1º Trimestre 2008

01
02
Generar, dotar de recursos y exponer las nuevas
tendencias artísticas más vanguardistas y
experimentales del arte contemporáneo en la
Comunidad Autónoma de la Región de Murcia
es, sin duda alguna, una responsabilidad que
concierne al Centro Párraga, Espacio de
Creación Artística Contemporánea.
En este programa de carácter trimestral y tras
una reflexión profunda sobre el panorama actual,
hemos intentado prestar especial atención a
sectores en los que detectamos carencias
significativas y que precisaban de actuaciones
precisas como son las artes escénicas
contemporáneas no convencionales en la
Región de Murcia, sector que además
entendemos como reunión y compendio de
todas las artes por su carácter globalizador,
función primaría de la puesta en escena.
Pero evidentemente no hay comunicación si
no hay recepción, no hay escenificación si no
hay público. Y debemos ser conscientes de
que el público aun requiere la adquisición de
cierto hábito y, en cierto modo, de un
acercamiento a los signos que articulan la
semiótica del arte contemporáneo en general.
Para ello, y basándonos en un principio de
actuación básica, pretendemos intervenir desde
el origen, desde la raíz. Consecuentemente
incidimos en esta programación sobre los
aspectos formativos, haciendo incursiones en
aquellos contextos que albergan a los que serán
futuros usuarios del centro y del arte
contemporáneo en general con +Móviles Inmóviles.
Por otro lado y, de forma paralela, creamos otra
línea de actuación dirigida al docente con la
ayuda del CPR2 de Murcia, a través de
Transversalia. Y finalmente y en base a completar
el currículo académico de los estudiantes de
centros superiores artísticos y basándonos en
su propia demanda, ofertamos los monográficos
y cursos de especialización.
El carácter ecléctico, la capacidad de entretener
y el discurso que no sólo muestra nuevos signos
de comunicación si no que facilita las herramientas
para su descodificación, son premisas en los
criterios de elaboración del programa, que
configuran, a nuestro entender, una autentica joya
puesta al servicio de todos los ciudadanos y
ciudadanas de esta región y una oportunidad
sanamente envidiable de disfrutar de una de las
mejores programaciones del panorama actual
contemporáneo.
Sin más, sólo me queda felicitar la ardua y
encomiable labor de todo el equipo que compone
los distintos departamentos del Centro Párraga
y agradecer la colaboración de la ESAD de la
EASD, de los Conservatorios Superior de Música
y Profesional de Danza de Murcia y, como no, a
la Consejería de Cultura, Juventud y Deportes y
en concreto a la Dirección General de Promoción
Cultural de la Región de Murcia, por depositar su
confianza y facilitar que esta incipiente
programación esté hoy en las manos de cada
uno de vosotros y vosotras haciendo posible que
en una sociedad de frágiles esperanzas podamos
comprobar que algunos sueños puedan
convertirse en una eminente realidad.
Juan Nicolás
03
04
17Ene
LAS VICENTE MATAN
A
LOS HOMBRES
una performance de
Rosa Vicente Gargallo y
Sonia Gómez Vicente.
21.00h
ESP.0
Precio: 5¤
Espectáculo / performance autobiográfico
donde madre e hija conversan sobre hombres
y ropa. El proyecto surge de la experiencia con
un trabajo anterior titulado “Mi madre y yo”,
creado e interpretado por Rosa Vicente y Sonia
Gómez.
Las Vicente... recorre una serie de sucesos
autobiográficos donde una madre y su hija
escenifican los recuerdos de treinta años.
Madre e hija en la vida real, se representan a
ellas mismas con naturalidad, humor y
desparpajo.
Naturalidad: La naturaleza, la puesta en escena
en parques y jardines, el contraste entre lo
urbano y lo rural, una instalación vivienda, ellas
habitan el lugar, hacen del lugar su casa, están
como en casa. Hablan como hablan entre ellas,
dicen textos de memoria sobre sus memorias,
hacen preguntas al público, llaman por teléfono
para pedir la cena, miran la televisión, cantan
viejas canciones y ponen precio a todo lo que
hacen.
Humor: La frontera entre realidad y ficción, entre
representación y presentación, entre enseñar
y esconder = reírse de uno mismo sin
limitaciones.
Desparpajo: Facilidad o falta de timidez para
hablar o tratar con otras personas.
Desembarazado, desenfadado, desenvoltura.
Puede tener sentido peyorativo y significar
frescura o descaro. Rapidez y habilidad con
que alguien hace las cosas o cierta cosa, o se
maneja en las dificultades. Manejo, habilidad,
soltura. (Diccionario María Moliner).
Creación e Interpretación: Sonia Gómez
Vicente y Rosa Vicente Gargallo
Textos: Sonia Gómez
Selección musical: Djd! y Sonia Gómez
Visuales: Txalo Toloza
Iluminación: Alberto Barberà
Vestuario: Las Vicente
Espacio escénico: Emily
Producción: M.O.M - El Vivero /Sonia Gómez;
El Canto de la Cabra.
05
06
Precio: 5¤
EL CAP ALS
NÙVOLS
La cabeza en las nubes
Compañía PLAYGROUND
LA CABEZA EN LAS NUBES (El Cap Als
Núvols) es un espectáculo de teatro visual
que narra el juego de los adultos en el mundo.
Habla de los adultos desde el punto de vista
del niño simbolizado por todos aquellos objetos
con los cuáles éste se relaciona y que
protagonizan el espectáculo: los juguetes.
La manipulación de juguetes representará una
historia ficticia, un cuento: las vivencias de un
ser femenino a partir del día que es
abandonado por el amante, la persona amada.
Viviremos todo el proceso de adaptación del
personaje: la soledad, los recuerdos, los
deseos frustrados, el desconsuelo y de nuevo
el enamoramiento.
LA CABEZA EN LAS NUBES presenta una
sucesión de historias breves, fragmentadas,
narradas mediante objetos y proyecciones
audiovisuales. En escena todo es real y fantasía
a la vez, viajan juntos.
En LA CABEZA EN LAS NUBES encontramos
las siguientes disciplinas artísticas:
Teatro de objetos, sombras chinas, danza,
imagen digital y música.
LA CABEZA EN LAS NUBES es un
espectáculo innovador que define la voluntad
de la compañía: “crear a partir del imaginario
buscando nuevos sentidos en todas las cosas
pequeñas”.
LA CABEZA EN LAS NUBES es un
espectáculo para todos los públicos.
Con la colaboración de la beca KRTU,
Generalitat de Catalunya y Kulturprozent.
07
Creación e interpretación: Xavier Bobés
Dirección: actoral Eric de Sarria
Vídeo: Albert Coma
Música original: Julià Carboneras
Fotografía: la murga
Vestuario: Dulce Mª Fernández
18Ene
21.00h
ESP.0
08
21.00h
ESP.0
Precio: 5¤
F
.R.A.N.Z.P.E.T.E.R.
de Sergi Fäustino
09
Franz Schubert podría haber vivido
medianamente bien si le hubiera hecho caso
a su padre y se hubiera dedicado a la
enseñanza. Pero decidió dedicarse a la música,
se peleó con su padre, se fue de casa y hubiera
vivido prácticamente en la miseria si no llega
a ser por la ayuda de sus amigos, que en
distintos momentos de su vida, le ofrecieron
casa, dinero, comida y hasta ropa.
Schubert compartió una pequeña habitación
con su amigo Mayrhofer durante dos años.
Por la mañana Mayrhofer se iba a trabajar y
Schubert se quedaba solo componiendo. Al
mediodía comía en una tasca, allí se
encontraba con sus amigos y pasaban la tarde
de tertulia entre copas de vino. Su vida fue
componer y estar con los amigos. Tan
importante era una cosa como la otra.
Schubert fue la dualidad personificada. Aparte
de la belleza de sus composiciones, lo que
más me sorprendió al investigar sobre su vida
fue esta dualidad. La importancia de la música
en su vida me pareció lógica. Es normal que
una persona capaz de imaginar una música
tan sublime oriente su existencia hacia la tarea
de ponerla sobre el papel. Lo que es más
sorprendente es la importancia que tiene para
Schubert la relación con sus amigos. El hecho
de quedar en la tasca y pasarse la tarde
charlando alrededor de una jarra de vino
(también debemos decir que los temas sobre
los que debatían estaban relacionados con el
arte, puesto que casi todos eran artistas) es
de una importancia capital para él, hasta el
punto que, en un momento en que el grupo
se disgrega, Schubert entra en un estado de
profunda tristeza, casi de depresión.
Schubert escogió organizar su vida a partir de
la música y de los amigos, de valorar al mismo
nivel la creación, la relación y la amistad. Me
pareció de una gran categoría personal y fue
esto lo que me dio la llave para vertebrar este
espectáculo.
La idea que sustenta este espectáculo es la
de juntar las dos facetas más importantes de
la vida de Schubert. Se trata de reunir a un
grupo de personas al estilo de una reunión de
amigos, para hablar de la vida de Schubert y
para oír una selección de sus “lieder”.
Cantante: MªDolores Aldea.
Pianista: David Casanova.
Actor: Sergi Fäustino.
Técnico sonido y video: Rubén Ramos.
Fotografía e imágenes: Mò Pascual.
Selección musical: MªDolores Aldea y Sergi
Fäustino.
Dirección: Sergi Fäustino.
Producción: M.O.T./El Vivero.
Teatre Lliure y Sergi Fäustino.
10
Espectáculo producido por Metatarso
Producciones con ayuda de la
Dirección General de Promoción Cultural de
la Comunidad de Madrid.
11
25/26Ene
Actores:
Hui-Chi Chiu
Juan Antonio Bottaro
Dramaturgia: Darío Facal
Espacio escénico: Antoine Hertenberguer y
Darío Facal
Espacio sonoro: Thea Norsola
Audiovisuales: Eurico J. de la Peña
Cartel: Luis Úrculo
Ayte. Producción: Laura Mazurén
Ayte Dirección: Beltrán Gimenéz-Ezquerra
Dirección de Producción: Clemente García
Dirección: Darío Facal
LA PESADILLA DE KEPLER
Precio: 5¤
La pesadilla de Kepler de Darío Facal comienza
con un holocausto nuclear que provoca la
destrucción de nuestro planeta, y la casi total
extinción de la especie humana. Los dos
únicos seres humanos que sobreviven, un
hombre europeo y una mujer oriental, se ven
forzados a buscar una forma de huir del planeta
para poder sobrevivir. Durante su largo éxodo
por el devastado planeta tierra los dos
personajes afrontan diferentes situaciones para
sobrevivir y se enamoran el uno del otro. Pero
antes de encontrar una manera de escapar
del planeta, ella muere debido a las radiaciones.
El hombre se ve forzado a iniciar una odisea
interestelar a través del espacio y del tiempo,
persiguiendo el recuerdo de la mujer que ama.
Esta historia sirve de plataforma al espectáculo,
para hacernos preguntas sobre nuestras
sociedades actuales, y nuestro lugar dentro
de ellas y en el mundo.
Metatarso Producciones
21.00h
ESP.0
12
21.00h
ESP.0
Precio: 5¤
13
CRONICA DE JOSÉ
AGARROTADO
(MENUDO HIJO
DE
PUTA)
Loscorderos SC
Crónica de José Agarrotado, es la primera
pieza elaborada bajo el nombre de
loscorderos.sc. Nació de la necesidad
de desprendernos de todo lo artificial y
encontrarnos solos, cara a cara con el
público, sin ornamentos ni artificios.
Hemos querido partir de una puesta en
escena muy activa y todo lo real posible.
En ese sentido, la acción es lo que prima,
y los elementos utilizados son pocos y
clásicos. La ausencia de medios, la
coincidencia con nuestro deseo de realizar
un trabajo puramente actoral y el tema
que tratábamos, nos llevó a adoptar una
austera puesta en escena.
Este trabajo aborda entre otros temas la
incomunicación en el sentido más amplio,
ya sea con nuestros semejantes o con
uno mismo, en esta pieza, como en el
texto dramático, todo podríamos
denominarlo de sintético, absurdamente
sintético, tal y como la temática, a nuestro
parecer, lo requería. Ahora bien, aquí uno
no acaba de distinguir entre improvisación
y coreografía, texto y diálogo, cotidianidad
y extracotidianidad, experiencia y
confesión, en resumen, verdad o ficción,
porque su creación está asentada sobre
esa zona de la realidad que más próxima
se encuentra al teatro, un intento de
verdad teatral. Que durante todo este
tiempo se haya seguido presentando, ha
permitido el crecimiento de este trabajo
y lo ha dotado de una madurez que lo
convierte en un espectáculo muy
aplaudido en la escena contemporánea.
