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Benefiz-Auktion der ContemporAry Arts AlliAnCe Berlin
Benefiz-Auktion der Contemporary Arts Alliance Berlin AT VILLA ELISABETH InvalidenstraSSe 3, 10115 Berlin VORBESICHTIGUNG / PREVIEW 4. Juni 2016, 16 - 17 Uhr June 4, 2016, 4 - 5 pm AUKTION / AUCTION 4. Juni 2016, 17 – 19 Uhr June 4, 2016, 5 – 7 pm ONLINE-KATALOG / CATALOGUE ONLINE www.caa-berlin.org ANMELDUNG / REGISTRATION Bis 25. Mai 2016 unter guest @ caa-berlin.org Until May 25, 2016 under guest @ caa-berlin.org Für diese Benefiz-Auktion wird kein Aufgeld erhoben. No buyer’s premium will be charged for this benefit auction. Impressum Inhalt Content 004 Artists for Artists und Culture for Refugees – Die Contemporary Arts Alliance Berlin 005 Artists for Artists and Culture for Refugees – The Contemporary Arts Alliance Berlin 006 Die Stipendiaten der CAA 011 The CAA Scholars 014 Zur Notwendigkeit des Mäzenatentums in Deutschland — Peter Raue 016 The Necessity of Patronage in Germany — Peter Raue 018 Gedanken zur Integration — Dieter Kosslick 019 Thoughts on Integration — Dieter Kosslick 020 Lose 020 Lots 021 Information für Bieter 021 Information for Bidders 022 LIVE AUKTION # 01 – 17 022 LIVE AUCTION # 01 – 17 058 Culture for Refugees. Eine Initiative der CAA Berlin 059 Culture for Refugees. An Initiative of the CAA Berlin 060 Ein Gespräch mit dem Neu-Berliner Mohammed Noor — Lydia Korndörfer 062 A Conversation with new Berlin Citizen Mohammed Noor — Lydia Korndörfer 064 LIVE AUKTION # 18 – 36 064 LIVE AUCTION # 18 – 36 104 Flüchtlings-Kultur als Doppelagentin? — Armin Nassehi 105 Refugee Culture Acting as a Double Agent? — Armin Nassehi 106 Kunst allein kann die Welt nicht retten — Thomas Ostermeier 107 Artists cannot save the world — Thomas Ostermeier 109 Stille AUKTION # 37 – 50 109 SILENT AUCTION # 37 – 50 138 Versteigerungsbedingungen 139 Conditions of Sale HERAUSGEBER Contemporary Arts Alliance Berlin gGmbH Klingelhöfer Str. 7 D-10785 Berlin www.caa-berlin.org Sitz der Gesellschaft: Berlin Amtsgericht Berlin-Charlottenburg HRB 107399 B Geschäftsführung: Bettina Pabst AUKTIONATOR Kilian Jay von Seldeneck, Kunsthaus Lempertz KATALOG Redaktion: Lydia Korndörfer Katalogbearbeitung: Esmée Böhm, Yvonne Bormann, Alexandra von Stosch, Olga Potschernina, Gaia zu Lynar und Mark Corrigan Textbeiträge: Nina Ender, Lydia Korndörfer, Dieter Kosslick, Armin Nassehi, Mohammed Noor, Thomas Ostermeier, Peter Raue Texte zu den Künstlern: Lydia Korndörfer Übersetzung der Textbeiträge: David Fenske, Berlin Übersetzung der Künstlertexte: Sophie Hurst, Berlin Alle Texte wurden, sofern nicht anders gekennzeichnet, im März/April 2016 verfasst. © Bei den Autoren ABBILDUNGEN S. 023 Photo: Uwe Walter, Berlin © Titus Schade und VG Bild-Kunst, Bonn 2016 S. 025 Photo: Lukas Heibges S. 035, S. 043, S. 047, S. 057, S. 095, S. 137 Photo: Trevor Good S. 045 © Andrea Bowers S. 055 Photo: Uwe Walter, Berlin © Olaf Nicolai und VG Bild-Kunst, Bonn 2016 S. 065 Photo: Manos Meisen S. 075 Photo: Jochen Littkemann Sofern nicht anders angegeben liegt das Copyright bei den Künstlern. GESTALTUNG www.jonascarstens.com Schriften Vremena Serif, abstrkt.ru Office Code Pro, Nathan Rutzky HERSTELLUNG Europrint Medien, Berlin ARTISTS FOR ARTISTS UND CULTURE FOR REFUGEES – DIE CONTEMPORARY ARTS ALLIANCE BERLIN ARTISTS FOR ARTISTS AND CULTURE FOR REFUGEES – THE CONTEMPORARY ARTS ALLIANCE BERLIN Die Contemporary Arts Alliance Berlin (CAA) ist eine gemeinnützige Initiative mit dem Ziel, die zeitgenössische Berliner Kunst- und Kulturszene durch Nachwuchs förderung und bürgerschaftliches Engagement zu stärken. The Contemporary Arts Alliance Berlin (CAA) is a charitable initiative that aims to strengthen the contemporary art and culture scene in Berlin by public involvement and by supporting and promoting a generation of up-and-coming young artists. Seit ihrer Gründung im Jahr 2007 hat die CAA junge Berliner Künstler aus den Bereichen Musik / Komposition, Tanz, Theater und Bildende Kunst unterstützt. Kern dieser Förder ung sind die jährlich auf Empfehlung einer unabhängigen Jury vergebenen CAA-Mentoren-Stipendien an Talente aus diesen vier Bereichen. Die Stipendiaten werden durch Mentoren aus dem Netzwerk der CAA bei ihrem Einstieg in die professionelle künstlerische Laufbahn begleitet. Finanziell werden sie über den Zeitraum von jeweils einem halben Jahr mit 900 € pro Monat gefördert, um ihre aktuellen Projekte voranzutreiben. Eine individuelle Projekt förderung ist zusätzlich möglich. Alle Stipendiaten erhalten zudem über den Stipendienzeitraum hinaus Zugang zum Netzwerk der CAA und Beratung in praktischen Belangen. Seit dem letzten Jahr hat die CAA ihr Engagement außerdem um die Initiative Culture for Refugees erweitert. In Ko operation mit Flüchtlingsunterkünften und vielen Berliner Kultureinrichtungen ist in den vergangenen Monaten bereits über 200 Geflüchteten der freie Konzert-, Theater-, Opern-, Tanz- oder Ausstellungsbesuch ermöglicht worden. Wir verstehen diesen kulturellen Austausch als einen wichtigen Beitrag zum gegenseitigen Verständnis der verschiedenen Gesellschafts- und Lebensformen, ohne das Integration nicht vorstellbar ist. Die Teilhabe an der Kultur Berlins entspricht auch dem menschlichen Bedürfnis nach Bildung und Kultur und bietet allen Neuangekommenen einen lebhaften Eindruck unserer Gesellschaft. Indem die Geflüchteten bei diesen Abenden von Freunden und Förderern der CAA begleitet werden, bietet das gemeinsame Kulturerlebnis zudem Gelegenheit für persönlichen Aus tausch und Kontakt. Die CAA Initiative ist rein privat finanziert, einerseits durch die Beiträge der Freunde und Förderer der CAA, andererseits durch Partner. Um die weitere Vergabe von Stipendien und den Ausbau von Culture for Refugees zu finanzieren, richtet die CAA in diesem Jahr zum dritten Mal eine Benefiz-Auktion aus. 004 Diese Auktion ist durch die großzügigen Spenden der Künstler, ihrer Galerien und Sammler möglich geworden. Ihr kreatives Schaffen wird in Kombination mit dem Bieter-Enthusiasmus des Publikums am 4. Juni 2016 die finanzielle Grundlage für die Nachwuchsförderung und integrative Kulturarbeit der CAA in den nächsten Jahren bilden. In diesem Zusammenhang gilt unser besonderer Dank Esmée Böhm und Yvonne Borrmann für ihr uner müdliches Engagement, ihre Impulse und ihren Einsatz für die Auktion. Wir sind unserem Hauptpartner, der DKB, zu Dank verpflichtet und freuen uns über unser erstes gemeinsames Projekt sowie auf die weitere Zusammenarbeit. Unserem Auktionator Kilian Jay von Seldeneck und dem Kunsthaus Lempertz danken wir für die großzügige und pro fessionelle Unterstützung. Bei Nina Ender, Dieter Kosslick, Armin Nassehi, Mohammed Noor, Thomas Ostermeier und Peter Raue bedanken wir uns sehr für die inspirierenden Textbeiträge. Lydia Korndörfer, CAA-Stipendiatin für kuratorische Praxis 2015, hat die kenntnisreichen Texte zur Kunst und den Künstlern geschrieben und den Katalog editiert. Jonas Carstens ist für das wunderbare Artwork verantwortlich. Beiden gilt unser herzlicher Dank. Kommen Sie am 4. Juni 2016, ab 16 Uhr in die Villa Elisa beth nach Berlin-Mitte und bieten Sie mit! Wir freuen uns auf Sie, Loretta Würtenberger, Betti Pabst, Stephan Balzer und das Board der CAA: Alexandra von Stosch, Marianne Esser, Katharina Ehler, Sigi Pieper, Frank Grischa Feitsch, Ulrich Plett Since its foundation in 2007, the CAA has supported young artists in Berlin who work in the fields of music / composition, dance, theatre or the fine arts. Essential part of our support are the CAA-Mentor-Stipends being awarded to tal ents from these four categories on the recommendation of an independent jury every year. With the help of mentors from the CAA network, scholarship holders are eased into a professional artist’s career. They receive financial assistance of 900 Euros a month over a period of half a year and are given the opportunity to promote their current projects. Furthermore, all scholarship holders receive access to the CAA network and are given advice in practical matters beyond the period of sponsorship. Since last year, the CAA has increased its engagement by establishing the initiative Culture for Refugees. During the last few months, in cooperation with refugee lodgings and many cultural establishments in Berlin, more than 200 refugees have been granted free entrance to concerts, theatres, opera, dance or exhibitions. Thereby the cultural exchange is conceived as a significant contribution to the understanding of various forms of society and life design — a capability that is fundamental to the process of integration. Further, the participation in the culture of this city meets the deeply human need for education and culture and provides the arrivals with a lively impression of our society. With friends and sponsors of the CAA accompanying the refugees during these events, the shared cultural experience becomes an occasion for personal exchange. Our initiative is funded purely through private means, through the contributions of friends and sponsors of the CAA as well as through partners. In order to secure further allocations of sponsorships and to extend the Culture for Refugees programme, the CAA has organised its third charity auction this year. Without the generous support of the artists, their galleries and the collectors, this auction would not have been possible. Combined with the bidding enthusiasm of the audience on June 4, 2016, their creative work will form the financial basis for the support of a new generation of artists and the cultural integration work of the CAA for the coming years. In this regard, we would particularly like to thank Esmée Böhm and Yvonne Borrmann for their tireless commitment, their impulses and efforts for this auction. We are greatly indebted to our main sponsor, the DKB, with whom we realise our first project in the realm of the auction and are looking forward to our further collaboration. Moreover, we would like to offer our best thanks to the auctioneer Kilian Jay von Seldeneck of the Kunsthaus Lempertz, who generously offered his professional support. We thank Nina Ender, Dieter Kosslick, Armin Nassehi, Mohammed Noor, Thomas Ostermeier and Peter Raue for their inspiring contributions. Furthermore, we would like to express our gratitude to Lydia Korndörfer, scholarship holder for curatorial praxis in 2015, who wrote the knowledgeable texts about the art works and the artists, and edited the catalogue, as well as to Jonas Carstens, who is responsible for the wonderful catalogue design. You’re warmly invited to take part and come by at the Villa Elisabeth in Berlin-Mitte on June 4, 2016, starting from 4 pm! We look forward to seeing you there! Yours sincerely, Loretta Würtenberger, Betti Pabst, Stephan Balzer, and the CAA board: Alexandra von Stosch, Marianne Esser, Katharina Ehler, Sigi Pieper, Frank Grischa Feitsch, Ulrich Plett 005 Die stipendiaten der CAA Jee-Ae Lim CAA-Stipendiatin 2016 / Tanz / Choreografie Jee-Ae Lim arbeitet an der Schnittstelle zwischen traditionellem koreanischem Tanz und zeitgenössischer Empfindsamkeit, wobei sie maßgeblich durch ersteren geprägt wurde. Sie hat den Masterstudiengang Solo / Dance / Author ship am Hochschulübergreifenden Zentrum Tanz der Universität der Künste in Berlin absolviert. Für ihr Stück Less Movement wurde sie beim ImPulsTanz 2013 ausgezeichnet. 2013 / 2014 war Lim Choreographer-in-Residency im K3 – Zentrum für Choreografie / Tanzplan in Hamburg. 2014 erhielt sie den Elsa-Neumann-Preis und für die Arbeit Hidden Body ein Stipendium vom Berliner Senat. 2014 / 2015 war sie Gaststipendiatin der Saison Foundation in Tokyo und der Korea National Contemporary Dance Company. Das koreanische Magazin Gaeksuk führte sie in der Liste The next generation of young leading artists 2015. Ihre Trilogie 10 Years in 1 Minute wurde von koreanischen, deutschen und japanischen Kulturinstitutionen koproduziert. Jee-Ae Lim betrachtet den menschlichen Körper als Bewegungsarchiv und findet in ihren Arbeiten eine persönliche Antwort auf kulturelle Traditionen oder die Konventionen, Stereotypen und Vorurteile, die dem Kanon der Tanz geschichte entstammen. Dragana Bulut CAA-Stipendiatin 2016 / Tanz / Choreografie Dragana Bulut studierte, nach dem sie die Balletthochschule abschlossen hatte, Literatur an der Universität in Belgrad. Neben dem Studium verfolgte sie ihre Tanzausbildung weiter und beteiligte sich in verschiedenen Tanzworkshops und Research-Gruppen. Als Mitglied der Gruppe Station Service for Contemporary Dance Belgrade, in der sie noch immer aktiv ist, war sie in die lokale Tanzszene Belgrads eingebunden. Später zog Bulut nach Berlin und absolvierte den Masterstudiengang Solo / Dance / Authorship am Hoch schulübergreifenden Zentrum Tanz der Universität der Künste in Berlin. Seit 2005 entwickelt sie ihre eigenen Choreografien, die international aufgeführt werden wie beispielsweise im Tanzquartier in Wien, im Haus der Kulturen der Welt in Berlin, beim Euro-scene Festival in Leipzig, beim iDANS Festival in Istanbul, im Danspace Project in New York oder dem eXplore Dance Festival in Bukarest. Bulut performte selbst für Künstler wie unter anderem Meg Stuart, Tino Sehgal, Ivo Dimchev und Charles Linehan. 2004 und 2008 erhielt sie das DanceWeb-Europe-Stipendium. 006 2010 gewann sie den Prix Jardin d’Europe – den europäischen Preis für Nachwuchs-Choreografen. 2014 bekam sie ein Stipendium vom Berliner Senat. 2013 / 2015 war sie Artistin-Residency an der Akademie Schloss Solitude bei Stuttgart. In diesem Jahr erhält sie das CAA-Mentoren-Stipendium, um ihre aktuellen Projekte voranzutreiben. Lydia Korndörfer CAA-Stipendiatin 2015 / Kunst / Kuratorische Praxis Lydia Korndörfer studierte Kunst- und Bildgeschichte an der Humboldt-Universität zu Berlin und der Università degli Studi di Bologna. Sie war in mehreren Institutionen und Kultureinrichtungen wie dem Martin-Gropius-Bau in Berlin, dem Museum of Modern Art in New York oder der Galerie Bastian, Berlin tätig. 2013 initiierte sie, zusammen mit Lisa Polten, die Ausstellungsreihe Berlin Masters in der Galerie Arndt, die jährlich eine Auswahl von Meisterschülern aus beiden Berliner Kunsthochschulen präsentiert. Derzeit hat sie einen Lehrauftrag an der Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig. Als erste CAA-Stipendiatin für kuratorische Praxis hat sie 2015 mit der Ausstellung Opening on the foam das Schloss Sacrow bei Potsdam bespielt. In einem Konzept, das auf die wechselvolle Geschichte des Ortes einging, wurden Romantik und tagespolitische Themen gleichermaßen ins Gedächtnis gerufen. Die Kunstwerke hinterfragten das heutige Naturverständnis oder ließen die romantischen Bildwelten als latente Verweise auf die Krisen im 21. Jahrhundert auftreten. „Schaum wird zur Leitmetapher, zum ahnungsvoll-nebulösen, flüchtigen, un fassbaren und die Sicht verstellenden Medium. Diese sehr nahe an aktueller künstlerischer Auseinandersetzung mit gesellschaftspolitischen Themen und für den Ort entwickelte Konzeption hat die Jury einstimmig überzeugt“, so Beatrice von Bismarck. Yonghee Kim CAA-Stipendiatin 2015 / Musik / Komposition Die Komponistin Yonghee Kim studierte an der Korea National University of Arts in Seoul und der Universität der Künste in Berlin. Im Jahr 2008 wurde sie mit dem Kompositions preis im Bereich der Kammermusik von der Koreanischen Musikgesellschaft ausgezeichnet. Darauf folgten die Uraufführungen ihrer Werke Desire Patchwork, Falsche Vögelchen, Wenn sich der Winterhimmel mit Gefiederglass bedeckt und Knotengang in Seoul und an der Universität der Künste in Berlin. 2015 hat sie nicht nur den Berlin-Rheins berger-Kompositionspreis gewonnen, sondern auch die Jury der CAA überzeugt: „Ihre klare Handschrift nimmt den Blick gefangen. Die vorgelegte Partitur lässt auf eine Komponistin schließen, die aus ihren Klangvorstellungen ein Bild entwickelt, ein Notenbild. Es verbindet den schöpferischkreativen Akt mit der konkreten Arbeitswelt der Musiker. Die Schrift entspricht dem Zeichencode unserer Zeit, ohne sich einem computergesetzten System unterzuordnen. Und genau in diesem Spannungsfeld zwischen vorgegebenen Standards und individueller Entwicklung zeigt sich die Per sönlichkeit der Komponistin“, so Margarete Zander. Franziska Wildt CAA-Stipendiatin 2014 / Kunst / Bildende Kunst störende und sprachbesondere Eigenheiten ebenfalls schnell Beachtung fanden. Mit Letzterem wurde Anne Lepper zum tt Stückemarkt des Berliner Theatertreffens 2011 einge laden und bekam den Werkauftrag des tt Stückemarkts zugesprochen. 2012 produzierte der Westdeutsche Rundfunk Hörspiele, die auf HUND WOHIN GEHEN WIR und dem Folgestück SEYMOUR basieren. In der Kritikerumfrage des Fachmagazins Theater Heute wurde Anne Lepper zur Nach wuchsdramatikerin des Jahres 2012 gewählt. 2013 erhielt sie den Dramatikerpreis des Kulturkreises der deutschen Wirtschaft und das CAA-Mentoren-Stipendium. Ihre jüngsten Stücke LA CHEMISE LACOSTE und ACH JE DIE WELT wurden im Schauspielhaus Düsseldorf und am Theater Dortmund aufgeführt. Derzeit schreibt Anne Lepper im Auftrag für das Nationaltheater Mannheim. Peter Michalzik pries Lepper in Die Zeit als „das größte Dialogtalent seit Werner Schwab ... So eine Schriftstellerin hat es lange nicht gegeben.“ Franziska Wildt hat an der Städelschule in Frankfurt am Main, der Columbia University in New York und der Universität der Künste in Berlin studiert. Die Künstlerin verbindet gesellschaftliche und künstlerische Belange, und setzt dabei historische und gegenwärtige Entwicklungen miteinander in Beziehung. Ihre Arbeiten wurden unter anderem in den KW – Institute for Contemporary Art, dem Museum für Fotografie und im Künstlerhaus Bethanien in Berlin, sowie in der LeRoy Neiman Gallery in New York gezeigt. Aktuell entwickelt sie gemeinsam mit der Tänzerin Nami Miwa für den Frankfurter Kunstverein eine Performance-Installation, die sich mit Leben und Werk der Künstlerin und Wider standskämpferin Oda Schottmüller auseinandersetzt. Franziska Wildt hat die Jury der CAA 2014 aufgrund der Verbindung eines stringenten Konzepts mit einem eigenstän digen visuellen Ansatz überzeugt. Ian Kaler studierte Transmediale Kunst in Wien und absolvierte den Pilotstudiengang Zeitgenössischer Tanz / Kon text / Choreografie am Hochschulübergreifenden Zentrum Tanz an der Universität der Künste in Berlin. Seit 2010 entwickelt er im Austausch mit unterschiedlichen Künstler_ Innen Stücke in choreografischen Reihen, die von Arbeiten in visuellen Medien begleitet werden. Derzeit arbeitet Ian Kaler an der Reihe o.T. , die in vier Teilen konzipiert ist. Die Premiere des ersten Teils, (the emotionality of the jaw) , fand im Februar 2015 im Tanzquartier Wien statt. Auf den zweiten Teil, (gateways to movement), folgt im Herbst 2016 (Incipient Futures). Anne Lepper CAA-Stipendiatin 2013 / Theater / Dramatik Begüm Erciyas CAA-Stipendiatin 2012 / Tanz / Choreografie Anne Lepper studierte Philosophie, Literatur und Geschichte in Wuppertal, Köln und Bonn. Es folgten Promotionsstudien in Bamberg und Essen sowie das Studium des literarischen Schreibens an der Hochschule der Künste Bern. Mit ihrem Debütstück SONST ALLES IST DRINNEN gewann sie in der Langen Nacht der Neuen Dramatik 2009 den Publikumsund Förderpreis. Ein Jahr später wurde es an den Münchner Kammerspielen uraufgeführt. Es folgten die Stücke KÄTHE HERMANN und HUND WOHIN GEHEN WIR, deren ver Begüm Erciyas hat in Ankara Molekularbiologie und Genetik studiert. Während ihres Studiums war sie in verschiedenen Tanzprojekten in der Türkei tätig und wurde zum Mitglied der Gruppe [ laboratuar ] , einer Projekt- und Research-Gruppe für Darstellende Künste. Es folgte ein Studium an der Ex perimental Academy of Dance in Salzburg. 2006 erhielt sie das DanceWeb-Stipendium. Seitdem ist sie aktives Mitglied von Sweet and Tender Collaborations. Erciyas wurde mit Residencies an der Akademie Schloss Solitude bei Stuttgart, Ian Kaler CAA-Stipendiat 2012 / Tanz / Choreografie 007 dem K3–Zentrum für Choreographie / Tanzplan in Hamburg, der TanzWerkstatt Berlin und der Villa Kamogawa in Kyoto ausgezeichnet. 2012 erhielt sie ein Stipendium des Berliner Senats und der Contemporary Arts Alliance Berlin. Ihre jüngsten Stücke sind Ballroom (EU-Projekt LOOPING, 2010), MATCH (Tanz im August Festival, Berlin 2011), this piece is still to come (Kampnagel, Hamburg 2012) und A Spec ulation (Hebbel am Ufer, Berlin 2014). Seit 2015 arbeitet sie an einem Projekt, das die Wirkung und Performativität der eigenen Stimme für den Sprechenden in den Blick nimmt. Begüm Erciyas „untersucht auf humorvolle Weise die Grenzen einer choreografierten Welt“, so die Jury der CAA. Stefan Keller CAA-Stipendiat 2011 / Musik / Komposition Stefan Keller studierte zunächst Oboe in Zürich und anschließend Komposition in Berlin. Seit 2006 unterrichtet er theoretische Fächer und Instrumentation an der renommierten Hochschule für Musik Hanns Eisler in Berlin. Er wurde vielfach ausgezeichnet und erhielt unter anderem den 1. Preis beim Wettbewerb des Schweizer Jugend sinfonieorchesters für Stück für Orchester sowie vier Preise, darunter zwei Erste, beim Hanns-Eisler-Preis für seine Kompositionen Stück für Oboe Solo, Neues Ensemble Stück, immer da und Sextett. 2012 / 2013 hielt sich Keller im Rahmen eines DAAD-Stipendiums für ein Jahr in Mumbai auf, um nordindische klassische Musik zu studieren. In seiner Musik setzt er sich mit verschiedenen musikalischen Idiomen und Traditionen auseinander und sucht nach unmittelbarer, körperlicher Resonanz. Seine Werke wurden unter anderem vom Ensemble Modern, dem Ensemble Intercontemporain und den Neuen Vocalsolisten Stuttgart aufgeführt. Nele Schwierkus CAA-Stipendiatin 2010 / Kunst / Bildende Kunst Nele Schwierkus studierte unter Florian Slotawa an der Universität der Künste in Berlin und war Meisterschülerin von Michaela Meise. 2009 wurde sie mit dem CAA-MentorenStipendium und dem Bernhard-Heiliger-Stipendium ausgezeichnet. 2012 erhielt sie den Meisterschülerpreis des Präsidenten der Universität der Künste. Schwierkus ergänzt ihr vorwiegend bildhauerisches Schaffen um per008 formative Akte. Die Künstlerin zeigt das Potential und die Formenvielfalt vermeintlich statischer Objekte auf. Ihre Arbeiten überzeugen dabei „durch gedankliche und handwerkliche Präzision“, so Beatrice von Bismarck. Anfang 2016 hatte die Künstlerin mit State of Flux eine Einzelausstellung in der Galerie im Turm in Berlin. Im Zentrum standen die Bewegtheit und Bewegung ihrer Stahlskulpturen, die gleichermaßen durch die Künstlerin und die Betrachter verantwortet wurde. Nina Ender CAA-Stipendiatin 2009 / Theater / Dramatik Nina Ender studierte Journalistik und Germanistik mit Schwerpunkt Theater an der Universität Hamburg und Szenisches Schreiben an Universität der Künste in Berlin. Sie erhielt zahlreiche Auszeichnungen und wurde international auf Theaterfestivals wie beispielsweise zum Dramatikerworkshop des Berliner Theatertreffens, zum Wochenende der jungen Dramatiker an den Münchner Kammer spielen, den Werkstatttagen am Wiener Burgtheater oder zum Forum Junger Autoren Europas der Theaterbiennale Wiesbaden eingeladen. Ihre Stücke BETA und DIE WISSENDEN wurden in der Schaubühne Berlin uraufgeführt. 2009 war sie Stipendiatin der CAA und bekam den Förder preis für Literatur der Stadt Ulm. Es folgten das JahresStipendium Literatur der Kunststiftung Baden-Württemberg und ein Projektstipendium des Jugendtheaterpreises BadenWürttemberg für das Stück PIDKID.DE. 2015 erschien ihr jüngstes Stück POLYBOSKOMPLEX im Felix Bloch Erben Verlag für Bühne Film und Funk. Nina Ender behandelt präzise recherchierte Themen wie Behinderung, Prä implantationsdiagnostik, künstliche Befruchtung oder das Altern. Ihre Stücke reichen weit über die Wissenschafts fiktion hinaus und schweifen ins Satirische und Absurde ab, ohne dabei ihren klugen Humor und die lebendige, pul sierende Sprache mit schlagfertigen Dialogen zu verlieren. Bei der Auswahl der Stipendiaten wird die CAA neben der jeweiligen Fachjury von ausgewählten Experten unterstützt, die der Jury vorsitzen und wertvolle Beiträge für das Programm der CAA leisten. Wir bedanken uns sehr herzlich bei: Heike Albrecht – Zeitgenössischer Tanz Barbara Burkhard – Zeitgenössisches Theater Beatrice von Bismarck – Zeitgenössische Kunst Margarete Zander – Zeitgenössische Musik Installation view, Nele Schwierkus. State of Flux, Galerie im Turm, February 2016 Photo: Nele Schwierkus Neues Land Und dann bin ich doch noch ins Neue Land gegangen. Ich habe Schwimmflügel an. Hinten steht ein Haus das hat eine Schwelle eine Hemmschwelle und. Die andern wo sind die da drin wohl die lachen laut das hallt hell hell grellgelb aber ich kann nicht schaun weil ich komm noch nicht hoch wegen der Schwelle der Hemmschwelle die ist so hoch. Ich kann nur weinen wenn die Sonne scheint. Die Ratten haben den Müll gefressen das war zu viel jetzt sind sie rund kugelrund und der dicke kahle Schwanz schlägt in alle Richtungen meine Füße sind heiß und viele Fernseher laufen herum mit denen man sich anfreunden könnte. Ich kann nur weinen wenn die Sonne scheint aber es regnet. Es regnet immer arg und der ganze Himmel ist nass dann breit ich meine Arme aus ich habe Schwimmflügel an. Text: Nina Ender, 2009 009 The CAA Scholars Jee-Ae Lim CAA Scholar 2016 / Dance / Choreography Ian Kaler, o.T. (the emotionality of the jaw) , 2015 Photos: Eva Würdinger Installation views, Opening on the foam, Schloss Sacrow, June 2015 Photos: Trevor Good 010 Jardin d’Europe, Europe’s emerging choreography prize, in 2010. In 2014 she received a stipend from the Berlin Jee-Ae Lim comes from a traditional Korean dance back Senate. She was artist-in-residence at the Akademie Schloss ground and has been exploring the crossover between tradi- Solitude, near Stuttgart, from 2013 to 2015. In 2016, she tional Korean dance and contemporary sensibilities. She was awarded the CAA-Mentor-Stipend to promote her curcompleted her studies in solo / dance / authorship at the Inter- rent projects. University Centre for Dance Berlin, which is part of the Universität der Künste in Berlin. She received an award for her piece Less Movement at ImPulsTanz 2013. In 2014, she was awarded the Elsa Neumann Prize for her work Hidden Lydia Korndörfer Body, for which she also received a grant from the Berlin CAA Scholar 2015 / Art / Curatorial Practice Senate. Lim was resident choreographer at the K3 – Centre Lydia Korndörfer studied art history at Berlin’s Humboldt for Choregraphy / Tanzplan Hamburg during 2013 / 14 and University and the University of Bologna. She has worked at various cultural institutions, such as the Martin-Gropiusa visiting fellow at both the Saison Foundation in Tokyo in 2014 and the Korea National Contemp orary Dance Company Bau in Berlin, the Museum of Modern Art in New York in 2015. She was included in the Korean magazine Gaeksuk’s and the Galerie Bastian in Berlin. In 2013, she and Lisa Polten created the exhibition series Berlin Masters, which annually prestigious list, The next generation of young, leading artists. Her trilogy 10 Years In 1 Minute was co-produced by presents a selection of works of master’s students from both Berlin art colleges at the Arndt gallery. She currently cultural institutions from Korea, Germany and Japan. Jee-Ae Lim perceives the human body as an archive of move teaches at the Braunschweig University of Art. As the holder of the first CAA scholarship for curatorial practice, she arment. In her works, she develops a personal response to cultural tradition and to the conventions, stereotypes and ranged the exhibition Opening on the foam at the castle of prejudices that have developed out of the canon of dance Sacrow, near Potsdam. The exhibition concept responded history. to the multi-layered history of the castle and combined allusions to the Romantic era with nods to current political topics. The artworks investigated today’s understanding of nature and revived the visual universes of the Romantics to make Dragana Bulut implicit reference to the crises of the 21st century. “Foam became the main metaphor—an ominous and nebulous, fleetCAA Scholar 2016 / Dance / Choreography ing, intangible and view-obstructing medium,” said the After completing her ballet training, Dragana Bulut studied German art historian Beatrice von Bismarck. “This concept, literature at the University of Belgrade while continuing which was developed in regard to current developments her dance education through various workshops and rewithin contemporary art and political debates and yet research projects. As a member of the Station Service for ferred to the exhibition space itself, convinced the jury unanContemporary Dance Belgrade, where she still plays an imously.” active role, she was involved in Belgrade’s local dance scene. Later, Bulut moved to Berlin where she graduated from her studies in solo / dance / authorship at the Inter-University Centre for Dance Berlin, which is part of the Universität der Künste in Berlin. Since 2005 she has developed her own Yonghee Kim choreographies, which were performed internationally CAA Scholar 2015 / Music / Composition at venues such as the Tanzquartier in Vienna, the Haus der The composer Yonghee Kim studied at the Korea National Kulturen der Welt in Berlin, the euro-scene in Leipzig, University of Arts in Seoul and at the Universität der Künste the iDANS Festival in Istanbul, the Danspace Project in New in Berlin. In 2008 she was awarded the prize for composiYork and the eXplore Dance Festival in Bucharest. Bulut tion in the field of chamber music by the Korean Music has performed for artists like Meg Stuart, Tino Sehgal, Ivo Society. Soon after came the debut performances of her works Dimchev and Charles Linehan. She received the DanceWeb Desire Patchwork, Falsche Vögelchen, Wenn sich der WinterEurope Scholarship in 2004 and 2008, and won the Prix himmel mit Gefiederglass bedeckt and Knotengang in Seoul 011 and at the Universität der Künste in Berlin. In 2015 she won the Berlin Rheinsberger Prize for composition and convinced the CAA jury. Margarete Zander said of Kim’s work: “Her clear individual style captures the eye. Her score suggests a composer who develops images out of her sound concepts, hence pictures of notes. Kim’s score combines the creative and inventive act of composing with the practical working environment of musicians. Her writing correlates with the character code of our times, without subordinating itself to computer-run systems. It’s exactly in this area of conflict between given standards and individual development that the personality of the composer shines through.” Franziska Wildt CAA Scholar 2014 / Art / Fine Arts Franziska Wildt studied at the Städelschule in Frankfurt, the Columbia University in New York and the Universität der Künste in Berlin. The artist combines social and artistic matters, thereby relating current developments to historical ones. Her works were exhibited at, among others, the KW – Institute for Contemporary Art in Berlin, the Museum of Photography and the Künstlerhaus Bethanien in Berlin, and the LeRoy Neiman Gallery in New York. Together with the dancer Nami Miwa, she is currently developing a performance installation for the Kunstverein Frankfurt, which deals with the life and work of the resistance fighter and artist Oda Schottmüller. In 2014 Franziska Wildt convinced the CAA jury with her combination of compelling concept and independent visual approach. Theatertreffen Stückemarkt in Berlin, where she was awarded the festival’s “Werkauftrag” — a € 7.000 commission to write a new play. In 2012 the radio channel Westdeutscher Rundfunk produced radio plays based on Hund wohin gehen wir and Leppers’ following work Seymour. In a critics’ survey by the magazine Theater Heute, Lepper was voted Young Dramatist of the Year 2012. In 2013 she was awarded the dramatist’s prize by the Association of Arts and Culture of the German Economy, as well as the CAAMentor-Stipend. Her latest plays La Chemise Lacoste and Ach je die Welt premiered at the Schauspielhaus in Dusseldorf and the Dortmund Theatre respectively. Currently, Lepper writes on behalf of the National Theatre in Mannheim. In the German weekly Die Zeit, Peter Michalzik lauded her as “the greatest dialogue talent since Werner Schwab... . There hasn’t been such a writer for a long time.” Ian Kaler CAA Scholar 2012 / Dance / Choreography Ian Kaler studied transmedia art in Vienna and graduated from the pilot course of dance / context / choreography at the Inter-University Centre for Dance Berlin, which is part of the Universität der Künste, Berlin. Since 2010 he has worked in permanent dialogue between a range of male und female artists and developed choreographic series that are accompanied by works of visual media. At the moment, Kaler is working on the series o.T., which consists of four parts. The first part, entitled (the emotionality of the jaw), pre miered at the Tanzquartier in Vienna in February 2015. The second part, entitled (gateways to movement), will be followed by the third, (Incipient Futures), this autumn. Stuttgart, at the K3 – Centre for Choreography / Tanzplan Hamburg, at the TanzWerkstatt in Berlin and the Villa Kamogawa in Kyoto. In 2012 she received stipends from the Berlin Senate and the Contemporary Arts Alliance Berlin. Her most recent pieces are Ballroom (EU project LOOPING, 2010), MATCH (Tanz im August Festival Berlin, 2011), this piece is still to come (Kampnagel, Hamburg 2012) and A Speculation (Hebbel am Ufer, 2014). Since 2015 she has been committed to a long-term project that explores the impact and performativity of the speaker’s voice on themselves. The CAA jury said of her work: “She examines the limits of a choreographed world in a humorous manner.” Stefan Keller CAA Scholar 2011 / Music / Composition Stephan Keller initially studied oboe in Zurich before going on to study composition in Berlin. Since 2006 he has taught theory and instrumentation at the renowned Hanns Eisler School of Music in Berlin. He has won several awards, among them the first prize in the Swiss Youth Symphony Orchestra Competition for his composition Stück für Orchester. He has been recognised four times at the Hanns Eisler Awards — including two first prizes — for his pieces Stück für Oboe Solo, Neues Ensemble Stück, immer da and Sextett. He was awarded a DAAD travel grant for 2012 / 13 and spent a year in Mumbai studying north Indian classical music. His music investigates different musical idioms and traditions and seeks direct, physical resonance. Keller’s works have been performed by, among others, the Ensemble Modern, the Ensemble Intercontemporain and the Neue Vocalsolisten Stuttgart. Anne Lepper CAA Scholar 2013 / Theatre / Dramatic Art Anne Lepper studied philosophy, literature and history in Wuppertal, Cologne and Bonn. After that came doctoral sponsorships in Bamberg and Essen, and she studied creative writing at Bern University of the Arts. In 2009 she won the audience prize and the prize for young authors at the Lange Nacht der Neuen Dramatik with her debut play Sonst alles ist drinnen, which premiered at the Munich Kammerspiele a year later. In the following years she wrote Käthe Hermann and Hund wohin gehen wir, whose disturbing linguistic idiosyncrasies soon attracted interest. The latter play saw Lepper invited to the 012 Begüm Erciyas CAA Scholar 2012 / Dance / Choreography While studying molecular biology and genetics in Ankara, Begüm Erciyas was engaged in various dance projects in Turkey and became part of [laboratuar], a performing arts research and project group. Later, she studied at the Salzburg Experimental Academy of Dance and received the DanceWeb scholarship in 2006. Since then, she has been an active member of Sweet and Tender Collaborations. She was artist-in-residence at Akademie Schloss Solitude, near Nele Schwierkus CAA Scholar 2010 / Art / Fine Arts Nele Schierkus studied under Florian Slotawa at the Universität der Künste in Berlin and was a master student of Michaela Meise. In 2009 she was awarded the Bernhard Heiliger Stipend and the CAA-Mentor-Stipend. In 2012 she won the Meisterschülerpreis des Präsidenten der Universität der Künste. Schwierkus complements her predominantly sculptural work with performance. The artist reveals the potential and variety of form of seemingly static objects. Her works convince “through their conceptual and technical precision,” according to art historian Beatrice von Bismarck. At the beginning of this year, Schierkus arranged the solo show State of Flux at the Galerie im Turm in Berlin. The exhi bition focused on the flexibility and movement of her steel sculptures, and visitor participation was encouraged. Nina Ender CAA Scholar 2009 / Theatre / Dramatic Art Nina Ender studied journalism and German philology (with a focus on theatre) at the University of Hamburg, as well as dramatic writing at the Universität der Künste in Berlin. She has been awarded numerous prizes and been invited to international theatre festivals such as Theatertreffen Berlin’s Dramatist’s Workshop, the Munich Kammerspiele’s Weekend of Young Dramatists, the Werkstatttage (Workshop Days) of the Burgtheater in Vienna and the Forum of Young Euro pean Authors at the Theatre Biennale in Wiesbaden. Her plays Beta and Die Wissenden premiered at Berlin’s Schau bühne. In 2009 Ender was awarded a grant for young writers from the city of Ulm, as well as the CAA-Mentor-Stipend. Later, she was awarded a one-year stipend for literature from the Baden-Württemberg Art Foundation and the project stipend of the Youth Theatre Prize in Baden-Württemberg for her play Pidkid.de. In 2015 her recent work Poly boskomplex was published by Felix Bloch Erben. Ender meticulously researches and explores topics like disability, pre-implantation diagnostics, artificial insemination and aging. Her plays reach far beyond science fiction, drifting towards satire and absurdity without losing their smart humour, pulsating language and razor-sharp dialogue. In the selection of our scholars the CAA is supported by selected experts complementing our expert panel. They preside the jury and provide valuable contributions to the CAA programme. For their efforts we would like to thank sincerely: Beatrice von Bismarck – Contemporary Art Margarete Zander – Contemporary Music Heike Albrecht – Contemporary Dance Barbara Burkhard – Contemporary Theatre 013 Zur Notwendigkeit des Mäzenatentums in Deutschland — Peter Raue Deutschland hat – das ist eine Binse, kann aber nicht oft genug wiederholt werden – ein wohl weltweit einmaliges System der Kulturförderung, süße Frucht (auch) der bei den Ländern liegenden Kulturhoheit. Die Theater, die Opern, die Museen, sie leben aus der Grundfinanzierung, wie sie aus den öffentlichen Händen fließt. Darüber hinaus sorgen so segensreiche Einrichtungen wie Kulturstiftung der Länder und Bundeskulturstiftung, Filmförderung und der Kulturbereich des Auswärtigen Amtes für Vielfalt und das heißt Buntheit der kulturellen Landschaft. So erfreulich dieser nicht zu bezweifelnde Befund ist, so wird es keine Kultureinrichtung von Bund, Ländern oder Gemeinden (mit) getragen geben, die behauptet, dass sie hinreichend mit finanziellen Mitteln ausgestattet ist. Deshalb suchen (und finden) heute fast alle bedeutenden Kultureinrichtungen private Unterstützung. Mäzene, die Projekte fördern und insbesondere die Fördervereine der Häuser sind ebenso willkommene wie notwendige finanzielle Quellen für Kultureinrichtungen und zugleich auch Ansporn für die öffentlichen Hände, Förderungen fortzusetzen und auch zu erhöhen. Denn die Erkenntnis, dass aus privaten Geldern erhebliche Mittel verschiedenen Häusern – Museen, Theatern, Opern – zufließen, belegt, dass die Bürger dieses Landes diese Institutionen brauchen, unterstützen, fordern und fördern. Dies wiederum hat den sogenannten „ Matching-Effekt“, weil die öffentlichen Hände erkennen müssen: was von so viel Bürgertum mitgetragen wird, verdient auch die Unterstützung der öffentlichen Hände. Fokussieren wir den Blick auf Berlin, so erkennen wir, dass es hier kein Opernhaus, kein Theater, kein staatliches oder kommunales Museum gibt, das sich nicht der Unterstützung solcher Freundeskreise erfreuen kann. Die auf diese Weise eingeworbenen Gelder sind nicht das viel zitierte „ Sahnehäubchen auf dem Kulturkuchen“, sondern eine essentielle Unterstützung für die Realisierung von besonderen Projekten, Ausstellungen und Erwerbungen. Der Verein der Freunde der Nationalgalerie – der Verfasser dieser Zeilen hat ihn mitgegründet und drei Jahrzehnte mitgestaltet – hat in 30 Jahren Kunstwerke im heutigen Gesamtwert von rund 100 Millionen Euro erworben, sowie 014 über 100 Ausstellungen mitfinanziert und damit erst ermöglicht. Der im Zusammenhang mit der Ausstellung Das MoMA in Berlin erzielte Überschuss von sechs Millionen Euro ist in eine dafür gegründete Stiftung geflossen, deren Aufgabe es ist, nur zeitgenössische Kunst zu erwerben. Viele der in Berlin gezeigten Opernproduktionen hätten nicht herauskommen können, wenn nicht die „Freunde“ die Finanzierung ermöglicht hätten. So habe ich den Eindruck, dass die Erkenntnis, wonach Bürger und Bürgerinnen einer Kommune auch für deren „blühende Landschaften“ mitverantwortlich sind, wächst. Die Zahl der Fördervereine nimmt zu, die Einnahmen, die sie erzielen, wachsen jährlich. Freilich, private Unterstützung, ja Trägerschaft von kultu rellen Einrichtungen ist keine Erfindung unserer Zeit. Mäzenatentum – erinnernd an Maecenas, jenen römischen Bürger, der die Kunst geliebt, gefördert und finanziert hat – hat eine jahrhundertelange Tradition, zunächst gestaltet von (übermächtigen) Herrscherhäusern und insbesondere der Katholischen Kirche. Erst im 19. Jahrhundert wechselt die Zuwendung dieser Einrichtungen von Hochadel und Kirche zum Bürgertum: das Städel in Frankfurt ist (bis zum heutigen Tage!) eine von Bürgern getragene – heute mit öffentlichen Mitteln unterstützte – Museumsgründung. Ähnliches gilt für das Wallraf-Richartz-Museum, welches seine unfassbar großartigen Bestände den Mäzenen Wallraf (der seine Sammlung geschenkt hat) und Richartz (der 100.000 Taler zum Bau des Museums beigetragen hat) verdankt. Es wurde 1861 eingeweiht. In derselben Tradition steht heute das Museum Ludwig in Köln mit der außerordent lichen Sammlung, die Peter Ludwig gestiftet hat. Die Berliner Museen verdanken ihre Schätze zu einem wesent lichen Teil jüdischen Mäzenen: über 80 % aller Dona tionen bis in die 1930 er Jahre stammen aus jüdischen Schenkungen. Brandhorst in München, Weishaupt in Nürn berg, Burda in Baden-Baden. Henri Nannen in Emden – er hat aus eigenen Mitteln eine Kunsthalle gebaut und seine grandiose Sammlung gestiftet. 