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IVO DIMCHEV „I-ON“ © IVO DIMCHEV | PEACH
MEDIENINFORMATION
11.07.–11.08.13
WWW.IMPULSTANZ.COM
(+43-1) 523 55 58
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IMPRESSUM
Intendant
Karl Regensburger
Künstlerische Beratung
Ismael Ivo
Künstlerische Leitung [8:tension]
Christa Spatt | Christine Standfest |
Michael Stolhofer | Charlotte Van De Vyver
Künstlerische Leitung „Occupy the Museum”
Michael Stolhofer | Ong Keng Sen
Künstlerische Leitung Workshops & Research
Rio Rutzinger
Dramaturgische Beratung & Abendprogramme
Christine Standfest
Organisationsentwicklung
Andreas Barth
Technische Leitung
Harald Godula
Presse & PR
Joachim Kapuy | Annika Goetz |
Susanne Jaritz | Bettina Lukitsch
Marketing & PR
Joachim Kapuy | Silvia Ramsauer |
Wolfgang Igler
ImpulsTanz - Club
Alissa Winkler
ImpulsTanz maîtres de plaisir
francophil & Team
Workshop Office
Iris Hable | Viktoria Drexler | Team
Publikumsdienst
Gabriel Schmidinger | Team
Online Content Management
Annika Goetz | Marina Losin
International Networking
Marie-Christine Baratta
EU Projects & Scholarship Programme
Hanna Bauer | Marie-Christine Baratta |
Rio Rutzinger
Unterbringung
Marina Losin | Stefanie Fürnsinn
Marketing Support
Maximilian Pramatarov | Jordan Brusenbach
Info Service
Gudrun Zimmermann | Johanna Figl
IT
Hannes Zellinger
Produktion
Magdalena Stolhofer | Marina Losin |
Anna Wagner
Transport
Lucia Lechner | Team
Artists Communication
Olivia Schellander | Ajda Es
Technik Arsenal
Jakob Zellinger | Rich Panciera | Team
Organisation
Gabriel Schmidinger
Chief of Ticketing
Ralf Jonas
Finanzen
Gabriele Parapatits | Katharina Binder
Ticketing
Florian Mayerhofer | Mariam Togola
ImPulsTanz soçial
Magdalena Stolhofer
Website - Creation & Supervision
Bernhard Nemec - www.nemec.cc
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PRESSEINFORMATION
Presseinformationen, -texte und -fotos zu unserem aktuellen Festivalprogramm finden Sie auch
zum Downloaden in unserem Pressebereich auf der ImPulsTanz-Homepage:
http://www.impulstanz.com/press/
ImPulsTanz Pressetexte
Hier finden Sie eine Auswahl der aktuellen Pressetexte, die Sie als PDF herunterladen können.
http://www.impulstanz.com/pressfiles/
ImPulsTanz Pressefotos
In diesem Bereich steht Ihnen eine Auswahl an Fotos des diesjährigen Performance-Programms
von ImPulsTanz zur Verfügung. Bitte beachten Sie, dass die Fotos nur im Zusammenhang mit
ImPulsTanz und unter Angabe des Copyrights verwendet werden dürfen. Sollten Sie an weiterem
Fotomaterial interessiert sein, bitte wenden Sie sich an unsere Presseabteilung.
http://www.impulstanz.com/presspictures/
ImPulsTanz Presseakkreditierung 2013
Seit letztem Jahr gibt es die Möglichkeit, per Online-Formular einen Antrag auf Akkreditierung für das
ImPulsTanz Festival 2013 zu stellen. Bitte füllen Sie dazu das Online-Formular aus und senden Sie es
gemeinsam mit den unten genannten Unterlagen ab. Wir werden uns nach Ansicht und Bearbeitung
Ihrer Unterlagen mit Ihnen in Verbindung setzen.
http://www.impulstanz.com/mediaaccreditation/
Sollten Sie zusätzliche Informationen oder Material zu früheren Produktionen benötigen, können Sie
sich gerne jederzeit an unsere Presseabteilung wenden.
Pressekontakt
Joachim Kapuy | Annika Goetz | Susanne Jaritz | Bettina Lukitsch
Museumstraße 5/21
1070 Wien
t: (+43-1) 523 55 58, DW -35 / -36 / -34 / -31
f: (+43 1) 523 55 58-88
e: presse@impulstanz.com
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INHALTSVERZEICHNIS
Gesamtprogramm ............................................................................................................................ 5
Compagnie Übersicht ..................................................................................................................... 17
Spielstätten .................................................................................................................................... 21
Kartenvorverkauf ............................................................................................................................ 23
ImPulsTanz in Kooperation mit dem Weltmuseum Wien ................................................................. 24
Young Choreographers‘ Series ....................................................................................................... 26
Prix Jardin d‘Europe ....................................................................................................................... 26
ImPulsTanz [WildWalk] .................................................................................................................... 28
Compagnies A-Z
2nd Nature / Christine Gaigg (AT) ................................................................................................... 30
Akemi Takeya (AT/JP) .................................................................................................................... 35
Akram Khan Company (UK) ............................................................................................................ 39
Alessandro Sciarroni (IT) ................................................................................................................. 51
Amanda Apetrea (SE) & Halla Ólafsdóttir (SE/IS) ............................................................................. 59
Anne Teresa De Keersmaeker (BE) & Boris Charmatz (FR) .............................................................. 65
Cecilia Bengolea (FR/AR) & François Chaignaud (FR) ...................................................................... 80
Cie. Ivo Dimchev (AT/BG) & Franz West (AT) ................................................................................... 87
Cie. Ivo Dimchev (AT/BG) ............................................................................................................... 91
Cie. Marie Chouinard (CA) .............................................................................................................. 97
Clara Furey (CA) & Michikazu Matsune (AT/JP) ............................................................................. 110
Doris Uhlich (AT) ........................................................................................................................... 113
Eisa Jocson (BE/PH) .................................................................................................................... 117
Florentina Holzinger (NL/AT) ......................................................................................................... 119
Fou Glorieux / Louise Lecavalier (CA) ............................................................................................ 121
François Chaignaud (FR) ............................................................................................................... 126
Ismael Ivo (DE/BR) & Grupo Biblioteca Do Corpo ........................................................................ 130
Ives Thuwis (BE) ........................................................................................................................... 137
Jana Unmüßig (DE) ....................................................................................................................... 140
Jérôme Bel (FR) ........................................................................................................................... 145
Jérôme Bel (FR) & Theater HORA (CH) ......................................................................................... 151
Jonathan Burrows (UK) & Matteo Fargion (UK/IT) .......................................................................... 163
Ko Murobushi (JP) ........................................................................................................................ 169
Lenio Kaklea (FR/GR) ................................................................................................................... 183
Liquid Loft / Chris Haring (AT) & Staatstheater Kassel (DE) ........................................................... 185
Liz Santoro (FR/US) ...................................................................................................................... 197
MaisonDahlBonnema (BE) ........................................................................................................... 204
Mariana Tengner Barros / EIRA (PT) ............................................................................................. 213
Marta Navaridas (AT/ES) & Alexander Deutinger (AT) .................................................................... 218
Mathilde Monnier / CCN Montpellier (FR) & François Olislaeger (FR) .............................................. 221
Mathilde Monnier / CCN Montpellier (FR) ...................................................................................... 226
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Meg Stuart (BE/US) / Damaged Goods & Münchner Kammerspiele (DE) ...................................... 230
*MELK PROD. / Marco Berrettini (CH) ......................................................................................... 241
Michael Turinsky (AT) .................................................................................................................... 246
Needcompany / Grace Ellen Barkey (BE) ...................................................................................... 249
Olivier Dubois (FR) ........................................................................................................................ 259
Padmini Chettur (IN) & David Hernandez (BE/US) ......................................................................... 262
Philipp Gehmacher (AT) ................................................................................................................ 270
Rodrigo Sobarzo de Larraechea (NL/CL) ...................................................................................... 277
Silk Cie. (AT) / Astrid Endruweit (DE) & Michael Laub (BE) / Trajal Harrell (US) /
Benoît Lachambre (CA) / Arash T. Riahi (AT/IR) / Dave St-Pierre (CA) .......................................... 279
Simone Aughterlony (CH/NZ) ........................................................................................................ 284
Trajal Harrell (US) ........................................................................................................................... 290
Trajal Harrell (US) / Cecilia Bengolea (FR/AR) / François Chaignaud (FR) /
Marlene Monteiro Freitas (PT) ....................................................................................................... 301
Troubleyn / Jan Fabre (BE) & Antony Rizzi (DE/US) ....................................................................... 318
Ultima Vez / Wim Vandekeybus (BE) ............................................................................................ 323
William Kentridge (ZA), Philip Miller, Dada Masilo, Catherine Meyburgh (ZA) .................................. 337
Willy Prager (DE/BG) ..................................................................................................................... 347
Xavier Le Roy (DE/FR) .................................................................................................................. 351
Zeina Hanna (DE/LB) .................................................................................................................... 355
Occupy the Museum ................................................................................................................... 357
A Future Archeology ..................................................................................................................... 358
ImPulsTanz Buchpräsentation ...................................................................................................... 369
ImPulsTanz Ausstellung ................................................................................................................ 372
ImPulsTanz Zwischenspiel ............................................................................................................ 375
ImPulsTanz Workshops ................................................................................................................ 382
ImPulsTanz Research ................................................................................................................... 386
ImPulsTanz MixedAbilities ............................................................................................................. 388
ImPulsTanz Residencies ............................................................................................................... 389
Life Long Burning ......................................................................................................................... 397
danceWEB 2013 .......................................................................................................................... 398
IDOCDE ....................................................................................................................................... 400
ImPulsTanz soçial ......................................................................................................................... 401
Sponsoren und Kooperationspartner ............................................................................................ 405
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GESAMTPROGRAMM
Dienstag, 09. Juli
ERÖFFNUNG
Trajal Harrell (US) & Friends
„ImPulsTanz @ 30: License to party“
21.15 Uhr | Haupthof des MuseumsQuartiers
Eintritt frei
Uraufführung
Donnerstag, 11. Juli
[8:tension]
Marta Navaridas (AT/ES) & Alexander Deutinger (AT)
„Speaking of Which“
11. Juli | 20.00 Uhr | Schauspielhaus
Olivier Dubois (FR)
„Prêt à baiser“ („Ready to Kiss“)
11. Juli | 21.30 Uhr | Odeon
Österreichische Erstaufführung
[8:tension]
Mariana Tengner Barros / EIRA (PT)
„The Trap“
[WildWalk] 11. Juli | 23.00 Uhr | Schauspielhaus
Freitag, 12. Juli
[8:tension]
Michael Turinsky (AT)
„heteronomous male“
Samstag, 13. Juli
Anne Teresa De Keersmaeker (BE) & Boris Charmatz (FR)
„Partita 2 (sei solo)“
13. Juli | 21.00 Uhr | Burgtheater
Sonntag, 14. Juli
IMPULSTANZ WORKSHOPS & RESEARCH
ImPulsTanz Workshops
«impressions ‘13»
14. Juli | 16.00 Uhr | Arsenal
Eintritt frei
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Simone Aughterlony (CH/NZ)
„Show and Tell“
[8:tension]
„The Trap“
[8:tension]
Montag, 15. Juli
Ultima Vez / Wim Vandekeybus (BE)
„What the Body Does Not Remember“
15. Juli | 21.00 Uhr | Volkstheater
Neubearbeitung / Österreichische Erstaufführung
[8:tension]
Dienstag, 16. Juli
[8:tension]
Zeina Hanna (DE/LB)
„Never Live Twice“
[8:tension]
Rodrigo Sobarzo de Larraechea (NL/CL)
„A P N E A“
Akram Khan Company (UK)
„DESH“
Mittwoch, 17. Juli
„What the Body Does Not Remember“
Neubearbeitung / Österreichische Erstaufführung
|7
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Philipp Gehmacher (AT)
„SAY SOMETHING: six speech acts“
Uraufführung
[8:tension]
Zeina Hanna (DE/LB)
[8:tension]
„A P N E A“
„DESH“
[WildWalk] Jonathan Burrows (UK) & Matteo Fargion (UK/IT)
„Counting To One Hundred“ & „One Flute Note“
Freitag, 19. Juli
Liquid Loft / Chris Haring (AT) & Staatstheater Kassel (DE)
„LEGO LOVE“
IMPULSTANZ SOÇIAL
ImPulsTanz Party
19. Juli | 22.00 Uhr | Kasino am Schwarzenbergplatz
Moonlight Breakfast live (Bukarest / Wien)
DJ support by Preddy & Monsieur Smoab (Rare and Well Done)
Samstag, 20. Juli
BUCHPRÄSENTATION
Meeting with Akram Khan (UK) & Guy Cools (BE)
Gespräch + Buchpräsentation
20. Juli | 19.30 Uhr | Halle E Foyer | MuseumsQuartier
„iTMOi (in the mind of igor)“
20. Juli | 21.00 Uhr | Halle E | MuseumsQuartier
|8
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[WildWalk] MaisonDahlBonnema (BE)
„Analysis – the Whole Song“
Sonntag, 21. Juli
Trajal Harrell (US)
„Judson Church is Ringing in Harlem (Made-to-Measure) / Twenty Looks or Paris is Burning at The
Judson Church (M2M)“
Cie. Ivo Dimchev (AT/BG) & Franz West (AT)
„X-ON“
[WildWalk] Trajal Harrell (US)
„Antigone Jr. / Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (jr.)“
21. Juli | 23.00 Uhr | Garage X
Montag, 22. Juli
Trajal Harrell (US)
„Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (S)“
22. Juli | 21.00 Uhr | Halle E | MuseumsQuartier
Marlene Monteiro Freitas (PT)
„(M)imosa / Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (M)“
Dienstag, 23. Juli
Ives Thuwis (BE)
„Love Songs“
23. Juli | 19.00 Uhr | Dschungel Wien
Uraufführung
Meg Stuart / Damaged Goods (BE/US) & Münchner Kammerspiele (DE)
„Built to Last“
[8:tension]
Jana Unmüßig (DE)
„Farbe, Farbe“
[WildWalk] 23. Juli | 23.00 Uhr | Kasino am Schwarzenbergplatz
|9
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Mittwoch, 24. Juli
Ives Thuwis (BE)
„Love Songs“
2nd Nature / Christine Gaigg (AT)
„DeSacre!“
24. Juli | 19.30 Uhr | Spielstätte to be announced
„booty Looting“
24. Juli | 21.00 Uhr | Akademietheater
[WildWalk] Florentina Holzinger (NL/AT)
„Makankosappo“
Uraufführung
Ives Thuwis (BE)
„Love Songs“
„DeSacre!“
25. Juli | 19.30 Uhr | Spielstätte to be announced
[8:tension]
Jana Unmüßig (DE)
„Farbe, Farbe“
Trajal Harrell (US)
„Antigone Sr. / Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (L)“
Freitag, 26. Juli
Trajal Harrell (US)
„Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (XS)“
26. Juli | 19.00 Uhr + 20.00 Uhr | Dschungel Wien
ZWISCHENSPIEL
Lux Flux
„Deine dich liebende Valeska“
26. Juli | 19.00 | Schreyvogelsaal
„DeSacre!“
26. Juli | 19.30 + 21.30 Uhr | Spielstätte to be announced
| 10
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Mathilde Monnier / CCN Montpellier (FR) & François Olislaeger (FR/BE)
„Qu‘est-ce qui nous arrive?!?“ („Was ist los mit uns?!?“)
Uraufführung
„booty Looting“
Samstag, 27. Juli
[EAST-WEST Meetings]
Padmini Chettur (IN)
„Beautiful Thing 2“
&
David Hernandez (BE/US)
„Divertimenti“
27. Juli | 19.00 Uhr | Weltmuseum Wien
Uraufführung
Xavier Le Roy (DE/FR)
„Low Pieces“
27. Juli | 21.00 Uhr | Halle G | MuseumsQuartier
Neuinszenierung / Österreichische Erstaufführung
[WildWalk] Cie. Ivo Dimchev (AT/BG)
„Fest“
Uraufführung
Sonntag, 28. Juli
François Chaignaud (FR)
„ДУМИ МОЇ / Dumy Moyi“
28. Juli | 16.30 + 18.00 + 22.45 + [WildWalk] 23.55 Uhr | TBA21 (Thyssen-Bornemisza Art
Contemporary) (to be confirmed)
Jérôme Bel (FR) & Theater HORA (CH)
„Disabled Theater“
Montag, 29. Juli
&
„Divertimenti“
| 11
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Mathilde Monnier / CCN Montpellier (FR)
„Twin Paradox“
[WildWalk] Cie. Ivo Dimchev (AT/BG)
„Fest“
Dienstag, 30. Juli
ZWISCHENSPIEL
Lux Flux
30. Juli | 19.00 Uhr | Schreyvogelsaal
Ko Murobushi (JP)
„Ritournelle / Danse < MILLE PLATEAUX > vol.1“
[WildWalk] 02. August | 23.00 Uhr | Odeon
[WildWalk] Cecilia Bengolea (FR/AR) & François Chaignaud (FR)
„altered natives’ Say Yes to Another Excess—TWERK“
30. Juli | 23.00 Uhr | Halle G | MuseumsQuartier
Mittwoch, 31. Juli
Jérôme Bel (FR)
„Pichet Klunchun and myself“
[8:tension]
Liz Santoro (FR/US)
„We Do Our Best“
[8:tension]
Willy Prager (DE/BG)
„The Victory Day“
| 12
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Troubleyn / Jan Fabre (BE) & Antony Rizzi (DE/US)
„Drugs Kept Me Alive“
Donnerstag, 01. August
ZWISCHENSPIEL
Lux Flux
01. August | 19.00 Uhr | Schreyvogelsaal
William Kentridge (ZA)
Philip Miller, Dada Masilo, Catherine Meyburgh (ZA)
„Refuse the Hour“
01. August | 21.00 Uhr | Volkstheater
[WildWalk] Cecilia Bengolea (FR/AR) & François Chaignaud (FR)
01. August | 23.00 Uhr | Halle G | MuseumsQuartier
Freitag, 02. August
Jérôme Bel (FR)
02. August | 19.00 Uhr | Weltmuseum Wien
Needcompany / Grace Ellen Barkey (BE)
„MUSH-ROOM“
02. August | 21.00 Uhr | Akademietheater
02. August | 21.00 Uhr | Schauspielhaus
[8:tension]
02. August | 21.00 Uhr | Kasino am Schwarzenbergplatz
[8:tension]
Liz Santoro (FR/US)
[WildWalk] 02. August | 23.00 Uhr | Kasino am Schwarzenbergplatz
Ko Murobushi (JP)
[WildWalk] 02. August | 23.00 Uhr | Odeon
| 13
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Samstag, 03. August
OCCUPY THE MUSEUM
Magdalena Chowaniec (AT/PL), Laia Fabre (AT/ES) & Thomas Kasebacher (AT), Malika Fankha (AT/
CH), Florentina Holzinger (NL/AT), Krõõt Juurak (NL/EE), Andrea Maurer & Thomas Brandstätter
(AT), Danang Pamungkas (ID), Amanda Piña (AT/CL) & Daniel Zimmermann (AT/CH), Linda
Samaraweerová (AT/CZ) & Karl Karner (AT), Elisabeth Tambwe (AT/CD)
03. August | 17.00-20.00 Uhr | Weltmuseum Wien
Uraufführungen
Benoît Lachambre (CA) / Arash T. Riahi (AT/IR) / Dave St-Pierre (CA)
„Versuchsperson Silke Grabinger 2.0“
03. August | 21.00 Uhr | Odeon
Uraufführung
Sonntag, 04. August
OCCUPY THE MUSEUM
Magdalena Chowaniec (AT/PL), Laia Fabre (AT/ES) & Thomas Kasebacher (AT), Malika Fankha (AT/
CH), Florentina Holzinger (NL/AT), Krõõt Juurak (NL/EE), Andrea Maurer & Thomas Brandstätter
(AT), Danang Pamungkas (ID), Amanda Piña (AT/CL) & Daniel Zimmermann (AT/CH), Linda
Samaraweerová (AT/CZ) & Karl Karner (AT), Elisabeth Tambwe (AT/CD)
„MUSH-ROOM“
[WildWalk] [8:tension]
Lenio Kaklea (FR/GR)
„arranged by date“
Montag, 05. August
Doris Uhlich (AT)
„more than naked“
05. August | 21.00 Uhr | Halle G | MuseumsQuartier
Uraufführung
| 14
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[WildWalk] Akemi Takeya (AT/JP)
„(anti)*Clockwise“
Uraufführung
Dienstag, 06. August
Fou Glorieux / Louise Lecavalier (CA)
„So Blue“
[WildWalk] [8:tension]
Mittwoch, 07. August
[8:tension]
Eisa Jocson (BE/PH)
„Macho Dancer“
Cie. Marie Chouinard (CA)
„GYMNOPÉDIES“ & „HENRI MICHAUX: MOUVEMENTS“
07.August | 21.00 Uhr | Volkstheater
[8:tension]
Amanda Apetrea (SE) & Halla Ólafsdóttir (SE/IS)
„Beauty and the Beast“
Doris Uhlich (AT)
[WildWalk] 07. August | 23.00 Uhr | Halle G | MuseumsQuartier
Donnerstag, 08. August
[8:tension]
| 15
Zur Übersicht
Clara Furey (CA) & Michikazu Matsune (AT/JP)
„Night Will Come“
Uraufführung
„So Blue“
[8:tension]
Eisa Jocson (BE/PH)
„Macho Dancer“
[WildWalk] *MELK PROD. / Marco Berrettini (CH)
„iFeel2“
Freitag, 09. August
Ismael Ivo (DE/BR) & Grupo Biblioteca Do Corpo
„NO SACRE“
Uraufführung
IMPULSTANZ SOÇIAL
danceWEB Party
Davidecks & Drums live (Wien)
DJ support by Raphael Zucalli (Zorillah) & Kido Soon (Praterei / 313)
Samstag, 10. August
IMPULSTANZ WORKSHOPS & RESEARCH
ImPulsTanz Workshops
«expressions ‘13»
10. August | 16.00 Uhr | Arsenal
Eintritt frei
„NO SACRE“
| 16
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Sonntag, 11. August
EXTRA
Prix Jardin d’Europe Award Ceremony
Eintritt frei
„NO SACRE“
Trajal Harrell (US) & Pro Series participants
„Rite of summer“
11. August | 21.00 Uhr | MuTh
Uraufführung
[WildWalk] Alessandro Sciarroni (IT)
„FOLK-S will you still love me tomorrow?“
Donnerstag, 11. Juli bis Sonntag, 11. August
INSTALLATION
Georg Blaschke & Laurent Ziegler (AT)
„GRAS“ (Installation)
11. Juli – 11. August | Odeon
(an Spieltagen / eine Stunde vor Vorstellungsbeginn)
Eintritt frei
Montag, 15. Juli bis Sonntag, 11. August
„A Future Archeology - Ein internationales Raum-Performance-Projekt. Berlin / Wien / Kairo“
hosted by ImPulsTanz -Vienna International Dance Festival
15. Juli - 11. August | Spielstätte to be announced
Freitag, 11. und Samstag, 12. Oktober
ZWISCHENSPIEL
Tanz Company Gervasi
„Solo With Guests (Part 2)“
11. + 12. Oktober | 20.00 Uhr | Odeon
| 17
Zur Übersicht
COMPAGNIE ÜBERSICHT
„DeSacre!“
Akemi Takeya (AT/JP)
„(anti)*Clockwise“
„DESH“
Alessandro Sciarroni (IT)
„FOLK-S will you still love me tomorrow?“
Anne Teresa De Keersmaeker (BE) & Boris Charmatz (FR)
„Partita 2 (sei solo)“
Cecilia Bengolea (FR/AR) & François Chaignaud (FR)
Cie. Ivo Dimchev (AT/BG)
„Fest“
Cie. Ivo Dimchev (AT/BG) & Franz West (AT)
„X-ON“
„Divertimenti“
Doris Uhlich (AT)
Florentina Holzinger (NL/AT)
„Makankosappo“
„So Blue“
François Chaignaud (FR)
„ДУМИ МОЇ / Dumy Moyi“
Georg Blaschke & Laurent Ziegler (AT)
„GRAS“ (Installation)
„NO SACRE“
| 18
Zur Übersicht
Ives Thuwis (BE)
„Love Songs“
Jérôme Bel (FR)
Jonathan Burrows (UK) & Matteo Fargion (UK/IT)
„Counting To One Hundred“ & „One Flute Note“
Ko Murobushi (JP)
Liquid Loft / Chris Haring (AT) & Staatstheater Kassel (DE)
„LEGO LOVE“
Lux Flux
MaisonDahlBonnema (BE)
„Analysis – the Whole Song“
Mathilde Monnier / CCN Montpellier (FR)
„Twin Paradox“
Meg Stuart / Damaged Goods (BE/US) & Münchner Kammerspiele (DE)
„Built to Last“
*MELK PROD. / Marco Berrettini (CH)
„iFeel2“
„MUSH-ROOM“
Olivier Dubois (FR)
„Prêt à baiser“ („Ready to Kiss“)
„SAY SOMETHING: six speech acts“
| 19
Zur Übersicht
Simone Aughterlony (CH/NZ)
„Show and Tell“
Trajal Harrell (US)
„Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (XS)“
„Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (S)“
„Antigone Jr. / Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (jr.)“
„Antigone Sr. / Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (L)“
„Judson Church is Ringing in Harlem (Made-to-Measure) / Twenty Looks or Paris is Burning at The
Judson Church (M2M)“
Marlene Monteiro Freitas (PT)
„(M)imosa / Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (M)“
Trajal Harrell (US) & Friends
„ImPulsTanz @ 30: License to party“
Trajal Harrell (US) & Pro Series participants
„Rite of summer“
„Solo With Guests (Part 2)“
Xavier Le Roy (DE/FR)
„Low Pieces“
Occupy the Museum
Amanda Piña (AT/CL) & Daniel Zimmermann (AT/CH)
Andrea Maurer & Thomas Brandstätter (AT)
Danang Pamungkas (ID)
Elisabeth Tambwe (AT/CD)
Krõõt Juurak (NL/EE)
Laia Fabre (AT/ES) & Thomas Kasebacher (AT)
Linda Samaraweerová (AT/CZ) & Karl Karner (AT)
Magdalena Chowaniec (AT/PL)
Malika Fankha (AT/CH)
| 20
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[8:tension] - Young Choreographer‘s Series
Eisa Jocson (BE/PH)
„Macho Dancer“
Jana Unmüßig (DE)
„Farbe, Farbe“
Liz Santoro (FR/US)
„The Trap“
„A P N E A“
Zeina Hanna (DE/LB)
| 21
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SPIELSTÄTTEN
Akademietheater
Lisztstraße 1, 1030 Wien
(U4: Stadtpark, Tram 2, D: Schwarzenbergplatz, Bus 4A: Akademietheater)
Arsenal
Burgtheater-Probebühnen / Art-for-Art-Werkstätten
Arsenal, Objekt 19, 1030 Wien
(S1, S2, S3, S15, Tram D, O, Bus 69A: Quartier Belvedere; Tram 18: Heinrich Drimmel Platz)
Burgtheater
Universitätsring 2, 1010 Wien
(U2: Schottentor bzw. Rathaus; U3: Herrengasse; Tram 1, 71, D: Rathausplatz/Burgtheater)
Dschungel Wien
Museumsquartier, Museumsplatz 1, 1070 Wien
(U2, Bus 2A: Museumsquartier; Tram 1, 2, 71, D: Burgring)
Garage X
Petersplatz 1, 1010 Wien
(U1, U3: Stephansplatz; Bus 1A, 2A: Graben/Petersplatz)
Kasino am Schwarzenbergplatz
Schwarzenbergplatz 1, 1010 Wien
(Tram 2, 71, D, Bus 4A: Schwarzenbergplatz)
MQ Hallen E+G & Haupthof
Museumsquartier, Museumsplatz 1, 1070 Wien
(U2, U3, Bus 2A, 48A, Tram 49: Volkstheater; Tram 1, 2, 71, D: Dr. Karl Renner Ring)
MuTh - Konzertsaal der Wiener Sängerknaben
Obere Augartenstraße 1E, 1020 Wien
(U2, Tram 2, Bus 5B: Taborstraße, Tram 31: Obere Augartenstraße, Bus 5A: Malzgasse)
Odeon
Taborstraße 10, 1020 Wien
(U1, U4, Tram 1: Schwedenplatz; Tram 2: Gredlerstraße)
Schauspielhaus
Porzellangasse 19, 1090 Wien
(Tram D, Bus 40A: Bauernfeldplatz)
Schreyvogelsaal
Institut für Theater-, Film- und Medienwissenschaft, Universität Wien
Hofburg, Batthyanystiege, 1010 Wien
(U3: Herrengasse, Tram 1, 2, 71, D: Dr.-Karl-Renner-Ring)
| 22
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TBA 21 - Thyssen-Bornemisza Art Contemporary
Himmelpfortgasse 13, 1010 Wien
(Tram 2: Weihburggasse, 1, D, 62: Kärtner Ring / Oper) (to be confirmed)
Volkstheater
Neustiftgasse 1, 1070 Wien
(U2, U3, Tram 49, Bus 2A, 48A: Volkstheater; Tram 1, 2, 71, D: Dr. Karl Renner Ring)
Weltmuseum Wien
Neue Burg, Heldenplatz, 1010 Wien
(U2, U3: Volkstheater, Bus 2A: Museumsquartier, Tram 1, 2, 71, D, Bus 57A: Burgring/
Kunsthistorisches Museum)
| 23
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KARTENVORVERKAUF
Online Vorverkauf: www.impulstanz.com
Online Zahlungsmöglichkeiten:
Visa, Eurocard/Mastercard, Diners Club, American Express, JCB, EPS (nur Bank Austria)
Telefonischer Vorverkauf mit Kreditkarte: (+43 1) 712 54 00 111 | täglich: 8-20 Uhr
Bestellungen für am selben Tag stattfindende Veranstaltungen sind nur bis 14.00 Uhr des
jeweiligen Tages möglich. Kreditkarten: Diners Club, Eurocard/Mastercard, Visa
Tageskassen bei ImPulsTanz13
03. Juni bis 05. Juli:
ImPulsTanz
Office
im
MuseumsQuartier
quartier21/Kulturbüros, Haupteingang 1.Stock
Museumsplatz 1, 1070 Wien
Tel.: (01) 526 52 57-53
Öffnungszeiten: Mo-Fr 11.00-19.00 Uhr
Ab 01. Juli:
Staatsoper/Unter den Arkaden
H.v.Karajan-Platz, 1010 Wien
Tel.: (01) 514 44-2958
Öffnungszeiten: Mo-Sa 10.00-13.00 Uhr + 14.00-20.00 Uhr; So 14.00-20.00 Uhr
Ab 06. Juli:
Tageskasse im Foyer des Volkstheaters
Neustiftgasse 1, 1070 Wien
Tel.: (01) 521 11-231
Öffnungszeiten: täglich 10.00-19.00 Uhr
Ab 14. Juli bis 10. August:
Arsenal/Burgtheater-Probebühne, Objekt 19
1030 Wien,
Tel.: (01) 514 44-5416
Öffnungszeiten: täglich 10.00-19.00 Uhr
An allen Tageskassen können Sie mit Bankomatkarte sowie mit folgenden Kreditkarten bezahlen:
Visa, Mastercard, Diners Club
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// IMPULSTANZ
IN
KOOPERATION
MIT DEM
WELTMUSEUM WIEN
Das 30. ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival ist auch eine Begegnung mit der Tradition
und Aktualität von Tanz, Performance und Körperpraktiken aus dem asiatischen Raum, der die
zeitgenössische Tanz- und Performanceszene sowie unser aktuelles Bild vom Körper (und von
seiner Spiritualität) maßgeblich geprägt hat. Zu Gast im Weltmuseum Wien sucht ImPulsTanz
mit zwei choreografischen Projekten, den „East-West Meetings“ und „Occupy the Museum“ die
Auseinandersetzung mit anthropologischen Fragestellungen, die rund um die Ausstellung „Getanzte
Schöpfung – Asien zwischen den Welten“ in vielfältigen Formaten verhandelt werden.
„Das internationale Tanzfestival ImPulsTanz und das Weltmuseum Wien haben eine wichtige Sache
gemeinsam: Es geht um Menschen. Genauer gesagt geht es um Menschen in Bewegung; um die
Kreativität, die Energie und das große schöpferische Potenzial, welches sie im Tanz entfalten. Die
Kooperation dieser beiden Institutionen bringt ihre Komplementarität deutlich zum Ausdruck. Erleben
Sie durch die enge Verbindung von ImPulsTanz und dem Weltmuseum Wien, durch das spannende
Zusammenspiel des Performativen und dem vermeintlich Statischen, den Tanz völlig neu.“
Steven Engelsman,
Direktor Weltmuseum
// Occupy the Museum
„Over the course of ‚Occupy the Museum‘, dance artists will focus on the agency of exhibition and
display and undoing the ethnographic. Through interviews with the labour around the museum, the
power construction of heritage will be re-performed by the occupiers. The occupiers will focus on the
creation of value and its circulation by the empire.“
ONG Keng Sen, am 20. Mai 2013 (with thanks to bkg!)
© Joachim Kapuy
PERFORMANCES @ Occupy the Museum
ARTISTS @ Occupy the Museum
Magdalena Chowaniec (AT/PL), Laia Fabre (AT/ES) & Thomas
Kasebacher (AT), Malika Fankha (AT/CH), Florentina Holzinger
(NL/AT), Krõõt Juurak (NL/EE), Andrea Maurer & Thomas
Brandstätter (AT), Danang Pamungkas (ID), Amanda Piña (AT/CL) & Daniel Zimmermann (AT/CH),
Linda Samaraweerová (AT/CZ) & Karl Karner (AT), Elisabeth Tambwe (AT/CD)
Weitere Informationen zu „Occupy the Museum“ finden Sie auf Seite 357.
| 25
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// East-West Meetings
Aus der sehenswerten, imperialen Eingangshalle zur Ausstellung „Getanzte Schöpfung – Asien
zwischen den Welten“ im Weltmuseum wird ein neuer atmosphärischer Spielort des Festivals.
Dort treffen Ideen aus unterschiedlichen Kulturen aufeinander. Padmini Chettur, die bedeutenste
zeitgenössische indische Choreografin, teilt sich einen Abend mit dem US-Amerikaner David
Hernandez. Jérôme Bel nimmt seinen Dialog mit dem thailändischen Khon-Tänzer Pichet Klunchun
wieder auf, eine Begegnung, die 2006 auf unnachahmliche Weise das Ost-West Thema im Tanz
veranschaulicht hat, und der Japaner Michikazu Matsune bringt ein neues Stück mit der kanadischen
Musikerin und Performerin Clara Furey zur Uraufführung.
PERFORMANCES @ East-West Meetings
&
„Divertimenti“
27. + 29. Juli | 19.00 Uhr | Weltmuseum Wien
Jérôme Bel (FR)
31. Juli + 02. August | 19.00 Uhr | Weltmuseum Wien
08. + 10. August | 20.00 Uhr | Weltmuseum Wien
© Weltmuseum
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// [8:TENSION] YOUNG CHOREOGRAPHERS‘ SERIES
PRIX JARDIN D‘EUROPE
Bereits zum 12. Mal wird die erfolgreiche Newcomer-Reihe [8:tension] Young Choreographers‘
Series im Rahmen von ImPulsTanz stattfinden und umfasst 2013 insgesamt 11 Werke aufstrebender
Choreografinnen und Choreografen, die in den Spielstätten Odeon, Schauspielhaus und Kasino am
Schwarzenbergplatz zur Aufführung gebracht werden. ChoreografInnen und KünstlerInnen-Gruppen
aus Belgien, Deutschland, Griechenland, Frankreich, den Niederlanden, Österreich, Portugal und
Schweden stehen dieses Jahr am Start und sind damit gleichzeitig auch nominiert für Europas
höchstdotieren Nachwuchspreis, der am 11. August 2013 im Odeon verliehen wird: den Prix Jardin
d‘Europe.
Für die Auswahl der nomminierten Stücke zeigen sich heuer Christa Spatt, Christine Standfest,
Michael Stolhofer und Charlotte Vandevyver verantwortlich.
// PROGRAMM [8:tension] YOUNG CHOREOGRAPHERS‘ SERIES 2013
Amanda Apetrea (SE) & Halla Ólafsdóttir (SE/IS) „Beauty and the Beast“
Eisa Jocson (BE/PH) „Macho Dancer“
Jana Unmüßig (DE) „Farbe, Farbe“
Lenio Kaklea (FR/GR) „arranged by date“
Liz Santoro (FR/US) „We Do Our Best“
Mariana Tengner Barros / EIRA (PT) „The Trap“
Marta Navaridas (AT/ES) & Alexander Deutinger (AT) „Speaking of Which“
Michael Turinsky (AT) „heteronomous male“
Rodrigo Sobarzo de Larraechea (NL/CL) „A P N E A“
Willy Prager (DE/BG) „The Victory Day“
Zeina Hanna (DE/LB) „Never Live Twice“
// PRIX JARDIN D‘EUROPE
Im Jahr 2008 wurde der Prix Jardin d’Europe erstmals vergeben, auch damals fand der Wettbewerb
innerhalb der ImPulsTanz-Nachwuchsschiene [8:tension] Young Choreographers’ Series statt. Nach
Stationen bei anderen europäischen Festivals in Brüssel (2009), Istanbul (2010), Bukarest (2011), und
nochmals bei ImPulsTanz in Wien (2012) wird diese Auszeichnung ab diesem Jahr für die nächsten
fünf Jahre im Rahmen von [8:tension] in Wien etabliert. Eine weitere Neuerung rund um den Prix
Jardin d‘Europe kündigt sich mit der Einführung eines Publikumspreises an, der ab 2013 den Preis
der Fachjury ergänzen wird.
Die mit 10.000,- Euro dotierte Auszeichnung für zeitgenössische Choreografie wurde von dem
Tanznetzwerk Jardin d‘Europe ins Leben gerufen. Dieses Projekt, das in Kooperation mit 10
namhaften Tanzinstitutionen und Compagnien ins Leben gerufen wurde, erhielt über die Dauer von
fünf Jahren die Unterstützung vom Kulturprogramm der Europäischen Union.
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Die mit 10.000,- Euro dotierte Auszeichnung für zeitgenössische Choreografie wurde von dem
Tanznetzwerk Jardin d‘Europe ins Leben gerufen. Dieses Projekt, das in Kooperation von 10
namhaften Tanzinstitutionen und Compagnien realisiert wurde, erhielt über die Dauer von fünf Jahren
die Unterstützung vom Kulturprogramm der Europäischen Union.
Als neuen engagierten Partner, der sich ab Juni 2013 europaweit der Förderung und Entwicklung
der jungen zeitgenössischen Tanzszene widmen wird, freut sich ImPuls Tanz über das fünfjährige
Kooperationsprojekt, Life Long Burning - in dessen Netzwerk sich neben danceWEB in Wien
folgende Projektpartner engagieren werden:
4Culture (Rumänien), Centre Chorégraphique National de Montpellier (Frankreich), Cullberg Ballet
(Schweden), Het Veem Theater (Niederlande), Lokomotiva (Mazedonien), Station - Service for
Contemporary Dance (Serbien), Tala Dance Center (Kroatien), Uferstudios (Deutschland), Ultima Vez
(Belgien), Workshop Foundation (Ungarn) und workspacebrussels (Belgien).
Life Long Burning wird neben der Nachwuchsförderung durch den Prix Jardin d‘Europe die junge
europäische Tanzszene durch verschiedensten Aktivitäten unterstützen – unter anderem durch die
Ermöglichung von Recidencies bei renommierten Compagnien, der interdisziplinären Forschung
wissenschaftlicher Institute oder der Vergabe von Stipendien an junge KünstlerInnen.
Wir freuen uns, dass die Wiener Städtische Versicherung in diesem Jahr wieder die
[8:tension] Reihe als exklusiver Sponsor unterstützt und damit aufstrebende Talente der
europäischen Tanz- und Performanceszene fördert:
„Kunst und Kultur sind elementare Bestandteile der Lebensqualität unserer Gesellschaft. Die Wiener
Städtische sieht es als ihren gesellschaftlichen Auftrag, Kunst und Kultur aktiv zu fördern und auch
die Jugend zu mehr Freude an der Bewegung zu motivieren. Deshalb freut es uns besonders, die
Performancereihe [8:tension] im Rahmen des ImPulsTanz-Festivals unterstützen zu dürfen. Dadurch
können zusätzliche Möglichkeiten und Freiräume speziell für junge Künstlerinnen und Künstler
geschaffen
werden.
ImPulsTanz ist schlichtweg ein Highlight der österreichischen Tanzszene. Jedes Jahr besticht diese
großartige Veranstaltung durch die tolle Organisation, das spannende Programm mit zahlreichen
internationalen Produktionen auf höchstem Niveau und hochkarätigen Darbietungen.
Ich freue mich auf das diesjährige Event und erwarte ein weiteres Mal zahlreiche neue Impulse, die
das Publikum ins Schwärmen bringen. In diesem Sinne wünsche ich allen Beteiligten viel Erfolg und
zahlreiche Momente voller Freude an der Bewegung!“
Dr. Judit Havasi
Vorstandsdirektorin der Wiener Städtischen Versicherung
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// IMPULSTANZ [WILDWALK]
WILD WALK: Because the night!
Für all unsere nächtlich orientierten LiebhaberInnen des Tanzes präsentieren wir zum 30er
sage und schreibe 17 Stücke in der viel geliebten Late-Night Schiene, wo sich u. a. waghalsige
Neuentdeckungen aus der [8:tension] Young Choreographers‘ Series tummeln. Da lockt z.B. die
wild-politische Schönheit Mariana Tengner Barros in ihre Falle, während Jana Unmüßig uns „Farben,
Farben“ sehen lässt – was wahrscheinlich nicht mit Tony Rizzis und Jan Fabres Behauptung „Drugs
kept me alive” zusammenhängt, auch wenn Florentina Holzinger uns als japanische Mangafigur
erscheint, jedoch nicht bei Akemi Takeya. Immerhin fordern die sensationellen „altered natives”
Bengolea/Chaignaud „Say yes to another Excess”, was wir bei Ivo Dimchevs Uraufführung „Fest”
auch antesten können. Es gibt aber auch jene stillen Abenteuer der Seele, wie wir sie bei dem ganz
Großen des Butoh, Kô Murobushi, erleben können. So, come on, now …
Im ImPulsTanz Sommer 2013 werden in der ImPulsTanz Late Night Schiene [WildWalk] ab 23.00
Uhr fünf Uraufführungen zu sehen sein – Florentina Holzinger mit „Makankosappo“, Ivo Dimchev mit
„Fest“, Ko Murobushi mit „Ritournelle / Danse < MILLE PLATEAUX > vol.1“, Doris Uhlich mit „more
than naked“ und Akemi Takeya mit „(anti)*Clockwise“.
Weiters präsentiert ImPulsTanz im Rahmen der [WildWalk] Schiene 10 österreichische
Erstaufführungen von Mariana Tengner Barros, Jonathan Burrows & Matteo Fargion,
MaisonDahlBonnema, Jana Unmüßig, François Chaignaud, Liz Santoro, Troubleyn / Jan Fabre &
Antony Rizzi, Lenio Kaklea, *MELK PROD. / Marco Berrettini und Alessandro Sciarroni.
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// COMPAGNIES A-Z
| 30
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2ND NATURE / CHRISTINE GAIGG
„DESACRE!“
(AT)
24. + 25. JULI | 19.30 UHR | SPIELSTÄTTE (TO BE ANNOUNCED)
26. JULI | 19.30 + 21.30 UHR | SPIELSTÄTTE (TO BE ANNOUNCED)
Christine Gaigg @ ImPulsTanz
Performances
2011
2004
2001
2000
1999
1998
1998
2nd Nature / Christine Gaigg & Bernhard Gander / Klangforum Wien
„Seven Cuts“ (Choreographer)
Christine Gaigg / 2nd Nature & Bernhard Lang
„TRIKE summer“ (Choreographer)
Christine Gaigg / 2nd Nature Dance Group
„Sacre Material“ (Choreographer)
„Sacre Material“ (Choreographer)
Christine Gaigg - TTW & Max Nagl
„one plus one“ (Choreographer)
„The Time Falling Bodies Take to Light“ (Choreographer)
Christine Gaigg
„These - Antithese: Soli & Duette“ (Choreographer)
| 31
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2ND NATURE / CHRISTINE GAIGG
„DESACRE!“
(AT)
24. + 25. JULI | 19.30 UHR | SPIELSTÄTTE (TO BE ANNOUNCED)
26. JULI | 19.30 + 21.30 UHR | SPIELSTÄTTE (TO BE ANNOUNCED)
Konzept und Regie
TänzerInnen
Text und Rede
Bühne
Licht
Musikalische Einrichtung
Musik
Choreografische Elemente
Kostüme
Assistenz
Koproduktion
Christine Gaigg
Alexander Deutinger, Radek Hewelt, Marta Navaridas,
Petr Ochvat, Anna Prokopová, Eva Maria Schaller,
Veronika Zott
Christine Gaigg, Erich Klein
Philipp Harnoncourt
Jan Wagner
Florian Bogner
Igor Strawinsky Le Sacre du Printemps (Zitate)
Vaslav Nijinsky, Pussy Riot
Dorothea Nicolai
Iris Raffetseder
Tanzquartier Wien und 2nd Nature
Dauer
55 Minuten
2nd Nature wird gefördert von MA 7 – Kulturabteilung der Stadt Wien
// ABOUT „DeSacre!“
Pussy Riot trifft Vaslav Nijinsky: Die Choreografin Christine Gaigg begibt sich mit ihren TänzerInnen
wortwörtlich in die Kunstaktion von Pussy Riot und zeigt – anhand Nijinskys vor hundert Jahren als
Skandal empfundener Choreografie zu „Sacre du printemps“ – wie Kunstwerke zur richtigen Zeit am
richtigen Ort den wunden Punkt einer Gesellschaft treffen können.
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// BIOGRAFIE
Christine Gaigg
Christine Gaigg geboren 1960 in Linz, lebt als freischaffende Choreografin, Regisseurin, Tänzerin
und Autorin in Wien. Studium der Philosophie und Sprachwissenschaft an der Universität Wien,
Tanz- und Choreografieausbildung an der School for New Dance Development Amsterdam. Unter
dem Label Christine Gaigg / 2nd Nature produziert sie zeitgenössische Tanzarbeiten in Kollaboration
mit anderen Kunstsparten. Mit dem Komponisten Max Nagl entstanden u.a. Sacre Material
(2000, Österreichischer Tanzproduktionspreis, Eröffnung ImpulsTanz 2001 Museumsquartier) und
ADEBAR/KUBELKA (2003, unter Mitarbeit von Filmemacher Peter Kubelka in Kooperation mit dem
Internationalen Filmfestival Viennale). Mit dem Komponisten Bernhard Lang erarbeitete sie die TRIKE
Serie (2004-2010, Koproduktion mit Tanzquartier Wien, Kaaitheater Brüssel, Theater am Neumarkt
Zürich, Wien Modern). 2007 inszenierte sie Elfriede Jelineks Text „Über Tiere“ als Schweizer
Erstaufführung im Rahmen der Zürcher Festspiele in Koproduktion mit dem Theater am Neumarkt
Zürich und dem Tanzquartier Wien. Zusammen mit Bernhard Lang, Philipp Harnoncourt und Winfried
Ritsch kreierte sie Maschinenhalle#1 als Eröffnungsproduktion des steirischen herbst 2010.
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// PRESSESTIMMEN
Helmut Ploebst
Der Standard
27. April 2013
Zum eigenen Gebrauch nach §42a UrhG. Anfragen zum Inhalt und zu Nutzungsrechten bitte an den Verlag.
Seite: 1/1
| 34
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A-1020 Wien, Lessinggasse 21
www.observer.at, E-Mail: info@observer.at
Fon: +43 1 213 22 *0, Fax: +43 1 213 22 *300
Wolfgang Kralicek
Verlagstel.: 01/53660*961
Clip Nr: 7683933
Größe: 100% SB: Gaigg Christine
Falter
Wien, 1.5.2013 - Nr. 18
01. Mai 2013 - Nr. 18
Zum eigenen Gebrauch nach §42a UrhG. Anfragen zum Inhalt und zu Nutzungsrechten bitte an den Verlag.
Seite: 1/1
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[W ILDWALK] AKEMI TAKEYA
„(ANTI)*CLOCKWISE“
(AT/JP)
05. AUGUST | 23.00 UHR | SCHAUSPIELHAUS
URAUFFÜHRUNG
Akemi Takeya @ ImPulsTanz
Performances
2012
2007
2006
2001
1997
ÖSTERREICH PAVILLON
„Programme II“
„Little Stories about S.O.S.: Survival of Solo“ (Choreographer, Performer)
Akemi Takeya
„Feeler“ (Dancer, Choreographer)
Akemi Takeya / Rechenzentrum
„So What!“ (Dancer, Choreographer)
Akemi Takeya
„Black Honey Drops“ (Dancer, Choreographer)
Akemi Takeya
„Körpergedichte“ (Choreographer)
Workshops
2007
„Feelers - Body & Voice Work“
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[W ILDWALK] AKEMI TAKEYA
„(ANTI)*CLOCKWISE“
(AT/JP)
URAUFFÜHRUNG
Konzept und Choreografie
Performerinnen
Licht und Bühne
Sound
Konzeptuelle Mitarbeit
Kostüme
Fotografie und Video
Produktionsleitung
Akemi Takeya
Akemi Takeya, Nikoletta Korkos, Veronika Zott
Martin Schwab
Christian Schröder
Armin Anders
Akemi Takeya
David Wiltschek
Thomas Licek
Dauer
50 Minuten
// ABOUT (anti)*Clockwise
Zu einer weiblichen Menage à trois hat die aus Japan stammende Wiener Choreografin Akemi Takeya
ihr erfolgreiches Solostück „Feeler“ erweitert. Dort war sie als Tänzerin in einem braunen Kleidchen,
dazu passenden Stiefeln und einem kurzen weißen Felljackett bereits vor drei Mikrophonen
gestanden: als Tänzerin, als Sängerin und als Privatperson. Eine auf dem Kopf balancierte und
immer wieder abgeworfene Plexiglasstange diente ihr als Fühler. Jetzt kommen Nikoletta Korkos und
Veronika Zott dazu. Mit Takeya werden sie in kontinuierlicher Bewegung gegen den Uhrzeigersinn in
einer ausgeklügelten Choreografie aus Stillstand und Bewegung, aus Zweifeln und Entscheidungen
tanzen - und das bis an den Rand der Selbstauflösung.
*****
Die neue Kreation der Choreografin Akemi Takeya basiert auf ihrem einmaligen Solo “Feeler”. Die
darin entworfene ultimativ existenzielle Figur wird nun von drei Performerinnen (Feelers) übernommen
indem sie die willkürlichen Grenzen eigener und fremder Wahrnehmung in kontinuierlicher Bewegung
und Rotation (im Uhrzeigersinn) erweitern.
Die Performance findet in dieser weiblichen Menage à trois auf den Ebenen der physischen
Interaktion, einer psychischen Intimität und der kritischen Reflexion statt: die widersprüchlichen
Prozesse und Zustände werden in einer ambivalenten Wendung (gegen den Uhrzeigersinn)
verwandelt.
Again and again the 3 Feelers question all their doings, their certainties and their self-concepts. The
space – and therefore time too – is filled by the questions of the “original body”.
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// BIOGRAFIEN
Akemi Takeya
Akemi Takeya has been living and working in Vienna. Her several solo pieces, such as “Feeler”,
“Black Honey Drops” etc. were presented at ImPulsTanz till now.
Also, she has collaborated with artists in the fields of dance, theater, film/video, photography and
music, such as Granular Synthesis, Ulf Langheinrich, Wolfgang Mitterer, Christian Fennesz, Ong Keng
Sen,Tetsuo Furudate, Rechenzentrum, Ko Murobushi etc.
Takeya has set up her own performance method, interweaving the strategies of formation of one‘s
own perception. As a writer she incorporates the thoughts from her journals, dreams, diaries and
essays into her performance pieces, ultimately producing an unexpected and visceral fusion of
sensory encounters. She thinks rationally and lyrically, with head and body, “eastern“ and “western“,
in oppositions, combinations, entanglements, sounds, spaces, movements, words.
She is a choreographer, performer between cultures – no longer attached to her Japanese roots, and
not yet bound to Europe, her current place of residence. This stress field between cultures is also
mirrored in her ambivalence towards the traditional, disciplined Japanese philosophy of the Path, and
the modern urban, Japanese inner conflict. She bridges these discrepancies in her art, incorporating
a fascinating fusion of eastern and western influences, a juxtaposition of her inner and outer worlds.
www.akemitakeya.com
Veronika Zott
Lives and works in Vienna. She studied at the London Contemporary Dance School. She received
the danceWEB scholarship in 2000. Since Veronica is working as a dancer, she also makes her
own work for theatre, gallery and street. Her movement research goes in direction of skateboarding,
which she uses as a daily transport. This lead her to the fanzine-magazine culture and to create a
performance with skateboarders as well as a dance training performance out of a Zine in 2013 which
was presented in two art galleries in Vienna. Ve.sch and nadaLokal. She works with Ivo Dimchev,
Christine Gaigg and Tomate Van Monte.
Nikoletta Korkos
Born in Hungary, grown up in Greece.
2010 graduated from the Concervatory of Vienna with Bachelor of Arts. Since then active as a
freelance Dancer and Choreographer.
Participation in various festivals in Thessaloniki (Greece), Prague (Czech Republic), Gmunden
and Vienna (Austria), with her own works e.g. “Winter Travellers”, “MKCMN”, “GloveLove”,
“WOMANISMUS_all.you.wanted.to.know.and.were.afraid.to.ask”, “USHER_The Revenge of
Madeline”, “Running for Time” and “Spacing TIme”.
Since 2011 worked with artist as Liz King, Sara Wiktorowicz, Georg Blaschke, Oleg Soulimenko and
in 2013 with Akemi Takeya for the ImPulsTanz Festival. She also founded her own company called
“Mars Bambis”, together with Kanako Sako and Periklis Liakakis.
| 38
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Christian Schröder
Christian Schröder lebt und arbeitet als Künstler und Musiker in Wien.
Neben Soloprojekten in verschiedenen Medien ist er Teil der Künstlergruppe Kollektiv Rauschen,
Mitglied der Movement and Sound Research Group ICC und kollaboriert mit Künstlern aus
unterschiedlichen Disziplinen - Mariella Greil, Mirjam Klebel, Emily Sweeney (Tanz), William Bilwa
Costa (Klangkünstler), Synes Elischka (Film), Martin Lanz (Performance), Florian Türke (Medienkunst)
u. a
cschroeder.tumblr.com/
kollektivrauschen.org/
Armin Anders
Dramatiker und Theatermacher: „inuitproductions“(1993-1999) und „m_productions“(2000-2003);
Dramaturg und Publizist: einerseits z.B. künstlerisch-philosophische Zusammenarbeit mit der
Choreografin/Performerin Doris Uhlich, andererseits kontinuierlich Veröffentlichungen von theoretischessayistischen Texten zum Theater der Gegenwart sowie zu kulturpolitischen Themen (z.B.
„Texte.Körper.Räume. Experimentelles Theater in Theorie und Praxis“, Wien 2001); Filmemacher:
„Weinviertler Trilogie“(2001-20011); Schriftsteller: seit den 90iger Jahren Veröffentlichungen von
Essais (z.B. „Alles.Etwas.Nichts“, Wien 2007), von Gedichtzyklen („Müll. Lyrik 1965-2005“ in 3
Bänden) und vielfältigen Prosatexten und Mini-Dramen.
