the water anymore, Which you
have poured into your wine, butEverything changes.
You can startAll over with the last breath. (Bert Brecht)
Bilder einer Bewegung. Collage eines Staatsbesuches.
Pictures of a movement. Collage of a state visit from
TV material.
ÆD 1987, U-matic, 7:45, col.
ÆCamera Joachim Lütticke, Matthias Schubert
ÆEdit Egon Bunne
ÆMusic Musique pour les soupers du roi Ubu® von
Bernd Alois Zimmermann
ÆText Drei Reiseberichte® von Wolfgang Neuss
DAS EISKALTE AUGE
Heiner Mühlenbrock
›Das eiskalte Auge‹ hält die stummen Bilder der Überwachungsanlage des Berliner Kongreßzentrums (ICC)
fest und konfrontiert sie mit Dialog-, Musik- und
Geräuschzitaten aus einschlägigen Genrefilmen. So
entsteht eine Collage zwischen Trivialität und Story,
zwischen Alltag und Unterhaltungsindustrie und
macht deren Schablonen sichtbar.
›THE ICECOLD EYE‹ records the dumb pictures of the
observation system of the Berlin Congress Centre
(ICC) and confronts them with dialogue, music and
sound quotations from appropriate genre films. Thus a
collage derives between triviality and story, between
every day life and entertainment industry and shows
the patterns of these
ÆBRD 1989, U-matic, 14:00, b/w & col.
ÆScript Oliver Held
ÆBRD 1986, 12:00 U-matic, col.
GREAT BALLS OF FIRE
Leon Grodski
Wahrsager umgeben uns jeden Tag. Manchmal tragen
sie einen Stab und aufgeplatzte Nähte und manchmal
einen Coca Cola Becher gefüllt mit Münzen, um den
Weltrhythmus beizubehalten. In diesem verrückten
Monolog, zahnlos, hemdlos, voller Lieder und Brüche,
spricht ein Mann sich aus wie ein Zeitbarometer. Das
Umherlaufen in den Straßen New Yorks, die Folgen der
brennenden und einstürzenden Twin Towers, die Bevölkerung in Schock, gebannt von den sich wiederholenden Bildern im Fernsehen, eine sinnlose Realität.
Für ihn ist dieses Ereignis keine Überraschung. Es ist
Teil des Phänomens, was er von unserer Nation und
Welt versteht. Er wartet schon seit langem darauf,
dass alle endlich aufwachen.
There are soothsayers around us every day. Sometimes they carry staffs and split seams and sometimes it´s a warm coca-cola cup filled with coins used
to keep the rhythm of the world. In this mad monologue, toothless, shirtless, filled with song and split,
this man speaks out like a barometer of the times.
Walking about in the streets of New York in the aftermath of burning and falling twin towers, the public in
shock, mesmerized and being fed repeated images on
tv, a senseless reality ahead. For him, this event is not
a surprise, it is part of the phenomenon that is his understanding of our nation and times. He´s been waiting
for everyone to finally wake up.
ÆUSA 2001, 6:00, miniDV, col.
215
MEDIAARTBASE.DE
FROM THE ARCHIVES: GEFUNDENE GESCHICHTEN
DECODINGS
HEADGEAR
Michael Wallin
David Leister
›Decodings ist eine tief bewegende, allegorische Suche nach Identität in den Dokumenten der gemeinsamen Erinnerungen. Dazu benutzt er Bildmaterial aus
den 40er und 50er Jahren... Die Suche nach dem
Selbst endet in tiefer Bitterkeit mit dem Bild eines
Jungen und seiner Mutter am Küchentisch, womit der
Augenblick eingefangen wird, in dem Schmerz und
Verlust ihren Anfang nehmen‹. (Manohla Dargis, The
Village Voice)
›Explodiert mit Buñuels Sinnlichkeit und einer an Hitchcock erinnernden Ironie in der Erzählung...‹ (Doug
Sadownick, Los Angeles Weekly)
›Decodings is a profoundly moving, allegorical search
for identity from the documents of collective memory.
He uses found footage from the 40's and 50's... The
search for self ends in aching poignancy with still of a
boy and his mother at the kitchen table, catching the
moment the marks the dawning of anguish and loss‹.