50 Jahre nach Ende des Zweiten Weltkrieges bildet sich in Deutschland immer mehr ein neues Mäzenatentum wie diese (nur beispielhaft ge nannten) Museumsgründungen zeigen. Die Lust zu spenden, zu fördern, zu finanzieren, ist erfreulicherweise in den letzten drei Jahrzehnten sichtbar gestiegen. Freilich müssen sich die in den einzelnen Häusern Verant wortlichen darüber im Klaren sein, dass das Engagement privater Förderer nicht auf sie zukommt wie warmer Regen auf sommerliche Felder. Um diese Förderer muss ge worben werden, die Leiter dieser Einrichtungen müssen die Menschen abholen, deren Unterstützung sie sich wünschen. Nur im von Sympathie getragenen Wechselspiel zwischen privaten Mäzenen (und die Fördervereine sind ja nichts anderes als ein gleichsam demokratisiertes Mäzenatentum) und den Intendanten und Direktoren der Kultur einrichtungen kann diese Bindung blühen und gedeihen. Dass das Ehepaar Ulla und Heiner Pietzsch bereit ist, seine deutschlandweit einzigartige Surrealismus-Sammlung der Berliner Nationalgalerie zu schenken, verdankt sich sicher einer freundschaftlichen Beziehung zwischen Hermann Parzinger, Peter-Klaus Schuster und diesem Ehe paar; dass Mick Flick aus großartigen Leihgaben zeitgenössischer Kunst für den Hamburger Bahnhof inzwischen großherzige Geschenke an dieses Haus gemacht hat, hängt auch und entscheidend damit zusammen, dass er und der Museumsdirektor Udo Kittelmann auf so fruchtbare Weise zusammenarbeiten; dass die Berliner Festspiele eine „ Re- Inszenierung“ von Robert Wilsons Einstein on the Beach herausbringen konnten, von einer großen Mäzenin mit einer Million Euro unterstützt, hängt mit deren Freund schaft zu Robert Wilson und der Leidenschaft des Inten- danten der Berliner Festspiele, Thomas Oberender, für diese Produktion zusammen. setzen. Mit dieser Devise kann man nur alle Häuser ermutigen, die Suche nach privater Unterstützung fortzusetzen, wenn sichergestellt ist, dass nicht staatliche Förderung reduziert wird, weil private Gelder fließen. Nichts wäre so demotivie rend für die Mitglieder jener Freundeskreise, als erleben zu müssen, dass private Gelder zu einer Reduzierung der öffentlichen Unterstützung führen sollen. Im Gegenteil, es ist ein Ziel, aufs Innigste zu wünschen: je mehr privates Engagement, desto kräftiger sollte die Unterstützung aus öffentlicher Hand sein. Dieser Text ist nicht zufällig für die private Förderinitiative CAA geschrieben und dort veröffentlicht: CAA belegt auf signifikante Weise, wie segensreich und erfolgreich private Initiative betrieben werden kann. Seit Gründung der CAA vor beinahe zehn Jahren begleite ich diese Einrichtung und bewundere die, die sie organisieren und realisieren. Des halb wünsche ich der Auktion schlagkräftigen Erfolg: zum Segen von CAA, der Kunst und der Mäzene. Prof. Dr. Peter Raue ist Seniorpartner der Sozietät Raue LLP und im B ereich des Kunstrechts seit Jahrzehnten tätig. Immer wieder wird bei privatem Engagement in öffentlich geförderten Einrichtungen die Frage formuliert, ob nicht die privaten Geldgeber unzulässig auf die künstlerische Selbstständigkeit der Häuser, die sie fördern, Einfluss nehmen wollen (was sie nicht sollen) . Solche Versuche mag es hie und da gegeben haben – die Wahrheit aber ist: Ich kenne keine Einrichtung, die sich dieser Gefahr ausgesetzt sieht. Der bereits erwähnte Verein der Freunde der National galerie hat sich sehr früh ein „Grundgesetz“ seiner mäzenatischen Unterstützung gegeben und sich daran bis heute streng gehalten – so werden es alle anderen Einrichtungen auch tun: Ein Förderverein kann nicht alle Wünsche seines Direktors (Intendanten) erfüllen, aber niemals etwas gegen den Willen der für die Häuser Verantwortlichen durch 015 The Necessity of Patronage in Germany — Peter Raue It may seem like a platitude, but it cannot be repeated often enough: Germany has a potentially unparalleled system of financial support for culture — sweet fruit (also) of the cultural sovereignty that lies with the federal states. Theatres, opera houses, museums all survive thanks to the funding from government sources, as distributed by the public sector. Furthermore, very rewarding institutions such as the individual Cultural Foundations of the German States, the German Federal Cultural Foundation, German Federal Film Fund, and the Directorate - General for Culture of the German Foreign Office provide diversity, which means vari ety in the cultural landscape of the nation. As delightful as this undisputed situation is, there is not a single cultural institution that receives (co-) funding on the national, federal state, or city level that will assert that it receives sufficient financial support. For this reason, nearly all of the leading cultural institutions today seek, and find, support from the private sector. Patrons who fund projects and, in particular, associations and societies of those institutions are also welcome, and necessary, sources of funding for cultural institutions. What’s more, they act as an impetus for the public sector to continue providing funding and even to increase it. The realization that the private sector provides a substantial amount of funding to various institutions — museums, theatres, opera houses — is proof enough that the people of this nation need, support, demand, and fund these institutions. It in turn brings about the “ matching effect,” something that the public sector needs to realize: if so many people in the country want to contribute to these institutions, then they also deserve the help of the public sector. If we limit our scope to just Berlin, we can see that there is not an opera house, a theatre, a national or city museum that can manage without the financial support of these associations or societies of friends. The funding provided through these groups is not the proverbial cherry on the cultural cake, it is an essential part of the financial support required for pursuing special projects, performing ex hibitions, and making acquisitions. The Verein der Freunde der Nationalgalerie (Society of Friends for Berlin’s National Gallery) — which the author of these lines cofounded 30 years ago and has been actively involved in ever since — has 016 acquired artwork worth nearly €100 million at today’s value in 30 years, and co-financed more than 100 exhibitions, making them possible in the first place. The €6 million surplus generated by the Das MoMA in Berlin exhibition was channeled into a foundation that was established for this purpose. Its pledged duty is to acquire contemporary art only. Many of the opera productions that have been performed in Berlin would not have been possible if it were not for the financing provided by said “Freunde.” I feel that the realization that residents of cities and communities need to also be actively involved in their “blossoming” landscapes is growing. There are more and more associations and societies of friends and the money they generate is growing from year to year. Naturally, we did not invent the concept of patronage or even privately funded cultural institutions. Maecenate, or “patron of the arts,” which harks back to the time of Maecenas, a Roman citizen who loved, sponsored, and provided fi nancial backing for the arts, is a long-standing tradition that developed over centuries where (almighty) ruling families and, in particular, the Catholic church initially shaped the cultural scene. It was only in the 19th century when the bourgeoisie took the role of the aristocracy and the church in order to contribute to these institutions: the Städel in Frankfurt am Main, Germany, is (still! ) a museum that is run by the private sector, with financial support from the public sector. Likewise, there is the Wallraf-Richartz-Museum, which was inaugurated in 1861. It owes its collection of unbelievably grandiose artworks to Wallraf, the patron who endowed his pieces to the museum, and was built thanks to Richartz, who contributed 100,000 talers for the museum’s construction in the first place. The Museum Ludwig in Cologne comes from a similar tradition and its outstanding collection was an endowment from Peter Ludwig. The priceless artworks of Berlin’s museums are due to Jewish patronage to a great extent: up until the 1930s, more than 80% of all endowments were from gifts made by Jewish patrons. Brandhorst in Munich, Weishaupt in Nuremberg, Burda in Baden-Baden. Henri Nannen in Emden, who privately financed the construction of an art exhibition hall and endowed his magnificent collection to it. As these (few examples of) museums that were founded indicate, there is a new spirit of patronage increasing taking hold of Germany 50 years after the end of the Second World War. In the last three decades, we can see that the desire to donate, finance, and promote is increasing considerably, much to our delight. Of course, the people in charge in the various institutions need to know that they cannot just expect sponsors and / or patrons from the private sector to shower said i nstitutions with funding. Efforts must be made to acquire these sponsors, the directors of the different institutions need to pick out the people who they believe will be interested in supporting them financially. This connection can only grow and prosper if a type of mutual friendship between patrons from the private sector (and the associations and societies of friends are not any different than a democratized patro nage so to speak) and the artistic directors and heads of the cultural institutions ensues. The fact that Hermann Parzinger and Peter-Klaus Schuster have cultivated a friend ship with Ulla and Heiner Pietzsch is likely the reason behind the couple gifting their Surrealism collection, which is one of a kind in Germany, to the Nationalgalerie in Berlin. The reason that Mick Flick, who has provided fabulous pieces of contemporary art as a loan to Hamburger Bahn hof, has now decided to provide an endowment to this institution primarily lies in his close and productive co operation with museum director Udo Kittelmann. Robert Wilson’s Einstein on the Beach was revived for performance in Berlin in great part due to the friendship between Robert Wilson and a gracious patron who founded the project with € 1 million, as well as due to the passion of the artistic director of Berliner Festspiele, Thomas Oberender. director’s) desire; yet it would never press ahead with some thing that runs contrary to the intentions of the people who have been placed in charge of these institutions. This mindset can only be used to motivate all institutions to continue searching for individuals willing to provide financial support, provided that assurances can be made and that the public funding will not be cut because of the availability of the private funding. It would be absolutely dis couraging for members of these associations or societies to know that their monies from the private sector would reduce the amount of funding provided by the state. On the contrary, it is one of our innermost hopes to have the stronger support from the private sector be the impetus for the public funding to be increased even more. It is not by chance that these words were written for CAA, the patronage initiative from the private sector, and pub lished there: CAA bears tremendous testimony to the fact that private initiatives can be run in an extremely beneficial and successful manner. I have been following the activities of this initiative since it was founded nearly ten years ago. I admire how it is organised and run. For this reason, I hope the auction is a great success: to promote CAA, the arts in general, and patronage. Prof. Dr. Peter Raue is senior partner at Sozietät Raue LLP and has been active in art law for several decades. Whenever the private sector becomes involved in publicly funded institutions, the question is raised time and again whether this private funding will have a negative impact on the artistic liberty of the institutions to which they provide financial support (which should not happen). There might have been attempts every now and then, nevertheless: I do not know of an institution that faces this danger. Early on the above-mentioned Verein der Freunde der National galerie established a “book of law” for supportive activities and it has been adhering to it closely; other institutions will certainly also do the same: A society of friends or association cannot fulfill all of the director’s (or artistic 017 018 „ Integration ist die aktive Mitwirkung von uns allen, die von Folter und Aus beutung bedrohten Flüchtlinge bei uns aufzunehmen und ihnen zu helfen, in unserem Land ein neues L eben zu beginnen. Kultur ist die universelle Brücke zwischen den Menschen in aller Welt. Deshalb ist es gut, dass sich Kulturinitiativen dafür einsetzen.“ “ Integration means being an active part of the process of taking in and helping refugees who are threatened by torture and exploitation embark on a new life in our country. Culture is the universal means that can bridge people from around the globe. It is therefore a good thing that cultural initiatives actively participate in this process.” — Dieter Kosslicka — Dieter Kosslicka Dieter Kosslick ist seit 2001 Direktor der Internationalen Filmfestspiele Berlin. Dieter Kosslick is director of the Berlin International Film Festival since 2001. 019 Lose / Lots #01 Titus Schade #27 Christian Jankowski #02 Marc von der Hocht #28 Martin Assig #03 Brent Wadden #29 Susanne Rottenbacher #04 Bettina Khano #30 Bettina Pousttchi #05 Nathan Peter #31 Philippe Vandenberg #06 Nasan Tur #32 Phyllida Barlow #07 Leiko Ikemura #33 Friedemann Grieshaber #08 Christian Falsnaes #34 Thomas Florschuetz #09 Fiete Stolte #35 - 36 Klaus vom Bruch #10 Greg Colson #37 Jia #11 Maximilian Rödel #38 Stefan Saffer #12 Andrea Bowers #39 Jens Wolf #13 François Morellet #40 Tino Geiss #14 Matt Mullican #41 Veronika Kellndorfer #15 Malte Bartsch #42 Friederike Hamann #16 Olaf Nicolai #43 Désirée von Trotha #17 Ariel Reichman #44 Brigitte Waldach #18 Felix Droese #45 Claus Rottenbacher #19 Carla Guagliardi #46 Franziska Klotz #20 Katharina Grosse #47 Bettina WitteVeen #21 - 22 Rebecca Raue #48 Marta Sforni #23 Michelle Jezierski #49 Cornelia Renz #24 Jürgen Mayer H. #50 Milena Dragicevic #25 - 26 Dieter Detzner INFORMATION FÜR BIETER INFORMATION FOR BIDDERS – Für diese Benefiz-Auktion wird kein Aufgeld erhoben. – Die Verteilung der Bieternummern erfolgt eine Stunde vor Beginn der Auktion. – Wir bitten um rechtzeitige Anmeldung (siehe dazu die Ver steigerungsbedingungen im Anhang dieses Katalogs). – Nur unter der persönlichen Nummer abgegebene Gebote werden auf der Auktion berücksichtigt. – Bis spätestens 2. Juni 2016, 17 Uhr benötigen wir eine schriftliche Anmeldung. – Sie haben auch die Möglichkeit, schriftliche oder telefonische Gebote an den Versteigerer zu richten. Ein ent sprechendes Formular für schriftliche beziehungsweise telefonische Gebote liegt dem Katalog bei. Wir bitten Sie in allen Fällen, das Formular bis spätestens 2. Juni 2016, 17 Uhr an uns zu senden. – Die Versteigerungsbedingungen sind am Ende des Katalogs abgedruckt. – Sie können den Katalog auch online unter www.caaberlin.org einsehen. – No buyer’s premium will be charged for this benefit auction. – Paddle numbers are available for collection one hour before the auction. – Please register in advance (see also the Conditions of Sale at the end of this catalogue). – Only bids using this personal paddle will be included in the auction. – Bidders must submit a written application no later than June 2, 2016, 5 pm. – We are pleased to accept written absentee bids or telephone bids on the enclosed bidding form. All registrations for bidding at the auction should be received no later than 5 pm on June 2, 2016. – The Conditions of Sale are provided at the end of this catalogue. – The catalogue can be viewed online at www.caa-berlin.org. 021 titus sCHAde # 01 Born 1984 in Leipzig. Lives and works in Leipzig. Studied at the Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. Master student of Neo Rauch. In dem Glasklischeedruck Mondnacht führt Titus Schade seine wesentlichen Bildmotive zusammen: Abstrahierte Gebäudetypen werden mit typischen Landschaftssujets verbunden, Burgen mit Nebelwäldern oder Speicher mit Vollmondnächten kombiniert. Der Maler schafft modellartige Mikrokosmen, die nicht selten im biedermeierlichen Ambiente, in Setzkästen oder auf dem Sekretär ausgestellt werden. Schades Bilder erzählen von seiner Heimat und spielen mit dem Erscheinungsbild vieler ostdeutscher Städte, die gleichermaßen durch ihre mittelalterlichen Wurzeln, durch die Fantasien der Avantgarde und postmoderne Wohnbauten geprägt sind. Mythos verbindet sich mit Moderne, Fachwerk mit Bauhaus und Überwachungsstaatdystopien. Die Kompositionen wirken dabei kühl und apokalyptisch. Lediglich ein Lagerfeuer spendet als immer wiederkehrendes Motiv etwas Wärme. In the cliché verre Mondnacht (Moonlit Night) Titus Schade brings together his main themes: Abstracted building types are paired with typical landscape motifs, castles with forests shrouded in fog or attics combined with a full moon night. The painter creates model-like microcosms that are often exhibited in an ambience evocative of Biedermeier, in display cases or on a bureau. Schade’s pictures speak of his home and play with the appearance of many East German cities, which are characterised in equal measure by their medieval roots, through the fantasies of the avant-garde as well as by post-modern residential buildings. Myth is combined with modernity, medieval timber-framed houses with Bauhaus and surveillance state dystopias. The compositions appear cool and apocalyptic. only the recurring motif of the campfire offers a little warmth. SELEcTED SOLO SHOwS 2013 2011 2010 Schwarzes Licht, Kunstraum Ortloff, Leipzig Als die Uhren stillstanden, Galerie Leuenroth, Frankfurt a. M. Inventur, Galerie Leuenroth, Frankfurt a. M. SELEcTED GROUp SHOwS 2016 2015 2015 2014 2014 2013 2013 2013 2011 022 Trailer, Galerie Eigen + Art, Leipzig Gute Kunst? Wollen! – Offen auf AEG, Nuremberg Accrochage, Galerie Eigen + Art, Leipzig To be continued, Eigen + Art Lab, Berlin Orte / Nicht-Orte, Kunstverein Uelzen, Schloss Holdenstedt WIN / WIN. Die Ankäufe der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen 2013, Baumwollspinnerei, Leipzig Gruppenausstellung, Galerie Eigen + Art, Leipzig Aufstand der Dinge – Meisterklasse Neo Rauch, Neuer Kunstverein Aschaffenburg, Aschaffenburg After the Goldrusch, Kunstverein Speyer, Speyer TITUS ScHADE Mondnacht, 2014 Cliché verre 53 × 70 cm (sheet) / 58 × 75 cm (framed) Edition AP / 5 + 5 AP Inscribed recto lower left “ e.a.” and recto lower centre “ Mondnacht ”; signed and dated recto lower right in pencil Starting bid: 400 € Courtesy Galerie EIGEN + ART Leipzig/Berlin 023 MARC VON DER HOCHT # 02 Born 1980 in Wilhelmshaven. Lives and works in Berlin. Studied at the Technische Universität in Darmstadt, the Akademie für Bildende Künste in Mainz and the Universität der Künste in Berlin. Master student of Robert Lucander. In seinen Bildern führt Marc von der Hocht collageartig die visuellen Eindrücke zusammen, die er im alltäglichen, städtischen Umfeld sammelt. Seine hochglänzenden, mit Lack angefertigten Gemälde erstrahlen in leuchtenden Farben und wirken zunächst rein abstrakt, bis sich die Vor bilder des Malers erschließen. Er fängt besondere Per spektiven und Situationen ein wie das Vorbeiziehen von Gebäuden beim Blick aus der U-Bahn, die verschwinden den Fluchten beim Fahrradfahren oder die Überlagerung mehrerer Seiten beim Umblättern eines Magazins. Die Schichtung verschiedener Wahrnehmungsebenen überführt der Künstler teilweise auch in den dreidimensionalen Raum, wenn er die Liniengeflechte seiner Bilder über die Leinwandgrenzen hinaus auf der Wand weiterführt oder seine Gemälde in grafisch minimalistische Holzkonstruk tionen einbindet, die seine Kompositionen aufnehmen und ergänzen. In his pictures Marc von der Hocht assembles his visual impression, which he collects in his everyday, urban surroundings, almost like a collage. His high-gloss paintings, which have been created with varnish, shine in radiant colours and initially seem to be purely abstract, until the models of the artist reveal themselves. He captures special perspectives and situations like the buildings which are drifting past when gazing out of the windows of a subway, the disappea ring rows when cycling, or the superposition of several pages when flipping through a magazine. The stratification of various layers of perception are transferred by the artist partly also into a three-dimensional sphere, when he pro gresses the linear network of his pictures beyond the canvas onto the wall, or when he integrates his pictures into graphicminimalistic wood constructions, which absorb his com positions and complement them. Selected Grants 2016 2015 2015 Stipend Kulturstiftung der Öffentlichen Versicherungen Oldenburg Travel Grant, DAAD Elsa-Neumann-Stipend (NaFöG) Selected Solo Shows 2016 2015 2015 2014 2013 2012 2009 2009 2009 Stadtmuseum Oldenburg, Oldenburg Formproof, The Mansion / Dynasty Villa, Shanghai Akasha, Semjon Contemporary, Berlin Corpus Delicti, Semjon Contemporary, Berlin Abol Tabol, Semjon Contemporary, Berlin Grand Opening, Superbeau, Darmstadt Sampleslayer, Nassauischer Kunstverein, Wiesbaden Brand New Second Hand, Galerie Greulich, Frankfurt a. M. Trashtalk, Turbinenhalle der ERW, Worms Selected Group Shows 2016 2015 2015 2015 2015 2014 2014 2014 2013 2009 024 Pulse, Haus am Kleistpark, Berlin Timewise, Galerie Kristine Hamann, Wismar 1st Positions Art Fair – Katzengold, Berlin Kunst & Konstrukt, Westraum Berlin, Berlin Mainzer Ansichten, Kunsthalle Mainz, Mainz Berlin Masters 2014, Galerie Arndt, Berlin Lieber Künstler, zeichne mir!, Semjon Contemporary, Berlin Werkschauhalle, Baumwollspinnerei, Leipzig Nachschlag, Uferhallen, Berlin Ding Dong, Museum Gosz, Saarbrücken MARC VON DER HOCHT Snippet, 2015 Gloss enamel on cotton 52 × 40 cm Starting bid: 1.200 € Courtesy of the artist and Semjon Contemporary, Berlin 025 BRENT WADDEN # 03 Born 1979 in Nova Scotia (Canada). Lives and works in Vancouver and Berlin. Studied at the Nova Scotia College of Art and Design in Nova Scotia. “ I hope my paintings create some amount of confusion in the viewer which would lead to a fascination with the process.” — Brent Wadden Die Werke des kanadischen Künstlers Brent Wadden verwirren tatsächlich, denn ihre ungewöhnliche Beschaffenheit offenbart sich erst im Hinblick auf die innere Struktur der geometrischen Abstraktionen: Die Kompositionen des Künstlers sind aus Acrylgarn und handgesponnener Wolle gewebt und anschließend auf Leinwand fixiert. Sie erinnern nicht zufällig an die indigenen Ursprünge seiner kanadischen Heimat, an den Abstrakten Expressionismus und das Bauhaus. Wadden widmete sich dem Studium dieser Kulturen und Stile, und führt entsprechende Verweise bewusst in seinen Arbeiten zusammen. Der Maler stellt darüber hinaus die im 20. Jahrhundert geprägten, ästhetischen Kategorien als obsolet heraus: Volkskunst verschmilzt mit Hochkultur, männliche mit weiblich konnotierter Kunst. Das Handgemachte und der Arbeitsprozess rücken in den Vordergrund. Fehler in einer ewig gleichen Matrix aus Knoten machen schließlich den Reiz von Waddens Bildern aus, die sich grundlegend von den kühlen Abstraktionen der Minimalisten oder Op-Art Künstler unterscheiden. Nicht zuletzt durch das verwendete Material, die Wolle, strahlen seine Ge mälde Wärme aus. The works of the Canadian artist Brent Wadden can be a little confusing, because their unusual texture is only revealed in view of the internal structure of those geometric abstractions: The compositions of the artist are woven from acrylic yarn and handspun wool which are then fixed on canvas. It is no coincidence that the viewer is reminded of the indigenous origins of his Canadian homeland, of Abstract Expressionism and of Bauhaus. Wadden dedicated himself to the study of these cultures and styles, and consciously combines the respective references in his works. Furthermore, the painter exposes the aesthetic categories imprinted in the 20th century to be obsolete: folk art blends with high culture, male with female connoted art. Handicraft and the work process itself move into the forefront. Mistakes in a never changing matrix of knots ultimately determine the appeal of Waddens images, which are fundamentally different from the cool abstractions of minimalists or Op Artists. Not least by using the material wool, his paintings exude a certain warmth. Selected Solo Shows 2016 2015 2015 2014 2014 2013 2012 2011 2009 Soft Peace, Almine Rech Galerie, Paris How Long is Now, Pace Gallery, London New Works, Mitchell-Innes & Nash, New York Pit Pony, Peres Projects, Berlin The Decline, Almine Rech Gallery, Brussels About Time, Peres Projects, Berlin Shoupie, Erin Stump Projects, Toronto Silent Chimes, A1C Gallery, St. John’s (California) Moodz, Sid Lee Collective, Amsterdam Selected Group Shows 2016 2015 2015 2014 2014 2014 2014 2012 2010 2008 2004 026 The Blur In Between (Art and Design), Art Gallery of Alberta, Edmonton Dans Un Interieur Meubles, Almine Rech, Brussels Geometry of Knowing: Part 2 and 3, Audain Gallery and SFU Gallery, Vancouver With Small Words, WUK – Werkstaetten und Kulturhaus, Vienna Abstract America Today, Saatchi Gallery, London Mingei: Are You Here?, Pace Gallery, New York Frauen – Die Ausstellung, Autocenter, Berlin One day at a time, Peres Projects, Berlin Feather Throat, Grimm Museum, Berlin Der Autoritat, Kunstverein Arnsberg, Arnsberg National Biennale of Contemporary Sculpture, Trois-Rivières (California) BRENT WADDEN To be titled, 2015 Painting, handwoven fibers, wool, cotton and acrylic paint on canvas 35,5 × 31,5 cm (framed) Starting bid: 5.000 € Courtesy of the artist and Peres Projects, Berlin 027 BETTINA KHANO # 04 Born 1972 in Hamburg. Lives and works in Berlin. Studied at the Académie Julian in Paris, the Chelsea College of Art and the Kingston University in London and at the University in Manchester. Das vielseitige Schaffen von Bettina Khano umkreist immer wieder die Thematik des Übergangs. Sensibel lotet die Künstlerin in ihren Bildern, Videos, Objekten und Instal lationen die Grenzen zwischen Aggregatzuständen, zwischen Innen- und Außenraum, zwischen der Form und ihrer Auflösung aus. Mit reflektierenden, transluzenten und ephe meren Materialien wie Glas, Spiegel, Aluminium, Sound, Licht, Staub und Nebel greift Khano poetische Themen auf und übersetzt sie in eine minimalistische Formensprache. Die aus Aluminiumfolie gefertigten, rechteckigen Arbeiten der Serie Untitled erinnern beispielsweise an die indus triell hergestellten Objekte von Donald Judd, sind jedoch handgemacht und behandeln ein immer wiederkehrendes Motiv der Künstlerin: Die Falte wird zum Sinnbild für den Übergang vom zwei- zum dreidimensionalen Erscheinungs bild ihrer Werke. Optische Täuschung und räumliche Wahrnehmung laufen beim Betrachten der Silberfolie ineinander, die Khano kaum ersichtlich mit Mattspray bearbeitet hat. Die Werke lassen den Betrachter im Unbestimmten, im Dazwischen zurück. The versatile work of Bettina Khano repeatedly encapsulates the subject of transition. In her paintings, videos, objects and installations, the artist sensitively explores the boundaries between physical states, between interior and exterior, between the form and its dissolution. With reflective, trans lucent and ephemeral materials such as glass, mirrors, aluminium, sound, light, dust and fog, Khano draws on poetic themes and converts them into minimalist forms. The rec tangular works of the series Untitled, that are made of aluminium foil remind the viewer, for example, of the indus trially manufactured objects by Donald Judd. However, they are handcrafted and address an often recurring theme of the artist: The fold becomes a symbol of transition from the two- to a three-dimensional appearance of her works. Whilst observing the silver foil, which the artist has processed barely visible with a matte spray, optical illusion and spatial awareness merge into one another. Khano’s works leave the viewer behind in the realm of incertitude, back in the in-between. Selected Grants 2016 2015 2010 1999 Residency at the Art Center College of Design (ACCD) , Los Angeles/Pasadena Working Grant, Stiftung Kunstfonds Studio Scholarship, CCA Andratx SCA-Art-Competition, SCA, Vienna Selected Solo Shows 2015 2014 2014 2013 2011 2010 2006 2003 Splinters, Picture Window Series #3, Manière Noire, Berlin Flipped image, Plattenpalast, Berlin Kunstverein Oldenburg, Oldenburg Wolke (installation) , Gräfliche Park, Bad Driburg SpanSpace, Y8, Hamburg The sky is the limit. Solo for one, Bar Babette, Berlin Galaxie 1, Galerie Heike Curtze, Berlin Implosion, Pavillon Schloss Molsberg, Molsberg Selected Group Shows 2016 2015 2015 2015 2015 2014 2013 2013 2012 2010 2009 028 Wendezeiten, CCA Andratx – Centre for Contemporary Art Mallorca, Mallorca Das instabile Objekt, Salon am Moritzplatz, Berlin Supermagnets – The Power of Attraction, Schaufenster, Berlin Opening on the Foam, Schloss Sacrow, Potsdam Archipelago – Splinters, Matter and Evidence, Kunstraum Innsbruck, Innsbruck Marta Intermezzo. Museum in Bewegung, Marta Herford, Herford Ahnen, Museum Moderner Kunst Kärnten / Schloss Grafenstein, Carinthia The Legend of the Shelves, Autocenter, Berlin (Re-) Locating the Self, Kunstsaele, Berlin Clouds, Internationales Literaturfestival, Haus der Kulturen der Welt, Berlin Anonyme Zeichner №10, Kunstraum Kreuzberg/Bethanien, Berlin BETTINA KHANO Untitled, 2011 Matte spray paint on aluminium foil 61 × 54 cm (framed) Starting bid: 800 € Courtesy of the artist 029 Nathan Peter # 05 Born 1978 in Minneapolis. Lives and works in Berlin. Studied at the University of Minnesota and the Minneapolis ollege of Art and Design in Minneapolis, as well as the Rhode Island School of Design in Providence. C Completed the European Honours Program in Rome in 2000. Der zeitgenössische, reduktive und destruktive Umgang Nathan Peters mit dem Medium Malerei lässt bei der genaueren Betrachtung die klassische Ausbildung und das Fachwissen des Künstlers über die Eigenschaften seiner Malmittel erkennen. In der Tradition der Avantgarden des 20. Jahrhunderts weitet Peter den Malereibegriff aus: Seine Leinwände dienen ihm gleichermaßen als Bildträger und Objekt, wobei sie nicht an den Keilrahmen gebunden sind. Teilweise hängen Flachsfasern ungewebt wie ein Vorhang von der Decke und bilden raumgreifende Installa tionen. Ein anderes Mal schnürt der Künstler Gemälde mit Spanngurten zusammen, um die Spannung der Lein wand zu thematisieren. Der Fokus wird jeweils auf bestimmte Aspekte des Mediums gerichtet. So hebt auch die Arbeit von 2014, ein silbernes Raster aus Leinwandstreifen, die Struktur der Leinwand hervor. Sie zeugt gleicher maßen vom Vorgehen des Künstlers, der sich bewusst einfachen Regeln unterwirft, um sich anschließend daran abzuarbeiten und sie zu brechen. Nathan Peter shows a contemporary, reductive and destructive approach to the medium of painting, which, nonetheless, gives evidence of the traditional education in painting he enjoyed and the profound knowledge he gained about the properties of his painting materials. Following the tradition of the avant-gards of the 20th century, Peter expands the concept of painting: His canvases serve equally as image carrier and object, whereby they’re used independently of the stretcher frame. Like curtains, the flax fibres hang partly unwoven from the ceiling and create space-filling installations. Another time, the artist takes lashing straps and binds together paintings in order to thematise the tension of stretched linen in traditional painting. The focus is always directed to specific aspects of the medium: Also the work of 2014, a silver grid made of linen stripes, points out the structure of the canvas. It equally speaks of Peter’s artistic method, who consciously chooses to follow simple rules, just to challenge and break them in the later process. Selected Solo Shows 2015 Center, PSM Gallery, Berlin 2014 Tiffany, Travesia Cuatro, Madrid 2014 Selected Works, Kloster Metten, Metten 2014 SP-Arte – Borderless (solo section with PSM Gallery), São Paulo 2012 Art Basel Miami Beach, Art Positions – Linen, Miami 2011 Before Old Glory, Soy Capitán, Berlin Selected Group