Crónica de José Agarrotado ha recibido
en el 2006 el Premio Aplaudiment
Sebastià Gasch.
La atmósfera íntima que se crea en esta
pieza, a modo de cena o reencuentro,
es violentamente sacudida ya desde un
principio -aunque nunca rota- por la
contundencia física y verbal de unas
acciones y situaciones orgánicas
realmente auténticas.
Un absurdo elaborado pero cotidiano,
fresco y risueño, pero en ningún momento
gratuito, es utilizado como hilo creador
de un mundo propio, con leyes propias,
en el que poder narrar una experiencia
como la que se cuenta en Crónica de
José Agarrotado, que bien podría ser la
voluntad de convivencia en los términos
más generales, y sus particulares
imposibilidades; con el consecuente
derrumbamiento de todo lo creado.
¿Nunca has pensado que matar a tu alter
ego podría ayudarte a soportar mejor la
vida?. Es básicamente, una cita sin salida
con alguien tan cercano a ti, que bien
podría ser tu pareja o tú mismo.
“... traedme cerca todo lo mío, nada más
pido nada más quiero,
mi frío conmigo y las razones sin control
a mi lado.
Estoy muy bien aquí, por favor, no se lo
digas a nadie…”
dijo José Agarrotado mientras mataba
los primeros caracoles de la mañana”
Creación y Dirección: Loscorderos sc.
Intérpretes: David Climent y Pablo Molinero
Música: Tema Intro (electrónica): Carles
López. Tema Amor raro de Pepe Gómez
y los cabreros: Letra y voz: David Climent;
Composición musical, guitarra y bajo: Pepe
J. Gómez. Percusión y palmas: Iban
Rodríguez; Coros: Ana Martínez y Carlos
Gallego.
Producción musical: Pepe J. Gómez.
Diseño iluminación: Anna Rovira,
Óscar de Paz.
Técnico de luces y sonido: Óscar de Paz.
Management y Producción: Pilar López.
14
TEATRO
DA MANGIARE?
Evento para 26 comensales.
Teatro delle Ariette,
de Paola Berselli y Stefano Pasquín.
"Teatro da mangiare?" contiene una pregunta:
¿en Teatro da mangiare se come de verdad?
Los 26 espectadores están sentados alrededor
de una gran mesa, como en un restaurante.
Alrededor los tres actores cocinan, hacen de
camareros, hablan, cuentan, actúan y el sitio
se vuelve un restaurante de la emoción y de
la memoria.
El trabajo de Ariette está basicamente
relacionado con la autobiografia; trabajando
sobre su propia historia también el público
empieza a mover sus recuerdos, sus vivencias;
la comida abre las puertas del corazón y al
final la experiencia es total y muy fuerte.
El critico italiano Oliviero Ponte di Pino ha dicho
que "Teatro da mangiare?" es un "strip-tease
del alma"; al final de la función (2 horas) nadie
se va, todo el público queda allí, y sigue
hablando entre ellos y con los actores por
horas y horas... Se hace necesario compartir,
es una emoción profunda.
"Teatro da mangiare?" se ha presentado en
los sitios mas diferentes: teatros, foyer,
escuelas, restaurantes, iglesias, ayuntamientos,
al aire libre, bosques, patios (estamos
buscando alguien que lo quiera hacer en una
playa!).
Una producción Teatro delle Ariette en
colaboración con Volterrateatro Festival.
21.00h
ESP.0
15
Precio: 5¤
16
15/
16Feb
21.00h
ESP.0
Precio: 5¤
ZERO
Blanca Arrieta
A veces me comporto como un maniático
observador de mí mismo...
A veces me comporto como una
maniática observadora de mí misma...
17
Una escena íntima en la que dos
individuos que se comportan como si
estuvieran solos, se observan
mutuamente y son observados. En ZERO
nos preguntamos que ocurre cuando nos
acercamos para mirar mejor.
Los trabajos de Blanca Arrieta (“Vértigo”,
“Zero”, “3600”, “Memoria” y “Efecto
mariposa”) han sido programados en
muchas de las salas y festivales del país,
siendo además una de las compañías
seleccionadas en el Circuito de la Red
de Salas Alternativas del Estado en 2006.
Funda ese mismo año la Cía. Ciento
Cincuenta Cuerdas con la que produce
“Silvery Snot”, espectáculo creado para
la compañía por el director artístico de la
Irish Modern Dance Theatre, John Scott.
Su último trabajo, “Rest”, ha sido coproducido por el Mercat de Les Flors de
Barcelona. En el 2008 proyecta la creación
de la obra “Nostaljia”, una co-producción
con L'Agora de la Danse de Montreal.
Blanca Arrieta plantea la construcción de
un lenguaje que nace del propio cuerpo
explotando sus posibilidades
comunicativas para llegar a una máxima
expresión. Haciendo que el cuerpo se
conmueva, palpite, seduzca, sorprenda
y un sinfín de emociones más. “Del cuerpo
humano me seduce todo, su tiempo, su
belleza, su fragilidad, su resistencia,…”
Creación artística y dirección:
Blanca Arrieta
Interpretación:
Robert Jackson, Blanca Arrieta
Niña vídeo: Anna Sullivan
Diseño iluminación: Oscar Grijalba
Música original, realización vídeo:
Borja Ramos
Vestuario: Loli Albandoz
Producción: Ciento Cincuenta Cuerdas
Colabora: Rekin Productions, Eletiope
Agradecimientos: Teatro La Fundición
Subvenciona: Gobierno Vasco Eusko
Jaurlaritza
18
EL SHOW DE
LOS
GRUMILDOS
Los Grumildos.
Precio: 5¤
Los Grumildos tienen la mueca permanente
de aquellos que todas las noches beben más
de la cuenta. Estas pequeñas figuras
articuladas de plastilina con vida propia
protagonizan un montaje a mitad de camino
entre la instalación, el teatro de marionetas y
la casa de muñecas. Algunos Grumildos viven
en el Bar Cairo y en el burdel de los pisos
superiores; otros forman parte de una banda
de músicos mezcla de animales y humanos.
Una instalación de figuras móviles cargada de
humor, mÚsica y fantasía.
Idea y realización: Ety Fefer - Perú
Escenografía: Vicca Verde, Mateo Liébana y
Tito Koster
Música: Ramón Perez Prieto, Novalima Music
Mecanismos: Alonso del Río
Producción: Ernesto Soto
Distribución: 23 Arts-Brothers Projections
19
20/23Feb
21.00h
ESP.0
20
20.00h y 22.00h
ESP.0
Precio: 5¤
LA CAMA
PRÓLOGO
Y EPÍLOGO
DE
LA VIDA.
Teatro en el Aire.
La Cama es un espectáculo que nos adentra
en un universo en el que los sentidos ayudan
a viajar por la memoria. Es un reencuentro con
la vida como un mundo imaginario. Antes de
ser un espectáculo consciente todo paisaje
es una experiencia onírica. Sólo se miran con
una pasión estética los paisajes que hemos
visto primero en sueños, Gaston Bachellar.
La cama se revela aquí como sudario de
enfermedades, gabinete psicológico en el que
los problemas irresolubles encuentran salida,
tatami donde se celebran peleas a muerte,
remanso de paz en el que la pereza halla su
paraíso, acuario diminuto para aquellas
personas que no consiguen sacar la cabeza
y escapar del laberinto en el que se encierran
sus obsesiones… La cama como plaza de
toros, de aliños de circunstancia, de salidas
por la puerta grande, de escapadas por el
pasillo oculto.
La cama es un proyecto desarrollado dentro
de la clave que TEATRO EN EL AIRE investiga
desde sus inicios y que incluso motiva estos:
el sensoteatro, una fusión del lenguaje sensorial
aplicado al teatro y el teatro de texto.
Soñadoras y soñadores se invitan a una
habitación grande y confortable, dominada
por tonos crudos y el blanco, allí ocupan sus
localidades. No son butacas, aquí se acuestan
cómodamente y, en posición horizontal vivirán,
soñarán, toda la experiencia que el juego
escénico plantea.
21
Dirección e idea original: Lidia Rodríguez
Dramaturgia y Autoría: Jesús Nieto, Carlos
Javier Sarmiento y Lidia Rodríguez.
Impresiones olfativas: Carlos Javier
Sarmiento.
Diseño luces y sonido: Teatro en el Aire.
Diseño atrezzos: Montse Burgos.
Diseño espacio escénico: Lidia Rodríguez.
Fotografía plato: David Resino.
Técnico constructor: Venancio Sánchez.
Técnicos de luces: David del Alma.
Efectos especiales: La Faena.
Intérpretes: Ana Ramos, Jesús Nieto, Carlos
Javier Sarmiento,
Cristina Peregrina, Kateleine van der Maas,
Rodrigo Villagrán,
Dhapné Porrata y Lidia Rodríguez.
Producción: Jesús Nieto y Stéphanie Chiron.
22
4/5Mar
21.00h
ESP.0
Precio: 5¤
NUMANCIA
Ksec Nagoya, Teatro de Japón, Kei Jinguji.
Después del trabajo, un empleado de mediana
edad llega por casualidad a Numancia. Allí
encuentra las calles y las plazas llenas de
sangre, y cientos de restos humanos sin aliento.
¿Por qué los numantinos prendieron fuego su
ciudad y eligieron la muerte? El empleado no
supo hasta entonces sobre el cerco tan fuerte
llevado a cabo por el ejército romano, y que
por causa del hambre y la desesperación los
numantinos eligieron la libertad y el honor antes
que vivir sometidos. Entonces pensó que
Numancia quedaría para siempre en la
memoria de la gloria de España.
Dirección: Kei Jinguuji
Traducción y adaptación: Yoichi Tajiri
Dirección escénica: Hiroshi Suzuki
Iluminación: Shunsuke Yoshido
Sonido: Mitsuhiro Nakagawa
Intérpretes: Yoko Dambara, Daisuke Kato,
Hitomi Toyohara, Akihiro Yano, Haruki Yamasak
Casting:
Empleado de mediana edad, Teógenes:
Tadayoshi Sakakibara
Cipión, Marandro, Coro 1, Numantino 1:
Masaya Nagano
Leonicio, Coro 2, Numantino 2:
Kazunori Tokida
Coro 4, Muchacho, Numantino 4:
Daisuke Higuchi
Coro 5, Numantino 5: Fumitoshi Ando
Madre, Marquino, Coro 3, Numantina 3:
Senko Hida
Lira, Coro 6, Numantina 6: Chiaki Kita
Niña, Coro 7, Numantina 7: Eriko Shimizu
23
24
13MAR
THOSE
21.00/22.15h.
DJ
22.15/23.00h.
14 MAR
NOISEBOX
19.00/20.00h.
DJ
20.00/21.00h.
GUSTAV
(Eva Jantschitsch)
21.00/22.15h.
DJ
22.15/23.00h.
SCHWARZ
23.00/00.30h.
15 MAR
CHRISTIAN FENNESZ
21.00/22.15h.
DJ
22.15/23.00h.
STANDSTILL
23.00/00.30h.
25
Sin precedentes, es la única expresión con la
que podemos presentar el ciclo de tendencias
musicales organizado por el Centro Párraga.
AuDioBox, algo más que un festival alternativo,
la unión de la tecnología musical más innovadora
con el pop-rock de los últimos años.
Una muestra clara de cómo la tecnología se
ve obligada a crecer sin límites debido a las
crecientes demandas de los nuevos
compositores de electrónica de autor y de
cómo el rock se nutre a su vez de ella para
crear nuevos estilos.
En los últimos años hemos visto como cada
vez más y más grupos de rock y pop-rock
incorporan ordenadores y otra tecnología
desarrollada por y para la electrónica para
crear nuevos ambientes sonoros. Como
muestra de ello damos cita en un mismo
escenario a dos de los laptopers más
destacados de la escena europea, GUSTAV
(Eva Jantschitsch) y Christian FENNESZ; y el
rock más personal y manchado de sintes y
bases electrónicas de STANDSTILL y
SCHWARZ. Por último presentamos a dos
jóvenes formaciones murcianas que luchan
por abrirse un hueco en la escena nacional,
NOISE BOX y THOSE.
Sin duda el viaje que realizaremos a través de
las propuestas sonoras será apasionante y,
como único equipaje, las sensaciones creadas
a través de la música más innovadora del
momento.