David Wiltschek
Freischaffender Künstler, Selbstständige Tätigkeit als Grafiker und Webdesigner; Grafiker der
Filmproduktion WILDart FILM; Studium am Japanologischen Institut der Uni Wien und Malerei und
Grafik an der Akademie der bildenden Künste; Videodokumentation diverser Veranstaltungen im
Tanz-,Theater- und Performancebereich; DVD Produktion (Tanzquartier Wien, Schauspielhaus).
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AKRAM KHAN COMPANY
„DESH“
(UK)
16. + 18. JULI | 21.00 UHR | BURGTHEATER
„ITMOI (IN
THE MIND OF IGOR )
20. + 22. JULI | 21.00 UHR| HALLE E | MUSEUMSQUARTIER
ÖSTERREICHISCHE ERSTAUFFÜHRUNG
Akram Khan @ ImPulsTanz
Performances
2011
2008
2003
2002
2001
2001
2001
2001
Akram Khan Company
„Vertical Road“ (Choreographer)
Akram Khan Company & National Ballet of China
„bahok“ (Choreographer)
ImPulsTanz ON SCREEN: Akram Khan
„Rush“ (Choreographer, Dancer)
Akram Khan Company
„Kaash“ (Choreographer, Dancer)
Akram Khan Company
„Half And Nine“ (Choreographer, Dancer)
Akram Khan Company
Akram Khan Company
„Loose in Flight“ (Choreographer, Dancer)
Akram Khan Company
„Fix“ (Choreographer, Dancer)
Research Projects
2004
2001
Coaching Project: „The Dancer The Actor And The Musician“
Coaching Project: „Kathak -Meltdown“
| 40
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AKRAM KHAN COMPANY
„DESH“
(UK)
16. + 18. JULI | 21.00 UHR | BURGTHEATER
Regie, Choreografie und Performance
Visuelle Gestaltung
Musik/Komposition
Lichtdesign
Produktion
Geschichten von
geschrieben von
Dramaturgie
Leitung Schauspiel
Eshita’s Stimme
Jui’s Stimme
Visuelle Animation
Bühnenbau
Sound Design
Kostüme
Technische Leitung
Probenleitung
Tontechnik
Video
Inspizienz
Tour Manager
Dank an
Gesponsort von
Koproduktion
Enstanden während Residencies in
Mit Unterstützung von
Dank an die Unterstützung durch
Besonderer Dank an
Akram Khan
Tim Yip
Jocelyn Pook
Michael Hulls
Farooq Chaudhry
Karthika Nair und Akram Khan
Karthika Nair, PolarBear und Akram Khan
Ruth Little
Zoë Nathenson
Sreya Andrisha Gazi
Eesha Desai
Yeast Culture
Sander Loonen (Arp Theatre)
Nicolas Faure
Kimie Nakano
Fabiana Piccioli
Jose Agudo
Marcus Hyde
Sander Loonen
Giles Metcalfe
Mashitah Omar
Damien Jalet (devised Painted Head Sequence with
Akram Khan), Leesa Gazi (Culture Coordinator / Voice
Artist), Steve Parr (music recording and mixing), Samuel
Lefeuvre, Nicola Monaco, Andrei Nazarenko,
Sebastien Ramirez, RootlessRoot (Linda Kapetanea &
Jozef Frucek), Shantala Shivalingappa, Kate Braithwaite,
Sue Buckmaster, Renee Castle, Sidi Larbi Cherkaoui,
Daniel Hart, Syed Shamsul Haq, Chris Janschke, Labik
Kamal, Urmee Mazher, Bhasker Patel, Shamsur Rahman
and the singers Sohini Alam, Natacha Atlas, Melanie
Pappenheim, Jeremy Schonfield and Tanja Tzarovska
COLAS
MC2: Grenoble, Curve Leicester, Sadler’s Wells London,
Théâtres de la Ville de Luxembourg, Concertgebouw
Brugge
Curve, Leicester und MC2: Grenoble
Arts Council England
Bangladesh High Commission, London
Michel Orier, Paul Kerryson, Alistair Spalding, Béatrice
| 41
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Abeille Robin, Mr & Mrs Khan, Raihana Ahmad, Shahidul
Alam, Eeshita Azad, British Council Bangladesh,
Ruby Ghuznavi (textile curator), Irene Lu, Tareque Masud,
Ramendu Majumdar (ITI), Susan Mearns (ActionAid),
NariMaitree, Eela Muhaimin, Shlomo, Anne-Marie
Bigby, Amy Hollis, Gemma Ottey and Yohan Zeitoun
Dauer
80 Minuten, keine Pause
Akram Khan is an Associate Artist of MC2: Grenoble and Sadler’s Wells, London in a special
international co-operation
// ABOUT „DESH“
Als sein bisher persönlichstes Stück bezeichnet Akram Khan dieses abendfüllende Solo für große
Bühne. Der Ausnahme-Choreograf stammt aus einer bengalischen Einwandererfamilie und ist
im Londoner Stadtteil Wembley aufgewachsen. Das Land seiner Herkunft kannte er lange nur
aus Erzählungen, und doch war Khan bereits als Schüler begeisterter Kathak-Tänzer. Mit 14
Jahren erhielt er eine Rolle in Peter Brooks’ Theaterereignis „Mahabharata“. In „DESH“ (übersetzt:
„Heimatland“) wendet sich der vielfach ausgezeichnete Künstler nicht nur den tragischen und
komischen Seiten des Landes seiner Vorfahren Bangladesh zu, sondern auch den Spuren, die
dessen Kultur in ihm hinterlassen hat. In dem beeindruckenden Bühnendesign von Tim Yip, dessen
Ausstattung des Films „Crouching Tiger, Hidden Dragon“ mit einem Oscar honoriert wurde, erzählt er
in starken Bildern und meisterhaftem Tanz von einem durch zwei Kulturen geprägten Leben und einer
doppelten Identität genauso wie von einem Call Center und seiner starken Vater-Sohn-Beziehung.
*****
DESH is a new full-length contemporary solo and the most personal work to date from celebrated
choreographer and performer, Akram Khan. DESH, meaning ‘homeland’ in Bengali, draws multiple
tales of land, nation, resistance and convergence into the body and voice of one man trying to find
his balance in an unstable world.
Moving between Britain and Bangladesh, Khan weaves threads of memory, experience and myth into
a surreal world of surprising connection. At once intimate and epic, DESH explores fragility in the face
of natural forces, and celebrates the resilience of the human spirit in the rhythms of labour, in dream
and story, and in transformation and survival.
For this production, Khan teams up with Oscar-winning visual artist Tim Yip (Production Designer
for Crouching Tiger, Hidden Dragon), fellow Sadler’s Wells Associate Artist lighting designer Michael
Hulls, writer and poet Karthika Nair and Olivier award-winning composer Jocelyn Pook. The text
elements may be spoken in Bengali.
DESH – received the Olivier Award for Best New Dance Production, 2012
Akram Khan - recipient of The South Bank Sky Arts Award (Dance), UK 2011
and ISPA Distinguished Artist Award, New York 2011
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// Akram Khan on DESH
‘In a world where things are increasingly disposable, where aesthetics are dictated by trends, and
quality by ephemera, I wanted to go back to my origin to a certain extent, in order to find and create
something that would be an experience of lasting value... Strangely enough and sadly ironically,
climate scientists are saying that Bangladesh may be one of the first countries to perish and
disappear under rising waters...’
‚I am fascinated by water inside the earth, it is the core principle of the way I think and move, fluidity
within form... and Bangladesh has an abundance of both water and earth...‘
‚It is these two factors, that the people of Bangladesh continuously depend upon to build their lives
with and against.‘
‚I am fascinated to search for and explore a story that addresses the tragedy and comedy of lives in
Bangladesh.’ Akram Khan
// BIOGRAFIE
Akram Khan
Akram Khan is one of the most acclaimed choreographers of his generation working in Britain today.
Born in London into a family of Bangladeshi origin, he began dancing at seven and studied with the
renowned kathak dancer and teacher Sri Pratap Pawar.
Khan began presenting solo performances of his work in the late 1990s, maintaining his commitment
to classical kathak as well as developing modern work. He was Choreographer-in-Residence and
later Associate Artist at the Southbank Centre London. Khan is currently an Associate Artist of MC2:
Grenoble and Sadler‘s Wells, London in a special international co-operation.
DESH (2011), Khan‘s first full-length contemporary solo, is a part-autobiographical work which is at
once intimate yet epic. Khan‘s latest contemporary ensemble work Vertical Road (2010) and recent
creation Gnosis (2009), where he combined his classical Indian and contemporary dance roots,
received critical acclaim and continue to tour worldwide.
Khan‘s notable company works are bahok (2008), originally produced in collaboration with National
Ballet of China; Variations (2006), a production with London Sinfonietta in celebration of Steve Reich’s
70th birthday; ma (2004), with text by Hanif Kureishi; Kaash (2002), a collaboration with artist Anish
Kapoor and composer Nitin Sawhney.
Besides his company work, Khan also created duets: In-I (2008) with Oscar-winning actress Juliette
Binoche, Sacred Monsters (2006) with internationally acclaimed dancer Sylvie Guillem, and awardwinning zero degrees (2005) with Sidi Larbi Cherkaoui in collaboration with Antony Gormley and Nitin
Sawhney.
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In 2006 Khan was invited by Kylie Minogue to choreograph a section of her Showgirl concert, which
opened in Australia in November that year. He has also been chosen to choreograph a section of the
London 2012 Olympics Opening Ceremony.
Khan has been the recipient of numerous awards throughout his career including the Laurence Olivier
Award, the prestigious ISPA (International Society for the Performing Arts) Distinguished Artist Award,
South Bank Sky Arts Award, UK Critics‘ Circle National Dance Award and The Age Critics’ Award
(Australia).
Khan was awarded an MBE for services to dance in 2005. He is also an Honorary Graduate of
Roehampton and De Montfort Universities, and an Honorary Fellow of Trinity Laban.
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// PRESSESTIMMEN
Zoë Anderson
The Independent
10. Oktober 2011
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Lyndsey Winship
Time Out London
DESH: A Question of Identity
Akram Khan is an acclaimed artist, in demand around the world. He’s an experienced choreographer
with ten years of directing a company under his belt. And yet, despite the plaudits and the practice,
every new project is an empty page; each one is like starting over. It doesn’t seem to get any less
terrifying.
“I’m super nervous,” says Khan of premiering his latest piece, DESH, his first full-length solo
contemporary work. “I’m terrified of dancing on my own,” he says. “My producer keeps calling me up
and saying: ‘It’s still a solo right? You haven’t called in anyone else?’”
Khan has a history of inviting other artists to share the spotlight. “I’ve always started off doing a solo
and then it ended up becoming a duet,” he says. “First with Sidi Larbi Cherkaoui (zero degrees), and
then the next time I went to do a solo it ended up being with Sylvie Guillem (Sacred Monsters), and
the next time with Juliette Binoche (In-I). So I have to wonder, maybe I’m just afraid of being myself –
of being onstage alone.”
It’s a scary prospect, no doubt, but DESH is a piece that’s so personal it could only really be
performed by Khan himself. A work inspired by his parents’ homeland of Bangladesh, it is probably
his most personal exploration yet. And while Khan may be onstage alone, he won’t only be being
himself, he’s actually playing a whole cast of characters – from an imaginary niece to a student
activist. And he hasn’t been entirely alone in the creative process either, having developed the piece
surrounded by an impressive creative team, including composer Jocelyn Pook (Eyes Wide Shut, Brick
Lane) and visual designer Tim Yip, who won an Oscar for his production design on Crouching Tiger,
Hidden Dragon.
The whole team went out to Bangladesh for a period of research and it turned out to be an intense
trip. “We said we have to go and live, smell, eat, drink and sleep Bangladesh,” says Khan. They
visited shipyards, villages and fishing communities, learning about traditional culture and how people
live. They tried to soak up and document as many sights and sensations as possible but a few
particular incidents stood out as watershed moments.
“The first two days we just couldn’t connect with the country,” remembers Khan, describing how
the group would spend all day filming everything they saw on their mobile phones – the village, the
children, the animals – and then get back in the evening feeling frustrated and worried that they
were treating the people they saw like lab specimens. “But the next day our cameras would come
out again,” he laments. “Then there was one day in a village where a little boy, with no sandals and
torn shorts, was just staring at us with this absent look,” he says. “I was filming him on my iPhone
and I felt so bad that I put it down. And he smiled and pulled his phone out of his pocket and started
filming me.”
Not only was Khan startled by the boy turning the tables on him, but he couldn’t help but marvel
that this boy might have tattered clothes and little to eat, but he did have a mobile phone with a
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video function. The group came across this clash of age-old poverty and brand new high-technology
everywhere they went, hearing a story of a community in the remote Chittagong Hill Tracts living
simple tribal lifestyles, where children had apparently been trained in software development and now
have a workshop de-bugging mobile apps.
They found innovation in many guises. “We met some extraordinary people,” says Khan. “Especially
youths who had these most inventive ideas of how to survive. Really, Bangladesh, for me, is man
versus nature,” he says. “Bangladesh is constantly under threat with water, the cyclones and flooding.
And yet they find new ways to live amongst the monster, the beast of nature. I feel like they’re
extremely inventive in the face of such calamity and that’s something that really inspired me.”
Khan calls the trip “one of the most poignant moments in my life”, in terms of his artistic journey
so far, so you can see why creating a theatre work to match up to that experience is a daunting
prospect. Not only will Khan be alone onstage at his most exposed as a performer, but DESH is
definitely going to stretch him dramatically, bringing to life an assortment of wildly different characters
and a stage-world that mixes the real, the semi-fictional and the completely fabricated.
As Khan himself was born in London, he feels this show is, in a way, about his parents, and his
father in particular. He starts explaining part of the story: “It’s about me returning my father’s body to
Bangladesh,” he says. “Me, never having the patience or the right kind of headspace to listen to him
when he was alive, when all he was trying to do was to communicate with me, [tell me] that there’s
another part of me in him. He just wanted me to have that experience of Bangladesh, but I never
allowed that because I always said I was British and didn’t really care much about Bangladesh. I felt
disconnected – that’s your country, not mine.”
The fabrication here is that Khan’s father isn’t dead at all. He’s alive and well. But this fictional device
has allowed Khan to explore ideas and memories of Bangladesh, real or otherwise, and consider the
flavours, smells, energy and colour of the country that formed his roots, as well as its politics, history
and heritage. It seems that, despite his protestations, Khan has found the headspace to explore this
side of his identity after all. And it’s the fact that this subject is so closely connected to his core that
makes expressing it onstage so deeply scary.
‘Identity’ is the word it so often comes back to with Khan. “I can’t get away from identity, that seems
to be my curse,” he smiles. “I remember one critic seeing Confluence and saying:
‘He should stop talking about identity and get over it.’ But I think that critic has an identity issue as
well. I think we all do. We’re always questioning identity. We’re always trying to find out who we are,”
Khan insists. “It doesn’t stop.”
Lyndsey Winship is dance editor of Time Out London.
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Debra Craine
The Times
20. September 2011
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AKRAM KHAN COMPANY
„ITMOI (IN
(UK)
THE MIND OF IGOR )“
20. + 22. JULI | 21.00 UHR | HALLE E | MUSEUMSQUARTIER
Künstlerische Leitung und Choreografie
KomponistInnen
Kostümdesign
Lichtdesign
Bühnenbild
Dramaturgie
Recherche
Assistenz Choreografie
Entwicklung Bühnenbild und Fertigung
Sound Design
entwickelt und performed von
MusikerInnen
Cello
Violine
Viola
Akkordeon
Keyboard
Cello
Produktion
Associate Producer
Projekt Managerin
Technische Leitung und Licht auf Tour
Sound und Set auf Tour
Tontechnik auf Tour
Kostüme und Requisite auf Tour
Tour Manager
Gesponsort von
Koproduktion
Entstanden während einer Residency in
Dank an
Besonderer Dank an
Akram Khan
Nitin Sawhney, Jocelyn Pook und Ben Frost
Kimie Nakano
Fabiana Piccioli
Matt Deely
Ruth Little
Joel Jenkins
Andrej Petrovic und Jose Agudo
Sander Loonen und Firma Smits
Nicolas Faure
Kristina Alleyne, Sadé Alleyne, Ching-Ying Chien,
Téo Fdida, Sung Hoon Kim, Denis ‚Kooné‘ Kuhnert,
Hannes Langolf, Yen-Ching Lin, TJ Lowe, Christine
Joy Ritter und Catherine Schaub Abkarian
Ian Burdge
Sarah Harrison
Stephen Hussey
Igor Outkine
Camilo Tirado
Chris Worsey
Farooq Chaudhry
Bia Oliveira
Céline Gaubert
Richard Fagan
Peter Swikker
Marcus Hyde
Leila Ransley
Marek Pomocki
COLAS
Sadler’s Wells London, MC2: Grenoble,
HELLERAU – European Center for the Arts
Dresden, Les Théâtres de la Ville de Luxembourg
MC2: Grenoble
Centre Dramatique National des Alpes in the
making of costumes
Alistair Spalding, Michel Orier, Jean-Paul Angot,
Sylvaine Van den Esch, Géraldine Garin, Hervé Le
Bouc, Sophie Sadeler, Béatrice Abeille-Robin,
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Mr. & Mrs. Khan, Yuko Khan, Élodie Morard,
Thomas Greenfield, Jean-Claude Gallotta, Hélène
Azzaro, Pierre Escande, Gretchen Schiller, Marie
Jacomino, Olivia Ledoux and Louise Yribarren.
Dauer
Akram Khan is an Associate Artist of MC2: Grenoble and Sadler’s Wells, London in a special
international co-operation.
// ABOUT „iTMOi (in the mind of igor)“
Das Leben. Ein Riss. Der Tod. Ein Orkan aus flirrendem Licht und gewaltiger Musik verdeutlicht
das Drama des Geschehens. Eine spektakuläre Antwort auf Igor Strawinskys und Vaslav Nijinskys
Jahrhundertstück „Le Sacre du Printemps“ gibt der vielfach ausgezeichnete britische Choreograf
Akram Khan mit den TänzerInnen seiner Company und drei außerordentlichen KomponistInnen:
Nitin Sawhney, Jocelyn Pook und Ben Frost. Bei der Uraufführung von „Sacre“ am 29. Mai
1913 im Théâtre des Champs-Élysées in Paris kam es zum Eklat: radikal neue Musik und
grenzüberschreitender Tanz ließ das Publikum jede Contenance vergessen.
Jetzt konzentriert sich Khan auf Strawinsky: „Wie er die klassische Musikwelt veränderte, indem
er Emotionen nicht durch Expressivität, sondern durch Muster erzeugte.“ Durch Muster in der
Komposition, die in der Geschichte von einer Frau, die tanzt, bis sie stirbt, verwurzelt sind. In Khans
Stück schwingt eine große, rauchende Kugel wie das Pendel des Schicksals, in dessen Machtbereich
die tanzende Frau gerät. So wie ein Mann, der durch rote Seile mit dem Raum verbunden ist und von
Mächten, die daran ziehen, hin- und hergeworfen wird. Dieses Frühlingsopfer ist eine Zerreißprobe für
die TänzerInnen und ein tief beeindruckendes Erlebnis für das Publikum.
*****
“In this work, I am interested in the dynamics of how Stravinsky transformed the classical world of
music by evoking emotions through patterns, rather than through expression, and these patterns
were rooted in the concept of a woman dancing herself to death. This approach is a huge inspiration
to me. But in a sense I hope to reinvestigate it, not just through patterns, as Stravinsky did, but also
through exploring the human condition. A rupture in the mind, a death in the body, and a birth in
the soul, all remind us that the mind and imagination are wild and self-generating. In addition, to be
creating this work with three different composers, Nitin Sawhney, Jocelyn Pook and Ben Frost, allows
us to discover many different sound-worlds, using Stravinsky as the key, the guide, the map.”
Akram Khan
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//ANKÜNDIGUNG
„Mind Mapping“
Ruth Little, April 2013
When Akram Khan was invited by Sadler’s Wells to create a dance piece in response
to Stravinsky’s Rite of Spring, our research led us into a sea of commentary on the creation of the
Rite, its early condemnation and triumphant rehabilitation as one of the defining works of the 20th
century. We listened to the music, collected images relating to the composer’s life and times and to
the dreams and nightmares the piece provokes, probed the history of human sacrifice and its cultural
representation, and trawled the biographical and critical literature for clues to Stravinsky’s intention
and process. But the more we learned, the less we knew. Igor Stravinsky remains a complex and
frustratingly contradictory character, whose musical genius is as difficult to define as his imagination
or motivations. At once dogmatic and inconsistent, conservative, curious and iconoclastic, he himself
actively contributed to the mythic quality of the narrative surrounding the Rite’s conception and
reception. And the ultimate success of the Rite as an orchestral masterpiece effaced its origins as
a ‚musical choreographic‘ work inseparable from the equally iconoclastic, ‘uncouth’ dance created
by Nijinsky. The Rite of Spring is characterised by the vigour, and rigour, of its composition; by its
unpredictability, dissonance and emphatic stresses. But it is characterised too by the intensity of its
visceral impact on audiences. The opportunity, and the challenge of iTMOi lay in pushing beyond the
immediate response to the famous score and its infamous history towards an experience which is
both universal in its implications and emotionally charged in its own right. The controlled explosion of
the original is undeniably powerful. But what lies behind it? What wonder and what fear surrounded
Stravinsky’s own response to ‘the mystery and great surge of the creative power of Spring’? What
does the experience of the Rite communicate about ourselves and our rituals, the courage and
cruelty of our faith, and what is revealed when the mask of convention falls away? In the end, we
have only the Rite, and what it releases. iTMOi takes the basic event structure of the Rite of Spring
– the cycle of birth and death, love and ritual violence – and draws on the energy and complexity
of the score to drive an exploration of the ‚violence‘ of the creative process itself the perpetual and
concentrated movement between pattern making and rupture. Tradition, convention, faith, tests of
faith and their rituals give a sense of order and structure to our lives, but the animating principle of
the universe is chaos – the deeply ordered but bewilderingly unpredictable movement of complex
systems. iTMOi acknowledges the stabilising power of what Oscar Wilde referred to in The Picture
of Dorian Gray as ‘the terror of society…the terror of God.’ But the work also points to the human
capacity for violence that both make possible, as well as to the sorrow and tenderness such violence
produces. ‘The mind of man’, claimed Conrad in Heart of Darkness, ‘is capable of anything, because
everything is in it, all the past as well as all the future…Truth – truth, stripped of its cloak of time.’
In the mind of Igor, emotions exist beyond time, as the pulse of pure physical connection to the
world and its music. Like music, they are a form of movement – the origin of the word ‘emotion’ lies
in the Latin emovere, ‘to move out, remove, agitate’. In the mind of Igor, The Rite of Spring has no
history and no future. Its music, its dance, the feelings it produces are inseparable from one another.
Sound, fury, energy, love – these are the artist’s rites against death. In the mind of Igor, there is only
movement, and in that movement, all of life.
—Ruth Little, April 2013
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[W ILDWALK] ALESSANDRO SCIARRONI
„FOLK-S
WILL YOU STILL LOVE ME TOMORROW ?“
11. AUGUST | 23.30 UHR | KASINO
Konzept und Dramaturgie
Folk-TänzerInnen
Sound Training und Casting
Video und Bilder
Lichtdesign
Technische Leitung
Kostüme
Vertrauensbildung
Dramaturgische Beratung/Casting
Choereografische Beratung
Produktionsleitung
Organisation
Administration
Projektkuration und Promotion
Kommunikation and Pressearbeit
Produktion
in Zusammenarbeit mit
Dauer
(IT)
AM
SCHWARZENBERGPLATZ
Alessandro Sciarroni
Marco D’Agostin, Pablo Esbert Lilienfeld, Francesca Foscarini,
Matteo Ramponi, Alessandro Sciarroni, Francesco Vecchi
Pablo Esbert Lilienfeld
Matteo Maffesanti
Rocco Giansante
Cosimo Maggini
Ettore Lombardi
Rosemary Butcher
Antonio Rinaldi
Tearna Schiuichplattla
Marta Morico
Benedetta Morico
Luana Milani
Lisa Gilardino
Beatrice Giongo
Teatro Stabile delle Marche with Corpoceleste_C.C.00#
Inteatro, AMAT-Civitanova Danza per “Civitanova Casa della
Danza”, Centrale Fies, ChoreoRoam Europe: Centro per
la Scena Contemporanea - Comune di Bassano del Grappa,
The Place/London, Dansateliers/Rotterdam, Dance Week
Festival/Zagreb e Paso a 2/Certamen Coreográfico de Madrid
100 Minuten (???)
//ABOUT „FOLK-S will you still love me tomorrow?“
Wie geht Schuhplatteln auf Italienisch und als zeitgenössischer Tanz? Alessandro Sciarroni,
Performer, Choreograf und Regisseur mit Verbindungen zur Bildenden Kunst, zeigt es. Zusammen
mit fünf TänzerInnen packt er diesen weltberühmten und berüchtigten bairisch-österreichischen
Volkstanz bei dessen archischen Wiederholungsmustern. Das ist keine Persiflage, sondern eine
so tiefgehende wie ironische rhythmische Vermessung, eine Lockerungsübung über den streng
geregelten Brauchtumstanz. Die TänzerInnen verausgaben sich bei „FOLK-S will you still love me
tomorrow“ zur Musik von Mahler über Yazoo bis Lil Wayne bis zur totalen Erschöpfung und erinnern
zugleich daran, dass der Schuhplattler ursprünglich ein volkstümlicher Werbetanz war.
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// BIOGRAFIEN
Alessandro Sciarroni
Alessandro Sciarroni (San Benedetto del Tronto, 1976) is a performer, choreographer and director
with a background in visual arts and many years of theatre practice. His works have been presented
in 17 European countries, as part of dance and contemporary theatre festivals.
In May 2013, his work Folk-s opens the Rencontres choreographic internationals de seine-saintdenis. In the same year, he is chosen to be the first Italian artist supported by Modul-Dance, a
multi-annual cooperation project established through the collaboration of 19 European dance houses;
also, he is awarded the best upcoming artist prize by the Danza&Danza magazine.
Untitled I will be there when you die, a performative and choreographic practice on the passing of
time inspired by the art of juggling, will premiere on July 2013.
In addition, he takes part in Progetto Matilde, a regional platform that promotes young artists working
in the Marches region.
Since 2009, the Teatro Stabile delle Marche has produced the works of Alessandro Sciarroni.
Marco D’Agostin
Marco D’Agostin begins his performing training in theatrical disciplines when he’s 15, and only later
begins studying dance. He studies modern and contemporary dance, choreographic composition,
contact improvisation in Bologna; between 2009 and 2011 he then attends workshops with Yasmeen
Godder (IL), Nigel Charnock (UK), Emio Greco/Accademia Mobile (NL), André Gingras (BE), Sharon
Friedman (ES), Fabrizio Monteverde (IT), Simona Bertozzi (IT), Claudia Castellucci (IT), Robert Clark
(UK), Freddie Oppoku-Addaie (UK), Eva Recacha (UK), Rachel Krische (UK), Gionatan Surrienti/
contact improvisation (IT), Arno Schuitemaker (NL), Jorge Crecis (ES).
In 2009 he joins Mòra, Dance Company of Socìetas Raffaello Sanzio; the first production, Homo
turbae, has been touring for more than two years in Italy and Europe.
With Viola, his first solo work, he wins both the public and the jury panel prize at the “Premio Giovane
Danza d’Autore” in Veneto region and he tours in the most important italian festivals for more than
two years. He also presents the piece at The Place Theatre in London, in Lubjana and at Mouson in
Frankfurt, being chosed as the only italian choreographer for the 2010/2011 “Aerowaves” network
edition.
In 2010 he attends the Course for Professional Dancers organized by OperaEstate Festival, where he
also studies with Lucy Cash and Gitta Wigro: Close to me, the videodance movie he shoots during
the workshop, is one of the finalists of the 2011 edition of “Il Coreografo Elettronico” prize in Napoli.
He dances for Sharon Friedman and Tabea Martin in the events Tre and Duets for italian
choreographers. In 2010 he’s also part of the CD 16 - Choreographic Dialogues project, a
choreographic twinning between eight italian choreographers and eight students of the SNDO School
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in Amsterdam. The result of the work is presented at the Melkweg Theatre in Amsterdam.
Out of this experience he then dances in An Exclamation of Surprise or Incredulity for William Collins,
winner of the ITs Festival Choreography Prize in 2010.
With the italian visual artist Laura Giovannardi he creates A room for one’s own, an interactive
performance with felt artworks.
He’s one of the two italian choreographers of the 2011 edition of Choreoroam, international project of
dance research which involves The Place Theatre in London, Dansatelier in Rotterdam, OperaEstate
Festival in Bassano del Grappa, Dance Week in Zagreb and Paso a 2 in Madrid. Mentor of this
edition of the project has been Rosemary Butcher, while Guy Cools, Peggy Olislaegers and Guillermo
Weickert have been the workshop leaders.
His first group piece, Spic & Span, realized in collaboration with dancers and choreographers
Francesca Foscarini and Giorgia Nardin, wins the Special Mention at the Premio Scenario 2011, the
most important italian prize for young theatre and dance companies; the piece is currently touring in
Italy.
His last piece, Per non svegliare i draghi addormentati, wins the Premio Prospettiva Danza prize in
Padova and will be premièred in the Prospettiva Danza Festival in 2013. The piece is supported by
CSC/OperaEstate Festival of Bassano del Grappa (IT), inTeatro (Polverigi, IT) and Teatro Fondamenta
Nuove (Venice).
He also dances in Alessandro Sciarroni’s new production, Folk-s, and for Ullallà Teatro, a theatre and
dance company for kids; for this company he’s actually developing a personal research on movement
language for children.
In 2012 he’s been chosed as the italian choreographer for the Triptyque project, a choreographic
twinning with two canadian choreographers (Peter Trotzmer and Ziyian Kwan), and he has followed
research periods in Bassano del Grappa, Montréal and Vancouver.
He’s also one of the choreographers of Act your age, an international research project that deals with
the exploration of possibilities of the aging body through the art of dance and that involves artists
from The Netherlands and Cyprus. In 2013 he will present the outcome of this research project.
In 2012 Days of harvest, the multi-awarded movie where he plays as the main character, is released
in Italy and Europe.
Choreographer Giorgia Nardin choses Marco as a dancer for her new production, All dressed up
with nowhere to go, based on the opus of reknown painter Hieronymus Bosch and involved in the
international research project Bosch 2013/2014. More info on: www.marcodagostin.it
Francesca Foscarini
Francesca Foscarini is a dancer and independent choreographer. Fundamental for her artistic
development have been the collaborations with choreographers Roberto Castello (Aldes), Sonia
Brunelli and Sara Wiktorowicz (with whom she has created the solo Grandmother, winner of the
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special prize as Best Performer at Festival Equilibrio in Rome 2013). In 2009 she creates her first solo
work, Kalsh, finalist of the GD‘A Veneto (Giovane Danza d‘Autore), selected by Anticorpi XL Network
2010 and Visionari – Kilowatt Festival 2010. In 2011 she creates her second solo Cantando sulle
ossa, selected by Anticorpi XL Network 2011, Aerowaves - Dance Across Europe 2012, and winner
of the Panel Prize as Best Solo at 17Masdanza International Dance Festival 2012 (Canary Islands).
She is currently working with Ullalà Teatro Animazione and has collaborated with choreographers
Giorgia Nardin and Marco D‘Agostin on the making of Spic & Span, winner of Premio Scenario
Special Mention in 2011. She‘s now working with Alessandro Sciarroni in Folk-s and with Marco
D‘Agostin in Per non svegliare i draghi addormentati.
www.francescafoscarini.it
Pablo
Esbert
Lilienfeld Pablo was born in Madrid. He creates audiovisual and dance/performance work from 2005. His
solo EDIT was selected by the european network Aerowaves and presented internationally. He
collaborates as musician, dancer and assistant with the italian Alessandro Sciarroni and with Cecilia
Lisa Eliceche in Belgium, as well as other european choreographers. He develops as well a musical
and video art activity. He studied audiovisual communication in the Universidad Complutense de
Madrid, contemporary dance in the RCPD and music in the Escuela de Música Creativa in Madrid.
www.pabloesbertlilienfeld.com
Matteo Ramponi
Matteo Ramponi is an independent performer and artist. He begins his education in theatre studying
and working with the reknown italian theatre company Lenz Rifrazioni between 2001 and 2006. Since
2007 he works in the different works by choreographer Alessandro Sciarroni (Your Girl, Cowboys,
Folk-s). He‘s one of the collaborators of the project Family Tree by performer and maker Chiara
Bersani (Winner of Premio Prospettiva Danza 2011), for whom he creates the first chapter, Hallway, in
2012, and will continue this collaboration in 2013 for the new production Being Kiruna Stammel.
He also works as a performer in Trash4dollars by dance maker Mara Cassiani in 2012 and creates
the lighting design for the new project by choreographer Marco D‘Agostin (Let sleeping dragons lie,
2013).
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// PRESSESTIMMEN
Rodolfo Di Giammarco
La Repubblica
30. Dezember 2012
The traditional Bavarian dance with Sciarroni is a masterpiece
Heel, outside foot, thigh. And again: heel, outside foot, thigh.
An hypnotic self-beating with the hands, all focused on the lower part of the body.
This unmatched performance is based on resistance (ending only when the six dancers, having
exhausted all their energies, one after the other, leave the stage, or when there
is at least one viewer in the hall) and on absolute rules of synchronicity, suspension, conviviality.
A meticulous work capable of stirring emotions thanks to the repetition of actions that becomes
dramaturgy.
A true masterpiece, Folk-s, will you still love me tomorrow?, created, choreographed and
(co-interpreted) by Alessandro Sciarroni (now on tour after being presented at Romaeuropa Festival)
is a practice based on the Schulplatter, the Bavarian and Tyrolean folk dance. At the beginning, a
circular structure made by the performers, here blindfolded, and, after, an unbroken unison of steps,
bending, pairing and seriality. Always in harmony with a playlist where Mahler leaves space to Yazoo
or Lil Wayne.
An exploit that can last over two hours and you will end up never wanting it to stop.
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Sergio Lo Gatto
tanz
Foto:
Matteo
Maffesanti
März 2013
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[8:TENSION] AMANDA APETREA
„BEAUTY AND THE BEAST“
(SE)
& HALLA ÓLAFSDÓTTIR
(SE/IS)
Konzept und Performance
Featuring
Master of light
Opening act
Musik von
Halla Ólafsdóttir und Amanda Apetrea
Lisen Rosell
Chrisander Brun
Emma Tolander (First Opening Act), Second Opening Act tba!
Requiem for a dream, Rage against the machine, Slayer,
Beyoncé, Vader, Robbie Williams und mit besonderem Dank
an Coste Apetrea und Elize Arvefjord
Dauer
60 min
// ABOUT „Beauty and the Beast“
In dieser durchaus heftigen Show werden Freiheit, Liebe, Lust, Tanz und Rock’n’Roll gefeiert. Die
beiden jungen Choreografinnen Amanda Apetrea und Halla Ólafsdóttir verwandeln die Tanzbühne in
einen Vulkan aus Laserlicht, Theaternebel, rockigem Sound und rotzigen Texten. Wild geschminkt
und in wechselnden Outfits treten sie auf, als wären sie Enkelinnen von Alice Cooper und Kiss. „Wir
wollen Verwirrung, Neugier und Fragen provozieren“, sagen die beiden „Godmothers of Dance“, wie
sie sich selbst ironisch bezeichnen. Apetrea hat 2004 das schwedische Kollektiv ÖFA mitgegründet,
mit dem sie bereits in Wien zu Gast war. Wie sie lebt auch die aus Island stammende Halla Ólafsdóttir
(die zurzeit mit dem Pop-Duo The Knife tourt) in Schweden.
*****
Again and now even more important than ever before, you have to forget about minimalism and
everything you thought you knew about good taste - Beauty and the Beast is a dance performance
that celebrates rock nʼ roll, freedom, dance, love, lust and fear. And most of all it‘s about you. And
us. And all the love in between.
You want to lean forward and then back in your chair. You feel safe, but you know that you are part
of something dangerous. We don’t do hatred and contempt, we use love as a weapon. It is life and
death. It is love. It‘s a place were beauty meets beast in a world were everything is possible.
Come as you are, as you were, as you want, and we promise to love you and fuck you up!
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// BIOGRAFIEN
Amanda
Apetrea Amanda Apetrea, born in 1981 in Uppsala, Sweden, works as a dancer and choreographer based in
Stockholm. She did her dance education at Ballet Academy Stockholm 2002-2005. Amanda is part
of the first generation Mychoreography witch also was an MA in choreography at DOCH (University
College of Dance and Circus) during 2008-2010 led by Mårten Spångberg. 2004, Amanda cofounded the ÖFA-collective, which is a feminist art collective and a support and discussion group for
its 23 members. She has been performing at for instance Imagetanz at the Brut Institute in Vienna,
Sommerzene in Salzburg, NORTHWIND in Berlin, TWEETAKT in Utrecht, Arvika Festival, Europride
in Stockholm, Paradiso Festival in Stockholm, Elverket in Stockholm, Stockholm City theatre, Regina
Theatre in Uppsala, Iceland dance festival - A series of event, Red Dawns festival in Ljubljana, MDT in
Stockholm and TUPP festival in Uppsala.
Amanda has recently been co-creating and performing with ÖFA in „ÖFA: DANCE“, Halla Ólafsdóttir
in „Beauty and the Beast“, Carl Olof Berg in “Vi äger” and Sidney Leoni in “Undertone”. She is
currently working with Emma Tolander in the project „Edie & Edie” and she will create a piece for the
Cullberg ballet together with Nadja Hjorton, Stina Nyberg, Halla Ólafsdóttir and Zoë Poluch.
Halla Ólafsdóttir
Halla Ólafsdóttir is an Icelandic artist based in Stockholm working with dance and choreography.
Her work is concerned with methods of reinterpretation of recognizable formats of representation
facilitating a shared experience. Halla is a MA choreography graduate from DOCH (Stockholm) and
for the past five years she has been part of mychoreography and INPEX, creating and performing a
number of pieces and projects which have toured to festivals in Sweden, England, Belgium, France,
Germany, Vienna and the United States. She has recently been touring the pieces It‘s definitely the
spiritual thing and Beauty and the Beast. As well as working on the remake of Giselle and with the
curation of Reykjavík Dance Festival: A Series of Event 2012. Currently she is working with The Knife,
on a Europe tour with the show Shaking The Habitual.
Lisen Rosell
Lisen Rosell is a an actor based in Stockholm, Sweden.
She is a member of the feministic art group ÖFA kollektivet in which she has created and performed
in many different shows and club performances. Lisen Rosell has produced the Perfect Performance
internationell theatre festival of 2009 and during 2012 she worked as producer at MDT- the place to
be. Rosell is currently working as an actor at Stockholms stadsteater Skärholmen and together with
Amanda Apetrea and Halla Olafsdottir in Beauty and the Beast. During fall 2013 she is performing in
Hallå42 by choreographer Carl Olof Berg.
Emma Tolander
Emma Tolander, born 1982 in Stockholm. After finishing her education at the Ballet Academy and
at University College of Dance in Stockholm, 2001-2005, she has worked as a dancer, artist and
a dance teacher mostly in Sweden and Finland, but also around Europe. She has been a member
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in ÖFA-kollektivet since the start 2004, and participated in all of their productions. Emma’s recent
work concerns different aspects of dance tradition and her own experience from the dance studio
and beyond, which she dealt with in the solo “Emma, don’t move to Finland!”, the duet “2/3 unite!”
with Sebastian López-Lehto and in “I ass jazz” with Amanda Apetrea, as well as in ÖFA’s latest piece
“ÖFA: Dance”. She has recently been working as a dancer with Swedish choreographer Carl Olof
Berg in the piece “Vi äger” and is currently working with Amanda Apetrea in the Edie & Edie project.
Chrisander Brun
Lives and works in Stockholm as light and set designer.
Has the Bachelor of fine arts at Dramatiska institutet with a major in lighting design for theatre and
performing art. Collaborated among others with Malin Hellkvist Sellèn, Martin Forsberg, Ludvig Daae,
Eivind Seljeseth, Nadja Hjorton, Eva C Richardsen, Emma Tolander, Nadja Hjorton, Tatu Hämäläinen,
Kristin Ryg Helgebostad, Stina Nyberg, Zoë Poluch, Uri Turkenich, TOYBOYS , Ingeleiv Berstad, TOEN Butoh Company, Dorte Olesen, mychoreography and theaters as Kungelige Dramatiska Teatern
(SE), Stockholm Stadsteater (SE), Turteatern (SWE),Dramalabbet (SE) MDT - the place to be (SE),
Norrlandsoperan (SE), Riksteatern - (NO), Rogaland Teater (NO), Centralteateret (NO), Petrozavodsk
State Music Theatre (RU), Dansenshus (NO), Blackbox (NO)
// ABOUT Amanda Apetrea & Halla Ólafsdóttir
„Forget Madonna, Prince, Elvis, Beyoncé, Whitney and Britney. Halla and Amanda never
needed their last names and now they take on the greatest mononymes in dance history and blow
you away“
Amanda and Halla go way back and have been working together and apart in various constellations
and projects for years now. It is always about friendship and they are never alone. They have
collaborated with for instance Beauty and the Beast, jazz dance, danceoke, Nadja Hjorton, Emma
Tolander, The Rite of Spring, spiritualism, realism, feminism, Sidney Leoni, The Swedish Dance
History, Stina Nyberg, Zoë Poluch, the ÖFA-collective, Emma Kim Hagdahl, Ben Evans, THE
FUTURE, Luís Miguel Felix, Mychoreography, Jessyka Watson Galbraith, Lisen Rosell, Chrisander
Brun, Mårten Spångberg, Shaking the habitual, Ludvig Daae, Martin Lervik, Undertone, A Series of
Event 201, economy, crisis, Marcus Baldemar, Krööt Juurak, Maryam Nikandish, Alice Chauchat,
Marcus Doverud, Emelie Garmén, Johan Thelander, Siri Hjorton Wagner, John Moström, Rebecka
Stillman, Uri Turkenich, Märta Thisner, Rami Jawhari, Anna Sóley Tryggvadóttir, MDT, Carl Olof Berg,
Dorte Olesen, dancing in the dark, smoke and wind, Andros Zins-Browne, Elizabeth Ward, Manon
Santkin, Mariana Suikkanen Gomes, INPEX, Mattias Lech, Franziska Aigner, Tom Engels, Andrea
Csaszni Rygh, Ivar Furre Aam, Eliisa Erävalo, love, lust and fear.
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// PRESSESTIMMEN
Interview on Beauty and the Beast
Beauty and the Beast, created and performed by Halla Ólafdóttir and Amanda Apetrea.
Is it a dance? Is it a show? Is it a play? Is it a band, a concert? The performance takes place in a
theater with audience all around the stage. Standing and sitting.
The artists themselves are hard to reach for a moments talk. I managed to get hold of them between
Brussels and Beijng. I got to follow them on their tour bus where they‘ve spent most of their time
between shows the last month after their world premiere of their new show Beauty and the Beast.
Why did you decide to call it a come back?
Ólafsdottir: It‘s a comment to the fact that we work our asses of for years to fit in to a system
of performance making. Only when we‘re seen with in the system we exist right? Even though
we‘ve been doing this for a while now. It‘s also a comment to the notion of quality in the aspect
of programming witch is of such great importance for us as artists, the programming that is. It‘s
important to know what is expected of you as performance makers but only so that we can question
it if we don‘t approve. It creates a dialogue between makers and byers witch is of utmost importance
for the art of dance making.
Apetrea: And we want to lift our selves to a high level to produce confusion, curiosity and questions
with our spectators.
Like what?
Apetrea: Like, who are they? Do we know them? Do other people know them? And of course; we
have to see them! It‘s about creating desire and urge to learn more.
Is it some kind of shortcut to fame?
Apetrea: Yes, you could say that. At least it brings up the question of what fame is and why or if it‘s
important to be known and famous. And also where it is important.
Is
it
important
with
fame
in
the
dance
field?
Ólafsdóttir: Yes, as in any field. But fame does not equal any specific success, quality, intelligence,
artistry, failure nor grand shows in all big venues and so on. Fame in it self is nothing productive. To
talk about fame though can be productive.
Do you strive for fame?
Apetrea: Yes, of course. Anything else would be a lye. But not fame to any price. We have important
stuff to communicate with the world in terms of dance, art, politics, society and so on.
At that moment the artists bus have been caught up by papparazis and I have to leave the bus for
them to step on the gas towards next adventure.
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Review of Beauty and The Beast
Last weekend, legendary dance makers Amanda Apetrea and Halla Ólafsdóttir rocked over 20,000
fans with an incendiary performance of Beauty and The Beast at MDT.
After several years of absence, Apetrea and Olafsdottir reclaimed the stage with their new
performance Beauty and The Beast. The much anticipated performance, which, to many fans,
represented the duo ́s return to their dance roots and its acclaimed dancemanship, prepared the
premiere for a world tour that kicked off in 2011 and is expected to last for over two years, spanning
over fifteen countries.
Apetrea
́s
and
Olafsdottir
́s
Magnetic
Performance
Like all choreographers that have been around for decades, the duo has made their share
of mistakes, alienating some of the old school fans with some of their progressive work with
mychoreography i.e.“The Rite of Spring”
However, few choreographers in history have managed to bring their live performance to such high
energy levels and to continue to engage fans so completely decade after decade. In a spectacular
performance that featured laser shows, flames and impressive dance and voice solos, the hot
veterans won the hearts of the thousands of fans that filled MDT on Sunday.
The opening acts that Apetrea and Olafsdottir selected for their performance at MDT, were different
each night. Featuring artists such as Nadja Hjorton, Lisen Rosell, Jessyca Watson-Galbraith, Emma
Kim Hagdahl, mychoreography, Wisp, Mårten Spångberg, Emma Tolander, The ÖFA-collective,
INPEX and Sidney Leoni.
Many of them performing unusual rhytm patterns, sudden start-and-stop dances and death growls
that did seem to appeal to The Beauty and The Beast fans. ÖFA especially managed to engage the
audience with their fast, abrasive choreography.
Nevertheless, anxiety heightened and excitement seemed to turn into impatience as the thousands of
fans anticipated the appearance of the godfathers of dance on the stage.
The members of Beauty and The Beast, who were received with loud enthusiasm by the
multigenerational audience, performed on a stage placed in the center of the floor, dividing their face
time between fans all around the arena. The duo has been playing in- the-round since the days of the
mychoreography promotion tour, connecting with fans both on a choreographycal and on a personal
level.
Apetras and Olafsdottir ́s impeccable dance performance and their infectious energy invigorated the
crowd at MDT, engaging fans in a musical dialogue with the performance and challenging them to
new levels of adrenaline.
An almost visible electric current ran through the audience as they performed the
first
scene
surrounded by flames springing from the floor, with Amanda Apetreas solo reaching into every corner
of the arena.
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Beauty and The Beast, rewarded fans with their signature fast tempos and much anticipated dance,
as well as an explosive solo by Halla Olafsdottir
An emotional duet marked the official end of the performance at MDT, but Apetrea and Olafsdottir
returned for a powerful encore which ended with an epic dancealong. Almost two decades after the
success of their pieces I
Azz
Jazz
and
It
́s
definitely
the
spiritual
thing, the duo is back with a heavier,
more raw dance, and with a choreographical range more expressive and dynamic than ever.
Masters of Lights with Chrisander Brun
In addition to a first rate vocal and dance performance, Beauty and The Beast offered fans a
visual treat. The laser show that highlighted the climactic points of the evening – such as the epic
performance of the dancealong – featured green, blue, red and yellow beams that shimmered like
rainbows over the low-lit stage and dissolved into the darkened arena.
Flames were also used to punctuate dramatic performances and, during the encore, black balloons
rained over the audience and flooded the stage
A Multigenerational Experience
Back in the days, few would have imagined that, some day, parents would attend the duo’s
performances together with their children. However, Apetrea and Olafsdottir are one out of few
choreographers that, instead of losing ground to new performers, manage to expand their fan base
year after year.
The fist-pumping audience at Beauty and The Beast included people in their fifties and sixties, as
well as enthusiastic teenagers who are just now discovering the choreography phenomenon. Over
the years, Amanda Apetrea and Halla Ólafsdóttir have promoted an aggressive rhythm and dance
making that won the hearts of hard core contemporary dance fans, while at times displaying a softer,
harmonic side, which appealed to more mainstream dance-loving audiences.
On Sunday night, the legendary duo, which was inducted into the Hall of Fame in April 2009,
mesmerized the multigenerational audience in Stockholm, proving once again that the show is never
over for Apetrea and Olafsdottir.
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ANNE TERESA DE KEERSMAEKER
„PARTITA 2 (SEI
SOLO )“
(BE)
& BORIS CHARMATZ
(FR)
13. JULI | 21.00 UHR | BURGTHEATER
Anne Teresa De Keersmaeker @ ImPulsTanz
Performances
2005
2012
2011
Rosas / Anne Teresa De Keersmaeker
Salva Sanchis
„Drumming Live“ (Choreographer)
„Raga For The Rainy Season / A Love
Supreme“ (Choreographer)
„Elena’s Aria“ (Choreographer)
2010
2009
2004
2003
2008
„Bitches Brew/Tacoma Narrows“
„The Song“ (Choreographer)
(Choreographer)
Anne Teresa De Keersmaeker & Rosas
Rosas / Anne Teresa De Keersmaeker &
2003
„Once“ (Choreographer, Dancer)
2007
2002
(Choreographer)
2002
„Gala - Soirée Répertoire
Anne Teresa De Keersmaeker / Rosas &
(Choreographer)
2002
„Small Hands (out of the lie of no)“
Wien (Choreographer)
(Choreographer)
2001
„Keeping Still“
„Drumming“
in Kooperation mit der Sommerszene
live mit dem Ictus Ensemble
Salzburg (Choreographer)
(Choreographer)
2001
„Rain“ (Choreographer)
2001
Anne Teresa de Keersmaeker & Michele
Wien (Choreographer)
Anne de Mey
Vincent Dunoyer & Anne Teresa De
„Fase“ (Choreographer)
Keersmaeker
2000
Rosas & Stan & Aka Moon
„In Real Time“ (Choreographer)
„Sister“ (Dancer)
2005
in Kooperation mit dem Theater an der
in Kooperation mit dem Theater an der
2006
Gala-Abend (Choreographer)
„Nacht“
2007
„(but if a look should) April Me“
Ictus „Ensemble Steve Reich Evening“
2008
Alain Franco „Zeitung“ (Choreographer)
Prélude à l‘après-midi d‘un faune
2008
„Rosas danst Rosas“ (Choreographer)
2008
„Once“ (Choreographer, Dancer)
„En Atendant“ (Choreographer)
2009
1999
Elizabeth Corbett
„D‘un soir un jour“ (Choreographer)
„With/For/By“
For: Choerography by Anne Teresa De
Salva Sanchis
Keersmaeker (Choreographer)
„Desh (the second part of the night)“
1998
„Drumming“ (Choreographer)
(Choreographer)
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1998
„Fase“ (Choreographer)
1998
„Just Before“ (Choreographer)
1997
„Rosas danst Rosas“ (Choreographer)
1997
Anne Teresa De Keersmaeker
„Three Solos for Vincent Dunoyer“
(Choreographer)
1994
„Toccata“ (Choreographer)
Workshops
2009
Master Class
„Buchpräsentation“
2012
Meeting with Anne Teresa De
Keersmaeker & Bojana Cvejic
„A Choreographers Score“
Fase / Rosas Danst Rosas / Elenas Aria /
Bartok
2012
Rosas Repertory „Drumming ADV*“
Samantha Van Wissen
2012
Rosas Repertory „Elena‘s Aria ADV*“
Nadine Ganase
2011
Rosas Repertory „Rosas danst Rosas ADV*“
Marion Ballester
2011
Marta Coronado
2011
Samantha Van Wissen
2010
Rosas Repertory „Desh ADV*“
Marion Ballester
2010
Marta Coronado
2010
Samantha Van Wissen
2009
Marta Coronado
2009
Samantha Van Wissen
2008
Marion Ballester
2008
Samantha Van Wissen
2007
Rosas Repertory „Kinok ADV*“
Marion Ballester
2007
Marion Ballester
2006
Rosas Repertory „Composition ADV“
Marion Ballester
2006
Rosas Repertory „Rosas Rep. ADV*“
Marion Ballester
2006
Rosas Repertory „ADD Rosas Rep. ADV*“
Marion Ballester
2006
Rosas Repertory „Rosas Repertory ADV*“
Nordine Benchorf
2006
Rosas Repertory „ADD Rosas Repertory ADV*“
Nordine Benchorf
2005
Rosas Repertory „Rosas Rep. ADV*“
Alix Eynaudi
2005
Rosas Repertory „ADD Rosas Rep. ADV*“
Alix Eynaudi
2004
Martin Kilvády
2004
Mark Lorimer
2003
Rosas Repertory „Rosas Repertory“
Martin Kilvády
2003
Rosas Repertory „Rosas Repertory (B)“
Martin Kilvády
2003
Mark Lorimer
2002
Martin Kilvády
2002
Rosas Repertory „Rosas Repertory (B)“
Martin Kilvády
2002
Rosas Repertory „Rosas Repertory (C)“
Martin Kilvády
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Boris Charmatz @ ImPulsTanz
Performances
2009
Boris Charmatz & Choreographers‘ Ventures Group
„50 years of dance (flip book) (Choreographer)“
2004
Boris Charmatz & Association Edna
„BOCAL: T.P.“ (Choreographer)
2003
„AATT...ENEN...TIONON“ (Choreographer)
2003
„héâtre-élévision“ (Choreographer)
2000
Boris Charmatz / Association EDNA
„Con Forts Fleuve“ (Choreographer, Dancer)
2000
Le Quatuor Albrecht Knust
„...dún Faune (éclats)“ (Choreographer)
1998
Boris Charmatz
„herses [une lente introduction]“ (Choreographer)
Research Projects
2009
„Choreographers‘Venture* 50 years of dance“
(flip book)
2004
„Choreographers‘Venture* BOCAL 12 to
12 Intensive“
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ANNE TERESA DE KEERSMAEKER
„PARTITA 2 (SEI
SOLO )“
(BE)
& BORIS CHARMATZ
(FR)
Choreografie
Tanz
Musik
Violine
Gestaltet mit
Bühnenbild
Kostüme
Ass. künstlerische Leitung/Probenleitung
KünstlerInnenkoordination/Planung
Technische Leitung
Techniker
Produktion
Koproduktion
Dauer
Boris Charmatz, Anne Teresa De Keersmaeker
Partita No. 2, Johann Sebastian Bach
Amandine Beyer, George Alexander van Dam (to
be confirmed!)
Amandine Beyer, George Alexander van Dam
Michel François
Anne-Catherine Kunz
Fernke Gyselinck
Anne Van Aerschot
Joris Erven
Jan Herinckx, Wannes De Rydt, Michael Smets,
Bert Veris (to be confirmed!)