Shows 2014 2014 2013 2012 2012 2011 2010 2010 2010 2009 2009 030 Wahrheiten. Sammlung SØR Rusche, Bayer Kulturhaus, Leverkusen Boundary Waters, Schmidt & Handrup, Cologne Material World, Denver Art Museum, Denver Under The Sign of Cancer, Galerie De Multiples, Paris Blind Hole, Thomas Brambilla Gallery, Bergamo 836 km, Scheublein Fine Art, Zurich Chop Shop, Autocenter, Berlin How About Now, Sabina Lee Gallery, Los Angeles Ins Blickfeld Gerückt, Institute Français, Berlin Self Titled, Forgotten Bar, Berlin City of Love, Souterrain, Berlin Nathan Peter Untitled, 2014 Bitumen lacquer and foil on canvas 55 × 45 cm Starting bid: 2.000 € Courtesy of the artist and PSM Gallery, Berlin 031 NASAN TUR # 06 Born 1974 in Offenbach. Lives and works in Berlin. Studied at the Hochschule für Gestaltung in Offenbach and the Staatliche Hochschule für Bildende Künste – Städelschule in Frankfurt a. M. Tur is a. o. represented by Blain Southern Berlin London. In seinen konzeptbasierten Arbeiten erprobte Nasan Tur mehr mals Möglichkeiten, Gewaltakte sichtbar werden zu lassen, ohne sie darzustellen. Die Arbeit 5 – Near Saragossa, Spain, 31 August 2015 reiht sich in eine Folge von politisch und medienkritisch motivierten Werken, zu denen unter anderem Good News zählt – eine Zeitung, die ausschließlichgute Nachrichten enthält. Auch die Serie Clouds folgt dieser Logik und zeigt stellvertretend für Pressebilder von Terror- und Gewaltakten einen Ausschnitt vom Himmel, der denselben Aufnahmen entnommen ist. Die Wolkenbilder werden ebenso zu abstrakten Gedenktafeln für die Opfer internationaler Krisen, wie das Aquarell von 2015. Auch hier verweist die Bezeichnung 5 – Near Saragossa, Spain, 31 August 2015 nicht auf den Entstehungsort des Bildes, sondern vielmehr auf die Explosion in einer Feuerwerksfabrik, die dort und zu diesem Zeitpunkt fünf Menschen das Leben kostete. Die blaue und vermeintlichneutrale Fünf wird in diesem Kontext nicht nur zum Monument, sondern auch zum Sinnbild eines perfiden Todesrankings, das durch die Medien ver folgt wird und nicht mehr Personen, sondern nur noch Opferzahlen und Nationalitäten berücksichtigt. In his concept based works, Nasan Tur repeatedly experimented with possibilities to show acts of violence without actually portraying them. 5 – Near Saragossa, Spain, 31 August 2015 is part of a series of works which are politically and media critically motivated, with Good News, a newspaper which only reports about positive events, being one of them. Likewise, the series Clouds follows this logic, replacing press photos of acts of terror and violence, with segments of sky, which have been taken from the same photograph. Just like the water colour painting of the year 2015, the pictures of clouds are turned into abstract commemorative plaques for the victims of international crisis. Here too, the title 5 – Near Saragossa, Spain, 31 August 2015 does not refer to the place where the picture was conceived, but to an explosion in a fireworks factory which happened in Saragossa and cost the lives of five people. In this context, the blue and putatively neutral number 5 is not only made a monument, but also a symbol of perfidious death rankings, which is pursued through the media and only takes into consideration the number of victims and their nationalities, but not the actual human beings. Selected Grants 2014 2012 2012 2008 Villa Massimo Stipend, Rome Will-Grohmann Artprize, Akademie der Künste, Berlin Grant for Visual Arts, Berlin Senate Grant, Stiftung Kunstfonds Selected Solo Shows 2016 2016 2015 2014 2013 2011 2009 Kunst Haus Wien, Vienna Deweer Gallery, Otegem (Belgium) Musei di Villa Torlonia, Rome Kunstraum Innsbruck, Innsbruck Blain / Southern Gallery, Berlin Kunsthalle Mannheim, Mannheim Frischzelle, Kunstmuseum Stuttgart, Stuttgart Selected Group Shows 2016 2016 2015 2015 2015 2014 2013 2013 2010 2009 2008 2007 032 Uncertain States, Akademie der Künste, Berlin Bucharest Biennale, Bucharest Do Disturb ! , Palais de Tokyo, Paris Istanbul. Passion, Joy, Fury, MAXXI – Museo Nazionale delle Arti, Rome Stand Up ! , Centre Pompidou, Paris Memory Lab or the Sentimental Turn: Photography Challenges History, Martin-Gropius-Bau, Berlin Wall Works, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin Rethinking Modernity, Istanbul Modern – Museum of Modern Art, Istanbul Tactics of Invisibility, Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Vienna Playing the City, Schirn Kunsthalle, Frankfurt a. M. Taipei Biennial, Tapei Istanbul Biennale, Istanbul Nasan Tur 5 – Near Saragossa, Spain, 31 August 2015, 2015 Watercolour 40 × 50 cm (sheet) / ca. 45 × 55 cm (framed) Inscribed recto centre “ 5 – Near Saragossa, Spain, 31 August 2015” ; signed and dated recto lower right in pencil Starting bid: 550 € Courtesy of the artist 033 Leiko Ikemura # 07 Born in Tsu, Mie-ken (Japan). Lives and works in Berlin and Cologne. Studied at the University of Osaka in Japan and at the Academy of Fine Arts Seville. Held a professorship at the Universität der Künste in Berlin. Currently holds a professorship at the Joshibi University of Art and Design in Kanagawa. Die Papierarbeiten, Malereien und Skulpturen der japanischen Künstlerin Leiko Ikemura zeigen sich gleichermaßen durch die europäische und japanische Kunstgeschichte beeinflusst. Die Künstlerin kam in den 1970er Jahren aus Osaka nach Europa und verlagerte ihren Lebensmittelpunkt langsam von Spanien, über die Schweiz bis nach Deutschland. Besonders beeindruckt zeigt sich Ikemura von dem Romantiker Johann Heinrich Füssli und dem Landschaftsmaler Ferdinand Hodler, in deren Werken die Künstlerin Themen wie die Erscheinung von Geistern und Dämonen oder eine Landschaftsvorstellung entdeckt, die in ähnlicher Form auch die japanische Kultur bestimmen. Durch beide Kulturen gleicher maßen geprägt, entwickelt Ikemura ihr eigenes Landschaftsverständnis und ihren eigenen Figurenkosmos, in dem Lebewesen und Natur untrennbar miteinander ver bunden sind. Die Arbeit Treelove greift darüber hinaus die klassischen Medien auf, in denen Landschaften in der europäischen Romantik und zeitgleich in Japan ausgeführt wurden – Aquarell und Druck. The paperworks, paintings and sculptures of the Japanese artist Leiko Ikemura reveal themselves to be equally influenced by European and Japanese history of art. The artist came in the 1970s from Osaka to Europe and slowly shifted her home from Spain, then Switzerland to Germany. Ikemura was especially impressed by the romanticist Johann Heinrich Füssli and the landscape painter Ferdinand Hodler, in whose works the artist discovered topics like the appearance of spirits and demons or a concept of landscape, which dominate Japanese culture in a similar way. Moulded through both cultures equally, Ikemura develops her own understanding of landscape and her own cosmos of characters in which living things and nature are inseparably connected with each other. Moreover, the work Treelove picks up the classical media, in which landscapes were executed in the European Romantic and at the same time in Japan — watercolour and print. Selected Grants 2014 2013 2009 2008 2007 2001 1983 Cologne Fine Art Prize, Cologne JaDe-Prize of the JaDe-Foundation (Japanese-German-Foundation), Cologne August Macke Prize, August Macke Curatorial & HSK Meschede Artist in Residence, Casa Aguacate a Puerto Vallarta, Mexico Iserlohn Art Prize, Citizens Foundation of the Savings Bank of Iserlohn Critic’s Award for Visual Arts, German Association of Critics, Berlin Nürnberger Stadtzeichnerin, Residency, Faber-Castell and the city of Nuremberg Selected Solo Shows 2017 2016 2015 2014 2014 2013 2012 2011 2006 Nevada Museum of Art, Reno (Nevada) And Suddenly The Wind Turns, Haus am Waldsee, Berlin All About Girls And Tigers, Museum of East Asian Art, Cologne PIOON, The Vangi Sculpture Museum Garden, Mishima Zwischenwelten, Museum Sinclair-Haus, Bad Homburg I-migration, Staatliche Kunsthalle, Karlsruhe Korekara oder die Heiterkeit des fragilen Seins, Museum für Asiatische Kunst – Staatliche Museen zu Berlin, Berlin Transfiguration, The National Museum of Modern Art, Tokyo / Mie Prefectural Art Museum, Mie Andalusienbilder, Bonner Kunstverein, Bonn Selected Group Shows 2016 2015 2014 2013 2012 2011 2010 2009 2006 034 Ceramix – Art et Céramique de Rodin à Schütte, Bonnefantenmuseum, Maastricht / La Maison Rouge, Paris Einfühlung und Abstraktion. Die Moderne der Frauen in Deutschland, Kunsthalle Bielefeld, Bielefeld Kunst in Berlin 1945 bis heute, Berlinische Galerie, Berlin Vom Japonismus zu Zen. Paul Klee und der ferne Osten, Zentrum Paul Klee, Bern / Museum für ostasiatische Kunst, Cologne Beyond Memory, Museum on the Seam, Jerusalem Fukushima and the consequences. Leiko Ikemura invites artists and architects, KW Institute for Contemporary Art, Berlin Plastic Artists and their Grafic Work, Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz Emotional Drawing, SOMA Museum of Art, Seoul Berlin – Tokyo / Tokyo – Berlin, Neue Nationalgalerie, Berlin Leiko Ikemura Treelove, 2016 Watercolour and monotype on paper 33,5 × 43 cm (framed) Dated recto lower left; signed recto lower right in pencil Starting bid: 1.200 € Courtesy of the artist 035 Christian Falsnaes # 08 Born 1980 in Copenhagen. Lives and works in Berlin. Studied at the Akademie der Bildenden Künste in Vienna and the University of Copenhagen. Der dänische Künstler Christian Falsnaes arbeitet vor allem performativ. Seine choreografisch angelegten Arbeiten untersuchen Verhaltensmuster, mobilisieren das Publikum und beziehen es teilweise bis zur Schmerzgrenze ein. Soziologische Handlungstheorien werden versuchsweise in die Praxis überführt. Meist tritt Falsnaes selbst als füh rende Kraft auf, dirigiert die Anwesenden und treibt die Gruppendynamik an. Der Betrachter stellt sich als über raschend berechenbares Medium heraus. Die Performance Justified Beliefs zeigt, dass dies auch ohne die Anwesenheit des Künstlers funktioniert: Seine Anweisungen werden durch fünf synchronisierte Kopfhörer an die Betrachter weitergegeben. Fortlaufend werden sie dazu angehalten Aktionen auszuführen – sich anzufassen, auf den Boden zu legen oder auszuziehen – wobei ihre Handlungen auf einander abgestimmt sind. Die Collage von 2013 reiht sich in eine Serie von expressionistischen Bildern, die der Künstler im Rahmen seiner Performances anfertigte oder wie bei Many, durch den Betrachter anfertigen ließ. Falsnaes thematisiert in diesen Bildern und seinen Perfor mances nicht zuletzt das Klischee vom extravaganten, weißen und männlichen Künstler. The Danish artist Christian Falsnaes works primarily in per formance. His choreographically structured works explore behavioural patterns, mobilise the observer and involve him being pushed to the absolute limit at times. Sociological theories of action are transferred into praxis on a trial basis. In this context, Falsnaes mostly appears as the master spirit who directs the audience and stimulates the group dynamics. The observer himself turns out to be a surprisingly predic table medium. The performance Justified Beliefs shows that this process is also possible without the presence of the artist: The directions are shared with the observer through five synchronised headphones. In an ongoing flow the par ticipants are encouraged to take action — to touch each other, to lay on the floor or undress — whereby the acts are geared to each other. The collage of 2013 lines up with a series of expressionist paintings, that the artist created in the realm of his performative projects or which, as in the case of Many, he made the observer paint. Finally, in these pictures as well as in his performances, Falsnaes addresses the cliché of the extravagant, white and male artist. Selected Solo Shows 2015 Many, Juan & Patricia Vergez Collection, Buenos Aires 2015 The title is your name, Bielefelder Kunstverein, Bielefeld 2015 Available, Kunstverein Braunschweig, Braunschweig 2014 Performance Works, PSM Gallery, Berlin 2014 Art 45 Basel – Art Basel Statements, Basel 2013 Formations of bodies – Opening, KW Institute of Contemporary Art, Berlin 2013 One, DREI, Cologne 2012 The fear of darkness (performance) , 21er Haus, Vienna 2010 There and Back, Skånes Konstförening, Malmö Selected Group Shows 2016 2015 2015 2015 2015 2014 2014 2013 2013 2013 2011 2009 2006 036 Stellung nehmen! , Kestnergesellschaft, Hanover Preis der Nationalgalerie 2015, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin Expanding the field of play, Centre Pompidou, Paris The City is the Star, ZKM – Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe Destination Vienna, Kunsthalle Wien, Vienna Reykjavik Dance Festival, Reykjavik Art Museum, Reykjavik Vertigo of reality, Akademie der Künste, Berlin Ihre Geschichte (n) , Bonner Kunstverein, Bonn Enten / Eller, Nikolaj Contemporary Art Centre, Copenhagen Entweder / oder, Haus am Waldsee, Berlin Regress – Progress, Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Warsaw Art Exchange, National Museum of Montenegro, Cetinje (Montenegro) Microstories Austria, Museum für Angewandte Kunst, Vienna Christian Falsnaes Justified Beliefs, 2013 Mixed media on and behind glass frame 63 × 54 cm (framed) Starting bid: 2.600 € Courtesy of the artist and PSM Gallery, Berlin 037 fiete stolte # 09 Born 1979 in Berlin. Lives and works in Berlin. Studied at the Kunsthochschule Berlin-Weißensee in Berlin. Master student of Karin Sander. Die Arbeiten von Fiete Stolte verweisen meist auf einen konzeptuellen Hintergrund. Teilweise existieren sie lediglich als ideelle oder latente Interventionen, teilweise manifestieren sie sich in verschiedenen Materialien, wobei der Künstler vorwiegend bildhauerisch und fotografisch arbeitet. Viele seiner Werke gehen auf die radikale Entkoppelung vom Sonnenlicht und die Einteilung der Woche in acht Tage zu je 21 Stunden zurück, die Fiete Stolte für mehrere Jahre gelebt hat. In diesem Rhythmus erfuhr er schließlich ein Spannungsfeld zwischen Tag und Nacht, Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit oder Anwesenheit und Abwesenheit, das bis heute sein Schaffen bestimmt. Die Plastik Drawing into the Space (Middle Finger) ist ein Grafitabguss von Stoltes rechter Hand. Den nach vorn abgespreizten Mittelfinger nutzte der Künstler tatsächlich als Zeichenwerkzeug, jedoch nicht, um eine Zeichnung anzufertigen, sondern die Spuren des Prozesses am Finger hervorzuheben: Die Hand des Künstlers hält uns einen Spiegel vor. In der glatten Fingerspitze scheint das Antlitz des Betrachters auf und konfrontiert jenen mit sich selbst, während er das Kunstwerk betrachtet. The works of Fiete Stolte point mostly to a conceptual background. They exist partly as mere ideational or latent interventions, and partly they manifest themselves in different materials, whereby the artist works primarily in a sculptural and photographic capacity. Many of his works go back to the radical decoupling of sunlight and the division of the week into eight days of 21 hours each, which Fiete Stolte has lived in for several years. In this rhythm he experienced a reality between the poles of night and day, visibility and invisibility, or presence and absence, which determines his work to the present day. The sculpture Drawing into the Space (Middle Finger) is a graphite cast of Stolte’s right hand. The artist used the forwardly extended middle finger actually as a drawing tool, however, not to create a drawing, but to highlight the vestiges of the process on the finger. The hand of the artist holds a mirror up to us: The visage of the observer is reflected in the smooth fingertip and confronts him with himself, while he looks at the artwork. SELEcTED SOLO SHOwS 2015 2014 2012 2012 2011 2010 2009 Hotel Absence, Kunstverein Göttingen, Göttingen New Works, Sassa Trülzsch, Berlin Crossed Pencils, Helga Maria Klosterfelde Edition, Berlin Library, Sassa Trülzsch, Berlin Absent 8 Days A Week, Villa Flor, S-chanf (Switzerland) Night, Sassa Trülzsch, Berlin Art Basel – Statements (with Sassa Trülzsch) , Basel SELEcTED GROUp SHOwS 2015 2015 2015 2014 2013 2013 2013 2012 2012 2012 2012 2011 2011 2010 2009 2009 038 More Konzeption Conception Now, Museum Morsbroich, Leverkusen Group Show, Kunstverein Arnsberg, Arnsberg Blue Moon, Kunsthalle HGN, Duderstadt Abc – Art Berlin Contemporary (with Helga Maria Klosterfelde Edition) , Berlin X Ways to Overcome Space and Time, Museum of Contemporary Art Belgrade, Belgrade Risk Society, Museum of Contemporary Art Taipei, Taipei I think it rains, Burger Collection, Hong Kong 3rd Moscow Biennial for Young Art, Moscow Invisible Ink, Galeri Mendes Wood, São Paulo Director’s Choice, Kunsthalle Münster, Münster Thresholds of Intimacy, Botkyrka Konsthall, Stockholm Based in Berlin, different venues, Berlin Without Destination, Reykjavik Art Museum, Reykjavik As soon as possible, Strozzina Palazzo Strozzi, Florence Zeigen. Eine Audiotour von Karin Sander, Temporäre Kunsthalle, Berlin Conflicting Tales, Burger Collection, Berlin fIETE STOLTE Drawing into the Space (Middle Finger), 2014 Graphite sculpture, 1:1 cast 21 × 14 × 6 cm Starting bid: 3.600 € Courtesy of the artist * 039 GREG COLSON # 10 Born 1956 in Seattle. Lives and works in Los Angeles. Studied at the California State University in Bakersfield and the Claremont Graduate University in Claremont. Der amerikanische Künstler Greg Colson widmet sich in seinen Arbeiten auf oft humorvolle Weise dem allgegenwärtigen und obsessiven Streben nach Effizienz, sowie dem Verlangen nach Statistiken und Analysen. Er benutzt einfache oder gefundene Materialien wie Radschläuche oder Spanholzplatten als Bildträger für selbstentworfene Diagramme, die zumeist an Informationsgrafiken aus den 1950er Jahren erinnern. Colson pointiert die heutige Datenflut und führt vor Augen wie sehr sich Industrie, aber auch die zeitgenössische Kunst von ihren Wurzeln entfernt haben, die den Aspekt des Hand gemachten zunehmend verleugnen. Der Künstler weist auf die Ursprünge zurück und behält sich dabei bewusst einen groben Duktus bei. Mit Vertebrates hat Colson einen Stammbaum entworfen, der eine Übersicht über die verschiedenen Klassen der Wirbeltiere gibt. Dabei sticht vor allem die unübliche Hierarchie ins Auge, die die Säugetiere an unterster Position zeigt. Nahezu zynisch erscheint angesichts der traurig schauenden Löwin die weiße Überschreibung mit „ BYE!! “ – als würde der Künstler ihr Aussterben und damit das Ende der Menschheit kommentieren. In his works, the American artist Greg Colson dedicates himself in an often humorous way to the ever-present and obsessive strive for efficiency, as well as the shift towards statistics and analyses. He uses simple materials or found items, such as inner tubes or chipboard, as image carriers for diagrams he constructed himself and which are mainly reminiscent of information graphics of the 1950 s. Colson points to today’s avalanche of data and makes us aware how much industry as well as contemporary art have moved away from their roots, which deny the aspect of handicraft more and more. In a way, the artist calls to mind these beginnings and consciously retains a rough individual style. With Vertebrates Colson created a genealogical tree, which gives an overview of the various classifications of vertebrates. A very unusual hierarchy is noticeable, which puts mammals not into the highest, but the lowest position. The sad looking lioness makes the white heading of “ BYE!!! ” appear almost cynical — a comment about extinction and finally, the often evoked end of mankind. Selected Solo Shows 2013 2012 2010 2001 1999 1991 Patrick Painter, Inc., Los Angeles Baldwin Gallery, Aspen William Griffin Gallery, Santa Monica Sperone Westwater, New York Gian Enzo Sperone, Rome Konrad Fischer, Dusseldorf Selected Group Shows 2013 2012 2011 2011 2010 2010 2009 2008 2006 2005 2005 2004 2004 1997 1994 Untitled (Giotto’s O) , Sperone Westwater, Lugano Works on Paper, Art Affairs, Amsterdam Legacy: The Emily Fisher Landau Collection, The Whitney Museum of American Art, New York New Wallworks, Maryland Art Place, Baltimore Outside the Box: Edition Jacob Samuel. 1988 – 2010, The Hammer Museum, Los Angeles An Exploration of Identity, San Francisco Center for the Book, San Francisco Conceptual Painting, Art Affairs, Amsterdam Line Drive, Hamilton Press Gallery, Los Angeles Ballkünstler, Museum der Bildenden Künste Leipzig, Leipzig Vivisection: Contemporary Drawing, Museo de Arte Carrillo Gil, Mexico City The Artist Turns to the Book, Getty Center, Los Angeles The Pontus Hulten Collection, Moderna Museet, Stockholm Of the Moment: Recent Acquisitions from the Permanent Collection, Museum of Contemporary Art, San Diego Book Obsession, Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv Mapping, Museum of Modern Art, New York Selected Collections Getty Research Institute, Santa Monica / Hammer Museum, Los Angeles / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D. C. / Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles / Metropolitan Museum of Art, New York / Moderna Museet, Stockholm / Museum of Contemporary Art, Los Angeles / Museum of Contemporary Art, San Diego / Museum of Modern Art, New York / New York Public Library, New York / Panza Collection, Lugano / Whitney Museum of American Art, New York 040 Greg Colson The Vertebrates, 1993 Oil on wood and metal 35,5 × 61 × 2 cm Starting bid: 2.000 € Courtesy of the artist 041 MAXIMILIAN RÖDEL # 11 Born 1984 in Braunschweig. Lives and works in Berlin. Studied at the Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig and the Universität der Künste in Berlin under a.o. Walther Dahn and Thomas Zipp. Master student of Robert Lucander. Bewusst gesetzte Buntstift- oder Ölkreideschraffuren und vereinzelte Farbflecken bilden die wenigen gegenständlichen Spuren, die einzigen Orientierungspunkte in den unendlichen Bildwelten von Maximilian Rödel. Seine polychromen Farbräume arbeitet der Künstler in mehreren Schichten in die Leinwand ein, wobei die grobe Struktur des Malgrunds ebenso maßgebend wird wie dessen Endlich keit: Rödels Kompositionen werden lediglich von den Grenzen der Leinwand eingefangen. Zyklenweise widmet sich der Maler in diesem Rahmen verschiedenen Nuancen. Seine Gemälde erscheinen zum Teil monochrom schwarz oder erstrahlen in eisigen bis warmen Pastelltönen. Aktuell entwickelt der Künstler eine Technik, die Vor- und Rückseite der Leinwand einbezieht. Er bearbeitet beide Flächen so intensiv, dass die Farbe das Leinen durchdringt und auf der anderen Seite zum Vorschein kommt. Die kräftige Geste findet ihre Entsprechung in der Komposition und einer kräftigen bis schrillen Farbwahl. Die klassische Unterscheidung von Vorder- und Hintergrund wird ad absurdum geführt. Deliberately placed crayon and oil crayon hatchings and occasional spots of paint form the rare, representational traces, the only points of orientation in the endless picture worlds of Maximilian Rödel. The artist integrates his polychrome colour scope in various layers into the canvas, whereby the rough structure of its surface becomes equally as important as its finiteness: Rödel’s compositions are captured merely by the limits of the canvas. In cycles and the same manner, the artist dedicates himself to different nuances. His paintings appear partly monochrome in black or radiate in icy to warm shades of pastel. Currently, he develops a technique which includes the front and the back of the canvas. He treats both surfaces so intensively with colour that it penetrates the canvas and appears again on the other side. The robust gesture finds its equivalent in the composition and the occasionally strident choice of colour. Rödel reduces the classical division of fore- and background, as well as the painterly technique of applying colour to absurdity. Solo Shows 2010–2016 Galerie Fiebach Minninger, Cologne Selected Group Shows 2016 2016 2015 2015 2015 2014 2013 2013 2013 2012 2012 2011 2011 2011 2010 2010 2010 2009 2008 042 Nada (with Lisa Tiemann), New York Art Cologne, Cologne Opening the foam, Schloss Sacrow, Potsdam Match (with Lisa Tiemann) , Galerie Fiebach Minninger, Cologne By - Products, Haus am Lützowplatz, Berlin After The Delay, Kunstverein L40, Berlin Vom Hier und Jetzt. 86. Herbstausstellung, Kunstverein Hannover, Hanover Lord Byron, Embros Theatre, Athens Legend Of Shelves, Autocenter, Berlin Bilderladen DuMont Carré, Galerie Christian Nagel / Galerie Fiebach Minninger, Cologne Paradise City, Autocenter, Berlin Der letzte macht das Licht aus, Freies Museum, Berlin Wien ruft 0049, Ausstellungsstrasse, Vienna Boys In Town, The Berlin Project, Berlin Farkt, Kunstverein Weiden, Germany Umsetzen, Freies Museum, Berlin Objective: Abstraction, Indianapolis Museum of Contemporary Art, Indianapolis Blissful Doom Loop, Galerie Fiebach Minninger, Cologne Stellen plötzlich aus, Uferhallen Berlin, Berlin MAXIMILIAN RÖDEL Phantom Lord, 2015 Oil and carbon on canvas 50 × 40 cm Starting bid: 1.800 € Courtesy of the artist * 043 ANDREA BOWERS # 12 Born 1965 in Wilmington (Ohio). Lives and works in Los Angeles. Studied at the Bowling Green State University in Ohio and the California Institute of the Arts in Valencia. Die Arbeiten von Andrea Bowers sind maßgeblich durch das politische Engagement der Künstlerin als Umweltaktivistin und Feministin geprägt, für das sie bereits eine Freiheitsstrafe verbüßte. Viele Werke entstehen aus Relikten friedlicher Proteste. So fertigte Bowers 2013 für eine Ausstellung bei Capitain Petzel in Berlin Installationen aus Seilen und Materialien, die üblicher Weise Baumbesetzungen dienen. In diesem Kontext entstand auch die Zeichnung Poster in Welcome Center for Refugee Strike Oranienplatz Berlin, 2013. Die ortsspezifische Arbeit basiert auf einem handgeschrie benen Zettel, den Bowers im Flüchtlingscamp am Oranien platz gefunden hat. In einer fotorealistischen Zeichnung hat die Künstlerin die Notiz kopiert und überdimensional ver größert, wobei sich der Denkmalcharakter dieser Arbeit erst heute offenbart: Sie erinnert an den zweijährigen Protest, der lediglich den Beginn der aktuellen Flüchtlingskrise markierte. Im öffentlichen Raum wurden bis heute alle Spuren des Protestcamps entfernt. Die Zeichnung hält Forderungen fest, die weit über den konkreten politischen Anlass hinaus gültig und grundlegend für jede liberale Gesellschaft sind. The works of Andrea Bowers are heavily influenced by the political engagement of the artist as an environmental activist and feminist, for which she already served a prison sentence. Many works arise from the vestiges of peaceful protests. For an exhibition in 2013 at Capitain Petzel in Berlin, Bowers created installations from ropes and materials, commonly used for tree sittings. In this context, the drawing Poster in Welcome Center for Refugee Strike Oranienplatz Berlin, 2013 was originated. The site-specific work is based on a handwritten note, that Bowers found in the refugee camp at Oranienplatz. In a photorealistic drawing, the artist copied the note and enlarged it to an exaggerated dimension, whereby the memorial aspect of this work was not brought to light until today: It reminds us of the two-year protest, which merely marked the beginning of the current refugee crisis. In public space all traces of this protest camp were removed. The drawing firmly holds demands, which are valid well beyond a concrete political cause and are fundamental to any liberal society. Selected Grants 2009 2008 Louis Comfort Tiffany Foundation Award, Long Island United States Artists Broad Fellow, Chicago Selected Solo Shows 2016 2015 2014 2013 2012 2011 2008 Whose Feminism Is It Anyways?, Andrew Kreps Gallery, New York Self-Determination, Kaufmann Repetto, Milan IN SITU – 1, Espace Culturel Louis Vuitton, Paris Cultivating the Courage to Sin, Capitain Petzel, Berlin Help the Work Along, Susanne Vielmetter Los Angeles Projects, Culver City Ni Una Muerta Mas, National Museum of Contemporary Art, Athens The Weight of Relevance, ZKM – Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe Selected Group Shows 2015 2015 2014 2014 2014 2013 2011 2010 2010 2010 2009 2008 Drawing Now, Albertina, Vienna The Bottom Line, S.M.A.K. – Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Ghent La Biennale de Montréal – L’avenir (looking forward), Musée d’art contemporain de Montréal, Montréal Grip friheten! Take Liberty! , Museum of Contemporary Art, Nationalmuseum Oslo, Oslo Andrea Bowers and Susanne Lacy, The Drawing Center, New York The Past is Present, Museum of Contemporary Art Detroit, Detroit Why I Never Became a Dancer. Sammlung Goetz, Haus der Kunst, Munich The Artist’s Museum: Los Angeles Artists 1980 – 2010, The Museum of Contemporary Art, Los Angeles In the Balance: Art for a Changing World, Museum of Contemporary Art, Sydney The Last Newspaper, The New Museum, New York Multitud Singular: El arte de resistir, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid Progress, Whitney Museum of American Art, New York Selected Collections mithsonian Institution, Washington D. C. / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D. C. / Armand Hammer Museum, Los Angeles / S The Whitney Museum of American Art, New York / The Museum of Modern Art, New York / The Museum of Contemporary Art, Los Angeles / The Museum of Contemporary Art San Diego, La Jolla / The Ingvild Goetz Collection, Munich 044 Andrea Bowers Poster in Welcome Center Refugee Strike Oranienplatz Berlin, 2013, 2013 Graphite on paper 76,2 × 56,5 cm (sheet) / 89,2 × 69,5 cm (framed) Starting bid: 7.000 € Courtesy Capitain Petzel, Berlin 045 FRANÇOIS MORELLET # 13 Born 1926 in Cholet (France). Lives and works in Cholet and Paris. Co-founded the artist group GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel) in the 1960 s. Morellet is a.o. represented by Blain Southern Berlin London and Galerie Diehl, Berlin. François Morellet bezeichnet sich ab Mitte der 1950er Jahre als abstrakten Maler. Sein Interesse liegt seitdem auf der Machart und der grundlegenden Struktur von Bildern. Nach dem Zweiten Weltkrieg verweigert sich der Künstler der Figuration, der Darstellung von Zeichen und Symbolen. 1960 wird er zum Mitbegründer der fortschrittlichen Gruppe GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel), die die Möglich keiten der visuellen Kunst mit wissenschaftlichen Experimenten erprobt. Kurz darauf erweitert Morellet sein Schaffen um Installationen mit Neonröhren und überführt seine „Systeme“, wie er diese frühen Arbeiten bezeichnet, in den dreidimensionalen und öffentlichen Raum. Die Arbeit von 1973 entsteht in einer Zeit des Umbruchs. Der kon struktivistische Künstler bezieht zunehmend Zufall und Chaos in sein Schaffen ein. Ihn reizt die Störung der strengen Ordnung, die er zuvor verfolgt hat. In einer späteren Phase bricht Morellet endgültig aus den Strukturen aus und widmet sich mit Humor und Ironie beispielsweise der Dekonstruktion des Hakenkreuzes, nachdem er der Dar stellung von Symbolen jahrelang entsagt hatte: Er reduziert das belastete Zeichen auf seine Grundbausteine, fügt nur drei von vier L-Modulen zusammen und nennt die minimalistischen Objekte Svastikaputt. Since the middle of the 1950 s, François Morellet has been calling himself an abstract painter. Since then his interest has concentrated on the make and fundamental structure of pictures. As a consequence of the Second World War the artist initially refuses figuration, the depiction of signs and symbols. In 1960, he became one of the founders of the progressive movement GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel), which explores the possibilities of visual art with scientific experiments. Soon after, Morellet extends his works around installations with neon tubes and transposes his “ systems,” as he calls these early creations, into a three-dimensional and public space. The work from 1973 is originated in a time of radical artistic change. The constructivistic artist incorporates chance and chaos more and more into his works. He is attracted by the disruption of the strict order, which he previously pursued. In the following progress, Morellet escapes from structures with humour and irony and dedicates himself, for example, to the deconstruction of the swastika, after for years renouncing the depiction of symbols. He reduces the burdened symbol to its basic constituents, only connects three of four L-modules and calls the minimal istic object Svastikaputt — a word play which means broken swastika. Grants 2012 2008 Komtur des Ordre des Arts et des Lettres Peter C. Ruppert Price for Concrete Art in Europe Selected Solo Shows 2015 L’esprit de suite. 