(Manohla Dargis, The Village Voice)
›Explodes with Buñuel's sensuousness and a Hitchcockian narrative irony...‹ (Doug Sadownick, Los Angeles Weekly)
In Headgear geht es um die Symmetrie von Ton und
Bild als Kontrast zur Symmetrie des Gehirns. Schwerpunkt ist eine relativ unfertige, ungenaue Meßmethode der hochkomplexen Gehirnmechanismen. Bild und
Ton versuchen, das begrenzte Wissen widerzuspiegeln, das wir dieser unscharfen Wissenschaft verdanken.
Headgear deals with the symmetry of sound and image in opposition to the symmetry of the brain. The focal point is a relatively crude and inexact method of
measurement for the highly complex mechanism of
the brain. Sound and image strive to reflect the limited knowledge we have gleaned from this inexact science.
ÆGB 1991, 6:00, 16mm, b/w
ÆUSA 1988 16mm, 15:00, b/w
VACANCY
NY - THE LOST CIVILIZATION
Matthias Müller
Dylan Mc Neil
Brasilia, die ›Hauptstadt der Hoffnung‹, ›die letzte
Utopie des 20. Jahrhunderts‹ (Umberto Eco), heute
konserviert als ›Weltkulturerbe der Menschheit‹. Ein
Schauplatz - so alt wie der Filmemacher. Eigene Bilder
von 1998 treffen auf Amateurmaterial und Spielfilmsegmente von 1960. Vacancy zeigt den utopischen Ort
als einen von Menschen verlassenen; allein Wärter
und Putzkolonnen bevölkern ihn wie Statisten.
Brasilia, the ›city of hope‹, ›the ultimate utopia of the
20th century‹ (Umberto Eco), today is being conserved
as a cultural heritage. It is a spot as old as the filmmaker. Incorporated in his 1998 travelogue are segments of amateur footage and excerpts from feature
films shot in the early Sixties. Vacancy describes the
utopian location as one abandonned; only guards and
cleaning squads inhabit the place like a staffage.
Die anthropologische Studie von NY (ausgesprochen
›NEEH‹), einer Stadt, gebaut auf Rauch. In dieser
fremden Stadt werden Müllbeutel gefährliche Objekte, Damen aus der feinen Gesellschaft bilden Straßengangs und ein einziges Wort - fuck - wird als Subjekt,
als Objekt und als Verb verwendet.
The anthropological study of NY (pronounced ›neeh‹),
a city built on smoke. In this strange city, garbage bags
become dangerous objects, society ladies form street
gangs, and a single word - fuck - is used as subject,
object and verb.
ÆD 1998, 14:30, 16mm, col.
ÆMusic Dirk Schaefer
ÆVoice-over Mike Hoolboom, Jean-Claude Kuner,
Ricardo P. de Lima
216
ÆUSA/Monaco 1997, 18:00, 16mm, b/w
WARUM IST ES AM RHEIN SO SCHÖN?
HEY MADONNA
Klaus Telscher
Mike Hoolboom
Es scheint ein Nachholbedarf dafür zu bestehen, den
Gefühlshaushalt in Ordnung zu bringen und von etwas
zu sprechen, was bisher verpönt oder mindestens lästig war und allenfalls kritischer Aufarbeitung bedurfte. Es handelt sich um Mama und Papa und um das
Gefühlserbe der Mütter- und Vätergeneration. Die Erben greifen sich ein Traditionsstück heraus, putzen es
spielerisch auf und nutzen es zur Identitätsvermehrung. Nicht eben respektvoll, aber neugierig und lustvoll. Die Kamera zieht von der Wasseroberfläche
zurück, die endlos erschien. Klaus Telscher sitzt vor
dem Fluß am Steuer seines Autos, eine Schiffermütze
auf dem Kopf, das Fernglas umgehängt, und er beginnt, auf die Ansichtskarte zu schreiben: ›Liebe Mutter!- Im Hintergrund steigt Neuschwanstein auf und
die romantische Bergwelt der Alpen, und ihm drängt
sich ein Lied auf die Lippen: Ein Wind... Kap Hoorn - sei
nicht traurig... Ja, Hans Albers ist es, er ist Hans Albers...‹ Die Ansichtskarte geht ab... (Dietrich Kuhlbrodt, in: Frankfurter Rundschau 16.05.1987)
There seems to be a demand for emotions to be
brought back in order and to talk about something
that has so far been considered either forbidden or at
least unpleasant, in any event, it was in need of critical examination. It is all about Mom and Dad and that
generation's heritage of feelings. The heirs pick out a
piece of tradition, playfully polish it up and use it to
perpetuate their identity. Not with respect, but with
curiosity and pleasure. The camera draws back form
the surface of the water, a surface that had appeared
endless. At the bank of the river, Klaus Telscher sits at
the steering of his car. A sailor's cap on his head and
binoculars around his neck, he starts a postcard with
›Dear Mom!‹ In the background Neuschwanstein and
the romantic mountains scenery of the Alps rises. A
song forces its way to his lips: ›A Wind... Cape Horn...