26
THOSE
21.00/22.15h
DJ
22.15/23.00h
Precio: 5¤
27
Those comienza su andadura amediados
del año 2005, cuandoAlberto (guitarra y
voces), trasdisolverse su anterior banda clom-decide contactar con José David(bajo)
para empezar un proyectojuntos, aún sin
ningún rumbo.Tras una corta toma de
contacto, JoséAlberto (piano/coros) decide
unirse algrupo, y con él, consiguen por fin
unsonido en el que dejan intuir ciertosdestellos
de lo que tienen en suscabezas.Año y medio
más tarde se encierranen el local de ensayo
(la cocina deuna casa antigua) con un pc,
unatarjeta de sonido y sus cuatroprimeros
temas. De ahí surgirá suprimera maqueta:
“About FlyingStories”, a la cual da nombre el
primertema compuesto por el grupo.Un par
de meses despúes sale a laluz el tema más
conocido de la banda:“Caught by the
fame”.Tras la buena acogida recibida,
enseguida sienten la necesidad de llevarsus
canciones al directo, y para esocontactan
con Calvache (batería),quien en seguida se
siente identificadocon el grupo y no tarda en
convertirseen un miembro tan importante
comoel resto.Era 2007 y las inquietudes del
grupoles llevan a buscar más gente
paracompletar el proyecto con el que enun
principio habían soñado susfundadores.Así
en poco tiempo se unieron algrupo Santi
(guitarra), procedente delgrupo Hoax, Javi
(Trompeta) y Adrián(Trombón) quienes dieron
al grupo susonido definitivo (hasta el día de
hoy).Su primera parada en directo fue enla
Sala Super 8 (Murcia), el 16 deJunio de
2007, donde pudierondebutar en directo
como teloneros deFUZZ. Una semana
después (en susegundo concierto) participan
en lasemifinal del Murciajoven y hacen sutercer
concierto (15 de Septiembrede 2007) en la
final de dicho certamen,haciendose con el
primer premio.
28
NOISEBOX
19.00/20.00h
DJ
22.15/23.00h
Precio: 5¤
Noise Box es un grupo de androides creado
por Campollocorp para destruir a cada uno de
los miembros de OT y para ayudar a Yoshimi.
Noise Box are a group of androids created by
campollocorp to destroy every single member
of OT and to help Yoshimi battle the pink
robots. However, the OT soldiers keep growing
in number, and the metal bodies threaten to
take over our civilization. Day by day we
struggle to survive in a world that's burning
out as you read this. Only Hyperbaton Pop
can save us now...
Jesús Cobarro: Vocals, Guitar
Bienve Campoy: Guitar
Pericles: Drums
Jebo: Bass
Reve: Keyboards
29
30
GUSTAV
(Eva Jantschitsch)
21.00/22.15h
DJ
22.15/23.00h
Precio: 5¤
Eva Jantschitsch (Aka Gustav) vive y trabaja
en Viena. Es una artista polifacética que
compone y produce música para obras de
teatro, cine e ipods. Gustav actúa
principalmente en solitario pero colabora
también con otros artistas como Oliver Stotz
(Fender) y Elise Mory (Bösendorfer).
Gustav produce su música en su portátil y
toca todo tipo de instrumentos y canta con
un poder único e irresistible. Su música es
una mezcla de pop con toques electrónicos
y aires naif de neo-folk del siglo 21. Sus
canciones son universales y canta en inglés,
alemán y francés.
Con solo un álbum publicado hasta la fecha
(Rettet die wale, 2004), Gustav ha causado
sensación entre la crítica especializada y el
público que la ha visto actuar en toda Europa.
Actualmente está trabajando en su segundo
disco que saldrá en marzo de 2008.
http://gustav.cuntstunt.net/
31
32
SCHWARZ
23.00/00.30h
Precio: 5¤
Vuelven Schwarz con "Heavengazers",
grabado el pasado verano en Alemania, y
con tantas piruetas sónicas y melódicas
como las que surgen de otorgarle un
lenguaje propio a influencias como Loop,
Spectrum, 13th Floor Elevators, The
Stooges o los mismísimos Can. Diez
canciones entre la concisión y la
exploración, el riesgo y la diversión.
Lamentablemente hay ciertos aspectos
negativos en el obvio centralismo de la
industria musical española. Si uno no es
de Madrid o Barcelona, resulta bastante
complicado que se le pueda oír con
claridad. Siempre existen excepciones, y
el auge del hip-hop en ciudades como
Zaragoza o Sevilla, por poner un ejemplo
alejado pero significativo, puede ser
alentador aunque no deje de resultar la
excepción que confirma la regla. Hacer
indie-rock o pop psicodélico en Murcia,
desde luego, no es nada sencillo. Digamos
que los canales de distribución no andan
precisamente muy al tanto de lo que allí
se cuece. Pero como no todo debe ser la
pena y el llorar, también hay que reconocer
que cierto aislamiento es positivo, al andar
lejos de las presiones, las modas y, por
entendernos, el mamoneo corporativo. Es
así como Schwarz, sin demasiadas
facilidades, se ha ido labrando una potente
y más que admirable carrera.
El trío formado por Alfonso Alfonso,
Juanma Martínez y César Verdú siempre
ha sido fiel a sí mismo, lo cual no indica
amansamiento, sino todo lo contrario.
Porque desde su debut "These Songs
Mean Nothing" en 1998, a través del sello
Greyhead, han ido caminando despacio
y con buena letra por su propio sendero.
Un sendero que tanto ha convertido la
psicodelia en faro iluminador, como se ha
parado en lo mejor del krautrock o ha
abrazado las consignas más aguerridas
del indie. La buena acogida de "Hard
Listening", sacado con Sandwich en 2000,
hizo reparar más miradas en los murcianos.
Por eso y por su efectivo directo llegaron
a "Heptágono", un singular disco cocido
junto a Manta Ray y auspiciado por Astro,
casa que les sirvió de hogar hasta su
fichaje con Acuarela a principios del 2006.
33
"Heavengazers", grabado en Alemania
durante el pasado verano viene a
confirmar que las coordenadas musicales
de Schwarz no han hecho sino expandirse
mientras al mismo tiempo fijaban un estilo
propio, hipnótico, energético y personal.
Drone-rock, kraut-rock, art-rock... ¿Por
qué ponemos etiquetas cuando queremos
decir, simple y llanamente, "Rock"? Rock
sucio, rock intenso, rock que asume y
explota las posibilidades del ruido, de la
repetición, de los remolinos sónicos que
les acercan a propuestas como
Jessamine, Quickspace, Oneida, con
quienes comparten no solo influencias,
sino pasión por el riesgo.
Desde "Split" hasta "Open Spaces", esta
nueva entrega de Schwarz impone un
ritmo propio que no nos ciega ni nos
deslumbra, sino que nos acompaña con
la luz justa para dirigirnos hacia otra luz
al final de un túnel de sonidos
atmosféricos, densos, clónicos,
misteriosos. Y todo ello sin necesidad de
ponernos demasiado serios ni
transcendentales, claro está. Saben poner
el toque exacto de azúcar a lo demasiado
salado, y la pizca adecuada de sal a
aquello que podría sabernos demasiado
dulce. Explorar y disfrutar parece ser la
premisa en un "Heavengazers" que
contiene canciones pegadizas (por lo
accesibles) y canciones que se pegan
(porque no te las puedes quitar de la
cabeza aunque quieras).
Y todo ello para conseguir un álbum en
el que ni falta ni sobra nada, y que promete
tener otra (¡una más!) dimensión en
directo.
34
CHRISTIAN FENNESZ
21.00/22.15h
DJ
22.15/23.00h
Precio: 15¤
35
Christian Fennesz es uno de los nombres
indispensables en la producción de música
electrónica de los últimos años, gracias a su
personal mundo sonoro y su impecable trabajo
con preciosas composiciones basadas en la
guitarra. A medio camino entre la música
concreta, la clásica y el sonido ambiental,
estira los recursos acústicos y los efectos para
crear ambientes y melodías que fusionan
conceptos clásicos u orquestales con
complejos entramados digitales.
El trabajo de Fennesz se sitúa en un punto
fronterizo de la música contemporánea: de un
lado su faceta como laptoper conceptualista,
del otro la de guitarrista, construyendo entre
las dos un entramado digital en el que la
melodía y la distorsión se filtran fundiéndose
en capas sobre capas de sonido procesado.
Guitarra y ordenador crean así un denso y
nuevo lenguaje electrónico, suntuoso y
enriquecido, de gran complejidad musical, en
el que las limitaciones físicas de la guitarra
desaparecen para reconvertirse en un nuevo
instrumento lleno de posibilidades a la hora
de manejar texturas sonoras. Una fórmula que
también han empleado otros artistas pero que
tiene en Fennesz, sin duda, su mejor
exponente. Entre otras cosas porque además
ha tenido siempre el talento de no caer en los
clichés obvios del experimentalismo de
ordenador fácil y rutinario, sino que ha dotado
a sus composiciones de una sensibilidad muy
especial, una óptica naturalista, orgánica y
personal a la hora de manipular frecuencias y
fuentes de sonido.
Al margen de su carrera en solitario, Fennesz
ha estado siempre embarcado en numerosas
colaboraciones. Fenn O'Berg, con Jim
O'Rourke y Peter Rehberg, con dos discos
editados en Mego: "The Magic Sound Of Fenn
O'Berg" (1999) y "The Return Of Fenn O'Berg"
(2002). También ha trabajado juntos a artistas
como David Sylvian, Rosy Parlane,
Sparklehorse, Ryuichi Sakamoto, Mike Patton,
Nine Inch Nails o Keith Rowe (AMM).
36
STANDSTILL
23.00/00.30h
Precio: 5¤
37
Cada vez es más difícil encontrar a un seguidor
de sus inicios en un concierto suyo: pero no
por qué ya no vaya a verles, sino porque su
público ha crecido tanto en número que él se
confunde entre la audiencia. Pero está ahí,
aunque no le veamos, porque Standstill no ha
hecho sino sumar en cada uno de sus pasos,
sin perder un ápice de su creatividad, de su
energía o de su credibilidad. Tras haber tocado
y tocado, haber girado más de diez veces por
Europa, haber formado parte de una compañía
de teatro y haber dirigido incluso sus propios
espectáculos, el directo de Standstill es
reconocido como uno de los mejores y más
personales del estado. A día de hoy, la banda,
centrada en la presentación de su nuevo disco
“Vivalaguerra”, puede presumir de haberse
reinventado en cada disco, y haberlo hecho
con un éxito que atestigua su siempre creciente
poder de convocatoria. Con los años ha
conseguido juntar en un mismo concierto a
hardcores, rockeros, poperos, heavies, indies
y lectores del rockdelux. Esa es la mejor prueba
de que la intensidad y la honestidad de
Standstill no sabe ni de etiquetas ni de modas.
La brutalidad de “The ionic spell” (2001) dió
paso al rock ecléctico de “Memories Collector”
(2002); después vino el cambio de idioma con
su profundo “Standstill” (2004). Y, ahora, vienen
a presentarnos su “vivalaguerra” (2006), un
disco que podríamos considerar ya como uno
de los más completos e inquietantes de los
últimos años, una nueva manera de entender
el rock cantado en castellano, alejado de
cualquier referente hasta la fecha, valiente y
convincente, hasta llegar al punto que ese
seguidor de sus inicios, que alguien pensaba
que sólo quería agresividad porque sí, sigue
boquiabierto cada vez que los ve subirse al
escenario. Y que, cómo aquel veterano que
cuenta batallitas a los novatos, les explica a
todos aquellos que les acaban de descubrir
que la grandeza de esta banda va más allá
de estilos, sonidos e idiomas, y que si él está
allí después de diez años es porque el talento
de estos chicos es algo fuera de lo normal.
38
20.00h
ESP.0
Precio: 18¤
2666
Teatre Lliure
Tres críticos literarios europeos llegan a
Santa Teresa (Méjico) en busca de un
eminente escritor al que casi nadie ha visto
nunca. Allí conocerán la historia de las
más de 700 mujeres asesinadas y
desaparecidas durante los últimos años
en la zona. Es sólo uno de los muchos
argumentos de esta obra monumental de
Roberto Bolaño, una indagación
descarnada sobre la maldad humana que
oscila entre el humor y el horror, y cuya
adaptación de Àlex Rigola y Pablo Ley fue
acogida con gran éxito de la crítica durante
el Festival de Barcelona Grec 2007.