1965 – 2015, Musée des Beaux-Arts de Caen, Caen 2014 Werke 1952 – 1971, Stiftung für Konkrete Kunst, Reutlingen 2011 Réinstallations, Centre Pompidou, Paris 2011 Morellet in Bochum, Kunstmuseum Bochum, Bochum 2009 Sériel mais pas sérieux, Museum für Konkrete Kunst, Ingolstadt 2008 Ma musée, Musée des Beaux-Art, Nantes 2007 Blow-up 1952 – 2007. Quand j’étais petit je ne faisais pas grand, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Paris 2007 Autour de 1970, Stedelijk Museum, Amsterdam 1985 Systems, The Brooklyn Museum, New York 1977 Retrospektive, Nationalgalerie, Berlin Selected Group Shows 2015 Gleich und gleich und gleich und anders. Serialisierungen in der Kunst seit den 1960er Jahren, Situation Kunst, Bochum 2009 Sculpture dans un jardin, Musée des Beaux-Arts, Nancy 2009 Die Quadratur des Quadrats, Museum Ritter, Waldenbuch 2008 Vernunft und Ironie / Raison et déraison, Museum Würth, Erstein 1965 The Responsive Eye, Museum of Modern Art, New York 1964 documenta 3 – Sektion Licht und Bewegung, Fridericianum, Kassel 1963 Zero, Galerie Diogenes, Berlin 1961 New Tendencies, Zagreb 046 FRANÇOIS MORELLET Untitled, 1973 Silkscreen 50 × 70 cm (sheet) / 56,5 × 82 cm (framed) Edition 21 / 50 Numbered recto lower left; signed recto lower right in pencil Starting bid: 800 € Courtesy of Galerie Diehl , Berlin 047 MATT MULLICAN # 14 Born 1951 in Santa Monica. Lives and works in New York. Studied at the California Institute of the Arts (CalArts) in Valencia. Taught as visiting professor at the Columbia University in New York, the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam, at The London Institute in London, the Chelsea College of Art and Design in Chelsea and the Institut für Neue Medien in Frankfurt a. M. Currently holds a professorship at the Hochschule für bildende Künste in Hamburg. Immer wieder begibt sich Matt Mullican in seinen Zeichnungen, Installationen, Performances oder Videos auf die Suche danach, was die Welt im Innersten zusammenhält. Seit den späten 1970 er Jahren gehört er zu den wichtigsten Vertretern des amerikanischen Post-Konzeptualismus, der maßgeblich durch John Baldessari geprägt wurde. Mullican zeigt sich daneben stark durch die Semiotik beeinflusst und erforscht Erdkreis und Kosmos als Zeichensysteme, deren universelle und zugleich subjektive Ordnung er erfahrbar werden lässt. Er schuf seine eigene Zeichensprache, seine „Kosmologie“. In diesem Kontext sind auch die fünf Banner zu verstehen, die den Übergang vom Zustand des Objektiven zum Subjektiven darstellen sollen. Mullican geht dabei vom kleinstmöglichen Baustein, dem Atom, aus und setzt die denkende und handelnde Einheit des Menschen dagegen. Bekannt wurde der Künstler auch für seine Performances unter Hypnose, in denen er sein Unter bewusstsein der Öffentlichkeit preisgibt. Again and again Matt Mullican searches in his drawings, installations, performances or videos for what keeps the world together in its innermost core. Since the late 1970s he is one of the most important representatives of the American Post-Conceptualism, which has been predominantly shaped by John Baldessari. Mullican shows himself to be influenced strongly by Semiotics and explores earth and cosmos as symbol systems, whose universal and simultaneously subjective order he renders tangible. He created his own sign language, his “ Cosmology.” The five banners have to be interpreted in this context too, which are meant to represent the transition from an objective to a subjective state. Hereby, Mullican sets out from the smallest possible building stone, the atom and contraposes the thinking and acting unity of man. The artist also gained fame through his performances under hypnosis, during which he reveals his subconscious to the public. Selected Solo Shows 2015 The Meaning of Things, ProjekteSD, Barcelona 2014 Books Representing Books, Kunsthalle Mainz, Mainz 2013 That world / Ese mundo, Museo Tamayo, Mexico City 2012 Two into One becomes Three, Galerie Klosterfelde, Berlin 2011 Vom Ordnen der Welt, Haus der Kunst, Munich 2010 Kunsthalle LA, Los Angeles 2008 Subject Driven, Galerie Klosterfelde, Berlin 2008 A Drawing Translates the Way of Thinking, The Drawing Center, New York 2001 More Details from an Imaginary Universe, Museum Haus Lange and Kaiser Wilhelm Museum, Krefeld 1995 Neue Nationalgalerie, Berlin 1989 Projects: Matt Mullican, Museum of Modern Art, New York Selected Group Shows 2015 Collecting Lines – Drawings from the Ringier Collection, Villa Flora, Winterthur 2015 Mainzer Ansichten, Kunsthalle Mainz, Mainz 2015 The Bottom Line, Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Ghent 2014 Take it or leave it: Institution, Image, Ideology, The Hammer Museum / UCLA, Los Angeles 2013 Wall Works, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin 2013 Mínima Resistencia, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid 2013 Painting Forever! Keilrahmen, KW Institute for Contemporary Art, Berlin 2013 55th Venice Biennale – International Exhibition, Venice 2012 Ein Wunsch bleibt immer übrig. Kasper König zieht Bilanz, Museum Ludwig, Cologne 2012 Print/Out, Museum of Modern Art, New York 2011 California Überalles, Museum of Contemporary Art, Los Angeles 2010 The Logic of Association, MoMA P.S.1, New York 2010 Map the 21st Century, Serpentine Gallery, London 2008 Whitney Biennial, The Whitney Museum of American Art, New York 2007 Centre Georges Pompidou, Paris 2001 Digital Printmaking Now, Brooklyn Museum of Art, New York 1997 Heaven, P.S.1 Contemporary Art Center, New York 1997, 1992, 1982 documenta 10, 9 and 7, Kassel 048 MATT MULLICAN Untitled, 2012 5 banners, silkscreen print on ag material, cardboard box Each 90 × 90 cm Edition 4 / 16 + 2 Artist Proofs, 2 Publisher Proofs and 2 Exhibition Proofs Authorized by a signed and numbered certificate Starting bid: 3.500 € Courtesy of the artist and H. M. Klosterfelde Edition 049 MATT MULLICAN 050 # 14 051 MALTE BARTSCH # 15 Born 1984 in Braunschweig. Lives and works in Berlin. Studied at the University in Utrecht, the Bogazici University in Istanbul, the Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig and the Institut für Raumexperimente respectively the Universität der Künste in Berlin under a.o. Olafur Eliasson. Master student of Manfred Pernice. “ As long as the button is pressed a cash receipt is printed. Pressing the button makes the sculpture. Press the button.” Mit seinen Interventionen und Installationen durchbricht Malte Bartsch die vorgesehene Funktionsweise von All tagsobjekten und Gebäuden: Er stülpt das Innere eines Kühlschranks nach außen, sodass jener fortan die Umgebung erfrischt und schaltet Straßenlaternen nach Belieben an oder aus, um sie als Leselampe zu benutzen; er installiert einen Münzautomaten vor der Neuen Nationalgalerie in Berlin, der das Museum nach Schließzeit gegen Bezahlung in eine Disko verwandelt, die nur betrachtet und nicht betreten werden kann. Die Arbeiten des Künstlers führen Gewohntes ad absurdum und machen sich den Prozess der Umkehrung zu eigen. Mit seiner Time Machine ver wandelt der Künstler Zeit in Währung. Die materiellen Kunstwerke entstehen, wenn der Betrachter den roten Knopf des Kassenautomaten drückt. Ausgedruckt wird eine Quittung darüber, wie lange sich der Installation gewidmet wurde. Bartsch macht den Rezipienten zum integralen Bestandteil der Arbeit und lädt jeden ein, den kindlichen Instinkten nachzugehen und auszutesten, was passiert, wenn man den den roten Knopf betätigt. Er schafft Kunst, die man berühren muss – please, press the button! With his interventions and installations, Malte Bartsch bursts through the intended operating modi of everyday objects and buildings: He turns a fridge inside out, so that now it re freshes its surroundings and switches the streetlights on and off as needed in order to use them as reading lamps; he installs a slot machine in front of the Neue Nationalgalerie in Berlin, which, after closing time and for payment, transforms the museum into a disco, which can only be looked at but not entered. The artworks turn the ordinary into the absurd, and make the process of reversal their own. With his Time Machine the artist transforms time into currency. The material objects of art are created when the observer presses the red button of the cash register. A receipt is printed which shows how much time was spent on the installation. Bartsch makes the recipient an integral part of the art work and invites all to give in to their infantile instincts and to ex periment with what happens when the red button is pressed. He creates art which has to be touched — so please, press the button! Grant 2012 Exchange Grant, Beaux-Arts de Paris (class of Tadashi Kavamata) Solo Show 2014 Warm Up, Kunstverein Jahnstraße e. V. , Braunschweig Selected Group Shows 2016 2016 2016 2015 2015 2015 2015 2015 2014 2014 2014 2014 2013 2012 2011 2011 2010 052 50,5720775 / 6,5934362 , August Produzentengalerie, Cologne Spring Exhibition, Kunsthal Charlottenborg, Copenhagen From Science to Fiction, Florian Christopher Verein für Kunst, Zurich Group Show V, Galerie Alexander Levy, Berlin Berlin Masters 2015, Galerie Arndt, Berlin Opening on the foam, Schloss Sacrow, Potsdam Expectations, The Composing Rooms, Berlin Soundscapes, Croatian Association of Artists, Zagreb 24h Skulptur, Galerie Sexauer, Berlin Festival of Future Nows, Neue Nationalgalerie, Berlin Berlin Art Prize, Kühlhaus, Berlin Walk in Progress, Vitamin Space, Guangzhou Dasein Irgendwo, Q Gallery, Copenhagen Grosses Feld, Janmeda, Addis Ababa (Ethiopia) Drawings, Sounds & Ambiences, Cuxhaven Hos (t) – Pieces, Hospizhaus, Braunschweig Old Fellows / New Talents, Forgotten Bar Project, Berlin Malte Bartsch Time Machine, 2014 Case, printer, button, person, cash receipt, time 25 × 31 × 13 cm Edition 2 / 10 [ New edition if the first is sold ] Starting bid: 2.200 € Courtesy of the artist * 053 OLAF NICOLAI # 16 Born 1962 in Halle/Saale. Lives and works in Berlin. Studied at the University of Leipzig (PhD). Teaches at the Akademie der Bildenden Künste in Munich. Der konzeptbasierte Charakter von Olaf Nicolais Arbeiten, die sich in jeglichen Medien manifestieren oder substanzlos und ideell bleiben, lässt zuweilen den theoretischen Hintergrund des Künstlers als promovierten Germanisten erkennen. Nicolai setzt sich intensiv mit politischen und gesellschaftsrelevanten Fragen auseinander und nimmt Themen wie Natur, Architektur, Stadt und Kapitalismus in den Blick. Immer wieder spielt er Elemente gegensätzlicher Kontexte gegeneinander aus oder macht sich die Methode der Wiederholung zu Nutze. Auf letztere Strategie konzen triert er sich in der Werkreihe KOMBINATION: Nicolai orientiert sich mit seinen aus Papierstreifen gewebten Bildern an mathematischen Algorithmen, die er analog und bildhaft umsetzt. Die schier unendlichen Kompositionsmöglichkeiten in Bildern werden erschöpft. Die einzelnen Arbeiten gleichen sich zunehmend an. Ihre immer gleiche Grundstruktur, die aus Quadraten zusammen gesetzt ist und an Pixel, Körnung und genormte Bildaufteilung erinnert, rückt in den Vordergrund. The concept based character of Olaf Nicolai’s works, which appear in any media or remain ideational and without substance, at times reveals the theoretical background of the artist as a doctor of German studies. Nicolai intensively debates political and sociological questions and analyses topics such as nature, architecture, urbanism and capitalism. Again and again he lets elements of contradictory contexts pit against each other, or makes use of the method of repetition. In the series called KOMBINATION he concentrates on the latter strategy: With his pictures, woven from strips of paper, Nicolai orients himself on mathematical algorithms, which he transposes in an analog and pictorial way. He exhausts the virtually endless possibilities to compose pictures. The individual works are increasingly aligning more and more. Their always the same basic structure, which is composed of squares moves into the foreground and is reminiscent of pixels, film grain and standardised picture setups. Selected Grants 2007 2002 1998 1996 Villa Aurora Stipend, Pacific Palisades Wolfsburg Art Prize, Wolfsburg P.S.1 Scholarship, New York Villa Massimo Stipend, Rome Selected Solo Shows 2013 2013 2012 2011 2010 2008 Escalier du chant / (Innere Stimme) , Cour Puget – Musée de Louvre, Paris The Empty House, Museum für Angewandte Kunst, Frankfurt a. M. The peacock with his long train appears more like a dandy than a warrior, but he sometimes engages in fierce contests, Kunsthalle Münster, Münster Escalier du Chant, Pinakothek der Moderne, Munich Faites le travail qu’accomplit le soleil, Kestnergesellschaft, Hanover Samani. Some Proposals to Answer Important Questions, Royal Academy of Arts, London Selected Group Shows 2015 Ärger im Paradies, Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn 2015 56 th Venice Biennale – International Exhibition and German Pavilion, Venice 2014 Nouveau Festival, Centre Pompidou, Paris 2012 Reflecting Fashion, Mumok – Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Vienna 2012 A Blind Spot, Haus der Kulturen der Welt, Berlin 2011 Blink! , Denver Art Museum, Denver 2010 Cut Scherenschnitte 1970 – 2010, Kunsthalle Hamburg, Hamburg 2008 Dressing the message, Sprengel Museum Hannover, Hanover 2008 Geo / Metric: Prints and drawings from the Collection, Museum of Modern Art, New York 2008 Reality Bites, Mildred Lane Kempert Art Museum, St. Louis (Missouri) 2005 Rundlederwelten, Martin-Gropius-Bau, Berlin 2005 51 st Venice Biennale – Always a little further, Venice 2001 49 th Venice Biennale, Venice 1997 documenta 10, Kassel Selected Collections Museum of Modern Art, New York / Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Vienna / Städtische Galerie Wolfsburg, Wolfsburg / BIACS Foundation, Sevilla / Denver Art Museum, Denver / Friedrich Christian Flick Collection, Berlin / Migros Museum, Zurich / Bundeskunstsammlung, Berlin 054 Olaf Nicolai KOMBINATION, 2008 – 45, 2008 Wickerwork, coloured papers 24 × 24 cm (framed) Starting bid: 2.500 € Courtesy Galerie EIGEN + ART Leipzig / Berlin 055 Ariel Reichman # 17 Born 1979 in Johannesburg. Lives and works in Berlin and Tel Aviv. Studied at the Bezalel Academy of Art in J erusalem and the Universität der Künste in Berlin under a. o. Katharina Sieverding and Hito Steyerl. Ariel Reichman genoss als orthodoxer Jude eine strenge Ausbildung in Johannesburg und emigrierte 1991 nach Israel. Der vom Nahostkonflikt bestimmte Alltag bildet den Hinter grund seiner teilweise politisch motivierten, konzeptuellen Arbeiten, die sich in allen Medien manifestieren. Immer wieder verschränkt Reichman Realitäten – den persönlichen mit dem gesellschaftlichen Kontext oder Vergangenheit und Gegenwart, wenn er beispielsweise Szenen seiner Kindheit reinszeniert. Seine Arbeiten sind gleichermaßen kritisch und humorvoll angelegt. Reichmans Zeichnung von einem Rettungssitz thematisiert die tägliche Bedrohung. Die isolierte Darstellung des technisch funktionalen Stuhls erinnert an die ikonische Siebdruckserie Electric Chair von Andy Warhol, wird aber im Gegensatz dazu sehr indivi duell umgesetzt, sodass der Sitz beinahe menschlich wirkt. Seiner Arbeitsweise entsprechend nimmt der Künstler auch hier ein Detail in den Blick, das dem Alltag in Gefahren situationen und Krisengebieten entnommen ist, und lässt es als unmissverständliches Zeichen für komplexe politische Konflikte und die Realität der Betroffenen stehen. In seiner künstlerischen Praxis reduziert Reichman die p olitische Ebene auf die persönliche, um sie emotional fassbar zu machen. As an Orthodox Jew, Ariel Reichman enjoyed a strict education in Johannesburg and emigrated to Israel in 1991. The Near East conflict, which dominates everyday life there, forms the background of his partly politically motivated conceptual works, which manifest themselves in all media. Again and again Reichman crosses over realities—the personal with the societal context or the past with the present when he, for example, reproduces scenes of his childhood. His works are equally as critical as they are humorous. Reichman’s drawings of a rescue seat thematises the daily threat. The isolated depiction of a technically functioning chair is reminiscent of the iconic screen prints Electric Chair by Andy Warhol. However, in contrast, they are transposed very individually so that the seat appears to be almost manlike. Corresponding to his characteristic way of working, he focuses on a detail which has been taken out of danger situations and crisis areas of everyday life and leaves it as an unmistakable sign for complex, political conflicts and the reality of affected people. In his artistic practice Reichman reduces the political level to a personal one in order to make it emotionally tangible. Selected Grants 2015 2008 Residency, Bezalel Academy of Art and Design IBB Prize for Photography, Karl Hofer Gesellschaft Selected Solo Shows 2016 Mendes Wood DM, São Paulo 2014 And Night They Sleep. They Do, Center for Contemporary Art, Tel Aviv 2014 Frieze NY – Frame (with PSM Gallery) , New York 2014 Waterside Contemporary, London 2013 1200 kg Dirt, Petach-Tikva Museum of Contemporary Art, Israel 2013 Dear Felix, I am sorry but we are just too scared to fly, PSM Gallery, Berlin 2011 3 seconds inhale. 7 seconds exhale, Verein zur Förderung von Kunst & Kultur am Rosa-Luxemburg-Platz, Berlin 2010 And It Is In The Space Between Here And There, PSM Gallery, Berlin Selected Group Shows 2015 Modes of Resistance, Trondheim Academy of Fine Art, Trondheim 2015 The Museum Presents Itself 2, Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv 2015 Poetry in Between: South South, Goodman Gallery, Cape Town 2013 One hundred years readymade, Haifa Museum of Contemporary Art, Haifa 2012 Body Without Body, Georg-Kolbe-Museum, Berlin 2011 ARTificial LIGHT, The Centre for Contemporary Art, Tel Aviv 2010 Manifesta 8, Murcia (Spain) 2010 Codes / Chiffren / Zeichen, Haus am Kleistpark, Berlin 2010 Mediations Biennale, Poznan (Poland) 2010 Endless Beginning, PSM Gallery, Berlin 2009 Cliché, Museum of Modern Art, Moscow 2009 Kunst und Öffentlichkeit, Neuer Berliner Kunstverein – n.b.k. , Berlin 2008 Vertrautes Terrain, Contemporary art in and about Germany, ZKM – Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe 056 Ariel Reichman Rescue Seat, 2013 Pencil on paper 35 × 28 cm (framed) Starting bid: 3.600 € Courtesy of the artist and PSM Gallery, Berlin 057 Culture for Refugees. Eine Initiative der CAA Berlin Culture for Refugees. An Initiative of the CAA Berlin „ Der wahre Zweck der Kunst bestand nicht darin, schöne Dinge zu erschaffen, sondern, … im Begreifen, im Durchdringen der Welt und darin, seinen Platz in ihr zu finden.“ — Paul Auster “ The true purpose of art was not to create beautiful objects. It was a method of understanding, a way of penetrating the world and finding one’s place in it ... .” — Paul Auster Im letzten Jahr rief die CAA das Projekt Culture for Refugees ins Leben, um auf die dringende Frage nach der Integration in Berlin lebender Flüchtlinge und Migranten zu reagieren. Unzählige Berliner unterstützen ehrenamtlich die Erst aufnahme und wir haben uns gefragt: Was können wir tun? Die kulturelle Kompetenz und das große Netzwerk der CAA bieten die besten Voraussetzungen für ein FlüchtlingsMentoren-Programm, um den Alltag der Angekommenen mit Kulturveranstaltungen zu bereichern. Grundlegend ist der Gedanke, dass der kulturelle Austausch einen wesentlichen Beitrag zum Verständnis der verschie denen Gesellschafts-, Lebens- und Handlungsentwürfe und damit zur Integration leisten kann. Und so funktioniert es: Je eine kleine Gruppe von Flüchtlingen erhält freien Zu gang zu Konzerten, Theater- oder Opernaufführungen, Tanzveranstaltungen oder zu Museen und wird von Freunden und Förderern der CAA begleitet. Jede Veranstaltung bietet so Gelegenheit für den gegenseitigen kulturellen und persönlichen Austausch und ermöglicht die Verständigung vor dem Hintergrund unterschiedlicher Lebenswelten. Die Initiative wurde von Beginn an durch zahlreiche Ber liner Kultureinrichtungen, wie beispielsweise das Konzerthaus Berlin, die Berliner Festspiele, das Gorki Theater, die Schaubühne, die Deutsche Oper, die Philharmonie oder das Radialsystem unterstützt. In Zusammenarbeit mit den verschiedenen Häusern hat sich gezeigt, dass es dringend einer Systematisierung bedarf, um die Angebote gebündelt an Flüchtlingsorganisationen zu kommunizieren. Da die Häuser selbst keine entsprechende Stelle besetzen können, sieht sich die CAA hier in der Verantwortung. Seit Anfang des Jahres wird dafür eine umfassende Projekt-Homepage aufgebaut, die alle Protagonisten der Berliner Kulturszene einlädt, ihre Angebote einzustellen. Die Website (www.culturefor-refugees.de) erleichtert jedoch nicht nur die Arbeit der Institutionen, sondern bietet gleichzeitig Flüchtlingen 058 und Flüchtlingsorganisationen einen Überblick über das aktuelle Kulturangebot. Als Plattform soll die Homepage auch langfristig die strukturellen Weichen für den kulturellen Austausch legen. Besonders wichtig ist uns, die Begleitpersonen durch Informationsveranstaltungen und Feedbackrunden über die Hintergründe der Flüchtlinge zu informieren, damit sie als Mentoren agieren können. Die Erfahrung zeigt: vor allem durch persönliche Sensibilisierung wird Ver ständigung möglich. Innerhalb der reichen Kulturlandschaft in Berlin bietet die CAA persönliche Wegweiser für diese Begegnungen. Last year, the CAA founded the project Culture for Refugees, in order to address the urgent need for integration of refugees and migrants living in Berlin. Countless Berlin citizens are voluntarily supporting the initial registration and we asked ourselves: What can we do? The cultural competence and the large network of the CAA form the ideal conditions for a refugee-mentor-programme to enrich the every day life of the new arrivals with cultural events. The fundamental thought behind it is the fact that cultural exchange can contribute significantly to the understanding of different societal models, life designs and individual ways of dealing with everyday issues, and therefore to the integration process. work for the institutions easier, it also provides refugees and refugee organisations with a summary of all current cultural offers. As such a platform, the homepage is designed to set the structural course for the cultural exchange in the long-term, too. It is especially important to us to familiarise the companions through information events and feedback meetings about the backgrounds of the refugees, so they can act as mentors. Experience shows that especially personal sensitisation facilitates understanding. Finally, the CAA offers personal guides within the rich cul tural landscape in Berlin for these encounters. The principle is as follows: Small groups of refugees are granted free access to concerts, theatre and opera performances, dances or museums and are accompanied by friends and sponsors of the CAA. Thus, every event offers the opportunity for reciprocal cultural and personal ex changes and facilitates understanding against the backdrop of different lifeworlds. The initiative was supported from the very beginning by numerous cultural institutions in Berlin, for example the Konzerthaus Berlin, the Berliner Festspiele, the Gorki Theatre, the Schaubühne, the Deutsche Oper, the Philharmonie or the Radialsystem. The cooperation with the various facilities showed that a system is desperately needed to communicate the offers to the refugee organisations. As the institutions are unable to set up a suitable position themselves, the CAA has accepted responsibility in this respect. Since the beginning of this year, a comprehensive project homepage has been constructed, which invites all protagonists of Berlin’s cultural scene to submit their offers. The website (www.culture-for-refugees.de) not only makes 059 Ein Gespräch mit dem Neu-Berliner Mohammed Noor Mohammed Noor ist vor eineinhalb Jahren nach Berlin gekommen. In Damaskus hat er Informationstechnik studiert, musste abbrechen und fliehen, um der syrischen Geheim polizei und dem Gefängnis zu entgehen, weil er eine ver botene Software benutzt hat. Er fand Zuflucht in Ägypten, begann ein Medizinstudium und musste auch dieses abbrechen, da die Studiengebühren für Ausländer schlicht nicht zu stemmen waren. Seine Familie ist nun in Ägypten, wo er sich täglich mit Diskriminierung konfrontiert sah und der Zukunft ohne Hoffnung entgegenblickte. Mit 300 Flüchtlingen riskierte er daraufhin auf einer ungewöhnlich langen Reise mit dem Boot über Libyen und Griechenland nach Italien sein Leben. Sein Ziel war Berlin, wo er wenige Wochen später eintraf und seitdem lebt. Mohammed ist 23 Jahre alt. Er hat bereits fließend Deutsch gelernt. Regel mäßig besucht er Flüchtlingsunterkünfte und begleitet neu Angekommene zu Behörden, um zu dolmetschen. Im Sommer wird er wieder studieren. Hemd und wartet auf den Tod, aber sie haben so unglaublich viel Energie! Nicht einmal nach 63 Jahren ruhen sie sich aus oder machen Urlaub. Sie planen gerade ein neues Projekt, das die Integration von Flüchtlingen erleichtern soll. Das be wundere ich wirklich. So möchte ich auch sein. Das Gespräch führte Lydia Korndörfer. Dabei hast du gewissermaßen die Rolle eines Kulturvermitt lers oder gar eines Diplomaten eingenommen. Du hast zum Beispiel Politiker wie Frank-Walter Steinmeier im Pri vaten getroffen … Ich versuche immer mit Menschen in Kontakt zu kommen. Das ist vielleicht neben der Sprache das Wichtigste. Gerade der Kontakt zu Deutschen liegt mir am Herzen. Zum einen verstehe ich sie dann besser, zum anderen verschwinden dabei die Kategorien Deutscher und Flüchtling. Das sind dann eben du und ich – zwei Personen mit einer anderen Geschichte. Weil mir der Austausch so wichtig ist, veranstalte ich oft Essen. Ich koche sehr gut syrisch und so habe ich unter anderem die Familie kennengelernt, bei der ich jetzt wohne und Familien, bei denen nun Freunde wohnen. Der Kontakt zu Politikern kam über mehrere Personen, aber auch durch die Essen. Es war sehr aufregend einen Abend für diesen Kreis zu veranstalten. Sie waren alle sehr freundlich und interessiert. Bei manchen habe ich damals nicht verstanden, welche Position sie innehaben, aber das fanden sie nicht schlimm und meinten, ich könne ja googeln, wenn ich zu Hause bin. (lacht) Du wirst sicher oft nach deiner Geschichte gefragt. Stört es dich, sie immer wieder zu erzählen? Nein, überhaupt nicht. Manchmal muss ich dabei sogar lachen, weil ich merke, wie verrückt ich war, als ich auf dieses Boot stieg. Die Leute sagten, es sei komfortabler – nicht so wie die anderen. Viele schwangere Frauen und Kinder reisten mit uns. Das war eine Erfahrung, die man im normalen Leben nicht macht. Die ganze Zeit genau in der Mitte zwischen Leben und Tod. Wenn ich daran denke, ist es ein Wunder, dass ich lebe. Das ist wirklich eine unvorstellbar extreme Erfahrung. Du wirst wenige in deinem Alter treffen, die Vergleichbares erlebt haben und sich ihrer Existenz in dieser Tiefe bewusst geworden sind. Du machst dennoch einen sehr fidelen Ein druck. Fühlst du dich wohl in Berlin? Ja, mir geht es wirklich gut. Ich schaue nicht zurück – jeder neue Tag und die Zukunft sind jetzt wichtig. Ich hatte großes Glück und habe eine sehr nette deutsche Familie kennengelernt, bei der ich jetzt wohne. Sie sind große Vor bilder für mich und unterstützen mich sehr. Da merke ich zum Beispiel auch den Unterschied zur arabischen Kultur. In ihrem Alter kauft man sich normaler Weise das letzte 060 Du hast ja bereits sehr viel Disziplin und Ausdauer bewiesen. Wie hast du es zum Beispiel geschafft, so schnell und so gut Deutsch zu sprechen? Ich wusste, dass ich keine Chance habe, in Deutschland anzukommen, wenn ich nicht Deutsch lerne. Damals hatte ich keine Aufenthaltsgenehmigung und konnte nur an Deutschkursen in den Flüchtlingsunterkünften teilnehmen. Ich habe mir also selbst einen Intensivkurs zusammen gestellt und einen Plan gemacht, zu welcher Zeit in welcher Unterkunft ein Kurs stattfindet. So habe ich sehr schnell die Sprache gelernt und jetzt helfe ich anderen Flüchtlingen und übersetzte, wenn sie aufs Amt müssen. Ich denke, du hast wahrscheinlich schon einen besseren Überblick über deutsche Kultur, Geschichte und Politik als viele Deutsche mit Anfang 20! Ja, ich interessiere mich sehr für die deutsche Kultur. Ich besuche auch oft Veranstaltungen in Stiftungen, weil ich verstehen will, wie Politik hier funktioniert. Ich bin sehr beeindruckt von diesem System – von Demokratie und Sozialstaat. In Syrien und Ägypten habe ich andere Erfahrungen gemacht ... Mit Culture for Refugees habe ich außerdem sehr viele Theater und Museen kennengelernt und sehr viel über die europäische Kultur gelernt. Auch dort engagierst du dich als Vermittler ... Ja, das stimmt. Je nachdem, wie viele Karten zur Ver fügung stehen, lade ich Flüchtlinge ein, mit mir zu kommen. Ich kann dann meistens die Gespräche ein bisschen moderieren. Wie ist es für dich, hier das Theater oder die Philharmonie zu besuchen? Ist das sehr verschieden? Oh ja, das ist sehr verschieden. (lacht) Ich hatte am Anfang Angst, dass ich im Theater einschlafe, aber ich hatte eine vollkommen andere Vorstellung von Theater. Die erste Vorstellung, die ich gesehen habe, war wirklich lustig und hat mir eine neue Perspektive eröffnet. Stimmt es, dass es so einfacher wird, eine Kultur zu verstehen? Ja, das stimmt. Weißt du, es ist wirklich gut zu sehen, wie sehr die Menschen hier ihre Kultur schätzen. Das ist mir besonders in der Philharmonie aufgefallen – ich habe dort beobachtet, wie andächtig sie sind. Dann waren wir im Konzert und ich habe verstanden, warum ihnen diese Musik so wichtig ist und was sie bedeutet. Das war ein tolles Erlebnis. Das hoffe ich sehr, aber vermutlich wird es noch etwas G eduld erfordern. Nichtsdestotrotz hast du bereits einige Pläne für die Zukunft, richtig? Ja, ich habe viele Pläne. Meine Gastfamilie ist da, wie gesagt, ein großes Vorbild. Ich würde gern als Dolmetscher arbeiten, aber das ist sehr schwierig. Im Sommer werde ich wieder studieren können – Wirtschaftsinformatik. Vormittags besuche ich dann jeden Tag einen Deutschkurs, um die Sprache noch weiter zu verbessern. Ich habe auch ein Projekt erfunden und der BVG vorgeschlagen. Es wäre toll, wenn das klappt. Aber im Grunde hoffe ich, nach dem Studium einen normalen Job zu bekommen und zu arbeiten. Natürlich möchte ich irgendwann, wenn der Krieg vorbei ist, zurück in meine Heimat und mit meiner Familie in Syrien leben. Ich weiß aber auch, dass das sehr lange dauern kann. Ich will nicht einfach warten. Ich habe mir schon einmal ein neues Leben in Ägypten aufgebaut. Es erfordert sehr viel Energie, aber ich bin auf so viele freundliche Menschen hier getroffen, die mich unterstützen, dass ich gerade meinen Platz im Hier und Jetzt finden kann. Lieber Mohammed, ich denke, mit so viel Energie und Opti mismus bist du wirklich ganz nah an deinen Vorbildern! Vielen Dank für das bereichernde Gespräch und alles Gute! Wer kommt deiner Erfahrung nach mit zu den Ver anstaltungen? Das ist ganz gemischt. Ich versuche aber vor allem Frauen einzubinden, weil sie oft ein bisschen ängstlicher sind, als die Männer. Durch deine Neugier und deine Offenheit hast du für viele eine wichtige Rolle eingenommen, die vielleicht auch anderen Mut gibt, den Kontakt zu suchen. Stört dich die Be zeichnung Flüchtling dabei sehr? Nein, das ist ok. Wir sind ja geflohen, also sind wir Flücht linge. Aber natürlich hoffe ich, dass es irgendwann um die Person geht, um mich als Mohammed Noon aus Damas kus, nicht um Mohammed, den Flüchtling. 061 A conversation with new Berlin citizen Mohammed Noor Mohammed Noor moved to Berlin eighteen months ago. He studied information technology in Damascus, but soon had to quit his studies and escape from the Syrian secret police and from prison because he used a forbidden software. He found shelter in Egypt, began to study medicine, but had to interrupt his studies once again since the tuition fees for foreigners were simply too expensive. Now his family lives in Egypt, where Mohammed was faced with discrimination every single day and consequently lost his hope for the future. As a result, he risked his life together with 300 refugees on an unusually long journey by boat from Libya to Greece and on to Italy. His goal was to reach Berlin, where he arrived a few weeks later and has lived ever since. Mohammed is 23 years old. He already speaks German fluently and regularly visits refugee shelters to support other refugees and accompany them to the public authorities. He will take up his studies this summer. last shirt and wait for death to come, but they have such an incredible amount of energy! Not even after 63 years do they rest or go on vacation. Instead, they’re currently planning a new project, which aims to facilitate the integration of refugees. I do really admire this and wish I could be like them. You already proved you have a lot of discipline. How did you, for example, manage to speak German so well in such a short amount of time? I knew I would have no chance to find my place in Germany if I didn’t learn German. When I arrived, I had no residence permit and could only attend the German courses in refugee camps. Consequently, I created my personal crash course by making a weekly schedule and basically attending as many courses as possible in different accommodations. In this way, I took to the language very quickly. Now I am helping out other refugees and translate for them. system of democracy and welfare state are very impressive. In Syria and Egypt, I had other experiences ... With Culture for Refugees I further had the chance to visit a lot of theatres and museums, and to get a better insight into the European culture. Also in this project you engage yourself as a mediator ... Yes, that’s true. Depending on how many tickets are available, I invite refugees to come with me. It helps, because I am often able to moderate the conversations a little. How does it feel to visit the theatre or the Philharmonie in Berlin? Is this very different? Oh yes, it’s completely different. (laughs) At the beginning, I was afraid I would fall asleep in the theatre, but I had a very different idea of it. The first performance that I saw turned out to be really funny and provided me with a totally new perspective on theatre. The talk was conducted by Lydia Korndörfer. Probably you’re often asked to tell your story. Do you mind telling it again and again? No, not at all. Sometimes I even have to laugh while telling it, because I finally realize, how crazy I must have been to get on that boat. People said it was more comfortable than the others. For that reason, many pregnant women and children were traveling with us. It was an experience that you normally don’t encounter in real life — all the time in the limbo between life and death. When I think about it, it seems like a miracle to me that I am still alive. This really was an incredibly extreme experience. You won’t meet a lot people of your age who experienced something comparable and became aware of their own existence with such a deepness. You make a very good impression and look happy nonetheless. Do you feel comfortable living in Berlin? Yes, I feel really good living here. You know, I don’t look back — it is each new day and the future that’s important now. I was very lucky though and met a very nice German family with whom I am staying at the moment. They support me a lot and are great role models for me. Looking at them, I for example noticed an important difference to the Arabic culture: at their age you would normally buy your 062 To a certain extent, you have thereby taken the role of cultural mediator or even a diplomat. You privately met for instance politicians, such as Frank-Walter Steinmeier... I always try to get in touch with people. Maybe this is the most important thing after learning the language. I care especially about the contact with Germans. On the one hand, I can better understand their culture and on the other hand, it is a way to dissolve the distinctive categorization of “ Germans” and “ refugees”. While getting in contact — it is you and me, two people with a different story. Since the exchange is so important for me, I often organise dinners. I am a very good Syrian chef. This also is the way I met the family with whom I’m living, and the families with whom my friends are staying. The contact with politicians came through other people, but finally also through dining. It was very exciting to organise an evening for them. They were very friendly and interested. I didn’t understand what position some of the people hold, but they didn’t mind and told me to google it afterwards at home. (laughs) I think, you might already have a better understanding of German culture, history and politics than many Germans in their early twenties! Yes, I am very interested in the German culture. I also often visit lectures and symposia of the various foundations, because I aim to understand how politics work here. The Is it true, that it becomes easier to understand the culture that way? Yes, that’s true. You know, it’s really good to see how much people are appreciating their culture here. This struck me particularly in the Philharmonie — I observed how devoted everyone was. When we went into the concert, I understood what the music is about that is so important for these people. It was a great experience. Yes, I have many plans. My host family functions as a great role model, as I mentioned earlier. I would love to work as an interpreter, but it is very difficult. In the summer term, I will finally be able to take up my studies in business information systems. Associated with my studies, I will visit a German language course on a daily basis to improve my skills even more. I also invented a project and suggested it to the BVG. It would be great, if it works out. But basically, I hope to get a normal job and to work after finishing my studies. Of course, someday when the war is over, I want to go back home and live with my family in Syria. But I also know that this can take a long time. I don’t want to just wait. I already built up a new life in Egypt once. It requires a lot of energy, but I met so many friendly and supportive people here, that I am able find my place and live in the here and now. Dear Mohammed, I think, you’re already very close to your role models demonstrating so much energy and optimism! Thank you very much for this enriching conversation and all the best wishes for your future! According to your experience, who is attending the cultural events? It is quite mixed, but I try to involve as many women possible, since they’re a bit more anxious than men. Through your curiosity and your openness, you play an important role and hopefully also give other people the courage to seek contact. Do you find the label “refugee,” that is so frequently used in this context, very disturbing? No, it’s okay. We fled, so we are in fact refugees. But of course I hope people eventually come to see the actual person — to see me as Mohammed Noon from Damascus, not Mohammed the refugee. I very much hope so, but it will probably still require some patience. Nevertheless, you have already some plans for the future, right? 063 FELIX DROESE # 18 Born 1950 in Singen / Hohentwiel. Lives and works in Mettmann, Dusseldorf. Studied at the Kunstakademie in usseldorf under Peter Brüning and Joseph Beuys. Taught at the Städelschule in Frankfurt a. M. D Die Arbeiten von Felix Droese zeugen bis heute von dem gesellschaftspolitischen Anspruch, den Düsseldorfer Künstler rund um Joseph Beuys in den 1970er Jahren vertraten. Für sein politisches Engagement, wie beispielsweise beim Protest gegen den Vietnam-Krieg, nahm Droese Freiheitsstrafen in Kauf. In den 1980er Jahren wurde er durch seine Teilnahme an der documenta 7 und bei der Biennale in Venedig international bekannt, wo er 1988 mit dem Haus der Waffenlosigkeit den deutschen Pavillon bespielte. Neben kritischen Aktionen und Arbeiten, die den Kunstmarkt thematisieren, verhandelt die Radierung Levantinische Augen die aktuelle politische Situation im östlichen Mittelmeerraum. Mit Rückgriff auf die Antike ruft der Künstler die seit jeher bestehenden Wechselbeziehungen zwischen Europa und dem Morgenland in Erinnerung. Halbmond und Boote referieren auf diesen Hintergrund, bekommen jedoch angesichts der Zeitgeschichte eine neue Bedeutung: Die weit aufgerissenen Augen werden von Kriegern verjagt, einige haben sich im Meer bereits geschlossen. Droese hat eine Allegorie für den Terror der Vertreibung geschaffen und damit ein immer wiederkehrendes Kapitel Eurasiens aufgegriffen, das Kriege, Religionskonflikte und Völkerwanderungen umfasst. To this day the works of Felix Droese are testimony to the socio-political claims, which the Dusseldorf artists around Joseph Beuys pursued in the 1970 s. The artist was not fright ened to get imprisoned for his political activism, as he has indeed been after protests against the Vietnam War. In the 1980 s Droese became internationally known through his participation at the documenta 7 and the Venice Biennale, where he played the German Pavilion with Haus der Waffen losigkeit in 1988. In addition to critical actions and works which explore the art market, the etching Levantinische Augen (Levantine Eyes) deals with the current political situa tion in the eastern Mediterranean. With recourse to ancient times, the artist recalls the historic interrelations between Europe and the Orient. The crescent moon and boats appear against this background, but gain new significance in the face of contemporary history. Wide open eyes are chased away by warriors, some have already closed in the sea. Droese has created an allegory for the terror of expulsion and has therein addressed a recurring chapter of Eurasia, which includes wars, religious conflicts and mass migrations. Grants 2015 1996 1982 Kunstpreis der Künstler 2015 Art-Multiple-Prize, Dusseldorf Stipend for Young Artists, Federal State of North Rhine -Westphalia Selected Solo Shows 2015 2014 2013 2012 2009 2008 2005 2002 1988 Schmutzige Geschichte, Galerie Klaus Gerrit Friese, Berlin Smarkand – Zeichen an der Wand, Heine Haus, Dusseldorf Die Kunst zu unterscheiden. Die innere Würde, Kunstverein Dortmund, Dortmund Chrococcus, Villa Goecke, Krefeld Maskenwechsel, Felix Droese and Michael Morgener, Kunstverein Chemnitz, Chemnitz 20 Jahre Haus der Waffenlosigkeit, Museum Kunstpalast, Dusseldorf Ja, habt Ihr denn kein Hirn!, Edition Staeck, Heidelberg Wer erschoss den amerikanischen Botschafter in Kabul?, Städtische Galerie, Wolfsburg 45th Venice Biennale – German Pavilion, Venice Selected Group Shows Felix Droese 2016 Der rote Faden. Ordnungen des Erzählens, Kolumba Kunstmuseum des Erzbistums Köln, Cologne 2015 Die Große Kunstausstellung Nordrhein-Westfalen, Museum Kunstpalast, Dusseldorf 2014 Hans Im Glück – Kunst & Kapital, Lehmbruck Museum, Duisburg 2013 Visionen. Atmosphären der Veränderung, Marta Herford, Herford 2011 Napoleon in Düsseldorf, Stadtmuseum Düsseldorf, Dusseldorf 2010 Press Art. Sammlung Annette und Peter Nobel, Museum der Moderne, Salzburg 2008 Zeitblick. Ankäufe aus der Sammlung Zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland 1998 – 2008, Martin-Gropius-Bau, Berlin 2007 Weltempfänger. 