Don't be sad...‹- Yes. It is no other than Hans Albers...
he is Hans Albers... the postcard is send off... (D.
Kuhlbrodt, in: Frankfurter Rundschau, 16.05.1988)
›Ist Fotografiert-Werden die einzige Möglichkeit, sich
dem Tod zu entziehen? Ich erinnere mich an die Videokamera, die du benutzt hast, als wir zum erstenmal
fickten. Du sagtest: ›So wird unsere Liebe niemals enden.‹ Jetzt sehe ich dich nicht mehr, nur noch im Fernsehen.
Bist du der Grund für die Massenkommunikation?
Wurde das Fernsehen erfunden, damit wir uns alle bei
dir einschalten können? Dir zuhören? Uns in dich verlieben? Ich weiß, du hebst Gewichte und joggst und alles, aber du siehst einfach nicht mehr genauso aus.
Und es ist traurig. Es erinnert daran, was bevorsteht.
Was schon in uns ist. Uns auffrisst.
Wenn ich gehe, möchte ich wie die Mona Lisa aussehen, mit diesem lustigen kleinem Lächeln im Gesicht.
Ich weiß, worüber sie - nach all der - Zeit lächelte. Es
ging um den Tod. Das Wissen, wie man stirbt. Am Ende
deiner Tage gibt es nur noch das. In den Abgrund
schauen und lächeln. Ist es ein Wunder, dass sie auf so
vielen Postkarten ist? Genau wie du, Baby. Ich hoffe, es
geht dir gut.‹ Jason
›Is being photographed the only way to cheat death? I
remember the video camera you used when we fucked
for the first time. You said, ›so our love will never end.‹
Now I never see you anymore except on TV. Are you the
reason for mass communications? Was television invented so we can all tune in to you? Listen to you? Fall
in love with you? It's hard to watch you growing older. I
know you lift weights and jog and all that, but you just
don't look the same now. And it's sad. It's a reminder
of what's coming. What's already inside us. Eating us
away.
When I go I want to look like the Mona Lisa, with that
funny little smile on her face. I know what she was
smiling at after all this time. It was about death.
Knowing how to die. At the end of your days there's
only that. To look into the abyss and smile. Is it any
wonder she's on so many postcards? Just like you
babe. Hope you're good.‹ Jason
ÆBRD 1987, 18:00, 16mm, col.
ÆWhy the Rhine area is so pleasant?
ÆActors Marianne Lohmann, Dagmar Boarding,
Klaus Telscher, Hans Joachim Hofmann.
ÆKanada 1999, 9:00, 16mm, b&w
217
LIST OF TITLES
48
130
137
69
71
60
# 37
03/28/2009
2,5mgo
2:48 minutos con la puerta
4
5 lessons and 9 questions about
Chinatown
179 The 52 Card Psycho
39 7ATHENS 24
214
214
92
212
62
134
72
145
87
158
59
215
125
129
132
112
187
141
213
156
A
Die Angst die Macht die Bilder des
Zauberlehrlings
a.k.a. (also known as)
Aanaatt
Actions in Action
Adieu Mon Général
Affection Rejection Reflection
Afterimage: A Flicker of Life
Aids in Europe
Airport Tunnel
Akousmaflore
All Restrictions End
Alles wandelt sich
Alright (cos nothing is alright)
Am Sonnenberg
Amourette
An Introduction and Survey of
Tambellini's Lifetime Art-Work
An-archic device
Ana
Art Moderna Cha Cha Cha
Augen zu Basel
B
Bang Out
La Barca
Based On A True Story
Bastard
Beine Brechen (Breaking Legs)
Beyond The Roundabout?