Rosas
Musée de la danse - Centre chorégraphique
national de Rennes et de Bretagne
La Monnaie / De Munt, Kunstenfestivaldesarts
(Brussel/Bruxelles), Festival d‘Avignon, Les
Théâtres de la Ville de Luxembourg,
ImPulsTanz (Wien), La Bâtie - Festival de Genève,
Berliner Festspiele/Foreign Affairs, Théâtre de la
Ville avec le Festival d‘Automne à Paris,
Fundação
Calouste Gulbenkian (Lisboa), Künstlerhaus
Mousonturm (Munich)
75 Minuten
// ABOUT „Partita 2 (sei solo)“
Der unvergessliche Geiger und Dirigent Yehudi Menuhin sagte einmal, die Chaconne in Johann
Sebastian Bachs „Partita für Violine No. 2“ sei „die großartigste Struktur für Solovioline, die es
überhaupt gibt“. Auf dieses elementare Stück lassen sich nun zwei der wichtigsten GegenwartsChoreografInnen in Europa mit einem sensationellen Duett ein: die Belgierin Anne Teresa De
Keersmaeker und der Franzose Boris Charmatz. „In Bachs ,Partita‘ tanzt alles“, schwärmt
De Keersmaeker, „Gigue, Courante, Allemande. Das sind zuallererst Musikstrukturen, die aus
Volkstänzen abgeleitet wurden.“ Und Boris Charmatz ergänzt: „Bach wird oft als hoch abstrakter
Komponist gesehen, aber in der ,Partita‘, und da speziell in der Chaconne, steckt etwas Körperliches,
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Übersensibles.“ Die meisterhafte Sologeigerin Amandine Beyer spielt live auf der Bühne des
bildenden Künstlers Michel François – und so entsteht wohl eine der aufregendsten Begegnungen
der diesjährigen Tanzsaison: ein Pas-de-deux für drei SolistInnen.
// BIOGRAFIEN
After studying dance at Maurice Béjarts Mudra school in Brussels and at the Dance Department
of NYU’s School of the Arts, choreographer Anne Teresa De Keersmaeker started her career with
Fase, four movements to the music of Steve Reich (1982). She founded the Rosas company in 1983,
on the occasion of the creation of Rosas danst Rosas. Both works provided a quick international
breakthrough, and have been restaged at different occasions, most recently in the project ‘Early
works’ (2010). From 1992 until 2007 De Keersmaeker was resident choreographer at La Monnaie,
the Brussels opera house, creating a wide range of works that have been presented all over the
world. In 1995 Rosas and La Monnaie jointly set up the international educational project P.A.R.T.S.,
the Performing Arts Research and Training Studios. Former students of the four-year curriculum have
taken up strong positions as dancers and choreographers in Europe and beyond.
From the very beginning Anne Teresa De Keersmaeker’s choreographies have focused on the
relation between music and dance. She has worked with compositions ranging from the late Middle
Ages to the 20th century, premiering creations of George Benjamin, Toshio Hosokawa and Thierry
De Mey and collaborating with various ensembles and musicians. She also invested in different
genres such as jazz, traditional Indian music and pop music. She has great affinity with Steve Reich’s
compositions and has worked with his music in pieces such as Fase (1982), Drumming (1998),
and Rain (2001). Her choreographies present an ever evolving marriage between a refined sense of
compositional architecture and a strong sensuality or theatricality. This unique signature has been
recognised with many awards, most recently the Samuel Scripps / American Dance Festival Award
(2011).
De Keersmaeker has also left the confines of pure dance and has ventured into the realms of dance
and text, creating performances that blend the different disciplines: Kassandra, speaking in twelve
voices (2004), I said I (1999), In Real Time (2000). She has also directed operas as Duke Blue-beard‘s
castle by Bela Bartók (1998) and Hanjo by Toshio Hosokawa (2004). Several of her works have also
been turned in autonomous dance films, directed by a.o. Thierry De Mey, Peter Greenaway and De
Keersmaeker herself.
In recent years, she chose a track leading to a strong rethinking and purification of the core
parameters of her work as a choreographer. The close collaboration with artists such as Alain Franco
(in Zeitung, 2008), Ann Veronica Janssens (Keeping Still part 1, 2008; The Song, 2009; and Cesena,
2011), Michel François (The Song and En Atendant, 2010), Jérôme Bel (3Abschied, 2010) and Björn
Schmelzer (Cesena, 2011) prompted her to reconsider the bare essentials of dance: time and space,
the body and its voice, its potential to move and its relation to the world. Her most recent work is
the diptych En Atendant and Cesena, set to music of the Ars Subtilior. Both works premiered at the
festival d’Avignon, upon sunset and sunrise respectively.
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Boris Charmatz
After studying at the Ecole de Danse de l‘Opéra de Paris and at the Conservatoire National Supérieur
de Musique et de Danse de Lyon, Boris Charmatz was engaged by Régine Chopinot to dance
Ana (1990) and Saint-Georges (1991). In 1992, he was asked by Odile Duboc to join her company
Contrejour to dance 7 jours/7 villes (1992), Projet de la matière (1993) and Trois Boléros (1996). He
also took part in the premiere of K de E, choreographed by Olivia Grandville and Xavier Marchand
(1993).
In 1992, he co-founded edna association with Dimitri Chamblas. Following the premieres of works
the pair choreographed together À bras-le-corps (1993) and Les Disparates (1994), Charmatz began
creating his own works: Aatt enen tionon (1996), a vertical piece for three dancers, herses (une lente
introduction) (1997), a piece for five dancers and a cellist set to music by Helmut Lachenmann. In
1999, he choreographed Con forts fleuve (1999), a group piece performed to texts by John Giorno
and musics by Otomo Yoshihide. In 2002, he premiered héâtre-élévision, a provocative installation
piece influenced by russian Matryoshka nesting dolls that was designed to be seen by one spectator
at a time. In 2006, he premiered régi, a performance with Julia Cima, Raimund Hoghe and himself,
as well as Quintette Cercle (2006), a live version of héâtre-élévision. La danseuse malade (2008)
performed by Jeanne Balibar and Boris Charmatz, was inspired by the texts of Tatsumi Hijikata,
founder of butoh dance. One of his latest works, 50 years of dance (2009), is performed by former
dancers of the Merce Cunningham Dance Company. Conceived like a choreographic flip-book,
it takes the book “Merce Cunningham, Fifty Years” by David Vaughan as its score. Roman Photo
(2009) is the version for non-dancers, students and amateurs and Flip Book (2009) the one for
professional dancers. Boris Charmatz’s most recent work is Levée des conflits (2010), a performance
for 24 dancers and 25 mouvements. Associate artist of the 2011 Festival d‘Avignon, Boris Charmatz
creates at the Cour d’Honneur of the Pope’s Palace enfant, a piece for 26 children, 9 dancers and 3
machines.
Since 1997, in collaboration with Angèle Le Grand, he developed varied projects within the
association edna. The purpose of such propositions was to create a space open to multiple
experiments: thematic sessions, production of films (Les Disparates by César Vayssié, Horace
Benedict by Dimitri Chamblas and Aldo Lee, Une lente introduction by Boris Charmatz), Horssérie programmes proposed by the edna team (La chaise and Visitations by Julia Cima, Jachères
by Vincent Dupont), production of installations (Programme court avec essorage), organisation
of exhibitions (Complexe, Statuts), and trans-media projects (Ouvrée - artistes en alpages,
Entraînements-série d‘actions artistiques, Facultés, Education).
While maintaining an extensive touring schedule, he also participates in improvisational events on a
regular basis (recently with Saul Williams, Archie Shepp and Han Bennink) and continues to pursue
his performing career (with Odile Duboc for Projet de la Matière and Trois boléros, as part of the piece
d’un Faune (éclats) by the Albrecht Knust Quartet and with Fanny de Chaillé for Underwear), to name
a few.
From 2002 to 2004, while an artist-in-residence at the Centre national de la danse in Pantin and
driven by the idea of exploring the theme of education in depth, he developped the Bocal project, a
nomadic and ephemeral school that brought together students from different backgrounds. He was
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visiting professor at Berlin’s Universität der Künste, where he contributed to the creation of a new
dance curriculum which was installed in 2007.
He is the co-author of a book with Isabelle Launay: Entretenir / à propos d’une danse contemporaine
(published jointly by the Centre National de la Danse and Les Presses du Réel).
His new book “Je suis une école” was published in April 2009 by Les Prairies ordinaires.
Director since 2009 of the Rennes and Britanny National Choreographic Centre, Boris Charmatz
proposes to transform it into a Dancing Museum of a new kind. A manifesto is at the origin of this
museum, which has already received the projects préfiguration, expo zéro, héliogravures, rebutoh,
Service commandé (on commission), brouillon (rough draft), Jérôme Bel en 3 sec. 30 sec. 3 min. 30
min et 3 h. and has travelled to Saint Nazaire, Singapore, Utrecht, Avignon and New York.
More information is available at: www.museedeladanse.org – www.borischarmatz.org
Amandine Beyer
Amandine Beyer’s first instrument was the recorder: some years later she started to learn the violin in
Aurélia Spadaro’s class in Aix-en-Provence.
Maybe that is why, after finishing her ‘modern’ violin studies at the CNSM in Paris and having written
her Master’s on K. Stockhausen, she returned to Early Music and went off to study under Chiara
Banchini in Basel. This important period in her training allowed her to discover the world of rhetoric
in musical performance and to benefit from contact with such key figures as Hopkinson Smith,
Christophe Coin, Pedro Memelsdorff ( for several years she played in the medieval ensemble, Mala
Punica), Jean Tubéry and Alfredo Bernardini.
All these experiences contributed to her training as a musician and performer, and inspired her to set
off on a career as a roving violinist, giving numerous concerts all over the world.
At the moment she shares her time between the different groups of which she is a member: Les
Cornets Noirs, Le Concert Français, as a duo with Pierrre Hantai and the latest on the list, Gli
Incognito, with whom she recorded Vivaldi’s Four Seasons. This has met with huge acclaim, yet she
has not neglected her teaching or her other activities. She teaches at ESMAE in Porto (Portugal),
as well as in Barbaste, Mondovi (Italy) and Taipei. Her Bach sonatas and partitas published in
September, 2011, gave new life to the Baroque vision and were universally acclaimed by the critics:
Diapason d’Or for the year, Choc de Classica for the year, Charles Cros Academy award…
Since September 2010 Amandine has replaced Chiara Banchini as a teacher of Baroque violin at the
Schola Cantorum Basiliensis in Switzerland.
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Interview Anne Teresa De Keersmaeker & Boris Charmatz
Partita 2
sei solo
Anne Teresa De Keersmaeker & Boris Charmatz
In A Choreographer’s Score, you say that you were also working with Bach’s music while
you
were
rehearsing
your
first
piece,
Violin
Phase.
Do
you
have
the
feeling
that
in
Bach’s
Partita No. 2 you are going back to the beginning again?
Anne Teresa De Keersmaeker: At that time I was starting from scratch and had to learn in very
concrete terms how I could put a dance together. In a certain sense working with Steve Reich’s
music was a way of teaching myself things. I liked the structure of that music, both repetitive and
internalised, mathematical and sensitive, and all those things are to be found in Bach too. For
that piece I spent a lot of time in the studio, where I tried all sorts of things over and over again:
discovering movements, putting them together, finding a structure. And it’s true there are some
compositions by Bach that helped me do that. His music gave me support. At a certain moment
I had to take a decision and I opted to create a 15-minute dance set to Violin Phase. A number of
ideas gradually presented themselves: repetition, accumulation, the combinations, the ways of linking
movements together. The second parameter was the question: ‘How do we organise all this in the
space?’ I looked for a geometrical figure in which the repetition could keep on moving and I ended
up with the circle. It all grew gradually, step by step, by trial and error. I created my first solo in 1982;
that’s thirty years ago.
Boris Charmatz: One of the things you told me, right at the start of this project, was that you asked
yourself: ‘What stage is my dance at right now?’ I get the feeling that certain choreographic works
oblige you to ask that sort of question, as though they were places you repeatedly returned to – not
as an exercise, but to occupy them once again. Do you think that Partita 2 plays that sort of role for
you at the moment?
ATDK: I have done four productions in which I danced myself; after that I felt for various reasons that
I had to distance myself a little and worked more as a choreographer. At a certain moment I started
dancing again. It’s been a long time since I set to work in the studio while asking myself: ‘What does
my dance, my way of dancing, look like now?’ And it is truly on the basis of that question that I want
to work in Partita 2. It makes me draw on movements that are stored in my body, but it also makes
me adopt new attitudes. We shouldn’t forget that in Bach’s Partita everything is dancing and involves
great movement. Gigue, courante, allemande: this are first and foremost musical structures derived
from folk dances.
So there are ‘old’ layers that are still there. Can you tell me more about how you met and
your desire to work together?
ATDK: It all started at the 2011 Avignon Festival, when Boris was the ‘Artiste associé’. I don’t
remember exactly how it happened, but we said to each other: ‘Let’s dance together sometime, to
see what it produces’. We first started improvising. In silence, if I remember rightly.
BC: Yes, it was a sort of workshop where all the elements appeared that we picked up on again later,
such as ‘my walking is my dancing’.
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ATDK: With Boris it was a real encounter. You don’t often find anyone who is constantly at work
as both choreographer and dancer and whose thinking revolves around both, and who also asks
himself: ‘What does my dance look like at this moment?’, and who constantly uses this to fuel his
work. It’s a bit like what happened with Jérôme Bel when I made 3Abscheid, but that was more of a
mental process than a piece of dance practice.
In this production you seem to want to give spatiality to the beat by outlining a sort of
stepped musical notation in the space. How did you ‘edit’ this score?
BC: We did a lot of work on exposing the counterpoint, the broken line, by concentrating mainly
on the bass. We have tried to reveal an underlying structure by adding layer after layer. In short, we
follow the bass line and also several elements that seemed important to us. Moments that stand out,
that appeal to the imagination – that lead us more towards the saltation and the dance-like aspect of
the music.
ATDK: What interests me is that the dance provides the opportunity to bring to the surface the
structure of the score, what you might call its foundations. And that we can play on all the direct
levels of the music at the same time. That at some moments we can respond directly to what the
music induces in our body: rapture, a high, the physical pleasure, the most direct reaction to the
sound. The two levels are constantly blending with each other. And the presence of the musician
onstage goes with both levels and makes for a different way of visualising the relationship between
the body and the music. And in fact Amandine Beyer’s performance gave us a lot of extra insight into
the composition, its inner mechanisms and the way we in our turn can perform it. A performance
always offers a picture of the working process – being able to rehearse with Amandine Beyer and
George Alexander van Dam in these circumstances was both a luxury and a delight. I think the piece
will at some point radiate something of the pleasure we got from listening to the music, seeing them,
and understanding it together with them.
In a certain sense we again come across what interested you in Reich: the purity of the
mathematical structure, but also the sensitivity, which at some points seems almost
tormented.
BC: Bach is often seen as a highly abstract composer, but in the Partita, and especially in the
chaconne, one spots something physical, something oversensitive. Amandine Beyer, the violinist we
are working with, says that in her view Bach’s music is always carrying on a dialogue with God. But
those high notes that pierce the eardrum originate in the soul of a man – this is sacrilege, I know –
who has been deprived of God, in whom God is lacking.
ATDK: To me Bach means structure, but his transcendent dimension is engraved on the body.
There’s a question that always comes up when one takes on a masterpiece: isn’t this too ambitious,
wanting to turn this music into choreography? Another question I continue to ask myself is about us
as a duo: isn’t it a little risky to put together a ‘man/woman’ duet on this pared-down solo musical
basis? Won’t the performance seem rather forced? Sometimes I almost think that we should be able
to separate the bodies from each other and make two solos. But at the same time our bodies follow
the score, and make the energies or rhythms more palpable than psychologised bodies would.
About this project, Boris Charmatz wrote: ‘There may here be no wish to confront, nor
any conscious parallelism, nor any exercise in admiration’. How have you tried to adopt a
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position in relation to the music without ending up above, below or opposite it?
BC: When Anne Teresa told me she wanted to work with Bach’s music, I thought: ‘Oh dear, that’s
not easy…’. To give a well-known example, there are perhaps 95 different performances of The
Rite of Spring, a great many of which are highly successful. But I have never seen a successful
choreography set to a work by Bach. It is a mountain that has to be climbed. It may be too high, or
its construction may be too complex, or too isolated, too abstract – I don’t know. In a certain sense,
what we are doing is never at the same level as that abstract architecture. In fact we are trying,
rather, to introduce a ‘vibration’, a slight hesitation in the face of the absolute perfection of the music.
There is always that doubt: can we achieve anything interesting? Can we match ourselves against a
mountain? That’s also why we often walk… to simply move forward alongside the music.
ATDK: Boris once invited me to take part in a Gift workshop for non-professional dancers and we
used that music then – the courante and the allemande. I set out a few basic principles and then
we got started. We only had an hour and a half. And as I watched them dancing to Bach, I thought:
isn’t this actually better? Isn’t it in fact finer when it’s not constructed? A few very simple movements
without much technique. The way the body is sucked into that music, the body with all its limitations,
with all its desire to reach out to the music, to become one with it.
BC: To me the good thing is precisely that they are both possible. Our work in the studio, trying out,
and trying out again, over and over again. And the work with the amateurs done in an hour and a
half. Because there is the performance and there is what is left inside us after spending all that time
with the music. When I go home in the evening, I keep on softly whistling the Partita, or else it flashes
through my mind as I’m falling asleep.
Noted down by Gilles Amalvi, December 2012.
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// PRESSESTIMME
Dorion Weickmann
Fotos: Herman Sorgeloos
tanz
Juni 2013
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[W ILDWALK] CECILIA BENGOLEA (FR/AR) & FRANÇOIS CHAIGNAUD (FR)
„ALTERED NATIVES’ SAY YES TO ANOTHER EXCESS—TWERK“
30. JULI + 01. AUGUST | 23.00 UHR | HALLE G | MUSEUMSQUARTIER
Cecilia Bengolea @ ImPulsTanz
Performances
2012
2012
2011
2009
Cecilia Bengolea & François Chaignaud
„Danses Libres“ (Choreographer, Dancer)
Various Artists
„A Tribute to Franz West
in memoriam“ (Choreographer)
Trajal Harrell / Cecilia Bengolea / François Chaignaud / Marlene Freitas
„(M)IMOSA - Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (M)“
(Choreographer, Dancer)
„Sylphides“ (Choreographer)
Workshops
2010
„Free Dance / Meditation Dance“
Other
2008
danceWEB (Scholarship Recipient)
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François Chaignaud @ ImPulsTanz
Performances
2012
2012
2012
2011
2009
2004
François Chaignaud & Marie-Caroline Hominal
„Duchesses“ (Choreographer, Dancer)
Various Artists
„A Tribute to Franz West in memoriam“ (Choreographer)
„Sylphides“ (Choreographer, Dancer)
Boris Charmatz & Association EDNA (Performer)
Workshops
2010
Other
2008
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[W ILDWALK] CECILIA BENGOLEA (FR/AR) & FRANÇOIS CHAIGNAUD (FR)
„ALTERED NATIVES’ SAY YES TO ANOTHER EXCESS—TWERK“
30. JULI + 01. AUGUST | 23.00 UHR | HALLE G | MUSEUMSQUARTIER
Konzept & Performance
PerformerInnen
Musik
Licht
Kostüme
Produktion/Administration
Vertrieb
Beratung
Musikalische Beratung
Dank an
Produktion
Koproduktion
Dauer
Cecilia Bengolea und François Chaignaud
Élisa Yvelin, Alex Mugler, Ana Pi, Cecilia Bengolea und
François Chaignaud
DJ Elijah, DJ Skilliam (Butterz, London – UK)
Dominique Palabaud, Jean-Marc Segalen, Cecilia Bengolea und
François Chaignaud
Cecilia Bengolea und François Chaignaud
Cécile Vermorel
Sarah de Ganck / Art Happens
Alexandre Roccoli
Miguel Cullen
Elisabeth Schwartz, Warren, Mike, Sarah Chaumette,
Alexandre Paulikevitch, Blazin Twins, Boot Dance Camp,
Marie-Thérèse Allier, Frédéric Perouchine, Courtney Juicy
Couture, Laurent Vinauger
Vlovajob Pru
Biennale de la danse de Lyon; Les Spectacles Vivants – Centre
Pompidou (Paris); Festival d’Automne à Paris; Centre de
Développement Chorégraphique Toulouse/Midi-Pyrénées;
Centre Chorégraphique
National de Franche-Comté à Belfort ; Centre Chorégraphique
National de Grenoble ; Le Vivat d’Armentières –
Scène conventionnée danse et théâtre ; Centre Chorégraphique
National de Caen/Basse-Normandie
Arcadi, Chez Bushwick - NYC (development residence), FUSED:
French U.S. Exchange in Dance, a program of the New England
Foundation for the Arts‘ National Dance Project,
the Cultural Services of the French Embassy in the United States,
and FACE (French American Cultural Exchange), with lead funding
from the Doris Duke Charitable Foundation and the Florence Gould
Foundation.
La Ménagerie de Verre (Paris)
60 Minuten
Vlovajob Pru is funded by DRAC Poitou-Charentes and is supported by the Institut Français for
its projects abroad. Cecilia Bengolea and François Chaignaud are La Ménagerie de Verre (Paris)
associate artists.
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// ABOUT „altered natives’ Say Yes To Another Excess - TWERK“
Im Tanz geht es jetzt zur Sache. „Nach einem Triumph der Nacktheit gerät jetzt der Sex ins
Scheinwerferlicht des Tanzes“, schreibt das französische Kunstmagazin Art Press in einem Artikel
über dieses neueste Stück des ChoreografInnen-Duos François Chaignaud und Cecilia Bengolea.
Beeinflusst vom Voguing, mit schrillen, bunten Kostümen zwischen Fastnichts und weiten Overalls
und meditativen bis ausufernden Bewegungsformen aus Ballett- und Derwisch-Tanz wird hier ein
exaltierter Bezug zum sexy „Twerk“ hergestellt. Und das in einer Bühneninstallation, die sich langsam
in ein glühendes Spinnennetz verwandelt. Dort drehen sich fünf ganz unterschiedliche TänzerInnen
wie Sufis zur Grime-Musik, einer elektrisierenden Mischung aus Dancehall, Hip Hop und UK Garage.
*****
Since their teenage years, Cecilia Bengolea and François Chaignaud have been going to discos
and have turned it into a place where to practise. From London to NYC, they go from club to club:
drum&bass, jungle, dubstep, reggae, bashement, house, voguing, hype as anthropological research
centres. That is where they have become familiar with and learnt Jamaican dancehall, krump, house,
split & jump... - dances which, regardless of their formal and spiritual differences, have a certain
playfulness in common (with music, and between the technical principles and the ideals determining
them). As for altered Natives‘ Say Yes To Another Excess - TWERK, they collectively and intuitively
make their way through a specific impure writing process, enlightened by graphic and organic
devoured dances - beyond references. Together with Alex Mugler, Ana Pi and Elisa Yvelin, they
have set themselves the challenge to trust dance, its expressive, brotherly, poetic, preconscious
and discursive powers. This work and this playful writing process are achieved in close relation to a
musical investigation around Grime music. As an electro music that comes from East London in the
early 2000s, Grime combines, mixes and transforms sounds from dancehall, hip-hop and UK garage.
The syncretic ferociousness of this style, which seems to be hanging between two contradictory
speeds, between the abstraction of synthetic sounds and MCs‘ sensual emergency, interacts with
the various influences which have inspired the dances. It is the first time that DJs from the Grime
scene (Elijah and Skilliam of London label Butterz) play in a theatre and collaborate with contemporary
dancers.
// BIOGRAFIEN
Cecilia Bengolea
Dancer and choreographer. Born in Buenos Aires. Followes studies in Anthropological dance,
Philosophy and Art History at the University of Buenos Aires. Since 2001, she works and lives in
Paris. In 2004, she joins Ex.e.r.ce, by Mathilde Monnier. Bengolea collaborated in the dance with
Joao Fiadeiro, Claudia Triozzi, Marc Tompkins, Yves- Nöel Genod, Alain Buffard, Mathilde Monnier,
Alice Chauchat, Sarah Michelson, Trajal Harrell, Marlene Monteiro Freitas and Alexandra Bachzetsis,
among others. In 2011, Bengolea co-directed in Rio de Janeiro two short films in keeping with Levi
Strauss‘s work Tristes Tropiques: La Beauté (tôt) vouée à se défaire with Donatien Veisman and Cri
de Pilaga with Juliette Bineau. Every summer in Buenos Aires, she performs Les Esclaves de l‘art
with Victoria Colmegna (visual artist), Jackie Luduenia Koslov (visual artist, twice world champion in
athletic dance) and Valentina Liernur (gallery Papo¹s vip).
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François Chaignaud
Born in Rennes, he graduated from Paris Dance Conservatory. Since 2003, he has danced with
many choreographers: Boris Chamartz, Emmanuelle Huynh, Gilles Jobin, Tiago Guedes, Alain
Buffard... He offers performances and concerts in various venues, at the crossroads of various
inspirations – erotica (Aussi Bien Que Ton Cœur Ouvre Moi Les Genoux, 2008) operetta, including
hula hoop (Duchesses, 2009, created with Marie-Caroline Hominal). He has initiated decisive
collaborations, especially with San Francisco legendary drag queen Rumi Missabu, performer
Benjamin Dukhan, or cabaret artist Jérôme Marin (Sous L’Ombrelle, 2011). In 2012, he was involved
in the creation of Sacre # 197 by Dominique Brun. Also a historian, he has published with the PUR
L’Affaire Berger-Levrault: le féminisme à l’épreuve (1898-1905). François chaignaud is currently
working on a solo piece that will be premiered in Montpellier Danse festival.
Since 2005, a steady dialogue between Cecila Bengolea and François Chaignaud has given rise to
miscellaneous works. Together, they have created Pâquerette (2005-2008), Sylphides (2009), Castor
et Pollux (2010), Danses Libres (based on François Malkovsky and Suzanne Bodak‘s choreographies,
2010), (M)IMOSA (co-written and performed with Trajal Harrell and Marlene Monteiro Freitas, 2011)
and altered natives’ Say Yes To Another Excess - TWERK (2012). In 2009, Cecilia Bengolea and
François Chaignaud won the critique choreographic revelation award.
Elijah et Skilliam
Forming a friendship through a mutual appreciation of Grime music that soon turned into a
scrupulous and avant-garde approach to the genre’s output, Elijah and Skilliam have quickly
established a reputation for themselves within the underground movement. With a Rinse FM
residency spanning over three years, and an edition in their legendary compilation series (Rinse:17)
the duo are celebrated as the leaders of the new Grime wave. Elijah & Skilliam have become regulars
on the renowned FWD>> line-ups with amazing and uncompromising sets. What’s key about
their sets is the sheer amount of digging for new material they do, and their constant willingness
to play tunes from new, often relatively unknown producers over more fashionable artists. It is
this investigative instinct that led them to launch the Butterz imprint, a label dedicated to releasing
quality Grime from the likes of Terror Danjah, Swindle, Royal T, Trim, and P Money. Highlights of
the label so far are releasing S-X’s cross genre classic ‘Woooo Riddim’ and P Money’s ‘Boo You’
which have broken out a lot further than the scene they were originally made for. Alongside releasing
MP3s and vinyl (a rarity in Grime today) they have also extended the brand into merchandise. The
unmissable ‘Black & Yellow’ t-shirts are worn by many a raver at their now infamous Butterz club
nights.While their sets retain the high-octane, aggressive fire you’d expect from grime, they stay
away from the hype, war, and clashing that have long served as the scene’s Achilles’ heel. Thanks to
this high-concentration music, low-concentration drama approach, the pair have made their Butterz
club nights a permanent fixture on Londons nightlife scene with a residency at Cable, with talent
showcased from the ever expanding Butterz roster alongside the best from other corners of the
wide UK Bass music spectrum. The nights have quickly gathered pace, with offshoots popping up in
Sheffield, Bristol, Brighton and Amsterdam.
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Alex Mugler
Alex Mugler is a voguer from New York. A great star in the „Ballroom Community“ (underground
scene), he is one of the founding members of the Voguing Evolution and he is an active member of
Voguology with Leiomy Couture, Daushan Evius and Prince Milan.
He started off at LaGuardia High School of music, art and performing arts, then trained at Earl
Mosley‘s Art Institute, at Studio Maestro, at Harlem School of the Arts and as part of Alvin Ailey dance
and theatre company. Alex Mugler has danced for BET and has featured in many TV shows (Gossip
Girl, Law and Order, etc.). Furthermore, he was awarded New York dance ARTS prize.
Ana Pi
Ana Pi studied dance and image at Montpellier National Choreographic Centre, EX.E.R.CE training
2009/10. She graduated from the Dance School of the Federal University of Bahia (Brazil). In parallel,
she has developed the project „Desloco em Corpo e Imagens“ with the support of the Cultural
Foundation of the State of Bahia and Ministry of Culture of Brazil.
Both a performer and a choreographer in contemporary dance, Ana Pi is also a VJ. Circulation, gaps,
affiliation, superimposition, ordinary actions and gesture are underlying themes in her latest work
(piana.posterous.com).
In 2012, besides taking part in altered natives’ Say Yes To An other Excess - TWERK, she has
danced with Annabel Gueredrat for the WOMEN and is preparing her own piece, Entrelinhas, ponto.
which will be produced in Brazil in 2013.
Élisa Yvelin
Élisa Yvelin started classical and contemporary dance at La Roche-sur-Yon conservatory before
joining LCDS at The Place (London) and then P.A.R.T.S. (Brussels) in 2006. Through her studies, she
has been involved in the re-creation of The Show Must Go On by Jérôme Bel and has danced in
RE :Drumming based on Anne-Teresa de Keersmaeker‘s repertoire piece. In 2011, she has cosigned Vantage Point with Ariane Loze, for Ghent Almost Cinema festival. In parallel with her creative
work, she has danced in the third part of Corps de Femme by stage director Judith Depaule, and in
altered natives’ Say Yes To An other Excess - TWERK by Cecilia Bengolea and François Chaignaud.
She has also taken part in a rerun of their piece Sylphides. She has developed Interlocal Atelier, a
travelling research project in collaboration with choreographers from her P.A.R.T.S. promotion and
has followed Ula Sickle‘s work for which she is an assistant and dancer.
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// PRESSESTIMME
Marie-Christine Vernay
Libération
26. Oktober 2012
Centre Pompidou, Paris - Performing Art
Beaubourg in free "Excess"
DANCE
Choreographers Cecilia Bengolea and François Chaignaud present a heated creation
It comes as no surprise that Cecilia Bengolea, born in Buenos Aires, studied anthropology,
philosophy and art history, and that François Chaignaud is a historian. In every of their shows, they
skilfully bring back in the spotlight forgotten, underground, "social" dances. Both of them keep
broadening the notion of "free dance", be it through their interest in "voguing" (a dance that dates
back to New York in the 70s where communities confront one another) or through the drag queen
psyche from the 60s.
At the Centre Pompidou, they take hold of the house music, which they used to dance to as
teenagers in discos. Surrounded by three real gems, a voguer, Alex Mugler and two contemporary
dancers, they offer with altered natives’ Say Yes To Antother Excess - TWERK, a most uplifting show.
Already on the dance floor as the audience sits down, they whirl like dervishes on springs and on
demi-pointe, with outstretched arms. Outspoken, bold in many ways, humorous, and excessive when
it comes to physical commitment, the gang of five tries to intertwine in the most unusual positions.
They claim they "devour and multi-colonise one another"; and here the choreography does not result
from one overbearing author, but is dissolved in the community.
The relationship between the stage and the room is thought through, with neon lights creeping above
the rows so as to create a unique space. As for the music, it is highly charged with DJs Elijah and
Skilliam. As Grime specialists, an electro music that comes from East London in the early 2000s
which mixes dancehall, hip-hop and garage, they can really liven things up, and are good at keeping
the rhythm as well as indulging in digressions. Dance is here very sexual and exposed, even though
the costumes and wigs are eccentric. Close to trance, the brilliant gang walks out of the stage
exhausted, while the audience only have to make their way to a club.
Cheerfully.
Translation from French : Jérôme Nunès
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CIE. IVO DIMCHEV
„X-ON“
(AT/BG)
& FRANZ WEST
(AT)
21. JULI | 21.00 UHR | VOLKSTHEATER
CIE. IVO DIMCHEV
„FEST“
(AT/BG)
27. + 29. JULI | 23.00 UHR | KASINO
URAUFFÜHRUNG
AM
SCHWARZENBERGPLATZ
Ivo Dimchev @ ImPulsTanz
Performances
2013
2012
2012
2012
2011
2011
2011
2011
2010
2007
Ivo Dimchev
„I-ON“ Triple Feature ImPulsTanz in Zusammenarbeit mit MUMOK
Ivo Dimchev & Emilian Gatsov
„Concerto“ (Choreographer)
Ivo Dimchev
„the P project“ (Choreographer)
„Various artists“
A Tribute to Franz West (Choreographer)
Ivo Dimchev
„Som Faves“ (Choreographer)
Ivo Dimchev
„I-ON“
Soloarbeit mit Objekten von Franz West (Choreographer)
Ivo Dimchev
„We.art.dog.come“ (Choreographer, Dancer)
Cie. Ivo Dimchev & Franz West
„X-ON“ (Choreographer, Dancer)
Ivo Dimchev
„Som Faves“ (Choreographer)
Ivo Dimchev
„Lili Handel“ (Choreographer)
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Research Projects
2011
2010
Coaching Project „Do yourself a favour!“
Coaching Project „ADD Do yourself a favour!“, Coaching Project „Do yourself a
favour!“
Workshops
2012
2011
„Trash Off“
Ausstellung
Ivo Dimchev
„Angels“ (Artist)
Other
2013
2003
danceWEB (Mentor)
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[W ILDWALK] CIE. IVO DIMCHEV
„X-ON“
(AT/BG)
& FRANZ WEST
(AT)
Text, Choreografie und Performance
Ivo Dimchev
Dauer
75 Minuten
// ABOUT „X-ON“
Die unglaubliche Lili Handel ist zurück! Bekleidet nur mit High Heels und einem kostbar dekorierten
Slip, kahlköpfig und ausgestattet mit der Stimme einer Opernsängerin, bewegt diese queere Diva
sich und Skulpturen des berühmten österreichischen Bildhauers Franz West. Und mit ihr tanzen zur
sphärischen und kraftvollen Musik von Philipp Quehenberger drei Figuren, die erst Touristen sind
und dann zu Musen ähnlichen Wesen mutieren. Dabei geht es, wie Ivo Dimchev – alias Lili Handel
– schreibt, nicht darum, „wie Wests Arbeiten an die Tänzerkörper und die Bühne anzupassen sind,
sondern wie die Ideen vom Theater, der Musik und des performativen Körpers sich adaptieren und
verwandeln müssen, um einen Kontakt mit diesen Skulpturen herzustellen“. Handel singt, Wests
Stücke erfahren zärtlichen Umgang, und das Publikum erlebt Augenblicke von bizarrster Schönheit.
*****
in collaboration with Franz west
I find the interactive and abstract visual world of Franz extremely interesting to be explored on stage
because of its provoking functionless constantly asking for making contact with and here the very
welcomed confusion starts, how to make a contact with something that has no function. The lack
of easy language interpretation of the objects allows interaction which can stay much longer in the
precious field of the unknown. What becomes important in the process is not so much how we
adapt the sculptures to the body or the stage, but more how the idea of theater , music and the
performative body have to adapt and transform in order to get in contact with the sculptures. That‘s
not an easy relation and the provocation goes in both directions in order to empower none of them
separately but the possibilities of their synthesis.
// BIOGRAFIE
Ivo Dimchev
Ivo Dimchev /1976/ is a choreographer and performer from Bulgaria. His work is extreme and colorful
mixture of performance art ,dance, theater, music, drawings and photography.
Dimchev is author of more then 30 performances. He has received numerous international awards
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for dance and theater and has presented his work all over Europe and North America.
Besides his artistic work Ivo Dimchev has given master classes in the National theater academy/
Budapest , the Royal dance conservatorium of Belgium/Antwerp, Hochschule der Künste/Bern,
danceWEB/Vienna etc.
He is founder and director of Humarts foundation in Bulgaria and organizes every year a National
competition for contemporary choreography.
Since Oct 2009 after doing his master studies on performing arts at Dasarts academy / Amsterdam ,
Ivo Dimchev moved to Brussels where he opened his own performance space Volksroom where he
often presents international young artists.
From Jan 2013 Ivo Dimchev will be Artist in Residence in Kaaitheater / Brussels for 4 years.
More Info: http://www.ivodimchev.com
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[W ILDWALK] CIE. IVO DIMCHEV
(AT/BG)
27. + 29. JULI | 23.00 UHR | KASINO
URAUFFÜHRUNG
AM
„FEST“
SCHWARZENBERGPLATZ
Text und Choreografie
PerformerInnen
Draturgische Assistenz
Koproduktion
Ivo Dimchev
Annina Machas, Ivo Dimchev und Andere
Frances d‘Ath
ImPulsTanz, Volksroom Brussels, Humarts Sofia und
Kaaitheater Brussels
Dauer
60 Minuten
// ABOUT „Fest“
Es ist ein aufregendes Spiel, das von unterschiedlichsten menschlichen Beziehungen bestimmt
wird. Dieses Spiel heißt „Festival“, und Ivo Dimchev kennt es ganz genau, denn seit mehr als 10
Jahren werden seine radikalen Arbeiten auf allen wichtigen Festivals in Europa bejubelt und heiß
diskutiert! Jetzt ist er selbst am Zug. Diesmal wird er sein eigenes Festival durchziehen, jenseits aller
Konventionen und mit der ihm eigenen magischen Präsenz.
„Seine körperliche und emotionale Entblößung geht stets gerade so weit, den Zuschauer zu berühren,
ohne
ihn
zu
verschrecken,
durch
ausbalancierte
Öffnung
und
Verletzlichkeit,
aber
auch
Aggression
und Überspannung zugleich Erregung und Befremden auszulösen. Das Bemerkenswerte an Ivo
Dimchev: Der Zuschauer wird Teil der Performance, man fühlt sich nicht abgekoppelt von dem,
was da auf der Bühne passiert, wie bei so vielen selbstbezüglichen Produktionen, sondern zugleich
herausgefordert und beschenkt.“
„Die Bühne als Labor“, Deutschlandradio Kultur, Elisabeth Nehring
*****
“There is one cultural phenomenon called a festival.
Festivals are result of many different intentions and interests by different groups of people.
Most of the time a festival is game in which people play very clear roles. The way they perform those
roles in real life is quite conventional, which of course defines a lot the outcome of those relationships.
Im interested to play with the norms of this conventions in a fictional environment and see what
happens...“
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// PRESSESTIMMEN
Isabella Wallnöfer
Die Presse
28. Juli 2011
Objekte auf der Bühne zum Tanzen bringen
Der bulgarische Choreograf und Tänzer Ivo Dimchev inkorporiert Skulpturen des österreichischen
Bildhauers Franz West beim ImPulsTanz in zwei Stücke. Mit der „Presse“ sprachen beide über ihre
Motivation.
Die
Presse:
Herr
West,
hatten
Sie
vor
Ihrem
Zusammentreffen
mit
Ivo
Dimchev
je
mit
Tanz
oder Performance zu tun?
Franz West: Eigentlich nicht. Ich habe Skulpturen gemacht, mit denen man sich bewegen kann.
Aber wenn sie ausgestellt sind, wissen die Leute oft nicht genau, was man damit machen soll. Das
funktioniert nicht. Wenn man etwas angreifen darf, verliert es den Wert.
Ist es die angelernte Zurückhaltung, dass man Kunstgegenstände nicht berühren darf –
schon gar nicht im Museum?
West: Das war ja mein Kern. Das war mein eigenes Problem. Um Künstler zu werden, muss man
sich auch überwinden. Damals war gerade Josef Beuys ganz berühmt und sein Slogan: „Jeder
Mensch ein Künstler“.
Wie sind Ihre beiden Arbeiten „I-On“ und „X-On“, in denen Sie mit Objekten von Franz West
hantieren, entstanden, Herr Dimchev?
Ivo Dimchev: Franz hat mich letzten Sommer eingeladen, zwei Videos mit zwei seiner Skulpturen zu
machen, um das Publikum in den Galerien zu ermutigen, die Objekte zu verwenden. Zufällig waren
ich und er zeitgleich in Rom, und man hat mich gefragt, ob ich nicht in der Galerie live etwas machen
kann – das war wenige Stunden vor der Eröffnung. Ich war nicht vorbereitet, hatte keinen Platz zum
Proben, also bin ich aufs Klo der Galerie, dort gab es auch den einzigen Spiegel. Ich habe versucht,
etwas mit den Objekten zu zeigen – und wurde immer interessierter daran. Die Eröffnung fand ich
dann sehr respektlos: Die Leute lachten, tranken Wein und interessierten sich gar nicht für das, was
ich machte. Ich habe zu Franz dann gesagt, ich will diese gedankenlosen Leute nicht, ich bevorzuge
das Theater.
Was
empfinden
Sie,
wenn
Sie
mit
diesen
Objekten
arbeiten?
Dimchev: Ich liebe sie. Ich fühle mich damit zwar verloren, weil man natürlich erst eine Funktion für
sie finden muss. Das ist zunächst sehr verwirrend. Es war extrem herausfordernd für mich, mir zu
überlegen, was ich damit tun soll. Aber ich war auch sehr geehrt, dass Franz mich darum gebeten
hat.
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Herr West, wie geht es Ihnen, wenn Sie sehen, was Dimchev mit Ihren Werken macht?
West: Das hat mich sehr beeindruckt. Es ist wirklich sehr interessant.
Improvisieren Sie?
Dimchev: Was ich in den Stücken zeige, ist keine Improvisation. Die Videos waren es. Da war ich im
Atelier und hatte die Objekte das erste Mal in der Hand. Ich war nicht glücklich mit dem, was ich tat.
Deshalb beschloss ich, zu proben und mir Zeit zu nehmen.
Woher kriegen Sie die Inspiration? Erforschen Sie so ein Stück wie ein neugieriges Kind?
Dimchev: Die Improvisation ist nur der erste Schritt, dem Objekt näherzukommen. Dann kommt
sein Verhältnis zum Raum dazu, zur Zeit, zur Musik, das kann nur auf der Bühne passieren. Galerien
werden ja immer mehr zu touristischen Attraktionen.
West: Als ich begonnen habe, waren die Galerien völlig leer. Da kamen vielleicht zehn Leute pro
Woche. Es war wirklich still dort. Man hätte eine Interpretation für meine Objekte finden können. Aber
in dem Zirkus, der heute dort herrscht, ist das nicht mehr möglich.
Ivo Dimchev, geb. 1976 in Bulgarien, ist ein Performer, der sich selbst als „physical theatre artist“
beschreibt.Seit 2009 lebt Dimchev in Brüssel und leitet den PerformanceraumVolksroom.
Franz West, geb. 1947 in Wien, ist einer der bedeutendsten bildenden Künstler Österreichs. Er erhielt
heuer in Venedig einen Goldenen Löwen für sein Lebenswerk. [Reuters/Apa]
(„Die Presse“, Print-Ausgabe, 29.07.2011)
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Renate Klett
Die Zeit
10. Juni 2012
PERFORMANCE
Es
fließt
Blut!
Der Performance-Künstler Ivo Dimchev ist ein hemmungsloser Narzisst. Aber alles, was er zeigt, ist
echt und wahr: Man kann seine Kunst nur lieben – oder hassen.
Zum ersten Mal sah ich Ivo Dimchev 2005 beim Theaterfestival in Varna/Bulgarien in einer sehr
eigenwilligen Aufführung von Sarah Kanes 4.48 Psychosis. Das Solo wurde von einem Mann, einer
Frau und zwei Kindern gespielt, alle in knallroter Abendgarderobe, das bittere Psychodrama mutierte
zur schrillen Theatershow. Der Tod kam lachend, und Dimchev erschien wie Ionescos Kahle Sängerin
– abgründig, grausam und doch auch komisch. In der Folge begegnete ich Dimchev immer öfter.
Inzwischen ist er ein Szene-Star, der in der ganzen Welt gastiert – bejubelt, belächelt und beneidet.
Der 1976 in Sofia geborene Performer ist ein Extremkünstler, so wie es Extremsportler oder
Extrembergsteiger gibt, ein personifiziertes Gesamtkunstwerk, das sich ausstellt und ausbeutet,
verschwendet und verwundet, rücksichtslos gegen sich selbst und alle anderen. Seine Auftritte sind
Opfergaben auf dem Altar der Exaltation und Erkenntnis; er verliert sich in sich selbst bis zur Ekstase,
aber sein Narzissmus ist nicht peinlich, sondern inspirierend. Denn er ist, und das macht seine
Egotrips so beklemmend furios, vor allem ein großer Künstler (und wie alle großen Künstler auch ein
großes Kind, das spielen und geliebt werden will).
Schon als Jugendlicher in Sofia hat er Theater gemacht, später eine Ausbildung zum Opernsänger
begonnen, abgebrochen, Schauspiel studiert, abgebrochen – und da es die Kunstform, die er
suchte, nicht gab, zumindest in Bulgarien nicht, ging er nach Amsterdam und studierte an der
berühmten Dasarts-Akademie, diesmal bis zum Diplom. In all diesen Jahren hat er nebenher stets
eigene Performances erarbeitet, meist Soli, die er vor allem in Sofia, Budapest und Wien zeigte.
Mittlerweile ist er der schräge Vogel des internationalen Festivalbetriebs und ständig unterwegs. Er
hat keinen Agenten, organisiert alles selbst, obwohl er ein eher chaotischer Mensch ist – da kann es
schon mal passieren, dass er Saarbrücken für ein Theater in Berlin hält und in den falschen Flieger
steigt. Aber eine Aufführung verpasst hat er noch nie, darauf ist er stolz.
Mit seinem 2004 entstandenen Solo Lili Handel gelingt ihm allmählich der breite internationale
Durchbruch: Er hat es seither über 300 Mal gespielt, und er spielt es gerne, das merkt man. Die
alternde Diva hat ihre besten Tage hinter sich, aber das ist noch lange kein Grund, von der Bühne
zu gehen! Im Gegenteil: Das Publikum soll sehen und fühlen, wie ihr Körper verfällt, ihre Stimme
zerkratzt. Sie gibt sich preis und berauscht sich an ihrer Zerbrechlichkeit, sie irrt durch die Lügen
und Legenden, die sie als ihr Leben behauptet, und sie zapft sich das eigene Blut ab, um es in
kleinen Dosen an die Fans zu versteigern. Lilivo ist so euphorisch in ihrem Schmerz, so rührend in
ihrer Peinlichkeit, dass alles möglich ist. Der Körper wird Schrei und lässt sich ausweiden, wobei
das Schlachthaus wie ein verheißungsvolles Paradies erscheint. Die Aufführung ist von perverser
Aufrichtigkeit, man kann sie lieben oder hassen – entziehen kann man sich ihr nicht. Lili Handel
wirkt wie eine Fortschreibung der Grotesktänze von Valeska Gert: sehr radikal, sehr expressiv und
großstädtisch – und auf komplizierte Weise optimistisch.
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Dimchev liebt es, sich selbst und sein Publikum durch solche emotionalen Wechselbäder zu
schleifen. Seine Radikalität besteht in seiner Authentizität; er ist alles das, was er zeigt: Frau und
Mann, gut und böse, jämmerlich und grandios. Er macht sich dabei ganz bewusst zur Fiktion,
komponiert die Stimmungen und Wirkungen, die er erzielen will. »Auf der Bühne zu stehen ist harte
Arbeit«, sagt er. »Ich liebe diese Arbeit, und ich weiß, wie man sie macht. Darum baue ich mir eine
Struktur, die ich je nach der Atmosphäre im Saal verändern kann.«
Er hat gern alles unter Kontrolle. Deshalb spricht er sein Publikum direkt an und hat auch keine
Hemmungen, es zum Klatschen aufzufordern, wenn er meint, dass er jetzt einen Applaus verdient.
»Wenn sie zu viel lachen, dann genügt es meist, die Intensität zu steigern. Aber wenn sich jemand
beispielsweise während der Vorstellung ausführlich die Nase putzt, dann werde ich richtig aggressiv«,
sagt er. »Ich respektiere mein Publikum, und ich erwarte, dass es mich auch respektiert.«
Seine Lust am Verkleiden, seelisch wie körperlich, ist immer präsent, und wenn es nur eine Perücke
ist. Auf die Frage, warum er eine Perücke trägt, wenn er sie auf der Bühne gleich wieder abnimmt,
antwortet er: »Genau deshalb: um sie abnehmen zu können.«
Vielleicht ist diese Antwort der Schlüssel zu seiner Ästhetik: Man muss etwas machen, um es
zerstören zu können, schön sein, um hässlich zu werden, exzessiv, um zur Ruhe zu kommen,
gefährlich, um Erleichterung zu verschaffen. An seinem Körper ist alles zu groß, nichts scheint
zusammenzupassen, und genau das ist sein Kapital. Und dazu diese Stimme, die er als
»Verlängerung des Körpers« betrachtet und die, wie sein Körper, alles kann, auch das Unmögliche.
In Concerto (2007) schaukeln sich Körper und Stimme gegenseitig hoch, und das so unnachgiebig,
dass man nicht mehr weiß, ob die rasende Stimme eine Folge des aufgeregten Körpers ist oder ob
die gellenden Dissonanzen die wie in Trance zuckenden Bewegungen erst ermöglichen.
Zur elektronischen Musikbegleitung von Emilian Gatsov verwandelt Dimchev Tonfolgen und
Wortkaskaden in eine akustische Lautschrift. Er kreischt, jault, schluchzt, tiriliert, greint und heult sich
durch dreißig schweißtreibende Minuten, kauderwelscht sich durch Gedichte und Gibberisch und
lässt das berühmte »Geheimnis der bulgarischen Frauenchöre« arm aussehen gegen das, was er
allein mit ähnlichen Methoden hervorbringt. Wenn jemand den Namen Lady Gaga verdiente, dann
Ivo Dimchev. Und spätestens wenn er »one hundred reasons to break your heart – and fingers«
beschwört, funktioniert, was eigentlich ein Club Act ist, sogar im Leipziger Gewandhaus – das
wirklich Spektakuläre kann sich überall durchsetzen.
Som Faves (IT-Slang für some favorites) aus dem Jahr 2009 besteht aus 100 kleinen Sketchen,
von denen er jeweils ein Dutzend aussucht – dadurch ist auch diese Aufführung jedes Mal neu. Es
ist die wohl persönlichste Arbeit Dimchevs, da alle Miniaturen sich auf seine Biografie beziehen und
auf das, was er liebt. Auf der leeren Bühne verteilen sich Tisch, Stuhl, Keyboard, Porzellankatze und
ein Flohmarktgemälde, von dem er behauptet, dass es nicht darum gehe, es zu mögen, sondern
darum, sich daran zu gewöhnen. Er bezieht das ironisch wohl auch auf sich selbst: eine ganze Szene
lang brüllwinselt er »respect art«, nur um später ein lapidares »if you don’t, it’s OK« nachzureichen.
Er warnt, dass die Zuschauer Zeit verlieren würden, er aber Blut – diesmal schlitzt er sich die
Augenbraue. Die Szenen addieren sich zu einer »Rocky Horror Punk Art Show«, gruselkomisch und
melancholisch – zusammengehalten von Dimchevs Charisma und schwarzem Humor. »Das Stück
ist zu publikumsfreundlich«, klagt er nach der Vorstellung, »es ist zu klar gebaut, zu verständlich.
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Deshalb muss ich sehr viel Energie einsetzen, um die Struktur, die ich gebaut habe, wieder zu
verwischen. Ich mag nicht, wenn das Publikum sich im Lachen einrichtet – schließlich ist dies auch
ein Stück über Werte, über Kunst und ihre Abwege. Für mich ist es Training, jeden Abend mit den
Zuschauern zu kämpfen, um zu verhindern, dass sie es sich zu leicht machen.« Auf seine eigene,
verquere Weise ist Ivo Dimchev ein sehr seriöser Künstler. Und wenn er sich für den Nachwuchs
einsetzt, kann er richtig pädagogisch werden.
In seiner alten Heimat Sofia hat er einen jährlichen Wettbewerb für junge Choreografen ins Leben
gerufen, denn »die haben niemanden dort, der sich um sie kümmert oder ihnen eine Chance gibt. Ich
versuche, sie zu inspirieren, ihnen zu helfen, sich auszutauschen, sich zu entwickeln, Mut zu kriegen
und nicht aufzugeben.« Sogar das Preisgeld hat er schon selbst gestiftet, wenn der Zuschuss vom
Kulturministerium mal wieder ausblieb. In seiner neuen Heimat Brüssel baute er sein Studio zu einem
kleinen Theater um, das Volksroom heißt und jeden Monat mehrere Nachwuchskünstler vorstellt.
Manchmal spielt er auch selber dort, aber nun, wo er für vier Jahre Artist in Residence am Kaaitheater
ist, wird dies wohl sein Brüsseler Stammhaus werden. Er plant auch schon die erste Produktion
fürs Kaai: »Ein Stück über die Mechanismen von Festivals, die Rollen und Machtstrukturen und die
verdeckten sexuellen Energien zwischen den Beteiligten. Das alles beeinflusst die professionellen
Entscheidungen, ohne dass wir es merken.«
Ivo Dimchev, der selbst malt, zeichnet und Objekte herstellt, sucht zunehmend den Austausch mit
bildenden Künstlern. Vom Österreicher Franz West ließ er sich so stark inspirieren, dass 2011 ein
neues Solo entstand: I-on. Da nimmt er Wests Passstücke aus den siebziger Jahren als Spielpartner
ernst und erschafft Körperskulpturen aus sich selbst in Verbindung mit den abstrakten Formen aus
Papiermaché, Gaze und Gips. Laut West stellen seine bizarren Gebilde Neurosen dar – das lässt
sich Dimchev nicht zweimal sagen und packt seine eigenen dazu. Erst ihre Berührbarkeit macht die
Objekte komplett, also blödelt er mit ihnen herum, wirbelt sie um Rücken und Bauch, schlägt und
streichelt sie und hat ausgiebig Sex mit ihnen. Das Solo fungiert als Vorstufe zu einer größeren Arbeit
mit vier Performern und mehr Westschen »Passstücken«, die unter dem Titel X-on noch im selben
Jahr herauskam (und im November 2012 am Berliner HAU gezeigt wird).
»Auch da fließt wieder Blut«, sagt er, »nicht, um das Stück aufzupeppen, sondern weil ich als Lili
Handel auftrete, und für die ist Blut nun mal wie eine Sprache. Theater hat immer mit Blut zu tun,
weil es aus einem religiösen Kontext entstanden ist und mit Opfergaben verbunden war. Manchmal
gibt es in der Kunst das Gefühl, dass nichts mehr geht, weil alle Tabus bereits gebrochen sind. Dann
kannst du dich entweder auf einen Trend draufsetzen – oder aber du nimmst dir die Freiheit, genau
das Gegenteil zu tun und nur das zu machen, wozu du Lust hast. Wenn du dabei an die Grenze
gehst und drüber hinaus, dann wird das immer aufregend sein. Leider stelle ich fest, dass viele junge
Leute dazu nicht bereit sind. Sie suchen die Sicherheit, nicht das Risiko, wollen sich verstecken hinter
Handwerk und Technik. Das finde ich schade.«
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CIE. MARIE CHOUINARD
(CA)
07. + 09. AUGUST | 21.00 UHR | VOLKSTHEATER
Marie Chouinard @ ImPulsTanz
Performances
2011
2011
2010
2008
2008
2005
2004
2001
1999
1999
Marie Chouinard
„gloires du matin :)(:“ (Choreographer & Dancer)
Compagnie Marie Chouinard
„Les Trous du ciel & HENRI MICHAUX: MOUVEMENTS“ (Choreographer)
„The Golden Mean“ (LIVE) (Choreographer)
„Le Scare du printemps“
Gala-Abend (Choreographer)
„Orpheus and Eurydice“
in Kooperation mit dem Theater an der Wien (Choreographer)
„bODY_rEMIX/gOLDBERG_vARIATIONS“ (Choreographer)
Cie. Marie ChouinardCompagnie Marie Chouinard
„Chorale & Le Sacre du Printemps“ (Choreographer)
„Le Cri du Monde + Ecriture # 1 - Saintes“ (Choreographer)
„Des feux dans la nuit“
„24 Preludes by Chopin“ (Choreographer)
„Les Solos 1978 - 1998“
„Cristallisation“, „Dimanche matin“, „mai 1955“, „Petite danse sans
nom“,„Quelques façons d‘avancer tranquillement vers toi“, „Mimas“, „Lune de
Saturne“, „Earthquake in the Heartchakra“, „S.T.A.B. (Space, Time and
Beyond)“, „L‘Après-midi d‘un faune“, „Étude poignante“, „Lettre ouverte à
Terpsichore“, „Humanitas“ (Choreographer)
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1997
1994
1988
„L‘Amande et le Diamant“ (Choreographer)
„Le Sacre du Printemps“ (Choreographer)
„Space, Time and Beyond“
„STAB (Space, Time and Beyond)“, „L‘Après-midi d‘un faune“, „Biophilia
(Choreographer)
Workshops
2013
1988
„Slow Down to Change“
„Post Modern“
// ABOUT „Henri Michaux: Mouvements“ & „Gymnopédies“
Sensationelle TänzerInnen, faszinierendes Bühnendesign, exquisite Kostüme und mitreißende
Musik gehören zu den Markenzeichen der gefeierten kanadischen Choreografin Marie Chouinard.