10 Jahre Galerie der Gegenwart, Hamburger Kunsthalle, Hamburg 2007 Klio. Eine kurze Geschichte der Kunst in Euramerika nach 1945, ZKM – Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe 1997 Deutschlandbilder, Martin-Gropius-Bau, Berlin 1985 1945 – 1985: 40 Jahre Kunst in der Bundesrepublik Deutschland und in West-Berlin, Nationalgalerie Berlin, Berlin 1982 documenta 7, Kassel Levantinische Augen, 2015 Monochromatic drypoint, hand-coloured, soil, collage on laid paper 64,5 × 54 cm (sheet) / 68,5 × 58 cm (framed) Unique copy / Print: Edition 24 / 30 + 6 AP Inscribed recto lower left with “ Levantinische Augen” ; signed, dated and numbered recto lower right in pencil 064 Starting bid: 1.000 € Courtesy Galerie Klaus Gerrit Friese, Berlin 065 CARLA GUAGLIARDI # 19 Born 1956 in Rio de Janeiro. Lives and works in Berlin and Rio de Janeiro. Studied at the Escola de Artes Visuais do Parque Lage and the Pontifícia Universidade Católica in Rio de Janeiro. Die brasilianische Künstlerin Carla Guagliardi pendelt seit Ende der 1990er Jahre zwischen Rio de Janeiro und Berlin. Ihre teils Raum erfüllenden Installationen lassen auf eine intensive Auseinandersetzung mit Architektur und physi kalischen Begriffen wie Gleichgewicht, Dichte oder Materie schließen. Sie paart industriell gefertigte Werktstoffe wie Rohre und Leisten aus Eisen, Kupfer oder Stahl mit lebendigeren Elementen wie elastischen Bändern, Wasser und Pflanzen. Im Mittelpunkt steht stets die wenig rationale Thematik des Schwebens und der Schwerelosigkeit – ein Zustand der nicht nur träumerisch verklärt wird, sondern auch allegorisch für heutige Lebensentwürfe verstanden werden kann, die gleichermaßen durch Flexibilität und Unsicherheit geprägt sind. Die Werke der Künstlerin muten wie grafische und filigrane Raumzeichnungen an. Sie sind durch Spannungsmomente bestimmt, die sich visuell unmittelbar ausdrücken. Auch die Arbeit FUGUINHA, die „ kleine Flucht “, lässt entgegengesetzte Kräfte erkennen: Das Kupferrohr ist fest in der Wand verankert und versucht sich abzuwenden, wird jedoch von einem roten Band gehalten. The Brazilian artist Carla Guagliardi has commuted between Rio de Janeiro and Berlin since the late 1990 s. Her partly space-filling installations indicate an intensive analysis of architecture and physics terms such as equilibrium, density or matter. She combines industrially produced materials like pipes and strips made of iron, copper or steel with more lively elements such as elastic bands, water and plants. The focal point is always the not very rational topic of flotation and weightlessness — a state which is not only glorified, but can also be understood in connection with today’s life designs, which are shaped in equal measure by flexibility and insecurity. The works of the artist appear like graphic and filigree drawings in space. They are determined by tense moments, which immediately come across through the visual appearance. The work called FUGUINHA (Little Flight), also reveals opposing energies: The copper pipe is firmly fixed to the wall and tries to turn away, but is kept in place with a red ribbon. Grant 1999 Artist in Residence, Künstlerhaus Bethanien, Berlin Selected Solo Shows 2016 2015 2013 2012 2010 2009 2009 2009 2004 2000 Under Construction, Galerie m Bochum, Bochum Opera II (or where is the time I have left in this space?) , Die Raum, Berlin Para quem voa descansar, Museu do Açude, Rio de Janeiro Os cantos do canto, Galeria Anita Schwartz, Rio de Janeiro O Lugar do Ar, Instituto Mariantonia, São Paulo Luogo d’aria, Castel dell’ovo, Naples O Lugar do Ar, Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro Schwerelos, Haus am Waldsee, Berlin Um mar e dois desertos – Ein Meer, zwei Wüsten, Galerie m Bochum, Bochum Nada do que não era antes, Museu Paço Imperial, Rio de Janeiro Selected Group Shows 2015 Ausstellungsprojekt Skulptur 2015, Skulpturenmuseum and public space, Marl 2015 Mirror Images. Spiegelbilder in Kunst und Medizin, Medizinhistorisches Museum / Charité, Berlin 2014 7:1 – Brasilianische Künstler in Berlin, Blockbuster Exhibitions, Berlin 2014 4th Mediations Biennale Poznan – When Nowhere Becomes Here, National Museum and Racyznski Library, Posnan 2013 Evelina Cajacob & Carla Guagliardi, Galerie m-Bochum, Bochum 2013 Land der Zukunft, Atrium / German Federal Foreign Office, Berlin 2011 We make versions, Westfälischer Kunstverein, Münster 2010 Transatlantische Impulse II, Akademie der Künste, Berlin 2008 + 40 °C - 30 °C. Contemporary Art from Brasil and Finland, Vantaa Art Museum, Vantaa 2006 Interventions / Copa da Cultura, Haus der Kulturen der Welt, Berlin 2006 Anstoss Berlin, Haus am Waldsee, Berlin 1997 Suspended Instant, Art in General, New York 1995 Metrópole e Periferia, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro 066 Carla Guagliardi FUGUINHA, 2014 Ca. 100 × 76 × 25 cm Installation (mounted partially in the wall), copper pipe, red elastic fine rope, plaster Edition 1 / 3 + 2 AP Starting bid: 2.300 € Courtesy of the artist 067 KATHARINA GROSSE # 20 Born 1961 in Freiburg. Lives and works in Berlin. Studied at the Kunstakademie Münster and the Kunstakademie in Dusseldorf under a. o. Norbert Tadeusz and Gotthard Graubner. Taught at the Kunsthochschule Berlin -Weißensee in Berlin. Currently holds a professorship at the Kunstakademie in Dusseldorf. Grosse is a. o. represented by Galerie Johann König, Berlin. Katharina Grosse zählt zu den renommiertesten Malerinnen der Gegenwart. Sie arbeitet an der Entgrenzung des Me diums Malerei, das sie vor allem seit den 1990 er Jahren in den dreidimensionalen Raum überführt. In dieser Zeit begann sie mit der Spritzpistole zu arbeiten und ihre poly chromen und kräftig farbigen Bildräume zu schaffen, die sich anfangs noch auf Raumecken oder das Mobiliar ihrer Wohnung erstreckten. Heute gibt die Künstlerin ganzen Landschaften einen neuen Anstrich und entwickelt raumgreifende Installationen und begehbare Farbräume, die ungewöhnliche Bildträger wie beispielsweise Baum stämme oder Sandhaufen einbeziehen. Die unbetitelte Arbeit von 2015 führt mehrere Farbschichten zusammen und erinnert an Plakatwände mit abgerissenen Postern, wie sie Wolf Vostell in den 1950 er / 60 er Jahren als Ausgangspunkt für seine Décollage-Technik dienten. In diesem Sinne verweist die Malerei von Grosse gleichzeitig auf die Kunst der Nachkriegszeit, die für ihr Schaffen bis heute be stimmend ist. Katharina Grosse is one of the most acclaimed female painters of our times. She works on the expansion of the medium of painting, which, especially since the 1990 s, she transfers into three - dimensional space. During that time, she began to work with the spray pistol and to create her polychrome and strongly coloured image spaces, which, in the begin ning extended to room corners or the furniture in her flat. Today, the artist gives whole landscapes a new lick of colour and develops space-filling installations and walkable colour scopes, which incorporate unusual picture carriers such as tree trunks or piles of sand. The untitled work from 2015 combines several layers of paint and is reminiscent of billboards with ripped posters, which served Wolf Vostell in the 1950 s and 60 s as a starting point for his Décollage tech nique. In this sense, the paintings of Grosse point equally to the postwar art which, to this day, has been a determining factor for her work. Selected Grants 2015 2014 2003 2002 1995 1993 1993 Otto -Ritschl - Art - Prize, Germany Oskar - Schlemmer - Award, Großer Staatspreis des Landes Baden-Württemberg Fred - Thieler - Award, Berlin Andy Warhol Residency Award, Headlands Foundation, San Francisco Grant, Stiftung Kunstfonds Schmidt - Rottluff - Stipend, Germany Villa Romana Stipend, Florence Selected Solo Shows 2016 2015 2014 2013 2011 2010 2009 2005 Museum Frieda Burda, Baden Garage – Museum of Contemporary Art, Moscow Inside the Speaker, Museum Kunstpalast, Dusseldorf Wunderblock, Nasher Sculpture Center, Dallas Kunstmuseum Bonn, Bonn One Floor Up More Highly, Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams Shadowbox, Temporäre Kunsthalle, Berlin Palais de Tokyo, Paris Selected Group Shows 2015 56th Venice Biennale – All the World’s Future, Venice 2012 Wall Works, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin 2011 Berlin 2000 – 2011: Playing among the Ruins, Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo 2010 Rudolf Steiner und die Kunst der Gegenwart, Kunstmuseum Wolfsburg, Wolfsburg 2010 Museu de Art de São Paulo, São Paulo 2009 Space as Medium, Miami Art Museum, Miami 2006 Tokyo-Berlin / Berlin-Tokyo, Mori Art Museum, Tokyo Selected Collections Centre Georges Pompidou, Paris / Kunsthaus Zürich, Zurich / Kunstmuseum Bonn, Bonn / Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich / Museu Serralves, Porto / Sprengel Museum Hannover, Hanover / Arken Museum für moderne Kunst, Copenhagen / Magasin 3 Stockholm Konsthall, Stockholm / DaimlerChrysler, Berlin / Collection Deutsche Bank, Frankfurt a. M. 068 Katharina Grosse o.T., 2013 Acrylic paint on paper Ca. 107 × 73 cm (framed) Starting bid: 10.000 € Courtesy of the artist 069 REBECCA RAUE # 21 Born 1976 in Berlin. Lives and works in Berlin. Studied at the Universität der Künste in Berlin under a. o. Georg Baselitz. Master student of Rebecca Horn. Das Boot stellt in den Arbeiten von Rebecca Raue ein immer wiederkehrendes Motiv dar und verweist wie kaum ein anderes Symbol auf die aktuelle politische Situation in und um Europa. Spätestens seit 2014 ruft das Sujet vor allem Assoziationen zu der riskanten Flucht über das Mittelmeer ins Gedächtnis. Raue thematisiert das Boot aber auch als Schutzraum, als Zeichen des Aufbruchs und Fernwehs, als Spielzeug. Der sinnbildliche Kontrast wird durch die einzelnen Bestandteile der Installation ankommen und ablegen verstärkt, die als lebensgroße Papierschiffchen gestaltet sind. Dabei widersetzen sich die Segel aus getragenen Männerhemden deutlich dem naiven Gedankenspiel und zeugen als Relikte von den Schicksalen vieler Flüchtlinge. Die ein fache Konstruktion der Boote aus MDF verweist darüber hinaus auf die selbstgebauten Modelle, mit der die gefährliche Reise über das Mittelmeer zum Teil angetreten wird. Raue entwarf sie in Zusammenarbeit mit der Initiative Cucula – Refugees Company for Crafts and Design. Die Künstlerin fordert dazu auf, den eigenen Schutzraum zu verlassen, im übertragenen Sinne selbst in das Boot zu steigen und sich der fremden Schicksale anzunehmen. In the works of Rebecca Raue the boat is an ever-recurring motif and points like almost no other symbol to the current political situation in and around Europe. Since 2014, at the latest, the motif especially brings to mind associations with the perilous exodus across the Mediterranean. Besides, Raue addresses the boat as a protective space, as a symbol of departure and wanderlust, as a toy. The symbolic contrast is emphasised through the individual components of the installation ankommen und ablegen (arriving and leaving), which are shaped as life-sized paper boats. In clear contrast to the naïve train of thought, the sails are made out of worn men’s shirts and bear witness to the fates of many refugees. Furthermore, the simple construction of the boats from MDF boards points to the unsophisticated selfmade models in which the dangerous journey across the Mediterranean is partly embarked on. Raue designed them in cooperation with the initiative Cucula – Refugees Company for Crafts and Design. The artist invites the observer to leave the own shelter and to, figuratively speaking, enter the boat and take care of the fates of others. „ Meine Räume sollen Menschen dazu anregen, sich mit ihren Innenräumen auseinander zu setzen. Ich fordere auf zu mehr Berührbarkeit. ... Dazu brauchen wir geschützte und doch öffent liche Räume. Wir müssen aufeinander aufpassen, einander zuhören, einander sehen. Menschen, die jetzt für diejenigen, die zu uns kommen, da sind, steigen mit in das Boot. ... REBECCA RAUE ankommen und ablegen, 2014 [ One part of the multipiece installation ] Boat on wheels, white varnished MDF boards, broomstick, man’s shirt 76 × 180 × 96 cm Produced in cooperation with CUCULA – Refugees Company for Crafts and Design Starting bid: 2.500 € Courtesy of the artist * 070 071 REBECCA RAUE # 22 ... Sie bieten sich an, um den Schmerz zu teilen, um ihn mitzu tragen. Sie lassen sich ein auf eine gemeinsame Reise, die uns alle verändern wird. Sich im Innen berühren zu lassen und gleichzeitig die Freude der Verbundenheit zu spüren, ist eine bewegende Erfahrung. In diesem Erleben liegt ein große Chance.” — Rebecca Raue Selected Performances 2003 2001 2001 2001 2000 Is Soul Visible, Shanghai Spring Art Salon, Shanghai Ankommen, Essen in Stille, Münster Weit weg gehen und ganz nah sein, Zionskirche, Berlin Stehen, Haus am Lützowplatz, Berlin Llegar, Santiago de Compostela Selected Solo Shows 2016 2016 2015 2015 2014 2014 2014 2013 2009 2004 Space Transforming Body, Ludwiggalerie, Schloss Oberhausen Heimat anders denken, Galerie Anja Knoes, Cologne Kein Land in dieser Zeit, Galerie Michael Schultz, Berlin Ankommen und ablegen, St. Matthäus-Kirche, Berlin Unterdenken! , Galerie Peithner-Lichtenfels, Vienna Beyond there is what lies within, BAU Art Gallery, Istanbul Listening in the absence of sound, Gallery Molly Krom, New York The body became space, Schultz Contemporary, Berlin Wo ist die Wahrheit, Kunshalle Vierseithof, Luckenwalde Zuhause ist für die meisten Menschen sehr weit weg, Konrad-Adenauer Stiftung, Berlin Selected Group Shows 2015 2015 2013 2011 2011 2011 2010 2008 2006 072 Zur Nachahmung empfohlen, Rauch Museum, Freudenberg Life or something like it, Gallery Molly Krom, New York Bospurus Break, BAP Gallery, Istanbul Visions of Paradise, Python Galerie, Zurich Color go lightly, Gallery Valentine, Bridge Hampton Kleine Welten – Große Kunst im kleinen Format, CAS Galerie, Salzburg ID, Kunstraum Kreuzberg / Bethanien, Berlin Fondazione Kriester, Vendone (Italy) Jetzt – Damals, Kunsthaus Potsdam, Potsdam REBECCA RAUE Die weite Wahrheit ist ganz, ganz anders, 2015 Acrylic paint, pastel, carbon, pencil and crayon on paper 30 × 40 cm (sheet) / 35 × 45 cm (framed) Starting bid: 900 € Courtesy of the artist * 073 MICHELLE JEZIERSKI # 23 Born 1981 in Berlin. Lives and works in Berlin. Studied at the Universität der Künste in Berlin and the Cooper Union in New York under Tony Cragg and Valérie Favre. „ Selten hat man in der jungen deutschen Kunst eine derartige Licht-Malerei gesehen. Jezierski gelingt es, die Wesensmerkmale des Psychoaktiven so filigran ineinander zu verweben, dass daraus ein zeitloser bildnerischer Klangteppich entsteht.“ – Christoph Tannert Michelle Jezierski gibt mit ihren Gemälden und Collagen den Blick auf fantastische und surreale Welten frei. Ihre Inspiration gewinnt die Künstlerin aus eigenen Aufnahmen: Jezierski führt stets eine Kamera mit sich und pflegt ein Fotoarchiv, aus dem sie beständig schöpfen kann. Ihr Fokus liegt dabei auf Landschaften und Strukturen – zwei Themen bereichen, die die Malerin anschließend in ihren Bildern zusammenführt. Sie überlagert klassische Landschaftssujets schrittweise mit weiteren Raumsphären. Der Blick fällt durch Zäune, strahlenförmige Lichterteppiche, die Reflexion von Neonröhren oder Glasfassaden auf Flussläufe, Wälder und Berge. Jezierski überführt die Kenntnisse, die sie während ihrer Ausbildung bei dem Bildhauer Tony Cragg über Körper und Raum gewonnen hat, ins Zweidimensionale und schafft imaginäre Raumgefüge. With her paintings and collages, Michelle Jezierski reveals fantastic and surreal worlds. The artist gathers her inspi ration from her own photographic recordings: Jezierskicarries a camera with her at all times and maintains a photo library, from which she can constantly draw. Her focus herein lies with landscapes and structures — two subjects which the artist subsequently reunites in her pictures. She graduallysuperimposes classic landscape motifs with further imaginary spheres. The view falls through fences, radiating light carpets, the reflection of neon tubes or glass facades on rivers, for ests and mountains. Jezierski transfersthe knowledge about body and space, which she gained during her studies under the sculptor Tony Cragg, into a two-dimensional medium and creates imaginary spatial structures. Grant 2005 NICA - Scholarship, Cooper Union, New York Selected Solo Shows 2015 2014 2014 2012 2009 2008 2006 Norwood, Circle 1, Berlin Midnight Windows, Feinberg Projects, Tel Aviv Scheinkraft, Galerie Hanfweihnacht, Frankfurt a. M. Interferences, Galerie Lorenz, Frankfurt a. M. Between Day and Night, Schleswig-Holstein-Haus, Schwerin Augenweiden, Vattenfall, Berlin Inside Out, Galerie Borchert + Schelenz, Berlin Selected Group Shows 2015 Kleine Formate, Galerie Detterer, Frankfurt a. M. 2015 Saloon, Galerie Sexauer, Berlin 2013 The Hiding Places Are (utterly) Empty, Gallery Molly Krom, New York 2013 Berlin Status 2, Künstlerhaus Bethanien, Berlin 2012 No . Town – Beyond the Wall, Elaine Jacobs Gallery / Wayne State University, Detroit 2012 I am a Berliner, Convento Carmelo, Sassari / Helena Rubenstein Pavillion, Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv / 1st Biennale of Painting, HDLU, Zagreb 2011 Zwischen Film und Kunst, Kunsthalle Emden, Emden 2011 Hotspot Berlin, Georg Kolbe Museum, Berlin 2010 Extrakt I, Vittorio Manalese (CFA Schaulager), Berlin 2010 Projekt für die Gegenwart, Haus am Lützowplatz, Berlin 074 MICHELLE JEZIERSKI Airglow, 2011 Oil on canvas 30 × 40 cm Starting bid: 1.100 € Courtesy of the artist 075 JÜRGEN MAYER H. # 24 Born 1965 in Stuttgart. Lives and works in Berlin. Studied at the Princeton University in New Jersey, the University of Stuttgart and The Cooper Union, Irwin S. Chanin School of Architecture, New York State. Founded the interdisciplinary practice J. MAYER H. in Berlin in 1996. Taught and lectured at the Universität der Künste in Berlin, the Harvard University in Boston, the Architechtural Association in London, the Columbia University in New York and the University of Toronto. Das 1996 gegründete, international renommierte Architektur büro J. MAYER H. und Partner agiert an den Schnittstellen von Architektur, neuer Technologie, Kommunikations design und Kunst. Im Fokus steht die Erforschung neuer Raumkonzepte, wobei digitale und analoge Strukturen selbstverständlich miteinander verwoben werden. Einen Schwerpunkt stellt die Beschäftigung und Sammlung von „Datensicherungsmustern“ durch Jürgen Mayer H. seit den 1990 er Jahren dar. Der computergenerierte Schutz ver traulicher Briefsendungen dient beispielsweise als Vorbild für Fassadenstrukturen. Auch die Collage von 2014 lehnt sich an diese Thematik an und weist mit ihrer organischen Formensprache auf eine weitere Charakteristik der Entwürfe von J. MAYER H. hin. Das interdisziplinäre Studio erlangte vor allem durch die Realisierung der Mega struktur metropol parasol im Zentrum von Sevilla breite Bekanntheit. Im April diesen Jahres eröffnete eine umfas sende Werkschau von J. Mayer H. im Haus am Waldsee. The internationally renowned architect’s office J. MAYER H. and Partner, which was founded in 1996, operates at the intersections of architecture, new technology, communication design and art. They focus on the development of new room concepts, whereby digital and analogue structures are natu rally interwoven. The occupation and collection of “data saving patterns” by Jürgen Mayer H. has been the main emphasis since the 1990 s. The computer generated protection of confidential mail for example, serves as a model for façade structures. The collage from 2014, too, follows this theme and points out another characteristic for the designs of J. MAYER H. : the organic forms. The interdisciplinary studio reached a degree of fame especially through the realisation of the mega structure metropol parasol in the centre of Seville. A comprehensive show of works by J. Mayer H. opened this year in April at the Haus am Waldsee in Berlin. Selected Grants 2014, 2015 Architizer A+ Award 2010 Audi Urban Future Award, Building a Vision for 2030 2009 Red Dot Design Award for Level Green – The Concept of Sustainability at Autostadt Wolfsburg 2005 Holcim Award Bronze, Europe 2003 Mies van der Rohe Prize, Emerging Architects, Special Mention Selected Solo Shows 2016 2016 2015 2013 2012 2011 2009 Strukturalien. Architektur als urbane Plastik, Haus am Waldsee, Berlin Red Dot Design Museum, Metropol Parasol, Zeche Zollverein, Essen Block.Buster. The work of J. Mayer H., Bangalore (India) Black.See, Galerie Eigen + Art, Berlin Wirrwarr, Art Institute of Chicago, Chicago Rapport. Experimentelle Raumstrukturen, Berlinische Galerie, Berlin Patterns of Speculation, San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco Selected Group Shows 2016 2015 2014 2013 2013 2013 2012 2010 2008 2008 2006 2004 076 Bitte berühren. Please touch, Museum für Gestaltung, Zurich Food Dal Cucchiaida al Mondo, Mensa Moltke, Maxxi, Rome Out of Hand: Materializing the Postdigital, Museum of Arts and Design, New York Cut’n’Paste, Museum of Modern Art, New York Kultur:Stadt, Kunsthaus Graz and Universalmuseum Joanneum, Graz / Akademie der Künste, Berlin 9 + 1 Ways of Being Political, Museum of Modern Art, New York 13 th Venice Biennale for Architecture – Common Ground, Venice 12 th Venice Biennale for Architecture, Scuola Grande de la Misericordia di Venezia, Venice Dreamland: Architectural Experiments since the 1970s, Museum of Modern Art, New York 10th Venice Biennale for Architecture – Pre.Text / Vor . Wand, Italian Pavilion, Venice On Site: Contemporary Architecture in Spain, Museum of Modern Art, New York 9 th Venice Biennale for Architecture, German and Polish Pavilion, Venice JÜRGEN MAYER H. O. T., 2014 Three-dimensional collage, relief, silkscreen print, paper, needles 30,5 × 37 × 5 cm (framed) Signed and dated recto lower right Starting bid: 2.100 € Courtesy of the artist 077 DIETER DETZNER # 25 Born 1970 in Aalen. Lives and works in Berlin. Studied at the Hochschule der Künste in Berlin. Beide Arbeiten von Dieter Detzner entstanden 2014, als der Künstler zum Eigentümer eines umfassenden, kunst historischen Fundus wurde. Die Schweitzer Druckerei Mathieu in Zürich vermachte ihm 800 Lithosteine, die unter anderem von Joseph Beuys, Jean Tinguely und Marc Chagall bearbeitet wurden. Detzner lässt die stillgelegten Drucksteine erneut sprechen, fertigt mit ihnen Drucke an und wählt damit eine Form der Appropriation oder An näherung, die direkter kaum sein könnte. Die zwei Personen, die vermutlich von Chagalls Hand gezeichnet wurden, musizieren wieder – die Musik erklingt jedoch etwas zeitgenössischer: Mit Neonfarben und einer Portion Pop über führt Detzner das gef undene Motiv in die Gegenwart. Ähnlich behandelt der Künstler auch einen Druckstein aus der gleichen Sammlung, den er in einen neon-orange schimmernden Rahmen aus Plexiglas fasst. Was auf dem Stein bereits an Sigmar Polke und damit an die deutsche Pop-Art erinnert, wird von Detzner noch deutlicher in diesem Kontext verortet. Beide Arbeiten zeugen von einem ungewöhnlichen Umgang mit traditioneller Drucktechnik, der auch für andere Installationen und Objekte des Künstlers charakteristisch ist. Both works of Dieter Detzner emerged in 2014 when the artist became the owner of a comprehensive art historical trove. Mathieu, the Swiss printing company in Zurich left him 800 lithostones that, among others, have been worked on by Joseph Beuys, Jean Tinguely and Marc Chagall. Detzner allows the decommissioned printing stones to speak again, he uses them to print and thereby selects a form of appropriation or approach that could hardly be more direct. The two figures which were probably drawn by Chagall’s hand, play music again — yet it sounds a bit more contemporary: with neon colours and a portion of Pop, Detzner transfers the found motif into the present. Similarly, the artist also deals with a litho graphic stone from the same collection, which he mounts into a neon orange shimmering plexiglass frame. He anchores the work in the context of pop art, whilst it already reminds of Sigmar Polke and thus the German version pop art itself. Both works bear witness to an unusual use of traditional prin ting technique, which is also a characteristic for other installations and objects of the artist. „Wo andere versucht wären, beim Nachdruck so dicht wie möglich an den Originaldruckfarben zu bleiben, macht Detzner das, was im Regelfall den Fälscher auffliegen lässt, ganz bewusst: Er benutzt verräterische Farben. ... Dieter Detzner DD 14 07, 2014 Printing stone, acrylic glass, MDF 52,5 × 51,5 × 11,5 cm Starting bid: 2.000 € Courtesy of the artist 078 079 DIETER DETZNER # 26 ... Der mutmaßliche Chagall wird mit heftig selbstleuchtenden Neonfarben in die Gegenwart gerissen. So wird aus dem er habenen, landart-haften Anblick der [gestapelten] Lithosteine ein Destillat, das weniger mit postumer Auratisierung oder Appropriation Art zu tun hat als mit echtem Pop.“ — Niklas Maak Selected Solo Shows 2015 2014 2011 2010 2009 2000 1995 1995 Absence, Today Art Museum, Beijing Translatio, Galerie Gourvennec Ogor, Marseille Sassa Trülzsch, Berlin Art Basel – Art Statements (with Sassa Trülzsch), Berlin Looking-glass house, Sassa Trülzsch, Berlin Giti Nourbaksch, Berlin Mirko Mayer, Cologne NEU, Berlin Selected Group Shows 2015 Eccentric abstraction, Feldbusch Wiesner, Berlin 2015 Naissance, Today Art Museum, Beijing 2012 Luxe, Galeries Lafayette, Marseille 2012 Des Architectures, Galerie Gourvennec Ogor, Marseille 2011 Mix the path, Heidigalerie Nantes, Nantes 2009 Access All Areas, Max Hetzler, Berlin 2009 I thought you were supposed to be in Paris, Galerie Lucile Corty, Paris 2009 Zeigen. Eine Audiotour von Karin Sander, Temporäre Kunsthalle, Berlin 2008 Open Space, Art Athina, Athens 2007 Neuer Konstruktivismus, Bielefelder Kunstverein, Bielefeld 2001 Circles 5, ZKM – Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe 080 Dieter Detzner Untitled, 2014 Lithography on laid paper 100 × 72 cm (sheet) / 106 × 78 cm (framed) Edition 6 / 10 + 2 AP Signed and dated recto lower right Starting bid: 650 € Courtesy of the artist 081 CHRISTIAN JANKOWSKI # 27 Born 1968 in Göttingen. Lives and works in Berlin. Studied at the Hochschule für bildende Künste in Hamburg. Is currently appointed chief curator of Manifesta 11 in Zurich. Die Arbeiten von Christian Jankowski stellen immer wieder die Frage nach dem gesellschaftlichen Einfluss von Kunst. Dabei ist der Künstler für seinen humorvollen Umgang mit grundlegenden Fragen seines Metiers und seinen ständigen Dialog mit den Absurditäten des Alltags bekannt. Neben Jankowski werden auch ausgewählte Spezialisten wie beispielsweise Wahrsager und Priester zu Protagonisten seiner Werke. In And your bird can sing involvierte der Künstler Fabrikarbeiter und widmete sich den Produktionsbedin gungen von Waren und Kunst im Zeitalter der Globalisierung. Mit Ironie thematisierte er die Praxis der auslagerten Kunstproduktion, die Frage nach der Autorschaft und die Bedeutung des Labels „Made in China “. Nachdem Jankowski entdeckt hatte, dass in einer chinesischen Fabrik CD - Player in Form von E-Gitarren hergestellt werden, rief er eben dort einen Gitarrenwettbewerb aus. Die einzelnen musika lischen Darbietungen wurden aufgenommen und werden nun von 34 bunten, in der Fabrik produzierten CD - Playern abgespielt. Das Ergebnis ist Kunst „ Made in China “. Wie in vielen von Jankowskis Arbeiten, tritt auch hier die Ver bindung von Kunst und Leben ein, die einst von den Avant gardisten gefordert wurde. The works of Christian Jankowski repeatedly challenge the social impact of art. The artist is known for his humorous approach to the fundamental questions of his profession and his constant dialogue with the absurdities of everyday life. Alongside Jankowski, selected specialists such as fortune tellers and priests also become protagonists of his projects. In And your bird can sing the artist involved factory workers and committed himself to the production conditions of goods and art in the era of globalisation. With irony, he addressed the practice of outsourced art production, the question of authorship and the meaning of the label, “Made in China .” After Jankowski discovered that CD players were made in the shape of electric guitars in a Chinese factory, he organised a guitar competition there and then. The individual musical performances were recorded and are now played by 34 colourful CD players, which were produced in the factory. The result is art, “Made in China.” As in many of Jankowski’s works, also in this case a connection between art and life occurs, which was once demanded of the avantgardists. „Christian Jankowski ist der James Bond der Konzeptkunst. Mit seinen smarten und verwegenen Projekten fordert er die Kunstwelt immer wieder heraus. Ob er nun wie 2013 in seiner Videoarbeit ’Casting Jesus’ nach dem perfekten Jesus-Darsteller sucht ... Christian Jankowski And your bird can sing, 2008 [Part 1 of 3] Guitar shaped CD player, unique guitar sound on CD, ca. 2 min. 38 × 5,5 × 103 cm Edition 34 / 34 + 1 AP Published by Helga Maria Klosterfelde Edition, Hamburg Starting bid: 2.500 € Courtesy of the artist and H. M. Klosterfelde Edition 082 083 CHRISTIAN JANKOWSKI # 27 ... oder 2012 in seiner Performance ’The Eye of Dubai’ das Tourismusparadies auf der arabischen Halbinsel fünf Tage lang mit verbundenen Augen erkundet – immer findet Jankowski neue Strategien, mit denen er die Konventionen der Kunst- und Entertainmentindustrie ad absurdum führt.“ – Oliver Koerner von Gustorf Grants 2015 2013 2010 Finkenwerder Art Prize Heitland Foundation Award Villa Massimo Stipend, Rome Selected Solo Shows 2017 2016 2015 2013 2012 2009 2008 2007 2004 2003 And your bird can sing, 2008 [Part 2 of 3] C-print Ca. 15 × 20 cm (framed) Santa Monica Museum of Art, Santa Monica Retrospektive, Contemporary Fine Arts, Berlin Heavy Weight History, K21 – Stiftung Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Dusseldorf The Eye of Dubai, Trafo, Szczecin Casting Jesus, MACRO, Rome Blinddate with 1516 Singles, Temporäre Kunsthalle, Berlin Dienstbesprechung, Kunstmuseum Stuttgart, Stuttgart Project Room / Miami Art Museum, Miami Kunstmuseum, Kunstverein Göttingen, Göttingen Museum für Gegenwartskunst, Basel Selected Group Shows 2016 Autogestion, Joan Miro Foundation, Barcelona 2015 TELE - GEN. Die Sprache des Fernsehens im Spiegel der Kunst 1964 – 2015, Kunstmuseum Bonn, Bonn 2015 Occupational Therapy, Contemporary Art Museum, St. Louis (Missouri) 2013 Let’s get Physical / Digital, Schirn Kunsthalle, Frankfurt a. M. 2010 17 th Biennale of Sydney, Sydney 2009 The Studio Sessions, San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco 2009 Eat Art, Kunsthalle Düsseldorf, Dusseldorf 2009 The Making of Art, Die Kunstwelt und ihre Agenten, Schirn Kunsthalle, Frankfurt a.M. 2009 Extended, ZKM – Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe 2009 Sounds and Visions, Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv 2008 Realisms, Hirshhorn Museum & Sculpture Garden, Washington D.C. 2007 KunstFilmBiennale, Istanbul Modern Museum, Istanbul 2006 Full House: Views of the Whitney at 75, The Whitney Museum of American Art, New York 2005 Fair Use, Hammer Museum / UCLA, Los Angeles 2005 Greater New York, MoMA P.S.1, New York 2004 State of Play, Serpentine Gallery, London 1999 48 th Venice Biennale – Dapertutto, Venice 084 And your bird can sing, 2008 [Part 3 of 3] Invitation, photocopy Ca. 20 × 15 cm (framed) 085 Martin Assig # 28 Born 1959 in Schwelm. Lives and works in Berlin and Brädikow. Studied at the Hochschule der Künste in Berlin. Master student of Hans -Jürgen Diehl. Taught as visiting professor at the Hochschule der Künste in Berlin. Der Maler Martin Assig bezieht sich nicht nur in seinen Kompositionen, sondern auch mit seiner Technik auf die frühe Malereigeschichte: Mit Enkaustik oder Wachsmalerei wurden bereits ägyptische Mumienporträts oder byzantinische Ikonen geschaffen. Bis heute erweist sich die Methode als wirksam, um Gemälde und Farben zu konservieren, ohne deren Leuchtkraft einzubüßen. In Assigs Bildern spielen auch die Ornamentik und das Kürzel des Künstlers auf diese Epochen und das Mittelalter an. In der Serie St. Paul, die von 2010 bis 2015 im Fokus des Künstlers stand, vermengen sich diese Elemente mit Anleihen an die naive Malerei eines Paul Klee oder die Gestaltung und Struktur von Kirchenfenstern. So erinnert die Arbeit mit der Aufschrift „Rette mich!“ an die farbigen Glasfenster von Kathedralen wie beispielsweise St.-Pauls in London. Darüber hinaus werden Assoziationen an den Ozean hervorgerufen und damit ein unmissverständlicher Kommentar zur aktu ellen Situation rund um das Mittelmeer formuliert, der mit den christlichen Geboten unterfüttert wird. The painter Martin Assig refers to the early history of painting not only through his compositions, but also through his technique: Encaustic — a wax painting technique, that was already used for the portraits of Egyptian mummies or Byzantine icons. To the present day, this method has proved effective in preserving paintings and colours, without them losing their brightness. In Assig’s pictures, ornamentation and the symbol of the artist also allude to these epochs and the middle ages. In the series St. Paul, which was the focus of the artist from 2010 to 2015, these elements mix with references to the naive painting of Paul Klee or the design and structure of church windows. In this context, the work inscribed “ Rette mich! ” ( “ S ave me! ”) , for example, reminds one of the colourful glass windows of cathedrals, such as St Paul’s in London. Furthermore, associations with the ocean are roused and thus an unmistakable comment about the present situation around the Mediterranean is formulated, which is interfaced with Christian commandments. Selected Grants 1992 Scholarship, Günther-Peill-Stiftung 1993 Käthe-Kollwitz-Prize 1986 Zweibrücken Art Prize for Painting Selected Solo Shows 2015 2010 2009 2008 2007 2006 2005 2002 2001 2001 2000 1994 Glückhaben, Haus am Waldsee, Berlin Beute und Berge, Galerie Volker Diehl, Berlin La Presa / Die Beute – Obras 1995 – 2008, CAB, Burgos Westwerk Havelhaus, Galerie Volker Diehl, Berlin Inselwasser, Galerie Tanit, Munich Neue Bilder, Jablonka Galerie, Cologne Michael Kohn Gallery, Los Angeles Erzählung am Boden, Neues Museum Weserburg, Bremen Artemis Fine Arts, New York Envoltura, Museo National Centro de Arte Reina Sofia, Madrid Hamburger Kunsthalle, Hamburg Akademie der Künste, Berlin Selected Group Shows 2015 Satellit Berlin, Berlin 2 2014 Refaire , Centre Culturel Les Chiroux, Liège 2013 Böse Blumen, Galerie Volker Diehl, Berlin 2008 Galerie Frisch, Berlin 2005 (My private) Heroes, Marta Herford, Herford 2004 Connections, Gezira Art Center, Cairo 2002 Rituale, Akademie der Künste, Berlin 1997 Augenzeugen. Die Sammlung Hanck, Kunstmuseum Düsseldorf, Dusseldorf 1993 Denk’ ich an Deutschland, Staatliche Kunstsammlungen, Dresden 1990 Kunstszene Berlin (West) 1986 – 89, Berlinische Galerie, Berlin 1990 GegenwartEwigkeit, Martin-Gropius-Bau, Berlin 086 Martin Assig St. Paul #449 („Rette mich!