Bilocatia / Bilocation
The Bir(d)th, a.k.a. die schudas...
Black IS
Black On Black
Black Oval White
Black Plus X
Black Rain
Black Trip 2
Black Trip1
Black TV
Blackout
Blast
bolzplatz
Brandt Brauer Frick - Bop
Bridges and Balloons
Brises (Waves)
Brüder und Schwestern, ein
Gedenken
94 Burlesque
85
88
128
148
64
61
214
180
113
113
44
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40
114
114
115
114
148
146
83
84
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170
83
212
154
51
149
46
C
Cadavre Exquises Vivantes
Cake Song
Calling 911
CaramCollage
Carbon Dating Angels
CarvelLCD
Casting
218
129
47
123
142
72
138
44
98
45
44
145
66
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192
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97
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96
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178
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203
207
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159
47
53
96
215
215
78
102
148
139
49
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146
209
127
64
59
96
197
39
165
Catafalque
Centipede Sun
Chances
Christiane stinkt
Chromatic Frenzy
Chytte ho!
Ciudad Sin Titulo (inside)
Cocais, The Reinvented Town
The Collagist
Collision of Parts
Colorstoxx
Cómo dibujar animales tristes...
Contre-jour
A Conversation (about work)
Creative Comments
Creature from the Black Lagoon
Crude Carrier
127 Ferment
142 Festival II
63 Film für übers Sofa
210 Flamingo’s Blow
211 Flies
210 Flying Trunk
176/196 Frontiers – You’ve reached
the Fortress Europe
G
213 Geburt der Neuzeit
68 Geschichten aus der Heimat
(Homestories)
84 Geschichten von Leuten die vor
Züge springen
159 Global Co.
211 The Gods Love Those...
143 Gold
188 The Grand Defender
D
84 Les Grands Chevaux
D.O.A. – recomposed
215 Great Balls of Fire
Dager av kjærlighet (Days of love)
Das ist sehr gut (That is Very Good) 69 Great Man and Cinema
173 Greenhouse
The Day We Surrender to the Air
198 Guitar Heroes und Misheard
Dead SEEquences
Lyrics...
Dear Adviser
Decodings
H
Default to Public – Tweetleak /
98 Hamlet
Tweetscreen
45 Haut der Dinge (Skin Of Things)
Delirium
216 Headgear
Den Fremden lange anstarren
65 The Healers
Destroying Sulukule
142 Der Heiland ist geboren
Dialogos
135 Der Herr der Lage
Dies ist keine Übung
217 Hey Madonna
A ›Digital Triptych‹: -1
56 Holding Still
Dirk & Thomas 1-17 & 20
60 The Homestead Act
Do It, but do it again!