Diesmal präsentiert sie zwei außerordentliche Werke: „GYMNOPÉDIES“ und „HENRI MICHAUX:
MOUVEMENTS“.
Tief in die verspielten Wunderwelten des tänzerischen Duetts bewegen sich elf TänzerInnen von
Chouinards Compagnie während des ersten, einaktigen Balletts zu den Kängen von drei unter dem
Titel „Gymnopédies“ zusammengefassten Klavierkompositionen des französischen Meisters der
Moderne Erik Satie. Ein brandneues Stück, in dem Flammen aus glitzernden Schalen züngeln und
das den Blick in ein Traumreich von perfekten Momenten der Zweisamkeit führt.
Für das zweite Stück – mit sensationellem Erfolg bei ImPulsTanz 2011 uraufgeführt - hat Chouinard
die Zeichnungen aus dem Buch „Mouvements“ des belgischen Dichter-Künstlers Henri Michaux
formvollendet in eine Tanzpartitur übersetzt. Das Corps de Ballet bewegt sich vor überdimensionalen
Projektionen dieser halluzinatorischen, selbst bereits wie tänzerisch wirkenden Grafiken und macht so
Michaux’ Phantasien lebendig.
// ABOUT Compagnie Marie Chouinard
Executive and Artistic Director: Marie Chouinard
Administration and Financial Director: Bernard Dubreuil
Director of International Development: Paul Tanguay
Production Director: Nancy Cormier
Controller: Monika Gruszka
Communications
Officer: Christel Durand,
Executive Assistant and artistic director assistant: Flore Anne Fortier
Rehearsal Director: Natasha Frid
Additional Rehearsal Directors: Tony Chong, Kimberley De Jong, Eve Garnier, Pamela Newell,
Isabelle Poirier, Ami Shulman and Martha Carter
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Dancers: Valeria Galluccio, Leon Kupferschmid, Lucy M. May, Lucie Mongrain, Mariusz Ostrowski,
Sacha Ouellette-Deguire, Carol Prieur, Gérard Reyes, Dorotea Saykaly, James Viveiros, Megan
Walbaum
Representation: Julie George (Europe), Cathy Pruzan, Cathy Pruzan Artist Representative
(United States), Pilar de Yzaguirre, YSARCA S.L. (Spain), Paul Tanguay (Europe, Asia,
America – except United States)
Board of Directors
Président: Marcel Côté
Trésorière: Stéphane Leclerc
Membres: Patrick Beauduin, Marie Chouinard, Jean Pierre Desrosiers, Pascal de Guise, Josette
Murdock, Pierre Paquet, François Taschereau, Anik Trudel
Marie Chouinard and the Compagnie Marie Chouinard
In 1990, the soloist-choreographer founded her own company. Since then, the Compagnie Marie
Chouinard has performed over 1000 times on all the great stages of the world and participated in the
most prestigious international festivals. Chouinard’s works are performed by dancers of exceptional
talent, such as Carol Prieur, named Dancer of the Year, 2010, by Tanz magazine, a leading
reference in the world of contemporary dance, and Lucie Mongrain, the fabulous solo performer of
Etude No. 1 (2001).
The Compagnie Marie Chouinard has co-produced its creations with top names in the arts world,
including the Venice Biennale, the ImPulsTanz-Vienna International Dance Festival, the Théâtre de
la Ville in Paris, the Gulbenkian Foundation in Lisbon, the Fondazione Musica Per Roma in Rome,
the Festival TransAmériques at Place des Arts in Montreal, and the National Arts Centre in Ottawa.
One of its best-known works, The Rite of Spring, created in 1993, is still performed today. In 2008,
24 Preludes by Chopin, created in 1999, was introduced into the repertoire of the National Ballet of
Canada (Toronto) and, since 2010, Prelude to The Afternoon of a Faun (1994) has been
performed by the São Paulo Companhia de Dança. In 2011, Les Ballets de Monte-Carlo presented
Marie Chouinard’s bODY_rEMIX/gOLDBERG _vARIATIONS, Act 1, adapted for 20 dancers.
Since 2007, the company has occupied its own work space, Espace Marie Chouinard, Montreal.
There, in 2009, after a twenty-year absence from the stage, Marie Chouinard returned with her solo
morning glories :)-(: In 2008, Chantier des extases, a collection of her poetry, was published by les
éditions du passage. The book was followed in 2010 by
COMPAGNIE_MARIE_CHOUINARD_COMPANY, a superb volume illustrated with numerous colour
photos, highlighting two rich decades of creation, culminating in the company’s most recent work,
THE GOLDEN MEAN (LIVE).
In addition to choreography, Chouinard sometimes designs the scenography and lighting for her
pieces, and photographs them. Her multimedia and visual creations include Cantique No. 3, an
interactive installation with Louis Dufort, and Icônes, a video installation with Luc Courchesne), as well
as a film (bODY_rEMIX / gOLDBERG_vARIATIONS, based on the dance work of the same name).
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In 2011, she participated in the group show BIG BANG at the Montreal Museum of Fine Arts with her
installation Paradisi Gloria. In 2012 Dessins, a series of visual art works by Marie Chouinard, were
exhibited at Galerie Donald Browne, Montreal, and in Toronto at the International Art Fair.
Marie Chouinard has received numerous awards for her contribution to the world of dance and the
arts : a Bessie Award (2000), the Grand Prix du Conseil des arts de Montréal and the distinction of
Officer of the Order of Canada in 2007, the title of Chevalier des arts et des lettres (France – 2009).
In 2010, the Compagnie received the Arts Achievement Award from the Imperial Tobacco Canada
Foundation, and the same year Marie Chouinard was presented with the Prix Denise-Pelletier career
award, one of the prestigious Prix du Québec. Marie Chouinard’s name entered the Petit Larousse
illustré in 2010 and appears in the 2011 edition of Le Robert. In 2012, The Conseil des Arts et des
lettres du Quebec has awarded the first CALQ award for best choreographic work of 2011-2012 to
Marie Chouinard for THE GOLDEN MEAN (LIVE).
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„GYMNOPÉDIES“
(CA)
Ballett in einem Akt
entstanden im Centro Cultural de Belem, Lissabon, Portugal, 2013
Choreografie und künstlerische Leitung
Musik
Licht
Bühnenbild
Kostüme
Sound enviroment
Kostüme – extra & Requisite
TänzerInnen
Produktion
Koproduktion
Marie Chouinard
Érik Satie, Gymnopédies n° 1, n° 2, n° 3
Alain Lortie
Guillaume Lord, Marie Chouinard
Liz Vandal
Jesse Leveillé
Marie Chouinard
Paige Culley, Valeria Galluccio, Leon Kupferschmid, Lucy
M. May, Mariusz Ostrowski, Sacha Ouellette-Deguire,
Carol Prieur, Gérard Reyes, Dorotea Saykaly, James
Viveiros, Megan Walbaum
Les Nuits de Fourvière (Lyon - France)
Carolina Performing Arts (Chapel Hill – United States)
und ImPulsTanz (Vienna)
Tour Crew
Probenleitung
Tour Manager
Technische Leitung und Lichttechnik
Inspizienz
Tontechnik
Jamie Wright
Marie-Pier Chevrette
to be confirmed
Noémie Avidar
Antoine Bouchard
Dauer
45 Minuten
Die Compagnie Marie Chouinard dankt dem Conseil des arts et des lettres du Québec, dem Canada
Council for the Arts und dem Conseil des Arts de Montréal.
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// ABOUT „Gymnopédies“
ballet for 11 dancers
around the theme of the duet
while at the piano, the dancers take turns playing the gymnopédies of erik satie
I’m working to find the form of the duo
its transfiguration
the fracas of beauty
its finesse
although the apparent subject of this new creation is the duo, loving, erotic,
the real subject is perhaps the unexpected, time, the dance itself, the
miracle otherwise, the appearance of the present,
the elsewhere suddenly and powerfully here, at last
at an even deeper level, the subject would simply be
form
the ephemeral form which would correspond to
the intuition that made me start this work around the duets
...and around the gymnopédies
organizing this form and giving it
my subject is the road that leads to you
marie chouinard
paris, january 2013
// BIOGRAFIEN
Paige Culley
Paige Culley was born in Rossland, British Columbia. After gratuated from The School of Toronto
Dance Theatre in 2010, where she was awarded the Hnatyshyn Foundation Developing Artist
Grant for Contemporary Dance. She has worked with Antonija Livingstone, Martin Bélanger, Ame
Henderson and Michael Trent as part of Dancemakers, and with Shannon Gillen and Danièle
Desnoyers. Additionally, she works as a dancer, actor and vocalist in both film and musical theatre,
and as a choreographer and teacher in British Columbia and Ontario. She joined COMPAGNIE
MARIE CHOUINARD in 2011.
Valeria Galluccio
Valeria Galluccio was born in Napoli (Italy). She studied ballet with Annalisa Cernese and she worked
as principal dancer in Biennale of Venice for three years in Glass Room, The Waste Land and
Oxygen directed and choreographed by Ismael Ivo. She worked again with Ismael Ivo for a project in
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Napoli Teatro Festival, Stravinsky’s Le Sacre du printemps. Valeria Joined the COMPAGNIE MARIE
CHOUINARD in 2011.
Leon Kupferschmid
Leon Kupferschmid was born in Israël. He studied at the Jerusalem Music and Dance Academy.
From 2004 to 2005, he danced for the Scapino Ballet Rotterdam in the Netherlands. Leon continued
his training at the Juilliard School in New York. He joined the COMPAGNIE MARIE CHOUINARD in
2009.
Lucy M. May
Lucy M. May began her dance training at Dance Fredericton in New Brunswick. Her professional
studies were completed at LADMMI in Montreal and the Rotterdam Dance Academy in the
Netherlands. She has danced for DanseKparK, la Compagnie Capriole, Meyer-Chaffaud Dance
Company, Lucie Grégoire Danse and Mélissa Raymond, among others. She also taught at LADMMI
from 2008 to 2009. She joined the COMPAGNIE MARIE CHOUINARD in 2009.
Mariusz Ostrowski
Mariusz Ostrowski started his dance training at the Warsaw National Ballet School in Poland. He
worked with the National Ballet of Poland, the Ballet Arizona, the Atlanta Ballet, Rubberbandance and
Les Grands Ballets Canadiens de Montréal, where he was first soloist. He joined the COMPAGNIE
MARIE CHOUINARD in 2009.
Sacha Ouellette-Deguire
Sacha Ouellette-Deguire trained as a mime artist before joining COMPAGNIE MARIE CHOUINARD
in 2012. Previous stage work includes L’Equipe des Oranges, Compagnie Omnibus and Compagnie
Korimage. Sacha continues to develop his work as a multi-faceted artist at the Académie du Ballet
Métropolitain with the dancer Alexis Simonot.
Carol Prieur
Carol Prieur started her career with Winnipeg Contemporary Dancers. She has worked with the
Fondation Jean-Pierre Perreault. Grants permitted her to pursue her studies in New York, Europe
and India where she was initiated into Kalarypayattu, an Indian martial art form. Since she became
a member of COMPAGNIE MARIE CHOUINARD in 1995, three solos have been created for her:
Humanitas, Étude Poignante, and Movements. She received an Award for Best Performance in Marie
Chouinard’s film, Cantique no. 1, at the Moving Pictures Festival of Dance on Film and Video Award
in Toronto. In 2010, Carol was named Dancer of the Year by the prestigious German magazine
TANZ.
Gérard Reyes
Gérard Reyes received his BFA in Dance from Ryerson University in Toronto in 2003. He danced
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for Danny Grossman, D.A. Hoskins, Lesandra Dodson, Heidi Strauss, Sacha Ivanochko, Luther
Brown, Bill T. Jones, Germaul Barnes and Noemie Lafrance. Gerard spent a year in Los Angeles
studying acting and expanding his Hip Hop repertoire with Tovaris Wilson, Kevin Maher and Redd.
Gerard danced for one season with COMPAGNIE MARIE CHOUINARD in 2006/07 and rejoined the
company in 2009.
Dorotea Saykaly
Dorotea Saykaly trained at the Conservatoire de Danse de Montréal with Daniel Seillier and Lucinda
Hughuey. She completed her dance studies in Vancouver at Arts Umbrella, training with Arty Gordon,
Grant Strate and Wen Wei Wang. She has worked in Montreal with Les Ballets Métropolitains, Ballet
Ouest and Les Sortilèges. She joined COMPAGNIE MARIE CHOUINARD in 2006.
James Viveiros
James Viveiros studied dance, music and theatre at Alberta’s Grant MacEwan College, where he
received the Evelyn Davis scholarship for outstanding performance in dance. He has worked with the
Brian Webb Dance Company, Edmonton Opera and The Citadel Theatre, among others. He moved
to Montreal and started to perform for Suzanne Miller and Allan Paivio Productions before joining
COMPAGNIE MARIE CHOUINARD in 2000. He is one of the interpreters of the solo Des Feux dans la
nuit since 2003.
Megan Walbaum
Megan Walbaum is a native of Calgary and began dancing at the Alberta Ballet School of Dance,
before continuing her classical training at the Royal Winnipeg Ballet School. She then followed a
professional training program in contemporary dance at LADMMI in Montreal. She has danced for
Sylvain Émard and Lucie Gregoire, before joining the COMPAGNIE MARIE CHOUINARD in 2010.
// CONTRIBUTORS
Louis Dufort - Music (HENRI MICHAUX: MOUVEMENTS)
Louis Dufort was born in Montreal in 1970. Trained as a classical guitarist, he became interested in
electroacoustic composition and completed his master‘s degree at the Conservatoire de Musique
de Montréal. His musical compositions have resulted in several international awards. A regular
contributor to Compagnie Marie Chouinard since 1996, he is a member of the artistic committee of
the Quebec Association for electroacoustic composition and research (ACREQ).
Guillaume Lord – Set Design (GYMNOPÉDIES)
Guillaume Lord has created sets for theatre, television, the circus (Cirque du Soleil, Cirque Éloize),
variety (Arturo Brachetti, Eros Ramazzotti), musical comedy (Don Juan) and dance (Shann Hounsell,
Ginette Laurin, Jean Grand-Maître). He has designed sets for works such as Le temps et la chambre
(Masque award for sets and the Prix Gascon-Roux), Art, La Grande Magia, and worked with Lorraine
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Pintal, Claude Poissant, André Brassard and Serge Denoncourt. Guillaume Lord has also designed
exhibits for the Musée du Québec and art directed numerous films and documentaries. THE
GOLDEN MEAN (LIVE) is his first work in collaboration with the COMPAGNIE MARIE CHOUINARD.
Alain Lortie – Lighting (GYMNOPÉDIES)
Alain Lortie’s personal style is well known. His colours and above all his great sensitivity to the work
of other artists have earned him fruitful collaborations with many big names in song, music, dance
and theatre. Self-taught, he is constantly developing on a technical and artistic level and has won
a number of awards for his talented work. Alain Lortie is also a consultant and designer for many
architectural projects and numerous cultural events and festivals.
Vandal – Costumes (GYMNOPÉDIES)
Liz Vandal began her career in 1990 as a fashion designer, quickly establishing a solid reputation.
She is a costume designer, make-up artist and hairstylist, and her work in film, theatre and dance
provides opportunities to fully explore her creativity. She has worked with the likes of La La La
Human Steps, Les Grands Ballets Canadiens de Montréal and the Cirque du Soleil. Liz Vandal has
designed the costumes for eleven works in COMPAGNIE MARIE CHOUINARD’s repertoire.
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(CA)
„HENRI MICHAUX: MOUVEMENTS“
Ballett in einem Akt
entstanden bei ImPulsTanz - Vienna International Dance Festival, Wien, 2. August 2011
Choreografie und künstlerische Leitung
Licht, Bühnenbild
Originalmusik
Sound environment
Kostüme
Hairstyle
Gedicht, Nachwort und projizierte
Zeichnungen
Übersetzung
Originalbesetzung
TänzerInnen
Dauer
Marie Chouinard
Marie Chouinard
Louis Dufort
Edward Freedman
Marie Chouinard und Marilène Bastien
Marie Chouinard
Henri Michaux, from the book „Mouvements“ (1951),
with the permission of the right-holders
Henri Michaux and Editions Gallimard
Howard Scott
Kimberley De Jong, Leon Kupferschmid, Lucy M. May,
Lucie Mongrain, Mariusz Ostrowski, Carol Prieur,
Gérard Reyes, Dorotea Saykaly, James Viveiros,
Megan Walbaum
Paige Culley, Valeria Galluccio, Leon Kupferschmid, Lucy
M. May, Mariusz Ostrowski, Sacha Ouellette-Deguire,
Carol Prieur, Gérard Reyes, Dorotea Saykaly,
James Viveiros, Megan Walbaum
35 Minuten
Eine Compagnie Marie Chouinard Produktion mit Unterstützung von ImPulsTanz (Vienna)
Warning: this performance includes stroboscopic effects.
// ABOUT „Henri Michaux: Mouvements“
In 1980, Marie Chouinard discovered the book Mouvements by Henri Michaux (1899-1984). In 64
pages of India-ink drawings, a 15-page poem and an afterword, Mouvements presents multiform
figures that Marie Chouinard took pleasure in reading literally, left to right and page by page, as a
choreographic score. She then proceeded to decrypt the great artist’s drawings and set dance to
these „movements of multiple inkjets, a celebration of blots, arms moving up and down the scales.”
The book’s transition to dance has been done “word for word”, for even the poem in the middle of
the book, as well as its afterword, are included in the choreography.
The drawings are projected in the background, allowing spectators to do a simultaneous personal
reading of the Michaux score. Echoing the visual presentation of a white page with black drawings,
performers dressed in black dance on a white floor.
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// PRESSESTIMMEN
Silvia Kargl
Kurier
04. August 2011
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Isabella Wallnöfer
Die Presse
04. Augst 2011
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[EAST-WEST MEETINGS]
CLARA FUREY (CA) & MICHIKAZU MATSUNE
„NIGHT WILL COME“
(AT/JP)
08. + 10. AUGUST | 20.00 UHR | WELTMUSEUM WIEN
URAUFFÜHRUNG
Clara Furey @ ImPulsTanz
Performances
2012
2012
Par B.L.eux / Benoît Lachambre & Clara Furey
„Chutes Incandescentes“ (Choreographer & Dancer)
Various artists
„A Tribute to Franz West“ (Choreographer)
Michikazu Matsune @ ImPulsTanz
Performances
2012
2009
2007
2006
Programme I-III
„Etc.“ (Installation)
Michikazu Matsune & David Subal
„One hour standing for“ (Artist)
Matsune & Subal Productions
„WIN FOR U! feat. Party“ (Artist)
Matsune & Subal Production
„store“ (Choreographer)
Workshops
2012
„On Stage“ (8-12 Jährige)
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CLARA FUREY (CA) & MICHIKAZU MATSUNE
„NIGHT WILL COME“
(AT/JP)
08. + 10. AUGUST | 20.00 UHR | WELTMUSEUM WIEN
URAUFFÜHRUNG
Performance
Produktion
Clara Furey und Michikazu Matsune
Michikazu Matsune
MA7, Kulturabteilung der Stadt Wien und ImPulsTanz (Wien)
Dauer
45 Minuten
//ABOUT „Night Will Come“
Eine Performance, in der die Dinge andere Bedeutungen bekommen. Die Dämmerung bricht an.
Konturen verschwimmen, Schatten lösen sich auf. Vom Horizont her nähert sich die Nacht. Eine
erstaunliche Begegnung ist zu beobachten: Der aus Japan stammende Wiener PerformanceKünstler Michikazu Matsune und die kanadische Tänzerin und Sängerin Clara Furey sind denkbar
unterschiedlich. Aber was bedeutet das schon, außer, dass gerade diese Verschiedenheit Momente
von besonderer Kraft erzeugt. Dass sich Ironie und Zartheit treffen und dass Absurdität und
Sensibilität Verbindungen zueinander finden. Bei ImPulsTanz 2012 erregte Furey die Aufmerksamkeit
der Zuschauer in ihrem gemeinsamen Auftritt mit Benoît Lachambre. Nun wird Matsune für sie ein
kongenialer Kollaborateur sein.
*****
“C’est toujours ce qui éclaire qui demeure dans l’ombre “
Edgar Morin
Twilight begins. Illumination is scattered and shadows don’t exist as everything is blurred and gleams.
Night Will Come is a visual and musical performance. Clara Furey and Michikazu Matsune meet in a
place where the common sense is indistinct. A powerful, high energetic moment between the bright
and the dark. It is a performance where things gain another meaning, where music softens your chest
and flying shopping bags lift your spirit.
Clara Furey is a Montreal based dancer who has worked for choreographers such as Benoît
Lachambre and more recently in Europe with David Zambrano and Damien Jalet. She is also a
singer-songwriter with a deep and sensual voice. She creates her own performances where her
physical and musical works are intertwined.
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Born in Japan and based in Vienna, Michikazu Matsune is a performance artist whose work is
presented in various contexts such as in museums, in public spaces, and on stage. His work involves
fine tunes of humour and absurdity, and appears in an extended understanding of choreography.
ImPulsTanz presents this surprising collaboration between two very strong and different artists!
// BIOGRAFIEN
Michikazu Matsune
Michikazu Matsune, geboren in Kobe, lebt und arbeitet in Wien. Er ist als Künstler im Bereich
Performance und Installation tätig und erforscht hier verschiedene Kontexte und Formate, oft auch in
Interaktion mit dem Publikum. Er entwickelte Projekte wie z.B. ein Bühnenstück in Gebärdensprache
„Zeichensturm gemeinsam“ mit gehörlosen DarstellerInnen oder den Performance-Einkaufsladen
„store“ in Zusammenarbeit mit David Subal. Zu seinen letzten Arbeiten zählen: „Tourist Office“
(steirischer herbst 2011), eine Touristeninformation, die reale und fiktive Orte empfiehlt und
„Hello2111“ (Wiener Festwochen 2011) eine Ausstellung mit Geschenken für ein Publikum in
einhundert Jahren.
www.michikazumatsune.info
Clara Furey
Clara Furey graduierte an den Ateliers de danse moderne de Montréal. Sie studierte klassisches
Klavier am Pariser Konservatorium. Ihre Arbeiten als Tänzerin und Performerin umfassen Tanz ebenso
wie Film und Theater, und seit über 15 Jahren ist sie als Singer-Songwriterin im Kontext von Jazz,
Folk und Popmusik äußerst erfolgreich.
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DORIS UHLICH
„MORE
(AT)
THAN NAKED “
05. AUGUST | 21.00 UHR | HALLE G | MUSEUMSQUARTIER
[W ILDWALK] 07. AUGUST | 23.00 UHR | HALLE G | MUSEUMSQUARTIER
URAUFFÜHRUNG
Doris Uhlich @ ImPulsTanz
Performances
2012
2012
2012
2011
2008
Doris Uhlich
„Rising Swan“ (Choreographer, Dancer)
Various Artists
Programme III
„Pudertanz“ (Choreographer, Dancer)
Doris Uhlich
„more than enough“ (Choreographer, Dancer)
Doris Uhlich
„SPITZE“ (Choreographer, Dancer)
Workshops
2012
2011
2010
2009
„Let‘s fetz!“ (10-13 Jährige), „more than naked“, „Ruhestandstanz (G.A.)“
„More Than Naked“, „Ruhestandstanz“ (G.A.)
„Ruhestandstanz (G.A.)“, „Wilde KerlInnen“ (12-15 J.)
„Ruhestandstanz (G.A.)“, „Wilde KerlInnen“ (12-15 J.)
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DORIS UHLICH
„MORE
(AT)
THAN NAKED “
05. AUGUST | 21.00 UHR | HALLE G | MUSEUMSQUARTIER
[W ILDWALK] 07. AUGUST | 23.00 UHR | HALLE G | MUSEUMSQUARTIER
URAUFFÜHRUNG
Choreografie
PerformerInnen
Produktionsleitung
Mit Unterstützung der
Doris Uhlich
Zinzi Buchanan, Neil Callaghan, Paige Culley, Mihaela Alexandra
Dancs, Andreea Maria David, Lucia Di Pietro,
Stefanie Eisl-Wechselberg, Aleksandar Georgiev, Tova Gerge,
Katharina Hölzl, Ofelia Jarl Otega, Petros Konnaris, Lilach
Livne, Milan Loviska, Aloun Marchal, Andrius Mulokas,
Katarzyna Szugajew, Andrew Tay, tbc
Chris Standfest
insert (Theaterverein) und ImPulsTanz – Vienna International Dance
Festival
Christine Sbaschnigg
Kulturabteilung der Stadt Wien MA7
Dauer
60 Minuten
Dramaturgische Beratung
Produktion
// ABOUT „more than naked“
Es tanzt, es fliegt! In ihrem neuen Gruppenstück, das bei ImPulsTanz 2013 uraufgeführt wird, geht
die renommierte österreichische Choreografin Doris Uhlich einer Bewegungspoesie nach, wie sie
nur durch den und mit dem nackten Körper formuliert werden kann: „Welche Dynamik steckt im
Fleisch, im Fett, in der Masse, in der Haut, im Schweiß?“ Das lässt sich wohl am Besten mit einer
„Fetttanztechnik“ in Tanz übersetzen, wie sie von Doris Uhlich erfunden wurde. Die Choreografin hat
sich in nur sieben Jahren zu einer der Maßstäbe setzenden ProtagonistInnen der Wiener freien Szene
und zu einem vielbeachteten Faktor in der europäischen Tanzlandschaft entwickelt. Sie zeigt, dass
Sensibilität und Radikalität, politische Performance und ästhetische Zugänglichkeit, Gewicht und Tanz
sich nicht ausschließen.
*****
Warum zieht man sich auf der Bühne im Jahr 2013 noch aus?
Was hat ein nackter Körper zu sagen?
Was haben 20 nackte Körper zu sagen?
(Immer) Noch zu sagen?
Wieder zu sagen?
Mehr zu sagen?
In more than naked stellen sich 20 junge zeitgenössische TänzerInnen die Frage, welche Stimme
sie ihren Körpern geben können und was der Begriff „zeitgenössisch“ im Tanz und darüber hinaus
eigentlich bedeutet. Was heißt es, Genossen und Genossinnen unserer Zeit zu sein – tänzerisch
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und politisch? Tanzpolitisch? 20 Menschen auf der Bühne sind mehr als eine Gruppe – sie sind eine
Gesellschaft. Und diese Gesellschaft bringt sich in Bewegung. Was kann ein nackter Körper heute mit
seiner Materialität, Wucht und Fragilität ins Rollen bringen? Welcher politische und gesellschaftliche
Treibstoff steckt in der Auseinandersetzung mit dem, ohne den wir nicht einmal denken könnten –
nämlich schlicht und einfach mit unserem Körper?
more than naked forscht nach Bewegung, die nur mit und durch den nackten Körper entstehen kann.
Welche Dynamik steckt im Fleisch, im Fett, in der Masse, in der Haut, im Schweiß? Welche (barocke)
Opulenz erzeugt die Fleischlichkeit und die komplette Ausschüttung der tänzerischen, antrainierten
Kraft? Es ist die Suche nach einer Tanztechnik, die sich dem Material „Körper“ widmet und versucht,
Gegenwart auszudrücken. Es wird u.a. die Fetttanztechnik, die Doris Uhlich in ihrem Stück „mehr
als genug“ entwickelt hat, weiterverfolgt. Ziel ist ein „tänzerischer Materialismus“, der den Körper
nicht zum Fetisch, zum Objekt degradiert und Fleischlichkeit nicht metaphorisch oder poetisch
ideologisiert, sondern sie eben materiell ernst nimmt.
„Mein Fleisch hat Spaß.“ (Tänzer des Projekts)
Wie sieht dieser Spaß aus? Was bringt man ins Schwingen, wenn man das Fleisch in Schwingung
bringt? Welche Formen von Freiheit sind es, die die jungen PerformerInnnen heute erfahren, wenn
das nackte Fleisch fliegt? Wo knüpft man da in der Geschichte und an bestimmten Traditionen an wie
z.B. der Freikörperkultur rund um 1920 oder den 68ern? Wovon befreit man sich?
„Wenn ich den anderen zuschaue, dann sehe ich „Schönheit“. Ich denke, ich habe noch nie
„Schönheit“ vorher gesehen.“
„Seit meiner tänzerischen Laufbahn hab ich mich noch nie so als Teil einer Gruppe erlebt wie in
diesem Projekt.“
(Tänzerinnen des Projekts)
Das Fett wird tanzen, das Fleisch fliegen, der Schweiß glänzen. In more than naked erlebt man
bewegtes Fleisch, das sprechen wird. Und es hat was zu sagen!
Die TänzerInnen des Projekts waren TeilnehmerInnen des gleichnamigen Workshops more than
naked, den Doris Uhlich 2012 bei ImPulsTanz unterrichtet hat. Für die Gruppe war es eine Vision,
sich wieder zu treffen und gemeinsam das Stück more than naked zu erarbeiten.
// BIOGRAFIE
Doris Uhlich
Doris Uhlich wurde 1977 in Oberösterreich geboren und studierte „Pädagogik für zeitgenössischen
Tanz“ am Konservatorium der Stadt Wien. Ihre Unterrichtstätigkeit beinhaltet u.a.: Tanzwerkstatt
Wien, Gasttrainerin am Konservatorium der Stadt Wien und Coaching an der Akademie der bildenden
Künste in Wien/Performanceklasse 2009. Sie erhielt Stipendien und Residencies bei ImPulsTanz,
brut/Wien, K3/Kampnagel Hamburg, 2007 die Carte Blanche des Tanzquartier Wien und 2011/2012
war sie Artist in Residence im Festspielhaus St. Pölten. Doris Uhlich war als „bemerkenswerte
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Nachwuchschoreografin“ im Jahrbuch 2008 der Zeitschrift ballettanz und Tänzerin des Jahres der
Zeitschrift „tanz“ 2011.
Von 2002 bis 2009 war sie Spielerin bei theatercombinat.
Seit 2006 kreiert sie eigene Projekte: u.a. „und“ (Uraufführung brut/Wien 2007, Gastspiele u.a.
beim Festival Österreich tanzt, BAC/London, Festival Politik im freien Theater/Köln), „SPITZE“
(Uraufführung brut/Wien 2008, Gastspiele u.a. ImPulsTanz, Les Subsistances/Lyon, Chelsea Theater/
London, Mousonturm/Frankfurt, Österreichische Tanzplattform, Tanzquartier Wien), „mehr als
genug“ (Uraufführung Les Subsistances/Lyon 2009, Gastspiele u.a. Centre Pompidou/Paris, Les
Halles/Brüssel), „Rising Swan“ (Uraufführung brut/Wien 2010, Gastspiele u.a. Gessnerallee Zürich,
Dampfzentrale Bern, Kaserne Basel, Judson Church/New York) und „Uhlich“ (Uraufführung Wiener
Festwochen 2011). Ihre Performance „Rising Swan“ war im Sommer 2012 im Rahmen der CPA* bei
ImPulsTanz zu sehen, die Uraufführung „Come Back“ beim steirischen herbst 2012. Bei ImPulsTanz
2013 wird ihr neuestes Stück „more than naked“ uraufgeführt.
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[8:TENSION] EISA JOCSON
„MACHO DANCER“
(BE/PH)
07. AUGUST | 20.00 | SCHAUSPIELHAUS
08. AUGUST | 21.30 | SCHAUSPIELHAUS
Konzept, Choreografie und Performance
Lichtdesign
Musikalische Komposition
Coach
Tour Manager
Songs
Koproduktion
Residency und Unterstützung von
Eisa Jocson
Jan Maertens
Lina Lapelyte
Rasa Alksnyte
Arco Renz
Tang Fu Kuen
‘Devil‘s Dance’ by Metallica
‘Total Eclipse Of The Heart’ by Boney Tyler
‘Pagbigyang Muli’ by Erik Santos
Workspacebrussels und Beursschouwburg
Workspacebrussels, Beursschouwburg, Wpzimmer
Dauer
45 Minuten
// ABOUT „Macho Dancer“
Ein einzigartiges Phänomen macht die von den Philippinen stammende Tänzerin und Choreografin
Eisa Jocson mit ihrem künstlerischen Blick in die Night Clubs ihrer Heimat sichtbar: In diesen
Lokalen führen junge Männer sexy Tänze und heiße Shows für die – männliche wie auch weibliche –
zahlende Kundschaft vor. In diese Rolle schlüpft nun Eisa Jocson. Eine faszinierende Welt jenseits der
klassischen Geschlechterrollen, die sowohl ökonomische als auch sexuelle Tabus in Frage stellt, tut
sich auf und bildet den Rahmen für ein raffiniertes Spiel mit den Mehrdeutigkeiten der Situation und
den Ritualen der Verführung.
*****
Macho Dancing is performed by young men in night clubs for male - as well as female - clients.
Macho Dancing, with its specific movement vocabulary and physicality, is a unique phenomenon in
the Philippines. An economically-motivated language of seduction that employs masculinity as body
capital.
‘Macho Dancer’ is a solo work in which a woman performs macho dance. By embodying a macho
dancer, she challenges our perception of sexuality and questions gender as a tool for social mobility:
Through his practice, the macho dancer is relegated to a marginal and weak position in society, even
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though the image he simulates is that of a strong male. The woman performing a macho dance thus
assimilates the role of a strong male; and by transgressing gender, the performer also appears to
up her social status. Nonetheless, as she engages in a marginal practice that is macho dance, she
remains vulnerable and weak, and maintains the status of an objectified woman. The performance
thus generates a “gender loop” in which the performer and audience are entangled.
The very act of this woman performing a gender loop veers attention towards her body as a product.
By emulating and becoming the Macho Dancer, she also disembeds the sociocultural and economic
frames that ultimately expose this perfect normative body as a constructed body.
“He realizes his potential, and exercises his individual empowerment, only to return the following
night. Desire and performance of social mobility, after all, are only posed in simulation. In gay bars, as
in the Philippine nation, real mobility is evasive, restricted, and temporary. Yet every night, the desire
and the performance of social mobility are re-enacted.”
Rolando B. Tolentino , ‘Macho Dancing, the Feminization of Labor, and Neoliberalism in the
Philippines’
// BIOGRAFIE
Eisa Jocson
Eisa Jocson is a contemporary choreographer and dancer from the Philippines. Trained as a visual
artist, with a background in ballet, she won her first pole-dancing competition in Manila in 2010, and
started pole ‘tagging’ and other public interventions in Manhattan and various cities.
Under successive residencies in Belgium (at FoAM, STUK, Nadine, Workspacebrussels, Wp Zimmer),
Eisa developed an artistic praxis that questions the stereotype and context of the female pole dancer.
Her solo ‘Death of the Pole Dancer’ (commissioned by In Transit Festival 2011 in Haus der Kulturen
der Welt, Berlin) toured to Beurrschouwburg (Brussels), Theater Spektakel (Zurich), Tanzquartier
(Vienna), Exodos Festival (Ljubljana).
Eisa then trained in ‘macho dancing’, a popular night-club entertainment form, and premiered ‘Macho
Dancer’ in spring 2013 at Beurrshouwburg, with support from Workspacebrussels and Wp Zimmer.
This new solo creation is invited to 4 European summer festivals: Impulstanz (Vienna), Noorderzon
(Groningen), Tanz im August (Berlin), Theater Spektakel (Zurich).
From pole to macho dancing, Eisa investigates the labour and representations of the dancing body
in the service industry, and exposes gender formation, seduction politics, and Filipino social mobility.
Her next work will uncover the world of ‘Japayuki’ - the foreign entertainers hired from the Philippines
to perform for the pleasure of ‘salary-men’ in clubs throughout Japan.
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[W ILDWALK] FLORENTINA HOLZINGER
„MAKANKOSAPPO“
(NL/AT)
24. JULI | 23.30 UHR | SCHAUSPIELHAUS
URAUFFÜHRUNG
Florentina Holzinger @ ImPulsTanz
Performances
2012
2012
Florentina Holzinger
„Silk“ (Choreographer & Dancer) Gewinnerin des Prix Jardin d‘Europe 2012
Florentina Holzinger & Marta Ziolek
„Programme III stick“ (work in progress)
Other
2010
2008
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[W ILDWALK] FLORENTINA HOLZINGER
„MAKANKOSAPPO“
(NL/AT)
URAUFFÜHRUNG
Konzept, Choreografie und Performance
Beratung
Koproduktion
Vincent Riebeek, Marta Ziolek
ICK Amsterdam, Workspace Brussels und Szene
Salzburg
Frascati Productions, Amsterdam
Dauer
50 Minuten
// ABOUT „Makankosappo“
Es ist der letzte Schrei im Internet, und der kommt aus Japan. Dort tun sich Highschool-Girls
zusammen, um die tollsten Schnappschüsse für das Web zu produzieren: Sie stellen Momente
aus der Dragonball-Manga-Serie nach, in denen eine Heldin oder ein Held mit einem wuchtigen
Energieblitz meist mehrere Angreifer weg schleudert. Dieses „Makankosappo“ dient als
Ausgangspunkt für das neueste Solo der draufgängerischen jungen österreichischen Choreografin
Florentina Holzinger (voriges Jahr für „Silk“ mit dem Prix Jardin d’Europe ausgezeichnet). Sie schlüpft
in die Rolle eines fiktiven Charakters: Als „Regression Girl“ maskiert wird sie zum Symptom der
Moderne und ihrer Abfälle – und damit zum Zeichen unserer Zeit.
// BIOGRAFIE
Florentina Holzinger studierte Tanz und Performance in Wien und arbeitete mit der Theatercompany
Kopergieterey in Gent, bevor sie in Amsterdam an der School for New Dance Development (SNDO) /
Hochschule für die Künste Komposition, Tanz und Choreografie
studierte. Sie performte in Arbeiten der dortigen Artists in Residence Deborah Hay und Benoît
Lachambre. 2008 war sie danceWEB Stipendiatin in Wien. Darüber hinaus arbeitete sie mit Rob List,
Ann Liv Young und Jeremy Wade.
Holzingers Arbeiten werden in den Niederlanden, Belgien, Deutschland, Österreich und New York
gezeigt. Ihre Kollaboration mit Vincent Riebeek „Kein Applaus für Scheiße“ tourt zur Zeit durch
Europa. Ihre nächste gemeinsame Arbeit, „Spirit“, wurde im Oktober 2012 auf Campo/Gent
uraufgeführt. „Silk“ ist Florentinas Abschlussarbeit – ein Solo als ihr Abschiedsgeschenk an die
SNDO.
| 121
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FOU GLORIEUX / LOUISE LECAVALIER
„SO BLUE“
(CA)
06. + 08. AUGUST | 21.00 UHR | AKADEMIETHEATER
Louise Lecavalier @ ImPulsTanz
Performances
2010
2010
2009
2008
1999
1997
1995
PAR B.L.eux / Benoît Lachambre & Louise Lecavalier & Hahn Rowe & Laurent
Goldring
„Is You Me“ (Choreographer)
Louise Lecavalier / Fou Glorieux
„Children / A Few Minutes of Lock“ (Choreographer)
Par B.L.eux / Benoît Lachambre & Louise Lecavalier & Hahn Rowe & Laurent
Goldring
Louise Lecavalier/Fou Glorieux
„I is memory“ (Dancer)
La La La Human Steps
„Salt“ (Dancer)
Crash Landing@Wien Damaged Goods, Meg Stuart, Steve Paxton, Mark Tompkins
„Crash Landing I-III“ (Dancer)
La La La Human Steps
„2“ (Dancer)
Workshops
2004
2002
2000
„ADD Contemporary Training“, „Contemporary Training“
„Contemporary Training“, „Contemporary Training“ (Kurs B)
„Contemporary Training“
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FOU GLORIEUX / LOUISE LECAVALIER
„SO BLUE“
(CA)
06. + 08. AUGUST | 21.00 UHR | AKADEMIETHEATER
Assistenz Choreografie und Probenleitung
Lichtdesign
Musik
Zusätzliche Musik von
Remixing Producer
Kostümdesign
Produktion
Koproduktion
Residency
Louise Lecavalier
Louise Lecavalier, Frédéric Tavernini
France Bruyère
Alain Lortie
Mercan Dede
Normand-Pierre Bilodeau, Daft Punk, Meiko Kaji
Normand-Pierre Bilodeau
Yso
Fou glorieux
tanzhaus nrw (Düsseldorf), Théâtre de la Ville (Paris),
Hellerau (Dresden), National Arts Centre (Ottawa),
Festival TransAmériques (Montréal)
Szene Salzburg
Dauer
55 Minuten
Louise Lecavalier wird unterstützt vom Conseil des arts et des lettres du Québec, dem Canada
Council for the Arts und dem Montreal Arts Council.
// ABOUT „So Blue“
Hier öffnet sich ein Kosmos der Geschichten, der alle Aspekte des Lebens in sich zu vereinen
scheint. In diesem Stück, sagt Louise Lecavalier, „ist alles miteingeschlossen: Vergangenheit,
Gegenwart und Zukunft, Leichtigkeit, Intensität, Leere und Fülle, Schatten und Licht, Traum und
Wirklichkeit.“ Lecavaliers Vergangenheit ist unvergesslich: Zwischen 1981 und 1999 tanzte sie in
jeder Produktion der weltweit bekannten Truppe von La La La Human Steps und wurde selbst
wegen ihrer beispiellos virtuosen Tanztechnik und hinreißenden Bühnenpräsenz zum Star. Nach
ihrem Abschied von der kanadischen Compagnie und deren Choreografen Édouard Lock begann
sie mit zunehmendem Erfolg, eigene Stücke zu zeigen. „So Blue“ ist der bisherige Höhepunkt ihrer
zweiten Karriere. Zusammen mit dem Tänzer Frédéric Tavernini und zu den eindringlichen Klängen
des türkischstämmigen Musikers Mercan Dede führt sie einen „Kampf gegen die Schwerkraft“. Darin
sucht Louise Lecavalier nach einem Tanz, der dem Aufruhr ihrer „atomic blue soul“ Form gibt: „Meine
Recherche geht immer über körperliche Limits hinaus.“
*****
SOUND AND FURY Swept up in a maelstrom, Lecavalier goes on the attack at almost unbelievable
speed to the visceral rhythms of Mercan Dede, the alchemical musician who makes dervishes whirl
virtually to a trance. Balancing on the tightrope of her life and yet perfectly in control, she shows what
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she is capable of and more in a perilous solo, revealing a burning fire within and the very depths of
her atomic blue soul. In a flow of movements as fleeting as thoughts she becomes breath, energy,
light. And then, under renewed tension, she pits herself against the dancer Frédéric Tavernini in a wild
and frantic duo-duel. An intense, cathartic journey, out of which no one will escape unscathed. After
Is You Me in 2008, followed by Children and A Few Minutes of Lock, Louise Lecavalier jumps without
a net into choreography, pushing the body to a point of no return. A plunge, a magnificent feat, a
masterstroke. A must.
Dance Worker Louise Lecavalier first danced for Édouard Lock in 1981 in Oranges and proudly
wore the colours of La La La Human Steps until 1999. Those were years of a rare intensity marked
by works that have since become mythical (Human Sex, New Demons, Infante, 2), complete
with scintillating collaborations (David Bowie, Frank Zappa). Committed body and soul to her art,
Lecavalier passionately incarnated an extreme dance, striking the imagination of an entire generation.
She then pursued, in solo and duo work, her research into the possibilities of movement, strength,
lack of constraint and the intelligence of the body, particularly the profoundly human quality
underpinning our desire to take flight.
With her eloquently named company Fou glorieux, founded in 2006, she took the liberty to explore
and provoke encounters with artists of opposing, often iconoclastic visions such as Tedd Robinson
(Lula and the Sailor, Cobalt rouge), Benoît Lachambre (I Is Memory and Is You Me, FTA 2008),
Crystal Pite (Lone Epic) and Nigel Charnock (Children). After the double bill of Children and A Few
Minutes of Lock, presented all over the world, she imposed her choreographic colours with So Blue.
In this new pivotal period in a long and fabulous adventure as a “dance worker”, she is assisted by
France Bruyère, a long-time artistic collaborator, and by the Montreal-based French dancer and
choreographer Frédéric Tavernini, her former partner in Tedd Robinson’s Cobalt rouge.
// BIOGRAFIEN
Louise Lecavalier
Born in Montreal, Louise Lecavalier has been a professional dancer since 1977. She joined La La
La Human Steps in 1981 in Oranges and went on to perform in all of the company’s productions
until 1999. In 1985, she became the first Canadian to win a Bessie Award in New York for her
performance in Businessman in the Process of Becoming an Angel (1983).
She starred in Human Sex (1985), New Demons (1987), Infante (1991), and finally, in 2 (1995) and
Salt (1998), works in which she attained remarkable maturity as a performer. As the company’s icon
and luminary for nearly two decades, Louise gave her heart and soul to her art, embodying dance
on the outer edge with passion and unrestrained generosity, dazzling audiences everywhere. She
also participated in all the major collaborations of La La La Human Steps, including the David Bowie
Sound and Vision tour in 1990; The Yellow Shark concert by Frank Zappa and the Ensemble Modern
of Germany in autumn, 1992; and Michael Apted’s film, Inspirations, in 1996. In May 1999, Louise
Lecavalier received the Jean A. Chalmers National Award—the first time this award was given to a
performer. In February, 2003, Louise received a career grant from the Conseil des arts et des lettres
du Québec. In December 2008, she was appointed an Officer of the Order of Canada in recognition
of her illustrious contribution to contemporary dance. In June, 2011, she was named “Dance
Personality of the Year 2010-2011” by the Syndicat professionnel français de la critique (French
Critics’ Union), in Paris. In November 2011, she became the very first winner of the Prix de la danse
| 124
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de Montréal, an initiative of choreographer Marie Chouinard. Louise occasionally
gives training sessions and master classes at dance festivals in Canada and in Europe.
In 2003, Louise Lecavalier worked with choreographer Tedd Robinson, who created the duet Lula
and the Sailor for Louise and himself, followed by Cobalt rouge, a quartet for three male dancers
and Louise. Cobalt rouge premiered at the National Arts Centre in Ottawa and was performed at
the Montreal HighLights Festival in February 2005, at the Venice Biennale, and in Brazil. In 2006,
choreographers Benoît Lachambre and Crystal Pite each created a solo for Louise. The two solos
“I” Is Memory and Lone Epic, together with the duet Lula and the Sailor created by Tedd Robinson,
made up a full program that was presented 80 times from 2006 to 2009 in North America, Europe,
and Japan. The above works were produced under the banner of Louise’s company, Fou glorieux, a
flexible working structure that she established in 2006.
The duet Is You Me, a collaboration between Louise Lecavalier and Benoît Lachambre
produced by the company Par b.l.eux, was created in spring 2008 at Festival Transamériques in
Montreal and performed 54 times in international tours until the summer of 2011. The double bill
made up of Children, a duet conceived by Nigel Charnock and A Few Minutes of Lock, three updated
duets by Édouard Lock, has been presented 85 times between 2009 and 2013 in North America,
Europe, and Australia. In parallel to these performances, Louise Lecavalier created a new work, So
Blue, which she choreographed and staged. The first part of this piece was performed in preview
at Festival Sommerszene in Salzburg in July, 2012. The world premiere took place on December 7,
2012, at tanzhaus nrw in Dusseldorf.
Frédéric Tavernini
Frédéric Tavernini obtained a state diploma in classical and contemporary dance at l’École de danse
de l’Opéra de Paris. He worked with the Ballet National de Nancy et de Lorraine before dancing as
a soloist for Béjart Ballet Lausanne, the Ballet de l’Opéra de Lyon, Les Grands Ballets Canadiens
de Montréal, and the Ballet national de Marseille. An independent dancer since 2005, he has
collaborated with Juha Pekka-Marsalo, Louise Lecavalier (Cobalt rouge), Danièle Desnoyers, Lynda
Gaudreau, Virginie Brunelle, Dave St-Pierre, and Frédérick Gravel.
As a choreographer, Frédéric has created: Li fet met (2003) and Le projet de la chambre humaine
(2005) for the Jeune Ballet du Québec; Slonec Street (2004) for Les Ballets de la Parenthèse; Green
(2004) for the June Events festival under the direction of Carolyn Carlson; Ju-ON (2005) for l’École
supérieure de ballet de Montréal; and in collaboration with composer and musician Jean-François
Laporte, Wedged in the Red Room (2009), an installation/performance work presented at l’Espace
Totem in Montreal and at OFFTA 2010. Frédéric’s most recent creation, Le tératome was performed
at Montreal’s Monument National in January, 2013, presented by Tangente – Laboratoire de
Mouvements contemporains.
Mercan Dede
Mercan Dede believes that when you put digital, electronic sounds together with hand-made, human
ones, you can create universal language, capable of uniting old and young, ancient and modern,
East and West. It’s a bold claim, but the Turkish-born and Montreal-based musician/producer/
DJ has the career and the music to back it up with over 800 concerts worldwide in his fifteen-year
musical career. Mercan Dede’s last three albums, Su[Water] (2004), Breath (2006) and 800 (2007),
all topped the European World Music Chart. His last album 800, dedicated to the 800th birthday
| 125
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of the great Sufi philosopher Mevlana, was selected as the “World’s Best World Music Album of
2008” by WOMEX, the leading international world music fair for professionals. A diverse artist with an
educational background and focus on fine arts, Mercan Dede has also started to display his paintings
on his webpage (www.mercandede.com) after first showing them on a CNN documentary.
Alain Lortie
Alain Lortie has pursued his chosen career with passion for over thirty years. First associated
with multidisciplinary artists Michel Lemieux, Marie Chouinard, and Édouard Lock, he went on to
collaborate with Québécois and European singers Jean-Pierre Ferland, Diane Dufresne, Robert
Charlebois, Daniel Bélanger, Peter Gabriel, Francis Cabrel, and Eros Ramazzotti. Named Lighting
Designer of the Year several times at the ADISQ Awards, he also received the Masque for Best
Lighting for Les âmes mortes (1996), and the Dora Mavor Moore Prize in Toronto for Œdipus Rex
(1997). Among his major achievements are Starmania (1993), Notre-Dame de Paris (1998), Arturo
Brachetti (1999), Cavalia (2003), and Odysseo (2011). He also worked on the Cirque du Soleil shows
Soleil de minuit (2004), Delirium (2006), and Zarkana (2011). Alain Lortie has designed the lighting for
several musicals in Asia, as well as two permanent circus productions for the Shanghai Circus World:
Era (2005) and Kaleido (2010). From 2001 to 2005, he was the Artistic Director of the Celebration of
Light at the Montreal High Lights Festival.
Yso
Born in Vientiane, Laos, Montreal-based Siphay Southidara, better known as Yso, holds a diploma
in fashion design from the Collège Marie-Victorin in Montreal. Passionate about fashion design,
artistic direction, and all forms of contemporary creation, he applies his many talents to each of these
domains, and has been rewarded with numerous prizes. After beginning his career with Marie Saint
Pierre and Todd Lynn, he went on to direct his own ready-to-wear line for women: “Yso.” A long-time
collaborator with fashion designer Denis Gagnon, he has worked as artistic director on several of his
shows. All sectors of the artistic community, including contemporary dance, theatre, music, film and
visual arts, have called upon his creative talents: Brigitte Haentjens (Sibyllines), Robin Aubert, Lhasa
de Sela, Patrick Watson, Cirque du Soleil, Louise Lecavalier, Tedd Robinson, Sylvain Émard, BJM
Danse, the Biennale de Montréal, etc. In 2010, Yso joined the Folio Montreal Agency as a stylist.
FRANCE BRUYÈRE, rehearsal director and assistant choreographer
Classically trained, France Bruyère quickly widened her field of interest to include contemporary and
jazz dance. After her professional debut at seventeen with Groupe Nouvelle Aire in Montreal, she
danced for numerous choreographers and with several dance companies which, besides Nouvelle
Aire, included Groupe Axis, the Louise Latreille dance troupe, Pointépiénu, and the Danny Grossman
Dance Company in Toronto. France teaches dance at university and in the private sector. After a
decade as rehearsal mistress for La La La Human Steps, she has pursued her teaching activities with
passion. She also does free-lance rehearsal work in both dance and the circus arts.
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FRANÇOIS CHAIGNAUD
(FR)
„ДУМИ МОЇ / DUMY MOYI“
28. JULI | 16.30 + 18.00 + 22.45 + [W ILDWALK] 23.55 UHR | TBA21
(THYSSEN-BORNEMISZA ART CONTEMPORARY) (TO BE CONFIRMED)
François Chaignaud @ ImPulsTanz
Performances
2012
2012
2012
2011
2009
2004
„Duchesses“ (Choreographer, Dancer)
Various Artists
„A Tribute to Franz West in memoriam“ (Choreographer)
„Sylphides“ (Choreographer, Dancer)
Boris Charmatz & Association EDNA (Performer)
Workshops
2010
Other
2008
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FRANÇOIS CHAIGNAUD
(FR)
„ДУМИ МОЇ / DUMY MOYI“
28. JULI | 16.30 + 18.00 + 22.45 + [W ILDWALK] 23.55 UHR | TBA21
(THYSSEN-BORNEMISZA ART CONTEMPORARY) (TO BE CONFIRMED)
Konzept & Performance
Kostüme
Technische Leitung
Lightdesign
Musikalische Beratung
Adaptationen
Sound mix
Administration/Produktion
Vertrieb
Produktion
Koproduktion
François Chaignaud
Romain Brau
Anthony Merlaud
Philippe Gladieux
Jérôme Marin
Antoine Bernollin
Jean-Michel Olivarès
Cécile Vermorel
Sarah de Ganck / Art Happens
Vlovajob pru
Festival Montpellier Danse 2013, Festival d’Automne à Paris,
Centre de Développement Chorégraphique Toulouse /
Midi-Pyrénées, Gessnerallee Zürich, deSingel Internationale
Kunstcampus (Antwerp), Ménagerie de Verre
Dauer
30 Minuten
(Paris) Vlovajob Pru is funded by DRAC Poitou-Charentes and is supported by the Institut Français for
its projects abroad, François Chaignaud is La Ménagerie de Verre (Paris) associate artist.
// ABOUT „ДУМИ
МОЇ / Dumy Moyi“
Inspiriert von den Theyyam-Tänzen in Malabar, Indien, in denen sich die Interpreten in wundersamen,
monumentalen Kostümen in Götter verwandeln und dabei trotzdem eine intime Nähe zu den
ZuschauerInnen aufbauen, kreiert François Chaignaud einen betörenden Mix aus Tanz, Gesang und
... geistigen Getränken.