“) , 2013 Tempera and wax on paper 62 × 48 cm (framed) Starting bid: 3.800 € Courtesy of the artist and Galerie Diehl, Berlin 087 SUSANNE ROTTENBACHER # 29 Born 1969 in Göttingen. Lives and works in Berlin. Studied at the Barnard College, Columbia University in New York, the Bartlett School of Architecture and Planning in London. Worked as stage designer a.o. at the Deutsche Oper in Berlin. Die Lichtkünstlerin Susanne Rottenbacher hat unter anderem Arbeiten für die Regierungsneubauten des Bundeskanzleramts geschaffen. Ihre Lichtobjekte wirken minimalistisch, beinhalten aber hochkomplexe Technik. Die Künstlerin fasst farbige Neonleuchten in Plexiglasschienen oder -schläuchen ein und lässt ihre Installationen auf die Umgebung reagieren: Sie winden sich durch Gebäudeöffnungen, werden zu dreidimensionalen Zeichnungen und verändern schließlich je nach Tageszeit, Lichteinfall und Umgebung ihr Erscheinungsbild. Rottenbacher thematisiert ebenso wie die Minimalisten die wechselseitige Beziehung zwischen Raum, Arbeit und Betrachter. Ihre Installationen können durch das transluzente Plexiglas und das Licht unmittelbar erfahren und durchschritten werden. Der Besucher kommt unweigerlich mit ihrer Kunst in Berührung. The light artist Susanne Rottenbacher created, amongst others, works for the new government buildings of the Chancellory. Her light objects appear minimalistic, but encompass highly complex technics. The artist encloses colourful neon lights into plexiglass tracks or tubes and allows her installations to react with the surroundings: They wind through openings in buildings, become three-dimensional drawings and change their appearance, depending on time of day, angle of light and setting. Just like the Minimalists, Rottenbacher thematises the alternating relationship between space, work and observer. Her installations can be traversed and experienced directly through the translucent plexiglass and the light. Inevitably the visitor comes into direct contact with her artwork. Grants 2013 2005 2004 1992 1991 1st Prize, Art in Architecture, C.O.R. , Dusseldorf IIDA Award of Merit, IESNA GE Edison Award of Excellence Henry Bartlett Travel Grant, Bartlett School of Architecture and Planning, London Josephine Paddock Grant, Columbia University, New York Selected Solo Shows 2014 2013 2012 2012 2011 2010 Gallery Teapot, Cologne Volta, New York 3 Kontrapunkte für 20 Ringe, Kunsthaus Grosse Bleichen, Hamburg Freiheit, Christuskirche, Cologne MAX, Max-Planck-Institute, Berlin My rising spectrum, Max-Planck-Institute, Berlin Selected Group Shows 2016 DeLight, Galerie FeldbuschWiesner, Berlin 2014 Art Dubai, Salsali Private Museum, Dubai 2014 Scheinwerfer. Lichtkunst in Deutschland im 21. Jahrhundert, Kunstmuseum Celle, Celle 2013 TINA B. , The Prague Contemporary Art Festival – GASK Gallery, Prague 2013 Spectrum, the power of colors, Anacapri 2013 Shine a Light, Kurfürstendamm, Berlin 2010 Dialog IV: Beijing – Jena, Volksbad Jena, Jena 2008 Destructionconstruction, Gallery Teapot, Cologne 2008 Berlin im Licht, Märkisches Museum, Berlin 2006 8 th Art International Zürich, Zurich 088 SUSANNE ROTTENBACHER Farbring 450p, 2013 Semiring, acrylic glass, acrylic paint, coloured foil, LED lights Ca. 40 × 85 × 15 cm (Ø = 85 cm) Starting bid: 4.000 € Courtesy of the artist * 089 BettinA pousttCHi # 30 Born 1971 in Mainz. Lives and works in Berlin. Studied at the Université de Paris VIII, the University of Cologne and Bochum, and the Kunstakademie Düsseldorf under a.o. Rosemarie Trockel and Gerhard Merz. Participated in the Whitney Independent Studio Program at the Whitney Museum of American Art, New York in 1999 / 2000. Bettina Pousttchi arbeitet vor allem mit den Medien Fotografie und Video. Fotografische Aufnahmen bilden auch die Grundlage für ihre teilweise gewaltigen Fassadeninstallationen, die das Erscheinungsbild der Ausstellungsorte erheblich verändern und auf deren Umfeld und die Stadtgeschichte Bezug nehmen. Häufig orientiert sich die Künstlerin an den Fassadenstrukturen umliegender Gebäude oder lässt, wie im Falle von The City, die städteplanerischen Grundlagen sichtbar werden: Vor dem Schloss Wolfsburg installierte die Künstlerin 2014 eine immense, auf Banner gedruckte Skyline von Hochhäusern, die zehn ikonische Gebäude der Moderne zusammenführt. Das kleine Manhatten im Schlosspark rief aber nicht nur die Geschichte Wolfsburgs als Planstadt des frühen 20. Jahrhunderts in Erinnerung, sondern verstand sich auch sinnbildlich für die fortschrittliche Haltung der Stadt. Zentral findet sich, wie in beinahe allen Arbeiten der Künstlerin eine Uhr, die auf die grundlegenden Fragen anspielt, die Pousttchi mittels Fotografie erprobt: Was kann durch Bilder festgehalten werden? Wie schnell vergeht das Aufgenommene? Wie wird Geschichte generiert? Bettina Pousttchi works mainly with the media of photography and video. Photographic works also form the basis for her, in parts, colossal façade installations, which drastically change the appearance of the exhibition places and refer to its surroundings and the town history. often the artist orients herself on the façade structures of the surrounding buildings or, like in The City she reveals the basis of town planning: In front of the Wolfsburg Castle the artist installed in 2014 an immense skyline of skyscrapers which was printed on banners and brings together ten iconic buildings of the modern age. The little Manhatten in the castle grounds, however did not just recall the history of Wolfsburg as a planned city of the 20th century, but also saw itself as a symbol for the progressive attitude of the city. Centrally located, like in nearly all of Pousttchi’s works, is a clock which alludes to the fundamental questions which the artist puts to the test through the medium photography: What can be captured through pictures? How quickly does the received situation disappear? How is history generated? SELEcTED GRANTS 2016 2014 2008 2000 Villa Aurora Stipend, Pacific Palisades Wolfsburg Art Prize, Wolfsburg TRAIN – Research Center for Transnational Art, Identity and Nation, University of the Arts, London Kunststiftung Nordrhein-Westfalen SELEcTED SOLO SHOwS 2016 2016 2014 2014 2012 2011 2009 Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D. C. Phillips Collection, Washington D. C. Nasher Sculpture Center, Dallas Städtische Galerie Wolfsburg, Wolfsburg Schirn Kunsthalle, Frankfurt a. M. Kunsthalle Basel, Basel Temporäre Kunsthalle, Berlin SELEcTED GROUp SHOwS 2016 2016 2016 2015 2014 2013 2012 2009 2008 2006 2004 2003 090 Statements 3: New Sculpture from Germany, Hong Kong Arts Centre / Goethe Institute, Hong Kong Passion, Fan Behaviour and Art, Ludwig Museum of Contemporary Art, Budapest Echtzeit – Die Kunst der Langsamkeit, Kunstmuseum Bonn, Bonn Zehn Räume, drei Loggien und ein Saal, Sprengel Museum, Hanover Macht. Wahn. Vision. Von Türmen und Menschen in der Kunst, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen Trade Routes, Hauser & Wirth Gallery, London Biennale of Light – Sunlight on cold water, Kunsthalle Detroit, Detroit 53 th Venice Biennale – Glasstress, Palazzo Cavalli Franchetti, Venice Zeitblick, Martin-Gropius-Bau, Berlin Die Jugend von heute, Schirn Kunsthalle, Frankfurt a. M. Utopia Station, Haus der Kunst, Munich 51th Venice Biennale – Absolut Generations, Palazzo Zenobio, Venice BETTINA pOUSTTcHI Study for The City, 2014 Archival inkjet print on paper 67,5 × 50 cm (framed) Edition 11 / 12 + 2 AP Starting bid: 800 € Courtesy of the artist and Buchmann Galerie, Berlin 091 PHILIPPE VANDENBERG # 31 Born 1952 in Ghent. Died in 2009 in Brussels. Studied at the Royal Academy of Fine Arts in Ghent. His heritage is administered by the Philippe Vandenberg Estate and the gallery Hauser & Wirth, Zurich. Es war vor allem Philippe Vandenberg, der die Malerei im Flandern der 1980 er Jahre wieder als Kunstpraxis neben der Konzeptkunst etablierte. Der belgische Maler beschäftigte sich Zeit seines Lebens intensiv damit, die Möglichkeiten der Leinwand auszuloten. Immer wieder verfolgte er neue Ansätze: In seiner Ausbildungszeit waren ein New YorkBesuch und der Abstrakte Expressionismus ebenso prägend wie die Beschäftigung mit Rembrandt, Velázquez, El Greco und Goya. Später verbannte Vandenberg das Figürliche aus seinen Bildern und wandte sich nach 1989 auch politischen Inhalten zu. In den 1990 er Jahren erweiterte der Künstler sein Schaffen um tagebuchähnliche Zeichenbücher. Text und Bild waren in Vandenbergs Schaffen seitdem stetig enger miteinander verbunden, wovon auch die Zeichnung aus dem Buch no more life no more zeugt: Der Buchtitel zieht sich in ewiger Fortsetzung in einem Schriftband über die untere Hälfte des Blattes. Die geometrische Komposition wird inhaltlich aufgeladen und nimmt die schweren und düsteren Bilder vorweg, die Vandenberg später mit „Kill them all“ überschreiben wird. Auch sie sind Ausdruck der Zerrissen heit, des Zweifels an der Kunst, an der Welt und an sich selbst, dem der Künstler schließlich erlegen ist. It was primarily Philippe Vandenberg, who re-established painting as an art practice alongside conceptual art in Flanders during the 1980 s. The Belgian painter was engaged in ex ploring the possibilities of the canvas his whole life. Again and again he pursued new approaches: In his formative years, a visit to New York and Abstract Expressionism were just as influential as the study of Rembrandt, Velázquez, El Greco and Goya. LaterVandenberg banished the figurative from his pictures and turned, among others, to political con tent after 1989. In the 1990 s, the artist expanded his work to diary-like sketch books. Text and image have since become steadily and increasingly interlinked within Vandenberg’s oeuvre, which is also demonstrated by the drawing from the book no more life no more: The book’s title runs in eternal continuation as a ribbon over the lower half of the sheet. The geometrical composition is emotionally and contentwise charged and anticipates the severe and gloomy images, which Vandenberg will later overwrite with “ Kill them all.” Just like the work from 2004, they are an expression of inner conflict, of doubts regarding the arts, the world and himself, to which the artist finally succumbed. Selected Solo Shows 2016 Abstract Works, Gallery Baton, Seoul 2014 Hauser & Wirth Zürich, Zurich 2012 Philippe Vandenberg & Berlinde De Bruyckere. Innocence is precisely: never to avoid the worst, 2009 2009 2008 2006 Pont Museum of Contemporary Art, Tilburg (Netherlands) Hommage aan Philippe Vandenberg, Museum of Fine Arts, Ghent / Museum of Modern Art, Ostend (Belgium) The cursed image, Envoy Gallery, New York Le Point Zero, Angel Orensanz Foundation, New York L’important c’est le Kamikaze. Oeuvre 2000 – 2006, Musée Rimbaud, Charleville-Mézières (France) Selected Group Shows 2016 2015 2015 2014 2012 2012 2011 2010 2008 092 Connected, Centrale for Contemporary Art, Brussels The Importance of Being ... , Museo de Arte Contemporáneo, Buenos Aires / Museo Nacional de Bellas Artes, Havana (Cuba) Sammlung Falckenberg, Deichtorhallen, Hamburg Le mur – La collection Antoine de Galbert, La Maison Rouge, Paris Der unbewachte Augenblick, Museum für Zeitgenössische Kunst, Eupen (Belgium) Where do we migrate to, Sheila C. Johnson Design Center at Parsons, New York / Contemporary Art Center, New Orleans Chemin Faisant, Centre de la Gravure et de l’Image imprimée, La Louvrière (Belgium) Cobra & Co, National Museum of Fine Art, Riga / Art Hall, Tallinn Picture Parlor, ISCP, New York PHILIPPE VANDENBERG Untitled, 2004 Watercolour and graphite on paper 46 × x 37 cm (sheet) / ca. 51 × 42 cm (framed) Not signed; authorized by a certificate from the Estate Philippe Vandenberg Starting bid: 4.200 € Courtesy Estate Philippe Vandenberg and Hauser & Wirth 093 Phyllida Barlow # 32 Born 1944 in Newcastle upon Tyne. Lives and works in London. Studied at the Chelsea College of Art and the Slade School of Fine Art in London. Held a professorship at the Slade School of Fine Art in London until 2009. Became a Royal Academician Elect in 2011. “ ... The joy of spending time with Barlow is in her playfulness, her obvious love of making.” – Kira Cochrane In ihren meist raumgreifenden Installationen verbindet Phyllida Barlow bildhauerische und malerische Praxis. Die britische Künstlerin schafft anti-monumentale und organisch gewachsene Gefüge aus Alltagsfundstücken und billigen Materialien wie Straßenschildern, Kabeln, Beton, Spanholz und Plastik, die sie in stetig größeren Dimensionen aus führt. Die einzelnen Elemente werden von der Künstlerin durch den groben Auftrag von Farbe oder Zement ver bunden. In ihrer Gesamtheit wirken die Installationen zuweilen bedrängend. Barlows Arbeiten hinterfragen unter anderem durch ihre Dominanz im Raum die aktuelle Rolle der Skulptur. Die Künstlerin erhielt mehrere Preise für ihren Beitrag zur Gegenwartskunst. Zu ihren Schülern zählen international renommierte Künstler wie Tacita Dean, Rachel Whiteread und Douglas Gordon. 2017 wird Phyllida Barlow den britischen Pavillon auf der Biennale in Venedig bespielen. In her mainly expansive installations, Phyllida Barlow com bines sculptural and painterly practice. The British artist creates anti-monumental and organically grown structures of objects found in everyday life and of cheap materials such as street signs, cables, concrete, chipboard and plastic, which she produces in ever larger dimensions. The in dividual elements are connected by the artist through the coarse application of paint or cement. In their entirety, the installations seem oppressive at times. By their dominance in the exhibition space, Barlow’s works question, among others, the current role of sculpture. The artist received several awards for her contribution to contemporary art. Her students include internationally renowned artists such as Tacita Dean, Rachel Whiteread and Douglas Gordon. Phyllida Barlow will be presenting her work in the British Pavilion at the 2017 Venice Biennale. Awards 2014 2012 2012 2007 2006 Townsend Lecture, Slade School of Fine Art, London Aachen Art Prize, Aachen Award for the Most Significant Contribution to the Development of Contemporary Art, Arsenale Award to an Individual Artist, Arts Council England The Dupree Family Award to a Woman Artist, Royal Academy of Arts, London Selected Solo Shows 2017 2016 2015 2014 2014 2013 2012 2012 57th Venice Biennale – British Pavilion, Venice Kunsthalle Zürich, Zurich Tryst, Nasher Sculpture Center, Dallas Duveen Commission: Phyllida Barlow, Dock – Tate Britain, London Fifty Years of Drawings, Hauser & Wirth, London Contemporary Art Society, London Siege, New Museum, New York BRINK, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen Selected Group Shows 2016 Revolution in the Making: Abstract Sculpture by Women. 1947 – 2016, Hauser Wirth & Schimmel, Los Angeles 2016 Not All That Fall Have Wings, Arter, Istanbul 2016 To the son of man who ate the scroll, Fondazione Prada, Milan 2016 The 248 th Royal Academy of Arts Summer Exhibition, The Royal Academy of Arts, London 2015 Making It: Sculpture in Britain 1977 – 1986, Mead Gallery / Warwick Arts Centre, Coventry 2013 Carnegie International, Carnegie Museum of Art, Pittsburgh 2013 55 th Venice Biennale – The Encyclopedic Palace, Venice 2012 Collection on Display: Phyllida Barlow. Jimmie Durham. Daniel Knorr. Mark Leckey, Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich 2011 Sculptural Acts, Haus der Kunst, Munich 2011 Before the Law, Museum Ludwig, Cologne 2010 Old Ideas, Kunstmuseum Basel, Basel 094 Phyllida Barlow untitled: badlump, 2013 Acrylic paint and watercolour on paper 69 × 88 cm (framed) Starting bid: 9.200 € Private collection 095 FRIEDEMANN GRIESHABER # 33 Born 1968 in Ravensburg. Lives and works in Berlin and Bavaria. Schooled as stonemason. Studied at the Hochschule der Künste in Berlin and the Staatliche Akadamie der Bildenden Künste in Stuttgart under a.o. Lothar Fischer. Master student of Rebecca Horn. Taught at the Kunsthochschule Berlin-Weißensee, Berlin and the Burg Giebichenstein Kunst-hochschule in Halle. Friedemann Grieshaber stellt seine Plastiken vorwiegend im traditionellen Gussverfahren her. Meist bestehen sie jedoch aus einem weniger herkömmlichen Material, nämlich dem Baustoff der Moderne: Beton. Der Bildhauer kombiniert Eindrücke von heutigen Stadtlandschaften mit kultischen Figuren archaischer Kulturen und bezeichnet seine Werke treffend als „ Archifiguren“. Auf das Minimum ihrer formalen Merkmale reduziert, wirken sie wie Prototypen für Häuser und Kultobjekte. Hinter der schlichten Erscheinung ver birgt sich dabei ein intensives Studium, das Grieshaber unter anderem zu archäologischen Stätten reisen ließ. Die Figur mit Schoß führt schließlich vor Augen, wie der Künstler Ikonen der westlichen Kultur verschmilzt und den kühlen Beton-Architekturen des 20. Jahrhunderts Leben einhaucht: Die betende Jungfrau Maria scheint sich in den kristallinen Formen eines Hochhauses abzuzeichnen. Friedemann Grieshaber produces his sculptures using predominantly traditional casting practices. However, they mainly consist of a less conventional material, namely the construction material of the modern age — concrete. The sculptor combines impressions of modern cityscapes with ritualistic figures of archaic cultures and refers to his works aptly as “archi-figures.” Reduced to a minimum of their formal characteristics, they act as prototypes for houses and cult objects. Behind the simple appearance, hides a nether theless intensive study that, for example, animated Grieshaber to travel to archaeological sites. The Figur mit Schoß (Figure with Lab) finally reveals how the artist fuses icons of Western culture, and breathes life into the cool pieces of concrete architecture of the 20 th century: It seems, that the praying Virgin Mary appears in the crystalline forms of a skyscraper. Selected Grants 2005 2004 2000 1999 Villa Serpentara Stipend, Akademie der Künste / Olevano Romano 1. Prize for Art in Architecture, Auerbach 1. Prize for Sculpture, Darmstädter Sezession Stipend of the Else - Heiliger - Fonds, Konrad-Adenauer-Stiftung Selected Solo Shows 2015 2015 2014 2012 2012 2011 2009 2008 2005 Galerie Schmalfuss Berlin – Contemporary Fine Arts, Berlin Galerie Klaus Lea, Munich Lichtverläufe, Galerie Artae, Leipzig Balance der Kräfte, Richard-Haizmann-Museum, Niebüll F. G. , Kunsthalle Wil, Wil (Switzerland) Figur-Form-Auflösung, Museum Lothar Fischer, Neumarkt Bildgüsse und Zeichnungen, Kunstverein Reutlingen, Reutlingen F. G. , Marburger Kunstverein, Marburg Skulptur, Relief, Zeichnung, Museum für junge Kunst, Frankfurt / Oder Selected Group Shows 2014 Rapunzel und Co. Von Türmen und Menschen in der Kunst, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen 2013 Macht / Wahn / Vision – Der Turm und urbane Giganten in der Skulptur, Städtische Museen Heilbronn, Heilbronn 2012 Unterwegs. 19. Leipziger Jahresausstellung, Westwerk, Leipzig 2011 Singen Kunst, Kunstverein Singen im Städtischen Kunstmuseum, Singen 2010 EHF 2010, Konrad–Adenauer–Stiftung, Berlin 2009 Tangenten, Meisterhaus Kandinsky / Klee, Bauhaus Dessau, Dessau 2009 Kritische Masse, Institut Mathildenhöhe, Darmstadt 2009 Der Rest ist Schweigen: Torsi und Fragmente, Kunsthalle Darmstadt, Darmstadt 2004 Skulpturen in Eisen, Märkisches Museum, Berlin 2003 3 rd Internationale der Zeichnung, Institut Mathildenhöhe, Darmstadt 2002 Große Kunstausstellung München, Haus der Kunst, Munich Selected Collections Museum Lothar Fischer, Nuremberg / Deutscher Bundestag, Berlin / Sammlung Heidelberger Cement, Heidelberg / Ulmer Museum, Ulm / Land Baden -Württemberg / Städtische Sammlungen Schweinfurt, Schweinfurt / Stiftung Haus Kränholm, Bremen / Bundesministerium für Bildung und Forschung, Berlin / Berlinische Galerie, Berlin / Museum der Bildenden Künste, Leipzig 096 Friedemann Grieshaber Figur mit Schoß, 2008 Concrete 67 × 22 × 12 cm Edition 3 / 5 Starting bid: 1.800 € Courtesy of the artist 097 THOMAS FLORSCHUETZ # 34 Born 1957 in Zwickau. Lives and works in Berlin. Since 2007 member of the Akademie der Künste, Berlin. Seit einem Jahrzehnt richtet Thomas Florschuetz den Fokus seiner künstlerischen Auseinandersetzung auf Architektur. Weltweit hat er ikonische Gebäude aufgesucht, sie abgeschritten und mit der Kamera nachempfunden. Das Einfühlen in die Architektur mündete dabei oft in einer Zusammenarbeit mit dem Lyriker Durs Grünbein. So erschien 2006 das Buch Museumsinsel, in dem beide Künstler über Berlins problem behaftete Mitte dialogisieren. Darin enthalten ist die Foto serie Enclosure (Palast), mit denen Florschuetz den Palast der Republik festhielt. Das ehemalige Parlamentsgebäude der DDR befand sich zu dieser Zeit, trotz heftiger Kritik, bereits im Abriss. Den langwierigen und für viele bedauerns werten Zerstörungsprozess nahm der Künstler aus der Innenperspektive auf. Er fotografierte aus dem Gebäude skelett heraus, sodass die bloßgelegten Grundstrukturen des schwindenden Berliner Wahrzeichens zuweilen die umliegenden Orientierungspunkte im Stadtbild, wie den Dom oder den Fernsehturm rahmen. Für viele hat er damit eine Form des Abschieds gefunden. For the last decade, Thomas Florschuetz has focused his artistic argument on architecture. He has visited iconic buildings around the world, studied and recreated them with a camera. The empathy with the architecture often led to a collaboration with the German lyricist, Durs Grünbein. In this sense, the book Museumsinsel (Museum Island) was published in 2006, where both artists converse over Berlin’s troubled centre. It includes the photographic series Enclosure (Palace), in which Florschuetz captured the Palace of the Republic in the same year. The former parliament building of the GDR was in the process of being demolished at that time, despite heavy criticism. The lengthy, and for many, regrettable destruction period was captured by the artist from an internal perspective. He photographed the building’s skeleton from within, so that the bare, basic structure of the dwindling Berlin landmark occasionally frames the surrounding landmarks in town, including the Cathedral and the TV tower. For many Florschuetz has found a way of a final farewell. Selected Grants 2004 2000 1997 1994 1987 German Critic’s Choice Award for Fine Arts, Berlin Villa Aurora Stipend, Pacific Palisades Stipend of the Helmut-Kraft-Foundation, Stuttgart Dorothea-von-Stetten-Award, Bonn 1 st Prize for Young European Photographers, Frankfurt a.M. Selected Solo Shows 2016 Adaptation, Galerie m, Bochum 2016 Shift, Galerie Diehl, Berlin 2015 Blumentstücke, Neues Kunsthaus Ahrenshoop, Ahrenshoop 2013 Assembly, Museum Wiesbaden, Wiesbaden 2009 Atelier de Forges, Rencontres d’Arles 2009, Arles 2006 Articulacao, Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo 2005 Blick ins Freie, Haus am Waldsee, Berlin 2004 Sprichst du mit mir - Are You Talking To Me? , Kunstmuseum Bonn, Bonn / BALTIC Center for Contemporary Art, Gateshead / 2001 Kunstsammlungen Chemnitz, Chemnitz Ricochet – Blumenstücke, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin Selected Group Shows 2016 2016 2016 2014 2014 2013 2012 2011 2009 2008 2008 098 Elective Affinities. German Art Since the Late Sixties, Latvian National Museum of Art, Arsenals, Riga Gegenstimmen, Martin-Gropius-Bau, Berlin Zeitgeist. Arte da Nova Berlim, Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB), Rio de Janeiro Weltreise – Kunst aus Deutschland und unterwegs, ZKM – Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe Meditations Biennale – Berlin Heist, National Museum, Poznan Ausweitung der Kampfzone. Die Sammlung 1968 – 2000, Neue Nationalgalerie, Berlin Kochi-Muziris Biennale, Fort Kochi, India Architektonika, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin Art Of Two Germanys / Cold War Cultures, LACMA – Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles Notation – Kalkül und Form in den Künsten, Akademie der Künste, Berlin Visite – Von Gerhard Richter bis Rebecca Horn, Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn Thomas Florschuetz Ohne Titel (Palast) 29 PP, 2006 / 2008 Archival pigment print 76 × 61 cm (photo) / 83 × 68 cm (framed) Edition 14 / 40 + 5 AP Inscribed, signed and numbered verso Starting bid: 2.500 € Courtesy of the artist 099 KLAUS VOM BRUCH # 35 Born 1952 in Cologne. Lives and works in Munich and Los Angeles. Studied at the Californian Institute of Arts in Valencia (California) and the University of Cologne. Taught as visiting professor at the Columbia University in New York and as full professor at the Hochschule für Gestaltung in Karlsruhe. Currently holds a professorship at the Akademie der Bildenden Künste in Munich. Die Fotoserie Kinder des Olymp entstand in den 1970er Jahren, als Klaus vom Bruch mit frischen Eindrücken von der US - amerikanischen Westküste zurück ins Rheinland und damit in ein international bedeutendes Zentrum der Nach kriegs-Avantgarde zog. Im Umkreis von Nam June Paik und John Cage experimentierte er mit elektronischen Bildern und zählt heute zu den deutschen Pionieren der Video- und Medienkunst. Vom Bruch begann Archive anzu legen, die nicht nur als Material für seine Arbeiten, son dern nunmehr auch als Zeitdokumente betrachtet werden können. Das führt beispielsweise die Serie Kinder des Olymp vor Augen: Die bunt gerahmten und mit Konfetti verse henen Schwarzweißbilder geben einen intimen Blick auf die junge und ausgelassene Künstlergeneration frei, in der vom Bruch sich bewegte. Die Bilder sprühen vor Energie, Naivität, Idealismus und Aufbruch. Viele der Porträtierten sind heute, lange nach diesen Jubeljahren, tatsächlich als Legenden in den Olymp der Kunstwelt aufgestiegen. Zu diesen Stars gehören unter anderem Sigmar Polke und Isa Genzken – hier im Bild zur Rechten. The photo series Kinder des Olymp (Children of Mount Olympus) was created in the 1970 s, when Klaus vom Bruch returned to the Rhineland — an internationally significant centre of the postwar avant-garde — with fresh impressions from the US - American West Coast. Under the presence of Nam June Paik and John Cage, he experimented with electronic images and is now one of the German pioneers of video and media art. Vom Bruch began to create archives which can be regarded not merely as material for his work, but also as contemporary documents. This for example, is demonstrated by the series Kinder des Olymp: The colourful framed and confetti embellished black and white pictures give an intimate view of the new generation of young and exuberant artists, in which vom Bruch moved. The pictures are bursting with energy, naivety, idealism and transport an atmosphere of departure. Many of those portrayed have today, long after these juvenile years, actually risen to be legends in the Olympus of the art world. Two of these stars are Sigmar Polke and Isa Genzken, the latter shown rightward. “ From 1973, inside of a close circle of artists, intellectuals, gallerists and groupies, I began to take snap shots with a Japanese 35 mm camera. ... I was the youngest of a mostly happy troupe who moved in a system of attitudes and actions. ... KLAUS VOM BRUCH Kinder des Olymp, 1974 – 77 (Confetti version 2015) [ Series of 102 images ] Inkjet print on cardboard 50 × 70 cm (framed) Edition 2 / 4 Signed, numbered and dated verso on a label Starting bid: 2.500 € Courtesy of the artist and H. M. Klosterfelde Edition 100 101 KLAUS VOM BRUCH # 36 ... All of the people photographed later became so-called cultural key players, even if only momentarily. Or, formulated in an anthropological way: clan chiefs within a delimited claim of familial, sexual or matrimonial relationships. ” — Klaus vom Bruch Selected Grants 1981– 91 Grant, Stiftung Kulturfonds 1987 1986 First German Video Art Award, Marl Silver Medal, Video Festival Locarno / Ascona Critics’ Choice Award, Video Festival Montbeliard Karl Schmidt-Rottluff Stipend Dorothea-von-Stetten-Award, Bonn Selected Solo Shows 2015 Helga Maria Klosterfelde, Berlin 2014 Sassa Truelzsch, Berlin 2000 It’s A Man’s World (with Laura Cottingham and Leslie Singer), Galerie Nächst St. Stephan, Vienna 1999 Berlin-Projekt (with Thomas Struth) , Kunstverein Hamburg, Hamburg / Kunstmuseum Luzern, Lucerne 1997 Cuba. Cuba. Cuba, Kestnergesellschaft, Hanover 1995 Artaud spricht vor den Soldaten, Bundeskunst- und Ausstellungshalle, Bonn 1993 Jam-Jam-Projekt, Kölnischer Kunstverein, Cologne 1991 Institute of Contemporary Arts, London 1989 Moderna Museet, Stockholm Selected Group Shows 2014 Ausweitung der Kampfzone, Neue Nationalgalerie, Berlin 2007 True Romance, Kunsthalle Wien, Vienna 2000 Seeing Time: Selections from the Kramlich Collection of Media Art, San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco 1999 Zeitwenden – Ausblick, Kunstmuseum Bonn, Bonn / Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Vienna 1999 Kunst des 20. Jahrhunderts, Neue Nationalgalerie, Berlin 1997 Deutschlandbilder, Martin-Gropius-Bau, Berlin 1987 documenta 8, Fridericianum, Kassel 1984 41th Venice Biennale – International Exhibition, Venice 1980 11th Biennale de Paris, Musee d’Art Moderne de la Ville de Paris, Paris Selected Collections Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin / Neuer Berliner Kunstverein – n.b.k. , Berlin / Neuer Berliner Kunstverein, Berlin / Kunstmuseum Bonn, Bonn / Museum Ludwig, Cologne / Museum Folkwang, Essen / Lenbachhaus, Munich / San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco / The Museum of Modern Art, New York / Vancouver Art Gallery, Vancouver / Stedelijk Museum, Amsterdam 102 KLAUS VOM BRUCH Kinder des Olymp, 1974 – 77 (Confetti version 2015) [ Series of 102 images ] Inkjet print on cardboard 50 × 70 cm (framed) Edition 2 / 4 Signed, numbered and dated verso on a label Starting bid: 2.500 € Courtesy of the artist and H. M. Klosterfelde Edition 103 Flüchtlings-Kultur als Doppelagentin? — Armin Nassehi Refugee Culture Acting as a Double Agent? — Armin Nassehi Ist Kultur die Lösung oder das Problem? Es kommt darauf an – und zwar auf die Frage, welche Kultur gemeint ist. Der deutsche Kulturbegriff ist mindestens doppeldeutig. Er meint entweder jene zweite Natur des Menschen, aus der er nicht heraus kann, die gewissermaßen die latente Bedingung aller manifesten Möglichkeiten ist, ein innerer Taktgeber, das was uns zum Sprechen bringt und unsere Möglichkeiten einschränkt. Oder er meint die Thema tisierung dieser latenten Bedingungen durch die bildende Kunst, durch das Theater, durch die Literatur. Kultur macht Kultur sichtbar. Kultur ermöglicht einen Blick auf das Unsichtbare. Kultur versorgt uns mit der Möglichkeit, Alternativen für die Alternativlosigkeit unserer eigenen Kultur denkbar und wahrnehmbar zu machen. Wenn man diese Sätze weiterschreiben würde, geriete der Kultur begriff genau in jene merkwürdige Doppelbedeutung, die er von Haus aus hat. Die Äquivokation tut ein Übriges, das Subversive und das Affirmative, das Befreiende und das Begrenzende miteinander zu verschränken. Kultur ist eine Doppelagentin – sie bedient zwei Herren, die Alter nativlosigkeit der kulturellen Codierung und das kulturelle Aufbrechen ihrer angeblichen Notwendigkeit. Is culture the solution or the problem? It depends. It depends on which culture we refer to. The term “ culture ” in the German context is ambiguous to say the least. Either it refers to a person’s second nature, one that he or she cannot escape, that is the latent condition of all apparent possibilities to a certain extent, the inner metronome that moves us to speak and restricts our possibilities. Or it refers to the visual arts, or theatre, or literature, addressing these latent conditions. Culture is what brings culture to the fore. Culture enables us to catch a glimpse of the invis ible. Culture provides us with the opportunity to make it conceivable and perceptible that we have alternatives for the lack of alternatives in our own culture. If I were to continue these lines here, the term “ culture ” would become entangled in precisely that peculiar ambiguity that it innately has. The equivocation compounds the situation, entwining the subversive with the affirmative, the liberating with the limiting element. Culture is a double agent, one who serves two masters — the lack of alternatives in the cultural codifi cation and the cultural fracturing of its supposed necessity. In diesem Spannungsfeld bewegt sich auch Kultur für, von, mit und über Flüchtlinge. Einerseits thematisiert sie die Kultur der Flüchtlinge, macht auf kulturelle Besonderheit, Eigenart, Attraktivität und Fremdheit aufmerksam, lässt den Beobachter ebenso erschaudert wie entzückt zurück und gibt jenem Anderen, das als Kultur bezeichnet wird, ein Gesicht. Andererseits bricht sie das Kulturelle subtil auf, zeigt Menschen statt Angehörige von Kulturen, weist auf die Brüchigkeit von Existenzen hin statt auf Kultur, bezeugt die Stärke von Menschen statt nur etwas, das als Kultur ganz und gar ohne konkrete Menschen auskommen würde. Die paradoxeste Figur ist dabei übrigens der sprechende Flüchtling – der, von dem man authentische Sätze hören will, gerne auf Bühnen und vor Publikum, noch lieber im Modus des authentisch Emotionalen. Der sprechende Flüchtling wird damit erst recht zur Kultur, weil er als Fremder spricht. Aber nur Kultur kann es bewerkstelligen, dass wir in Inszenierungen auch das sehen, was der Angehörige von Kultur auch ist: Mensch, Exemplar, Indi viduum, Existenz – und damit trotz kultureller Differenz desselben denen gleich ist, die im Publikum sitzen oder die 104 Regie führen. Das Produktive an Culture for Refugees, was ebenso Culture with Refugees bedeutet, sehe ich darin, dass dieser Widerspruch zwischen den beiden Kultur begriffen, der Charakter der Kultur als Doppelagentin nicht aufzuheben ist. Damit wird die Widersprüchlichkeit und dialektische Antinomik des Kulturellen in der Figur der Doppelagentin zu einer kritischen Instanz. Und wer noch so klug ist, damit ein Integrationsvorhaben zu verfolgen, weist auf den Doppelcharakter all dessen hin, was dieser technische Begriff der Integration meint. Culture for Refugees weist auf die Arbitrarität und praxeologische Vorläufigkeit aller Integration hin – auch derer, die angeblich immer schon integriert sind, der Autochthonen nämlich, die von den Allochthonen nicht das bessere Leben lernen, aber die Vorläufigkeit aller kulturellen Lösungen. Prof. Dr. Armin Nassehi hat einen Lehrstuhl an der S ozialwissenschaftlichen Fakultät der Ludwig-Maximilian-Universität in München inne und ist Herausgeber der Kulturzeitschrift Kursbuch. Zuletzt erschien seine Publikation Die letzte Stunde der Wahrheit im Hamburger Murmann Verlag, 2015. the productive aspect of Culture for Refugees, which also means Culture with Refugees, as not being able to lift this contradiction between the two understandings of culture, the character of culture as a double agent. It transforms the contradiction and dialectic antinomy of the idea of culture in the persona of the double agent into a critical entity. And even if you are so clever to pursue an integration project, everything that this technical term of integration means refers to the duality of the term. Culture for Refugees alludes to the arbitrariness and praxeological tentativeness of all integration, even for those who are supposedly already integrated, that is, those “ native ” persons who do not wish to learn about the better life from those who are not “ native ,” but about the tentativeness of all cultural solutions. Prof. Dr. Armin Nassehi is Chair of the Social Sciences department at the Ludwig-Maximilian-Universität in Munich and publisher of Kursbuch, a quarterly journal focusing on aspects of politics and culture. Die letzte Stunde der Wahrheit is Nassehi’s most recent publication (Hamburger Murmann Verlag, 2015). Culture for, from, with, and on refugees meanders through this highly charged area. On the one hand, the culture of the refugees is the central issue, it draws attention to special cultural aspects and idiosyncrasies, attractiveness and strangeness, it makes the observer cringe and causes him / her to be delighted at the same time, and it gives a face to that otherness that we refer to as culture. On the other hand, it breaks down culture nearly imperceptibly, shows people instead of members of a culture, it highlights the fragile nature of people’s existences instead of culture, it bears witness to the strengths of man instead of to something that could survive as a culture entirely without specific people. Here, the most paradox character is the refugee with a voice — one from whom you want to hear actual utterances, enjoy seeing in the limelight and before an audience, and even better yet, personifying the mode of authentic emotion. In the process, the refugee with a voice becomes culture more than ever then because he / she is the voice of foreignness. However, only culture is capable of making us also see through the public appearances what the member of the culture also is: person, specimen, individual, existence — and who is despite the cultural difference the same as one who is sitting in the audience or giving the stage directions. I see 105 Kunst kann die Welt nicht retten — Thomas Ostermeier Kunst kann die Welt nicht retten, Theater kann keine Politik machen, und ob die Welt durch Kunst besser geworden ist, wage ich in einem Land, das im Lauf seiner Historie vom Land der Dichter und Denker zum Land der Richter und Henker wurde, auch zu bezweifeln. Wir befinden uns in einer historischen Situation, in der man aus humanis tischen Überzeugungen heraus und nicht in erster Linie als Künstler handeln muss: in der Situation nämlich, Menschen vor Krieg, Vertreibung, Vergewaltigung und Tod retten zu müssen. Diese selbstverständliche Hilfe in einer Ausnahmesituation zunächst zu hinterfragen, wie es von unterschiedlichen politischen Strömungen derzeit getan wird, zeugt nicht von einer großen Menschlichkeit. Das ist ungefähr so, als fragte man einen verunglückten Radfahrer auf der Straße, bevor man ihm hilft, aus der Gefahrenzone zu kommen, ob er denn auch krankenversichert sei. Die langfristige Antwort auf die Fluchtbewegung muss eine politische sein, und muss vor allen Dingen von unseren politischen Vertretern beantwortet werden. Dafür, dass es an Bereitschaft und Verständnis in der Zivilbevölkerung nicht fehlt, ist die Initiative Culture for Refugees der CAA ein schönes Beispiel. Und ein Beweis, dass man viele Menschen in unserer Gesellschaft von der Notwendigkeit einer geglückten Migrationspolitik nicht erst überzeugen muss. Vielleicht muss man viele nicht einmal von der Problematik einer Verschärfung der Asylgesetze und eines Teufelspakts mit dem Regime Erdogans überzeugen. Auch so verstehe ich die symbolische Aussage, die in Culture for Refugees steckt: In weiten Teilen ist der gute Wille in der Bevölkerung vorhanden; jetzt ist es an der Politik, ihren Beitrag zu leisten, damit „wir das schaffen“. Dafür braucht es eine gerechtere Sozial-, Arbeitsmarktund Wohnungsbaupolitik – und keine Verschärfung der Asylgesetze. 