Queridos Alexandra y Lautaro Bolaño:
No nos conocemos pero soy el loco que
ha perpetrado la dirección teatral de la
novela que vuestro padre os dedicó a
ambos. En primer lugar, me gustaría
agradecer a vuestra madre Carolina el
permiso para poder adaptar esta magnífica
novela que es 2666. Con Salvador Sunyé
fuimos a verla en Blanes hace dos años
y todavía recuerdo cómo le brillaban los
ojos al hablar de la obra de vuestro padre.
En segundo lugar, debo disculparme por
llevar a cabo esta imposible versión teatral
de la novela. Cada vez que Pablo Ley o
yo cortábamos un nuevo fragmento se
nos removía el estómago. Pero hemos
intentado traspasar al espectáculo el
espíritu de la novela, lo que no es del todo
malo porque si luego alguien quiere leerla,
verá que la gran cantidad de información
e historias que hemos dejado de lado
convierten esta empresa en utópica, y que
su espíritu reside en el todo, y no en sus
partes o fragmentos. Evidentemente
parece imposible resumir en una frase
todo lo que abarcan las 1124 páginas de
la novela. También encuentro injusto
reducirla a un conjunto de palabras e ideas
39
como la maldad, la dignidad, los
paralelismos y coincidencias, la
impermeabilidad del ser humano ante las
desgracias que él mismo provoca, el
mundo de la literatura (autores, editores,
estudiosos, críticos), la muerte, el amor,
lo que sabemos y desconocemos de las
personas, el sufrimiento, el retrato de la
sociedad que estamos creando... Siempre
nos quedaríamos cortos. Quizá
lo mejor será recurrir a las palabras de
vuestro padre en Amuleto: “la avenida
Guerrero, a esa hora, se parece sobre
todas las cosas a un cementerio, pero no
a un cementerio de 1974, ni a un
cementerio de1968, ni a un cementerio
de 1975, sino a un cementerio de 2666,
un cementerio olvidado debajo de un
párpado muerto o nonato, las
acuosidades desapasionadas de un ojo
que por querer olvidar algo ha terminado
por olvidarlo todo”. Alguien se preguntará
por qué os escribo a vosotros, pero al no
estar Roberto no me queda más remedio
que escribir a aquellos que él llamaba su
única patria. Un abrazo de quien, si no
ha conseguido acercarse teatralmente a
su obra, al menos lo ha intentado con
pasión.
Álex Rigola
Adaptación Àlex Rigola y Pablo Ley /
Escenografía Max Glaenzel y Estel Cristià
/ Vestuario Berta Riera y Georgina Viñolo
/ Caracterización Mariona Trias /
Iluminación Maria Domènech (a.a.i.) /
Movimiento Ferran Carvajal / Video David
Vericat / Espacio Sonoro Sila / Sonido
Ramon Miércoles.
I ntérpretes: Chantal Aimée / Andreu
Benito / Cristina Brondo / Joan Carreras
/ Ferran Carvajal / Manuel Carlos Lillo /
Julio Manrique / Alícia Pérez / Xabier
Ruano / Fèlix Pons / Alba Pujol /
colaboración video Pere Arquillué.
Ayudante de dirección: Pau Carrió /
Documentación Y Localizaciones En
Ciudad Juárez Ignacio Alvarado / alumna
en prácticas de dirección del Institut del
Teatre de la Diputació de Barcelona
Eleonora Herder / alumnas en prácticas
de vestuario del Institut Superior de
Disseny Lluc Fiol y Lorena Granado.
Coproducción: Teatre Lliure, Festival de
Barcelona Grec 2007 y Teatro Cuyás del
Cabildo de Gran Canaria.
Agradecimientos: Carolina López, Trànsit
Projectes, La Cantina Mexicana, Bar
Bonobo.
40
21.00h
ESP.0
Precio: 8¤
ANIMALES
ARTIFICIALES
Matarile Teatro
“Hay gente que tiene la capacidad de imaginarse
como otra persona y hay gente que no la tiene
(cuando esa carencia es extrema, los llamamos
psicópatas). Y hay gente que tiene esa capacidad
pero decide no ponerla en práctica.”
Coetzee: “Elizabeth Costello”
Sobre la empatía y el equilibrio entre lo que
queda de nuestro animal y los mundos artificiales
que habitamos. Por un lado, somos seres más
o menos sensibles y a menudo lo expresamos
espontáneamente. Incluso nos llegamos a
comportar como verdaderos brutos.
- Bueno, oye, son diversas expresiones
del ser humano. Hay que respetarlas todas.
La pasión nos encanta, y nos llevamos por
delante a quien haga falta. Somos unos
inconscientes.
- ¡Qué le vamos a hacer!
Y por otro lado, en este espacio compartido
que nos hemos inventado no nos queda otra
que cumplir las putas normas desde que nos
levantamos hasta que nos acostamos. O nos
quedamos fuera. Con lo cual hemos ido
perfeccionando una gran habilidad para
esconder la verdad.
- Menos destruir y más construir. Todo lo
alabamos o lo despreciamos.
Somos bichos raros. Estamos acostumbrados
a observar. Nuestra mirada atenta nos ha hecho
hábiles para el disimulo, para la transformación,
para la representación.
Y también para ponernos en lugar de otro, para
meternos en sus zapatos.
No hables si no sabes lo que dices. Entérate
bien antes de hablar.
41
Creación y dirección: Ana Vallés.
Intérpretes: Ana Vallés, Helen Bertels, José
Campanari, Mauricio González,
Mónica García, Ricardo Santana, Iván Marcos.
Tuba: Hugo Portas
Voz Contralto: Ramón Vázquez
Ayudante de dirección: Nuria Sanz
Producción musical: Baltasar Patiño
Textos: Ana Vallés
Espacio escénico, iluminación:
Baltasar Patiño
Vestuario: Matarile Teatro
42
ESTRATOS”
PROYECTO ARTE CONTEMPORÁNEO
MURCIA 2008
43
44
31Ene/
31Mar
ESP.4 / ESP.5
ESTRATOS”
Proyecto Arte Contemporáneo
Murcia 2008
Artes Visuales
45
¿Y si el pasado desempeñase para nosotros
un papel idéntico al que en otro tiempo
ostentara el futuro para la modernidad? Esta
fue la primera pregunta que me vino a la mente
cuando, durante mi primera visita a Murcia,
quedé sorprendido por los trazados de la
ciudad árabe y por los numerosos vestigios
de la civilización musulmana que afloran bajo
el presente europeo. Esta sedimentación
histórica puede entreverse en el tejido urbano
en forma de un yacimiento arqueológico a
cielo abierto en el cual el pasado y el presente
coexisten y se reflejan mutuamente.
La realidad urbana de Murcia constituía el lugar
ideal para llevar a cabo una exposición sobre
una marcada tendencia del arte
contemporáneo: hoy en día muchos artistas
toman prestados los métodos de la
arqueología, excavan en el mundo
contemporáneo o en la Historia con la misma
minuciosidad investigadora que los
especialistas en civilizaciones desaparecidas.
Se trata, en este caso, de una arqueología
desarrollada desde el punto de vista del
método, no tanto como ámbito de
conocimientos especializados, y mucho menos
como una forma de nostalgia: lejos de exaltar
el pasado, estos artistas lo exploran para
poder mostrar mejor el presente, o recurren
a las prácticas de la arqueología para aplicarlas
al campo de la contemporaneidad. El arjé, la
fundación, es exhumada en sus obras para
iluminarnos sobre nosotros mismos. Estas
investigaciones arqueológicas pueden, de este
modo, aplicarse tanto al pasado más remoto
como a los acontecimientos más próximos
en el tiempo e incluso a nuestra actualidad.
El tiempo es sucesión; el espacio, simultaneidad.
Pero, ¿cómo podemos dejar de ver que en
nuestro tiempo, desprovisto de «un gran relato»,
ya nada se desvanece en el olvido? Para la
modernidad, el pasado representaba la tradición
que lo nuevo venía a suplantar. Para la
posmodernidad tenía una función de catálogo
o de repertorio. En nuestros días, el pasado se
define más bien en términos territoriales: cuando
viajamos, lo hacemos también para cambiar de
temporalidad; en contrapartida, el examen de
un libro de historia del arte nos remite a las
apuestas de la geografía de estilos y técnicas
contemporáneos. Así pues, la realidad urbana
constituye en la actualidad un libro abierto en
el que los artistas pueden explorar los estratos
del pasado y las huellas de lo que está por venir.
Lo que es cierto es que el futuro ya no existe
en el universo de los artistas contemporáneos
más que bajo el registro de la ciencia ficción,
el cual constituye un género literario y
cinematográfico, que en adelante deberemos
situar en el pasado y cuyos orígenes se
remontan al siglo XIX. Ahora la noción de futuro
se expresa en el arte mediante «efectos
especiales». Es la tecnología lo que produce,
mecánicamente, el relato de nuestros días del
mañana.
Numerosos signos muestran que, dentro de
esta jerarquía de los tiempos, el pasado se ha
convertido en el objeto de una verdadera
interrogación. Nuestra obsesión por la
trazabilidad de los productos y los destinos, la
omnipresencia de la catástrofe ecológica como
horizonte colectivo, nuestra desconfianza con
respecto a las utopías políticas tienden a anular
cualquier representación del futuro. Vivimos
pegados al retrovisor. En esta nueva
configuración mental, aumentada por la
sensación de caos acelerado que nos procura
la actualidad, el pasado representa el único
elemento estable y tranquilizador que tenemos
a nuestra disposición.
ESTRATOS” se configura como una reflexión
sobre la exploración del pasado en tanto que
terra incognita. La obra de dos escritores, W.G
Sebald y Jorge Luis Borges, junto a la de un
artista, Robert Smithson, han presidido su
elaboración teórica y la formulación de un
cuestionamiento, relevado y amplificado por las
obras que se presentan.
La obra de W.G Sebald mezcla el documental
y la ficción, e incorpora al cuerpo del texto
fotografías en blanco y negro sin leyendas. Por
otro lado, la obsesión de Sebald podría
resumirse como el modo en que el recuerdo
de las personas y acontecimientos del pasado
asedia nuestras vidas y da forma al espacio
que nos rodea. Vivimos en un inmenso relato,
entre fantasmas: ¿cómo puede el arte
desencriptar y reformular este mundo de signos?
En cuanto a Borges, sabemos que le gustaba
citar al obispo Berkeley, quien afirmaba que
el tiempo discurre desde el futuro hacia el
pasado. En su relato Tlön Ubar Orbis Tertius,
el escritor argentino inventa un pueblo que
considera el mundo no desde un punto de
vista espacial, sino desde una perspectiva
temporal, de modo que no existen
descubrimientos más que en el pasado: toda
investigación es una arqueología; el presente
es perpetuo. ¿Podemos considerar la
actualidad del arte desde un punto de vista
borgesiano, es decir, desprovisto de toda
historicidad?
El interés actual por la obra de Smithson hace
que el concepto de larga duración pase a un
primer plano de las preocupaciones de los
artistas. ¿Acaso se trata de una idea subversiva
en nuestra «modernidad líquida» (Bauman),
que sitúa la rotación de los productos y el
reciclaje de los deshechos en el centro de su
economía?
Éstas son las preguntas que plantea
ESTRATOS”. Ciertos artistas las responden
mediante la exploración de las diversas capas
que componen el presente; otros, en cambio,
lo hacen mediante la creación de un espacio
que redistribuye el orden habitual del tiempo.
Al igual que al transitar por las calles de Murcia,
aquí encontraremos la complejidad de los
interrogantes que suscita la persistencia de la
memoria en unos tiempos modernos cansados
ya de huir hacia delante.
Nicolas Bourriaud
ARTISTAS:
BLEDA Y ROSA
JIMMIE DURHAM
CYPRIEN GAILLARD
JOACHIM KOESTER
MARK LOMBARDI
MARJETICA POTRC
PAULINA OLOWSKA
TH TYSON
46
ESTRATOS”
Proyecto Arte Contemporáneo Murcia 2008 - 31ENE/31MAR08 - ESP.4/ESP.5
BLEDA
Y
ROSA
María Bleda -1969,
JIMMIE
DURHAM
1940, Arkansas, EEUU.
CYPRIEN
GAILLARD
1980, París.
JOACHIM
KOESTER
1962, Copenhague.