*****
The rich and complex challenges and questions raised by ‚altered natives’ Say Yes To Antother
Excess - TWERK‘ (a piece for 5 dancers and 2 DJs created with Cecilia Bengolea in September
2012) led me to conceive the antidote. After several years of collaborative work (with Cecilia
Bengolea, but also Marie-Caroline Hominal, Jérôme Marin, Benjamin Dukhan, Marlene Monteiro
Freitas, Trajal Harrell), I feel the need to throw myself into a solo. Not as a self-indulgent act, but
rather as the experimentation of a specific dynamic ecosystem, favourable to a certain type of
inventions and gestures.
This work will be determined by a specific space-time framework. Meant for a limited number of
viewers (40-50 people), ideally in a venue that would not be a theatre (chapel, cellar, gallery, or
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the entire acting area with the audience on stage), this piece would take place four times a day.
This intense frequency, which disrupts the visibility pace traditionally used in dance, changes the
relationship to the audience, and makes it more akin to that used for a cinema (with 4 screenings a
day) or a religious and ritual service.
The reduced audience, combined with the multiplication of the performance fascinates me, insofar as
it has the potential to generate intensity, intimacy, a sense of the extra-ordinary that a conventional
configuration often makes uncertain. The endurance and physical and mental concentration effort
that this set-up requires also seem likely to generate an unusual body power and theatricality, far
from the daily routine.
I see this solo, this venue, as an antechamber of metamorphoses, which would offer a figure,
posture, image and sound concretion as per an ever-changing movement. A snake (a boa or a grass
snake), so close it is monstrous, so swayingly strong and careful it is relentless, boundless in the
echo of symbols it carries along, would be one of the leading threads of the ceremony-performance.
The audience will be thoroughly positioned, according to a plan which will make it possible to move
around and to address people from various spots. I have in mind the eccentricity and outrageousness
of Theyyamm rituals (the Malabar sacred art). During these ceremonies, dancers, wearing several
metre-high headgears, go into a codified trance which makes them go beyond the question of
verisimilitude and theatrical representation and actually become the gods whose stories they
are telling. Besides this passage reminds me of the vogue realness, which dispels the traditional
dichotomies of western theatre (true/false, real/imaginary…) for the sake of a merely performance
practice – whereby the intensity of the performance determines the effect it has on its environment.
The light will be devised as per a plan which does not require the hanging devices customary for the
theatre: domestic lighting, spotlights on the floor or on stands will make up a perfectly self-contained
place, not subjected to conventional constraints.
Driven by the bewitching rhythms of Ukrainian, Philippine, or Sephardic music, I imagine this multilingual recital captured within a costume-sculpture by Romain Brau as a sinuous mix of dance, of
song…and of liquors.
// BIOGRAFIE
François Chaignaud
François Chaignaud ist Choreograf und Performer, der seine Ausbildung 2002 am Staatlichen
Konservatorium für Musik und Tanz in Paris abschloss. Seither arbeitete er als Tänzer für
verschiedenste ChoreografInnen u.a. Boris Chamatz, Emmanuelle Huynh, Gilles Jobin, Tiago Guedes
und Alain Buffard.
Seit 2004 zeigte er zahlreiche Stücke und Performances in Europa: „Pompè - procession urbaine“
(2004), „He‘s one that goes To sea for nothing but to make him sick“ (2005), „La Culture des
Individu.e.s“ (2006), „Aussi bien que ton coeur, ouvre-moi les genoux“ (2008), „The Clodd and the
pebble“ (2008).
| 129
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François Chaignaud arbeitete mit verschiedenen KünstlerInnen zusammen, u.a. mit der Schweizer
Künstlerin Marie-Caroline Hominal („Duchesses“), mit dem französischen Model Benjamin Dukhan,
mit dem Cabaret-Künstler Jérôme Marin („Sous l‘ombrelle“) oder auch mit der legendären
amerikanischen Drag Queen Rumi Missabu von den Cockettes. Seit 2005 arbeitet er auch zusammen
mit Cecilia Bengolea. Sie kreierten die Stücke „Pâquerette“ (2008, für Antipodes), „Sylphides“ (2009,
für Antipodes), „Castor et Pollux“ und „Danses Libres“, inspiriert von den freien Tänzen von François
Malkovsky sowie „(M)IMOSA“ in Zusammenarbeit mit Trajal Harrell. Cecilia Bengolea und François
Chaignaud erhielten den Kritikerpreis in Paris 2009 als Choreografische Entdeckung für die Stücke
„Pâquerette“ und „Sylphides“.
Ebenso folgt er einer akademischen Laufbahn als Historiker und veröffentlichte ein Buch über
den frühen französischen Feminismus: „L‘Affaire Berger-Levrault - les féminismes à l‘épreuve“
(herausgegeben: PUR, Rennes, 2009).
| 130
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ISMAEL IVO
(DE/BR)
„NO SACRE“
& GRUPO BIBLIOTECA DO CORPO
09. + 10. AUGUST | 21.00 UHR | ODEON
11. AUGUST | 19.00 UHR | ODEON
URAUFFÜHRUNG
Ismael Ivo @ ImPulsTanz
Performances
2012
2006
2003
2001
1997
1995
1994
1989
Cie. Ismael Ivo
„Francis Bacon“ (Choreographer & Dancer)
Ismael Ivo & Takashi Kako
„Apocalypse“ (Choreographer, Dancer)
Ismael Ivo
„Mapplethorpe“ (Choreographer, Dancer)
Ismael Ivo & Koffi Kôkô & Yoshi Oida
„Die Zofen“ (Choreographer, Dancer)
Ismael Ivo
„Delirium of a Childhood“ (Choreographer, Dancer)
Ismael Ivo
„Othello“ (Choreographer, Dancer)
COMPAGNIE ISMAEL IVO
„Francis Bacon“ (Choreographer)
ISMAEL IVO & TAKASHI KAKO
„Apokalypse“ (Choreographer)
Research Projects
1998
Pro Series: „Molloy“
| 131
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Workshops
2012
2011
2010
2009
2008
2007
2006
2005
2004
2003
2002
2001
2000
1999
1998
1997
1996
1995
1994
1993
1992
1991
1990
1989
1988
1987
1986
1985
1984
„African Expressive Dance“, „Modern Flow“
„Modern Ethnic Dance“, „Modern Expressive Dance“, „The Impulsive Body“
„Modern Ethnic Dance“, „Modern Expressive Dance“, „Movement Flush“
„Modern Ethnic Dance“, „Modern Expressive Dance“
„ADD Modern Expressive Dance“, „Modern Ethnic Dance“,
„Modern Expressive Dance“, „Movement Flush“
„ADD Modern Expressive Dance“, „Modern Expressive Dance“
„Modern Expressive Dance“
„Modern Ethnic Dance“, „Modern Expressive Dance“
„Modern Ethnic Dance“, „Duologo“
„Modern Expressive Dance“, „Duologo“
„Modern Expressive Dance“, „Tanztheater Studies“
„Modern Dance“, „Modern Expressive Dance“
„Modern Ethnic“
„Modern Ethnic“, „Performance Skills“, „Ethnischer Tanz für Kinder“ (Wintertanzwochen)
„Modern Afro“ (Wintertanzwochen), „Afro Intro“
„Contemporary Afro“
„Repertory class“ (Sommertanzwochen),
„Choreography interpretation“ (Wintertanzwoche)
„Afro Contemporary“, „Choreography-Interpretation“
„Afro Contemporary Dance“, „Masterclass - Afro Jazz“
„Afro Brasilian Dance“, „Samba“, „Afro Contemporary Dance“
Buchpräsentation
2011
Ismael Ivo in Kooperation mit La Biennale di Venezia
„Choreographic Collision - Studio e rivera choreografica a Venezia 2007|2010“
ImPuls Tanz Special
1991
1991
Ismael Ivo
„Delirium of a Childhood“
Ismael Ivo
„Die Kreisrunden Ruinen“
| 132
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ISMAEL IVO
(DE/BR)
„NO SACRE“
& GRUPO BIBLIOTECA DO CORPO
09. + 10. AUGUST | 21.00 UHR | ODEON
11. AUGUST | 19.00 UHR | ODEON
URAUFFÜHRUNG
Idee und Choreografie
Bühnenbild und Kostümdesign
Lichtdesign
Musik
Tanz
Produktion
Koproduktion
Produktionsleitung
In Zusammenarbeit mit
Dauer
Ismael Ivo
Marcel Kaskeline
Marco Policastro
Igor Stravinsky “Les Sacre du Printemps”
Andreas Bick “Fire and Frost Patern”
Biblioteca do Corpo participants
ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival
SESC São Paulo,
Secretaria de Estado da Cultura / Governo de São Paulo
N.N. (Vienna), Julia Gomes (Brazil)
Les Danseurs Napolitains Production,
Mario Crasto di Stefano, Anna Maria di Maio,
Annamaria Morelli
// ABOUT „NO SACRE“
Der Körper im Dilemma zwischen göttlichem Ebenbild und einem Gefängnis aus Fleisch. Heute wird
es zunehmend möglich, Einblick in diesen Körper zu erhalten und in seinem Bewusstsein zu lesen.
Welche Auswirkungen eine solche ethische, soziale, ästhetische, biologische und spirituelle Erfahrung
hat, erforscht die aus dem brasilianischen São Paulo stammende Tanzlegende Ismael Ivo in diesem
hochaktuellen Stück. „NO SACRE“ ist das Resultat von Ivos pädagogischer Intensive Biblioteca
Do Corpo und behandelt das Phänomen des kollektiven Rituals. Darin werden Wege jenseits der
Rigidität der Vernunft aufgesucht, die uns wieder näher an unsere Urinstinkte heranbringen. „Das
Göttliche braucht einen Körper“, sagt Ismael Ivo. Zu den Musiken von Igor Strawinsky und dem
deutschen Komponisten Andreas Bick, der mit den Geräuschen ausbrechender Vulkane und
auseinanderbrechender Eisberge arbeitet, öffnet der Choreograf seine Bibliothek des Körpers: als
Antwort auf „Le Sacre du Printemps“ und damit auf die Komplexität des modernen Lebens.
*****
Can one gain insight into bodies and minds? What is this fusion of aesthetic, ethical, biological,
social and spiritual experience like? It seems that we are easily seduced by visual appearances.
The question is complex but let us attempt to break into the obscure and try to investigate physical
images, organic bodies, inspiration and creative/ spiritual needs. As in the description of Michael
Williams we are trapped in our human condition between a “Divine Image” and a “Prison of Flesh”.
| 133
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On the phenomenon of trance, religious rituals offer the image of bodies possessed, inhabited and
placed at the disposal of divinity. In dance the radical exercise to possess the body is there in flesh
and blood and the person is no longer herself/himself. Divinity needs a body. On the other hand
the ethics of gesture and behavior are social acquisitions. The processes of learning or imitating
seem natural because they are common to the whole of society. The conception of movement and
expressivity is referent to philosophical, religious, psychological and artistic patterns of culture today.
A study by Jean Claude Schimitt mentions that normative rules of behavior and gesture can change
in the light of universal values.
BIBLIOTECA DO CORPO Project opens a chapter with NO SACRE.
It is the conclusive work of the 6 weeks intensive educational experience. The original, full length
choreography by Ismael Ivo is developed in cooperation with the dancers. It will be performed at
ImPulsTanz Vienna and SESC São Paulo, Brazil.
The choreography addresses a collective ritual. It makes reference to the routes to escape the rigidity
of reason and put us back in touch with our primary instincts. Life and death and the inevitable
circle of death and destruction. It especially investigates the body as a set of emotions, senses and
collective response in a moment of pressure. How victim and aggressor can be discerned? In a
research of discovering a personal vocabulary of movement it drives into a tapestry of experiences
and a ritual of expression. Sometimes mysterious, mystical, but always contradictory. The body
looks at the wild variety of approaches. A growing interest in the notion of the dance work as a set of
political and social relationship. In a self-reflective mood the language deals with needs, aspirations
and complexities of existence and survival. Each one is part of an environment and a vehicle to
express contemporary conflicts, desires, aspirations, sexuality, gender and other expressions.
Interactions with the other inside of a social world. It is a battle tracing the uneasy evolution of
identities.
The piece uses music by Igor Stravinsky, “Le Sacre du Printemps”, and by German composer
Andreas Bick, “Fire and Frost Pattern”.
The composition of Andreas Bick is based on his recordings of disastrous, natural sounds of the
planet, like volcano activities, larva movement and break-up of icebergs.
// ABOUT BIBLIOTECA DO CORPO
PROJECT FOR PROFESSIONAL EXCELLENCE IN DANCE
30. Juni – 11. August 2013 in Wien
Zur 30. Jubiläumsausgabe wird unter der künstlerischen Leitung von ImPulsTanz-Mitbegründer
und Choreografen Ismael Ivo das internationale Ausbildungsprojekt BIBLIOTECA DO CORPO in
Wien lanciert. Ausgewählt sind bis zu 30 internationale junge TänzerInnen, die hier die Gelegenheit
bekommen, individuell und im Ensemble
mit Größen aus dem „Who is Who“ der Tanzwelt zu arbeiten, unter ihnen Francesca Harper, die
schon den Cast des oscarprämierten Tanzthrillers „Black Swan“ coachte, oder die legendären Koffi
Kôkô, Kô Murobushi, Jonathan Burrows und David Zambrano.
| 134
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Zum vorläufigen Abschluss und Höhepunkt erarbeitet Ismael Ivo mit den StudentInnen ein neues
choreografisches Werk: „NO SACRE“, ein gemeinschaftliches Ritual zur Musik von Igor Stravinsky
und Andreas Bick, bekannt für Aufnahmen der kaum hörbaren Geräusche unseres Planeten und
seiner Katastrophen. Nach seiner Weltpremiere bei ImPulsTanz in Wien wird das Stück in São Paulo
gezeigt, um dann weiter auf Tour zu gehen – eine einzigartige Verbindung aus Ausbildung und
Kunstschaffen auf höchstem Niveau!
Das Studienprogramm in 3 Teilen
Teil I | 1.–14. JULI
Der künstlerische Leiter Ismael Ivo und die eigens für das Programm eingeladene Dozentin Francesca
Harper teilen ihr Wissen mit den BIBLIOTECA DO CORPO-StudentInnen. Zusätzlich dazu finden über
diesen Zeitraum von zwei Wochen zeitgenössische Trainingsklassen mit verschiedenen DozentInnen
und unter Beteilung der ganzen Gruppe statt.
Teil II | 15.–28. JULI
BIBLIOTECA DO CORPO-StudentInnen profitieren von einem durch Ismael Ivo für sie individuell
abgestimmten Ausbildungsplan innerhalb des ImPulsTanz – Vienna International Dance Festivals.
Der Plan beinhaltet täglich drei unterschiedliche Workshops in der ersten Woche und eines der
ganztägigen Field Projects plus eine Technik-Klasse in der zweiten Woche. Während dieses
Ausbildungs-Teils werden fünf verschiedene internationale Master-DozentInnen die StudentInnen
individuell coachen. Zusätzlich besteht die Möglichkeit, bis zu 20 bedeutende Tanzstücke im Rahmen
des Festivals zu besuchen.
Teil III | 29. JULI–11. AUGUST
Ismael Ivo wird mit den StudentInnen ein neues choreografisches Werk erarbeiten und persönlich
die Proben leiten. Die StudentInnen erleben, wie eine hoch professionelle Tanzproduktion zustande
kommt, und sie werden im Rahmen des prestigeträchtigen ImPulsTanz Festivals in Wien die Premiere
des Stücks feiern. Die Aussicht auf weitere Aufführungen in Europe ist gegeben. Gleich nach der
Europapremiere in Wien wird die gesamte Gruppe mit ihrer Produktion zu einer Gastspiel-Tournee
nach Brasilien reisen.
DozentInnen Biblioteca Do Corpo 2013
Laura ARIS – Ultima Vez Vocabulary | Marta CORONADO – Rosas Repertory | Libby FARR – Ballet
for Contemporary Dancers | Francesca HARPER – Forsythe Repertory, Improvisation Technologies
| Edilson ROQUE - Horton Technique | Shelley SENTER – Trisha Brown Repertory, Alexander
Technique | STORM – HipHop | David ZAMBRANO – Flying Low
Masterklassen: Jonathan BURROWS – Writing Dance | Fabiana PASTORINI – Breath Work | Ko
MUROBUSHI – Butoh | Koffi KOKO – African Dance
| 135
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Informationen zum Ausbildungsprogramm
Gebühr pro StudentIn: EUR 5.500,Ausbildungsteil Wien incl. Performances: 30. Juni – 11. August 2013
Gastspiele Brasilien: 17.+18. August 2013
29. Juni 2013: Ankunft der StudentInnen in Wien - Bezug der Unterkunft
30. Juni 2013: Zusammenkunft der Gruppe mit dem künstlerischem Leiter und Coach
01.-14. Juli 2013: ‚Research‘ mit Ismael Ivo & Francesca Harper (Coach) plus zeitgen. Klassen
15.-28. Juli 2013: ImPulsTanz Workshops und Field Project
29. Juli-11. August 2013: Proben und Aufführungen
Mit freundlicher Unterstützung durch: SESC, Governo Do Estado Sao Paolo - Secretaria Do Cultura,
ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival
// BIOGRAFIE
Ismael Ivo
„Ismael Ivo studierte Schauspiel und Tanz in Brasilien und trat dort als Solotänzer auf, bis er 1983
von Alvin Ailey nach New York eingeladen wurde. Dort setzte er seine Arbeit als Choreograf und
Tänzer mit solistischen Stücken fort [...], in denen die charismatische Intensität und skulpturale Kraft
seines Stiles ihm bald internationales Ansehen einbrachten. [...]“ (Oxford Dictionary of Dance, Oxford
University Press)
Wesentliche Anstöße für die Entwicklung seines unverwechselbaren Stils bekam Ismael Ivo durch
die enge Zusammenarbeit mit dem japanischen Butoh-Tänzer Ushio Amagatsu, Leiter der Company
Sankai Juku, und mit Johann Kresnik, dem Pionier des deutschen Tanztheaters.
Weltweite Premieren und Tourneen mit seinen mittlerweile fünfzig abendfüllenden Choreografien
haben Ismael Ivo zu einem Protagonisten des europäischen Tanztheaters werden lassen. Sein
künstlerisches Interesse an der Erforschung eines Konzepts des Performativen Körpers führte zu
zahlreichen gemeinsamen Projekten mit KünstlerInnen wie Heiner Müller, George Tabori, Márcia
Haydée und Marina Abramovic. Seine Arbeit „Die Zofen“ mit Yoshi Oida wurde in London als
„Outstanding Performance of the Year“ prämiert. Neben seiner umfangreichen Arbeit als Choreograf
und Tänzer bilden seine Tätigkeiten als Direktor von Festivals und Kultureinrichtungen einen weiteren
Schaffensschwerpunkt.
Das 1984 von Ismael Ivo und Karl Regensburger gegründete ImPulsTanz - Vienna International
Dance Festival hat sich über die Jahre zum größten Tanzfestival Europas entwickelt. Er steht dem
Festival als Repräsentant und künstlerischer Berater vor und wurde für seine Leistungen in Wien mit
dem Goldenen Verdienstkreuz ausgezeichnet.
Am Deutschen Nationaltheater Weimar war Ismael Ivo von 1997 - 2000 als Tanzchefchoreograf
beschäftigt.
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| 136
In den Jahren 2005 bis 2012 war Ismael Ivo Direktor des International Festival of Contemporary
Dance und der Sparte Tanz der BIENNALE DI VENEZIA in Venedig. Sein innovatives Festival
Programm wurde in Italien mehrfach ausgezeichnet. Er führte in Venedig den Goldenen Löwen
der Biennale in der Gattung Tanz ein, den er an Pina Bausch, Jiří Kylián, Carolyn Carlson, William
Forsythe und Sylvie Guillem überreichen durfte. Mit dem Ziel die professionelle Ausbildung auf
nationaler Ebene in Italien auf ein neues Niveau zu heben, gründete er 2009 das Contemporary
Dance Research Center ARSENALE DELLA DANZA, das 2011 in den Kanon der ständigen
Institutionen der BIENNALE aufgenommen wurde. Von 2013 an wird dieses Ausbildungsprojekt in
Wien und São Paulo unter dem Namen Biblioteca do Corpo fortgeführt.
Für seine Leistungen im Bereich von Kultur und Kunst wurde Ismael Ivo mit dem
Bundesverdienstkreuz Brasiliens ausgezeichnet, das ihm 2010 von Präsident Luiz Inácio Lula da Silva
überreicht wurde.
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IVES THUWIS
(BE)
„LOVE SONGS“
23., 24. + 25. JULI | 19.00 UHR | DSCHUNGEL W IEN
URAUFFÜHRUNG
Ives Thuwis @ ImPulsTanz
Performances
2011
Ives Thuwis & Youth Group
„Love Songs“ (Choreographer)
Workshops
2011
„Love Songs“ (13-20 Jahre)
| 138
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IVES THUWIS
(BE)
„LOVE SONGS“
23., 24. + 25. JULI | 19.00 UHR | DSCHUNGEL W IEN
URAUFFÜHRUNG
Assistenz
Ausstattung
Hospitanz
DarstellerInnen
Ives Thuwis
Malika Fankha
Artemiy Shokin
Katharina Trimmel
Inès Domìnguez del Corral, Paula Dominici, Oskar Jeglitsch, Daniel
Karanitsch, Lilie Lin, Naïma Mazic, Tobias Margiol, Marco Payer,
Jasmin Steffl
Dauer
70 Minuten
// ABOUT „Love Songs“
Dass Liebe nicht nur ein Wort ist, wissen die Jugendlichen, die sich mit Ives Thuwis auf das heißeste
Thema der Welt stürzen. Wie fühlt sich Liebe an, und wie kann man Liebe zeigen? Wann wird sie
himmelhoch, und wann führt sie zum Absturz? Hier wird es deutlich: Die Liebe lässt uns tanzen wie
verrückt.
*****
IS LOVE ALL YOU NEED?
In „Love Songs“ untersucht der bekannte Choreograf Ives Thuwis zusammen mit Jugendlichen
das gerühmte und verfluchte Phänomen „Liebe”. Wie fühlt sich Liebe eigentlich genau an? Oder
besser noch: wie zeigt man Liebe? Strahlt man vor Liebe, oder zeigt sie sich im Kleinen, in Gesten,
in Aufmerksamkeiten? Versucht man andere zu beeindrucken und cool zu bleiben? Oder plagen uns
Zweifel und Ängste? Macht Liebe eigentlich glücklich? Oder kann Liebe auch zerstörerisch sein?
Ist Freundschaft Liebe? Und ist Liebe immer mit einer anderen Person verbunden? All you need is
love – stimmt das? Und wie kann man Liebe eigentlich tanzen? Das Material kommt aus den eigenen
Erfahrungen, Ansichten, Meinungen und Erinnerungen der TeilnehmerInnen.
// BIOGRAFIE
Ives Thuwis
Geboren 1963 in Sint-Niklaas (Belgien), Studium an der Tanzakademie von Tilburg (Niederlande),
danach einige Jahre aktiv als Tänzer bei verschiedenen Kompanien. 1991 tanzte er in der sehr
erfolgreichen Produktion „Landschap van Laura” von Eva Bal und Alain Platel für die Kopergietery.
Nach seiner ersten eigenen Choreografie „Royaal Lyrisch” (1992) konzentrierte er sich hauptsächlich
auf die Inszenierung von Tanztheaterproduktionen - sowohl im Jugendtheaterbereich als auch für
| 139
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Erwachsene - und kreierte bis jetzt mehr als 40 Produktionen, die in über 20 Ländern aufgeführt
wurden, meist innerhalb, aber auch außerhalb Europas.
In den letzten 10 Jahren entstanden zusätzlich mehr und mehr Produktionen mit jugendlichen
DarstellerInnen. Dazu gehören u.a. „Mannen“ (Kopergietery), „àdieu“ (FFT Düsseldorf), „Brief“ (eine
Zusammenarbeit mit JES Stuttgart, DSCHUNGEL WIEN, Theaterhaus Gessnerallee Zürich und
Kopergietery Gent), „Rennen“ (Kopergietery), „strange days, indeed“ (junges theater basel) und „S A
N D“ (Schauspielhaus Zürich und junges theater basel).
2009 erhielt er den deutschen Theaterpreis „Der Faust” in der Kategorie „Beste Regie im Kinder- und
Jugendtheater”, für die Produktion „Noch 5 Minuten”, die er zusammen mit Brigitte Dethier für das
Junge Ensemble Stuttgart kreierte.
2011 gründete Ives Thuwis, zusammen mit Gregory Caers und Wim De Winne, eine neue
Theaterkompanie: „Nevski Prospekt”.
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[8:TENSION] JANA UNMÜSSIG
„FARBE, FARBE“
(DE)
[WILDWALK] 23. JULI | 23.00 UHR | KASINO AM SCHWARZENBERGPLATZ
25. JULI | 21.00 UHR | KASINO AM SCHWARZENBERGPLATZ
Choreografie
Tänzerinnen
Licht
Kostüme
Outside Eye
Produktionsleitung
Koproduktion
In Kooperation mit
Dank an
Jana Unmüßig
Hanna Ahti, Gabriela Aldana-Kekoni, Eeva Muilu, Sofia Simola
Heikki Paasonen
Janne Renvall, Jana Unmüßig
Shoji Kato
Alexandra Wellensiek
Kampnagel (Hamburg), Zodiak – Center for New Dance (Helsinki)
Kulturbehörde Hamburg, Fonds Darstellende Künste e.V.,
Generalkonsulat von Finnland (Hamburg), Finnland-Institut (Berlin)
und Goethe-Institut Helsinki
HIAP (Helsinki International Artist Programm)
Mika Hannula, Karoliina Koisokanttila, Kirsi Monni, Katlena Vuorisalo
Dauer
60 Minuten
// ABOUT „Farbe, Farbe“
Vier junge Frauen vermessen, dehnen und verkürzen die Zeit in einer ganz besonderen Atmosphäre.
Sie navigieren durch rätselhafte Dimensionen und schaffen dabei wundersame Räume. Diese
sensiblen Tänzerinnen sind Reisende in einer Zeitmaschine, gebaut aus ihren Bewegungen.
*****
// Künstlerische Statements 2009 - 2013
Die Geschichte stammt aus China und erzählt von einem alten Maler, der den Freunden sein
neuestes Bild zu sehen gab. Ein Park war darauf dargestellt, ein schmaler Weg am Wasser und durch
einen Baumschlag hin, der lief vor einer kleinen Tür aus, die hinten in ein Häuschen Einlass bot. Wie
sich die Freunde aber nach dem Maler umsahen, war der fort und in dem Bild. Da wandelte er auf
dem schmalen Weg zur Tür, stand vor ihr still, kehrte sich um, lächelte und verschwand im Spalt.
Walter Benjamin
Im Zentrum meiner Arbeit als Choreografin steht das Sichtbarmachen von Handlungen, Bewegungen
und Gesten anderer. Ich beobachte, sehe und skizziere dann wie ein Maler Szenen in Bildern, um
diesen ersten Entwurf später wieder und wieder zu überarbeiten und zu verfeinern, auszuschmücken
und scheinbar nicht mehr Relevantes zu „übermalen“. Das Erscheinen - und Verschwindenlassen
von Wahrnehmbarem und Sichtbarem wird von einer Denkbewegung zusammen gehalten. Eine
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Denkbewegung, die von mir ausgeht und somit singulär und subjektiv ist und die zugleich auf der
Ebene des Verschwindens jenes individuellen Blickes operiert. Denn ich bewege mich ähnlich wie
Walter Benjamin den Maler im eingangs genannten Text beschreibt, innerhalb der Arbeit, wandele
„auf dem schmalen Weg zu Tür“, um dann in ihrem Spalt zu verschwinden. So dass durch mein
Verschwinden anderes und andere sichtbar werden.
Choreografieren ist ein Modus, eine Art mit anderen zu sein, die keinen Lärm zu lässt; ein „so tun als
ob man nicht da sei“, das einem erlaubt, Objekte und Menschen als solches wahrzunehmen. „Die
Flasche als solche zu sehen heißt, die Flasche zu sehen wie sie ohne mich wäre. Wenn ich tot wäre,
würde die Flasche genauso bleiben wie sie ist, von der gleichen Farbe, der gleichen Konsistenz, und
so weiter. Sich auf ein Objekt als solches zu beziehen, heißt also, sich zu ihm in Beziehung setzen,
als ob man tot wäre. Das ist die Bedingung von Wahrheit, die Bedingung von Wahrnehmung (...).“
(Derrida, Jaques, Als ob ich tot wäre, Verlag Turia+Kant, Wien 1995)
Von jener Position aus erarbeite ich Gruppenstücke, in denen ich durch Überlappungen von
unterschiedlichen Ideen und Bildern Ereignisse schaffe, aus denen ein Kontext entsteht und eine
neue Art von Bedeutung. Es sind Arbeiten, die als Bewegungsflächen Fragen von Komposition und
Wahrnehmung nachgehen.
Auszug künstlerisches Statement 2012
(…) Komponieren ist für mich eine Art zu ‘wissen’ – eine Methode Erkenntnis zu erlangen, zu
entdecken und zu analysieren. Es stellt für mich keinen schnellen Handgriff dar, mit dem ich mal
eben Bewegungsmaterial fein säuberlich in eine Komposition verpacke. Komponieren ist für mich ein
täglicher Prozess der Auseinandersetzung. Auseinandersetzung durch die ich mehr über mich selbst,
das Thema des Tanzes, und meine Beziehung dazu erfahre. (…)
2013
Ich weiß weiterhin nicht was Choreografie ist. Und das ist gut so.
Ich verorte die Arbeit weiterhin in einem Raum neben dem der Theatralität; ich lasse weiterhin die
schrillen, bunten Perücken und Masken außen vor.
Ich schlage weiterhin nicht den Weg der Musik ein, des alten Paares Bewegung und Musik, Tanz und
Musik. Auch das ist es weiterhin nicht.
Ich bleibe weiterhin minimal im Ausdruck, und arbeite innerhalb und mit Reduktion.
Ich achte weiterhin auf das Kleine und Kleinste, auf das fast-nicht-wahrnehmbare. Denn dort liegt für
mich eine Möglichkeit eine Art des Denkens und Empfindens zu entfalten, dass still und vermeintlich
unbewegt einer Offenheit von Dauer beiwohnt.
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// BIOGRAFIEN
Jana Unmüßig
Jana Unmüßig, geb.1980 in Freiburg, studierte Arts du Spectacle an der Universität Sorbonne und
zeitgenössischen Tanz und Choreografie am SEAD (Salzburg Experimental Academy of Dance).
Sie erhielt im August 2010 einen Master in Choreografie am Hochschulübergreifenden Zentrum
Tanz (HZT) Berlin. Ihre Arbeiten wurden u.a. bei Arge Salzburg, PACT Atelier/Zollverein Essen, den
Tanztagen Berlin/ Sophiensaele, Hebbel am Ufer Berlin, Tanzhaus NRW Düsseldorf, Springdance
Utrecht und Monaco Dance Forum/ Monte Carlo gezeigt. Sie war danceWEB-Stipendiatin 2010
und erhielt Residenzen bei Movement Research in New York, Theatre Tangente/Lynda Gaudreau in
Montreal, Rumo do Fumo und RE-AL in Lissabon. 2011/2012 war Jana Residenzchoreografin bei
k3 Zentrum für Choreographie/Tanzplan Hamburg. Ebenfalls seit September 2011 unternimmt Jana
einen practice-led doctor in arts an der Universität der Kuenste Helsinki. www.jana-unmussig.com
Hanna Ahti
Hanna Ahti, geb. 1981, arbeitete als Tänzerin u.a. mit Charleroi Danses & Co., Cie. Carolyn Carlson,
Ervi Sirén, Maija Hirvanen. 2012 veröffentlichte Hanna gemeinsam mit Fotograf Yoshi Omori ihr erstes
Buch snow,light.
Eeva Muilu
Eeva Muilu, geb.1980, arbeitet als Choreografin und Performerin. Sie erhielt einen Master in Tanz
von der Theaterakademie Helsinki (Teak), und studierte ebenfalls an der School for new dance
development (SNDO). Als Performein arbeitete sie u.a. mit Thomas Lehmen, Ervi Siren, Maija
Hirvanen. Sie choreografierte zahlreiche Bühnenarbeiten im Alleingang und in Zusammenarbeit mit
anderen Künstler_innen. Sie ist außerdem Teil des Kurator_innen Teams des Side Step Festivals bei
Zodiak- center for new dance, Helsinki.
Sofia
Simola
Sofia Simola, geb. 1988, performte in Arbeiten von Satu Herrala, Petri Kekoni, Efrat Nevo, Diego Gil,
Anna McRae, Oleg Soulimenko. Sie arbeitet mir Jana Unmüßig in verschiedenen Stücken seit 2010.
2011 schuf sie ihre erste Soloarbeit Pilvien yläpuolella on pouta.
Heikki Paasonen
Heikki Paasonen ist ein Lichtdesigner, dessen räumlich und minimal angelegtes Lichtdesign, in
Arbeiten von Sanna Kekäläinen, Maija Hirvanen, Eeva Muilu, Jenni Kivelä und Deborah Hay gesehen
werden konnte.
Janne Rennvall
Kostümdesigner Janne Renvall rechercheriet mit großer Offenheit und Neugierde nach
Gestaltungsmöglichkeiten von Bühne und Kostüm in steter Auseinandersetzung mit dem Choreograf/
Regisseur. Er unterrichtet Modedesign an der Universität für angewandte Künste in Lahti.
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// PRESSESTIMMEN
Sara Nyberg
Internetmagazin SKENET
21. März 2013
Berliner Choreographin untersucht den Minimalismus als Gegengewicht zur
Hektik unserer Zeit.
Im neuen Werk der Choreographin Jana Unmüßig ist die Bühne im offenen Raum der Kesselhalle
der Kabelfabrik ein großes schwarzes Quadrat. Jana Unmüßigs Tänzerinnen Hanna Ahti, Gabriela
Aldana-Kekoni, Eeva Muilu und Sofia Simola betreten dieses eine nach der anderen.
Es ist, als wären die Tänzerinnen leere Gemälde, auf denen die Choreographin ihr Werk kreieren
kann. Unmüßig gelingt dies mit ihrer Forschungsarbeit in Finnland.
Die finnischen Tänzerinnen sind in der Lage, ihr Wesen zu leeren. Ganz wie im Minimalismus
der 1960er bringt auch Jana Unmüßig ihre für sie auftretenden Künstlerinnen zum Minimum der
Individualität. An manchen Stellen fällt einem auch der ebenfalls bei uns in Mode gewesene Butoh
ein.
Die Vorstellung wirft viele Fragen auf. Was bleibt von der Bewegung übrig, wenn ihr Richtung,
Kraft, Fluss genommen werden? Unmüßig ist bestrebt, alle von Rudolf Laban definierten
Bewegungsqualitäten wegzulassen und stellt ihre Tänzerinnen in einen leeren Raum zu einer
bestimmten Zeit.
Am Rand der Bühne stehen zwei Stühle. Auf einem sitzt fast während der ganzen Zeit der
Vorstellung eine Tänzerin. Die Stühle sind ein Teil der Inszenierung, die darauf Sitzenden sind Teil des
Geschehens. Aber was passiert, wenn nichts passiert?
Jede einzelne Sache in der Kesselhalle wird bedeutungsvoll, sobald die Sinnesverärgerung weniger
wird. Man sucht Hinweise bei den Tänzerinnen: Was wollen sie dem Publikum sagen? Eine Tänzerin
hält ihre Hand ausgestreckt, macht sie rund. Für einen Moment sehe ich die Materiallosigkeit des Tai
chi in ihr, wenn sie die Weltkugel in den Händen zu tragen scheint.
Die Vorstellung nähert sich ihrem Ende bevor das Tänzerinnentrio sich zu einem Quartett
vervollständigt. Die Darstellerinnen beginnen, sich ein wenig im Raum zu bewegen und sofort entsteht
eine Spannung zwischen ihnen. Es ist, als würde die Geschichte gerade beginnen, wenn die von der
Choreographin vorgegebenen 40 Minuten voll sind.
Sara Nyberg – 21.03.2013
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Hamburger Abendblatt
05. April 2013
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[EAST-WEST MEETINGS] JÉRÔME BEL
„PICHET KLUNCHUN AND MYSELF“
(FR)
31. JULI + 02. AUGUST | 19.00 UHR | WELTMUSEUM WIEN
Jérôme Bel @ ImPulsTanz
Performances
2010
2006
2006
2005
2002
2002
2002
1997
Jérôme Bel
„Cédric Andrieux“ (Choreographer)
Jérôme Bel Company
„The Show Must Go On“ (Choreographer)
Jérôme Bel
„Pichet Klunchun and myself“ (Choreographer, Dancer)
Le Ballet de l‘Opéra National de Paris / Jérôme Bel
„Véronique Doisneau“ (Choreographer)
„Jérôme Bel“ (Choreographer)
„Nom donné par l‘auteur“ (Choreographer)
Compagnie Jérôme Bel
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[EAST-WEST MEETINGS] JÉRÔME BEL
„PICHET KLUNCHUN AND MYSELF“
(FR)
31. JULI + 02. AUGUST | 19.00 UHR | WELTMUSEUM WIEN
entstanden in Bangkok (Thailand) am 12. Dezember 2004, beim Bangkok Fringe Festival
Konzept
Produktion
Dank an
Produktionsleitung
im Auftrag von
Jérôme Bel
Jérôme Bel und Pichet Klunchun
Bangkok Fringe Festival (Bangkok), SACD Le Vif du Sujet (Paris),
Festival Montpellier Danse 2005 (Montpellier),
R.B. Jérôme Bel (Paris)
Cultures France (Paris), French Alliance of Bangkok,
Cultural Service of the French Embassy in Bangkok
and « The Flying Circus Project » in Singapore
Frie Leysen und Mark De Putter
Sandro Grando
Tang Fu Kuen for the Bangkok Fringe Festival
Dauer
105 Minuten
R.B. Jerome Bel wird unterstützt von der Direction regionale des affaires culturelles d’Ile-de-France
(French Ministry of Culture and Communication) und von Cultures France (French Ministry for Foreign
Affairs) für internationale Tourneen.
// ABOUT „Pichet Klunchun and myself“
„Was ist Tanz für dich?“ – „Und für dich?“
Gegenseitiges Staunen. Zwei einander Fremde und voneinander Faszinierte zeigen einander,
worauf es ankommt. Es sind zwei echte Größen des zeitgenössischen Tanzes, die sich hier zu einer
künstlerischen Doppelconférance treffen. Die hat trotz ihres Humors zwar mit Kabarett nichts zu
tun, aber sie nutzt doch dessen Spiel um scheinbare Über- und Unterlegenheit. Jérôme Bel aus
Frankreich ist konzeptueller Choreograph. Pichet Klunchun aus Thailand ist Tänzer des traditionellen
Königstanzes Khon. Beide wissen: Europa und Asien sind bis heute zwei einander fremde Welten.
Gerade dieser äußerst reale kulturelle Graben, der sie voneinander trennt und zugleich auch
verbindet, fasziniert Bel und Klunchun eher als oberflächliche Freundlichkeiten. Aus dieser Faszination
heraus matchen sich die beiden hochintelligenten und schlagfertigen Performer miteinander und
vermitteln damit mehr über die jeweils andere Kultur als so mancher Reiseführer. Und als Bonus auch
noch, was an der eigenen Kultur immer noch oder schon wieder rätselhaft ist.
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„ In September 2004, I was invited in Bangkok by Singaporean curator Tang Fu Kuen to lead a
project. I wondered for a while if I should accept the invitation or not, and I finally proposed to try to
work with a traditional Thai dancer.
I am indeed deeply interested in the extra-occidental performing arts traditions, for both dance and
theatre, since being dazzled by a Kabuki performance I attended in Tokyo in 1989. I had similar
feelings with Indian traditional dance or with the parade of the Rio de Janeiro Carnival.
Tang Fu Kuen suggested to dancer and choreographer Pichet Klunchun that he meets me during my
stay in Bangkok in December of the same year. We met without knowing anything about what could
finally result from our meeting. I had just prepared beforehand some questions to ask to this dancer.
Personally, I had only a vague idea of what traditional Thai dance was, and Pichet Klunchun didn’t
know my work.
The circumstances of our meeting determined the nature and the form of the result we obtained.
Jet lag, the fascination that the city of Bangkok and its inhabitants exerted on me, the monstrous
traffic jams which did not make it possible to do all the rehearsals, the context of the Bangkok Fringe
Festival where the piece had to be premiered, led us to present to the audience a kind of theatrical
report of our experience.
We happened to produce a kind of theatrical and choreographic documentary on our real situation.
The piece puts two artists face to face who know nothing about each other, who have very different
aesthetical practices and who both try to find out more about each other, and above all about their
respective artistic practices, despite the abyssal cultural gap separating them.
Some very problematic notions such as euro-centrism, inter-culturalism, or cultural globalization, are
issues defined all through the piece. These notions which are so delicate to discuss can’t be left out.
The historical moment doesn’t allow what is at stake here to be skipped over „.
Jérôme Bel, Seoul, June 1st 2005
// BIOGRAFIEN
Jérôme Bel
Jérôme Bel lives in Paris and works worldwide. nom donné par l‘auteur (1994) is a choreography of
objects. Jérôme Bel (1995) is based on the total nudity of the performers. Shirtology (1997) presents
an actor wearing many T-shirts. The last performance (1998) quotes a solo by the choreographer
Susanne Linke, as well as Hamlet and André Agassi. Xavier Le Roy (2000) was claimed by Jérôme
Bel as his own, but was actually choreographed by Xavier Le Roy. The show must go on (2001)
brings toghether twenty performers, nineteen pop songs and one DJ. Véronique Doisneau (2004) is
a solo on the work of the dancer Véronique Doisneau, from the Paris Opera. Isabel Torres (2005),
for the ballet of the Teatro Municipal of Rio de Janeiro, is its Brazilian version. Pichet Klunchun and
myself (2005) was created in Bangkok with the Thai traditional dancer Pichet Klunchun. Follows
Cédric Andrieux (2009), dancer of Merce Cunningham. 3Abschied (2010) is a collaboration between
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Anne Teresa De Keersmaeker and Jérôme Bel based on The Song of the Earth by Gustav Malher.
Disabled Theater (2012) is a piece with the perfomers of Theater Hora, a Zurich-based company
consisting of professional actors with learning disabilities.
Pichet Klunchun
Pichet Klunchun is a Thai classical dance artist who attempts to adapt the traditional works of Thai
classical dance to a more contemporary style while still keeping the heart of the tradition.
The Thai classical arts society claims he is a most innovative artist, who dares to adjust the dance
culture in Thailand from the traditional old style to a newer and more modernized. He trained for the
Thai Classical Mask Dance, “Khon,” from the age of 16 with Chaiyot Khummanee, one of the best
khon Masters in Thailand.
He achieved his undergraduate major in Classical Thai Dance at Chulalongkorn University in
Bangkok. After graduation, he did a lot of theatre work both as a dancer and choreographer at highprofile occasions like the opening and closing ceremonies of the Asian Games in Bangkok in 1998.
Subsequently he has also worked with contemporary dance. He is the only artist graduated from The
Dance Department in Thailand, who continues working with dancing.
Lately he has participated in several intercultural performing arts programs as a representative
for Thai classical dance artists and as an international choreographer. In 2001 he was awarded a
scholarship for a 7-months performing arts exposure in the United States, sponsored by the Asian
Cultural Council. Since 2001, he has performed a number of international productions, including
“Search: Hamlet” in 2002 in Denmark, and “The Global Soul” in 2003-2004 in many European
countries.
Recently, he also established his own company called LifeWork Company for the purpose of training
talented young dancers with strong Thai classical dance backgrounds. Pichet is the only artist in the
country to develop his work from the traditional “Khon” dance, and who is also able to collaborate
with other artists on an international level.
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// PRESSESTIMMEN
Jennifer Dunning
The New York Times
09. November 2007
Hear them talk and see them dance, then watch their cultures clash
Two men enter the stage and sit on plain office chairs. One opens a laptop and begins to question
the other. That was essentially how “Pichet Klunchun and myself” began, two years ago, when
Jérôme Bel was invited to a dance festival in Bangkok and proposed a piece with a traditional Thai
dancer.
Neither Mr. Bel, who might best be described as a French dance metaphysician, nor Mr. Klunchun,
a traditional Thai and contemporary dancer and choreographer, knew much about the other’s work
or culture. The two talk a lot and dance a little for each other in the funny, touching and provocative
“Pichet Klunchun and myself,” part of Performa 07, the citywide festival whose focus this year is on
live performance.
The piece says a great deal about the subtleties of skilled performing and the nature of dance, and
also about dance history, particularly the New York postmodernist movement of the 1960s and ’70s.
Mr. Bel has long been interested in that era and what it had to say about art and artifice. But he
approaches that often grim terrain with a blessed dash of irreverent humor.
His explanation of why disappointed audiences — he has had his share of rebellious ones — should
never get their money back is one of the highlights of the evening. Another is Mr. Klunchun’s
unexpected, poignantly tender response to Mr. Bel’s lip-syncing dance-along to the pop song “Killing
Me Softly.”
The fascination of the must-see “Pichet Klunchun and myself” should come as no surprise to anyone
familiar with Mr. Bel’s career as an endearingly rumpled, brilliant enfant terrible and master of wry,
sly minimalism. But he has found his perfect complement in Mr. Klunchun, a practitioner of khon, a
form of classical Thai masked dance, who wanders serenely with Mr. Bel through a series of cultural
collisions until the gentle cataclysm that suddenly and amusingly ends the conversation.
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Deborah Jowitt
Village Voice
13. November 2007
Performa 07‘s Share Package. Cultures and cutting-edge art forms mingle in a
citywide festival
In 1983, RoseLee Goldberg revised and updated her indispensable 1979 book, Performance: Live
Art, 1909 to the Present, retitling it Performance Art: From Futurism to the Present. In 2005, perhaps
realizing the difficulty of keeping up with trends, she established a biennial festival. In Performa 07,
venues all over the city are hosting intersections and interactions among the visual arts, theater, film,
and dance.
(…) A different sort of collaboration occurs at DTW in Jerome Bel‘s Pichet Klunchun and Myself—not
between art forms, but between dance styles that proceed from different traditions and ways of life.
Seated opposite each other on chairs much of the time, postmodern French choreographer Bel and
Pichet Klunchun, a master of Khon (the classical dance of Thailand), try to understand each other‘s
art via questions, demonstrations, and lessons. The two men are wonderfully unaffected, and the
remarks that reveal their cultural differences can be both moving and extremely funny. They may
have performed the piece many times, but their pauses for thought give the impression of complete
spontaneity (they enact puzzlement charmingly).
The gulf between the two at first seems unbridgeable. Bel has rejected dance as a display of
virtuosity with predictable elements (you see Swan Lake, you expect a lake and swans), while
Klunchun follows rules that have governed an exacting form for centuries, even though the current
Thai government offers support for dance only as a tourist attraction. Yet both artists, in a sense, are
mavericks in their own countries.
When Klunchun demonstrates the four possible roles in Khon dance-drama (male, female, demon,
and monkey), Bel can see little difference among them. Yes, he sees that women keep their legs
closer together than men. But demons? Monkeys? He‘s amazed that tiny degrees in the height of
a gesturing hand make all the difference. When Bel demonstrates a favorite motif of his—standing
still and looking around at the audience and the stage—Klunchun is puzzled and disappointed.
Explanations begin to facilitate understanding. Klunchun‘s arched-back hands, which Bel initially
admires as a show of flexibility, direct the energy back to the heart of the body the way the upcurved roof of a Buddhist temple encloses and protects its spiritual center. Bel can‘t see violence
in Klunchun‘s elegantly controlled gestures of attack, but when Klunchun articulates the insulting
significance of flicking the little finger with the thumb, he gets it (and is warned not to try it on the
streets of Bangkok). Yet prior to any words, he is moved by Klunchun‘s mesmerizing demonstration
of a woman concealing (yet subtly revealing) her grief over her lover‘s death. And when Bel takes the
entire song „Killing Me Softly“ to slowly sink to the floor, stop lip-synching Roberta Flack, and lie there
until the song ends, Klunchun remembers his mother‘s death and is touched.
Over 90 minutes, these men teach each other and us about cultural perceptions of time, the ways in
which stories can be told in dance, the aims of artists, the unsympathetic bureaucracies or audience
expectations they encounter, and the customs of their respective societies. A gentle and riveting
lesson.
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JÉRÔME BEL
(FR)
& THEATER HORA
„DISABLED THEATER“
(CH)
28., 30. + 31. JULI | 21.00 UHR | AKADEMIETHEATER
Jérôme Bel @ ImPulsTanz
Performances
2010
2006
2006
2005
2002
2002
2002
1997
Jérôme Bel
„Cédric Andrieux“ (Choreographer)
Jérôme Bel
„Pichet Klunchun and myself“ (Choreographer, Dancer)
Le Ballet de l‘Opéra National de Paris / Jérôme Bel
„Véronique Doisneau“ (Choreographer)
„Nom donné par l‘auteur“ (Choreographer)
Compagnie Jérôme Bel
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JÉRÔME BEL
(FR)
& THEATER HORA
„DISABLED THEATER“
(CH)
28., 30. + 31. JULI | 21.00 UHR | AKADEMIETHEATER
Konzept
Jérôme Bel
Remo Beuggert, Gianni Blumer, Damian Bright, Matthias
Brücker, Matthias Grandjean, Julia Häusermann,
Sara Hess, Miranda Hossle, Peter Keller, Lorraine Meier,
Tiziana Pagliaro
Assistenz und Übersetzung
Simone Truong, Chris Weinheimer
Dramaturgie
Marcel Bugiel
Assistenz Jérôme Bel
Maxime Kurvers
Praktikant
Jean-Florent Westrelin
Produktion
Theater HORA - Stiftung Züriwerk (Zurich)
gefördert durch
Stadt Zürich Kultur, Kanton Zürich Fachstelle Kultur,
Pro Helvetia, Stiftung Denk an Mich, Ernst Göhner Stiftung
Produktionsleitung
Ketty Ghnassia
künstlerische Leitung Theater HORA Michael Elber
Ausbildungsleitung Theater HORA
Urs Beeler
Gesamtleitung Theater HORA
Giancarlo Marinucci
Koproduktion
Theater HORA, R.B. Jérôme Bel, Festival AUAWIRLEBEN
(Bern), Kunstenfestivaldesarts (Brüssel), dOCUMENTA (13),
Festival d‘Avignon, Ruhrtriennale, Festival d‘Automne à Paris,
Les Spectacles vivants - Centre Pompidou (Paris),
La Bâtie – Festival de Genève, Hebbel am Ufer (Berlin)
Tourplanung
Theater HORA
Dank an
Sasa Asentic, Tom Stromberg, Andreas Meder (Internationales
Theaterfestival OKKUPATION!), Stiftung Züriwerk,
Fabriktheater Rote Fabrik Zürich und an die Zuschauerinnen
und Zuschauer der öffentlichen Durchläufe
Dauer
//ABOUT „Disabled Theater“
Eine neue, überragende Arbeit des französischen Choreografen Jérôme Bel, die bei ihrer
Uraufführung in Brüssel Begeisterung auslöste, und die bei der Kasseler dOCUMENTA (13) genauso
wie beim Berliner Theatertreffen 2013 mit Enthusiasmus aufgenommen wurde. Gemeinsam mit elf
professionellen SchauspielerInnen mit geistigen Handicaps des Theater HORA aus Zürich hat er ein
ebenso raffiniertes wie berührendes und heiteres Stück geschaffen. Weder hinter dem Schutzschirm
politischer Korrektheit versteckt, noch gängige Klischees bedienend, entfaltet das „Disabled Theater“
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Zur Übersicht
mit entwaffnender Direktheit seine große ästhetische und politische Wirkungskraft. Wie bei seinen
erfolgreichen Tänzer-Portraits stellt Bel auch hier die Einzigartigkeit seiner Performerinnen und
Performer in den Vordergrund und eröffnet dem Theater damit neue, ungeahnte Möglichkeiten und
Freiheiten.
*****
Oktober 2010 schickte ich eine Mail an Jérôme Bel, in der ich ihn fragte, ob er sich vorstellen
könne, ein Stück mit den Schauspielern des Theater HORA zu entwickeln - eine professionelle
Theatergruppe aus Zürich, die ausschließlich aus Schauspielern mit geistiger Behinderung besteht.
Als Dramaturg, der mit dieser randständigen Form von Theater zu tun hat, waren mir die Arbeiten von
Jérôme Bel immer ein wichtiger Bezugspunkt für meinen Blick auf behinderte Performer gewesen.
Stücke wie Le dernier spectacle, The show must go on oder sogar Véronique Doisneau mit der
Balletttänzerin von der Pariser Oper hatten mir geholfen zu verstehen, dass das Potenzial von
Menschen mit geistiger Behinderung auf der Bühne sowohl ein ästhetisches als auch ein politisches
ist – und dass das, was sie auf der Bühne sind und leisten, Fragen der Gesellschaft genauso berührt
wie die großen Fragen des zeitgenössischen experimentellen Theaters.
Bel, der zu diesem Zeitpunkt mit sehr virtuosen Tänzern arbeitete, äußerte seine Überraschung
bezüglich meiner Anfrage. Er sagte zunächst ab, fragte mich aber nach DVDs von Arbeiten der
HORA-Schauspieler. Gebannt von dem, was er dort sah, schlug er vor, die Schauspieler im Rahmen
eines dreistündigen Workshops kennenzulernen - dann, fünf Tage lang mit ihnen zu arbeiten. Erst
danach fasste er den Entschluss, wirklich ein Stück mit ihnen zu machen. Ein Stück, das der Bericht
von diesem ersten Zusammentreffen ist. Marcel Bugiel
Der Choreograf Jérôme Bel interessiert sich seit seinen frühesten Arbeiten für das, was außerhalb
der Repräsentation steht. In seinen Choreografien werden die Regeln von Tanz und Theater wie die
Syntax einer Sprache behandelt, die analysiert und schließlich ins Spiel gebracht wird. Seine von
professionellen wie auch Amateur-Interpreten getanzten und gesprochenen Choreografien lassen
sich auch als Stellungnahmen zugunsten einer Demokratisierung des Tanzes auffassen, die er durch
eine nicht-virtuose Herangehensweise zu verwirklichen sucht.
Für Disabled Theater (2012) hat er mit den geistig behinderten Schauspielern des Zürcher Theater
HORA zusammengearbeitet. In einer Gesellschaft, die sich selbst als zutiefst normal definiert,
bildet Behinderung eine Grenze, gegen die die Kategorie der Normalität anrennt. Ihre intellektuelle
Spielart, also geistige Behinderung, gilt weithin als das radikale Gegenteil der intellektuellen Schärfe
und Kultiviertheit des an zeitgenössischem Tanz und Theater interessierten Publikums. Diese Form
von Behinderung versucht Bel in den Mittelpunkt der Aufmerksamkeit ebendieses Publikums zu
rücken, um aus ihr einen Schlüssel zu machen, der uns eine Sichtweise erlaubt, durch die wir eine
gemeinsame Dimension denken können.
Bei der Arbeit mit den Schauspielern des Theater HORA geht es Bel um die Eröffnung eines Raums,
in dem Behinderung weder aus künstlerischen und diskursiven Praktiken ausgeschlossen noch
hinter dem Schutzschirm politischer Korrektheit versteckt, sondern als Bestandteil eines Diskurses
anerkannt wird, der für die ästhetische wie die politische Dimension von Bedeutung ist.