106 Bis wir das erreicht haben, und darüber hinaus, bin ich stolz und glücklich, die Initiative der CAA mitzutragen. Ich freue mich über jeden anerkannten, aber auch jeden nicht anerkannten Asylsuchenden, der den Weg in unser Theater findet. Kulturarbeit allein reicht nicht, aber wenn sie hilft, das Bewusstsein für die Situation der Geflüchteten in unserer Stadt zu schärfen, ist das eine gute Sache. Thomas Ostermeier ist seit 1999 Künstlerischer Leiter der Schaubühne in Berlin. Artists cannot save the world — Thomas Ostermeier Artists cannot save the world. Theatres cannot shape politics. And I dare say it seems doubtful whether the arts have made the world a better place in a country that transitioned from prose, poetry, and philosophy to judge, jury, and exe cutioner over the course of its history. We find ourselves in a historic situation in which we need to act not primarily as artists, but out of a conviction for people’s welfare and the greater good — a situation where we need to save people from warring, displacement, rape, death. It is not a sign of great benevolence when we question the need for this help in an emergency situation, as many different groups with political leanings are currently doing. It should be given as a matter of course. It’s akin to asking a cyclist who was just involved in an accident on the street if he has health insurance before helping him step away from the danger zone. Until we have achieved this goal, and more, I am proud and happy to support the CAA’s initiative, and I am happy to see every asylum seeker who has received approval, as well as those who haven’t, making their way into our theatre. Cultural work is not enough, but if it helps to raise awareness for the situation of refugees in our city, then it is a good thing. Thomas Ostermeier has been artistic director of the Schaubühne in Berlin since 1999. There needs to be a political answer to the refugee situation for it to be sustainable. And most critically, we need our political representatives to provide this answer. The Culture for Refugees initiative sponsored by the CAA is an appro priate example that shows how the civil society is ready and willing to do so. And it’s testimony to the fact that many people in our society are already aware that we need a successful immigration policy; they don’t need convincing. We might not even need to convince many of the difficulties with making asylum laws stricter and having a pact with the Erdogan’s regime. And that’s how I too understand the symbolic statement conveyed by Culture for Refugees: There is a widespread desire for it in Germany, so it’s the politicians’ job now to double down so “ we can do it.” To do so, we need more fairness in the policies for social welfare, labour, and housing construction; we do not need to announce stricter laws for asylum seekers. 107 Stille auktion Silent Auction Die sogenannte Stille Auktion gibt Ihnen neben der Live Auktion die Möglichkeit, weitere Kunstwerke zu ersteigern. Vor, während und nach der Live Auktion können Sie Ihre Gebote abgeben. Bitte tragen Sie diese persönlich in die Bieterformulare ein, die bis zum Ende der Stille Auktion gegen 23.00 Uhr immer wieder aktualisiert werden können. Nach 23.00 Uhr gilt ein Objekt als zugeschlagen, wenn es inner halb von 2 Minuten nicht überboten wurde. Wenn Ihr Gebot den Zuschlag erhält und Sie die Villa Elisabeth bereits verlassen haben, werden wir Sie telefonisch oder schriftlich benachrichtigen. Die Kunstwerke der Stille Auktion werden ebenfalls während der Vorbesichtigung zu sehen sein. The so-called Silent Auction offers you next to the Live Auction the opportunity to bid on other artworks. Before, during and after the Live Auction you can submit your bids. Please record your bids personally on the bidding forms, which may be updated consistently until the end of the Silent Auction at 11 pm. After 11 pm you win the bid, if your bid is not outbid within 2 minutes. If you win the bid and you have already left the Villa Elisabeth, we will notify you by phone or in written form. The art works of the Silent Auction will also be on display during the preview. JIA # 37 Born 1979 in Beijing. Lives and works in Berlin. Studied at the North China University of Technology and the Chinese National Academy of Art in Beijing. Worked in the studio of Ai Weiwei in Beijing. Vice President and co-founder of The Practice Society of Independent Film — China’s first independent film movement that was closed by the state authorities after one year. “ When there is light, there is hope. No matter how long I have to go on, I believe in the future.” Die Arbeiten der chinesischen Künstlerin Jia sind maßgeblich durch ihren biografischen und kulturellen Hintergrund geprägt. Sie verhandelt ihre asiatischen Wurzeln ebenso, wie die Einflüsse europäischer Kultur. Die fortlaufende Foto serie The Road Series symbolisiert dabei das Zusammentreffen ihrer Lebenswelten. Vor etwa zehn Jahren begann die Künstlerin auf einer ersten Reise in den Westen, Fotos aus dem Autofenster aufzunehmen. Die Bilder lassen keine klare Perspektive erkennen. Der Fokus ist verschwommen und die Umgebung wirkt in Nebel gehüllt oder verregnet. Das Gefühl der Orientierungslosigkeit macht sich breit und spiegelt die Fragen der Künstlerin nach der eigenen Identität, nach ihrem Platz in der Welt. Jia spielt mit Anleihen an die traditionelle chinesische Landschaftsmalerei und dem hoffnungsvollen Blick Chinas gen Westen. Aus dem asiatischen Wohlstandssymbol schlechthin – dem Auto, fängt sie Europa schließlich in unspezifischen Bildern ein. Abseits konkreter Bildgegenstände findet ihre Auseinandersetzung mit dem Weg, der Reise und dem Licht, auf das man sich zubewegt, vor allem auf philosophischer Ebene statt. The works by the Chinese artist Jia are strongly influenced by her biographical and cultural background. She deals with her Asian roots, as well as with the influences of European culture. The ongoing photo series The Road Series symbolises the clash of her spheres of life. About ten years ago, during her first trip in the West, the artist started to take pictures out of the car window. The photos do not show any clear perspective. The focus is blurred and the landscape seems to be either shrouded in fog or spoiled by rain. A sense of dis orientation spreads and reflects the issues the artist has about her own identity, about her place in the world. Jia plays with bonds to traditional Chinese landscape painting and the hopeful view of China towards the West. From the Asian symbol of wealth per se — the car — she finally captures Europe in indistinct images. Away from concrete pictorial objects, her analysis focuses in a rather philosophical manner on the path, the journey and the light towards which we move. Selected Solo Shows 2015 2010 2010 2010 2009 2009 2009 2007 The Chinese Version, Arratia Beer, Berlin Good Morning, World! , OCT Contemporary Art Terminal of He Xiangning Art Museum, Shenzhen Make Believe, Institute of International Visual Art, London Hong Kong International Art Fair – Duino Elegies, Hong Kong The Road Series I, MiauHaus, Los Angeles Unmixed, Sh Contemporary, Shanghai JAL: Jia Aili, Michael Ku Gallery, Taipei The Wasteland, Platform China Contemporary Art Institute, Beijing Selected Group Shows 2016 2015 2015 2014 2014 2014 2013 2012 2012 2011 2009 2007 2002 110 Absence, Filmwerkstatt, Dusseldorf Globale: Infosphere, ZKM – Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe Macrocosmi: A dialogue between Berlin and Bologna, Altes Postfuhramt, Berlin Secret Signs, Deichtorhallen, Hamburg Environmental Impact, Frederick R. Weisman Museum of Art, Los Angeles Untitled, Collegium Hungaricum, Berlin Maps and Orientation Part 2, Heldart, Berlin Perspective, Berlin 7th Berlin Biennale – (lu), Berlin Fly Through the Troposphere: Memo of the New Generation Painting, Iberia Center for Contemporary Art, Beijing Simon Franks and Rob Suss Collection, The Saatchi Gallery, London Beyond Image – Chinese New Painting, Shanghai Art Museum, Shanghai 4th Shanghai Biennale – City Boxes, Shanghai JIA The Road Series 3, N. 262, 2010 Inkjet print 35 × 50 cm (framed) Unique copy Authorized by a certificate Starting bid: 600 € Courtesy of the artist 111 STEFAN SAFFER # 38 Born 1984 in Leipzig. Lives and works in New York and Berlin. Studied at the Goldsmiths in London and the kademie der Bildenden Künste in Nuremberg. Master student of R. G. Dienst. A Das Schaffen von Stefan Saffer ist vielschichtig: Er arbeitet mit klassischen Medien im Atelier oder interveniert im öffent lichen Raum. Immer wieder setzt er seine Kunst für gesell schaftliche Zwecke ein und zeigt sich durch das Bauhaus oder Joseph Beuys geprägt. Die Arbeit WaterLilliesLie zählt zu der Werkreihe Folding Paintings, in der Saffer abstrakte Kompositionen aus bemalten, zerschnittenen und gefalteten Papieren fertigt und formale mit inhaltlichen Aspekten verbindet. In diesem Falle versteht sich bereits der Titel als Anspielung auf die berühmten Vorbilder, auf die verwiesen wird: die Seerosen-Gemälde von Claude Monet. Dem floralen Formengeflecht Saffers liegt tatsächlich die Reproduktion, nämlich ein Poster von einem solchen Gemälde zugrunde. Die Arbeit lässt Andeutungen auf Blätter, Stengel und Blüten erkennen. In ihrer abstrahierten Form verweisen sie auf die kunstgeschichtliche Bedeutung von Monets Werken, die den Beginn der abstrakten Malerei einläuteten. The work of Stefan Schaffer is manyfold: He operates with classical artistic media in his studio or intervenes in public space. Again and again he uses his art for social purposes and reveals himself to be influenced by the art of Bauhaus or Joseph Beuys. The work WaterLilliesLie is part of the series Folding Paintings, in which Saffer develops abstract compo sitions from painted, cut-up and folded sheets of paper and combines formal aspects with those pertaining to content. In this case, the title already points to the famous examples which are being referred to — the waterlily paintings by Claude Monet. The basis of Saffer’s floral weave of shapes is indeed a reproduction, that is a poster depicting such a painting. One can recognise hints of leaves, stalks and flowers in the work. In their abstracted form they point to the arthistorical significance of Monet’s masterpieces which set the scene for the beginning of abstract painting. Selected Grants 2011 Cité Internationale des Arts, Paris 2009 Sølyst Artists in Residency Center, Jyderup (Denmark) 2005 Delfina Studios, London 2005 Grant, Berliner Senat 2003 Whitney ISP Program, Architecture and Urban Art Section, New York 2003 Bauhaus Kolleg, Bauhaus Foundation, Dessau 2000 Art for Architecture Award, Royal Society of Architecture, Great Britain 1999 Artist in Residency, Camden Art Center, Camden Selected Solo Shows 2015 Inside OuT (permanent installation), Bundesagentur für Arbeit, Nuremberg 2014 KonKon, Alea101, Sauerbruch & Hutton Architects, Berlin 2013 Jump Off A Table and Miss the Ground ... , Karen Blixen Museet, Copenhagen 2009 Neue Fugen, Galerie Hollenbach, Stuttgart 2008 Alienation: Stefan Saffer, Kate MacGarry, London 2008 Unter Teppichen, Kohlenhof Kunstverein Nürnberg, Nuremberg Selected Group Shows 2014 2012 2012 2011 2010 2010 2010 2009 2007 2006 2005 2001 112 Final Cut, Horst Janssen Museum Oldenburg, Oldenburg Imaginäre Reisen, Amerika Haus, Berlin Und der Gewinner ist ... , Kunsthaus Nürnberg, Nuremberg Built and Cut-Out Papier: Gebaut und Ausgeschnitten, Österreichisches Papiermuseum, Steyrermühl (Austria) Über Lebenskunst. Austertraum (with Birgit Schneider), Haus der Kulturen der Welt, Berlin Not about Karen Blixen, Karen Blixen Museum, Copenhagen Mit Ecken und Kanten, Städtische Museen Heilbronn, Heilbronn Zeigen. Eine Audiotour von Karin Sander, Temporäre Kunsthalle, Berlin Beauty is in the Streets, Mason Gross Galleries, New Jersey / Bronx River Art Center, New York Eigenheim. Everything but the kitchen sink, Kunstverein Göttingen, Göttingen Works on Paper, Andrea Rosen Gallery, New York SchattenRisse, Kunstbau / Lenbachhaus, Munich STEFAN SAFFER WaterLilliesLie, 2008 Collage, cut and fold Claude Monet poster 58 × 55 cm (framed) Starting bid: 2.500 € Courtesy of the artist 113 JENS WOLF # 39 Born 1967 in Heilbronn. Lives and works in Berlin. Studied at the Staatliche Akademie der Bildenden Künste in Karlsruhe under a.o. Helmut Dörner and Luc Tuymans. Die abstrakt-geometrischen Bildschöpfungen von Jens Wolf zeigen sich deutlich durch die Avantgardisten des 20. Jahr- hunderts beeinflusst und werden auf Spanholzplatten aufgetragen. Es wird unmittelbar ersichtlich, dass der Maler seine Kompositionen minutiös plant und den gestischen Duktus und Zufall meidet. Bis heute hat der Künstler über 200 soge nannter Pattern Boards entwickelt, die ihm gleichermaßen als Grundlage und Archivierung seiner Motive dienen und sich als Musterbretter im wörtlichen Sinne verstehen: Auf kleinen Spanholzplatten in stets gleichen Dimensionen führt der Künstler vollständige und detailgetreue Prototypen seiner Bilder aus, die er später auf größere Formate überträgt. Das technische Vorgehen schlägt sich auch in seiner Formen sprache wieder. Wolf arbeitet mit grafischen Elementen wie Linien aus Bleistift und grenzt seine reduziert farbigen Flächen mit Tesafilm ab. Trotz allem bleibt Raum für das Unvollständige, das einen Kontrast zu kühlen Geometrien bildet: Der Malgrund bleibt als unbehandeltes Holz an vielen Stellen sichtbar und auch die Malerei weist vereinzelt – wenn auch geplante – spontane Spuren wie Farbkleckse auf. The abstract-geometrical picture creations of Jens Wolf show a significant influence by the avant-gardists of the 20th century and are applied onto chipboards. It is immediately obvious that the painter plans his compositions minutely and avoids the gestural ductus and chance. To this day Wolf has developed over 200 of those so-called Pattern Boards, chipboards which serve equally as a basis and an archive for his motives and see themselves as pattern boards in a literal sense: On small chipboards in dimensions that are always the same, the artist creates prototypes of his pictures which are complete and true to detail and which he later transfers onto larger formats. The technical proceeding is also reflected in his form language. Wolf works with graphic elements like pencil lines, and limits his reduced coloured areas with cello tape. Despite all of this, there is still space for the incomplete, which forms a contrast to the cool geometrics. The painting base can be recognised in many places as untreated wood, and the pictures show occasional — even though they are intentional — spontaneous traces like specks of colour. Grants 2003 2001 Scholarship, Künstlerstätte Schloss Bleckede, Lueneburg State Graduate Fellowship, Staatliche Akademie der Bildenden Künste, Karlsruhe Selected Solo Shows 2015 2013 2012 2011 2010 2010 2006 2005 Ronchini Gallery, London Kunstverein Schwäbisch Hall, Schwäbisch Hall Pattern Boards, Galerie Hammelehle und Ahrens, Cologne Galerie MaxWeberSixFriedrich, Munich Galerie Aline Vidal, Paris Charim Galerie, Vienna Galerie Jan Wentrup, Berlin Le Grand Café Centre d’art Contemporain, Saint-Nazaire Selected Group Shows 2015 Avantgarde Mecanique – Hommage á Franciska Clausen, Kunsthalle PLU41, Berlin 2014 All That Matters Is Whats Left Behind, Ronchini Gallery, London 2014 Fragen Wagen – Zusammenstöße Mit Der Sammlung Marta, Marta Herford, Herford 2014 Present, Kunstraum Kreuzberg / Bethanien, Berlin 2013 2000 + Neu im Saarlandmuseum, Saarlandmuseum – Moderne Galerie, Saarbrücken 2013 A time of gifts / Die Zeit der Gaben, Märkisches Museum, Witten 2011 Kraftwerk Depot. Frisch ausgepackt – Wie Kunst altert, Marta Herford, Herford 2010 Bilder über Bilder: Diskursive Malerei von Albers bis Zobernig aus der Daimler Kunst Sammlung, 2009 2007 2006 Mumok – Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Vienna La Rose Pourpre du Caire, Musée d’Art et d’Archélogie, Aurillac De leur temps (2), Musée d’Art Contemporain, Grenoble Abstract art now – strictly geometrical? , Wilhelm-Hack-Museum, Ludwigshafen Selected Collections Daimler Contemporary, Berlin / Marta Herford, Herford / Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland, Bonn / CCA Andratx, Mallorca / Saarlandmuseum, Saarbrücken / The Zabludowicz Art Trust, London 114 JENS WOLF O.T. #1, 2015 Acrylic paint and pencil on chipboard 37,5 × 27,5 cm Signed verso Starting bid: 500 € Courtesy of the artist 115 TINO GEISS # 40 Born 1984 in Jena. Lives and works in Leipzig. Studied at Burg Giebichenstein in Halle, the Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig and the Royal Academy of Arts in London under a.o. Arno Rink. Master student of Ingo Meller and Neo Rauch. Die Bilder von Tino Geiss erinnern an avantgardistische Gemälde. Sie geben einen fragmentierten, prismatisch gestreuten Blick auf Architekturen und Innenräume frei und rufen Assoziationen zu den Werken der Expressionisten, Kubisten und Suprematisten ins Gedächtnis. Tino Geiss ist aber kein Maler im klassischen Sinne. Neben Öl und Acrylfarbe verwendet er Malmittel, die vor allem durch Piet Mondrian bekannt geworden sind: Er richtet seine Kompositionen an der Beschaffenheit verschiedener Klebestreifen aus. Als ausgebildeter Grafiker führt Geiss damit das grafische Element der Linie – den Klebestreifen – in die figürliche Darstellung ein. Nicht zuletzt durch die mehrfache Überarbeitung seiner Gemälde und die collage artige Schichtung der Bildebenen erhalten seine Werke eine haptische Qualität. In diesem Sinne wird auch in der Arbeit Lager der dargestellte Materialstapel über die Leinwand hinaus spürbar. The pictures of Tino Geiss are reminiscent of avant-garde paintings. They reveal a fragmented, prismatically scattered view on architectures and interior spaces, and evoke associations with the works of the Expressionists, Cubists and Suprematists. Tino Geiss is not, however, a painter in the traditional sense. In addition to oil and acrylic paint he uses artistic mediums which have become well-known through Piet Mondrian in particular: He aligns his com positions with the texture of various tapes. Trained as a graphic designer, Geiss introduces thereby the graphic element of the line — adhesive strips — into figurative rep resentation. His works achieve a tactile quality, not least through the multiple revisions of his paintings and the collage-like layering of the image planes. In this sense, the stacks of material displayed in his work Lager (Storage) are felt beyond the edges of the canvas. Selected Grants 2015 2012 2010 2009 2006 4th Print Symposium, Edition Carpe Plumbum, Bund Berliner Künstler Casa Baldi Residency, German Academy in Rome / Olevano Romano Stipend, Federal Free State of Thuringia 1st Prize, Junge Akademie Award Travel Grant, DAAD Selected Solo Shows 2015 2015 2014 2014 2013 2012 2012 2010 2010 Grazie, Villa Rosenthal, Jena Stuhl. Tisch. Buch. Bild, Kunstkreis Hameln, Hameln Galerie Brockstedt (with Hans Scheib) , Hamburg Einblicke, Oms Pradhan, Brussels Vorwand (with Elena Kozlova) , Queen Anne, Leipzig Memory, Hannover Galerie, Hanover Heimspiel, Stadtwerke Jena, Jena Memorie, Galerie Brockstedt, Berlin Fundus, Geraer Kunstverein, Gera Selected Group Shows 2015 2014 2013 2013 2013 2012 2011 2009 2008 2008 2007 2007 116 Impress, Museum für Druckkunst, Leipzig Mutz, Museum Burg Posterstein, Gera All Stars Cast, Galerie Baer, Dresden Boys, Potemka, Leipzig Landstriche, Galerie Leuenroth, Frankfurt a. M. Nach Lust & Laune, Kunstsammlung Gera – Orangerie, Gera Salon der Gegenwart, Elbhof, Hamburg Wanderer, Marburger Kunstverein, Marburg Proud and prejudice, Technische Universität, Berlin Leonardo, Kunstmuseum Walter, Augsburg FKK, Kunstraum am See, Markkleeberg Dialog der Kulturen, Haus des Handwerks, Murmansk Tino Geiss Lager, 2011 Collage, tape, acrylic paint on cardboard 45 × 55 cm (framed) Starting bid: 1.500 € Courtesy of the artist and Galerie Brockstedt, Berlin 117 VERONIKA KELLNDORFER # 41 Born 1962 in Munich. Lives and works in Berlin. Studied at the Hochschule für angewandte Kunst in Vienna and at the Hochschule der Künste in Berlin. Veronika Kellndorfer ist im weitesten Sinne als mediale Malerin zu verstehen. Ihre Fotografien und auf Glas gedruckten Siebdrucke wirken abstrakt und zeigen Architekturausschnitte, in denen sich Spiegelungen und Gebäude strukturen überlagern. Die Künstlerin versteht Architektur als Bild. Mit ihren Aufnahmen schafft sie keinen doku mentarischen, sondern einen persönlichen Zugang zu teilweise ikonischen Gebäuden wie dem Eames House bei Los Angeles, das sie während ihres Aufenthalts in der Villa Aurora immer wieder fotografierte. Die Arbeit Mirror of the Reflection, Lautner 2 entstand bei einem weiteren Aufenthalt in Los Angeles und wurde im Wolff House von John Lautner aufgenommen. Das Gebäude lebt von der Spannung zwischen Sichtbarem und Verborgenem – die Dimensionen erschließen sich erst beim Durchschreiten. Kellndorfers Bild fängt den verschachtelten und gläsernen Eingangsbereich ein, der sie zur ihrer aktuellen, skulptu ralen Arbeit mit Glas inspirierte. In the broadest sense, Veronika Kellndorfer can be called a media painter. Her works—mostly photographs and silkscreen prints on glass—appear to be abstract and show segments of architectures like overlapping building structures and their reflection. The artist perceives architecture as an image. With her photographs, she provides a rather personal than documentary access to iconic buildings like the Eames House close to Los Angeles, that she visited several times during her stay at the Villa Aurora. The photograph Memory of the reflection, Lautner 2 was taken at John Lautner’s Wolff House during another visit to Los Angeles. The building — another modern classic — incorporates the tension between the visible and the hidden. Only by striding through it, it reveals its actual dimensions. Kellndorfer’s image captures the architectonically interlaced entrance made of glass, which served further as inspiration for her current work on glass sculptures. Selected Solo Shows 2015 2014 2014 2012 2012 2010 2009 2008 2006 2005 2005 Cinematic Framing, Casa de Vidro, São Paulo Tropical Modernism, on the occasion of Lina Bo Bardi 100, Pinakothek der Moderne, Munich Kabinett der Zeichen, German Japanese Center, Berlin Abstract neighbours, Christopher Grimes Gallery, Santa Monica French Window, Pinakothek der Moderne, Munich Urban haze, AedesLand, Berlin Private Utopias, Christopher Grimes Gallery, Santa Monica Art Forum Berlin (with Christopher Grimes Gallery), Berlin Eames, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin Exterior and Interior Dreams, Berlinische Galerie, Berlin Il parco, Villa Massimo, Rome Selected Group Shows 2016 LOS ANGELES Berlin – L.A., 68 projects, Berlin 2015 Kaleidoscope: abstraction in architecture, Christopher Grimes Gallery, Santa Monica 2014 Feito por Brasileiros, Matarazzo Project, São Paulo 2014 Ladies First, Schauwerk, Schaufler Foundation, Sindelfingen 2012 OC collects, Orange County Museum for the Arts, Newport Beach (California) 2012 Hannah Höch – Das Eigene und Andere in der Fotografie, Projektraum Deutscher Künstlerbund, Berlin 2012 Upon papers, project space, Berlin 2010 Home and Away – A Temporary Art Project at the Residence of the Ambassador of the USA to Germany, United States Embassy (with DAAD and the Villa Aurora Forum), Berlin 2010 Berlin Transfer, Berlinische Galerie, Berlin 2008 Interieur / Exterieur: Living in Art, Kunstmuseum Wolfsburg, Wolfsburg 2008 Blick nach vorn. Ankäufe der Sammlung Zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland, Martin-Gropius-Bau, Berlin 2007 Contemporary Collection, Part 1, Hammer Museum, Los Angeles 2005 Transatlantic, Martin - Gropius - Bau, Berlin 2000 Neuordnung der Sammlungen, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin 118 VERONIKA KELLNDORFER Mirror of the Reflection, Lautner 2, 2008 / 2016 Photo print 35 × 52 cm (framed) Edition 2 / 5 + 1 AP Signed verso Starting bid: 1.200 € Courtesy of the artist and Christopher Grimes Gallery, Santa Monica 119 FRIEDERIKE HAMANN # 42 Born 1971 in Hagen / Westfalen. Lives and works in Berlin. Studied at the Rhode Island School of Design in Providence (Rhode Island). In ihren abstrakt-geometrischen Arbeiten untersucht Friederike Hamann wie sich Licht und Farbe auf den Raum auswirken. Aus Papier, Folien, Metall und Spiegeln schafft sie Farbfeld-Projektionen, die sich an der Wand mit anderen, dort befestigten Materialien überlagern. Immaterielle Farb räume und Installationen entstehen, die auf das dynamische Potential von Architektur verweisen, das unter anderem mit dem Sonnenstand einhergeht. Die Bewegung von geometrischen Formen erprobt die Künstlerin zudem in 16mmFilmen. Hamanns Fotografien, wie auch die Szenografie für Plot #1, verstehen sich als archivierte Momente dieser formalen Erzählstrukturen. Plot #1 stellt dabei die erste realisierte Ausgabe einer Ausstellungsserie dar, die bewusst auf filmische Dramaturgie referiert und Narrationsstrukturen auf das Zusammenspiel von Form und Raum überführt. In her abstract–geometric works Friederike Hamann exa mines what effect light and colour have on a space. From paper, foil, metal and mirrors she creates projections of colour fields which overlap on the wall with other materials that have been attached there. Immaterial colour areas and installations are created which point to the dynamic potential of architecture, that, among others, correlates with the position of the sun. The artist also experiments with movement of geometric shapes in 16 mm films. Hamann’s photographs, like the Szenografie für Plot #1 (Scenography for Plot #1), see themselves as archived moments of these formal narrative structures. In this context, Plot #1 represents the first realised edition of an exhibition series, which deliberately refers to cinematic dramaturgy and transposes the narrative structures onto the interaction of shape and space. Grant 2014 Art and Architecture # 6, District Kunst- und Kulturförderung, Berlin Selected Exhibitions 2013 2012 2012 2012 2011 2011 2011 2011 2010 2010 2009 2008 2004 120 La lucidezza, Reception Gallery, Berlin Five by Five, Bonington Gallery, Nottingham Trent University, Nottingham Is there anything we can do for now? , Note On, Berlin Aether, Alpineum Produzentengalerie, Lucerne Treignac - Alpineum Experimental Dialogues, Alpineum Produzentengalerie, Lucerne Regard Matrixiel, Treignac Projet, Treignac Room Next to Reason, Werkraum Friebe, Berlin Open Daybook, Los Angeles Contemporary Exhibitions, Los Angeles Small Works, Perimeter Gallery, Belfast Maine Artists Walls, Space Gallery, Portland Maine Supercasualfragilistic, Bongout Gallery, Berlin Light Plant, Center for Maine Contemporary Art, Rockport While you were away, 667 Shotwell, Los Angeles Friederike Hamann Szenografie für Plot #1, 2015 Archival print on alu dibond 71 × 100 cm Edition 1 / 3 + 1 AP Starting bid: 800 € Courtesy of the artist 121 DÉSIRÉE VON TROTHA # 43 Born 1961 in Augsburg. Lives and works in Munich and the Sahara. Studied at the Hochschule für Film und Fernsehen in Munich and the Royal College of Art in London. Seit Anfang der 1990er Jahre verbringt die Fotografin und Filmemacherin Désirée von Trotha jährlich etwa sechs Monate in den Nomadengebieten der Sahara, wo sie dort ansässige Stämme wie beispielsweise die Tuareg begleitet und Länder wie Algerien, Niger, Tschad, Mali und Mauretanien bereist. Durch ihre Reisen hat Désirée von Trotha ein selten tiefes Verständnis für die Nomaden-Kultur, den politischen Wandel und die Konflikte in der Sahara-Region entwickelt, die sie in ihren Büchern, Bildbänden und Dokumentarfilmen festhält. Sie recherchiert und berichtet im Auftrag von zahlreichen Print- und TV-Medien wie beispielsweise dem Zeit-Magazin, Weltbild Magazin, ARD, ARTE und SWR. Unterwegs mit 36 schwarzen Ziegen ist Teil der 2003 begonnenen Porträtserie Gesichter der Sahara. Sie zeigt die Tuareg- und Tubu-Nomaden im Süden Algeriens sowie im Norden Malis, Nigers und Tschads. Die Tragik erschließt sich durch den Zusammenprall jahrhundertealter Traditionen mit den aktuellen bewaffneten Konflikten. Es gibt kein Exil für diese Menschen, denn ihre Lebensgrundlage sind die Wüste und ihre Kamele, Schafe und Ziegen. Von Trotha wurde vor allem durch den ersten Teil ihre SaharaTrilogie, die Reportage Woodstock in Timbuktu – Die Kunst des Widerstands, bekannt. Der Film wurde im Kino und auf zahlreichen Festivals gezeigt und mit dem „Prädikat be sonders wertvoll“ ausgezeichnet. Since the beginning of the 1990s the photographer and filmmaker Désirée von Trotha has been spending about six months a year in the Nomad areas of the Sahara, where she accompanies local tribes, such as the Tuareg and also travels around countries like Algeria, Niger, Chad, Mali and Mauri tania. Trough her travels, Désirée von Trotha has developed a remarkably deep understanding of Nomad culture, the political changes and current conflicts in those areas, which she captures in her books, pictorial volumes and documen taries. Unterwegs mit 36 schwarzen Ziegen (On the road with 36 black goats) is part of the portrait series Gesichter der Sahara (Faces of the Sahara) which the artist started in 2003. It shows Nomads of the Tuareg and Tubu people in the south of Algeria and the north of Niger, Chad and Mali. The pictures reveal the tragic situation of the people whose centuries-old tradition clashes with today’s armed conflicts. They can find no exile anywhere else, since their basis of existence is the desert where their camels, sheep and goats live. Von Trotha got known for the first part of her Sahara trilogy, the report Woodstock in Timbuktu – Die Kunst des Widerstands (The Art of Resistance), which was published in 2012 and awarded a specially meritable rating (“Prädikat besonders wertvoll”). Selected and Current Projects 2016 2016 2012 Agadez – Tor zur Sahara, Photo series (about migration, gold fever, Hijab & Nijab and Salafist Sects in the north of Niger) Assouf – Heimat und Exil, Sahara -Trilogy: Part II, Documentary Woodstock in Timbuktu – Die Kunst des Widerstands, Sahara-Trilogy: Part I, Documentary Publications 2015 2003 2002 1998 Im Auge der Zeit – Bilder und Notizen aus der Sahara, Cindigo, Munich. Wo sich Himmel und Erde berühren. Tuareg in der Weite der Wüste, Frederking & Thaler, Munich. Heisse Sonne, kalter Mond: Tuaregnomaden in der Sahara, Frederking & Thaler, Munich. Die Enkel der Echse. Lebensbilder aus dem Land der Tuareg, Frederking & Thaler, Munich. Selected Exhibitions 2016 2016 2016 2016 2015 122 Krieg & Frieden (exhibition and symposium), Rheingauer Wirtschaftsforum at the Hotel Schloss Reinhartshausen Kempinski, Eltville am Rhein Im Auge der Zeit, Hubert Burda Media, Munich En visite à Nouakchott, Zeinart Concept, Nouakchott (Mauretania) Eine Welt im Umbruch, International Club at the Federal Foreign Office, Berlin Im Auge der Zeit, Neue Galerie Berlin, Berlin DÉSIRÉE VON TROTHA Unterwegs mit 36 schwarzen Ziegen, Tubu in the region Kouba Olanga, north of Tschad, 2015 Photo print on acrylic glass 100 × 100 cm Edition 1 / 3 + 3 AP Starting bid: 900 € Courtesy of the artist and Neue Galerie Berlin 123 BRIGITTE WALDACH # 44 Born 1966 in Berlin. Lives and works in Berlin. Studied at the Technische Universität and the Hochschule der Künste in Berlin. Master student of Georg Baselitz. Waldach is a. o. represented by the Galerie Conrads in Dusseldorf. Brigitte Waldachs Zeichnungen und Installationen kombi nieren figürliche und abstrakte Darstellungen und sind zumeist in Rot oder Graphitschwarz ausgeführt. Die Situa tionen erscheinen eingefroren und lassen mitunter Abgründiges erahnen. Viele Arbeiten ähneln minimalistischen Standbildern und referieren auf Vorbilder aus Film und Literatur. Seit 2007 arbeitet die Künstlerin mit Schrift. Wörter und Textfragmente führt sie in „Schriftwolken“ und als eigenständige Bildelemente in ihre großformatigen Zeichnungen ein. Die unterschiedlichen Referenzen und Bedeutungsebenen, die durch die Schrift bestimmt werden, lassen sich an deren Schreibweise und Farbgebung ablesen. In dem Diptychon Nature verzichtet die Künstlerin voll kommen auf die Darstellung von Figuren und entwirft einen Naturraum, der vor allem durch die schattenhafte und grafische Qualität der Bäume bestimmt wird. Doch der rätsel hafte Charakter der Bilder bleibt bestehen: Das Dickicht vermittelt gleichermaßen Weite und Enge. Brigitte Waldach’s drawings and installations combine figurative and abstract depictions and are mainly executed in red and graphite. The situations seem suspended, frozen, and at times, have a foreboding of dark circumstances. Many works can be conceived as minimalistic film stills which allude to examples from the world of movies and literature. In 2007 the artist started to work with script. In so-called “script clouds,” she introduces words and text fragments as independent picture elements into her large-scale drawings. The various references and levels of meaning which are determined by the scripts are expressed through style and attribution of colour. In the diptych Nature the artist finally moves away completely from depicting actual figures and creates a natural environment which is predominantly determined by the shadow-like and graphic quality of the trees. The enigmatic character of the pictures, however, remains: The thicket conveys openness and narrowness in equal measure. Grants 2007 2004 2001 2001 2000 Ifa – Institut für Auslandbeziehungen, Berlin Project Grand, Berliner Senat Travel Grant, DAAD Project Grand, Berliner Senat Elsa-Neumann-Stipend (NaFöG) Selected Solo Shows 2015 2015 2015 2013 2011 2010 2010 2007 Untouched by Echoes, Bo Bjerggaard Gallery, Copenhagen Ideology, Museum Brandts 13, Odense (Denmark) Welt, Galerie Conrads, Dusseldorf Endloser Epilog, Galerie Conrads, Dusseldorf Fall, Rogaland Museum, Stavanger Zeichnungen und Installationen, Kunsthalle Emden, Emden Fall, Konstmuseum Kalmar, Kalmar (Sweden) Sichtung rot – private stories, Museo Paco Das Artes, São Paulo Selected Group Shows 2015 2015 2014 2013 2013 2007 2006 PIN – Auktion, Pinakothek der Moderne, Munich Zeitreise, Kunsthalle Emden, Emden Verzweigt, Altana Kulturstiftung / Museum Sinclair-Haus, Bad Homburg Spiegel der Seele. Landschaftsdarstellungen aus der Graphischen Sammlung, Museum Kunstpalast, Dusseldorf Farbe bekennen, Marta Herford, Herford Neue Heimat, Berlinische Galerie, Berlin Portrait Berlin, Goethe Institute, Washington D. C. Selected Collections Albertina, Vienna / Aros – Kunstmuseum, Aarhus / Berlinische Galerie, Berlin / Fondation Francés, Paris / Deichtorhallen, Hamburg / Kunsthalle Emden, Emden / Kunsthalle zu Kiel, Kiel / Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett, Berlin / Museum Kunstpalast, Dusseldorf / Sammlung Wemhöner, Berlin 124 BRIGITTE WALDACH Nature (diptych), 2014 3 - Colour - lithography on Velin d’Arches paper 100 × 138 cm (entire diptych) / 106 x 144 cm (framed) Edition 9 / 60 Published by Edition Copenhagen Starting bid: 1.600 € Courtesy of the artist 125 CLAUS ROTTENBACHER # 45 Born 1965 in Stuttgart. Lives and works in Berlin. Studied at the Technische Hochschule in Berlin (PhD). Als Fürsprecher der analogen Fotografie hat sich Claus Rotten bacher auf zwei sehr gegensätzliche Sujets spezialisiert: In seinem Studio nimmt er Kinderporträts auf, während er in seinen freien Projekten dem Schwerpunkt seines Studiums nachgeht und Architektur in den Blick nimmt. 