La investigación sobre los efectos del paso
del tiempo en lugares deshabitados pero
cargados de historia (tanto individual como
colectiva) define la obra de Bleda y Rosa. Con
una metodología de trabajo a la vez analítica
e inductiva y una manera aséptica de retratar
el lugar, sus fotografías se relacionan
directamente con la escuela inaugurada por
Bernd & Hilla Becher en Dusseldorf.
Estructuradas en series repetitivas sobre un
mismo tema, sus obras se desarrollan en
diversos y consecutivos escenarios, lugares
que siempre remiten a algo allí acontecido
Unos espacios que, pese a mostrarse en sus
fotografías vacíos y solitarios, permanecen
llenos de una acción latente y remiten a las
huellas del tiempo en el espacio tanto de la
memoria como del olvido
Jimmie Durham es escultor, ensayista y poeta.
Nacido en 1940 en los Estados Unidos, entró
en contacto con las artes como consecuencia
de su implicación con el movimiento de defensa
de los derechos civiles de los años sesenta.
Entre 1973 y 1980, Durham fue organizador
político del movimiento de los indios
americanos y trabajó como director del
International Indian Treaty Council y como
representante de las Naciones Unidos. A
principios de los ochenta, Durham volvió a
centrar su atención en el arte, utilizando
desechos y otros objetos encontrados para
crear una escultura que planteaba un radical
desafío a la representación tradicional del indio
norteamericano. En 1987 se trasladó a
Cuernavaca, México, y en 1994 a Europa, en
donde ha centrado su trabajo principalmente
en la relación que existe entre la arquitectura,
la monumentalidad y las narrativas nacionales.
Entre el vandalismo y la estética minimalista,
el romanticismo y el Land Art, la obra de
Cyprien Gaillard indaga en los rastros que deja
el hombre en la naturaleza. Para ello, el artista
representa la arquitectura contemporánea
como una moderna ruina a punto de ser
absorbida por el entorno natural. Sus litografías
de bloques de edificios insertados en paisajes
holandeses del XVII, como muestra su serie
Belief in the Age of Disbelief, rompen cualquier
idea idílica del paisaje, y muestran desorden
y degradación. Un trabajo que, al igual que
Robert Smithson, hace referencia a la entropía,
a un movimiento de transformación irreversible
encaminado a un caos presente, según el
artista, en nuestra realidad social y geográfica
contemporánea.
El trabajo de Joachim Koester se sitúa en los
límites entre lo documental y la ficción. El artista
recupera pequeños relatos o lugares reales,
ya olvidados o desconocidos, que va
diseccionando en sus fotografías o
recomponiendo en instalaciones fílmicas. La
obra suele partir de una curiosidad casi
antropológica por las capas de historia que el
tiempo ha ido sedimentando sobre los motivos
de su elección y una fascinación por el
potencial, a menudo utópico, contenido en
esas historias. Su formalización,
extremadamente rigurosa y aparentemente
objetiva, no pretende exponer o dar fe de unos
hechos, sino que mantiene una fragmentación
en suspenso, abierta a la reactivación de las
memorias mediante la imaginación y la
reinterpretación.
Castellón. España
José María Rosa -1970,
Albacete. España
Viven y trabajan en Valencia
47
Vive y trabaja en Italia
Vive y trabaja en París, Francia
Dinamarca.
Vive y trabaja entre
Copenhague y Nueva York
48
ESTRATOS”
Proyecto Arte Contemporáneo Murcia 2008 - 31ENE/31MAR08 - ESP.4/ESP.5
MARK
LOMBARDI
1951-2000, Nueva York.
PAULINA
OLOWSKA
1976, Gdansk. Polonia. Vive
MARJETICA
POTRC
1953, Ljubljana, Eslovenia.
KEITH
TYSON
1969, Ulverston, Australia. Vive
Atrayente a la vez que enigmática, la particular
mirada de Mark Lombardi al mundo se traduce
en diagramas y mapas conceptuales que ponen
en evidencia oscuras relaciones económicas y
de poder entre distintas potencias mundiales.
Tras un proceso de recolecta de informes de
noticias, siempre publicadas y cotejadas por el
artista, sus dibujos hablan más de ética que
de estética en un despliegue de redes que
esconden fraudes financieros y políticos,
representan a individuos, corporaciones y
agencias estatales. El escenario de sus temas
pasa por medio mundo, desde Australia, hasta
Irak, pasando por Cuba o Sudáfrica, y sus
protagonistas van desde Ronald Reagan,
George Bush o Bill Clinton, hasta el Papa Pablo
VI, miembros de la mafia como Meyer Lansky
o terroristas como Osama Bin Laden. Unas
estructuras narrativas que remiten a prácticas
corruptas y que hablan de un territorio del arte,
lejos de remitir a la idea física de naturaleza o
de ciudad, aluden a una “aldea global” que
supera la extensión de cualquier urbe.
A menudo, Paulina Olowska cuestiona en sus
obras su propia historia como un modo de
imbricarse en un diálogo más amplio con “la
Historia”. Ciertamente, su origen polaco y las
rápidas transformaciones sufridas en su país
en las últimas décadas constituyen un punto
de vista privilegiado desde el que revisar el
pasado y sus fracasadas utopías. En sus
pinturas, collages, instalaciones y performances
se dan cita el arte con el diseño, la moda, la
arquitectura y la vida cotidiana, reciclando y
mezclando iconografías procedentes de
distintas fuentes culturales y subculturales,
desde la pintura abstracta modernista hasta
el punk polaco de los años ochenta. Sus
trabajos reavivan experimentos sociales e
ideales históricos, con recurrentes apariciones
de heroínas femeninas, a menudo artistas e
iconos de la moda, mujeres modernas ya del
pasado que ocupan un papel protagonista.
Marjetica Potrc centra su interés en la tensión
entre el desarrollo urbano y la crisis social, así
como entre el levantamiento de la ciudad
informal y la crisis ecológica como una reflexión
a los conflictos geopolíticos en nuestro tiempo
de globalización. Partiendo del cuestionamiento
del papel de la arquitectura, su interés está
en estudiar, reconocer y apoyar ejemplos
positivos llevados a cabo a pequeña escala
en los que resulta esencial el valor del
conocimiento acumulado y compartido que
ayuda a las comunidades e individuos a dar
soluciones locales a problemas concretos.
Sus proyectos suponen iniciativas individuales
respecto a los modelos alternativos de
existencia que la artista ilustra tras extensos
estudios de lugares por los que se desplaza
alrededor del mundo. Un trabajo que tiene,
como objetivo final, llamar la atención sobre
el conjunto de negociaciones necesarias para
sobrevivir en entornos urbanos.
La obra de Keith Tyson despliega un universo
de objetos, pinturas, fotografías e instalaciones,
que pone al descubierto, en forma material,
elementos de nuestras construcciones de la
realidad y los modelos de los que nos valemos
para explicarla, recurriendo para ello a una
gran variedad de estilos artísticos. La filosofía,
la ciencia, la tecnología, el lenguaje y los
patrones descriptivos de formas de la
naturaleza y la cultura configuran, todos ellos,
estructuras de organización de la Realidad
que, Tyson va reposicionando en su laboratorio
mediante una serie de formaciones transitorias
y una lista infinita de posibilidades, para crear
unas obras que relacionan caos y orden,
espacio y tiempo, posibilidad y realidad, con
el espectador, que se ve enfrentado a un
paisaje en el que se muestra la simultaneidad
del micro y el macrocosmos.
EE.UU.
49
y trabaja en Varsovia
y trabaja en Londres
Vive y trabaja en Ljubljana
50
FORMACIÓN
+MÓVILEES -INMÓVILES / TRANSVERSALIA.NET
/ MASTER OFICIAL EN DANZA Y ARTES DEL
MOVIMIENTO / LA PRODUCCIÓN DISCOGRÁFICA,
DE LA INTERPRETACIÓN A LA DIFUSIÓN / EL
ACUARIO DE MUÑECAS / EL CUERPO EN
MOVIMIENTO / COMPOSICIÓN
ELECTROACÚSTICA POR ORDENADOR / TALLER
TEÓRICO-PRÁCTICO SOBRE TENDENCIAS
COREOGRÁFICAS DE LAS ÚLTIMAS DÉCADAS
DEL SIGLO XX / LA CIUDAD AUTOCONSTRUIDA.
51
52
PROYECTO
DE INICIACIÓN
A LOS NUEVOS
LENGUAJES
ARTÍSTICOS
PARA CENTROS
EDUCATIVOS.
El arte contemporáneo constituye un
instrumento pedagógico de enorme interés
que permite conectar la cultura y la realidad
actual en la que convivimos. A través del arte
contemporáneo tanto niños/as como
adolescentes y jóvenes tienen una oportunidad
de acercarse , por medio del conocimiento
de las nuevas tendencias artísticas, a temas
y contenidos de gran variedad e interés, así
como de poder adquirir un aprendizaje directo
de las técnicas, posibilidades y aplicaciones
de los lenguajes artísticos contemporáneos y
últimas tecnologías, a la vez que desarrollan
su capacidad de comprensión y compromiso
con el entorno, tanto inmediato como global,
desde una mirada crítica, personal y colectiva,
que mantiene como horizonte la transmisión
de los valores culturales de los que todos
participamos.
53
El Centro Párraga es sin duda un espacio
referente del arte contemporáneo emergente
en la región, desarrollando una gran labor, que
sigue prestando, en la promoción de artistas
de todos los ámbitos y en la difusión de las
tendencias actuales. Pero además de impulsor
creativo y contenedor/difusor de una
programación dirigida a la amplia mayoría de
la ciudadanía, hay un tercer vértice sobre el
que apoyar su misión repromover y difundir el
arte contemporáneo en la Región de Murcia:
un programa didáctico a través del cual se da
a conocer el Centro Párraga y sus actividades
y, por encima de todo, se incide en el
conocimiento y disfrute de los nuevos lenguajes
artísticos y la cultura contemporánea.
Esta labor pedagógica debería extenderse a
todas las edades, pero es de la mayor
importancia dirigirla prioritariamente a los y las
más jóvenes, pues en ellos y ellas es donde
está el usuario futuro y en los que los
postulados más actuales del arte y la cultura
deben resultarles del máximo interés. Para
que resulte así nuestro proyecto es una
propuesta de creación artística que, partiendo
de proyectos individuales que lo integran, da
la oportunidad de participar a los y las
destinatarias en un proyecto artístico completo
en sus premisas, procedimientos y resultados.
+ Móviles - Inmóviles pretende ser una
propuesta interactiva cuya propuesta se
inscribe en las pautas y modelos de las
tendencias más actuales del arte
contemporáneo.
54
11Ene
12/18/19/25/
26 /Feb
10.30/12.30h
ESP.3
MAPAS Y RELATOS.
CARTOGRAFÍAS INVISIBLES
DE
LA CIUDAD
Audiovisual y Nuevas tecnologías
Clara Boj
Taller sobre espacio urbano y realidad
aumentada, donde se trabajará sobre el
concepto del espacio, la arquitectura y el
urbanismo, planteando a los y las participantes
una serie de recorridos personales por la
ciudad que serán después representados a
través de mapas híbridos que integren
elementos audiovisuales, por medio de
tecnología de realidad aumentada.
Clara Boj
Artista e investigadora en nuevas tecnologías
aplicadas al arte y la educación. Doctora en
Bellas Artes (U. De Valencia). Desde 1998
prosigue una carrera en el arte digital junto
al artista Diego Diaz. Sus obras, instalaciones,
vídeos e investigaciones han sido presentadas
en múltiples festivales y exposiciones
internacionales ( ISEA 04- Helsinki, ISEA 06San José USA, Sonar 05 y 06- Barcelona,
Daejeon Museum-Corea del Sur...).
55
56
De
Lunes a Viernes
10.00/13.00h.
FEB/MAR/ABR
ESP.SOTANO
RECREANDO
Proyecto creativo infantil
Ana Romero
La creatividad y la imaginación es algo que se
debe trabajar con los más pequeños desde
edades muy tempranas. El acercamiento a las
distintas disciplinas artísticas, a los centros de
arte y las diferentes manifestaciones artísticas
posibilitan la creación de una cultura que
favorece su desarrollo creativo. Para fomentar
estas aptitudes, el Centro Párraga va a trabajar
con ellos a través de talleres una muestra
representativa de las distintas disciplinas para
que conozcan los lenguajes y las diferentes
maneras de transmitir el arte a través de
distintos canales de comunicación artística.