83 Las Horas (The Hours)
documenta Archiv Kassel
133 Hybris
Dog of my Dreams
Dolce Vita
I
Don't Bogart That Joint
81 I Know Where I'm Going
Doors
47 I stare boiling
Drama, Strings and Horns
213 Idiot`s Brew
DSW
74 If There Be Thorns
Durch den Wind
146 Import/Export
Durchgang
117 Inauguration ‘81
Dusk
67 The Interpreters
128 Inside Out
E
57 Les invisibles
East Man
147 Irratio
Echoing Spaces
70 Isabelle Huppert Secret Thoughts
Eisenkuss
73 It Came From Outer Space
Das eiskalte Auge
95 Ivo Burokvic…
Elastic cord playing
Electromedia: On Impermanency
J
Elien
152 Jetzt ist wichtig
Embrace
82 Jewish Revenge
Erie
143 Jimmy ... Adja (Bulgariwood)
European Air Traffic
126 Jukka
European Languages
European Media Art Festival
K
Even Losing You
75 Käfig
Everybody
141 Kalimba
The Exception and the Rule
141 Kashmir
208 Kasseler Dokumentarfilm- und
F
Videofest
F@©k That
124 kleine Brötchen
Die Fähigkeit zu hören
137 Kleingarten
Fear Chamber
141 Klöppel
Feierabend
155 Die Kneipe
200 Kurt Schwitters - Leben und Werk
99
97
55
42
137
91
172
131
160
71
80
93
153
211
132
89
68
130
116
76
166
194
70
48
50
204
161
46
89
123
147
79
115
151
135
195
122
175
131
97
55
68
138
95
177
57
201
136
151
52
65
85
157
98
202
216
L
Lady of Souls
Lapsus (Slip)
The Last Happy Day
Lay Claim to an Island
Le chant de l’arbre
Let Each One Go Where He May
LightHouse
Little Johnny discovers
Lokal-Global
Long Live the New Flesh
Looking for Apoekoe
LoopLoop
Loose Connection
Lovehotel
Lumière
M
M
M for Mommy
Make-Down
March 27, 1980 8:00PM–1:00AM
Mark
Mash Up and More
The Mash Up Phenomenon
Mashed Up Radio
Materia Obscura
Me, Myself and I in the Age...
Mediaartbase.de
Medienwerkstatt der
Generationen
Mekanisk <-> Organisk
Memory Fade
Miracles
Monitoring and Visualizing Last.fm
Monuments
Moonblack
Mörderball
Mountain-Water-Painting
Movies Meet Games
Mum’s lunch
Music From The Masses
My Baby
My Dear Grandma
My Mother and Her Portrait
N
Nacht um Olympia
Nachtschatten
Naufrage
Neophonie
Nesnáším... co? (I hate...what?)
Netzkonzepte der Zukunft
A New Ecology for the Citizen of a
Digital Age
Nicht auszuschließen dass er tot ist
Night
Nii pikk (So long)
No place like home
Non visual film
Nous (Us)
Nova-Kino: Die Geschichte der
filmischen Agit-Prop
NY - The Lost Civilization
129
152
140
74
66
146
183
41
74
O
o.t. für Fokko
Octaves Tag
Ohne Titel
Oops Wrong Planet
Oral History
Organ-Union
Ornament
Otchajanie (Despair)
Ottana
94
88
138
70
93
149
40
92
72
99
145
148
186
63
133
P
Painting Paradise
Palmes d´Or
Parade
Les Paraparapluies
Passenger
PDE_Lubanoise
Perceptual Subjectivity
Phone Tappin
Pin-Ups In 3D
Point of Departure
PolyEurope
Pong
Proximity (Bubble Version)
Psycho-analýza (Psycho-analysis)
Ptak (Bird)
Q
133 Q (2nd cut 09)
142 Qubia
71 Quiero estar el resto de mi vida
contigo
210
78
66
46
95
100
118
97
36
87
212
R
Radio Image
Real Snow White
Red Herring
redshift
Rehab
Der Reisende Festivalzirkus
Retrospektive Aldo Tambellini
Rif (Reef)
RIP: A Remix Manifesto
Robosonic - Sprachfehler
Ron & Leo
211
41
82
51
78
124
43
96
68
93
136
38
210
143
99
154
213
171
87
126
S
Salve Nostradamus!
Scene 32
Schlafende Füchsin
schutzfilm - Thaumatrope
Sic Transit
Side by Side
Silent Elections
Sinus Aestum
Sisäinen lähiö (Suburb Within)
Six Easy Pieces
Skyggen
Slap! The Gondola
Sleeping Car
Smoke Gets In Your Eyes
Snakes
Soundness
A Spy
Starry Starry Night
Static
Stimme der Lücke
92
45
71
162
134
123
Strange Lights
Stretching
Suspended Animation
Synchronisator
Synchronisation
Synchronization
168
69
85
61
134
157
54
90
174
125
191
T
The Table Turning
Tatitude
Telarañas
They Come They Go (25th frame)
Tolygiai tolydziai
Transducers
Tree of Forgetting
Trees of Syntax, Leaves of Axis
Tri-ger
Troy von Balthazar: CATT
Two Dogs Watching
38
67
42
122
40
U
Un merci lointain
Untitled - Hypno Project
Untitled [Two Guys]
Untitled #44
Utopía
156
216
163
139
164
V
v+ - Expanded Timecode Vinyl
Vacancy
VIDEOLOOPMACHINE
Viola: The Traveling Rooms...