2014 fing er einen Gang durch das Internationale Congress Centrum (ICC) in Berlin ein, das kurz danach geschlossen wurde. Die menschenleeren Ansichten lassen die moderne Formen sprache der Architekten ein letztes Mal zu Wort kommen und zeigen vergangene Zukunftsvisionen. Die einzelnen Räume wirken wie Filmkulissen von Science-Fiction Filmen aus den 1970 er Jahren. Rottenbacher bedient sich dabei einer ebenfalls veralteten Technik, die erfreulicher Weise bis in die Gegenwart überlebt hat: der Plattenkamera. In seiner Publikation Westort / Ostort – Raumporträts: Das ICC und die Fahrbereitschaft stellt er den Aufnahmen vom ICC Fotos von der Fahrbereitschaft in Berlin-Lichtenberg gegenüber – einem Gebäudekomplex, der zur gleichen Zeit am anderen Ende der Stadt entstand und sich heute als Kultur standort etabliert hat. As an proponent of analogue photography, Claus Rottenbacher has specialised in two very contrasting themes: In his studio he takes portrait photographs of children, while in his independent projects he pursues his studies and focuses on architecture. In 2014 he captured a passage through the International Congress Center (ICC) in Berlin, which was closed shortly after. The deserted views allow the modern design of the architects to speak out one last time, and show past visions of the future. The individual rooms appear like film sets from science fiction movies of the 1970 s. Rottenbacher makes use of a likewise outdated technique that has fortunately survived up until now: the plate camera. In his publication Westort / Ostort – Room Portraits: The ICC and the Fahrbereitschaft, he confronts photos of the ICC with pictures of the motor pool in Berlin-Lichtenberg — a building complex, which was created at the same time at the other end of the city and has now established as a cultural centre. GRants 1992-1995 Doctoral Scholarship, Deutsche Forschungsgemeinschaft (DFG) Selected Solo Shows 2015 2014 2012 2010 ICC, Senatsverwaltung für Stadtentwicklung und Umwelt, Berlin Ostort / Westort, Fahrbereitschaft, Berlin Prostratio, Hotel de Rome, Berlin Great Kids (exhibition and book presentation), 25books, Berlin Selected Group Shows 2013 2012 2010 Shine a light (with Susanne Rottenbacher), DMW LLP, Berlin 5th European Month of Photography – Der Blick des Anderen, Berlin Paderborner Fototage, Paderborn Publications 2015 2010 126 Westort / Ostort – Raumporträts: Das ICC und die Fahrbereitschaft, Kehrer Verlag, Heidelberg. Great Kids, Volume I, Darling Publications, Cologne. CLAUS ROTTENBACHER ICC Berlin (Artist Choice I), 2014 Edition folder with 11 photographs, inkjet prints Each 30 × 42 cm Edition 7 / 25 + 3 AP Authorized by a certificate Starting bid: 1.500 € Courtesy of the artist * 127 FRANZISKA KLOTZ # 46 Born 1979 in Dresden. Lives and works in Berlin. Studied at the Hochschule für Bildende Künste in Dresden and the Kunsthochschule Berlin-Weißensee in Berlin. Master student of Werner Liebmann. Die Malerin Franziska Klotz nimmt mit grobem Duktus die klassischen Sujets der Malerei wie Landschaft, Stillleben und Porträt auf, ohne dabei illusionistische Bilder zu schaffen. In ihren jüngsten Arbeiten, die 2015 während eines halbjährigen Aufenthaltes in Istanbul entstanden, setzt sie sich intensiv mit der Bedeutung des Ornaments auseinander und überträgt dessen Funktionsweise auf die herkömm lichen Gattungen der Malerei. Durch Parzellierung und die strukturelle Angleichung der Formen verschwimmen die Bildschöpfungen immer deutlicher zu einer Einheit und rufen Assoziationen zu den All-Over-Kompositionen eines Jackson Pollock in Erinnerung. Die Künstlerin behandelt seit ihrem Aufenthalt aber auch Themen, die weniger das Medium, als die erlebte örtliche Nähe zu den aktuellen Krisen herden betreffen. Einige Gemälde zeigen unendlich weite Zeltlager, andere sprechen im Titel die Auseinandersetzung mit der Bedeutung von Heimat an. Auch Seed 2 versteht sich in diesem Kontext und thematisiert nicht zuletzt die Frage nach der Herkunft, nach den eigenen Wurzeln. With a rough characteristic style, the painter Franziska Klotz addresses the classical subjects of painting such as land scape, still life and portrait, without creating illusionistic images in the process. In her latest works, which were created during a six month stay in Istanbul, she looks intensively at the significance of the ornament and transfers its functionality to the conventional genres of painting. By parcellation and the structural alignment of the depicted forms, the compositions melt more and more into a whole and give rise to associations with the all-over-images of Jackson Pollock. However, since her stay, the artist also deals with topics which refer less to the medium of painting, than to take up the local proximity to current trouble spots which she experienced in Turkey. Some paintings show end lessly wide tent camps, others address the reflection on the meaning of home already in the title. In this context also Seed 2 is to be interpreted and not least picks out as a central theme the question of origin and of personal roots. Grants 2015 2005 Grant of the Kulturakademie Tarabya, Turkey Max - Ernst - Award, Brühl Selected Solo Shows 2015 2014 2012 2009 2009 2005 2005 Galerie Kornfeld, Berlin H3PO4, Galerie Kornfeld, Berlin Galerie Wolfsen, Aalborg Charim Galerie, Vienna Nowhere Right Here! , Cerasoli Gallery, Los Angeles New Painters: Part One, Galerie Davide Di Maggio, Milan Max - Ernst - Award, Galerie am Schloss, Brühl Selected Group Shows 2015 Balagan !!! (Norwind Festival), Max Liebermann Haus / Kühlhaus / Kunstquartier Bethanien, Berlin 2015 Imagination und Inszenierung, Bauart Galeri, Istanbul 2014 4th Moscow International Biennale for Young Art, Moscow 2013 Berliner Salon, Kunsthaus Meiningen, Meiningen 2013 Bogota, Hotel Bogota, Berlin 2012 Tracing Paper, Galerie Charim, Vienna 2012 I’m Sorry. I Did Not Realize You! , Port Art Gallery, Ankara 2011 Der Letzte Macht Das Licht Aus, Freies Museum, Berlin 2011 12th Istanbul Biennale – Technology won’t save us, Art Suites Gallery, Istanbul 2011 A Sort of Homecoming, Collegium Hungaricum, Berlin 2009 Winter Salon, Micaela Gallery, San Francisco 2007 Überhitzt. Kunst und Klimawandel, Kunstraum Kreuzberg / Bethanien, Berlin 2007 Malkunst 2 – Zeitgenössische Malerei in Berlin, Fondazione Mudima, Milan 2004 Fassadenrepublik, Palast der Republik, Berlin 128 FRANZISKA KLOTZ Seed 2, 2016 Oil on canvas 60 × 50 cm Starting bid: 2.200 € Courtesy of Galerie Kornfeld, Berlin 129 BETTINA WITTEVEEN # 47 Born 1958 in Mannheim. Lives and works in Berlin and New York. Studied at the Wellesley College, Wellesley (Massachusetts). Die Fotografin und Konzeptkünstlerin Bettina WitteVeen reist für ihre Langzeitprojekte seit den 1990 er Jahren um die Welt. Sie untersucht Kulturen und gesellschaftliche Phänomene wie das kollektive Trauma als Folge von Kriegen und Völkermorden. In umfassenden Werkkomplexen wie The Heart of Darkness oder The ErlKing beschäftigt sie sich mit den Schattenseiten des Menschseins. Aufmerksamkeit erregte die Künstlerin vor allem mit dem vierten Teil von The Heart of Darkness, den sie unter dem Titel When We Were Soldiers ... once and young im Brooklyn Navy Yard Hospital gezeigt hat und auch in Berlin ausstellen wird. Er beinhaltet Archivbilder aus Kriegszeiten, die Verletzungen und Leid zeigen. ALTAR I stammt aus der Serie Der Erlkönig – Shivas Altar. WitteVeen vergleicht die literarische Figur mit dem Hindu-Gott, die als allegorische Verkör perungen des Todes verstanden werden. Dabei überträgt sie Aspekte des Hinduismus auf die Zeitgeschichte und the matisiert das Prinzip der Zerstörung. Es geht der Erneuerung voran und bestimmt das Zeitalter Kali Yuga, in dem wir nach b uddhistischem Glauben leben und das durch Streit, Krieg und Raffgier charakterisiert ist. The photographer and conceptual artist Bettina WitteVeen has been travelling around the world since the 1990 s for her long-term projects. She examines cultural and socio logicalphenomena such as the collective trauma caused by wars and genocides. In comprehensive work complexes like The Heart of Darkness or The ErlKing she deals with the dark side of humanity. The artist caused a stir especially with the fourth part of The Heart of Darkness, entitled When We Were Soldiers ... once and young, which she exhibited in the Brooklyn Navy Yard Hospital and will also show in Berlin. It contains archive footage from times of war which displays injuries and suffering. ALTAR 1 is part of the series Der Erlkönig-Shivas Altar (The Erlking-Shiva’s Altar) . WitteVeen compares both, the literary figure with the Hindu god, which are perceived as allegorical embodiments of death. She transfers aspects of Hinduism into the present and thematises the principle of destruction, which pre cedes renewal and characterises the era of Kali Yuga — an era in which we live according to Buddhist belief and which is dominated by dispute, war and avarice. Selected Solo Shows 2015 2008 2007 2006 2005 2005 2003 When We Were Soldiers ... once and young, Brooklyn Navy Yard Hospital, New York Der Tod und Das Mädchen, Königstadtbrauerei, Berlin The ErlKing / Werkschau, White Space Gallery, Amsterdam Brüder, Zur Sonne, Zur Freiheit and the beat goes on, Goethe Institute, New York The ErlKing: Altar for Shiva, OmniArt-Miami III, Florida Dulce Et Decorum Est Pro Patria Mori, Maison Saint-Louis, Lectoure Sacred Sister, Art Basel Miami Beach, Florida Selected Group Shows 2016 2013 2013 2012 2000 130 Christa – The Dignity Project, Cathedral of Saint John the Divine, New York Cutlog, Artist Film Festival, Paris Sein oder Nichtsein. Das zeitgenössische Porträt, Munich Modern, Munich Das Prinzip Komposition, Munich Modern, Munich Body Art: Masks of Identity, American Museum of Natural History, New York BETTINA WITTEVEEN ALTAR I, 2010 [ 4 parts ] C-print, mounted on alu dibond Each 25 × 25 cm Starting bid: 1.500 € Courtesy of the artist 131 MARTA SFORNI # 48 Born 1966 in Milan. Lives and works in Venice and Berlin. Studied at the Università Iuav in Venice and the Accademia delle Bella Arti in Milan. Adolf Loos würde die italienische Malerin Marta Sforni vermutlich als Kriminelle bezeichnen, da sie in ihren Werken eben das zelebriert, was der Wegbereiter der Moderne als Verbrechen an der Gesellschaft bezeichnete: das Ornament. Die intensive Beschäftigung Sfornis mit dem kunst- und architekturgeschichtlichen Hintergrund des Ornaments ist nicht zuletzt auf ihr Architekturstudium zurückzuführen. Was zunächst abstrakt erscheint, entpuppt sich beim genaueren Hinsehen als Detailstudie von Interieurs. Sfornis Bilder zeigen Fragmente von Vorhängen, Tapeten, Kronleuchtern oder wie bei Mirror Green, von massiven Spiegeln. Sie zeugen von den kulturellen Wurzeln der Künstlerin und erinnern an die Blütezeit Italiens und die üppig ausgestatteten Kirchen und Palazzi des Landes. Durch die ewige Wiederholung der einzelnen Formen wird nicht zuletzt der moderne Charakter des Ornaments betont, der sich unter anderem in der seriellen Reihung minimalistischer Kunstwerke wiederfindet. Die Künstlerin reflektiert über die Bedeutung von Schönheit und die Dekadenz unserer Zeit. Der Spiegel wird dabei zum Sinnbild für Reflexion und Illusionismus – für Themen, die die traditionelle Malerei bestimmen. Adolf Loos would probably call the Italian painter Marta Sforni a criminal, because in her works she celebrates precisely what the precursor of the modern age called a crime against society: the ornament. The intense occupation of Sforni with the art historical and architectural background of the ornament can in no small part be traced back to her architectural studies. What appears initially as abstract, on closer inspection turns out to be a detailed study of interiors. Sforni’s pictures show fragments of curtains, wallpapers, chandeliers or, like at Mirror Green, of massive mirrors. They bear witness to the cultural roots of the artist and remind of Italy’s prime and the luxuriously decorated churches and palazzi of the country. Through the constant repetition of the individual shapes not least the modern character of the ornament is emphasised, which is, among others, found again in the serial lining up of objects of the minimalists. The artist reflects on the meaning of beauty and decadence in our times. Hereby, the mirror becomes a symbol for reflection and illusionism — for topics which determine traditional paintings. Selected Solo Shows 2013 2012 2011 2008 Galleria Riccardo Crespi, Milan Raum für Neue Kunst, Zurich Morotti Arte Contemporanea, Varese Galleria Michela Rizzo, Project Room, Venice Selected Group Shows 2015 2014 2014 2012 2011 2009 132 Galleria Riccardo Crespi, Milan Morotti Arte Contemporanea, Varese ARE – Artistic Research Encounters, Alter Garnisonfriedhof, Berlin Galleria Riccardo Crespi, Milan Italian Embassy, Berlin Il Canneto Editore, Genoa Marta Sforni Mirror green, 2015 Oil on linen 76 × 60 cm Starting bid: 1.800 € Courtesy of the artist 133 CORNELIA RENZ # 49 Born 1966 in Kaufbeuren. Lives and works in Berlin. Studied at the Universität Augsburg and the Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig under a.o. Neo Rauch. Master student of Sighard Gille. Cornelia Renz arbeitet malerisch und grafisch auf Acrylglas und Papier. Dabei verhandelt sie kontinuierlich die Frage nach der Rolle der Frau in der heutigen Gesellschaft. Einen entscheidenden Impuls erfuhr sie durch die Entdeckung von Henry Darger – ein kaum bekannter Künstler, in dessen Werken immer wieder skurrile Mädchenfiguren mit Penissen auftauchen. Dargers Fantasiemenschen inspirierten Cornelia Renz zu ihrer persönlichen Auseinandersetzung mit Frauenbildern. Sie hinterfragt und sammelt international vorherrschende Klischees und bringt sie mit stigmatisie renden Verweisen auf die Wesenszüge von Frauen zusammen, wie sie beispielsweise mit der Darstellung von Hasen oder Pferden assoziiert werden. Die Collage This way to zentriert sich um ein wiederkehrendes Motiv im Schaffen der Künstlerin: Ein makelloser Frauentorso ersetzt den Rumpf eines schwarzen Rosses. Dadurch wird nicht nur die klischeebelastete weibliche Pferdeliebe angedeutet und durch das Mädchen am linken Bildrand verstärkt, sondern auch der Körper der Frau mit einem schönen Pferd verglichen – je gepflegter und edler, desto mehr kann sich der stolze Besitzer damit brüsten. Cornelia Renz works in painting and graphically on acrylic glass and paper. She thereby continuously questions the role women play in today’s society. She experienced a crucial impulse through the discovery of Henry Darger — a hardly known artist, who again and again uses droll figures of girls adorned with penises, in his works. Cornelia Renz was inspired by Darger’s fantasy characters to involve personally with female figures. She questions and collects internationally prevailing clichés and brings them together with stigmatising referrals to the characteristics of women, as they are associated for example with the depiction of rabbits or horses. The collage This way to centres around a recurring motif in her works: A flawless torso of a woman replaces the back of a black steed. Hereby, the artist not only intimates the cliché laden, female love of horses which is reinforced by the girl at the left edge of the picture, but also compares the body of a woman with that of a beautiful steed — the more groomed and noble, the more the proud owner can brag with it. Selected Grants 2014 2012 2011 2005 Stipend, Künstlerhaus Schloss Balmoral Stipend, Else-Heiliger-Fonds, Konrad-Adenauer-Stiftung Villa Aurora Stipend, Pacific Palisades Fine Art Prize, Schering Foundation, Berlin Selected Solo Shows 2014 Worn-out Beasts, LSD Galerie, Berlin 2013 Wollust, Centro Atlántico de Arte Moderno, Gran Canaria 2011 Night. Tail. Pieces, Kunstverein Konstanz, Constance 2010 Idyll, Nolde Stiftung, Berlin 2010 Pet Show, Galerie Anita Beckers, Frankfurt a. M. 2009 Volta Basel – Pavor Nocturnus (with Galerie Anita Beckers), Basel 2008 Heaven, C1 / Kunsthalle Göppingen, Göppingen 2007 Subrosa, Goff & Rosenthal, New York Selected Group Shows 2016 2016 2015 2015 2014 2013 2005 2005 If you are dating me, you don’t need chemicals. Part Two: Die bitteren Tränen der Petra von Kant, NeuDeli, Leipzig If you are dating me, you don’t need chemicals. Part One: Valley of the dolls, Spor Klübü, Berlin KIK 7. Time lies, Kino International, Berlin O. T. , Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen Superpositions, Goethe Institute, Los Angeles / San Francisco Der zweite Blick, Städtische Galerie Nordhorn, Nordhorn Trial of Power, Kunstraum Kreuzberg / Bethanien, Berlin Shortlist – Fine Art Prize of the Schering Foundation, Berlinische Galerie, Berlin Selected Collections Berlinische Galerie, Berlin / KNPZ, Hamburg / Montblanc Sammlung, Hamburg / The Zabludowicz Art Trust, London / Weizmann Collection, USA / Randolfo Rocha Collection, Great Britain / Credit Beaux-Arts, Tokyo 134 CORNELIA RENZ This way to, 2014 Drawing, collage and silkscreen on foil and paper 30 × 40 (sheet) / 43 × 54 cm (framed) Starting bid: 700 € Courtesy of the artist and TS art projects 135 MILENA DRAGICEVIC # 50 Born 1965 in Knin (Yugoslavia). Lives and works in London. Studied at the York University in Toronto and the Royal College of Art in London. Milena Dragicevic is a. o. represented by the gallery Martin Janda in Vienna. Milena Dragicevic bezeichnet sich selbst als perfektesBei spiel der Globalisierung oder vielmehr als deren Frankenstein-Version: Sie stammt aus Jugoslawien, erlebte dort den Bürgerkrieg, wuchs in Kanada auf und wohnt heute in London, während ihre Galerie in Wien sitzt. Der Versuch, sie aufgrund ihres Nachnamens als osteuropäische Künst lerin zu stigmatisieren, muss demnach zwangsläufig scheitern. Die zusammengesetzte Identität Dragicevics spiegelt sich auch in ihrer Arbeit Omot 1 wider, wobei der Titel zu Deutsch „Verhüllung“ bedeutet. Die Figur gibt sich weder als Frau, noch als Mann zu erkennen. Die Hände haben verschiedene Hautfarben. Umhüllt und zusammengehalten wird die Person lediglich von einem grellpinken, afrikanischen Gewand. Der Hintergrund gestaltet sich zur Hälfte gelb, zur Hälfte grün und bleibt dabei – wie es für die Malerin charakteristisch ist – monochrom. Das Werk kann als Vorläufer der Serie Supplicants betrachtet werden, die Dragicevic seit 2006 fortführt. Darin porträtiert sie ihre Freunde und entfremdet deren Gesichter mit abstrakten Gebilden, was zuweilen gewaltvoll wirkt und im über tragenen Sinne Thematiken wie Zensur und Gesichtsverlust anspricht. Milena Dragicevic characterises herself as a perfect example of globalisation or rather its Frankenstein version: She comes from Yugoslavia, lived through its civil war, grew up in Canada and today lives in London, while her gallery is situated in Vienna. To try and stigmatise her as an East European artist on the basis of her surname, therefore inevitably fails. The assembled identity of Dragicevic is also reflected in her work Omot 1, whereby the title would mean “disguise” in English. The figure cannot be identified as either a man, or a woman. The hands have different skin colours. The person is shrouded and kept together by a garish pink, African garment. The background is kept half yellow, half green and remains — as is characteristic for the artist — monochrome. The painting can be regarded as a precursor to the series Supplicants, which Dragicevic has been continuing since 2006. She portrays her friends and disaffects their faces with abstract structures. At times, the gesture seems violent and figuratively addresses topics like censorship and loss of face. Grants 2013 1992 Sammlung Lenikus, Vienna Stanley Picker Fellowship, Kingston University, Surrey Selected Solo Shows 2014 2008 2006 2005 2002 2000 Galerie Martin Janda, Vienna Coloured Threads in Door Knobs, Pump House Gallery, London The Supplicants, Gallery Vera Munro, Hamburg Falsifikacija, Ibid Projects, London Reconstruction Isn’t Easy, Ibid Projects, London Ivan loves Ivan, Damtsahaberz, London Selected Group Shows 2015 Don’t Shoot The Painter. Works from the UBS Collection, Galleria d’Arte Moderna Milano, Milan 2015 One Day, Something Happens: Paintings of People, Leeds Art Gallery, Leeds 2013 Characters: People and Portraits from the Arts Council Collection, Holburne Museum of Art, Bath 2012 Recent British Painting, Grimm Gallery, Amsterdam 2011 British Art Show 7: In the Days of the Comet, Hayward Gallery, London / Centre for Contemporary Art and Gallery of Modern Art and Tramway, Glasgow / Peninsula Arts, Plymouth Arts Centre, Plymouth City Museum and Art Gallery, Plymouth 2010 British Art Show 7: In the Days of the Comet, Nottingham Contemporary / Nottingham Castle Museum / New Art Exchange, Nottingham 2007 Museum of Modern Art and Western Antiquities. Section III. Department of Pigments and Surface: Very Abstract and Hyper Figurative, 2005 2005 136 Thomas Dane Gallery, London Even a Stopped Clock Tells the Right Time Twice a Day. Man in the Holocene, ICA, London Security Check – Paintings after Romanticism, Arndt & Partner, Zurich Milena Dragicevic Omot 1, 2005 Oil on canvas 91 × 76 cm (framed) Starting bid: 1.500 € Courtesy of A3 Arndt Art Agency, Berlin 137 Versteigerungsbedingungen ORGANISATION UND LEITUNG DER VERSTEIGERUNG CONDITIONS OF SALE ZUSCHLAG Die im Katalog angegebenen Beträge sind Rufpreise. Die Versteigerung b eginnt in der Regel bei den angeführten Rufpreisen, unter Berücksich tigung schriftlicher Vorgebote. Gesteigert wird um ca. 10% des Rufpreises bzw. letzten Angebotes, sofern der Auktionator nicht etwas anderes bestimmt. Der Zuschlag wird vom Auktionator erteilt, wenn nach dreimaligem Aufruf eines Gebotes kein höheres Gebot abgegeben wird. Der Zuschlag geht an den Meistbietenden. Bei Meinungsverschiedenheiten über ein Doppelangebot oder wenn der Auktionsleiter ein Angebot übersehen hat, ist der Auktionsleiter berechtigt, einen schon erteilten Zuschlag aufzuheben und den betreffenden Posten weiter zu versteigern. Bleiben Gebote unterhalb des im Katalog genannten Preises, kann der AukANMELDUNG / BIETERNUMMERN Für die Teilnahme an der Versteigerung benötigen Sie eine persönliche tionator den Zuschlag unter Vorbehalt erteilen, auf den er in diesem Falle hinBieternummer. Wir bitten Sie, diese frühstmöglich, spätestens aber bis zum weist. Der Auktionator hat das Recht, den Zuschlag zu verweigern oder ein 2. Juni 2016, 17 Uhr bei Betti Pabst unter guest @ caa-berlin.org, per Fax unter Gebot abzulehnen, wenn der Bieter sich vor Beginn nicht registriert hat und +49 (0) 30 726 267 520 oder telefonisch unter +49 (0) 30 726 267 515 zu bean- über keine Bieternummer verfügt. Wird ein Gebot abgelehnt, so bleibt das vorangegangene Gebot wirksam. Der Zuschlag verpflichtet den Bieter zur tragen. Von den der CAA nicht persönlich bekannten Bietern benötigen wir zur Abnahme. Erteilung der Bieternummer spätestens 48 Stunden vor Beginn der Verstei gerung eine schriftliche Anmeldung mit Ausweiskopie. Nur unter einer Bieter KAUFPREIS UND ZAHLUNG nummer abgegebene Gebote können auf der Versteigerung berücksichtigt Der Kaufpreis ist mit Zuschlag fällig und ist bar oder per Überweisung zu entrichten. Der Kaufpreis besteht aus dem Hammerpreis und gesetzlicher werden. Am Veranstaltungstag können Sie vor Ort ab 16 Uhr Ihre Bieternummer ent- Mehrwertsteuer. Kosten für Zollabwicklung und Ein- / Ausfuhrzölle können ggf. hinzukommen und gehen zulasten des Käufers. Der Käufer verpflichtet gegennehmen. sich entsprechend dem Wunsch des Verkäufers, der den betreffenden Anspruch an die CAA abtritt und so dem guten Zweck zuführt, den Kaufpreis GEBOTE Gebote sind persönlich, telefonisch oder schriftlich möglich. Eingereichte direkt auf folgendes Spendenkonto der CAA zu überweisen: Gebote gelten als verbindlich. Die Versteigerung erfolgt ohne Aufgeld. Contemporary Arts Alliance Berlin Weberbank SCHRIFTLICHES GEBOT Schriftliche Gebote können bis zum 2. Juni 2016, 17 Uhr abgegeben werden. IBAN: DE 91 1012 0100 1003059281 Für schriftliche Gebote nutzen Sie bitte das Formular für schriftliche Ge- BIC: WELADED1WBB bote. Dieses finden Sie als Beilage im Auktionskatalog und als Download im Internet unter www.caa-berlin.org. Ihr Gebot senden Sie bitte per E-Mail an Die Zahlungen sind in Euro zu entrichten. Alle Steuern, Kosten und Gebühren der Zahlung gehen zu Lasten des Käufers. Der Käufer verpflichtet sich zur berlin @ lempertz.com oder per Fax an +49 (0)30 27 876 086. Schriftliche Gebote müssen vom Bieter unterzeichnet sein und den gebotenen Zahlung innerhalb von 10 Tagen nach erfolgtem Zuschlag. Hammerpreis nennen. Mit dem schriftlichen Gebot beauftragt der Bieter den Auktionator, seine Gebote unter Berücksichtigung seiner Weisungen ab- ABHOLUNG zugeben. Das schriftliche Gebot wird vom Auktionator nur mit dem Betragin Wir bitten Sie, Ihre Ankäufe baldigst abholen zu lassen, da wir nach Ablauf Anspruch genommen, der erforderlich ist, um ein anderes Gebot zu über- von 14 Tagen Kunstwerke kostenpflichtig auslagern müssen. Werden ersteibieten. Gehen mehrere gleich hohe Gebote für dasselbe Kunstwerk ein, so gerte Werke nicht innerhalb einer Frist von 14 Tagen nach Zuschlagserteilung erhält das zuerst eingetroffene Gebot den Zuschlag, sofern kein höheres abgeholt, werden dadurch entstehende Lagerkosten dem Käufer von der beauftragten Spedition direkt in Rechnung gestellt. Verpackung und Versand Gebot vorliegt. erfolgt auf alleinige Gefahr und Kosten des Käufers. Dieser erhält nach Zahlungseingang vom Veranstalter alle notwendigen Angaben wie Abholadresse TELEFONGEBOTE Für Telefongebote geben Sie uns bitte bis spätestens 2. Juni 2016, 17 Uhr und Ansprechpartner. schriftlich bekannt, an welchem Werk Sie interessiert sind. Möchten Sie während der Auktion telefonisch bieten, machen Sie bitte einen deutlichen RÜCKTRITT Vermerk im Formular für schriftliche Gebote und geben Sie eine Nummer Ist der Käufer in Zahlungsverzug, kann der Einlieferer nach Setzen einer an, unter der wir Sie am Tag der Auktion erreichen können. Senden Sie Ihren Nachfrist von 14 Tagen ganz oder teilweise vom Vertrag zurücktreten. Im Telefonauftrag per Email an berlin @ lempertz.com oder per Fax an +49 (0)30 Falle des Rücktritts erlöschen alle Rechte des Käufers am ersteigerten Kunst27 876 086. Es wird keine Haftung für das Zustandekommen von Telefon-, werk. Im Falle des Rücktritts haftet der Käufer für die bis zur Rückgabe Fax- oder Datenleitungen sowie für Übermittlungs- und Übertragungs- und anfallenden Transport-, Lager- und Versicherungskosten. Übersetzungsfehler im Rahmen des eingesetzten Fernkommunikations mittels oder für dessen missbräuchlichen Einsatz durch unbefugte Dritte HAFTUNG Die Beschreibungen der Versteigerungsobjekte beruhen auf den Angaben der übernommen. Einlieferer. Für die Richtigkeit der Angaben sowie den Zustand der Werke wird keine Haftung übernommen. BIETEN FÜR DRITTE Will ein Bieter Gebote im Namen eines Dritten abgeben, so hat er dies bis zum Die Organisatoren der Veranstaltung verpflichten sich mit gebotener Sorg2. Juni 2016, 17 Uhr, unter Nennung von Namen und Anschrift des Vertrete- faltspflicht Angaben sorgfältig zu prüfen und für einen sachgerechten Tran nen und unter Vorlage einer schriftlichen Vollmacht mitzuteilen. Andernfalls sport und Umgang mit den eingelieferten Arbeiten zu sorgen. Reklamationen und Ansprüche betreffend den Preis, die Beschaffenheit und kommt der Kaufvertrag bei Zuschlag mit dem Bieter zustande. Die Auktion wird von der Contemporary Arts Alliance Berlin (CAA) in Kooperation mit dem Kunsthaus Lempertz veranstaltet. Der Auktionator führt die Versteigerung in den Räumen der Villa Elisabeth in der Invalidenstraße 3 in Berlin-Mitte durch. Die Kunstwerke verbleiben bis zur Bezahlung im Eigentum der Einlieferer. Der Kaufvertrag wird bei Zuschlag zwischen Einlieferer und Käufer geschlossen. Der Versteigerungserlös kommt in voller Höhe der CAA zugute. Die Versteigerung erfolgt auf der Grundlage dieser Versteigerungsbedin gungen. Durch Abgabe eines Gebots erkennt der Käufer diese Versteigerungs bedingungen als verbindlich an. 138 den Zustand der ersteigerten Werke oder Schadensersatzansprüche sind dem Veranstalter gegenüber ausgeschlossen, sofern sie nicht durch grobfahrlässiges oder vorsätzliches Verhalten seiner Mitarbeiter verursacht sind. Die vorgenannten Haftungsbeschränkungen gelten nicht für Schäden aus der Verletzung von Leben, Körper oder Gesundheit, die auf Pflichtverletzungen von Veranstalter oder seiner Vertreter oder Erfüllungsgehilfen beruhen. ORGANISATION AND MANAGEMENT OF THE AUCTION The public auction is organised by the Contemporary Arts Alliance Berlin (CAA) in cooperation with the Kunsthaus Lempertz. The auctioneer will auction the works of art at the premises of Villa Elisabeth, Invalidenstraße 3 in Berlin-Mitte. The works of art will remain the property of the consignor until payment. The sales contract will be made between consignor and buyer upon acceptance of the bid. The proceeds of the auction benefit in full CAA. NACHVERKAUF The auction shall be performed on the basis of the present Conditions of Sale. In der Zeit vom 6. bis 24. Juni 2016 können nicht versteigerte Kunstwerke im By submitting a bid, the buyer acknowledges the Conditions of Sale as being Wege des Nachverkaufs erworben werden. Der Nachverkauf ist Teil der Ver- binding upon it. steigerung, bei welcher der Interessent entweder persönlich, telefonisch oder schriftlich den Auftrag zur Gebotsabgabe mit einem bestimmten Betrag erteilt. REGISTRATION / PADDLE NUMBERS Für Gebote im Nachverkauf wenden Sie sich bitte an pabst @ caa-berlin.org. In order to participate at the auction a personal paddle number is needed. To receive your personal paddle number, please register in advance, latest by MEHRSPRACHIGE BEDINGUNGEN June 2, 2016, 5 pm and send your registration request to Betti Pabst (CAA) Soweit die Versteigerungsbedingungen in mehreren Sprachen vorliegen, ist either by e-mail to guest @ caa-berlin.org, by fax +49 (0)30 726 267 520 or call die deutsche Fassung maßgebend. under +49 (0)30 726 267 515. Bidders yet unknown to CAA must register in writing and provide a copy of ANWENDBARES RECHT an identity document up until latest 48 hours prior to the start of the auction Es gilt ausschließlich das Recht der Bundesrepublik Deutschland. (June 2, 2016, 5 pm). At the auction only the bids submitted using a paddle number will be considered. ERFÜLLUNGSORT UND GERICHTSSTAND Paddle numbers will be issued at the day of the auction as of 4 pm. Der Erfüllungsort und Gerichtsstand ist Berlin. BIDS You may make a bid in person, by phone, or in writing. Bids made are deemed binding. All bids are exclusive of VAT. Applicable VAT and duties on the hammer price have to be paid by the buyer. WRITTEN BID Bids may be submitted in writing until June 2, 2016, 5 pm. You can use the forms available in the auction catalogue or download the form at www.caaberlin.org. Please send your registration form for written bids by e-mail to berlin @ lempertz.com or by fax to +49 (0)30 27 876 086. The written bid must be signed by the bidder and must give the maximum price offered for the work of art. By placing a written bid, the bidder instructs the auctioneer to submit such bid in accordance with its instructions. The auctioneer shall use the amount specified in the written bid only up to what ever amount may be required to outbid another bidder. If several bids are made with the same sum for the same work of art, the bid received first will win, unless another bid is higher. TELEPHONE BIDDING For telephone bidding, please let us know by June 2, 2016, 5 pm, in writing, which work of art you are interested in. Please use the registration form for written bids and clearly mark in the document, if you want to bid by phone during the auction, and leave a phone number where we can reach you on the day of the auction. Please send your telephone order by e-mail to berlin @ lempertz.com or by fax to +49 (0)30 27 876 086. No liability is accepted for establishing and maintaining phone, fax or data lines or for transmission, transfer, translation errors within the scope of the used communication medium or for its abusive use by unauthorized third parties. BIDDING ON BEHALF OF A THIRD PARTY If a bidder wants to make a bid on behalf of a third party, he / she must inform the organizers of the auction until June 2, 2016, 5 pm at latest that he / she wishes to do so. In this case, he / she must give the name and address of the person he / she represents, and must submit a proxy written by the latter. Otherwise, upon acceptance of the bid, the sales contract will be made with the bidder. ACCEPTANCE OF THE BID The prices indicated in the catalogue are starting prices. The auction gene rally starts with the indicated starting prices, considering the written bids 139 made prior to the auction. Unless otherwise determined by the auctioneer, the bid increments will amount to ca. 10% of the respective previous bid. The bid is accepted by the auctioneer, if no other bid exceeds the initial bid after three calls. The highest bid wins. In the case of disagreement caused by the event of a double bid or by the auctioneer overseeing a bid, the auction manager may revoke any knock-down and may once again call up the work of art to ask for bids. If the bids remain below the price indicated in the catalogue, the auctioneer can accept the bid subject to supplement, of which he reminds in this case. The auctioneer may refuse to accept the bid or reject a bid, if the bidder has not registered prior to the auction, and does not have a bidder number. If a bid is rejected, the previous bid remains valid. The acceptance of the bid is binding for the bidder. PURCHASE PRICE AND PAYMENT AFTERSALES Works of art not sold at the auction can be bought in the after sales from June 6 to 24, 2016. The after sales are part of the auction. Interested parties may bid at a certain amount either in person, or by phone, or in writing. If you want to bid in the after sales please contact pabst @ caa-berlin.org. MULTILINGUAL AUCTION CONDITIONS If the auction conditions are available in several languages, the German version shall be legally binding. APPLICABLE LAW The laws of the Federal Republic of Germany shall apply exclusively. PLACE OF PERFORMANCE AND COMPETENT COURT Wir danken unserem Partner - der DKB herzlich für die Unterstützung! The place of performance and competent court shall be Berlin. The purchase price shall be due for payment upon the work of art being knocked down to the buyer. It is to be paid in cash or by wire transfer. The purchase price includes the hammer price, statutory value added tax, costs for the customs proceedings, import or export duties that might fall due will have to be borne by the buyer. According to the wish of the seller the buyer who has assigned the corresponding claim to the CAA and has thereby transferred his claim to the charitable purpose agrees to wire the amount of the purchase price to the following donations account: Contemporary Arts Alliance Berlin Weberbank IBAN: DE 91 1012 0100 1003059281 BIC: WELADED1WBB Payments are to be made in Euro. All taxes, charges and other fees related to the payment will be at the expense of the buyer. The buyer agrees to pay within 10 days upon acceptance of the bid. COLLECTION We ask you to collect your purchased artwork as soon as possible, since we are obliged to relocate them to an external warehouse, 14 days after the sale, at the owner’s expense. If the artwork is not collected within 14 days of the acceptance of the bid the respective shipper will charge the buyer directly with the accruing storage fees. The packing and shipping of the artwork will take place entirely at the buyer’s own risk and expense. The buyer shall receive all necessary information (i.e. collection address and contact person) from the organiser, after full payment for the work has been received. RESCISSION If the buyer is in default, the consignor, after having offered a grace period of 14 days, may partially or wholly withdraw from the contract. In case of such rescission all rights of the buyer to the work of art he / she bought will expire. In case of a rescission the buyer will be held liable for any transportation, storage and insurance costs incurred until the work of art has been returned. LIABILITY The descriptions of the objects of the auction are based on the information of the consignors. The organizer of the auction does neither accept liability for the accuracy of the information nor for the condition of the works. The organizers of the event agree to check the information with due diligence and to take care of an adequate transportation and handling of the works consigned. Complaints and claims concerning the price, the state and condition of the works bought at the auction or damage claims against the organizer of the auction are not permitted, unless they are based on gross negligence or intentional action of his staff. The above restrictions to liability do no apply to damages resulting from injury to life, body, or health, based on the violation of duties of the organiser or its representatives or agents. 140 We’d like to thank our partner - the DKB sincerely for their support! Frühjahrsauktionen 2016 30. April 30. April 19./20. Mai 21. Mai 3./4. Juni 10./11. Juni 15. Juni Berlin Auktion (Berlin) Russian Sale (Berlin) Schmuck, Kunstgewerbe Alte Kunst und 19. Jahrhundert Moderne Kunst, Photographie, Zeitgenössische Kunst Asiatische Kunst Afrikanische und Ozeanische Kunst (Brüssel) Andy Warhol. Superman. 1981. Exemplar 168/200. Farbserigraphie mit Diamantstaub, 96,5 x 96,5 cm. Signiert. Auktion 3. Juni, Köln Neumarkt 3 50667 Köln T 0221-92 57 290 info@lempertz.com www.lempertz.com Berlin 030-27 87 60 80 München 089-98 10 77 67 Zürich 044-422 19 11 Brüssel 02-514 05 86 Speisen & Getränke werden serviert vom Team MCA Catering & Event. Food & Beverages will be served by Team MCA Catering & Event. Wir danken sehr herzlich allen beteiligten Künstlern, Sammlern und Galeristen, unserem Partner und unseren Unterstützern! Wir bedanken uns herzlich für die groSSzügigen Spenden von: Martin Assig, Phyllida Barlow, Malte Bartsch, Andrea Bowers, Tino Geiss, Greg Colson, Dieter Detzner, Milena Dragicevic, Felix Droese, Christian Falsnaes, Thomas Florschuetz, Friedemann Grieshaber, Katharina Grosse, Carla Guagliardi, Friedrike Hamann, Leiko Ikemura, Christian Jankowski, Jia, Michelle Jezierski, Veronika Kellndorfer, Bettina Khano, Franziska Klotz, Jürgen Mayer H., François Morellet, Matt Mullican, Olaf Nicolai, Nathan Peter, Bettina Pousttchi, Rebecca Raue, Ariel Reichman, Cornelia Renz, Maximilian Rödel, Claus Rottenbacher, Susanne Rottenbacher, Stefan Saffer, Titus Schade, Marta Sforni, Fiete Stolte, Nasan Tur, Brent Wadden, Brigitte Waldach, Philippe Vandenberg, Marc von der Hocht, Désirée von Trotha, Klaus vom Bruch, Bettina WitteVeen und Jens Wolf. Unser herzlicher Dank gilt auSSerdem: A3 Arndt Art Agency, Buchmann Galerie, Capitain Petzel, Christopher Grimes Gallery, Galerie Brockstedt, Galerie Diehl, Galerie Eigen + Art, Galerie Klaus Gerrit Friese, Galerie Kornfeld, H.M. Klosterfelde Edition, Estate Philippe Vandenberg, Hauser & Wirth, Neue Galerie Berlin, Peres Projects, PSM Gallery, Sammlung Rosenkranz, Semjon Contemporary und TS art projects. Im Zuge der Umsetzung der Auktion gilt unser besonderer Dank: Esmée Böhm, Yvonne Borrmann und Friederike von Brühl. Wir danken unserem Partner: Mit freundlicher unterstützung von:
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