Mit Disabled Theater wirft Bel ein Schlaglicht auf die Dynamik der Ausgrenzung, durch die diejenigen
an den Rand gedrängt werden, die als unproduktiv gelten. Er zeigt auf, wie sie ganz im Gegenteil
auch die Mechanismen dieser Repräsentation hinterfragen und auf die Existenz als eine ungeteilte
Form der Präsenz hindeuten können. Chiara Vecchiarelli
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„Menschen mit einer geistigen Behinderung werden in unserer Gesellschaft nicht repräsentiert und
sind kaum Teil der Diskurse. Auch im öffentlichen Raum sind sie inexistent, sie werden aus der
Gesellschaft ausgeschlossen. Der Abstand zwischen der Mehrheitsgesellschaft und dieser Minderheit
ist abgrundtief. Das ist eine Aufteilung, die mir unerträglich ist. Und so geht es unter anderem
darum, der Gemeinschaft, als die sie erscheinen, Sichtbarkeit zu verschaffen. Zu zeigen, dass diese
Schauspieler, denen jeglicher Wert abgesprochen wird, das experimentelle Theater bereichern
können, dass ihre theatrale Einzigartigkeit voller Versprechungen für das Theater und den Tanz ist, so
wie ihr Menschsein es für die Gesellschaft im Allgemeinen sein sollte.“ Jérôme Bel
Gespräch über Disabled Theater
Marcel Bugiel: Erinnerst du dich noch an das, was die Schauspieler vom Theater HORA bei dir
ausgelöst haben – was in dir vorgegangen ist, als du diese Leute mit einer geistigen Behinderung das
erste Mal gesehen hast?
Jérôme Bel: Zum ersten Mal habe ich sie auf den DVDs gesehen, die du mir geschickt hattest. Die
Emotionen, die da in mir aufkamen, waren so stark, dass ich überhaupt nicht denken konnte. Mir
wurde bewusst, dass ich nicht in der Lage war, diese Emotionen zu begreifen, was ungewöhnlich
bei mir ist. Mein Wunsch, mit ihnen zu arbeiten, kam von diesem ersten Erlebnis, denn ich hatte das
Bedürfnis, zu verstehen, was mir passiert war, als ich sie das erste Mal gesehen hatte.
MB: Disabled Theater ist in gewisser Weise das Nachstellen eurer ersten Begegnung, inklusive dem
Assistenten, der ihnen in ihre Sprache, ins Schweizerdeutsche, übersetzen musste, was du von
ihnen sehen wolltest. Es besteht eine große Distanz zwischen dir und ihnen. Die vielleicht zuerst den
äußeren Umständen geschuldet war, die du aber, scheint es, bewahren willst. Vielleicht um etwas
gegen diese Emotionen zu setzen, die da in dir aufgekommen waren – oder um sie besser begreifen
zu können...
JB: Die äußeren Umstände tragen nicht dazu bei, dass wir uns nah kommen können: die
Schauspieler leben in Zürich, ich in Paris. Ich probe nicht gern, also sehen wir uns sehr wenig, und
vor allem sprechen sie bloß Schweizerdeutsch und ich nicht. Aber ich bin auch allgemein ziemlich
distanziert gegenüber den Leuten, mit denen ich arbeite. Es fällt mir sehr schwer, mit den Performern
während der Proben eine freundschaftliche Beziehung aufzubauen - ich denke, ich will nicht, dass
Affekte das künstlerische Projekt mitbestimmen. Erst wenn das Stück fertig ist, kann ich mich den
Performern annähern. (Ich war immer der Meinung, dass sich der Zuschauer mit mir identifizieren
können sollte, und die verschiedenen Etappen der Arbeit nachvollziehen,
durch die ich selbst gegangen bin. Die Stücke sind immer die chronologische Nacherzählung der
Arbeit, die ich entwickelt habe – allein oder zusammen mit den Performern. Der Zuschauer oder die
Zuschauerin soll so dieselben emotionalen und intellektuellen Stadien durchlaufen, die zu meinem
Weg im Zuge meiner Recherche gehörten. Sie vollziehen die Erfahrungen nach, die ich gemacht
habe, und dann ziehen sie daraus die Schlüsse, die sie wollen.)
Die Distanz hilft mir dabei, die Emotionen besser im Griff zu behalten. Sicher um mich nicht von ihnen
überrumpeln zu lassen, um besser analysieren zu können, worum es in dem Stück geht, um so
präzise wie möglich zu sein in dem Diskurs, den es produziert.
Diese Distanz ist auch eines der wesentlichen Parameter des Theaters, der Vorstellung. Im Endeffekt
ist die realexistierende Distanz zwischen dem Zuschauerraum und der Bühne, zwischen dem
Zuschauer und dem Performer eine der notwendigen Grundbedingungen, damit Theater stattfinden
kann. Es ist diese Distanz, die das Publikum psychisch überbrücken muss, diese Energie, die es
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liefern muss, die aus ihm oder ihr einen Zuschauer, eine Zuschauerin macht. Wenn es keine Distanz,
keine Trennung gibt, gibt es kein Theater, dann ist es bloß das Leben, und im Leben gibt es keine
Zuschauer, bloß Schauspieler.
Das ist der Grund, warum ich als Regisseur diese Distanz bewahren muss. Ich muss mich
distanzieren, um zu sehen, was die Zuschauer sehen werden. Diese Position führt zu der besonderen
Ästhetik, die mir eigen ist. Sie ist konstitutiv für mich und ich kann nichts daran ändern. Immer, wenn
ich es versucht habe, bin ich daran gescheitert.
MB: In deiner Auffassung von Theater ist Theater vor allem ein Dispositiv, um beobachten zu können.
Und die zentralen Objekte dieser Beobachtung sind die Individuen auf der Bühne, die Performer.
Die Fokussierung auf ihre Individualität war vor allem in deinen vorangegangenen Arbeiten von
herausragender Bedeutung, in den Tänzersolos wie Véronique Doisneau oder Cédric Andrieux – der
Zuschauer wurde eingeladen, die Individuen hinter den virtuosen Darstellungen zu entdecken, die
diese Tänzer normalerweise liefern müssen. Jetzt heißt dieses neue Stück aber nicht Theater HORA,
es heißt Disabled Theater. Ist in diesem Fall die Behinderung der Schauspieler interessanter als ihre
Individualität?
JB: Es ist genau genommen die Wechselbeziehung zwischen Behinderung und Theater, die
mich interessiert, dieses Paar Behinderung/Theater. Wie verändert sich Theater, wenn es von
Schauspielern mit einer geistigen Behinderung praktiziert wird, und was löst das Theater bei
Schauspielern mit einer geistigen Behinderung aus? Mein künstlerisches Projekt ist das Theater,
der Versuch, seine Struktur zu begreifen, seine Funktionsweise, seine Macht. Jedes Stück ist
eine Art wissenschaftliches Experiment auf diesem Feld. Man könnte sagen, dass die geistig
behinderten Schauspieler genauso wie Véronique Doisneau oder Pichet Klunchun so etwas wie
Versuchskaninchen sind, die es mir erlauben, mit meinen Untersuchungen zu Theater und Tanz
weiterzukommen. Die Arbeit mit allen diesen Performern ermöglicht mir, etwas über das Theater zu
lernen, und aus diesem Grund interessiert es mich, mit ihnen zu arbeiten.
Was die Schauspieler von Theater HORA betrifft, ist das, was mich fasziniert, ihre Art und Weise,
bestimmte Regeln des Theaters nicht verinnerlicht zu haben. Letztendlich habe ich selbst oft
ausgehend von Konventionen im Theater oder in Choreografien gearbeitet, die den Performern, den
Zuschauern, den Choreografen, den Regisseuren wie etwas vollkommen Natürliches vorkamen.
Ich habe die Dekonstruktion dieser normativen Konventionen betrieben. Bedingt durch ihre
Andersartigkeit im kognitiven Bereich haben sich diese geistig behinderten Schauspieler viele dieser
Konventionen niemals zueigen gemacht. Diese Situation ist extrem interessant für mich, denn in
gewisser Weise ist ihr Theater dadurch freier als das gewöhnlicher Performer. Ihre Freiheiten eröffnen
theatrale Möglichkeiten, die ich bis dahin nicht erahnt hatte. Das ist der erste Tel des Programms:
Welche Form von Theater produzieren diese Schauspieler?
Der zweite Teil ist: Warum produzieren sie dieses Theater? Und da ist das erste, was man sich fragen
muss: Wer sind sie? Damit kommen wir zu einem anderen Forschungsfeld: das der Individualisierung
der Performer. Es ist mir unmöglich, diesen Bereich auszusparen. Das Herzstück meines
Theaterverständnisses ist der Performer: er oder sie muss auf der Bühne erscheinen als Künstler, als
Arbeiter, als Bürger, als Subjekt, als Individuum in seiner größtmöglichen Einzigartigkeit.
Und es ist eben diese Einzigartigkeit, die mir zeigt, wozu das Theater in der Lage ist. Die behinderten
(oder nicht fähigen!) Schauspieler zeigen da neue Möglichkeiten auf, neue Fähigkeiten!
MB: Und hast du keine Angst, dass es Zuschauer gibt, die denken werden, dass du einfach
„Freakshow“ machst, dass du diese Schauspieler ausbeutest, dass du ihre Behinderungen ausstellst,
dass deine Aufführung voyeuristisch ist?
JB: Ich habe davor keine Angst. Für mich ist Theater, genau sehen zu können, was man
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normalerweise nicht sieht, was versteckt ist, dem Blick entzogen. Theater, das zeigt, was man
eh schon auswendig weiß, das in der Darstellung keine Risiken eingeht, das die Darstellung nicht
hinterfragt und nicht an ihre Grenzen führt, interessiert mich nicht. Wenn man nicht ins Theater geht,
um Voyeur dessen zu sein, was man nicht sehen darf, verstehe ich nicht, warum man dort überhaupt
hingeht. Ich persönlich gehe nur in dieser einen Hoffnung dorthin.
Die Frage nach der Art, wie Behinderte gezeigt werden, ist kompliziert, denn über kaum etwas wird
weniger nachgedacht als darüber. Man weiß nicht, wie man sich ihnen gegenüber verhalten soll.
Ihre Anwesenheit produziert eine große Verlegenheit, denn sie sind in der öffentlichen Wahrnehmung
sonst überhaupt nicht präsent. Und solange das so ist, wird es immer weiter diese Verlegenheit und
dieses Unwohlsein geben. Das einzige Mittel dagegen ist Konfrontation. Man muss in Kontakt mit
ihnen treten können. Das Dispositiv des Theaters ist ein Mittel, diese Begegnung zu provozieren. Mit
allen Risiken, die damit verbunden sind, das ist mir schon klar – Risiken, die mit dem Ausschluss
der Behinderten aus unserer Gesellschaft zu tun haben, damit, dass wir so gut wie nichts über sie
wissen. Ich bin absolut überzeugt davon, dass man dieser Community eine größere Sichtbarkeit
geben muss. Es ist das einzige Mittel, die Beziehung zu ihnen zu „befrieden“. Ich würde sagen, es ist
mir lieber, sie schlecht zu zeigen als sie gar nicht zu zeigen.
// BIOGRAFIEN
Jérôme Bel
Jérôme Bel lebt in Paris und arbeitet weltweit. „ nom donné par l‘auteur“ (1994) ist eine Choreografie
aus Objekten. Das Stück „Jérôme Bel“ (1995) setzt sich mit Nacktheit der Performer auseinander.
„Shirtology“ (1997) zeigt einen Schauspieler, der mehrere T-Shirts trägt. „The last performance“
(1998) ist ein Zitat auf ein Solo von Susanne Linke, sowie Hamlet und André Agassi. „Xavier Le
Roy“ (2000) war ein Stück, das Jérôme Bel als sein eigenes ankündigte, aber in Wirklichkeit von
Xavier Le Roy choreografiert wurde. „The show must go on“ (2001) bringt 20 Performer auf die
Bühne, 19 Popsongs und einen DJ. „Véronique Doisneau“ (2004) ist ein Solo über Véronique
Doisneaus Arbeitsleben an der Pariser Oper. „Isabel Torres“ (2005) ist die brasilianische Version
des vorangegangenen Solos und wurde für das Teatro Municipal in Rio de Janeiro kreiert. „Pichet
Klunchun and myself“ (2005) ist ein Duett, das in Bangkok mit dem traditionellen Thai Tänzer Pichet
Klunchun kreiert wurde; gefolgt von „Cédric Andrieux“ (2009), Tänzer von Merce Cunningham.
„3Abschied“ (2010) ist eine Zusammenarbeit mit Anne Teresa De Keersmaeker und basiert auf dem
Lied von der Erde von Gustav Mahler. „Disabled Theater“ (2012) ist ein Stück, das mit intellektuell
beeinträchtigten Performern des Theater Hora (Zürich) entstand. www.jeromebel.fr
Remo Beuggert
Remo Beuggert, geboren 1982, ist Schauspieler bei Theater HORA. In der Neufassung von Theater
HORAs Faust 1&2 (2011) spielt er die Titelrolle. Weitere HORA-Produktionen: The fool on the hill
(2007), Herz der Finsternis (2007), tour l‘amour (2007), Tiopua (2008), Tanzpalast (2008), Quasimodo
Geniti (2009), I can’t dance (2010), Das Schiff der Träume (2011), The Democratic Set (2011) Box
(2011), Disabled Theater (2012), Paganini & Ich (2012) und Die Lust am Scheitern (Version 2013).
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Gianni Blumer
Gianni Blumer, geboren 1989, ist Schauspieler bei Theater HORA. Zusammen mit Tiziana Pagliaro
spielt er im Videoclip Morgefrüeh des Schweizer Reggae-Sängers Dodo Jud. HORA-Produktionen:
Quasimodo Geniti (2009), Tanzpalast (2010), I can’t dance (2010), Faust 1&2 (2011), Das Schiff der
Träume (2011), The Democaratic Set (2011) Box (2011), Disabled Theater (2012) und Paganini & Ich
(2012).
Damian Bright
Damian Bright, geboren 1991, ist der erste ausgebildete Schauspieler PrA der Schweiz, seitdem ist
er Ensemblemitglied bei Theater HORA und zudem Antiquitäten- und Teppich-Händler. Zusammen
mit Sara Hess und Julia Häusermann tanzt er für einen Clip des Ex-Benneton- Models Melanie
Alexander. HORA-Produktionen: Faust 1&2 (2008), Quasimodo Geniti (2009), Die Geschichte vom
Baum (2010), I can’t dance (2010), Das Schiff der Träume (2011), The Democaratic Set (2011) und
Box (2011), Disabled Theater (2012) und Paganini & Ich (2012).
Matthias Brücker
Matthias Brücker, geboren 1990, wirkt 2002 erstmals mit 11 Jahren als Schauspieler in 3D bei
Theater HORA mit. Seit 2009 ist er festes Ensemblemitglied, daneben Kunstmaler mit bislang
insgesamt vier Ausstellungen. Weitere HORA-Produktionen: Quasimodo Geniti (2009), Die
Geschichte vom Baum (2010), I can’t dance (2010), Faust 1&2 (Neufassung 2011), Das Schiff der
Träume (2011), The Democratic Set (2011), Ente, Tod und Tulpe (2011), Disabled Theater (2012),
Paganini & Ich (2012) und Die Lust am Scheitern (Version 2013).
Matthias Grandjean
Matthias Grandjean, geboren 1970, ist Schauspieler bei Theater HORA. Für eine Plakatserie von
insieme wird er als Model gebucht, als Trompeter hat er Gastauftritte bei der HORA’BAND und bei
den Einweichern (Basel). HORA-Produktionen: il sogno della vita (2004), Amanzi (2005), Der einzige
Unterschied zwischen uns und Salvador Dalí ist dass wir nicht Dalí sind (2005), Herz der Finsternis
(2007), The fool on the hill (2007), tour l‘amour (2007), Tiopua (2008), Tanzpalast (2008), Das Lächeln
aus Versehen (2008), Quasimodo Geniti (2009), Menschen!Formen! (2010), Faust 1&2 (2011), Das
Schiff der Träume (2011), The Democaratic Set (2011) Box (2011), Disabled Theater (2012), Paganini
& Ich (2012) und Die Lust am Scheitern (Version 2013).
Julia Häusermann
Julia Häusermann, geboren 1992, ist Schauspielerin bei Theater HORA und Sängerin. Seit 2011
wird über sie ein Dokumentarfilm des Schweizer Fernsehens SF1 gedreht. Zusammen mit Damian
Bright und Sara Hess tanzt sie für einen Clip des Ex-Benneton-Models Melanie Alexander. HORAProduktionen: I can’t dance (2010), Ente Tod und Tulpe (2011), Das Schiff der Träume (2011), Faust
1&2 (2011), The Democratic Set (2011) Box (2011), Disabled Theater (2012) und Paganini & Ich
(2012).
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Sara Hess
Sara Hess, geboren 1986, ist nach einer Erstausbildung zur Buchbinderin Schauspielerin bei Theater
HORA. Neben dem Theater restauriert und verändert sie Holzstühle, bemalt diese und zeigt sie in
Ausstellungen. Zusammen mit Damian Bright und Julia Häusermann tanzt sie für einen Clip des
Ex-Benneton-Models Melanie Alexander. HORA-Produktionen: The fool on the hill (2007), Herz der
Finsternis (2007), tour l‘amour (2007), Tiopua (2008), Tanzpalast (2008), Quasimodo Geniti (2009), I
can’t dance (2010), Faust 1&2 (2011), Ente, Tod und Tulpe (2011), Das Schiff der Träume (2011), The
Democratic Set (2011), Box (2011), Disabled Theater (2012), Paganini & Ich (2012) und Die Lust am
Scheitern (Version 2013).
Miranda Hossle
Miranda Hossle, geboren 1992, ist Schauspielerin bei Theater HORA und Hip-Hop-Tänzerin. In Die
Geschichte vom Baum (2010) spielt sie eine Eberesche, in Faust 1&2 (Neufassung 2011) Mephisto.
Weitere HORA-Produktionen: Quasimodo Geniti (2009), I can’t dance (2010), Das Schiff der Träume
(2011), The Democratic Set (2011), Box (2011), Ente, Tod und Tulpe (2011), Disabled Theater (2012),
Paganini & Ich (2012) und Die Lust am Scheitern (Version 2013).
Peter Keller
Peter Keller, geboren 1957, ist Benissimo-Los-Auszähler und seit 1999 Schauspieler bei Theater
HORA. Als solcher ist er Gastdozent an der Musikhochschule Stuttgart und wird mehrfach für
Werbefilme gebucht. Zahlreiche Hauptrollen, darunter Oberon in All the world is a stage (1999),
Salvador Dalì in 3D (2002) und Der einzige Unterschied zwischen uns und Salvador Dalí ist dass wir
nicht Dalí sind (2005), Paul McCartney in Yellow Submarine (1996) und Kurtz in Herz der Finsternis
(2007). Weitere HORA-Produktionen: Die Lust am Scheitern (2000), Nach allen Regeln der Kunst
(2001), Kostümperformance Himmel und Hölle (2001), Il sogno della vita (2004), Traumzeit (2004),
Amanzi, Abenteuer auf der Tipanik (2005), Weihnachtsspiel (2005), Yellow Submarine (2006), Ohne
das Gefühl ist einfach alles nur Müll (2006), The fool on the hill (2007), tour l‘amour (2007), Tiopua
(2008), Das Lächeln aus Versehen (2008), Tanzpalast (2008), Faust (2008), Quasimodo Geniti (2009),
Menschen! Formen! (2010), I can’t dance (2010), Das Schiff der Träume (2011), The Democratic
Set (2011), Box (2011) , Disabled Theater (2012), Paganini & Ich (2012) und Die Lust am Scheitern
(Version 2013).
Lorraine Meier
Lorraine Meier, geboren 1970, ist Schauspielerin und Tänzerin bei Theater HORA seit 2001. In Il
sogno della vita (2004) nach Fellini spielt sie die Gelsomina, in Faust 1&2 (2011) das Gretchen.
Weitere HORA Produktionen: Kostümperformance Himmel und Hölle (2001), Nach allen Regeln der
Kunst (2001), 3D (2002), All the world is a stage (2003), Traumzeit (2004), Amanzi (2005), Abenteuer
auf der Tipanik (2005), Der einzige Unterschied zwischen uns und Salvador Dalí ist dass wir nicht Dalí
sind (2005), Weihnachtsspiel (2005), Yellow Submarine (2006), Ohne das Gefühl ist einfach alles nur
Müll (2006), The fool on the hill (2007), Herz der Finsternis (2007), tour l‘amour (2007), Tiopua (2008),
Das Lächeln aus Versehen (2008), Tanzpalast (2008), Quasimodo Geniti (2009), Menschen!Formen!
(2010), I can’t dance (2010), Das Schiff der Träume (2011), The Democratic Set (2011) Box (2011),
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Disabled Theater (2012), Paganini & Ich (2012) und Die Lust am Scheitern (Version 2013).
Tiziana Pagliaro, geboren 1986, ist Schauspielerin bei Theater HORA. Für eine Plakatserie von
insieme wird sie als Model gebucht. Zusammen mit Gianni Blumer spielt sie im Videoclip Morgefrüeh
des Schweizer Reggae-Sängers Dodo Jud. HORA-Produktionen: The fool on the hill (2007), Herz der
Finsternis (2007), tour l’amour (2007), (2008) Tiopua (2008), Tanzpalast (2008), (2009) Quasimodo
Geniti (2009), (2010) I can’t dance (2010), Faust 1&2 (2011), Das Schiff der Träume (2011), The
Democratic Set (2011) Box (2011), Disabled Theater (2012), Paganini & Ich (2012) und Die Lust am
Scheitern (Version 2013).
www.hora.ch
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// PRESSESTIMMEN
Wiebke Hüster
FAZ
27. August 2012
Sie kümmern sich nicht um uns
Jérôme Bels überaus kluges Stück Disabled Theater mit Schauspielern eigenen Ranges bei der
Ruhrtriennale.
Jérôme Bel ist der einzige zu Recht weltberühmte Choreograph jenes ansonsten abscheulich
langweiligen, mehr von zweifelhaften Absichten als von guten Ausführungen bestimmten Gebrechens
mit dem Namen „Konzepttanz“. Das hinreißende Posttanztheater des Pariser Intellektuellen aber
macht jeden schwach - es ist zu unterhaltsam, zu verblüffend, zu reich an Einsichten, als dass man
ihm - wozu man aufgrund theoretischer Überlegungen geneigt wäre widerstehen könnte.
Denn in jedem von Bels Stücken seit „Nom donné par l‘auteur“ von 1994 erfährt man etwas anderes
über unseren gegenwärtigen Begriff von Bühnenkunst und davon, was sie mit ihren Protagonisten
und deren Gefolgschaft anstellt. Stets erfasst man neue Hinterbühnen-Aspekte des Tanzes,
begreift man seine Bedingungen besser, seine Opfer, seine Schätze, seine Fallen: Eine wahre
Phänomenologie des Körpertheaters mit Sprecherlaubnis. Nicht nur für die Kunst ist das befreiend,
auch für das Publikum. Eingeladen zum hemmungslosen Anstarren von Leuten, zum Belauschen
ihrer Geschichten, zum Studium ihrer Physiognomien, Bewegungen, ihrer Sprechakte, ihrer
Tanzversuche, verlässt man das Theater tief zufrieden und zugleich - denn auch das Publikum zahlt
einen Preis für so viel Vergnügen einigermaßen verunsichert darüber, was daran jetzt ausgedacht war
und was echt.
Genau das will Bel. Zu seinem neuesten Theaterstück „Disabled Theater“, das vor wenigen Wochen
beim Festival d‘Avignon uraufgeführt wurde und jetzt bei der Ruhrtriennale im Essener „PACT
Zollverein“ seine umjubelte deutsche Premiere feierte, erklärt er im Programmheft: „Wenn man nicht
ins Theater geht, um Voyeur zu sein, um zu sehen, was man nicht sehen darf, dann verstehe ich
nicht, warum man überhaupt ins Theater geht. Ich persönlich gehe nur in dieser einen Hoffnung
dorthin.“
Bel selbst hat diese Hoffnung regelmäßig mit außergewöhnlicher Sicherheit erfüllt. Gleich mehrere
Gesetze der Pariser Oper etwa brach er, als er für seine Auftragschoreographie nur eine einzige und
in der Rangordnung nicht sehr hochstehende Tänzerin aus einhundertsiebzig Ensemblemitgliedern
auswählte und sie beim Tanzen auf der leeren Bühne des Palais Garnier erzählen ließ, wie es
sich anfühlt, ein Schwan von vielen zu sein. Und was man denkt, wenn das Körpergewicht einen
halben Akt lang auf demselben Fuß ruht und es unmöglich ist, sich brennende Schweißperlen
wegzuwischen, und wie sehr man den Beruf der Tänzerin lieben kann. Wer „Véronique Doisneau“
gesehen hat, liebt den Tanz nicht weniger, aber mit mehr Motiven.
„Disabled Theater“ putzt nun ein paar ganz andere Klischeekaliber vom Bühnenboden. Eingeladen
vom Zürcher „Theater Hora“, einer professionellen Schauspielgruppe, deren Mitglieder Behinderte
sind, erarbeitete Bel mit elf von ihnen einen anderthalbstündigen Abend.
Im zeitgenössischen Theater sieht man regelmäßig Darsteller etwa mit Down-Syndrom, bewundert für
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ihre Energie, ihren Charme, ihre Bühnenpräsenz.
Bel zeigt nun unmissverständlich, dass diese Art Integration auch ihre Tücken hat, indem sie nämlich
im Zuschauer womöglich das Gefühl hinterlässt, dass es einfach nur toll ist, so spielen und tanzen zu
können, und die Diagnose „Trisomie 21“ gar kein Problem ist. Ist es ja auch nicht für das Publikum,
aber in Teilen und in unterschiedlichen Maßen für die betreffenden Menschen eben doch.
Als Erstes aber fährt Bel, wie immer, das Tempo herunter. Das Aha-Erlebnis dazu folgt später, wenn
Sara Hess, eine der Darstellerinnen, erzählen wird, sie sei hauptsächlich langsamer als andere und
habe etwa erst im Alter von vier Jahren sprechen gelernt. Bevor sie hier auf Schwyzerdütsch und von
einer am Rande sitzenden, dolmetschenden“Assistentin“ (Simone Truong) unmittelbar ins Englische
übersetzt lossprechen, zeigen sich in „Disabled Theater“ die Schauspieler zunächst einzeln stumm
dem Publikum. Sie stehen eine ganze Weile vorne im Licht, schauen, blinzeln, gehen wieder ab. In
der zweiten Runde sagen sie ihren Namen, ihr Alter und ihren Beruf (sie sind alle Schauspieler). In
der dritten Runde nennen sie ihre Behinderung. Zwei der Frauen drücken sehr klar aus, dass sie
sich als Gefangene in einem defizitären Körper empfinden: „A fucking mongo.“ (Lorraine Meier). Julia
Häusermann, die zu Michael Jackson‘s „They don‘t Care about Us“ ein wütendes, virtuoses Solo
tanzt, für das sie einen riesigen Zwischenapplaus kassiert, sagt, es tue ihr leid. Nur Damian Bright,
den seine Ironie über alles hinwegzutragen scheint, erzählt grinsend, er gehe seiner Mutter schon
manchmal auf die Nerven.
Die letzte Runde, zu der die Assistentin erklärt, Jérôme Bel habe wissen wollen, was
seine Darsteller vom Stück halten, präsentiert wieder alle elf der Reihe nach mit ihren Antworten.
Bright sagt, er selbst fände es super, seine Mutter hielte es für eine Freakshow, aber eine tolle. Von
diesen kleinen Schocks verpasst das Stück dem Publikum einige. Von hinten durch die Brust der
Zuschauer geht auch der beste dramaturgische Trick-Dolch des Abends. Sieben Darsteller zeigen
zu selbstgewählter Musik jeweils ein Tanzsolo. Die anderen vier zeigen ihre erst, nachdem in der
Stückbeurteilungsrunde Matthias Brücker gegen seinen Ausschluss von den Tanzsolisten protestiert
hat.
Sein Tanz ist aber phantastisch, genau wie der allerletzte von Matthias Grandjean zu Jazzmusik.
Also war die ganze inszenierte Verzögerung nur ein Witz des Stücks über das Tabu, Menschen
mit Behinderungen nach ihrem Können zu beurteilen und miteinander zu vergleichen. Hätte die
Theaterwelt ein Konzept von Tanz, dieser Abend hätte es über den Haufen geworfen. Remo Beuggert
sagt im Stück, er habe eine Lernschwäche und könne sich Sachverhalte unzureichend merken: „Ich
bin ein sehr schlechter Botschafter.“ Die Botschaft von „Disabled Theater“ versteht man sehr gut.
Aber das Können Jérôme Bels und seiner Darsteller erweist sich darin, dass der Abend viel mehr ist
als die Summe seiner zerstörten Vorurteile.
© FAZ ; 27. August 2012
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Annette Stiekele
Die Welt
08. August 2012
Mit Blumentopf und Geigengesang
Drängend existenziell: Choreografien von Sidi Larbi Cherkaoui, Jerôme Bel, Josef Nadj und Miguel
Moreira beim Festival d‘Avignon
(...)
Anders als Cherkaoui oder Nadj stellt Jérôme Bel in seiner neuen Arbeit „Disabled Theater“ sehr
grundsätzlich die Frage, wo die Grenze zwischen Normalität und Abnormität verläuft, im Leben und im Tanz. Gemeinsam mit geistig gehandicapten, gleichwohl professionellen Performern der
Schweizer Kompanie Hora erforscht Bel auf mehreren Ebenen Regeln und Dogmen. Der Star unter
den französischen Konzeptchoreografen bleibt seinem Prinzip, das Repräsentationstheater zu
hinterfragen, treu: Die elf Akteure im Alter von 18 bis 51 Jahren spielen ausschließlich sich selbst.
Eine Minute lang müssen sie stumme Konfrontation mit dem Publikum aushalten, später legen sie
zu ihrer Lieblingsmusik einen individuellen Ausdruckstanz hin - mit Ergebnissen, die einen sprachlos
zurücklassen. Die Darsteller selbst sind es, die ihre eigene Exposition hinterfragen. „Meine Mutter
sagt, das ist eine Freak-Show“, sagt einer.
Bel gelingt das Kunststück, genau das zu vermeiden. In keiner Sekunde hat man das Gefühl, die
Darsteller wüssten nicht, was sie da tun. Selbstbewusst konfrontieren sie den Zuschauer mit der
Frage, ob die genau abgezirkelte physische Perfektion eigentlich notwendig ist. Ist sie nicht. Diese
kluge Aufführung spiegelt dem Zuschauer die eigene Unvollkommenheit.
(...)
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[W ILDWALK] JONATHAN BURROWS
(UK)
& MATTEO FARGION
„COUNTING TO ONE HUNDRED“ & „ONE FLUTE NOTE“
(UK/IT)
Jonathan Burrows @ ImPulsTanz
Performances
2012
2010
2010
2007
2007
2007
2006
2006
2003
2002
2000
1999
1997
Jonathan Burrows & Matteo Fargion
„Counting To One Hundred“ (Choreographer, Dancer)
Jonathan Burrows & Chrysa Parkinson
„Dogheart“ (Choreographer, Performer)
„Cheap Lecture / The Cow Piece“ (Choreographer, Performer)
„Both Sitting Duet“ (Choreographer, Performer)
„The Quiet Dance“ (Choreographer, Performer)
„Speaking Dance“ (Choreographer, Performer)
„The Quiet Dance“ (Choreographer, Performer)
Jonathan Burrows & Jan Ritsema
„Weak Dance Strong Questions“ (Choreographer, Performer)
Lynda Gaudreau & Cie de Brune
„Document 1“ (Choreographer)
Jonathan Burrows Group
„Things I Don´t Know“
„Hands, All Together, Things I Don‘t Know“ (Choreographer, Performer)
„The Stop Quartet / Quintet“
„The Stop Quartet, Quintet“ (Choreographer)
| 164
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Research Projects
2008
2012
2011
2010
2007
2006
Coaching Project: „Creative Writing & Dance Workshops“
„Writing Dance“
„Writing Dance“
„Writing Dance“
„Articulating Dance“
„Articulating Dance“
Buchpräsentation
2010
Johnathan Burrows
Routledge Publishing
„A Choreographer‘s Handbook“ (Author)
Other
2007
danceWEB (Mentor)
Matteo Fargion @ ImPulsTanz
Performances
2012
2007
2007
2007
2006
2006
2003
1999
„Counting To One Hundred“ (Choreographer, Dancer)
„The Quiet Dance“ (Choreographer)
„The Speaking Dance“ (Choreographer)
„Both Sitting Duett“ (Choreographer)
„The Quiet Dance“ (Choreographer)
„Both sitting Duet“
„Both Sitting Duett“ (Choreographer)
„Both Sitting Duet“ (Choreographer)
„Things I Don`t Know“
„Donna Che Beve“ (Choreographer)
Workshops
2012
„Crossing the Stage“ and other Scores
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| 165
[W ILDWALK] JONATHAN BURROWS
(UK)
& MATTEO FARGION
„COUNTING TO ONE HUNDRED“ & „ONE FLUTE NOTE“
(UK/IT)
Jonathan Burrows und Matteo Fargion
Koproduktion
Management
Kaaitheater Brussels
Nigel Hinds
Dauer
60 Minuten
Jonathan Burrows and Matteo Fargion werden unterstützt vom Kaaitheater Brussels, PACT Zollverein
Essen, Sadler‘s Wells Theatre London und BIT Teatergarasjen Bergen.
// ABOUT „Counting To One Hundred“ & „One Flute Note“
Nicht nur ihr trockener Humor verbindet diese beiden kongenialen Performance-Partner, sondern
auch ihr immer ins Schwarze treffender Sinn für den Sinn hinter scheinbarem Nonsense. Der Tänzer
Jonathan Burrows und der Komponist Matteo Fargion haben ihre Stücke „Counting to One Hundred“
und „One Flute Note“ zu einem Doppel verbunden. Und wieder sind die Zuschauer begeistert: Wie
sich die zwei perfekt ähnlich-unähnlichen Figuren miteinander bewegen, wie sie sitzen, tanzen,
singen, zählen, mit ihren Fingern schnippen, sich an den Händen halten. In beiden Arbeiten spielen
sie das Vorhersehbare gegen das Unvorhersehbare aus, das Erwartete gegen das Unerwartete, und
Aktion gegen Stillhalten.
// BIOGRAFIEN
Jonathan Burrows
Jonathan Burrows was born in 1960. He danced with the Royal Ballet for 13 years, rising to the
rank of soloist, before leaving in 1991 to pursue his own choreography. After touring with his own
company for some years he decided in 2001 to concentrate on one to one collaborations with other
artists, who would share the conception, making, performing and administrating of the work. His
first collaboration was Weak Dance Strong Questions (2001), made with the theatre maker and
performer Jan Ritsema, which toured to 14 countries. This was followed by a series of duets with
Matteo Fargion, beginning in 2002 with Both Sitting Duet, followed by The Quiet Dance (2005),
Speaking Dance (2006), Cheap Lecture (2009), The Cow Piece (2009) and Counting To One
| 166
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Hundred (2011). The two men have now given over 250 performances across 28 countries. Both
Sitting Duet won a 2004 New York Dance and Performance ‚Bessie‘ Award, and Cheap Lecture
was chosen for the 2009 Het Theaterfestival in Belgium. Burrows and Fargion are also contributing
artists to William Forsythe‘s Motionbank website project (2012-). Other high profile commissions
include Sylvie Guillem and William Forsythe’s Ballet Frankfurt, and in 2008 he was Associate Director
for Peter Handke‘s The Hour We Knew Nothing Of Each Other at the National Theatre, London.
His curating work includes As It Is (1998) for the South Bank Centre London, Parallel Voices (2007)
for the Siobhan Davies Studios London and All The World Likes To Dance To A Beat (2012) for
Fondation Cartier Paris, and he co-curated Rememebring British New Dance (2012) in London
with Ramsay Burt and Dance Umbrella 2012 in London with Betsy Gregory. (Burrows has been
an Associate Artist at Kunstencentrum Vooruit in Gent, Belgium (1992-2002), London’s South
Bank Centre (1998/9) and Kaaitheater Brussels (2008-2010). In 2002 he received an award from
the Foundation for Contemporary Performance Arts in New York, in recognition for his ongoing
contributions to contemporary dance. He is a visiting member of faculty at P.A.R.T.S. and has also
been Guest Professor at Royal Holloway, University Of London, the Performance Studies Department
of Hamburg University, the Institute for Theatre Studies at the Free University Berlin, the Koninklijke
Academie van Schone Kunsten Gent, The Institute for Applied Theatre Studies at Giessen University
and the Department of Drama, Theatre and Performance at Roehampton University London. ‚A
Choreographer‘s Handbook‘ (2010) by Jonathan Burrows is available from Routledge Publishing.
Matteo Fargion
Matteo Fargion was born in Milan 1961. He studied composition with the composers Kevin Volans
and Howard Skempton and after graduation played bass guitar for a time in the rock band headed
by Chris Newman, a formative experience of live performance. His interest in contemporary dance
began after seeing the Merce Cunningham Dance Company perform at the Sadler‘s Wells Theatre
in London. This encounter encouraged him to apply for the International Course for Choreographers
and Composers, where he first wrote music for dance and through which he met the choreographer
Jonathan Burrows, with whom he has collaborated for more than twenty years. Since 2002 Burrows
and Fargion have made a series of six duets together which continue to tour internationally. Fargion
has written music for other choreographers including Lynda Gaudreau and Russell Maliphant. Most
importantly over the past fifteen years he has developed a strong collaboration with the leading
English choreographer Siobhan Davies, writing music for some of her most significant recent work
including The Art of Touch (1995), Two Quartets (2007), Minutes for the Collection (2009) and Rotor
(2010). Fargion writes also for theatre, particularly in Germany, where he has worked over a number
of years at the Residenz Theater Munich and at the Berlin Schaubühne under the direction of Thomas
Ostermeier, for whom he wrote music for the prize winning 2004 production of Jon Fosse‘s play The
Girl on the Sofa. His most recent commission was writing stage music for a production of Ibsen‘s
John Gabriel Borkman at the Theater am Josefstadt Vienna. Matteo is a visiting member of faculty at
P.A.R.T.S.
| 167
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// PRESSESTIMMEN
Judith Mackrell
The Guardian
07. Oktober 2012
Review of One Flute Note
By far the best of the evening is Fargion and Burrows‘s funny and clever One Flute Note. The two
men begin by calling out requests for music – „Three drum rolls“, „45 pianos“ – as if ordering up
a delivery of tools. Gradually, the sounds cohere into a kind of score to which Burrows performs
fragments of dance, yet the more complex the material becomes the harder he and Fargion have
to work to keep track of its construction. It‘s a challenging meditation on form and memory, but
performed with such a droll tension that it‘s also a deliciously entertaining kind of dance theatre.
Judith Mackrell
| 168
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Louise
Mochia
Bellyflop
07.
Oktober
2012
Review of Counting To One Hundred and One Flute Note
Failure seems to currently be a stimulating topic, or trend even, in dance. Rudi Laermans briefly
mentioned the concept in his presentation The Name Contemporary Dance, and Jolika Sudermann
also brought it up in her recent interview with BELLYFOP. It definitely felt very present in last night‘s
works by Jonathan Burrows & Matteo Fargion, but failure is generally what forms the essence of their
work as a duo... so, were they possible instigators of this trend?
In Counting to One Hundred & One Flute Note I am watching another of their musical and percussive
compositions that take effort and focus to perform without mistakes. But (as a member of the
audience) I know that they know that I know this, and so it is not about the virtuosity of being able to
perform the tasks error-free, but about the pure attempt, which includes the possibility of failing. In
the suspension between succeeding or failing, in some sort of Burrows & Fargion- equilibrium, I last
night saw some very funny and beautiful moments.
Burrows & Fargion are both full of presence and obviously have no problem in being watched, so I
could not but smile as I found myself studying them as closely as I could from my seat at the back.
Every bit of them makes an important part of the work; their appearances, the similarity of their body
shapes, how they each move, dance, sit, shout, sing, count, snap their fingers, and hold each others’
hands, the tonicity of their bodies and voices as they change with energy, volume, effort.
The risk of failure depends not only on the compositional aspects of their work but also on the two
visual characters that they are. Together.
I believe Burrows & Fargion like to build things and I enjoyed watching them doing it in both of the
pieces (I can‘t imagine seeing one piece without the other by the way). They need only a few tools
(as per usual); chairs and no chairs, mics and no mics, words and no words, sound and no sound.
Themselves. And produced from this was a lot of movement, movement other to that of their limbs
and bodies moving in space, which to me occurred between the busy mapping going on in their
minds and the effort expressed in what I would see and hear.
One of my favourite moments was the two of them doing a single nod in unison to the loud jungle
beats playing at the end of One Flute Note.
Louise Mochia
| 169
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KO MUROBUSHI
(JP)
„RITOURNELLE / DANSE < MILLE PLATEAUX > VOL.1“
30. JULI | 21.00 UHR | ODEON
[WILDWALK] 02. AUGUST | 23.00 UHR | ODEON
URAUFFÜHRUNG
Ko Murobushi @ ImPulsTanz
Performances
2012
2011
2010
2008
2003
2002
2002
2001
2001
1992
1989
1988
Ko Murobushi
„quick silver“ (Choreographer, Dancer)
Ko Murobushi
„Mu(s) - krypt blues“
Music: J-F. Pauvros (FR), Alain Mahé (FR), Dorothée Munyaneza (FR/RW)
(Choreographer)
Ko Murobushi
„Hommage an Kazuo Ohno by Ko Murobushi“ (Choreographer, Dancer)
Ko Murobushi
„[quick silver]“ (Choreographer, Dancer)
Ko Murobushi / Carlotta Ikeda & Compagnie Ariadone
„Haru no Saiten / Un Sacre Du Printemps“ (Choreographer)
Ko Murobushi
„[Edge 01]“ (Choreographer)
Ko Murobushi
„[Edge 02]“ (Choreographer)
Ko Murobushi
„Edge 01“ (Choreographer)
David Zambrano & Guest
„David Zambrano invites....“ (Choreographer)
Ko Murobushi
„Velvet“ (Choreographer)
Compagnie Ko Murobushi
„Oni 1“
„Oni 1, Mayu-ka“ (Choreographer)
Ko Murobushi & Urara Kusanagi
„Ephémère“ (Choreographer)
| 170
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Research Projects
2003
2002
2001
2000
1999
1998
Pro Series
Coaching Project
„Butoh in Process“
Coaching Project
Pro Series
Coaching Project
Workshops
2012
2011
2010
2009
2008
2005
2004
2003
2002
2001
2000
1999
1998
1993
1989
1988
1987
„Danse Butoh“
„Danse Butoh“
„Danse Butoh“
„Danse Butoh“
„Butoh“
„Danse Butoh“
„ADD1 Butoh“, „ADD2 Butoh“, „Danse Butoh“
„Danse Butoh“, „Danse Butoh (B)“
„Danse Butoh“
„Danse Butoh“
„Danse Butoh“
„Danse Butoh“
„Danse Butoh“
„Danse Butoh“, „Composition“
„Butoh“
„Butoh“
„Butoh“
Other
2003
danceWEB (Mentor)
| 171
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KO MUROBUSHI
(JP)
„RITOURNELLE / DANSE < MILLE PLATEAUX > VOL.1“
[WILDWALK] 02. AUGUST | 23.00 UHR | ODEON
URAUFFÜHRUNG
Choreografie und Tanz
Ko Murobushi
Dauer
55 Minuten (?)
// ABOUT „Ritournelle / Danse < MILLE PLATEAUX > vol.1“
Als Kind lebte er an der Küste, und machte dort zwei elementare Erfahrungen: Einige Male wäre er
selbst fast ertrunken. Und einige Male schwemmte das Wasser die Körper von Ertrunkenen an Land.
„Im Versuch zu sterben“, schreibt Ko Murobushi heute, „begann ich zu tanzen.“ Er ist zu einem der
bedeutendsten Butoh-Tänzer der Gegenwart geworden. Ein Künstler mit einem besonderen und
radikalen Zugang zu diesem japanischen „Tanz der Finsternis“. In diesem Stück ist Murobushi zu
erleben, wie er seinen Körper sich selbst entgegenwirft. Wie er dabei versucht, die verschiedenen
Formen seines multiplen Selbst zu erfassen und wieder loszulassen. Ein rätselhafter Tanz, bei dem
immer wieder unvermutet heitere Momente aufblitzen.
*****
Trying to die, I started to dance.
So—today is the day I will meet the tiger. I can’t help if he eats me. Even I don’t mind if we copulate
We can also stab each other
I shall jump into the empty air, hanging shreds of bite off flesh
The moment I throw my body is when I grasp another form the same moment I through my body.
Other selves bear further other selves
| 172
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there is no other way to live.
From the dying body diverse other selves that cannot be called but awkward are made flutter and
then scatter
All over, now they are unevenly distributed, flow irregularly without distinguish the border of anyone.,
as if they would disappear every where after catching the far away memory of the unknown
Can we in our finite process
In our finite ephemeral life
live in infinite ways?
Ko Murobushi
// BIOGRAFIE
Ko Murobushi
Ko Murobushi is one of the best known and acclaimed Butoh artists in the world and is recognised
in Japan as a leading inheritor of Hijikata‘s original vision of Butoh. He studied with Hijikata in 1968,
briefly ‚giving up‘ dance to learn about a „Yamabushi“ mountain monk. Then he joined to establish “
Dairakudakan.”
In 1974 he created the Butoh-magazine Hageshii Kisetsu (Violent Season) and founded a female
Butoh-Company Ariadone , and for which he did many choreographies. Two years later he founded
a only-male Butoh-group: Sebi. With a co-production of these two groups he brought the Butoh to
Europe and contributes to the recognition of Butoh in Europe: Le DernierEden - Porte de l’au - delá
succeeded in Paris in 1978, and was followed by a big tour through whole Europe with Ariadone in
1981/82. From 1988 Ko concentrated on duo-productions with Urara Kusanagi, and toured in the
following years in Europe and South America.
On the one hand he continues to open his dance and the Butoh to the worldwide influences, on the
other hand he tries to research his work much deeper into its Japanese roots and in roots without
root. His solo productions Edge01, Edge02 and group production Edge03 have
been invited by several international dance festivals, such as ImPulsTanz Festival, Montpellier Dance
Festival, and „Dance Festival London Dance Umbrella „ Festival, a. o. He has received numerous
awards for residencies worldwide, including in Mexico, India and New York. Ko is in great demand as
a workshop teacher.
In 2003, he settled his unit Ko & Edge Co. with three young Japanese dancers, presented Handsome
Blue Sky for Jade 2003 Hijikata Memorial in Japan, and caught frantic applause. In 2004, this unit Ko
& Edge Co. presented new series titled Experimental Body which is searching “edge” in a physical
way. In 2005, Ko & Edge Co. presented Handsome Blue Sky in US-Canada tour in five venues.
Ko‘s latest solo performances are called “quick silver” and “Krypt”, his latest duo perfromance with
Bartabas with the title Le Centaure et l‘animal. Those lead him to world tours.
His choreographies as well as his solo performances continue to establish
Ko Murobushi as one of the highest reputed representatives of Butoh, and every moment Ko
challenges to reach new possibility of Butoh.
| 173
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// PRESSESTIMME
国際交流基金 The Japan Foundation
Tatsuro
Ishii
Performing
Arts Network Japan
Performing
Arts Network
Japan
Artist Interview
01. November 2011
Nov. 1, 2011
アーティスト・インタビュー
The body at its physical edge
A solitary presence among Butoh artists, Ko Murobushi
肉体のEdgeに立つ
孤高の舞踏家、室伏鴻
Profile
Ko Murobushi
Choreographer, butoh artist. Apprenticed
under Tatsumi Hijikata in 1969. In 1971
Ko Murobushi is a Butoh artist with an interesting background that includes a
period of research on the “mountain priests” of the three holy Dewa mountains
he conducted research on the yamabushi
of
Japan’s
Yamagata
prefecture.
He
participated
in
the
first
performances
in
(mountain worshipers) of the Three Holy
Paris in 1978 that helped make “Butoh” and internationally respected dance
Mountains of Dewa. In 1972 he joined in the
founding of the butoh company Dairakudakan
form. Then in 1980 he went to France with a fellow founding member of the
and participated in numerous productions
Dairakudakan Butoh company, Ushio Amagatsu, who subsequently became the
while also serving as a producer for the allwomen’s butoh company Ariadone no Kai.
founder of Sankai Juku. After a period of activity in Europe that established his
In 1976 he started his own butoh school
reputation as a lone butoh artist of lofty stature, he returned to begin a career
Sebi and opened a studio called Hokuryu-
in Japan in 2000. He remains one of the country’s leading butoh artists. In this
kyo in the mountains of Gotaishi-cho, Fukui
Prefecture, where he performed Komuso
interview he talks about his roots in dance and his artistic activities up until
(mendicant monk) as his company’s maiden
now, including his most recent collaboration with Bartabas.
show. In 1978 he participated in the production we performed the work Dernier Eden –
(Interviewer: Tatsuro Ishii [dance clitic])
Porte de L’au-dela, which enjoyed a wellreceived month-long run that spread the
name “BUTOH” on the world scene for the
first
time.
Since
then
he
has
been
invited
to
I saw the performance of Le centaure et l’animal (The Centaur and the Animal) at the
many festivals with highly improvisational
GREC festival in Barcelona, Spain this July. The work was a collaboration with Barta-
solo performances. From 2000 Murobushi
began
full-fledged
performance
activities
in
bas, the world renowned director for the Zingaro Equestrian Theatre. As we know, the
Japan beginning the work Edge performed
centaurs are half human, half horse creatures from Greek mythology. It was a very
at Kagurazaka die pratze. In 2003 he started
poetic production in which Bartabas appears on the sand-covered stage on horse-
the unit Ko & Edge Co. with a group of young
performers and presented the work Hand-
back in the form of a centaur with the Chants de Maldoror of Comte de Lautréamont
some Blue Sky (Bibo no Aozora). In 2005 he
being recited in the background in a stage where you perform as the Animal.
was presented the Award of the Performing
Arts Critics Association. In 2006 he presented
Thank
you.
When
you
first
told
me
that
Bartabas
was
interested
in
my
dance
back
the work quick silver at the Venice Biennale.
in 2009, I went to see the Battuda production performed on the Zingaro company’s
Murobushi has also taught at the Centre
National de Danse Contemporaine in Angers.
second tour of Japan. At that time I gave Bartabas a DVD of my dance performances.
http://komurobushi.com/
Some time after that I received the offer from him to do a collaboration.
When I heard that he watch the DVD and was amazed by the way I was able to move
like an animal on all fours in one of the pieces, I realized he must be serious. So, I
decided to accept the offer.
Before seeing the performance I was wondering what the meeting of two such different genre as equestrian theater and butoh would be like. What I saw in the actual production was the two being performed in their inherent styles with almost no change
[laughter], and it was quite thrilling to watch as the “distance” between the two would
at times become close and at other times drift apart. When did this work premiere?
It premiered in Toulouse in September 2010 and then went on to Normandy, the
1
Zur Übersicht
| 174
Performing Arts Network Japan
Artist Interview
Chaillot
Theater
in
Paris
in
December
where
the
shows
were
filled
to
standing
room
A solitary presence among Butoh artists,
Ko Murobushi
only every night for three weeks. In 2011 we performed in France at La Rochelle and
Torino, Italy. From December into next year (2012) we will perform in three cities in
Montpellier, then in London at Sadler’s Wells and then in Barcelona, Spain and in
France.
I would like to ask about how you became involved in dance. In 1969 you began
studying butoh under the late Tatsumi Hijikata. Did you have any involvement with
dance before that?
I think there are two important experiences that relate to my becoming involved in
dance (butoh). One is my experience of dead bodies. I lived near the seashore at
Shonan
(Kanagawa)
until
I
was
five.
There,
I
had
a
couple
of
experiences
of
being
washed into the sea by a wave and nearly drowned. It was also a shore where the
bodies of people who had drowned washed up on the beach. The body would be lying there covered by a grass mat (goza) until the authorities came for it. From those
Photo: Rodorigo Yamamoto
experience I got an image of myself lying under a goza mat after taking in a lot of sea
water and drowning.
The second important experience could be called the “experience of distances.” It
is experiencing the other. It is the fear of contact, which can also be expressed by
the word “shame.” Even if there were moments of physical contact when I would be
pulled into a festival at the local shrine, in a case like the folk dance class at school, I
couldn’t touch the hands of the girls. If our hands did touch I would begin shaking and
blush with embarrassment, it was as if my body belonged to someone else. It was an
inexplicable feeling of distance from my body.
In terms of things more related directly to “dance,” I loved rock ’n roll from the time
Photo: Kimiko Watanabe
I was in elementary school and used to the US Billboard Hit Chart broadcast by the
FEN radio station [of the nearby US military bases] or black music. My idols were Ray
Charles and Sam Cook. In high school I used to seek into the modern jazz cafes in
the Shinjuku’s entertainment district in Tokyo, and at night I’d go to the go-go dances.
I was really into the dancing of George Chakiris and Rita Moreno in West Side Story.
That sounds quite different from the image we have of Ko Murobushi today! (Laughs)
I am a member of the Baby Boomer generation. With events like America’s Civil
Rights Movement and France’s May Revolution, everything around us became very
political when I was in high school. That was the mood of the whole era.
It certainly was an era of upheaval. In Japan we had the violent takeover of Tokyo
University by student activists at that time in 1968 into ’69.
I hear that [Tatsumi] Hijikata was a member of the rugby team at Akita Industrial High
School [in the far north of Japan], and I also happened to play on our school’s rugby
team for one year. I was a back. I had some friends around me who went from doing
tackles
on
the
rugby
field
to
forming
scrams
in
the
student
demonstrations
when
they
charged the police walls. But, I kept a bit more distance from it all and spent my time
writing poetry while listening to John Coltrane’s jazz music. In college I used to go out
for amusement and one time when I followed along to the demonstrations concerning
2
Zur Übersicht
| 175
Artist Interview
the Oji Military Hospital [US base hospital] wearing wooden sandals [popular among
Ko Murobushi
demonstrators],
I
was
tailed
afterwards
and
arrested.
I
spent
five
days
and
four
nights
left and the extreme right. When I think back about my encounter with butoh, I feel
in jail for that. It was an era when there was a strange crossing between the extreme
it was an extension of the mood of that time, what you might call “pop avant-garde,”
and avant-garde experimental activities like High-Red-Center’s [artist group of Jiro
*1 High Red Center: An avant-garde artist
group formed by Jiro Takamatsu, Gempei
Akasegawa and Natsuyuki Nakanishi in
Takamatsu, Akaishi and Natsuyuki Nakanishi: *1] plan to bomb the Yamanote train
line [metaphorically] and the imitation 1,000 yen bill incident were very stimulating for
the
first
half
of
the
1960s.
The
group
name
me, even before I encountered Hijikata and butoh. When I was coming of age, it was
derived
from
the
first
characters
of
the
family
an era when everything seemed to be disruptive, polarized and full of ambivalence.
names of the members: taka (high), aka (red)
and naka (center). The group became known
We wanted to be involved in all kinds of things, but we were also told that we couldn’t
for happenings such as the “Yamanote Line
do this and we couldn’t do that. If you were a man you also wanted to be a woman.