Volker Winck Quartett
127
199
130
86
99
W
Walking on the Seashore II
A Walk With Nigel
Warden Sprites
Warum ist es am Rhein so schön?
Way Fare
WDCE (Words don’t come easy)
We Don't Care About Music
Anyway
Westcoast
What-if? Beyond a Carnalove
Where's Your Head At
While Awake (Behakitz)
White Boy from the East
White Shoe Station
Who lives in my head?
Wie das Gefäss läuft es aus
Wie ich lernte, den Grossen
Augenblick der Erkenntnis...
Windschief
WJ-S
Words
Words
Wound Footage
210
155
65
206
138
149
Z
Das Zauberglas
Zeit-Träume
Zeitriss
ZKM | Institut für Musik & Akustik
Zwei Welten
Zwirn
52
53
184
217
80
149
58
94
79
86
139
80
54
126
136
182
219
LIST OF AUTHORS
211
147
148
73
149
45
98
84,122
96
169
146
168
93
195
141
170
97
156
135
54
202
83
94,170
136
89
174
215
79
68
59
98
65
171
84
214
172
96
93
130
A
Achituv, Romy
Adjei, Christopher
Aghabayans, Tatevik
Arnold, Jack
B
Balzien, Alex
Bartels, Thomas
Bartos, Andres Amory
Basler, Henning
Battey, Bret
Beck, Heiko
Behm, Stephanie
Bellinkx, Ruben
Bergeron, Patrick
Bhatty, Michael
Bielinski, Joanna
BitteBitteJaJa
Blay, Marta Abad
Bohatsch, Jonas
Bolewski, Christin
Boord, Dan
Boswell, Mark
Brandt, Daniel
Braun, Ulu
Briz, Nick
Brown, Carl
Brutmann, Sirah Foighel
Bunne, Egon
Burns, Torsten
Burz, Curtis
Butler, Brad
C
Cardoso, Ines
Casalprim, Quimu i Suárez
Chen, Yun-Ju
Clerté, Joris
Cmielewski, Leon
Coeckelberghs, Luc
Conrad, Oliver
Croma, Robert
Czogalla, Philipp
D
213 de Bemels, Antonin
212 de Bruin, Jan
74 De Clercq, Anouk
99 De Inimas, M.
85 de la Cruz Chavez,Alejandra
70,163,173 Demming, Stefan
123 Denniberg, Lindsay
68 Diekman, Kristine
214 Distel, Herbert
80 Doing, Karel
196 Donovan, Adam
39 Draeger, Christoph
89 Dufour-Laperriere, Felix
58 Dupire, Cédric
95 Durand, Clorinde
174
79
82
141
220
E
Efrat, Eitan
Entwistle, Redmond
Epstein, Amit
Ermann, Sabine
40
140
49
211
Estupinyà-Garcia, Estela
Etten, Jonas
Everson, Kevin Jerome
Eycken, Pieter
135
210
69
131
67
99
145
129
83
157
175,203
88
133,137
87
F
Fendrich, Pascal
Finch, The David
Finn, Jim
First, Or
Fishbone, Douglas
Fleisch, Thorsten
Fluck, Dina
Franke, Kristin
Freixes, Gerard
Friedrich, Verena
Fritsch, Matthias
Fruhauf, Siegfried A.