Escultura, Fotografía, Pintura, Performance,
Proyecciones audiovisuales… son algunas de
las manifestaciones de la Cultura
Contemporánea que van a poder conocer los
pequeños alumnos para luego recrearlo
basándose en sus propias creaciones.
Ana Romero
Pedagoga e investigadora experta en nuevas
tecnologías aplicadas a la Educación. Becada
por la Universidad de Murcia (2005) y el Centro
Párraga (2006). Desde 2001 compatibiliza la
actividad formativa y profesional con su obra
fotográfica personal. En la actualidad forma
parte del equipo técnico del Centro Histórico
Fotográfico de la Región de Murcia.
57
58
10Mar/14Mar
10.30/12.30h
ESP.3
AULA
A 0º
Intervención interdisciplinar
Alfonso Martínez Escudero
En un espacio del Centro Párraga se
reproducirá el aula de un instituto. El lugar del
profesor/profesora estará ocupado por un
maniquí que se sitúa sobre la tarima y junto a
la mesa. Los y las participantes son
introducidos en este espacio. Sobre los
pupitres, unas pegatinas individualizadas con
las que jugar el rol indicado en ellas: el alumno
atento, el “malo” de la clase, el empollón, el
pasota… El maniquí posee un sistema de
altavoz por el que una cinta pregrabada y la
conexión a un micrófono en directo emitirá
consignas a los/las participantes para que las
ejecuten. Alula 0º es un experimento que
investiga la adopción de roles grupales,
determinantes de nuestro comportamiento en
público, pero con los que no nos identificamos
personalmente, generando un conflicto a la
vez interno y colectivo.
59
Alfonso Martínez Escudero
Pintor, escultor y artista multidisplinar. Premiado
en el Certamen CreaJoven (1994, 1995 y
1996) Exposiciones colectivas : AlterArte
(2006, 2007) Exposiciones individuales: Murcia,
Cieza y Valencia. Acciones urbanas: Centro
Puertas de Castilla (2005). Últimos proyectos
suyos son “Scort Service” 2006, sala Verónicas
de Murcia; y “Pieza Expres” 2007 sala Naranja
de Valencia.
60
TRANSVERSALIA.NET
APRENDER A TRAVÉS DEL ARTE.
ESTRATEGIAS PARA LA EDUCACIÓN TRANSVERSAL
A TRAVÉS DEL ARTE CONTEMPORÁNEO.
II EDICIÓN.
11/12/18/19/25/26 Feb
3/4/10/11 Mar
17.00h a 20.00h
ESP.3
11 Feb
Presentación curso.
Introducción a la educación artística y
sus vinculaciones a la educación transversal.
Clara Boj.
12 Feb
El arte contemporáneo y los proyectos de trabajo.
Clara Boj
18 Feb
La televisión no lo filma.
El arte contemporáneo y los medios de comunicación.
Rubén Zemos98
25 Feb
Panorama Doméstico.
Mira Bernabeu.
26 Feb / 3 Mar
El arte contemporáneo en el currículo de la E.S.O.
Clara Boj.
4 Mar
Masculinidad y representación: el falo entretenido.
Juan Francisco Fandós.
10/11 Mar
Presentación proyectos y evaluación final.
Clara Boj
61
El arte contemporáneo conforma, con
plena seguridad, un panorama
espectacular de nuestra sociedad y sus
valores. A partir de los significados
culturales que nos transmiten los
artefactos visuales, se constituye un
amplio abanico de discursos y posiciones,
de actitudes, creencias y miradas sobre
la realidad. Por todo ello desde este taller
nos planteamos ¿es posible utilizarlo
como herramienta para la educación y
más específicamente como apoyo de
una educación liberadora que fomente
estrategias de desarrollo personal más
allá de los modelos culturales
predominantes?
En nuestra búsqueda de respuestas
analizaremos la capacidad de las
narrativas sugeridas en el arte
contemporáneo para hacer pensar,
estimulando la subjetividad y por tanto
participando en el proceso de desarrollo
personal de los estudiantes, en sus
relaciones con el medio y las personas
que los rodean y, en definitiva, en su
proyecto de vida.
Desde puntos de vista tan diversos como
la sexualidad, el medioambiente o el
consumo, nos acercaremos a distintas
obras y procesos artísticos, analizando
estas representaciones y el valor
pedagógico de su interpretación subjetiva
como herramienta para consolidar
conocimientos, actitudes y emociones
que amplíen nuestra percepción de la
realidad. Plantearemos también distintas
tácticas para introducir estos
planteamientos en el aula atendiendo a
factores como la idoneidad del momento
educativo, la relación con otros contenidos
del currículum y su complementariedad,
actividades y recursos metodológicos,
etc…Este seminario esta dirigido
especialmente a profesores de Educación
Secundaria Obligatoria y profesionales de
la educación en general. La 2ª edición de
este seminario se plantea como una
continuación de las actividades educativas
iniciadas en la primera edición y parte de
los contenidos a tratar proceden del
material educativo generado en el
seminario anterior por los ponentes
invitados.
A este material se sumará la aportación
de nuevos expertos invitados para este
año. Todos estos recursos formaran parte
del entorno educativo online
Transversalia.net, de acceso libre y gratuito.
De este modo, a traves de los distintos
seminarios generaremos un completo
recurso online disponible para la
comunidad educativa.
El seminario consta de 12 sesiones que
se llevarán a cabo durante los meses de
febrero y marzo de 2008. En cada una de
las sesiones se trabajaran sobre los temas
elaborados por los expertos en relación
al arte contemporáneo y distintos aspectos
de la cultura actual.
El seminario Transversalia.net está
coordinado por Clara Boj en colaboración
con el CPR2 de Murcia e impartido por
diversos artistas y expertos en arte
contemporáneo (por confirmar).
Clara Boj
Coordinadora y docente.
Artista e investigadora en nuevas
tecnologías aplicadas al arte, la educación
y el entretenimiento. Doctora en Bellas
Artes por la Universidad Politécnica de
Valencia, dirige el proyecto
Transversalia.net.
Ruben Zemos98
ZEMOS98 es un colectivo de creación y
producción cultural, de ámbito
internacional, que desarrolla su actividad
en Sevilla. Está compuesto por un equipo
de comunicólogos y tecnólogos de la
imagen y el sonido que habitan la red
internet como un espacio más de
comunicación, aprendizaje y creación.
Producen el Festival Audiovisual
ZEMOS98. Ha editado dos libros.
Juan Francisco Fandos
Licenciado en Humanidades. Coordinador
del Área Pedagógica de el EACC (ESPAI
D´ART CONTEMPORANI DE CASTELLÓ).
Colaborador de la revista El Temps d´Art
y de el Seminari d'Investigació Feminista
de la Universitat Jaume I de Castelló,
también participo desde el año 2000 en
el Màster Universitari en Comunicació i
Crítica d´Art de la Universitat de Gerona.
62
MASTER OFICIAL EN
DANZA Y ARTES
DEL MOVIMIENTO
Universidad Católica San Antonio de Murcia. UCAM
11/12 ENERO
ESP.0
11 Ene
19.00h.
Inauguración del Master. Acto Oficial
de Bienvenida.
QUI LO SA?
CIA. LAVELLADANZA
ESP0. 20.00h
Qui lo sa? Es una pieza de danza donde
nos preguntamos sobre el origen de
las cosas. De lo real a la realidad, de
lo imaginado a la fantasía, ¿qué fue
primero?, ¿el huevo o la gallina?,
¿dónde comenzamos a imaginar?...
Coproducido: por Centro Párraga
12 Ene
De 10.30 a 13.30 y de 17.00 a 20.00h
Espacio y dirección de Escena, Luis
Manuel Soriano.
3 fines de semana para el desarrollo
de módulos y contenidos entre los
meses de MAR y JUN.
26 Sep
18.00h
Muestra de Proyectos Coreográficos
de los alumnos del Master.
63
La evolución constante, así como el
interés creciente de los contenidos
relacionados con el ritmo, la expresión
corporal y la danza, convierten a esta
área de conocimiento de gran demanda
e interés profesional. El presente
postgrado permitirá a los graduados la
especialización académica necesaria
para afrontar retos de carácter artísticoexpresivo en los diferentes contextos
educativos donde la expresión corporal
y la danza es el común denominador.
Además, supondrá la proyección de los
alumnos en el camino profesional de la
escena adquiriendo los conocimientos
necesarios.
La evolución constante, así como el
interés creciente de los contenidos
relacionados con el ritmo, la expresión
corporal y la danza, convierten a esta
área de conocimiento de gran demanda
e interés profesional.
Adquirir el aprendizaje necesario para
crear lenguajes corporales propios y
autónomos dentro de cada ámbito.
Adquirir conocimientos avanzados sobre
aspectos estéticos, psicológicos,
antropológicos, científicos y sociales de
la danza y de cada una de las otras
manifestaciones expresivas.
Adquirir conocimientos avanzados de las
diferentes técnicas y manifestaciones de
la corriente contemporánea de la danza
en el Siglo XX.
Adquirir destrezas y conocimientos
avanzados sobre habilidades y técnicas
expresivas del teatro de movimiento, del
mimo y pantomima, de la Commedia
dell'arte, del Clown y de la danza.
Objetivos
El presente postgrado permitirá a los
graduados la especialización académica
necesaria para afrontar retos de carácter
artístico-expresivo en los diferentes
contextos educativos donde la expresión
corporal y la danza es el común
denominador. Además, supondrá la
proyección de los alumnos en el camino
profesional de la escena adquiriendo los
conocimientos necesarios.
Adquirir la sensibilidad artístico-expresiva
como fuente de formación y
enriquecimiento cultural.
Adquirir las destrezas necesarias que se
requieren en la danza contemporánea y
otras manifestaciones escénicas como
el Clown, el Teatro de Movimiento y la
Commedia dell'arte.
Adquirir el conocimiento práctico en el
proceso de creación coreográfica de la
danza y de cada una de las
manifestaciones expresivas.
Organiza:
Universidad Católica San Antonio de
Murcia. UCAM.
Centro De Formación De Postgrado
postgrado@ucam.edu
www.ucam.edu
www.masterdanza.blogspot.com
64
LA PRODUCCIÓN
DISCOGRÁFICA, “DE LA
INTERPRETACIÓN
A LA DIFUSIÓN”
Domingo José Sánchez, Arreglos musicales, Producción
William Luque, Mezclas, Producción
15/16/17 Ene
10 a 14 h. y de 16 a 19h
ESP.3
Precio: 30¤
El proceso de producción de un disco
supone la participación de un gran
número de especialistas y el desarrollo
de diversas actividades alrededor de la
interpretación musical propiamente dicha.
En la mayoría de los casos, la edición de
un disco no es garantía suficiente para
que éste sea difundido y valorado en su
justa medida. La calidad musical de los
intérpretes puede verse seriamente
perjudicada si las condiciones y medios,
tanto materiales como humanos, no han
sido los adecuados. La falta de
planificación, una mala toma de sonido,
o una equivocada campaña de difusión
puede dar al traste con un proyecto
interesante.
Intérpretes musicales, compositores,
técnicos de sonido, productores y editores
necesitan trabajar de forma coordinada
para conseguir ofrecer un producto
coherente y con las máximas garantías
de éxito.
65
Contenidos:
Dirección artística.
Dirección ejecutiva.
El estudio de Grabación.
Postproducción y edición digital.
La presentación del CD.
El marketing y la distribución.
Metodología:
Los músicos ante el disco: la
interpretación, los arreglos, los secretos
del estudio de grabación.
Manejo de los recursos informáticos y
tecnológicos necesarios para una buena
grabación y posterior edición digital.
El diseño y contenidos que acompañan
el disco.
El mercado discográfico. Técnicas y
habilidades que contribuyen al éxito de
un disco.
Composición de una pieza, proyectada
a un tipo de artista, o a publicidad.
Domingo J. Sánchez
Catedrático del Real Conservatorio
Superior de Música de Madrid en la
especialidad de análisis musical.
Compositor de la BSO del film: "ROJO
INTENSO", dirigida por Javier Elorrieta,
grabada en el auditorio "Manuel de Falla"
del Real Conservatorio Superior de Música
de Madrid con la Orquesta de dicho
Conservatorio, con estreno en España y
Chile. Próximo estreno en Alemania,
Francia, Italia, Inglaterra y Argentina.