Incident” in which they licked objet creations
on the platforms and in the cars of the Ya-
There is a word chaosmos that is a melding of chaos and cosmos, and it implies that
manote train line, and the “Metropolitan Area
prior to becoming either a man or a woman, we were a life form that has lived through
Cleaning Promotion Movement” in which they
multiple sexes and more ambiguous choices. With regard to the body as well, we can
appeared on streets of the Ginza district of
Tokyo in white smocks and surgical masks
experience chaosmos when we are concentrating. However, when we return to daily
and began cleaning the sidewalks. Akase-
life situations we classify things and say that this person is a man, he is Japanese
gawa’s work “Thousand Yen Bill Incident” in
which he printed fake 1000-yen bills brought
and in the social context he writes things in beautiful Japanese prose. And at the
him under criminal investigation for counter-
time,
the
desire
to
reverse
that
kind
of
simple
classification
and
experience
things
on
feiting.
a higher, more subtle and sensitive level was expressed using the word nikutai (the
flesh-and-blood
body
written
with
the
Chinese
characters
for
flesh
and
body,
as
opposed to the more commonly used word shintai (karada) with its stronger nuance of
one’s body). Anyway, it was a time when it was popular to use the word nikutai.
At that time the word shintai was rarely used, it was almost always nikutai, wasn’t
it? That is why Hijikata titled his 1968 work Hijikata Tatsumi to Nihonjin –Nikutai no
Haran (Tatsumi Hijikata and the Japanese – Revolt of the Body), isn’t it? [Playwright/
director] Juro Kara also used the word nikutai often.
Yes, that’s true. Hijikata-san talked about the “stray body.” I think that the word nikutai was being used in the sense of the corporeal body that includes things outside
the realm of thought or intentions, which means that it includes things beyond the
emotions and dark elements rejected by society and history, the body that has been
discarded as something unproductive. It was an era with intricate dynamics at play,
with
the
institutional
dissection
of
the
body
and
dissection
of
the
self
flowing
into
both
*2 Zenkyoto: Abbreviation of the Zengaku
the united student revolt movement (Zenkyoto [*2] 1968 – 69) and Yukio Mishima.
Kyoto Kaigi (The All-Campus Joint Struggle).
Hijikata’s 1968 work Tatsumi Hijikata and the Japanese – Revolt of the Body was
The representative association of the radical
student movements that started at the cam-
symbolic
of
the
times.
I
was
a
college
student
at
the
time
and
we
felt
that
it
fit
the
puses of Tokyo Univ., Nihon Univ. and others
times, was actual and an exceptionally fashionable anomaly. It was performed at
in 1968 and 1969 and spread throughout the
country.
the Nihon Seinenkan and there was a black horse tied up by the entrance. We didn’t
know why there would be a horse there. And there was also a row of congratulatory
flower
wreaths,
like
the
ones
put
up
when
a
new
pachinko
parlor
opens.
That
gave
it
a garishly decorative atmosphere.
So, you felt that Tatsumi Hijikata and the Japanese – Revolt of the Body expressed
something of the mood of the times and it had a big impact on you personally?
Yes. It was the time I was reading Nietzsche and Antonin Artaud and Becket, and
3
| 176
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Artist Interview
I was beginning to become oriented toward forms of expression that didn’t rely on
Ko Murobushi
words. So, I had started thinking about dance. A group of university friends and I had
Natsuyuki Nakanishi of High Red Center about a performance by Hijikata, who was
a happening and event group we called Mandragora, and that was when I heard from
doing the same kind of thing with dance.
At that time people didn’t call it performance, they called it happenings, didn’t they? It
was a time when “happenings were the thing and they were staged without concern
for the former distinctions between theater, art and dance, and in an “anything goes”
atmosphere people tried all kinds of ways to attack the social establishment and government. This was true not only in Japan, as the same things were happening in the
major metropolitan areas of all the capitalist countries, and you were right in the midst
of it, weren’t you?
I believe you decided to study under Hijikata in 1969. How did you ask him to take
you in as an apprentice?
It was in the spring just after Revolt of the Body. I wanted to have contact with the
actual person, so I went to the Asbestos Hall [Hijikata’s studio] to meet him. Bishop
Yamada was with me. When we met him, Hijikata said, “OK guys, I just happened to
be looking for some bodies (nikutai) for an orgy.” We replied, “We’ll do anything.” It
happened
that
Hijikata
was
in
the
midst
of
filming
for
a
Toei
movie and that was what
the orgy scene was for. (Laughs)
What was the name of the movie?
Onsen Ponbiki Jochu (Hot Spring Spa Maid Pimps). (Laughs). The director was
Misao Arai. They gave is fare for the Bullet Train and we went to join the crew at the
Toei Kyoto Film Studios. There, we went out on the town every night with Hijikata
and
drank
at
cheap
bars
with
Yoko
Ashikawa
and
Koichi
Tamano.
That
was
my
first
“Hijikata experience.”
Watching Hijikata, he had what you might call a melancholy in which he created happenings on a daily basis. He performed one-man acts one after another, and it still
fills
me
with
wonder
when
I
think
about
how
a
man
could
be
so
dramatic
in
that
kind
of style. One of the Hijikata phrases that I like is “Yaban de sensai” (Savage subtlety/
sensitivity), and it would go off in him on a daily basis. We would be drinking and having fun, and then he would do something to create a rift, you might say, abruptly and
all of a sudden. Perhaps it was his way of changing the tempo of things, but he would
do something like suddenly breaking out crying. And that would surprise everyone
around him, as you can imagine. To me, that in itself appeared to be his dance. It had
the appearance that this was Hijikata’s form of improvisational dance that was even
more fascinating than formal dance works he created.
How long were you actually with Hijikata? Was it just for the movie Onsen Ponbiki
Jochu?
After that I acted in another Toei movie. It was Kyofu Kikeiningen (Horrors of Malformed
Men)
directed
by
Teruo
Ishii
and
it
is
has
become
sort
of
a
cult
film
today.
In
it I played the role of a human ball that is hung from the ceiling and Hijikata dances
4
Zur Übersicht
| 177
Artist Interview
around me, at times swinging me and at times avoiding me. (Laughs) I went with Hi-
Ko Murobushi
jikata
as
his
assistant
when
they
filmed
his
solo
dance
scene
on
location
on
the
Noto
ened coffee for Hijikata, then he would put on his costume, which was a woman’s
Peninsula.
The
first
thing
I
did
every
morning
after
waking
was
to
make
well
sweetwedding kimono, and go out into the water on the seashore to perform his dance.
When the kimono got wet it was my job to do my best to dry it out. It was the time I
have very strong memories of, but in fact my time with Hijikata was short, just a little
more than a year.
Hijikata presented what would become one of his most famous works, Shiki no tame
no Nijushichiban (Twenty-seven Nights for the Four Season), in 1972. That was the
year that you joined with Akaji Maro to form the butoh company Dairakudakan. Looking back, the founding members of Dairakudakan were certainly an impressive group,
including Ushio Amagatsu, Bishop Yamada and Isamu Ohsuga, who led the Byakkosha company which now suspended activities. How did you decide to join in the
founding of Dairakudakan?
I had returned to Waseda University and was working on my graduation thesis,
*3 Yamabushi (mountain worshipers/priests):
researching the “mountain priests” (yamabushi: *3). I went to the three holy Dewa
Yamabushi are ascetics who retreat in the
mountains
[of
Japan’s
Yamagata
prefecture]
to
see
the
mummified
priests
(sokush-
mountains and undergo strict training including ten disciplines of fasting water abstinence
inbutsu) and such things, but at the same time I was earning money dancing in the
and others in pursuit of rebirth.
gilded body shows in the cabarets. Just around that time I heard that Maro-san had
left the Jokyo Gekijo theater company and was going to start something new, so I decided to go see what he was going to do. Eventually I quit my graduation thesis and
withdrew from Waseda University.
I’d like to talk a bit more about the subject of the mountain priests (yamabushi). When
I look at your dance today I feel something closer to the mountain priests than to
American pop culture for example, wouldn’t you say? The mountain priests are an
extension of the worship of holy mountains, which is a kind of nature worship in which
devotees walk around the mountains with one pair of straw sandals and a few rice
balls. There seems to be something in that which is close to your activities today, but
although some anthropologists sometimes get involved with research of the subject,
I’m surprised you were doing that at such a young age. I imagine it is quite rare for
students to be doing that. What got you involved in it?
It was the subject of death and regeneration. It was the “mountain” as a form of initiation, or you might say animism. I was interested in getting a more tangible physical
*4 Sutasutabo (Sutasuta Bozu): Mendicant
experience, and I was also interested in the disreputability of the mountain priest be-
priests of the Edo period who wore rope
cause they walked a path somewhere between the holy and the worldly and the way
headbands and ropes around their waist
they
pursued
a
“wandering
life”
without
any
religious
or
group
affiliation.
I
think
the
and often carried a priest’s ringed staff and
begged for alms by dancing.
ambiguity and the equivocal nature of the “trickster” can be restated in terms of dubiousness, disreputability or being variant in nature, while on the other hand I believe
*5 Sutehijiri: A priest of the Kamakura period
also known as Yugyo Shonin. Throughout his
it
also
connects
to
a
light
and
easy
mobility
or
fluidity.
There
is
also
a
part
of
me
that
mature life he traveled throughout the country
finds
it
difficult
to
stay
in
one
place
too
long.
There
is
a
kind
of
life
that
refuses
to
affili-
without
affiliating
himself
with
any
specific
ate itself with any given authority, like the matatabi (wanderer) or yakuza gangster, or
temple and taught the common people Buddhist worship through dance and prayer
recitation.
the sutasutabo (sutasuta bozu: *4) like the Buddhist priest Ippen Jonin (Yugyo Jonin,
Sutehijiri: *5) who spent his life traveling, unattached to any single temple, and then
5
Zur Übersicht
| 178
Artist Interview
there is also the cabaret performer. When I was a child I often got separated from my
Ko Murobushi
parents and became lost. Despite the uncertainty and fear of being lost, there was
sutasutabo unable to stay in one place even at this age. (Laughs)
also a feeling that being lost was the true state. That is why I am still a wandering
In 1974 the women’s butoh group Ariadone no Kai was formed. Both Maro-san and
yourself
choreographed
for
them.
Then
in
1976
you
started
the
first
all-male
butoh
company Sebi. Did the fact that you based your company deep in the mountains of
Fukui Prefecture have anything to do with your mountain priest studies?
I
was
first
involved
in
Ariadone
no
Kai
as
a
producer.
The
company’s
early
trilogy
Mesukazan was directed by Akaji Maro. At the time, I was also involved in creating Dairakudakan productions and publishing the newsletter Hageshii Kisetsu in my
activities under Maro-san’s philosophy of Tempu-Tenshiki (A term created by Maro,
*6 Tempu-Tenshiki: A term created by Akaji
meaning, “Being born in the world is a great talent itself.” *6) and Ichinin-Ippa (One
Maro expressing the belief, “Being born in the
dancer, one school), meaning that every butoh artist must be independent and have
world is a great talent itself.” It is the basis
for Maro’s philosophy of and Ichinin-Ippa,
a style of their own (be a school unto themselves). That is the philosophy that led to
meaning that every butoh artist must be an
the birth of [Dairakudakan outshoots] Hoppo Butoh-ha and Sankai Juku. And I started
independent “school unto themselves.”
my own Sebi company. As to why I chose a base in the mountains of Fukui, of course
it wasn’t to doing farming up there. I needed a place that wasn’t a place, someplace
very sparsely populated, a place “outside” the society. If my travels with the cabaret
felt like lateral crossings of Japan as we toured, when I opened my un-studio-like
studio in the mountains I gave it the name Hokuryukyo to suggest my intention of nurturing a contrasting vertical feeling of that boundary space. I wanted to share with the
audience my own personal questioning of what it meant to practice dance and what
it meant to hold performances. When I presented Komuso (mendicant monk) as the
maiden show of my new company in 1976, I was the only member of my company
Sebi and the work was performed by the members of the Dairakudakan group and
Maro-san
served
as
director.
That
was
the
first
time
that
I
danced
as
a
mummy
and
it became quite an event that brought an audience of more than a thousand people
from far and wide to my remote mountain studio. Hijikata-san came with some of his
students and involved the local people to make it an exciting event. In an edition of
Asahi Graph magazine at the time it was praised as quite an interesting event.
In 1978, you and your Sebi company held joint performances in Paris with Ariadone
no Kai. They were truly epoch-making performances that introduced the world to the
butoh dance form. How did that overseas production come about?
The
original
invitation
was
for
Hijikata-san,
but
he
didn’t
go.
He
didn’t
like
flying.
Dairakudakan was also invited and Maro-san said he wanted to take a big production
with
about
40
people.
But
that
turned
out
to
be
difficult
to
manage. I was in charge
of production, so I went to Paris in 1977 in the name of a preparatory survey. Since
I was going there anyway, I made a request that I be allowed to dance at a cabaret
there in Paris, and it turned out that a newly opened cabaret named Jardin was open
to the possibility, so I contacted Carlotta Ikeda and Mizelle Hanaoka and asked them
to join me. It turned out, however, that the cabaret’s mannequins refused to dance
with Japanese underground performers, to the contract never materialized. So I
turned
to
the
task
of
finding
a
place
to
have
our
companies’
full-scale
performances
in
6
| 179
Zur Übersicht
Artist Interview
Paris. I found the experimental theater space Nouveau Carre – Silvia Monfort which
Ko Murobushi
was just right. That is where we performed the work Dernier Eden – Porte de L’au-
production in the newspapers Libération and Le Monde and despite being late-night
dela consisting of Bokukazan and my mummy dance. There were big reviews of our
performances in mid-winter February, the audiences kept growing.
That is amazing.
The Libération devoted a full page to the review, with an impressive display of photographs. Back in Japan, Yukou Deguchi wrote about it as the Paris Debut of Ankoku
Butoh in the Nihon Dokusho Shimbun paper. From that time onward, the Ankoku butoh meaning Danse de tenebre and the dance we were doing came to be commonly
known as Butoh.
Devoting a whole page of a nationwide newspaper to underground arts like butoh
was at the time is unthinkable here in Japan. It was a case where being recognized
that
way
overseas
first
spread
awareness
of
butoh
among
the
public
in
Japan,
in
a
process
that
you
could
call
reverse
import,
wasn’t
it?
It
was
the
same
of
[film
director]
Yasujiro
Ozu
who
wasn’t
really
noticed
in
Japan,
perhaps
because
his
films
were
so
Japanese, until the fact that he became recognized in Europe led the Japanese to
rediscover him. Those performances in 1978 laid the foundation for your many years
of performance in Europe since, didn’t it?
After
that
you
performed
primarily
overseas.
There
you
presented
your
first
fully
choreographed works like Zarathustra
in
the
first
half
of
the
1980s.
The title of that work is taken from Nietzsche and I premiered it at the Sogetsu Hall in
Tokyo’s Aoyama district before touring with it in the cities of Europe.
Where were you in 1986, the year that Hijikata died?
I was living in Paris, but I happened to be back in Japan for performances at the time.
So I was just able to make it to the funeral. He died in January and I was thinking
about canceling my performances of Hyohaku suru Nikutai (The Wandering Body)
scheduled for March. In the end, I decided to add a memorial passage at the last
moment and go ahead with the performances. I also made the production I had been
working on in Paris as part of the UNESCO 40th anniversary celebrations a Hijikata
memorial production. That was a production in which I invited 50 dancers from Europe to perform a work titled PANTHA RHEI in the butoh style with their bodies
whitewashed. All the men and women dancers performed in the whitewashed body
(no costume) style on a stage constructed in the form of a large staircase that they
snaked up like a human chain crawling toward the ceiling. It had the appearance of a
cycle of rebirth, like a William Blake painting. (Laughs)
In the latter half of the 1990s you presented the work Edge. The word edge itself carries a wide range of images, I believe. From the standpoint of the viewer, the word
edge seems to imply what might be thought of as a dangerous “edge” where you
have always placed your body as a dancer. It seems to imply like a precarious edge
where you deliberately position your body.
7
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| 180
Artist Interview
My “Edge” may be the dangerousness of boundaries. In short, the more you internal-
Ko Murobushi
ize your body, the more you are likely to come in contact with the external. I wrote an
regard to what I think of as the “edge of the body” or things that can be found in deep
essay titled “Hinagata” (form of eternal darkness), and in it the word edge is used with
corners [of the body]. This is a concept that I have always been concerned with, ever
since
I
danced
the
mummified
body
for
the
first
time.
You have conducted many workshops overseas, at venues such as the Vienna’s
ImPuls Tanz festival and the Centre National de Danse Contemporaine in Angers,
France. By nature, your dance works appear to be ones that could only be performed
by your own body, so it interests me what you would teach in your workshops.
It is all about breathing and the “axis” of the body, and where these two intersect or
interlock. In short, it is a question of the state where balance equals imbalance, and
what that means is the balance of “edge.” In order to have full awareness of the state
of the body getting out of balance, you have to begin by learning to recognize when
you are [the body is] in a state of balance. But the state of balance is something
that is impossible to maintain. You can think of the state where you are one with the
body’s axis as a state of death, in other words a dead body. Of course it is not actually a dead body, so you can never be completely aligned with the axis, but there
are instances when it happens in the body and those moments can be thought of
as
simulated
death,
as
moments
when
time
is
captured,
or
reflected.
It
is
a
delicate
balance and the state of being off balance can be thought of as “life” (the state of
being alive). In other words, life is a repetition of going off balance, deviating from the
body’s axis. The feeling of being alive and breathing is a constant state of motion offcenter from the body’s axis, and folded into the cracks of that process are moments
of death. Breathing is a process of constant recurrence and circulation, but there are
moments of death folded into the process, which is very paradoxical and simultaneous in nature. Time that can be counted out (1, 2 …) and time that can’t be counted
exist simultaneously, in parallel, and both of these forms of time are alive in the body.
That
is
a
difficult
concept
to
grasp,
isn’t
it?
Hearing
you
describe
this
concept
of
countable time and uncountable time alive simultaneously and that the dancer’s body
is created in the process of going back and forth between the two, it would seem to
me that perhaps many conventional dancers will not grasp that concept. Because,
generally, dance is most often movement performed in rhythm with countable beats.
This
is
why,
conversely,
you
can
call
butoh
a
form
of
dance
defined
by
flow
and
by
the “dangerous fragility” and “intrepidness” of life [the life force within living things].
Isn’t this aspect perhaps one of the reasons why the butoh form created by Hijikata
continues to live on today?
Changing the subject, may I say that your uniquely arched back with its exceptional
development of broadest muscles of your back seems to be even more prominent
and stronger now than it was 20 years ago. I can’t imagine that you go to the gym
and work out with barbells to develop those muscles. How do you keep them so developed?
Well. I am not consistent, but rather haphazard by nature. I don’t do my training every
8
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| 181
Artist Interview
morning before I go out to meet people. (Laughs) Speaking of the unique traits or
Ko Murobushi
peculiarities of the body, in fact every body is unique, with its own peculiarities. So I
go with your rounded back. There is a nobility to wild animals, there is an elegance
don’t think in terms of trying to correct a rounded back or slumped shoulders. I say,
in wild grasses and weeds, and I have a strong interest in, or even an obsession with
animal qualities. There are certain speeds and strengths [of motion] that are instinctual. Human beings are animals, but we are also plants, and minerals. We are not just
bipedal walkers, we also can hop on one leg or do a four-legged walk, or walk blind,
we can be composites of different natures, like cat and dog, or
flower
and
stone.
It
is
rather this kind of unhinging, these moments of what Hijikata called this “Yaban de
sensai” (Savage subtlety/sensitivity) that fascinate and obsess me.
I spoke earlier about breathing, and I would say that there are transitional moments
when it is dangerous to simply breathe normally. There are times when chills run
through us and moments when we swallow our breath, and there are times when our
breathing stops unconsciously while we talk in our sleep. When you actually try walking like a four-legged animal, you can move toward a different “outer time,” time that
is outside the normal counted time you are used to when standing up and counting so
you can move in rhythm with a beat. Whether it is a metamorphosis of life or a revival
of life, to make that feeling one of your physical assets, I wouldn’t say that you have
to train yourself to do that, but I do believe that you have to do it repeatedly.
In Hijikata’s terms it is a process of collecting the parts that have fallen away [from
the body/motion in common use], isn’t it? In his later years, Hijikata talked about
suijakutai no saishu (collecting/harvesting the weakened body) and that may be one
of
the
most
essential
definitions
of
what
makes
butoh
unique.
In
other
words,
I
think
the musculature of the [dancer’s] body that has been created only through rhythms
that are counted out and the musculature of the body created by actively seeking
and picking up the parts of the body/movement that have fallen away from that kind
of [dancer’s] body will, of necessity, be different, and the movement that comes from
those two types of bodies will be different too.
Yes. The pinnacle of Hijikata’s art may indeed be the “weakened body” concept. It
was probably his stance not being bound to the rule that dance is done on two feet
but, rather, that it is something to be built up from what you might call “incapability.”
Hijikata-san spoke of removing the normal pause/interval (ma) or timing, and left the
term magusare (deterioration of interval) and it is based in the concept of a body that
has fallen out of some type of productive role, and it is disfunctionality or incapacity,
or you could call it impotence, I think. The reason he was so obsessed with the idea
of impotence, I believe, it was probably a residual effect of the War (World War II). He
was thinking about a communal body that could connect to what you could call a type
of incapability or malformation. I spoke about High Red Center earlier, and in their
inclination toward things criminal or delinquent there is an element of the excessive or
drop-out behavior we see in the people that will always resist and head in a different
direction when the society calls for everyone to come together and work in the one
productive direction. Amanojaku (contrary person) is an example of one who always
looks in the opposite way when everyone is looking in the same direction. So, who is
this amanojaku
that
is
always
looks
the
opposite
way?
You
will
always
find
this kind
9
Zur Übersicht
| 182
Artist Interview
of element in society, and I think that is the reason in itself. It is not simply a political
Ko Murobushi
question.
But, in a broader sense that is also a political question. In society it is never the case
that a hundred people will all be heading in the same direction. There will always be
many bodies among them that can’t do that and not all people have positive productive potential. There are bodies that will go against that and bodies that may want to
but are incapable of it. I believe that [Hijikata’s] suijakutai (weakened body) is how
you pick up and make use of those discarded parts as the basis for artistic expression.
With your works and your workshops you have made a great contribution toward
making butoh an international art form. Looking toward the future is there anything
that you feel you have still left undone?
It is returning to my original inspiration. Butoh is not something to be danced for the
gods or for the Japanese. It began from things that didn’t belong to any of the traditional forms of artistic beauty and things that could never become part of those
forms. In a way, I began dance because I couldn’t dance and I didn’t want to dance.
Something that I wrote long ago was that “I began dance in order to die.” I didn’t just
say that simply as a metaphor, I believe. I want to go back to my original inspiration
and
find
why
I
began
with
dancing
as
a
mummified
body.
The
bodied
of
the
drowned
that I saw on the beach as a child may be my original point of departure. The physical
movement of dance is not simply a matter of moving around. There is also physicality
folded into a state of immobile stillness, and I believe that getting to the source of that
involves a process of constant and ongoing experimentation. And that is not simply
a matter of continuing to dance. I believe it may also be done by going on to the next
world without ever dancing. As for whether I have left things undone or not, it may be
leaving things undone endlessly. In other words, dance has no beginning and it has
no end.
Copyright (c) 2011 The Japan Foundation, All Rights Reserved
10
Zur Übersicht
| 183
[WILDWALK] [8:TENSION] LENIO KAKLEA
„ARRANGED BY DATE“
(FR/GR)
04. AUGUST | 23.00 UHR | KASINO AM SCHWARZENBERGPLATZ
Choreografie und Script
Mit
And according to the dates
Lichtdesign
Kostüme und Accessoires
Dank an
Produktion
Koproduktion
Dauer
Lenio Kaklea
Lou Forster and Thiago Granato
Lenio Kaklea
Lou Forster, Chiara Gallerani, Thiago Granato, Marcela Santader
Philippe Gladieux
La Bourette
Nicolas Couturier, Thibault Lac, Burkhard Stangl und
PAF / Performing Arts Forum
Bi-p Association
musée de la danse / CCNRB, National Center for Theater and
Dance Athens / E. KE. THE. H
ménagerie de verre, CNDC / Angers, CND / Pantin und
Workspace Brussels
40 Minuten
// ABOUT „arranged by date“
Eines Tages geschieht etwas ganz Seltsames. Die aus Athen stammende Choreografin und Tänzerin
Lenio Kaklea entdeckt beim Aufräumen ihres Schreibtisches ein Blatt Papier, dessen Herkunft und
Zweck ihr völlig unbekannt ist und bleibt. Auf dieses Blatt sind in Spalten nebeneinander Symbole
angeordnet, die aussehen, als wären sie eine Art Code oder Alphabet aus Piktogrammen. Von nun
an hat Kaklea keine Ruhe mehr, bis sie beschließt, dieses Mysterium zur Grundlage für ein Tanzstück
zu machen. Zu Beginn dieses Solos, in dem sie aber doch nicht ganz allein auf der Bühne ist, wendet
sich Lenio Kaklea an ihr Publikum und fängt an, eine eigenartige Geschichte zu erzählen: Eines Tages
verschwindet eine Kreditkarte...
| 184
Zur Übersicht
When organizing my desk, while
making this piece, I came across
a sheet of paper, slid between
two pages. It was a sort of an
alphabet, symbols set in columns
in order to be copied or learnt
by heart. I sought their origin but
didn‘t
find
a
thing.
It
was
a
naked
code. Unable to decipher it I
compared the symbols to images,
searching randomly for a matrix
of ideograms. But I soon felt
unsatisfied,
frustrated.
It
became
impossible to know whether
© Lenio Kaklea
the associations came from my
imagination
or
the
power
of
the
signs
themselves.
Their
influence
on
me
grew
fast
and
worried
me.
I
started
dreaming
of
the
code.
Until
finally
I
decided
to
copy
it,
embody
it
for
something
else
to
arrive.
Lenio Kaklea
// BIOGRAFIE
Lenio Kaklea
Lenio Kaklea, born in Athens, in 1985, graduated from the State School in Athens, the C.N.D.C in
Angers and the master of experiments on arts and politics, SPEAP, (direction Bruno Latour).
She collaborates as a dancer with Claudia Triozzi, Boris Charmatz, Emmanuelle Huynh, François
Chaignaud, Cecilia Bengolea, Moser and Schwinger, Kobe Mattys, among others.
She created matter-of-act, an experimental process where spectators appropriate and reconstruct
performances they assist to (Athens and Epidaurus festival 2009 – Summer Intensive 2010, Ghent).
She organized fluctuat nec mergitur, a staged traffic jam of 250 participants in the frame of the
competition danse élargie. Arranged by date, her latest creation, premiered at la menagerie de verre
in Paris in November.
She is currenlty working on a solo choreographed by Lucinda Childs (vif du sujet, première on 6 June
2013 in the frame of June évents, la cartoucherie, Paris).
| 185
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LIQUID LOFT / CHRIS HARING
„LEGO LOVE“
(AT)
& STAATSTHEATER KASSEL
(DE)
Chris Haring @ ImPulsTanz
Performances
2012
2012
2011
2011
2010
2009
2008
2008
2008
2007
2006
2005
2005
2004
2002
1997
Various Artists
Liquid Loft / Chris Haring
„The Perfect Garden: ODEON Mush Room“ (extended) (Choreographer)
„WELLNESS – ThePerfectGarden“ (Choreographer)
„Talking Head“ (Choreographer )
Les Ballets de Monte-Carlo / Jean-Christophe Maillot & Liquid Loft | Chris Haring
„Daphnis et Chloé / Sacre: The Rite Thing“ (Choreographer)
Liquid Loft / Chris Haring & Jin Xing Dance Theatre
„Lovely Liquid Lounge“ (Choreographer)
„Duo“ (Choreographer)
„Posing Project A+B+C“ (Choreographer)
„Installation: Sound of Silence“ (Choreographer)
„Posing Project B - the art of seduction“ (Choreographer)
„Running Sushi“ (Choreographer)
Chris Haring & Klaus Obermaier
„D.A.V.E.“ (Choreographer, Performer)
„kind of heroes“ (Choreographer)
Chris Haring & Stephanie Cumming
„diese Körper, diese Spielverderber, ...“ (Choreographer, Performer)
Chris Haring & Klaus Obermaier
„Vivisector“ (Choreographer, Performer)
Willi Dorner & Chris Haring
„Intertwining“ (Choreographer, Performer)
Other
1997
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LIQUID LOFT / CHRIS HARING
„LEGO LOVE“
(AT)
& STAATSTHEATER KASSEL
(DE)
„Lego Love“ wurde mit dem Ensemble des Staatstheater Kassel entwickelt und feierte im April 2013
als „Readymades“ in einem Doppelprogramm mit Johannes Wielands Stück „white noise tragedy“
Premiere
Tanz/Performance
zusätzliche Originalbesetzung
Intro
Choreografie und Konzept
Sounddesign & Komposition
Bühne
Kostüme
Lichtdesign
Licht
Dramaturgie
Text
Regieassistenz
Produktionsleitung
Produktionsassistenz
Fotografie
Video
Dauer
Laja Field, Annamari Keskinen, Lauren Rae Mace, Breanna
O‘Mara, Maasa Sakano, Laura Ramos Santana, Léa
Tirabasso, Rémi Benard, Michał Czyż, René Alejandro Huari
Mateus, Viktor I. Usov, Alekszandr Alekszandrovics Szivkov,
Martin Dvorák
Wencke Kriemer de Matos, Simone Deriu
Stephanie Cumming
Chris Haring
Andreas Berger
Steph Burger
Stefanie Krimmel
Oskar Bosman, Chris Haring
Thomas Jelinek, Julian Zell
Thorsten Teubl
Andreas Spiegl
Ryan Mason
Marlies Pucher, Thorsten Teubl
Aymara Koch
Nils Klinger
Michael Loizenbauer
BMUKK Bundesministerium für Unterricht, Kunst & Kultur und
MA7 Kulturabteilung der Stadt Wien
60 Minuten
// ABOUT „LEGO LOVE“
Ein Bacchanal, ein orgiastischer Organismus aus dreizehn Körpern. Figuren, die sich
aneinanderdrängen wie exaltierte Ausstellungsmodelle im Roboter-Designershop aus der Zukunft.
Überdrehte und virtuose Maschinen, unsterblich und bereit für die Liebe: „Bereit dafür, schon
wieder zu vergehen. Zirkulär in die nächste Spirale hinein. Als wäre es ein Ritual, die Choreografie
einer Wiederkehr. Es nochmals zu wagen, dem Tod zu widerstehen, das Leben hinzugeben, um
es außer sich vor Lust und Hingabe wieder in die Hand und in den Mund nehmen zu können“,
schreibt der Kunst- und Kulturwissenschaftler Andreas Spiegl zu „Lego Love“. Denn hier schweben
die TänzerInnen aus dem Ensemble des Staatstheaters Kassel und Stephanie Cumming aus
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Chris Harings Gruppe Liquid Loft wie im Drogenrausch in imitierten Gefühlswolken und wie
halluzinierten Farbräumen. Aus diesen heraus knackt, knarzt, quietscht und wimmert es. Die
Körper dieser Posthumanen machen Geräusche, die der Soundkünstler Andreas Berger zu einem
atemberaubenden, teils abgrundtief komischen Leben erweckt.
****
LEGO LOVE
Vor die Kulisse einer Gesellschaft, die den Tod nicht mehr kennt, verdrängt hat das Sterben, um
nun ohne Tod zu leben, schiebt sich das Bild des Vergehens. Ein Bild des sich Auflösens, des sich
Fallenlassens, des Vergehens in der Lust. Als würde man sich bis an die Grenze des Lebens fallen
lassen, ekstatisch an die Grenze der Erschöpfung gehen, an die Grenze des Sinnes, mit dem Rausch
an ein Ende, als wäre es der erlebte Tod. Das ist das Tabu, das die Orgie bannt, das Tabu, das im
Bacchanal gefordert wird. Lebendig zu vergehen, lebendig selbst dem Tod ein Ende setzen, sich
an allem zu vergehen. Sitten und Moral sind nur das Eingangsgeflüster und schon bald vergessen.
So wie der Tod, macht die Orgie keinen Unterschied, sie reißt alle mit sich, ausnahmslos. Im Bauch
des Bacchanals werden die Körper verdaut, verschmolzen zur ekstatischen Masse. Das Vergehen
vergeht sich am Ich, das nur mehr außer sich ist, schon jenseits der eigenen Grenzen, tödlich leben
will. Das Gesicht am Arsch, die Brust im Mund, den Mund in der Möse, die Hand schon verloren,
im andern Gestirn. Der einzelne Körper vergeht im orgiastischen Körper, der kein Ende mehr kennt,
keine Physiognomie und kein Gesicht. Das Beben ist das neue Gesicht, die Physiognomie reiner
Bewegung, zirkulär strebt es der Spirale zu. Ein bohrendes Gesicht, das Löcher reißt, den Mund
aufreißt, den Arsch aufreißt und aus allen Poren fließt, den Schweiß und das Blut mit Samen mischt.
Es vergeht sich am Vergehen, das Vergehen soll, von der nackten Erschöpfung aufgefressen werden
will. Außen und Innen werden zu einem Brei, zu einem Konglomerat aus Erbrochenem, das nochmals
die Maschine füttern soll. Erst wenn alle Körper verschlungen sind und selbst zur Nahrung werden,
öffnet sich das Vergehen dem Verbrechen, der Lust am Morden, der Lust am Sterben, schon tödlich
lebendig. Der Reiz des Nackten hat dann schon ausgedient. Das Nackte lebt anfänglich noch von
der Kleidung, die es verspricht. Am Weg in die Ekstase ist die Nacktheit noch gläsern, zerbrechlich,
nur die Skizze einer Grenze des Ich. Die Choreographie der Entblößung hat darin ihren Sinn, im
Nackten das erste Opfer zu sehen. Sich entblößen zu lassen, um etwas zu opfern, nur eine Jause
am Weg zum Vergehen. Auf dem Weg zum Orgiastischen zieht das Opfer das Vergehen an, seine
Entblößung ist das Gewand des Vergehens. Auch das ist ein Tabu, das Einverständnis als Opfer zu
handeln, dem Tod zu verfallen, um sich dann nur mehr als Leib fallen zu lassen, sich als Nahrung auf
dem Tisch zu servieren, um die eigene Panik zu genießen, panisch und gebannt sich beim Vergehen
zuzusehen. Das Bacchanal ist so alt wie der Mythos, der kein Altern kennt, der selbst so alt ist wie
der Tod. Die bewegte Geschichte des Bacchanals hat eine Relation zur Geschichte des Mythos, ein
Verhältnis zu seinem Bann. In Zeiten der Verbannung sehnt er sich nach dem Tabu und lebt mit ihm
im Verborgenen. In den Zeiten, die den Tod nicht mehr kennen, kehrt er als Kompensation zurück,
tritt an die Stelle, um das Wort nicht mehr in den Mund nehmen zu müssen, um vergehen zu können,
zu sterben ohne Tod. Am nächsten Morgen erscheint das Vergehen vergangen, die Verwüstung
verflogen. Die Blessuren und Spuren der Zähne legen nur ein Lächeln frei. Befreit vom Sterben ist
man zur Liebe bereit. Sich hinzugeben, ohne Grenze sich fallen zu lassen, bereit dafür, schon wieder
zu vergehen. Zirkulär in die nächste Spirale hinein. Als wäre es ein Ritual, die Choreographie einer
Wiederkehr. Es nochmals zu wagen, dem Tod zu widerstehen, das Leben hinzugeben, um es außer
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sich vor Lust und Hingabe wieder in die Hand und in den Mund nehmen zu können. Man kleidet sich
wieder, kleidet sich als Versprechen, verspricht die Entblößung, die Nacktheit als erstes Opfer, ohne
Hemmung, nackt auf das Tabu zuzugehen. Die Wiederkehr des Sterbens ohne Tod wird zur Nahrung
für einen Geschmack, dem nach dem Unsterblichen dürstet. Unsterblich verliebt. Unsterblich
verzehrt. Als wäre nichts gewesen, nur die Sucht nach diesem Nichts.
Text: Andreas Spiegl
// BIOGRAFIEN
Chris Haring
Arbeitete mit ChoreografInnen und Gruppen wie DV8 Physical Theatre (London), Nikolais/ Luis
Dance Cie. (USA), man act (GB), Nigel Charnock (GB), pilottanzt (A), Willi Dorner (A) u.a. Gemeinsam
mit dem Multimedia-Künstler/Komponisten Klaus Obermaier entwickelte er die vielbeachteten
Video-Tanz-Performances D.A.V.E. und VIVISECTOR, die mehrfach in Europa, Asien, Australien
und Amerika gezeigt wurden. Eine der wichtigsten Inspirationsquellen für seine Stücke, wie zB in
Fremdkörper (Beste Performance bei der Biennale de la Dance Lyon, 2004), ist Science Fiction und
die Betrachtung des Körpers als kybernetische Landschaft. 2005 gründete er die Company Liquid
Loft gemeinsam mit Andreas Berger, Stephanie Cumming und Thomas Jelinek. Als künstlerischer
Leiter von Liquid Loft choreografierte er u.a. die Performances Kind of Heroes (2005), My Private
Bodyshop (2005), Running Sushi (2006), Talking Head (2010) und die Perfect Garden Serie(seit
2011). 2007 entstanden die Stücke Posing Project A,B,C ( Posing Project B- the art of seduction
erhielt 2007 den Goldener Löwen bei der Biennale in Venedig). 2008 war er mit Liquid Loft
verantwortlich für die Bespielung des österreichischen Pavillions bei der EXPO Zaragoza. In jüngster
Zeit kreierte Bühnenstücke für internationale Gruppen wie Jin Xing Dance Theatre (Shanghai), Les
Ballets de Monte-Carlo, Dialogue Dance (Ru) oder dem Staatstheater Kassel (D).
Laja Field
Laja Field wuchs im US-amerikanischen Salt Lake City auf, wo sie auch modernen Tanz studierte.
Seit Beendigung ihres Studiums wirkt sie in Choreographien von Martha Graham, Abby Fiat, Eric
Handman und Juan Carlos Claudio mit. Auf dem Bates Dance Festival tanzte sie außerdem in einem
Werk von David Dorfman und auf dem Montréal Fringe Festival arbeitete sie mit der Schweizer
Tanzkompanie inFlux zusammen. Am Staatstheater Kassel war Laja Field als Aspirantin in Orpheus
tätig und konnte für readymades als Gasttänzerin gewonnen werden.
Annamari Keskinen
Die Tänzerin Annamari Keskinen kommt aus der finnischen Hauptstadt Helsinki. Ihr Studium hat
sie an der Ballettschule der Finnischen Staatsoper absolviert. Während dieser Zeit arbeitete sie mit
dem »Ballet des Jeunes d’Europe« und »Europa Danse« zusammen. Sie setzte ihre Ausbildung am
Studiengang IT Dansa in Barcelona, Spanien fort. Bis jetzt hat sie mit zahlreichen internationalen
Choreografen, darunter Jiri Kylian, Alexander Ekman, Uri Ivgi, Jo Stromgen, Gustavo Ramirez,
zusammen gearbeitet. Sie war Mitglied der »Bonachela Dance Company« und danach Mitglied
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der »National Dance Company« in Wales. Annamari Keskinen tanzte international in Produktionen
von Rafael Bonachela, Stephen Shorpshire, Stijn Celis, Andonis Foniadkis, Stephen Petronio, Mats
Ek, Regis Obadia und weiteren. Ihre eigenen Choreografien wurden in Barcelona und in Cardiff
aufgeführt. Seit Beginn der Spielzeit 2010/11 ist Annamari Keskinen festes Mitglied des Tanztheaters
am Staatstheaters Kassel.
Wencke Kriemer de Matos
Wencke Kriemer de Matos studierte Tanz an der Hochschule für Musik und Theater Felix
Mendelssohn Bartholdy in Leipzig und an der Salzburg Experimental Academy of Dance. Nach
Engagements bei der Luxemburger Kompanie UnitControl und der Schweizer Kompanie Alias folgte
in den Jahren 2000 bis 2007 eine feste Anstellung am Stadttheater Hildesheim unter der Leitung von
Ralf Jaroschinski und später Carlos Matos.
Hier tanzte sie auch in Gastchoreographien von Henrik Kaal, Jean Renshaw und Bemvindo Fonseca.
Außerdem arbeitete sie im Jahr 2002 für die Cie. Toula Limnaios in Berlin und 2007 für Mancopy
in Dänemark. Sie gründete auch zusammen mit Carlos Matos die Kompanie Oficina dos Sentidos,
die bereits vier abendfüllende Tanzprojekte in Deutschland, Portugal, Dänermark und der Schweiz
aufführte.
Nach ihrer Anstellung in Hildesheim wurde die Tänzerin als festes Ensemblemitglied der Kompanie
des Theaters St. Gallen eingestellt, wo sie in Choreografien von Philipp Egli, Stijn Celis und Nick
Hobbs tanzte, bevor sie 2010 auf der Seebühne der Bregenzer Festspiele zu sehen war.
Von 2009 bis 2012 war sie im Tanztheater des Staatstheaters Darmstadt unter der Leitung von Mei
Hong Lin tätig, in der Spielzeit 2011/12 ist sie als Gasttänzerin am Staatstheater Kassel engagiert und
wird mit Beginn der Spielzeit 2012/13 festes Ensemblemitglied.
Lauren Rae Mace
Lauren Rae Mace, geboren in Großbritannien und aufgewachsen in Amerika, begann mit dem Tanzen
im Alter von fünf Jahren. Mit 14 Jahren wurde sie an der Interlochen Arts Academy in Honours
Academia im Fach Performance Arts aufgenommen.. Sie hat an Sommerkursen vom School of
American Ballet, Joffrey Ballet, Alonzo King LINES Contemporary Ballet und Regional Dance America
teilgenommen. Zudem hat sie hat am California Institute for the Arts Tanz und Psychologie und an
der International School for Corporeal Mime in London studiert.
Lauren Rae Mace arbeitete als Tänzerin, Musikerin, Filmemacherin und Performance Artist mit
Künstlern und Kompanien zusammen, darunter mit dem Long Beach Opera, Empire of Teeth, Tai
Shani, Jonathan Fredrickson und dem Kollektiv DUNK, welches sich auf eine Verschmelzung von
experimenteller Musik und Performance konzentriert. Sie performte am Barbican und Tate Britain in
London, Bauhaus Ost (Berlin) und am LOOP Festival in Barcelona.
Breanna O‘Mara
Breanna O’Mara schloss ihr Tanzstudium an der Juillard School in New York ab. Dort tanzte sie
Choreographien von Stijn Celis, Ohad Naharin, Alexander Ekman, Larry Keigwin, Mark Morris und
Paul Taylor. Weitere Engagements fand sie in der Produktion Deloitte Ignite im Royal Opera House in
London, Jack Fervers Rumble Ghost auf den Festivals Performance Space 122 und Fall for Dance in
New York und dem Chicago Dance Festival.
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Sie tanzte auch in Arbeiten von Marie Chouinard, Colleen Thomas und Austen McCormick.
Außerdem gründete die Tänzerin das jährliche Kulturprojekt Detroit Arts Immersion in ihrer
Heimatstadt.
Am Staatstheater Kassel war Breanna O’Mara als Aspirantin in Orpheus tätig und konnte für
readymades als Gasttänzerin gewonnen werden.
Maasa Sakano
Die gebürtige Japanerin Maasa Sakano absolvierte ihre Ausbildung bei Rieko Miyaki sowie an
der renommierten National Theater Ballet School in Melbourne (Australien). Sie hat mit bekannten
Choreografen wie Bettine Owczarek, Bianca Martin, Nora Schott, und Elly Fujita gearbeitet.
Von 2008 bis 2011 war Maasa ein festes Ensemblemitglied des Tanztheaters am Staatstheater
Darmstadt. Mit Beginn der Spielzeit 2011/2012 ist sie Mitglied im Tanztheater des Staatstheaters
Kassel.
Laura Ramos Santana
Laura Ramos Santana, gebürtige Spanierin (Gran Canaria), absolvierte ihr Tanzstudium am Real
Conservatory Professional Dance in Madrid. Zunächst arbeitete sie zwei Jahre lang in der Cía.
Trasdanza, u.a. zusammen mit Olga Cobos, Chevy Muraday, Pedro Berdayes, Carmen Werner,
Cesc Gelaberg, Patrick de Bana und Itzick Galili. Aufgrund eines Stipendiums vom spanischen
Kulturministerium konnte sie ihre Tanzkenntnisse in Amsterdam vervollständigen, und dort
freiberuflich bei diversen Projekten mitwirken.Von 2008 bis 2009 war sie am Theater St. Gallen /
Schweiz tätig, z.B. mit Philip Egli, Stein Celis, Nick Hobbs, Eva Karczag. 2009 bis 2010 arbeitete
sie zusammen mit Helena Berthelius, Iker Gomez, Tino Fernandez, Juliana Reyes y Haim Adri in der
spanischen Cía TDLAB.
Mit Beginn der Spielzeit 2012/2013 ist Laura Ramos Santana festes Ensemblemitglied im Tanztheater
des Staatstheaters Kassel.
Léa Tirabasso
Léa Tirabasso kommt aus dem Nordosten Frankreichs. Sie hat ihr Tanzstudium an der bekannten
britischen Ausbildungsstätte für Zeitgenössischen Tanz The Place abgeschlossen. Als freiberufliche
Tänzerin arbeitete sie mit José Vidal & Company, mit Ei Arakawa und dem Jean-Guillaume WeisDance Theater Luxemburg und in der Seven Sisters Group.
Sie präsentierte auch eigene choreografische Arbeiten in Lyon, London, Oxford und Luxemburg.
Neben ihrer Tanzausbildung hat Léa auch einen Bachelor in Modern Literature and Art History an der
Universität Lyon absolviert.
Rémi Benard
Rémi wurde 1986 im französischen Troyes geboren. Dort hat er auch mit 17 Jahren angefangen zu
tanzen. Mit 18 studierte er an der C.N.S.M.D. in Lyon, gefolgt von einem zweijährigen Jazztraining bei
der C.E.S.M.D. in Poitiers.
Anschließend arbeitete Rémi für drei Jahre beim Ballet Junior of Geneva unter der Leitung von Sean
Wood und Patrice Delay. Er wirkte u.a. bei Arbeiten von Hofesh Shechter, Alexander Ekman, Stijn
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Celis, Andonis Foniadakis, Itzik Galili, Thierry Malandain, Patrick Delcroix und Ken Ossola mit.
Danach tanzte er bei ALIAS Cie in Genf unter der Leitung von Guilherme Botelho, wo er in dessen
Produktion von Romeo und Julia die männliche Hauptrolle tanzte.
Rémi Benard ist seit Beginn der Spielzeit 2011/2012 fest am Staatstheater Kassel engagiert.
Michał
Czyż
Michał Czyz wurde 1986 in Polen geboren, wo er die Staatliche Tanzakademie in Krakau in den
Fächern Schauspiel und Tanz absolvierte. Als Tänzer war er Mitglied des SILESIAN DANCE
THEATRE in Bytom. Er arbeitete u.A. mit Choreografen wie Jacek Łuminski (Polen), Idan Cohen
(Israel) und Kuik Swee Boon (Singapur) zusammen. 2011 tanzte Michał Czyz in Warschau am
THEATER CAPITOL in Choreografien von Janusz Skubaczkowski, Beata Owczarek und Jacek
Gębura.
Michał Czyz ist seit der Spielzeit 2012/13 fest am Staatstheater Kassel engagiert.
René Alejandro Huari Mateus
René wurde in Chocontó (Kolumbien) geboren. Er hat Chemie an der Universidad Nacional in Boyotá
studiert und begann nebenbei in der Compagnie Danza Común zu tanzen.
Es folgte ein Tanzstudium an der Folkwang Hochschule Essen. Dort wirkte er unter anderem in
Stücken von Rudulfo Leoni, Malou Airaudo, Mark Scieczkarek, Urs Dietrich und anderen mit. Neben
dem Studium kreierte er auch eigene Choreografien und tanzte für Ben Riepe und Jean Laurent
Sasportes. Von 2009 bis 2010 studierte er ihm Aufbaustudiengang Choreografie an der Folkwang
Hochschule Essen. In dieser Zeit tanzte er in einem Stück von Jérome Bel und Anna Konjetzky.
Er war Gasttänzer bei Pina Bausch sowie bei Neuer Tanz unter der Leitung von VA Wölfl. Seine
Choreografien wurden zu internationalen Festivals eingeladen. 2010 errang René den dritten Platz
beim Festival of Choreographic Miniatures in Serbien.
Viktor I. Usov
Der in der Ukraine geborene Viktor Usov begann bereits mit 13 Jahren seine Tanzausbildung in
Portland. Er nahm u.a. Unterricht bei den Jefferson Tänzern und schloss seine Studien schließlich
erfolgreich mit einem Bachelor of Arts an der Juilliard Schule New York ab. Er arbeitete mit
Choreografen wie Jose Limon, Paul Taylor, Jerome Robbins und Johannes Wieland zusammen
sowie mit Aszure Barton, Donald McKayle, Sarah Slipper, James Canfield, Lucas Crandall und Wen
Wei Wang.
Alekszandr Alekszandrovics Szivkov
Der aus Ungarn stammende Alekszandr Alekszandrovics Szivkov begann seine Tanzausbildung
mit 11 Jahren in der Folkdance & Theatre Faculty der Hungarian Dance University. Nach seinem
Abschluss tanzte er bei der Seged Contemporary Dance Company. Ab 2006 studierte er zwei Jahre
an der ArtEZ School of Dance in Arnhem, Holland. Er tanzte im Ensemble von Hans Hof, in der
Krisztina de Chatel Dance Company und arbeitete mit Suzy Blok, Keren Rosenberg und Pierre Audi
zusammen.
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Martin Dvorák
Der tschechische Tänzer und Choreograf erhielt seine Tanzausbildung am Tanzkonservatorium in
Brno (1997). Erste Engagements führten ihm zum Brno National Theater Ballett und dem Laterna
Magica Ballett in Prag. 1998-2001 war er als Solist am Prager Kammerballett, bis 2003 Tänzer an der
Volksoper Wien und anschließend am Ballett Bern tätig.
Seit 2004 war er engagiert am Tiroler Landestheater Innsbruck und am Landestheater Linz, wo
er noch immer als Gast tätig ist. Daneben tanzte er bei Fabulous Beast Dance Theatre (Irland),
English National Opera in London, sowie als Gast in Theatern oder freischaffenden Projekten in
Pilsen, Budapest, Greifswald, Aachen, Fürth/Nürnberg, Staatstheater Darmstadt und Tanztheater
Homunculus in Wien. Insgesamt arbeitete er mit über 40 Choreografen zusammen, darunter J.
Kylián, L. Vaculík, P. Zuska, P. Šmok, J. Heckman, R. North, J. P. Aviotte, J. Ulrich, L. King, C.
Guerin, J. Renshaw, J. Stroemgren, F. Dumeril, S. Celis, M. Hong-Lin und B. Lachambre. Seit
2001 ist er auch als Choreograf tätig, leitet die eigene Company ProART und das gleichnamige
International Workshop Festival für Tanz, Schauspiel, Gesang, Musik, Design und Fotografie in Prag.
Stephanie Cumming
Kanadische Tänzerin und Choreografin; lebt in Wien. Stephanie absolvierte eine klassische
Tanzausbildung an der University of Calgary, an der sie mit einem Bachelor of Arts im Jahr 2000
graduierte. Sie arbeitete in Calgary mit Nicole Mion und in Vancouver mit der battery opera
zusammen. Seit 2001 lebt und arbeitet sie in Wien. Dort kollaborierte sie mit Johannes Randolph,
Tanz*Hotel, Doris Stelzer, Hubert Lepka und mit dem Medienkünstler Markus Wintersberger.
Gemeinsam mit Chris Haring - die beiden arbeiten seit 2003 zusammen - Andreas Berger und
Thomas Jelinek gründet sie 2004 Liquid Loft. Seitdem wirkt Stephanie in jedem Stück der Kompanie
mit. Aufgrund ihrer Arbeit im Solostück Legal Errorist (Choreographie von Chris Haring), kürte sie das
Ballett-Tanz Magazin 2004 zur herausragenden jungen Tänzerin. Im selben Jahr erhielt sie außerdem
noch das danceWEB Stipendium. Des Weiteren wirkte Stephanie Cumming in Filmprojekten von
Mara Mattuschka, Erwin Wurm und Gustav Deutsch mit. Zu Stephanies Choreographien zählen
unter anderem Rodeo Queens (2008) für x.IDA in Linz, sowie Beyond Fr@nta (2009) - ein Projekt
zwischen Tanzinstitutionen aus vier unterschiedlichen EU-Ländern - und das Solostück Ah.Poetry,
das 2009 in der Szene Salzburg, im Rahmen von Impulstanz, uraufgeführt wurde. Im selben Jahr
beauftragt sie das Tanzquartier Wien eine Lecture-Performance (Titel: Redneck to Cyborg: A Shared
Transformation) abzuhalten. Diese hat die kreative Beziehung von Cumming und Chris Haring zum
Thema. Außerdem entstand für die Saisoneröffnung vom Tanzquartier Wien das kurze Solostück
P.S. Im Jahr 2010 war sie choreographische Assistentin für das Stück Sacre: The Rite Thing mit
Chris Haring / Liquid Loft und dem Ballet de Montecarlo. Zusätzlich leitet Stephanie Workshops im
Tanzquartier Wien und auch im Ausland.
Andreas Berger
Lebt und arbeitet in Wien. Seit 2003 zwei Veröffentlichungen als glim: music for fieldrecordings
(2003), aerial view of model (2006) bei karate joe und headz. Diverse Arbeiten für Theater, Film und
zeitgenössischen Tanz. Mitglied der Performance/Tanz Kompanie Liquid Loft. Andere Projekte:
Contour (zusammen mit Lars Stigler), Charmat Rouge. Zusammenarbeit u.a. mit Yasuhiko Fukuzono
(aus), Daniel Lercher, Peter Kutin, Martin Siewert, Michaela Grill, Ralo Meyer, WR, manoa free
university, Mara Mattuschka.
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Andreas Spiegl
Andreas Spiegl (geb. 1964) studierte Kunstgeschichte an der Universität Wien und lehrt am Institut für
Kunst- und Kulturwissenschaften an der Akademie der bildenden Künste Wien. Seine Arbeiten folgen
den Schnittstellen raumtheoretischer, subjekttheoretischer und medientheoretischer Fragestellungen.
Zahlreiche Publikationen zur zeitgenössischen Kunst.
Dr. Thorsten Teubl
Tanzdramaturg Thorsten Teubl wurde in Ulm geboren und wuchs auf der Schwäbischen Alb auf.
Nach Studien der Theologie und der Musik- und Theaterwissenschaft an der Universität Bayreuth
folgte ein Studium der Musiktheater-Regie bei Prof. Götz Friedrich an der Hochschule für Musik und
Theater Hamburg und der Universität Hamburg. Er war an unterschiedlichen Theatern als Regisseur
und Spielleiter tätig. Parallel dazu erfolgte ein Master-, Magisterstudium Kulturmanagement an der TU
Dresden u.a. bei Professor Bendixen (Schwerpunkt Management und BWL), dem Institut für Kulturelle
Infrastruktur Klingewalde (praktische Kulturarbeit und Kulturpolitik) sowie an der Universität Federico
II. von Neapel mit der Ausbildung in den Fächern Kunstgeschichte, klassische Archäologie sowie
Theater- und Projektmanagement an. Hinzu kommt die Teilnahme an fachrelevanten Fortbildungen,
wie bspw. in den Bereichen Kulturrecht, Urheberrecht, Orchester- und Kulturmanagement etc. und
zahlreiche Meisterkurse.Thorsten Teubl war als Projektleiter und Geschäftsführer zahlreicher Festivals
(bspw. Internationale Sommerschule der Künste Görlitz/Zgorzelec etc.) und länderübergreifender
kultureller Großveranstaltungen tätig, sowie als Künstlerischer Leiter am Kinder- und Jugendtheater
Görlitz engagiert.