Funk, Gerhard
Funk, Tyler
123
36
132
40
154
66
66
99
215
210
176,196
151
197
47
215
44
87
214
214
96
G
Gaudin, Dorian
Gaylor, Brett
Gehrig, Maja
Gerhardt, Joe
Gerken, Daniel
Ginard, Pere
Gines, Laura
Girardet, Christoph
Glatzel, Matthias
Goff, John
Gold extra
Gosejohann, Thilo
The Grand Defenter
Grecu, Mihai
Grodski, Leon
Gruffat, Sabine
Gruss, Robert
Grzinic, Marina
Guyer, Peter
Guzman, Antonio Jose
213
59
138,153
143
146
212
196
135
75
86,92
46
98
53
66
141
94
196
147
155
136
76,217
130
87
H
Hada, Akiko
Haeri, Reza
Haering, Jan
Haffke, Gerald
Hahn, Sonja
HalfLifers
Hammerle, Tobias
Härpfer, Bernd
Hartmann, Philipp
Hattler, Max
Helmchen, Rocco
Hems, Olivier
Henderson, Louis
Herbst, Nico
Hillebrand, Nils
Hlali, Barbara
Hobmeier, Georg
Holland-Cunz, Nils
Hommerich, Klaus
Hong, Min Eui
Hoolboom, Mike
Hübner, Maurice
Hugo, Vitor
139 Hung, Shih-Ting
212 Husain, Oliver
211 Hutter, Robert
I
39 intothepill
142
40
46
44
55
99
149
69
210
J
Jaehde, Stefanie
Jarman, Ruth
Jaunay, Gaelle
Jiménez, Pedro
Jiwarangsan, Chaisiri
Jolley, Paddy
Jung, Il-Ho
Jurado, Andrés
Jürgens, Ernst
52
66
80
84
41
201
75
42
146
126
92
51
96
152
146,148
84
152
149
88
211
97
51,63
160f.
64
155
125
214
58
70,177
50
K
Kalantary, Farhad
Kamensky, Volko
Kantor, Istvan
Karlson, Pauline
Kaul, Shambhavi
Keiper, Jürgen
Kels, Karl
Kennedy, Chris
Kern, Cesalie
Kim, Sunjha
King, Joe
Kiteley, Robin
Klainguti Gian
Klais, Johannes
Klein, Denis
Klotzek, Anne
Kluger, Max
Köhler, Christoph
Köner, Thomas
Konopka, Barbara
Köperl, S.
Kötter, Daniel
Kraut, Karoline
Krautkrämer, Florian
Król, Andrzej
Kromer, Jonathan
Krüger, Gunter
Kuentz, Gaspard
Küntzel, Tilman
Kutschker, Thomas
72
61
158
99
92
145
216
87
38
127
40
145
153
65
143
134/136
L
Laitala, Kerry
Larkin, Nicky
Lasserre, Grégory
Le Cain, Maximilian
Lee, HeeWon Navi
Leistenschneider,Kirsten
Leister, David
Leitl, Florian
Lenglet, Jean-Baptiste
Leo, Maximilian
Léonard, Philippe
Leu, Alexander
Leube, Dominik
Leyendekker, Tim
Linke, Sebastian
Lippard, Hanne
45
38
71
138
Lockhart, Amy
Losier, Marie
Lumby, Billy
Lyet, Pierre-Emmanuel
86
97
67
127
212
79
210
216
41
74
210
158
96
133
59
143
128
62
71
212
138
64
210
125
215
99,216
122,133
41
M
Machacek, Jan
Magnusson, E.
Maier, Johannes
Maria, Ioann
Markiewicz, Lily
Martin, Darrin
Maziere, Michael
Mc Neil, Dylan
Meessen, Vincent
Mele, Pietro
Melhus, Bjørn
met den Ancxt, Anaïs
Miller, Dennis H.
Minsel, Martin
Mirza, Karen
Mladenov, Vladimir
Mock, Sarah
Montini, Muriel
Moreno, Manuela
Mortimer, Roz
Mosler, Eike
Mott, Jessie
Moumblow, Monique
Mueller, Daniel R
Mühlenbrock, Heiner
Müller, Matthias
Münnich, Eva
Myznikova, Galina
84
47
53
52
166
N
Nagel, Chris
Nakajima, Yusuke
Neubacher, Christian
Nishimura, Yoshiki
Nöring, Hermann
61
47
151,154
200
69
142
O
Oicherman, Boris
Olaf, Erwin
Opel, Harald
Orchard, Karin
Ostrovsky, Vivian
Otto, Christoph
126
139
78
83
87
157
42
97
159
152
54
162
196
71
P
Paiva, Margarida
Pardo, Reut
Park Byounglae
Pascual, Pilar
Peter, Kristina
Petrovic, Ana
Pfeifer, Mario
Pikkov, Ülo
Polak, Joanna
Porsche, Tina
Preibsch, Sara
Prins, Gert-Jan
Prlic, Sonja
Provost, Nicholas
129
152
98
145
170
48
146,149
64
147
48
93
179
198
122
56
194
127
81
74
141
199
187f.