Director de WATAKA producciones
musicales compartido con William Luque
(compositor de "Cuando tú vas" de
Chenoa...).Compositor de música para
publicidad (Spot 2007 de Viajes Marsans,
periódico "El Mundo"). Compositor de
música para teatro ("Amrita"). Compositor
de música pop ( Chenoa, Carlos Baute,
Raúl, NASH, María Isabel, SJK, 3+2, ...).
Compositor de música de vanguardia
(Componente de la biblioteca de jóvenes
compositores de la fundación Juan
March). Compositor y pianista de música
jazz. Pianista principal y 2º director de la
Orquesta Nacional de Jazz de España
(ONJE), dirigida por Ramón Farrán.
Grabaciones con Paquito D'Rivera y
Randy Brecker. Músico de gira (M-clan...).
Grabación de voz principal (cover para
artistas) y grabación de coros en discos
(2º Cd de María Isabel "Chanel nº 2).
William Luque
Compositor venezolano residenciado en
Madrid. Sus inicios empiezan en el año
1987 cuando graba su primer disco
"MARCA DE FUEGO", donde interpreta
y compone todas las canciones.
Logra el primer lugar en la lista de éxitos
de España y Latinoamérica con los temas
"CUANDO TU VAS", "EN TU CRUZ ME
CLAVASTE" y "SOY LO QUE ME
DAS".Todos ellos interpretados por
CHENOA y se coloca en los primeros
lugares con composiciones para artistas
como MARIA ISABEL, RAUL, FEMINAL,
JUAN CAMUS, BETH, DANY UBEDA,
LAS SUPREMAS DE MOSTOLES,
EFECTO MARIPOSA, GENERACIÓN
OT, ALVARO PRADO, DAVINIA, MIGUEL
CADENAS, NATALIA, MIRELLA (EURO
JÚNIOR), YANIRA FIGUEROA, entre
otros. Sus temas son utilizados como
sound tracks principales en telenovelas
de RCTV (Venezuela) como:
"ESTRAMBÓTICA ANASTASIA (2004)",
"NEGRA CONSENTIDA (2004)"
traducidas y vistas en 72 países del
mundo y en la película de producción
hispano-chilena “ROJO INTENSO” (2006).
www.williamluque.com
66
EL ACUARIO
DE MUÑECAS
Antonio Moreno Perez
Desde 1992 ejerce como consultor en
innovación y desarrollo de producto en
entorno moda (comunicación y diseño
de producto), fijando la dirección de arte
de los proyectos y su estructura creativa,
tanto en confección como en calzado.
En la actualidad, además dirijo un
proyecto en moda masculina bajo el
nombre de CLC-La cantante calva, que
ha estado presente tanto en los foros
nacionales de moda (Pasarela del Carmen
o Pasarela Gaudí) como en foros
internacionales, por ejemplo el pabellón
de España en Tokio (2000). La labor de
investigación desarrollada desde esta
plataforma, ha posicionado a CLC-La
cantante calva como referente nacional
en cuanto a la unión de arte y moda,
colocando piezas de varias de sus
colecciones en exposiciones a nivel
nacional, y ha permitido su colaboración
con artistas plásticos para diversos fondos
museísticos (recientemente en el Espai
de Art Contemporani de Castelló dentro
de la exposición internacional Nuestra
Hospitalidad, en colaboración con la
artista colombiana Milena Bonilla).
Simultáneamente a esta labor artística,
desde la marca Soluciones S.L. desarrollo
una labor empresarial, asesorando en
cuestiones de comunicación y diseño a
diversas entidades y empresas.
Reflexión acerca del proceso creativo del diseño.
Lenguajes artísticos en el diseño.
28/29/30/31 Ene
1 FEB
ESP.3
Precio: 30¤
Dirigido a alumnos de tercero y
proyecto final de carrera de diseño
gráfico, diseño de moda, diseño de
producto y diseño de
interiores.Crearemos módulos
vacíos donde intervendrán
simultáneamente los creativos que
participen en cada módulo,
superponiendo sus puntos de
partida conceptuales desde donde
elaborarán una propuesta final. Se
plantea como una muestra abierta,
como un work in progress, donde
veremos como se transforma un
espacio inicialmente vacío, a modo
de palinsecto, con las intervenciones
de los creativos.
Formato seminario/taller
de cinco sesiones
Calendario de trabajo
16h.-18h. análisis teórico de
lenguajes artísticos (instalación,
arte urbano..)
dia 1
16h.-18h. disciplinas
y antiacademicísmos
(dadá, arte póvera, art brut..)
19h.-21h. taller práctico de
intervención artística.
18h.-21h. práctica 1
(establecimiento de estrategias
y necesidades)
dia 2
16h.-18h. des y
recontextualizaciones
(apropiacionismo, readymade...)
18h.-21h. práctica 2
67
A lo largo de este tiempo he colaborado
con empresas del sector moda como
Sáez Merino, Kappa… y durante los
últimos seis años dirijo el salon de
tendencias de la Feria Internacional de
Componentes para el Calzado y la
Marroquinería-FUTURMODA en la
Institución Ferial Alicantina, realizando
funciones de consultor en innnovación
para la Asociación Española de Empresas
de Componentes para el Calzado, en
Elche. Dentro de los últimos trabajos
realizados, se encuentran por un lado la
producción del proyecto “10+.. vida y
Milagros de la cantante calva”
(presentación multidisciplinar: danza,
video, lectura poética y moda) que tuvo
lugar en Octubre-el siglo valenciano el
pasado més de septiembre, y la puesta
en marcha de la pasarela internacional
de moda en componentes para calzado
GECONEÑE-moda española en la
Institución Ferial Alicantina, proyecto que
creé para Asociación Española de
empresas de Componentes para el
Calzado y que dirijo desde su inicio.
dia 3
16h.-18h. espacio e interrelación
vivencial (instalaciones)
18h.-21h. práctica 3
dia 4
16h.-18h. el cuerpo como
soporte (bodypainting...)
18h.-21h. práctica 4
dia 5
16h.-18h. movimiento
y entorno (accionismo,
performance e intervencionismo)
18h.-21h. práctica 5
68
EL CUERPO
EN MOVIMIENTO
Curso de danza y creación
Daniel Abreu
7/8/9 Feb
16.00/20.00h
ESP.3
Precio: 30¤
Curso de danza y creación dirigido a
bailarines, actores y personas con
conocimientos de técnicas corporales.
El cuerpo y su estudio como principal
instrumento para la construcción de la
pieza coreográfica.
Aspectos técnicos de la danza
Herramientas de la composición
coreográfica y su desarrollo.
El encuentro se dividirá en dos líneas,
muy relacionadas. La primera parte
centrada en la preparación física. La
conciencia de apoyos, peso, impulso,
dirección, proyección... todo enfocado a
una movilidad orgánica del cuerpo, la
danza contemporánea y su escuela.
Análisis de la técnica como uso controlado
del cuerpo, sin recurrir a estilos, lo que
hace que se unifiquen los lenguajes y el
grupo. Esto se desarrollará mediante la
instrucción práctica de ejercicios previa
explicación de la mecánica y su
comprensión.
El trabajo en relación a la sujeción y
proyección del impulso y del movimiento.
El movimiento direccionado desde la
musculatura interna de sujeción, y la
proyecciòn sobre los grandes músculos.
La sujeción de la interno para dirigir lo
externo.
El cuerpo como motor de la expresión.
La segunda parte del curso está centrada
en la creación y en la composición de la
danza desde el aquí y el ahora.
Aprovechar los recursos, unificar los
lenguajes, la importancia de la estructura
anatómica, la acción cotidiana, la
improvisación... La expresión como
descomposición de la acción muscular,
y su ejecución, el cuerpo como motor de
la expresión y el observador como
constructor del espacio.
Daniel Abreu
Natural de Santa Cruz de Tenerife recibe
el Premio a un Bailarín Sobresaliente en
el XVIII Certamen Coreográfico de Madrid,
con una beca para asistir al American
Dance Festival, y Premio al Bailarín Más
Destacado del IV Certamen Coreográfico
de Maspalomas con una beca para
Espacio Madrid. Además recibe junto a
Mónica García un Premio del Jurado a la
Coreografía por "Y eso que no me
dejaban ver Dallas" en el XVIII Certamen
Coreográfico de Madrid con una
residencia de creación para el O Espaço
do Tempo en Montemor-o-Novo
(Portugal).
Actualmente dirige su propia compañía
y compagina sus trabajos con otros
creadores. Destaca varios trabajos de
coreografía y dirección tanto para escena
como para calle que le han llevado a
presentar sus trabajos en distintos Teatros,
Certámenes y Festivales. Entre sus
últimas creaciones destacan "Perro",
"Bajo Cero", "La Bestia Herida" , para
la compañía de danza-teatro Nómada y
"Ojos de Pez", seleccionada para el
Circuito de la Red de Salas Alternativas
2007. Su última creación es Negro, una
coproducción con el Centro Coreográfico
Galego y el Auditorio de Tenerife.
Realiza colaboraciones con Provisional
Danza de Carmen Werner (Madrid), con
quien trabaja desde el año 2000, y realiza
la ayudantía a la dirección escénica de
sus últimas producciones. También ha
trabajado para Matarile Teatro, El Centro
Dramático Galego, Lanónima Imperial
(Barcelona), Larumbe Danza (Madrid )...
"La movilidad permite al hombre contener
una gran cantidad de cosas con la misma
piel en momentos diferentes y continuos
con el contacto, la impresión, el
conocimiento, el descubrimiento, la toma,
el impulso...”.
Giuseppe Penone
69
70
“ TENDENCIAS
COREOGRÁFICAS DE
LAS ÚLTIMAS DÉ'CADAS
DEL SIGLO XX.”
MONOGRÁFICO
TEÓRICO PRÁCTICO
22 al 24 Feb
10 A 14 h
ESP.3
Precio: 30¤
El objetivo de este taller es proporcionar
a los asistentes una visión general de
algunas de las tendencias coreográficas
que aparecen en el siglo pasado y viven
su plena consolidación en el actual.
La fusión de conceptos, elementos y
lenguajes propios de la danza clásica con
los de la danza moderna ha caracterizado
muchas de las producciones
coreográficas de los últimos tiempos.
Se trata de reflexionar y analizar este
fenómeno con el fin de conocer a los
creadores más representativos de dichas
corrientes, descubrir los vínculos que
existen entre ellos, desvelar las claves
que definen tales movimientos…
Mediante la práctica de fragmentos
coreográficos se experimentarán las
demandas técnicas y estilísticas a las que
se enfrentan en la actualidad los bailarines.
Los contenidos serán teóricos, apoyados
por material audiovisual, y prácticos.
El taller está dirigido a bailarines,
estudiantes y profesores de danza o de
otras disciplinas relacionadas con el
cuerpo, así como a personas interesadas
en profundizar en el conocimiento de la
danza que podrán participar de forma
activa o de oyentes.
71
Eva López Crevillén
Profesora de Análisis del Repertorio y Taller
de Interpretación de la Danza Clásica y
Vicedirectora del Conservatorio Superior
de Danza María de Ávila de Madrid.
Asistente Coreográfico de Nacho Duato
en diferentes compañías internacionales.
Académica correspondiente de la Real
Academia de Bellas Artes de Santa María
de la Arrixaca de Murcia. Cursa estudios
de Danza Clásica en la Real Escuela
Superior de Arte Dramático y Danza de
Madrid obteniendo la calificación final de
Matrícula de Honor. Dos años después
gana el premio del Cuarto Concurso
Nacional de Danza de España. Como
estudiosa de la danza obtiene el Título de
Magíster Universitario en Teoría y Práctica
del Aprendizaje de la Danza otorgado por
el Rector de la Universidad Complutense
de Madrid y el Máster Oficial en Artes
Escénicas por la Universidad Rey Juan
Carlos de Madrid. Realiza estudios de
Periodismo en la Facultad Ciencias de la
Información de la Universidad Complutense
de Madrid y de Geografía e Historia en la
UNED. Ha bailado durante dos décadas
los principales papeles del repertorio clásico
tradicional, del neoclásico y del de la danza
contemporánea, trabajando bajo la
dirección de Maya Plisestkaya, Ray Barra
y Nacho Duato, lo que le permite conocer
los trabajos coreógraficos del propio Duato,
de Petipa, George Balanchine, Glen Tetley,
Jirí Kylián, William Forsythe, Hans van
Manen, Ohad Naharin, etc. Roland Petit
la selecciona para interpretar las obras
más reconocidas de su repertorio y la elige
para bailar el papel de Albertine en el ballet
“Proust ou Les Intermitences du Coeur”,
dentro del marco del 64 Maggio Musicale
Fiorentino, obteniendo un importante
reconocimiento de crítica y público.