85
192
91
55
90
78
134
71
99
83
68
132
158
130
80
128
68
87
83
70,143
125
145
133
197
155
156
180
137
143
63
94
60
213
138
213
46
214
183
184
70
123
R
Rainer, Christoph
Rambeck, Guido
Ramirez, Enrique
Rau, Christian
Rauschmeier, Roland
Reble, Jürgen
Reimann, Lisa
Reinke, Steve
Reitheimer, Ingo
Rekveld, Joost
Reynolds, Reynold
Rhodes, Geoffrey Allan
Richard, Birgit
Riebel, Stefan
Riegel, Florian
Rintakumpu, Lasse
Risch, Daniela
Rivers, Ben
Robinson, Michael
Rodday, Björn
Roquigny, Anne
Rosenberger, Tobias
Rosto
Rotert, Alfred
Russell, Ben
S
Sachs, Lynne
Saïto, Daïchi
Saiz, Manuel
Sakalauskas, Rimas
Salier, Edouard
Sanchez, Oriol
Sárkány, Claudia
Sassi, Pekka
Scachioli, Fabio
Scenocosme
Schäffer, Laura
Schedelbauer, Sylvia
Scheyda, Yaschar
Schierhorn, Timo
Schierwater, Sebastian
Schleef, Julian
Schleicher, Harald
Schmidt, Adrian
Schneider, Christoph Tim
Schnell, Florian
Scholz, Malte
Schöning, Friedrich
Schroeder, Janis
Schuda, Susanne
Schulte, Joanna
Schwarz, Michael
Seidl, Hannes
Shore, Tim
Silver, Shelly
Silver, Suzie
Šima, Boris
Smart Cursor Produktion
Smedstad, Ivar
Smid, Aina
Sokolova, Anna
Sonntag, Jan Peter
Speer, Christina
Spong, Daryl
145,148
214
97
51
186
129
44
87
82
57
152
63
Stahl, Kersten
Starrs, Josephine
Steegstra, Eric
Stocks, Samuel
Stracke, Caspar
Strackholder, Arne Enno
Street, Mark
Strehlow, Nils
Ströer, Ute
Stuyck, Lennart
Sunter, Cengiz
Švarcová, Barbora
78
113ff.
139
151
217
65
100
57
124
85
126
145,148
T
Takala, Pilvi
Tambellini, Aldo
Tanner, Josh
Tebbe, Karl
Telscher, Klaus
Tenusaar, Andres
Tepe, Holger
Ther, Mark
Topaloglu, Zafer
Transforma
Trousse, Emmanuel
Tschense, Tobias
124
54
162
43
95
132
134
45
142
135
81
V
Valamanesh, Nassiem
Valdovino, Luis
van Koolwijk, Bas
Vanagt, Sarah
Verbunt, Camille
Verschueren, Benno
Viets, Enrico
Vogel, François
Vogt, Danilo
von Moos, Antshi
Vrba, Jakub
211
216
191
137
100
95
211
123
131
97
132
60
178
W
Wallace, Linda
Wallin, Michael
Wegman, William
Werth, Elsa
Westendorf, Reinhard
Wiersbinski, Paul
Wilde, Danielle
Willard, Josh
Wilson, Benjamin
Winkler, S.
Woegerer, Lukas
Woloshen, Steven
Wunderling, Jens
Y
142 Yaseen, Saad
159 Yoo, Keosang
97
196
131
146
124
Z
Zaramella, Juan Pablo
Zechenter, Karl
Zhang, Moyi
Ziggert, Jörg
Zilz, Marcus
221
EUROPEAN
MEDIA ART FESTIVAL
OSNABRUECK 2011
27. April - 1. Mai 2011
Ausstellung 27. April - 22. Mai 2011

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