Su carrera artística se desarrolla a través
de todo el mundo, participando en
prestigiosos Festivales Internacionales de
Música y Danza En representación de
España es invitada a bailar en numerosas
galas internacionales.
Mujer Relevante en la Región de Murcia
en el marco del I Congreso Nacional sobre
Mujer y Cultura (Febrero 2002).
Candidata a los Premios Max de las Artes
Escénicas en la VI edición.
Imparte cursos, conferencias y ponencias
invitada por la Consejería de Educación
de la Comunidad de Madrid, por distintos
Conservatorios Profesionales de España,
por Universidades y por prestigiosos
centros de formación de danza
internacionales.
Miembro de Tribunales y jurado de
concursos de danza nacionales e
internacionales. Publica entrevistas y
artículos sobre danza en prensa
especializada...
72
COMPOSICIÓN
ELECTROACÚSTICA
POR ORDENADOR
Adolfo Núñez
15/16 FEB
10.30/12.30h
ESP.3
Precio: 30¤
73
El curso sigue paso a paso el proceso
de trabajo de un compositor para realizar
una obra musical mediante la tecnología
electroacústica. Comenzando por la
búsqueda, grabación y síntesis de los
sonidos que intervendrán en la
composición, hasta su procesamiento,
montaje y mezcla. Estudiando tanto los
aspectos técnicos como sus
implicaciones estéticas. También se tratará
sobre la electrónica en vivo, la
combinación con los instrumentos
acústicos y la composición algorítmica
asistida por ordenador. Desde el punto
de vista tecnológico se revisarán los
sistemas informáticos y electrónicos
utilizados actualmente para el trabajo en
el estudio y la interpretación en el
concierto. La duración será de 12 horas,
dedicando la mitad del tiempo a
exposición teórica con ilustraciones de
obras del autor y otros. La segunda mitad
será de prácticas, realizadas sobre
ordenador provisto de aplicaciones
informáticas de tratamiento del sonido.
Se invita a que cada alumno venga al
curso con un proyecto de composición
de obra electroacústica o mixta, que le
servirá, tanto para tomar parte activa
planteando preguntas o proponiendo
aspectos a profundizar, como para realizar
un primer esbozo de la obra durante las
prácticas, aplicando los contenidos del
curso y confrontando sus ideas con los
límites y los nuevos territorios que la
tecnología ofrece.
Adolfo Núñez
Titulado superior en Composición,
Guitarra e Ingeniería Industrial, estudió
con Guerrero, Bernaola, Abril,
Ferneyhough y de Pablo; así como Música
por Ordenador en Stanford (EEUU). Dirige
el Laboratorio de Informática y Electrónica
Musical-CDMC (Madrid). Encargos de la
Orquesta Nacional de España, GMEB
(Bourges), Daniel Kientzy, Sax Ensemble,
Festival de M. Contemporáneas de
Barcelona, Musica/Realtá (Milán), Univ.
de Navarra y Málaga, I. Valenciano de la
Música, INA-GRM (París), Comunidad de
Madrid.
Entre sus últimas actividades figuran la
presentación de su instalación sonora
interactiva “Oráculo” en colaboración con
el artista plástico Carlos Urbina.
Conciertos monográficos en las JIEM
(CDMC, Madrid) y en Sao Paulo,
presentación de sus obras en el CCCB
(Barcelona) con los Percussions de
Barcelona, en la Universidad de París VIII
y en Transiti (Roma). Ha sido galardonado
en el III Premio SGAE de Música
Electroacústica 2003. Ha recibido un
encargo del GRM para una obra que se
ha estrenado en el ciclo "Multiphonies GRM" (2006) en la Maison de Radio
France (París) y del Instituto Valenciano
de la Música para una obra que ha
estrenado el grupo D'ArS en el Festival
Primavera en la Habana (2006). Encargo
de la Comunidad de Madrid Clásicos en
Verano 2007.
74
LA CIUDAD
AUTOCONSTRUIDA
Santiago Cirugeda
5/6/7 Mar
17:00 a 21:00h
Precio: 30¤
6 Mar
Conferencia abierta.
Mar/Abr/May
Seguimiento y coordinación
de proyectos.
May
Ejecución de los proyectos.
75
Las ciudades son la forma física más
extendida en el mundo como entornos
de convivencia social. Se nos presentan
como suma de multitud de dimensiones
socioculturales y político-económicas,
donde la lucha entre lo local y lo global
se manifiesta en el entorno construido
privado y público.
Es quizás el espacio público el que de
manera mas clara muestra la confluencia
de intereses múltiples, donde la cultura
del ocio y del capital de una parte del
mundo “rico” o “culturalmente dominante”
parece ser el ejemplo para la otra gran
parte de mundo donde la supervivencia
es cosa del día a día.
El único objetivo del taller es que cada
participante tendrá que redescubrir sus
posiciones personales e intelectuales
sobre los contenidos en discusión y sobre
frente al ejercicio profesional de su
disciplina; sus estrategias creativas que
se formalizarán en proyectos concretos
donde la gestión, control y producción
completarán el contenido del proyecto
diseñado.
Santiago Cirugeda
Estudió arquitectura en la ETSA de Sevilla,
donde lo pasó muy bien y finalmente
acabó su carrera en Barcelona. Desarrolla
desde hace once años proyectos de
subversión en distintos ámbitos de la
realidad urbana que le ayudan a
sobrellevar esta complicada vida social.
Desde ocupaciones sistemáticas de
espacios públicos con contenedores,
hasta la construcción de prótesis en
fachadas, patios, cubiertas e incluso en
solares. Todo ello negociando entre la
legalidad e ilegalidad, para recordar el
enorme control al que estamos
sometidos. Realiza proyectos de
arquitectura, escribe artículos y participa
en diferentes medios docentes y culturales
(másters, seminarios, conferencias,
workshops, exposiciones, etc..). En
Octubre del 2007 presentó el libro:
“Situaciones Urbanas”, que muestra
estrategias legales y demandas sociales,
a través de proyectos arquitectónicos.
www.recetasurbanas.com
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ABRIENDO PUERTAS.
WORKSHOP CONTACT
IMPROVISATION
Sebastián García Ferro.
27/28/29 FEB
De 16 a 20 h.
ESP3.
ABRIENDO PUERTAS.
WORKSHOP - CONTACT
IMPROVISATION.
Sebastián García Ferro.
Este curso busca una aproximación al
Contact Improvisation: abrir las puertas
de nuestra percepción, la fluidez y
continuidad del movimiento conociendo
e investigando algunas de las nociones
y fundamentos básicos de esta técnica:
Soporte
Fuerza Centrífuga/ Centrípeta.
Gravedad.
Dependencia / Independencia.
Momentum.
Reflejos.
Registro de peso.
Inversión.
Cuerpo y espacio esféricos.
Mirada y percepción periférica.
La escucha activa en la improvisación.
De 12 horas de duración, está orientado
a principiantes en técnicas de movimiento.
77
SEBASTIAN GARCÍA FERRO
Coreógrafo, Bailarín y Performer de
Contact Improvisation.
Ha estudiado Contact Improvisation con
Andrew Harwood, Nancy Stark Smith,
Chris Aiken, Cathy Caraker, Patrick
Crowley, Debra Blutt, Martín Keogh, Daniel
Lepkoff, Scott Wells, Eckard Muller. Danza
Contemporánea y composición con
Cristina Bosso, Gustavo Lezgart y Diana
Szeimblum (Argentina), Jordy Vidal,
Ted Stoffer, Roberto Olivan, David
Hernández, Peter Mika, Martin Kilvady,
Akram Kham (Europa).
Participó de distintos festivales en Argentina
y Europa como coreógrafo y performer.
Integro distintas compañías de Danza en
Bs. As. como El Resbalón, Simplemente
Cisnes, Bosso compañía de Danza, No
se llama, Huellas.
Dirige su propia compañía de danza desde
1999 con la que ha creado 11 piezas: "En
redes","Contragravedad", "Solamente
Solo", "Fetich", "Vacio y Multitud", "Huellas
1", "On your Mark", "Mandrös",
"Something Out", "Back", "Tancat Attitude"
actualmente reside en Barcelona.
Ha realizado 5 residencias Coreográficas
en europa durante los últimos tres años
en Rosas P.a.r.t.s summer studio projetc
de Anne Teresa de Keesmaker, Le bain
Connective (Bruselas), Teatro La fundición
(Bilbao), Centre Civic Barcelonesa
(Barcelona), Area tangent (Barcelona).
Ha ganado recientemente el 1 premio en
el Certamen coreográfico de Mas Palomas
(islas canarias) y 2 premio en el Certamen
coreográfico de Madrid con la pieza "Back"
y también realizara 2 residencias
corográficas para el 2007 en Espaco do
tempo de Rui Horta y en la iniciativa
D.A.N.C.E. dirigida por William Forsythe
También es Músico y Compositor y ha
creado la música original de todas sus
obras y las de otras compañías de danza
y teatro y es compositor residente de la
fundación fonos de la universidad
Pompeu Fabra
Se desempeña como profesor de Contact
Improvisation y Composición desde hace
1997 en distintos estudios de danza,
festivales y escuelas de teatro en Argentina,
España, Portugal, Suiza, Austria, Italia,
Alemania y Bélgica.
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Mapa Localización: C/ Madre Elisea Oliver S/N
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80
Programación
LAS VICENTE
MATAN A LOS
HOMBRES
EL CAP ALS
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2666
18 ENE
ANIMALES
ARTIFICIALES
19 ENE
“ESTRATOS”
F.R.A.N.Z.P.E.T.E.R.
LA PESADILLA
DE KEPLER
CRONICA DE JOSÉ
AGARROTADO
TEATRO DA
MANGIARE?
ZERO
EL SHOW DE LOS
GRUMILDOS
LA CAMA
PRÓLOGO Y EPÍLOGO
DE LA VIDA
21/22 MAR
17 ENE
25/26 ENE
2 FEB
7/8/9 FEB
15/16 FEB
20/23FEB
29/1 MAR
31 ENE/31 MAR
FORMACIÓN
+MÓVILES
- INMÓVILES
Mapas y Relatos. Cartografías Invisibles de la ciudad
+MÓVILES
- INMÓVILES
Recreando
+MÓVILES
- INMÓVILES
Aula A 0º
4/5 FEB
AUDIOBOX
11ENE
12/18/19/25/26 /FEB
FEB/MAR/ABR
De lunes a viernes
10MAR/14MAR
Thosetransversalia.Net
11/12/18/19/25/26 FEB
3/4/10/11 MAR
Master oficial en danza
y artes del movimiento
11/12 ENE
La producción
discográfica, de la
interpretación a la difusión
El Acuario de Muñecas
El cuerpo en movimiento
NUMANCIA
28/29 MAR
Taller teórico-práctico sobre
tendencias coreográficas
de las últimas décadas
del Siglo XX.
15/16/17 ENE
28/29/30/31 ENE
1 FEB
7/8/9 FEB
22 al 24 FEB
FESTIVAL SONORO
81
Those
Noisebox
Gustav
Schwarz
Christian Fennesz
Standstill
13 MAR
14 MAR
14 MAR
14 MAR
15 MAR
15 MAR
Composición Electroacústica
y por ordenador
15/16 FEB
La Ciudad Autoconstruida
5/6/7 MAR
Abriendo Puertas. Workshop -Contact Improvisation
27/28/29 FEB
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CENTRO PÁRRAGA
Consejería de Cultura, Juventud y Deporte
Dirección General de Promoción Cultural
COORDINACIÓN DEPARTAMENTO
DE FORMACIÓN
Paco Aguinaga
areaformativa@centroparraga.com
COORDINACIÓN DEPARTAME
ARTES ESCÉNICAS
Luisma Soriano
artesescenicas@centroparraga.com
COORDINACIÓN DEPARTAMENTO
ARTES VISUALES
Javier Romera
artesvisuales@centroparraga.com
COORDINACIÓN ESPACIO SONORO
Antonio Navarro
producción@centroparraga.com
PRODUCCIÓN TÉCNICA
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producción@centroparraga.com
ADMINISTRACIÓN
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administración@centroparraga.com
SECRETARÍA Y COMUNICACIÓN
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prensa@centroparraga.com
DIRECCIÓN
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direccion@centroparraga.com
Para reservas y entradas contactar con:
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Antiguo Cuartel de Artillería
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T. 968 351 410
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