Als Dozent für Kulturmanagement und Kulturmarketing war Thorsten Teubl am Institut für Sprachen
und Wirtschaft in Freiburg tätig - Einladungen zu Gastvorlesungen und Lehraufträge führen ihn u.a. an
die Hochschule Zittau/Görlitz und an die Universität Austral von Buenos Aires.
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// PRESSESTIMMEN
Juliane Sattler
Hessische/Niedersächsische Allgemeine
14. April 2013
Tanztheater
Johannes Wieland und Chris Haring mit „Readymades“ in Kassel
Kassel. Das Mädchen hockt im Bühnenhintergrund, halbnackt, mit einem kleinen Lied auf den
Lippen. Sehnsuchtsklänge. Die Reise in das Bacchanal ist beendet, überall erinnern weggeworfene
Kleidungsstücke daran. Wie keiner anderen Kunstform gelingt es dem zeitgenössischen Tanztheater
immer wieder, die Aggregatzustände des modernen Menschen auszuloten, seine Seelenzustände
in Bildern auszustellen: Körper erzählen vom ewigen Widerstreit zwischen Ordnung und Chaos,
Rausch und Normalität, Individuum und Gruppe. So viele Träume sind darin verborgen. Im Kasseler
Schauspielhaus widmen sich in der neuen Tanztheaterpremiere „Readymades“ zwei Stücke diesem
Thema. Tanzdirektor Johannes Wieland hat dazu den angesehenen Wiener Choreografen Chris
Haring eingeladen: Zwei Choreografien an einem Abend legen dann auch Schnittstellen bloß, vor
allem aber eine eigene Handschrift. Auf der weißen Bühne treiben in Harings „Lego Love“ die Tänzer
in den grauen Kleidern (Kostüme: Stefanie Krimmel) zu einem Knäuel aus Körpern zusammen. Wie
ein großes Monstrum atmet dieser Corpus, fließt, schmatzt, Münder saugen sich fest. Nähe als
Droge. Im Rauschzustand rücken Tod und Leben eng zusammen. Harings Arbeit ist stark performativ,
da entstehen bewegte Bilder und festgefrorene Figurengruppen, die auch an römische Plastiken
und Grisaille-Reliefs erinnern. Mit der Sound-Collage des Wiener Elektronikers Andreas Berger,
der klassische Sequenzen verfremdet und zerstückelt, unterfüttert der Wiener Choreograf seine
verblüffenden Brüche: Viktor I. Usovs Tanz mit sich selbst ist eine Selbstvergewisserung des Köpers
zum knarzenden Geräusch des Soundbastlers. Und wenn Breanna O‘Mara sich am roten Haarschopf
zieht und ein verfremdetes Marlene-Dietrich-Lied über vergangene Lieben erklingt, kann „Lego Love“
auch irrsinnig komisch sein. Eine Tanzperformace als sinnliches Theatererlebnis.
So viel Tanz war nie: Mit einer brillanten Leistung des hier durch Gastverträge aufgestockten 15köpfigen Ensembles besticht das Eingangsstück „white noise tragedy“ von Johannes Wieland.
Der in New York und Kassel arbeitende Choreograf umkreist in seinem 60-minütigen Stück
das Gezähmte und Gefährliche im Menschen. Die Tänzer auf dem weißen, zuweilen in lila Licht
getauchten Bühnenplateau agieren wie geklonte, vervielfältigte, fremdbestimmte Menschen.
Roboterbewegungen von Lauren Rae Mace oder das Eingangssolo von Simone Deriu im Stil eines
Kunstturners beherrschen das Bild, bevor zu den Heavy-Metal-Klängen von Donato Deliano das
Kontrollierte einem wilden Naturzustand weicht. Die Company mutiert zu einer Horde wilder Tiere,
fauchend, mit aufgerissenen Mündern. Kaskaden von aggressiven Bewegungslinien ergießen sich
über die Bühne, der ewige Kampf des Menschen gegen das Chaos in sich selbst. Maasa Sakano
im fast waagerechten Bewegungsflug über dem Boden, gedrehte, gedrechselte Sprünge im Fallen,
wunderbar, eine Parforce-Leistung des Ensembles. Im Ermatten dreht Annamari Keskinen einen
Spiegel ins Publikum, Stroboskoplicht blendet. Wo finden wir uns selbst? Zum Schluss werden die
weißen Kleider der Tänzer an herabgelassenen Haken in den Bühnenhimmel gezogen. Für beide
Stücke stürmischer Applaus zum Premierenabend.
Artikel lizenziert durch © hn
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Sylvia Staude
Tanz
04. Juni 2013
CHRIS HARING, JOHANNES WIELAND \“READYMADES\“
Diesmal hat Kassels Tanzchef Johannes Wieland den Wiener Choreografen Chris Haring eingeladen,
der mit Künstlerkollegen als Liquid Loft seit 2005 absolutes Formbewusstsein beweist. Mit zwei
Stücken von jeweils knapp einer Stunde Dauer ist der Abend nicht eben klein geraten. Zudem sind
«White Noise Tragedy» von Wieland und «Lego Love» von Haring unter dem Übertitel «Readymades»
ungewöhnlich gut aufeinander abgestimmt, haben doch beide nicht wenige - aber auch nicht
zu viele - Ähnlichkeiten und Bezüge. Es sind eher zwei Kommentare zu einem Thema. In der
bildenden Kunst ist ein Readymade ein Alltagsobjekt, das in einem bewusst neu erstellten Kontext
zum Kunstwerk wird. Hier spielen zwei Choreografen mit den banalen Readymades des Lebens,
mit Posen und Grimassen, mit schematisierten Gesten und Bewegungsfolgen. Das aufreizend
übergeschlagene Bein, das starre, zähnefletschende Plastiklächeln, sie können auch im Alltag in
unterschiedlichen Kontexten verwendet werden - und vielleicht werden sie darum auch manchmal
zur Kunst. Meist aber entlarven sie die Poseure selbst. Wielands «White Noise Tragedy» eröffnet
den Abend mit einem sportlichen Auftritt der 17 Tänzer samt Gästen. Sie tragen Weiß im Stil eines
modischen Tennisdresses, zeitweise auch Perücken aus Papier zu den Kostümen von Stefanie
Krimmel. Sie üben sich im Bodenturnen, nehmen Haltung an, laufen, fallen, kullern, recken sich,
zappeln und - posieren. Und dies vor dem Hintergrund einer von Nils Frahm bis Troublemakers
reichenden Klanglandschaft. Wielands Modern-Dance-Variationen sind nicht übermäßig originell,
aber doch solide und abwechslungsreich gefügt. Es ist eine durch und durch vertraute TanztheaterSprache und -Dramaturgie, die oft kurz vor dem Leerlauf steht. «White Noise Tragedy» handelt
von Künstlichkeit und zeigt Menschen von der Stange. Haring führt danach das Thema nahtlos,
nur mit etwas strengeren, konziseren Mitteln fort. Der Wiener ist in seinem eigenwilligen Werk
spezialisiert auf Mensch-Maschinen, Mutanten mit Roboterbewegungen, auf Stummfilm- und
Cartoon-Anmutungen. Nicht selten streben diese Plastik-Humanoiden nach sexueller Vereinigung,
arbeiten sich auch geduldig aneinander ab; aber es sind stets kühle Orgien ohne Erotik, eher blutleere
Reibungen. «Lego Love» erreicht mit neon-farbener Beleuchtung, repetitiven Mini-Bewegungen und
der stimmverzerrenden Geräuschunterlage von Andreas Berger - Mitbegründer von Liquid Loft -,
dass der Mensch als standardisiertes, auch fehleranfälliges System erscheint. Wie die Nadel auf einer
kaputten Schallplatte springen die Tänzer immer wieder zurück in ihren Bewegungen, ihre Körper
knirschen dabei wie steifes Leder. Einmal lässt Haring sie wie Raubtiere aufeinander losgehen, furios
im Fauchen. Sie mögen vielleicht davon träumen, dass sie gefährlich sind. In Harings dunkel-lustiger
Welt sind sie allemal nur arme Würstchen in Plastikpelle.
| 196
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Armin Hennig
Waldeckische Landeszeitung
07. Mai 2013
GRENZENLOSE SALTOSELIGKEIT UND ANSCHAULICHE EKSTASE
Tanztheater „readymades“ im Schauspielhaus - Choreografien verlangen Tänzern wie Zuschauern
alles ab von Armin Hennig Mit der Tanztheaterproduktion „readymades“ erforschen Chris
Haring und Tanzdirektor Johannes Wieland im Schauspielhaus den Alltag in seiner Beziehung zur
Kunst. Mit dem unter dem Obertitel „Readymades“ präsentierten Doppelprogramm vermitteln
Tanztheaterdirektor Johannes Wieland und der Wiener Choreograph Chris Haring den Zuschauern
den einen oder anderen nachhaltigen Eindruck und geben den Besuchern zudem noch viel Stoff
zum Nachgrübeln oder auseinanderdröseln der durch neue Kontexte entstandenen oder evozierten
Sinnzusammenhänge mit auf den Heimweg. Die passenden Antworten soll ohnehin jeder Zuschauer
selbst finden.
(...)
Mit dem Auftakt zum Scherzo von Gustav Mahlers fünfter Sinfonie, dem Stabat mater von Pergolesi ,
sowie dem Marlene Dietrich-Couplet „Wer wird denn schon aus Liebe weinen“ greift Soundgestalter
Andreas Berger für „Lego Love“ programmatisch auf allgemein vertraute musikalische Ready Mates
zurück, obwohl nur der Song über die Austauschbarkeit menschlicher Existenzen im Originalsound
erklingt, dafür optisch verfremdet wird. Denn die rothaarige Breanna O‘ Mara leiht als frisches Gesicht
der Stimme der Dietrich in der Eröffnungssequenz ihren Mund und ihren Körper.
Mit Lego und Love verbindet Haring zwei vielseitig verwendbare Komponenten, die sich rasch zu
immer neuen Kombinationen zusammenfügen lassen. Bei der Auswahl seiner „objets trouvées“
geht er gewissermaßen den umgekehrten Weg wie der Erfinder dieser Kunstform, die Alltagsobjekte
(wie das legendäre Urinal) im veränderten Kontext zur Kunst erhoben. Denn mit der LaokoonGruppe und Motiven, die auf Gemälden in der Wilhelmshöhe gesehen hatte, greift der Wiener
Choreograph beim Gestalten seines Bacchanals auf „Ready Mades“ aus der Hochkultur zurück, die
mit dem Orgiengehalt neu aufgeladen werden. Auf eine eindeutige Szenerie mit entstprechenden
Höhepunkten müssen die Zuschauer allerdings lange warten. Beide Choreographien dauern eine
knappe Stunde und während Wieland nicht schnell genug in Bewegung kommen kann, lässt sich
Haring deutlich mehr Zeit, ehe sich die Laokoon-Variationen zur Körperpyramide entwickeln. Den
aktuellen Hitzegrad der Orgie können die Zuschauer am Thermoscanner-Licht erkennen, in welches
das orgiastisch verkeilte Knäuel getaucht ist. Erst nach den ganz hitzigen dunkelroten Graden
folgt der Moment der Ernüchtung, in dem auf einmal alle nackt und rosa und irgendwie verwirrt
dastehen. Begeisterten Beifall gab es für beide Choreographien, die Tänzern wie Zuschauern alles
abverlangen.
| 197
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[8:TENSION] LIZ SANTORO
„WE DO OUR BEST“
(FR/US)
[WILDWALK] 02. AUGUST | 23.00 UHR | KASINO AM SCHWARZENBERGPLATZ
Liz Santoro @ ImPulsTanz
Performances
2009
Eszter Salamon & Christine De Smedt
„Transformers“ (Dancer)
Other
2009
| 198
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[8:TENSION] LIZ SANTORO
„WE DO OUR BEST“
(FR/US)
[WILDWALK] 02. AUGUST | 23.00 UHR | KASINO AM SCHWARZENBERGPLATZ
Choreografie und Regie
Künstlerische Kollaboration
TänzerInnen
Kostüme
Liz Santoro
Pierre Godard
Mélanie Giffard, Cynthia Koppe und Liz Santoro
Reid Bartelme
FUSED (French U.S. Exchange in Dance), Danspace Project
Commision through the Jerome Foundation
Dauer
45 Minuten
// ABOUT „We Do Our Best“
Ursprünglich wollte sie Chirurgin werden und studierte Neurowissenschaft an der Harvard University.
Dann hat sich Liz Santoro für die Laufbahn einer Tänzerin und Choreografin entschieden. Aber etwas
von ihrer früheren medizinischen Leidenschaft scheint geblieben zu sein: Ihr Stück „We Do Our Best“
ist scharf wie ein Skalpell und zielt darauf ab, die Spiegelneuronen des Publikums so richtig in Fahrt
zu bringen. Drei Frauen in seltsam akkuraten Blusen, Röcken und Pumps geben ihr Bestes. Dafür
liefern sie sich den Blicken ihrer Zuschauer aus, und sie bleiben diesen Blicken nichts schuldig. Zu
kühlem Sound werden provokant strikte Posen gestellt, reduzierte Bewegungen mit umso mehr
Spannung aufgeladen und mit dem neuesten Gossip kombiniert. Was dabei heraus kommt, ist alles
andere als harmlos.
*****
Beginning with the assertion that the presence of an outside gaze creates a performative action upon
an individual, this work explores what is taken and what is given in the exchange between watching
and being watched. It focuses on the perceptions of strength and weakness experienced in holding
the attention of another. What happens if one does not remain in places where one is strongest?
What strength is revealed in the act of subjugation? Through the lens of the female body on stage We
Do Our Best investigates the performer’s position as an entity to be commanded, to be looked at, to
be exposed.
“Anatomy is destiny”
Drawing from my experience performing in vastly different types of work over many years, my
anatomical and neuroscience studies and an investigation of body postures, fashion and film during
the political movements of the 60’s, I am attempting to understand what is intrinsic to how we
perceive and experience power on stage. The highly choreographic film Playtime (1967), by Jacques
| 199
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Tati, was an initial well of visual information as well as a kinesthetic reference for this work. This led to
examinations both into the political climate and changes occurring in fashion during this era, which
revealed a strong accordance with shifts in female physical comportment. Using this connection
between postures resulting from an external gaze and the physical and neurological act of performing
on stage, we set to work in attempt to create a more intuitive means to participate inside of a
theatrical structure.
The current image of a woman is overloaded with a ceaseless renegotiation of position. A narrative
we continuously recreate and edit based off of visual and social cues. This piece proposes a starting
point wherein the observer creates an image in the absence of any visual cues. The suffusing sound
and vibrations of what is perhaps an old air filtration system launches the performance, followed
by the clicking of several women walking in high-heeled shoes that seem to approach and retreat.
Eventually one woman walks into the space, poised and staid, dressed in 60’s Yves Saint Laurentstyle tailleur. She instantly conjures a recognizable image to match the one created from the sound
alone. Yet once she fully arrives there is a shift in her presence, her gaze, her body carriage. Her
intention is nearly imperceptible except that the earlier narrative of observation can no longer be
employed. She is ultimately joined on stage by another woman and then another, each passing
through very quiet states that loudly interact with those observing them through exchanged scrutiny.
While building a reality inside the inescapable make-believe of a theatrical context, the piece then
suddenly proposes a very brief theatrical piece inside of itself. A synchronized choreography and
text, pursuing a traditional type of perfection and detail, arises to temporarily appease a tension. With
the atmosphere now shifted from this awkward arrival, the piece then pushes to find its way back to
brave exposure and exchange inside the observed observer observing its observed observers. The
performance continues to employ methods of diverting from the anticipated path while thrusting the
performers into places where both subjugation and triumph lie in ugliness as much as in beauty.
References
The research that led to the initial investigations of We Do Our Best began at Dance Theater
Workshop in New York, where I was a Fresh Tracks Artist in Residence. The artistic team of artistic
collaborator, two dancers and myself were then invited to participate in SKITe 2010 where we
worked at the CCN in Caen and at IMEC (Saint-Germain-la-Blanche-Herbe) which was exhibiting
the design archives of Yves Saint Laurent. Further development for work took place at ImPulsTanz,
Vienna International Dance Festival, in July and August of 2011. Material for the piece has been
shown at The Judson Church in January 2011 and Danspace Project at St Marks Church in April
2011. It is a Danspace Project Commission and the recipient of a FUSED grant from the French
Embassy and NEFA. The piece will premier in the festival Artdanthé at Théâtre de Vanves in March
2012 and at Danspace Project at St Marks Church in New York City in April 2012.
// BIOGRAFIEN
Liz Santoro
Liz Santoro is a New York and Paris-based choreographer and performer. Hailed as «wickedly smart»
by the New York Times, her choreographic work has been presented in New York at PERFORMA09,
Movement Research, Chez Bushwick, Judson Church, Dixon Place, Brooklyn Arts Exchange, The
| 200
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Field, Danspace Project, The Chocolate Factory and Dance Theater Workshop. Her work has also
been shown in Belgium at The Forum and in France at Théâtre de Vanves and the festival «Il Faut
Brûler Pour Briller».
In 2009 she was a recipient of the danceWEB scholarship at ImPulsTanz in Vienna and became a
2010 artist in residence at Dance Theater Workshop as part of the Fresh Tracks Program. She was
a participant in the fifth edition of SKITe directed by Jean-Marc Adolphe and an artist in residence at
ImPulsTanz in July and August 2011.
She studied Vagonova ballet technique at the Boston Ballet School, graduating from their
Professional Division at the age of seventeen. With the intention of becoming a surgeon, she then
attended Harvard University where she completed a Bachelor‘s degree in neuroscience. Permanently
postponing her medical studies she began rigorously training in improvisation, the physical modality
of Trisha Brown, the techniques of Body-Mind Centering® and Klein, while continuing a practice in
ballet and anatomical studies. Performing contemporary dance work since 2003, both in New York
and internationally, her dance work as an interpreter for others has moved through an expansive,
diverse and exacting range of choreographic work. Among these artists, she has worked with Jack
Ferver, Trajal Harrell, Sam Kim, Heather Kravas, Jillian Peña, Eszter Salamon & Christine de Smedt,
Emily Wexler, David Wampach and Ann Liv Young. She has also performed in the theater work of
John Jahnke/Hotel Savant, Charles Chemin, Pierre Godard and collaborated with visual artist Ryan
McNamara.
Cynthia Koppe
Cynthia Koppe was born in Singapore and lives and works in New York. She has had the pleasure
of working with Marina Abramovic, Kira Blazek, Will Rawls, Ellis Wood and Bill Young. In addition
to projects with Liz Santoro she is currently a member Shen Wei Dance Arts. She graduated from
Cornell University with a degree in Sociology and Dance. Cynthia is also a bodyworker and Pilates
instructor.
Mélanie
Giffard
Mélanie Giffard, born Caen, France, has studied contemporary dance since the age of four with Astrid
Lemoine and Jacky Auvray, for whom she also danced. She obtained her EAT (Examen d’Aptitude
Technique) in 2006. She was a participant in SKITe in 2010She has worked with choreographers
Daniel Clifton, Herman Diephuis, Maude Le Pladec and Cie Fattoumi/Lamoureux.
Pierre Godard
An engineer by training, Pierre Godard has worked in theater as technician, assistant lighting
designer, props manager, stage manager, assistant director and director. He has worked with JeanMichel Rabeux (A Midsummer Night‘s Dream and Twelth Night by William Shakespeare, Le Corps
Furieux, La Barbe Bleue, Les Quatres Jumelles), Sylvie Reteuna (Snow White by Robert Walser),
Sophie Lagier (Crave by Sarah Kane), Valère Novarina (L’Acte Inconnu) and Liz Santoro (Good Girl).
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// PRESSESTIMMEN
Gia Kurlas
The New York Times
13. April 2012
For Objects of a Gaze, a Chance to Return It
Liz Santoro and Anne Zuerner at Danspace Project
What’s with the shared bill? Over the past few months, choreographers have been pairing up
everywhere, from New York Live Arts to the Kitchen and, finally, Danspace Project, where on
Thursday evening, another double bill was unveiled, featuring Liz Santoro and Anne Zuerner. There’s
something regressive about this way of packaging dance. Ms. Santoro’s “We Do Our Best” may not
have been perfect, but it deserved its own night.
The program begins with Ms. Zuerner’s shorter “vessel ventricle pearl,” for which she uses only a part
of the performance space at St. Mark’s Church. Much of her dance, which she performs with Jessica
Weiss and Claire Westby, takes place on risers, usually reserved for seating, in a corner of the
sanctuary. A shift in perspective is undoubtedly behind this arrangement, but so much of this work is
overdressed that it reads more like an assignment than like an inspired point of departure.
Heavy-handed blackouts are distracting, as are the dancers’ costumes, by Nicola Gardiner, which
include unflattering high-waisted, brown-belted pants.
But just when Ms. Zuerner gets going — mercifully renouncing static poses against the wall for a
wildly beautiful passage of brisk footwork executed with a relaxed upper body — she spoils it with
a tacked-on duet for Christiana Axelsen and Emma Desjardins, the celebrated Merce Cunningham
dancer. It’s tepid by comparison; the footwork section is a whole other dance waiting to be born.
Ms. Santoro, her cherubic face and red curls a familiar sight over the years in works by Jack Ferver,
Trajal Harrell and Ann Liv Young, has choreographed a more substantial piece exploring the feminine
body. Called “We Do Our Best,” it features Ms. Santoro, Mélanie Giffard and Cynthia Koppe offering
themselves as objects to be stared at. They also stare back. While Ms. Zuerner uses only a part of
the space, Ms. Santoro gobbles it all up: the balconies, the stage and the aisle between the seats.
Wearing heels with Reid Bartelme’s immaculate skirts and tops — he may be a dancer, but he has a
future in costume design — the women spend much of the time walking, as well as standing still. It
may not sound like much, but that is where Ms. Santoro’s meticulousness comes in.
There’s nothing casual about “We Do Our Best,” which takes place under bright lights that magnify
the most minute changes in bodies and facial expressions.
There are other scenes in which the dancers experience breakdowns of sorts, and their squeals and
hysterical shrieks fall into the category of modern-dance clichés. But as with Ms. Zuerner’s footwork
passage, there is a standout moment in “We Do Our Best” when Ms. Santoro and Ms. Koppe
perform a talking duet — they’re clueless women talking about other clueless women — while taking
small, clipped steps.
| 202
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As they point their toes to the side, rise on the balls of their feet or tap their heels onto the floor in
unison, their obsessive precision is stunning. For a good few minutes, at least, Ms. Santoro takes her
dance all the way.
A version of this review appeared in print on April 14, 2012, on page C5 of the New York edition with the headline: For
Objects of a Gaze, A Chance to Return It.
| 203
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Lizzie Simon
The Wall Street Journal
10. April 2012
| 204
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[W ILDWALK] MAISONDAHLBONNEMA
„ANALYSIS – THE WHOLE SONG“
(BE)
MaisonDahlBonnema @ ImPulsTanz
Performances
2011
2011
2011
2007
Maison Dahl Bonnema
„The Ballad of Ricky and Ronny - a pop opera“ (Choreographer & Dancer)
Maison Dahl Bonnema
„Ricky and Ronny and Hundred Stars (a Sado Country Opera)“
(Choreographer & Dancer)
Maison Dahl Bonnema
„Analysis - The Whole Song“
Work in Progress Showing (Choreographer & Dancer)
Maison Dahl Bonnema
„The Ballad of Ricky and Ronny - a pop opera“ (Choreographer)
Anna Sophia Bonnema @ ImPulsTanz
Performances
2006
2005
2004
Jan Lauwers & Needcompany
„Isabella‘s Room“ (Dancer, Writer)
„Isabella‘s Room“ (Dancer, Writer)
„No Comment“ (Dancer)
Hans Petter Dahl @ ImPulsTanz
Performances
2006
2005
2004
„Isabella‘s Room“ (Dancer)
„Isabella‘s Room“ (Dancer)
„No Comment“ (Composer)
| 205
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[W ILDWALK] MAISONDAHLBONNEMA
„ANALYSIS – THE WHOLE SONG“
(BE)
Konzept, Performance, Libretto undDesign
Konzept, Performance, Musik und Design
Produktionsleitung
3D Design & Grafik Konzept
3D Artist
Kostüme
Assistenz & Übertitel
Technik
Fotografie
Dramaturgische Einführung
Englisch Korrektur
Französisch Übersetzung
Niederländisch Übersetzung
Publikation
Anna Sophia Bonnema
Hans Petter Dahl
Luc Galle and Christel Simons
Jan Bultheel
Peter Paul Milkain
Lot Lemm
Eva Blaute
Dorus Daneels
Maarten Vanden Abeele
Frank Vande Veire
Gregory Ball
Olivier Taymans
Maarten Polman
‘Analysis – the Whole Song’, De Nieuwe
Toneelbibliotheek, ISBN 978-94-6076-106-5
MaisonDahlBonnema & Needcompany & M-A-P
BIT Teatergarasjen (Bergen), in cooperation
with kunstencentrum BUDA (Kortrijk),
3D Square / HOWEST (Kortrijk), Syntra Hasselt,
Kaaitheater (Brussels), with residencies in
ImPulsTanz (Vienna), PACT Zollverein (Essen)
the Flemish authorities and Norsk kulturråd
Dauer
90 Minuten
Produktion
Koproduktion
// ABOUT „Analysis - the Whole Song“
Die beiden Zeitreisenden Ricky und Ronny nähern sich im dritten und letzten Teil von Dahl-Bonnemas
„Tokyo, Paris, New York – a Pop Opera Trilogy“ ihrem Ziel. Nach psychischen Zusammenbrüchen
sind sie einem langen Weg gefolgt, der sie schließlich in eine weite Wüste und dort in eine verlassene
und vergessene Bibliothek geführt hat. An diesem unheimlichen Ort geistern Sigmund Freud und
Karl Marx umher. Von Weltschmerz getrieben und zugleich besessen von der Idee, dass irgendwo
auf jeden Menschen das Buch seines Lebens wartet, blicken Ricky und Ronny zurück auf ihr wildes
Leben. Und sie beginnen, die Bücher zu ordnen. „Analysis – The Whole Song“ ist Bühnenstück und
Animationsfilm zugleich: phantastisch, intim, traurig und spirituell.
| 206
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My voice, my voice is never alone I will never say goodbye
All the people singing
Keep singing for themselves
We all want our hearts to grow
Your love will come
Your love will come
-MaisonDahlBonnema-
Analysis – the Whole Song is MaisonDahlBonnema’s new play with a libretto by Anna Sophia
Bonnema and a musical composition by Hans Petter Dahl. This performance is the final piece in their
trilogy on contemporary opera, Tokyo, Paris, New York – a Pop Opera Trilogy.
The protagonists in this play, Ricky and Ronny, make a journey through time and space in which they
are confronted with iconic historical figures. These characters appear in an animation film which was
created for MaisonDahlBonnema by 3D artists.
It’s a contemporary, poetic, mythical and religious story, a spiritual quest full of questions and
encounters, where one can feel the whole of human history vibrating. You can expect a concert full of
cries from the heart.
About Analysis - the Whole Song
Frank Vande Veire
Je n’existe pas, je danse.
Jean Genet
There is nothing more desolate than a library in the middle of the desert, as if the world’s
consciousness of itself has been banished from the world. Millions of ideas, reflections, stories,
studies, analyses, dreams, fantasies, a parallel world of endlessly winding sentences, all stored
in what looks like an Egyptian burial temple, seemingly destined for nothing other than to slowly
crumble away. This is the non-place where Ricky and Ronny, survivors from a psychological crash,
are endlessly lugging books around in search of an Order where every reader would find his Book.
They are haunted by the notion that these books know more about people than they do themselves,
and that for each person there is at least one book or one little page that sees right through them,
and which is in search of them, a book or even just a page or a scrap of a sentence in the face of
which he stands as naked as Adam and Eve in paradise, and just as guilty with regard to what he
could have been. An honest, devastating book. In the deserted library, Marx and Freud, for several
decades the most reviled thinkers, have come to life from between the pages of their books. They
roam around in the library like melancholy logos of themselves. The father of psychoanalysis is a
dwarf with an eternally-burning cigar, Marx an imposing but good-natured minotaur in his labyrinth.
Why these two precisely? Don’t they realise they are outdated figures of the nineteenth century?
| 207
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Poor Freud: he saw man as a sick animal which, touched by something strange, overindulges in
confused dreams and follies. He was not aware of what neurobiology has since taught us: that man
is a rather grumbling survival machine, the somewhat moronic instrument of his selfish genes. And
Marx underestimated the ingenuity of capitalism. He was not yet aware that it is simply the logic of
the world itself and is thus the only and the true remedy for the catastrophes into which it repeatedly
drags mankind. Money and Genes, no God has ever been as inexorable as these two eminences.
Are our genes not the starting capital that we should invest as shrewdly as possible? No one with
healthy genes and sufficient money would after all ever think of causing their own downfall, or of
thinking only of their death, or staging it, or entertaining someone else with it, would they? Helping
someone else towards their doom is much more natural. Only if necessary, of course. So Freud is
beaten up by two children in radiant health and left for dead. These terrible, unmanageable children
are always turning up on the horizon of our imagination. We need them, like the dreamlike bearers
of our most dangerous but most ineradicable idea: that of innocence. Such beings defy calculation,
they come like fate, without cause, reason, notice, excuse, they are there as the lightning is there,
too
terrible,
too
sudden,
too
convincing,
too
‘different’,
to
be
personally
even
hated.
Their
work
is
an
instinctive creating and impressing of forms, they are the most involuntary, unconscious artists you
could imagine. But why do they butcher Freud? What did he ever do to them? Is it that he never gave
them what he had never promised? Is it that he – ‘the dirty old man!’ – was aware of their sexuality,
something in which only fashion and commerce are now still interested? Is it that under his gaze their
nakedness was in danger of becoming shameful and guilt-ridden – and thus pervaded with
unbearable pleasure? Is it that they have therefore not escaped the fate of Adam and Eve? These
beautiful, uninhibited children, they are the envoys of a paradise that is hell. In any case, just as the
primal father in Totem und Tabu only rises up as a god in his sons once they have butchered him,
the splendidly innocent murder of Freud seals his immortality. His cigar will always keep on burning,
like an eye that cannot stop seeing. What is the worst version of the Über-Ich, the dead professor’s
burning cigar or the eye that parades on whorish high heels in the middle of the desert? – On the
other hand, the children leave Marx alone. But is he less endearing than his colleague, Freud? He
makes himself an accessory to the deceptive innocence of dance, as if he was confident that the
world will one day rediscover his teaching if it is not to change into an infernal desert. This confidence
is frivolous, but what else can you do but dance if you are the author of Das Kapital, a book that
everyone knows but no one has read? And Ricky and Ronny? They are all this in one. Do they really
exist? They are the chorus in their own tragedy. They look back in song at their ups and downs, at
their desire for revolution, at a cleansing therapy, at innocent bloodlust, at lethal ecstasy. And, just as
much, they sing of their mistrust of these desires. They know the extent to which commitment, but
also the death wish and despair and Weltschmerz, can become a modish pose. Hopelessly artistic.
Delightfully artistic. They sing their own praises like survivors with a death wish, living between two
crashes. They evidently see life as only worthwhile from the point of view of a radical withdrawal
into a mental institution, or a library, or simply of pure Disappearance, no longer existing or even
never having existed. Look at us, can’t you see that we have already departed? This perspective is
impossible. You can only sustain it if you keep on singing and dancing. You can only experience this
sort of thing in an opera.
| 208
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// ABOUT MaisonDahlBonnema
Hinter „Maison Dahl Bonnema“ steckt das Duo Hans Petter Dahl und Anna Sophia Bonnema. Seit
1999 sind die beiden auch Ensemble-Mitglieder von Jan Lauwers‘ Needcompany. 1995 gründeten
Dahl und Bonnema gemeinsam die Compagnie „Love & Orgasm“. Seitdem haben sie zehn
Produktionen als Duo und mit anderen KünstlerInnen erarbeitet, wobei sie stets eigenkomponierte
Musik, bildende Kunst, Literatur und Theater miteinander verbinden.
Dahl und Bonnema definieren und erfinden sich immer wieder neu: zunächst als „Love & Orgasm“,
dann als „L&O Amsterdam“ und schließlich als „MaisonDahlBonnema“, das sie 2003 schufen, mit
dem Ziel, neue Ideen für die Bereiche Kleidung, Musik, Video und Schreiben zu entwickeln. Das Duo
erarbeitet alle Elemente ihrer Performances selbst - Texte, Musik, Kostüme, Bühnenbild - ebenso wie
sie selbst performen.
// BIOGRAFIEN
Anna Sophia Bonnema
From 1982 to 1986 the Dutch Anna Sophia Bonnema studied at the theatre school in Amsterdam.
She staged several plays and also wrote a great many, including De bomen het bos, staged with
the Nieuw West theatre company, and Tegenmaat. Since 1995 she has worked with Hans Petter
Dahl in the L & O Amsterdam performance group. They have created several pieces including the
love show Tantra & Western(1995), What have you done with my poem? - Sing-Dance #1 (1996),
Made in Heaven – Sing-Dance #2 (1997), Attention - Sing-Dance #3 (1998) and the multidisciplinary
performance Post coïtum omne animal triste est (1999), with a different improvising dancer every
night. For these projects they worked with people from several disciplines such as Liza May Post
(artist), Oyvind Berg (writer), Tom Jansen (actor) and improvising dancers including David Zambrano,
Laurie Booth, Eva Maria Keller and Michael Schumacher. In 1997 they did a coproduction with
Bak- Truppen called Good Good Very Good. As a duo they created the performances Nieuw Werk
(2001) and Shoes and Bags (2003). The latter was made on the occasion of the opening of their
virtual house for fashion, art and concepts, MaisonDahlBonnema. In 2005, they made their thoughtful
piece Not The Real Thing together with Robert Steijn (as performing dramaturg). Their latest pieces,
The Ballad of Ricky and Ronny – a pop opera (2007), Ricky and Ronny and Hundred Stars - a
Sado Country Opera (2010) and Analysis – the Whole Song (2011) receive production support from
Needcompany.
Needcompany’s King Lear (2000) was Anna Sophia Bonnema’s first production with Jan Lauwers.
Since then she has also appeared in Images of Affection (2002), Goldfish Game (2002), The Lobster
Shop (2006), The Deer House (2008), Sad Face | Happy Face trilogy (2008), and also in Needlapb
and The House of our Fathers. In No Comment (2003) she replaced Carlotta Sagna. She has already
written several pieces, including monologues for the Red Part in Needlapb and The Liar’s Monologue
for Isabella’s room (2004).
Hans Petter Dahl
From 1987 to 1995, Hans Petter Dahl worked with the Norwegian company Bak-Truppen. In 1995,
together with Anna Sophia Bonnema, he founded the L & O Amsterdam performance group. They
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have created several pieces including the love show Tantra & Western, What have you done with my
poem? - Sing-Dance #1 (1996), Made in Heaven – Sing-Dance #2 (1997), Attention - Sing-Dance
#3 (1998) and the multidisciplinary performance Post coïtum omne animal triste est (1999), with a
different improvising dancer every night. For these projects they worked with people from several
disciplines such as Liza May Post (artist), Oyvind Berg (writer), Tom Jansen (actor) and improvising
dancers including David Zambrano, Laurie Booth, Eva Maria Keller and Michael Schumacher. In 1997
they did a coproduction with Bak-Truppen called Good Good Very Good. As a duo they created the
performances Nieuw Werk (2001) and Shoes and Bags (2003). The latter was made on the occasion
of the opening of their virtual house for fashion, art and concepts, MaisonDahlBonnema. In 2005,
they made their thoughtful piece Not The Real Thing together with Robert Steijn (as performing
dramaturg). Their latest pieces, The Ballad of Ricky and Ronny – a pop opera (2007), Ricky and
Ronny and Hundred Stars - a Sado Country Opera (2010) and Analysis – the Whole Song (2011),
receive production support from Needcompany.
It was in Needcompany’s King Lear (2000) that he first worked with Jan Lauwers. Since then he
has also appeared in Images of Affection (2002), Goldfish Game (2002), Isabella’s room (2004), The
Lobster Shop (2006), The Deer House (2008), Sad Face | Happy Face trilogy (2008), and also in
Needlapb and The House of our Fathers. In No Comment (2003) he was one of the six composers.
He also composes music for Needlapb, for Isabella’s room, The Lobster Shop and The Deer House.
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// PRESSESTIMMEN
Pieter T‘Jonck
De Morgen
21. Dezember 2011
Into the desert with Marx and Freud
Hans Petter Dahl and Anna Sophia Bonnema together make up MaisonDahlBonnema, a company
that took shape under the wing of Needcompany. After ‚The Ballad of Ricky and Ronny‘, which was
selected for the 2008 Theatre Festival, and ‚Ricky and Ronny and Hundred Stars – a Sado Country
Opera‘, they are now rounding off their contemporary opera trilogy featuring the couple Ricky and
Ronny with ‚Analysis – the whole song‘.
This trilogy is one of the oddest works to hit the stage in the last few years. The main characters
are Ricky and Ronny. They appear not to have the slightest illusion about their relationship. To
compensate for this there are no peculiar ideas or perverse desires they shrink from. It seems that
they have no time for values and standards. The first time, the story is set in a large city, the second
somewhere in the cosmos and the third offers a journey through time and space. Altogether this is
an opera that looks the ‘decline of Western society’ straight in the eye, sometimes in confrontation,
but strangely enough sometimes in an almost comical way too. Opera is actually a rather misleading
word for this work. Bonnema wrote the dialogues and Dahl set them to music. So there is constant
singing, but the orchestration of the first two parts was mainly limited to live synthesiser. ‘In the third
part the music is much richer, because apart from the singing we no longer perform it live,’ says Hans
Petter Dahl.
The
set
also
remained
very
simple,
although
the
first
two
parts
ended
with
superb
short
animated
films.
In
Analysis
these
animated
films
play
the
leading
part.
Dahl: ‘In Analysis we make abundant use of animated film. We used motion capture: we acted
several characters in a sensor suit and that provided the basis for animated images that move
realistically. In that way we are able to stage far more characters than we could with just the two of
us. It was quite a struggle to get the film and the live action in balance.’
Bonnema: ‘We look back at two major figures of the 19th century: Freud and Marx. Analysis was
inspired by their work and the Marxists of the Frankfurt School whom they inspired. We bring them
face to face with a bunch of murderous children, with ourselves and with Adam and Eve.’
So is this a sort of therapy for the couple after the events of parts I and II?
Dahl: ‘It is therapeutic in its own way, but I think it’s because everyone in our society is sick. It’s
impossible to internalise all the contradictory demands that bombard us. What happens if you make a
mistake? Can you start all over again?’
Bonnema: ‘We use all sorts of material to suit our purpose. That makes them very personal stories,
but they are not autobiographical. We portray alter egos, possible alternative lives which have not
necessarily been led.’
Dahl: ‘This piece contains reflections on a filmic reality that we find ourselves faced with. They are
possible self-portraits in a parallel world. That doesn’t make it an agreeable world: it is coloured by
what Lacan called le reel: a situation in which all the familiar contexts by which we understand things
have disappeared. War situations are one example.’
| 211
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You portray a fatally exhausted couple in parts I and II. But you two are always on the road together.
Dahl: ‘It’s wonderful to be together all the time. If we didn’t perform together, we would never see
each other. We do everything together, like farmers. But we have a big meadow.
| 212
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Knut Ove Arntzen Norwegian Shakespeare- and Theatre Periodical 01. Dezember 2011
MaisonDahlBonnema: Pop-cultural Theatre in Landscape and in Physical Body
Play on illusion and on how the subconscious mind may act as a projector for images of stars, sky,
desert landscapes and the personal story of individuals, this is what we find in MaisonDahlBonnema’s
pop-opera series.
I prefer to understand this pop-opera series on the basis of an animated or artificial landscape that
opens for a conception of art related to the fantastic as well as to the surreal and the geographical.
In this series the landscape of the physical body is made up of how the actor or dancer’s figurative
expression through movements and patterns of movements reflect the personal or autobiographical
in relation to their identities or in relation to the identity of others. In these forms of expressive
art, theatre and visual arts have joined into hybrid forms, such as we know from performance art
and visual dramaturgic expressions – or, if you please, post-dramatic theatre. The post-dramatic
however, is a paradox, since the genre of opera is working precisely with dramatic clichés and with
melodrama. The fragmented, the playfulness and the ironic involvement characterises “Analysis – the
Whole Song”. Like in earlier productions, the fantastic video animations made by Jan Bultheel are in
dialogue with the acting in the stage room and simultaneously is a basis for the acting on stage. The
animations created by help of surprising and astonishing computer made 3D-effects.
The production opens with a libretto where Anneke Bonnema sings of how lonely she feels and
how therapy made her come out of the depression, but has she come to any final conclusion in
her relation to the complex, down-going consumer society bombarded by the financial crisis? No,
but Karl Marx makes his entry, accompanied by the dwarf Sigmund Freud. Here Marx and Freud
are two different characters that are enacted in Bultheel’s 3D animation film. This animation film is
what becomes the analysis or the psychoanalysis, so to say. The result of it is that the Ricky and
Ronny-couple venture into the desert in search of silence and tranquillity – and they venture into an
imaginative landscape. They are thus abandoning the sophisticated urban environment that they have
been cultivating as their real identity. The cultivation of urbanism may be symbolically represented
in the urban complex of the cities London-Paris-New York. But, just as they’re both singing: …”we
go to the desert, we drive the car very fast and we make love – and we are crushing everything”,
and then it is evident that David Cronenberg’s film “Crash”, based on a novel by J. G. Ballard, is
hovering in the background as source of inspiration or parallel. In the desert they can drive fast and
uninhibitedly in the embrace of their passion. It is a condition characterised by the pop-surrealistic
paradise of the subconscious. But the dreamlike condition ends when they crash their car in the
middle of Times Square.
This production is well sung, it is well written and in a very interesting dialogue with the 3D animation
film. Its weakness is maybe that its world of icons is too well known, but again, the strong side of
this is that the producers make the well-known icons astonishingly present. Further on, there is a
tantalising onset inherent in the connection between urbanity, cultural landscapes and identities. Truly
we know a lot of this from so many films – but here it is presented on a gold platter as pop-opera
with an obviously surrealistic touch to it. This pop-opera series may guide your way to knowledge of
more of the music theatre-genre. And for myself I am still a postmodernist and cultivate irony – even
though I know that the more explicit neo-political, neo-documentary and spiritual is on its way into
present day theatre. Still this production was to me one of the best from the Meteor Festival 2011.
The complete article was published in Norsk Shakespeare- og teatertidsskrift (NSTT, no 3-4, 2011).
Editor in chief: Therese Bjørneboe.
| 213
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[8:TENSION] MARIANA TENGNER BARROS / EIRA
„THE TRAP“
(PT)
[WILDWALK] 11. JULI | 23.00 UHR | SCHAUSPIELHAUS
Ein Solo von Mariana Tengner Barros
Künstlerische Beratung
Assistenz künstlerische Beratung
Video
Texte
Kostüme
Bühnenbild
Musik
Dramaturgy collaborator
Produktion
Koproduktion
Mark Tompkins
António Mv und Nuno Miguel
António Mv und Mariana Tengner Barros
Mariana Tengner Barros und Nuno Miguel
António Mv
Nuno Miguel , António Mv und Mariana Tengner Barros
Filipe Lopes
João Manuel de Oliveira
EIRA
Circular - Festival de Artes performativas
Calouste Gulbenkian Foundation
Dauer
50 Minuten
EIRA wird unterstützt von the Government of Portugal - State secretary for culture / dgartes directorate - General for the Arts
// ABOUT „The Trap“
„To be a bitch, or not to be a bitch, that’s the question.“ Dieses Solo hat mit der Ambivalenz
einer Diva und in diesem Zusammenhang mit der Besessenheit vom „perfekten“ Körper zu tun.
Rauchend, monologisierend und singend bewegt sich Mariana Tengner Barros als zynische Grazie
in einem Nichts an Kleidung, einem prächtigen Kollier und Stöckelschuhen durch das Universum der
Verbraucherklischees. Durch glitzernde Einbildungen, die dem Körper aufgebunden werden, um ihn
eng an die Gesetze jenes Konsumreichs zu fesseln, in dem wir uns bewegen. Und weil das Warnen
davor bis heute nicht genützt hat, lädt Barros das Publikum nun ein, mit ihr gemeinsam in die Fallen
zu gehen, die vom Spektakel der Warenwelt von Werbung und Medien aufgestellt werden.
*****
In “The Trap” versetzt sich Mariana Tengner Barros in die “bodies of old glamour” – tote Film-Diven
und Burlesque-Stars – um ein Gespräch mit Gott zuführen über Kunst und die Finanzmärkte und
schließlich einen monumentalen Song über Langeweile zu singen. All das in einem hinterlistigen
Stück, in dem die Dinge niemals so sind, wie sie erscheinen.
| 214
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THE TRAP by Mariana Tengner Barros is a trap on the ultimate trap - the society of the spectacle.
THE TRAP is the continuation of my research around themes I have been exploring in my previous
solo works. I have been focusing on the obsession with the „ideal/sucessful body“, a kind of
evolutionary canon structured by Western society based on the consumption of goods. I am intrigued
by the ‘void’ that begins to appear as one passes from ‘private’ to the ‘public’ body and in the desire
to „become“ and “obtain”. These canons full of illusions and traps, wanting to keep us in a state of
selfish entertainment. I see people increasingly isolated in front of the screen, watching, sometimes
appearing, with the simple purpose of being ‘objectified’ for the sake of a particular pleasure, to prove
they exist and can, for a while, erase the burden of being ‘subject’. There is a certain pleasure in
being passive, in being a ‘channel’ for desire. Television and other media are ideal platforms to prove
that you „could“ be a subject. The power of ‘image’ is terrifying, especially when associated with the
body. It seems that no matter how much we try to fight these normative „desires“ that force us to our
own entertainment in irrelevant surfaces (making us the actors of the old society of the spectacle),
we never manage to escape and never absolutely (because absolution is impossible). Our own body
becomes both „weapon“ and „target“ and we continue to perceive ourselves as a bionic machine
because when we look at the mirror, we want to overcome ourselves, we want an intimate „public,“
we want to be the poster we see, even if that means stopping what we are.
Mariana Tengner Barros
// BIOGRAFIEN
Mariana Tengner Barros
Mariana Tengner Barros is a choreographer and performer living and working in Lisbon, who’s
work has been presented in several countries in Europe. She created and performed “Piece of the
Heart” (a solo with ‘backing dancers’, 2008); “And So?…The End” (2010); Après le bain (2011), ”At
Once” (2011, as part of the Deborah Hay’s “Solo Performance Commissioning Project” in Findhorn,
Scotland, 2009), “The Trap” (2011) and recently “Piece of the Heart : for him, a new fragrance by
Mariana Tengner Barros” (2012). Currently develops “A Power Ballad” a duet with the north-american
choreographer and dancer Mark Tompkins to be premiered in November 2013 at Centro Cultural
de Belém in Lisbon. She has developed several projects in collaboration with various artists, such as
Agnieszka Dmochowska (Poland/ Austria), Said Dakash & The Resistance Movement (Finland / UK),
Tiago Rodrigues / Mundo Perfeito, Pedro Bandeira, António Mv, Nuno Miguel, Rogério Nuno Costa,
Nuno Ferreira, Filipe Lopes, Vânia Rovisco, João Ferro Martins,(Portugal), Abraham Hurtado (Spain /
Germany) and Mark Tompkins ( U.S.A / France).
She has worked as a dancer, actress and performer with various artists in Portugal and abroad.
Namely, with Francisco Camacho, Vera Mantero, Rui Horta, Filip van Huffel, John Romão, Mickael
de Oliveira, Carlota Lagido, Rafael Alvarez, Andreas Dyrdal, João Pedro Vale and Nuno Alexandre
Ferreira.
Completed the “Choreographic Creation, Dance Research and Training Programme -PEPCC”
at Fórum Dança (2010), having studied with Francisco Camacho, Vera Mantero, Miguel Pereira,
Deborah Hay, Julyen Hamilton, Mark Tompkins, Meg Stuart, amongst others. Graduated from The
Northern School of Contemporary Dance-NSCD (UK 2003) where she was awarded the University of
| 215
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Leeds Arms Prize for Outstanding Achievement at the end of the degree. Was an apprentice dancer
with the Ballet Theatre Munich (Germany 2004) under the direction of Philip Taylor and one of the first
Associated Artists at NSCD (2004/05) where she choreographed ‘Best Imitation of Myself’ for the
graduates company VERVE05.
Mariana is an Associate Artist of EIRA, Lisbon.
António Mv
Graduated in Fine Arts from the Escola Superior de Arte e Design in Caldas da Rainha (2006).
Integrated an apprenticesip in the Leonardo da Vinci programme at Werkstatthaus (Stuttgart), where
he developed work in engraving, volume animation and costume design. He has additional formation
in Pottery Modullation, Ilustration and Silkscreen printing, as well as in Filmmaking (super8 format).
Works in several artistic areas as a visual artist, sculptor, fashion design assistant, costume and prop
maker. As a visual artist he has exhibited work at Espaço INTERPRESS (Lisbon), at Jugendhaus Mitte
and Werkstatthaus (Stuttgart), at Festival IMAGO (Fundão), at Censura Prévia (Braga) and at several
events in Caldas da Rainha
(Videodrome, Casa 31 and Caldas Late Night). Other works include the graphic conception of the
acessories brand +1x, the creation and conception of the logo for Circus Kreature (Jugendhaus
Degerloch, Stuttgart), the sign conception for the ‘Youth Democracy’ event (Stuttgart), amongst other
transdisciplinary works in the fields of visual arts and design.
Was a fashion assistant at Fashion Designer António Gracias atelier, doing several tasks such as
cutting, sewing, modulling and drawing. As a costume designer/maker, has worked with Rita Natálio,
Sezen Tongus, Mariana Tengner Barros, Elizabete Francisca and Teresa Silva.
Has collaborated with several artists from various fields, from dance to visual arts: Sara Santos, João
Ferro Martins, Eleonora Sarasin, Ana Pérez-Quiroga, Filipe Canha, Mariana Tengner Barros, Rogério
Nuno Costa, Maria João Rodrigues, amongst others.
He’s a co-founder of the anti-art project BELA TV with Mariana Tengner Barros and Nuno Miguel and
a coordinator of the project Deus Ex Machina- A school for the moving image, with Sara Morgado
Santos and Gonçalo Pena.
Nuno Patinho
Was born in Lisbon in 1965. Since 1992 Nuno is a freelancer artist, working as a lighting designer,
photographer and video maker.
Nuno Miguel
Nuno Miguel is a master, doctoral student and researcher in the areas of aesthetics and
contemporary art theory. Currently investigating the relationship of performance with the speculation
of the „Death of Art“. His activities merge writing, philosophy, public comment and performance,
having been involved in political and cultural debates where he seeks to affirm the point of view of
the polemicist and the creator. Always worked in different disciplines, and developed his artistic and
philosophical assertion motivated by the transmutation of „Art” in „Theory“.
| 216
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Mark Tompkins
Mark Tompkins is an american dancer, choreographer and teacher living in France since 1973.
After a series of solos and group collaborations, he founds the company I.D.A., International
Dreems Associated, in 1983. Solos, group pieces, concerts that mix dance, voice, video and text,
improvisation laboratories and performances of real time composition, are steps of this journey
initiated in the 70‘s, and continued with the complicity of the scenographer Jean-Louis Badet since
1988.
Parallel to his activities as artistic director, his interest in improvisation and real time composition leads
him to collaborate, through teaching, performing, and producing, with many dancers, musicians,
lighting designers and visual artists.
Winner of the 1984 Bagnolet Choreography Contest, he creates a trilogy Trahisons - Men, Women,
Humen, inspired by photographer Eadward Muybridge‘s study of the human body in motion,
presented at the Montpellier Dance Festival in 1987. In 1988, he creates Nouvelles for the Avignon
Festival, based on the novel IDA by Gertrude Stein.
From 1990 to 1992, he produces La Plaque Tournante, a series of unique site specific performances
involving dance, music, video and light with his company and local artists in ten european cities.
Returning to the traditional theatre space, he creates Home (93), a vaudeville comedy for four
performers, Channels (94), a large scale urban fantasy for seven dancers and three musicians, and
Gravity (96), a reality show for five performers and video.
He creates and performs many solos, and notably La Valse de Vaslav (89), an homage to Nijinski,
Witness (92), dedicated to dancer and choreographer Harry Sheppard, Under My Skin (96), an
homage to Josephine Baker and Icons (98), dedicated to Valeska Gert. Since 1998 they form an
evening of solos, Hommages.
Artist in residence in Strasbourg from 1998 to 2000, he creates La vie rêvée d‘Aimé (99), a musical
comedy for adolescents of all ages, and remiXamor (00), a panorama of the body of desire.
From 2001 to 2005, Mark Tompkins is associated artist with the Théâtre de la Cité internationale
in Paris where he develops En Chantier 2001-2004, a research and performance project in the
construction site of the rehabilitated theatre. He performs recent works and, in 2003, creates an
evening length solo, Song and Dance.
In 2005, he creates a solo, Sept Voiles, inspired by Salomé and John the Baptist and a group piece,
ANIMAL Male, which questions the themes of combat, survival, power and domination, followed by a
feminine version, ANIMAL Female in 2007.
His long time collaboration with composer and musician Nuno Rebelo inspires them to form a rock
band. In 2005, Mark Lewis and the Standards release their first album and begin to tour. In 2006,
they create a more intimate duet version, Lost&Found, and in 2007, Mark Lewis creates a more
theatrical solo karaoké concert, kings&queens.
In 2008, for the 25th anniversary of the company I.D.A., Mark Tompkins reincarnates a solo from
1983, considered to be the founding act of the company, empty holes - the life and love and death of
John and Doris Dreem. He also creates LULU an operetta of circumstance.
En 2010, he conceives PUTTIN‘ON A SHOW a musical comedy for the students of ex.e.r.ce, CCN
de Montpellier, and creates BLACK‘N‘BLUES a minstrel show, inspired by the 19e century minstrel
show and blackface traditions in the United States.
In 2008, he receives the prestigious Choreography Prize from the SACD for his work.
| 217
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Filipe Lopes
Filipe Lopes was born in 1981, in Porto.
In 2003 he graduated in Music Education at Porto Superior School of Education. In 2006 he won
the prize “best experimental audio” at Festival Black&White and in 2007 was awarded an artistic
residency at Miso Music Portugal (LEC). In 2007 he completed a degree in Composition at Superior
School of Music and Performing Arts (ESMAE), developing strong bonds with electronic music and
new media. In 2009 he finished his master’s degree at Sonology, in the Hague, creating Õdaiko, a
software for live-score generation. Between 2009 and 2011 he taught electronic music at ESMAE.
He also created the ensemble 343. From September 2010 till August 2012 he curated the project
Digitópia, at Casa da Música, where he was already developing intensive work since 2007. He
developed workshops, concerts and software related to music education. Since 2010, he has
a schoolaship by Fundação da Ciência e Tecnologia (FCT), pursuing a PhD in Digital Media at
Universidade do Porto and UT Austin. Supervised by Carlos Guedes and Bruce Pennycook, his area
of investigation includes sound, space and identity. Its compositional activity embraces electronic
and instrumental music for Theater, Film and Dance. His works were performed in Portugal, England,
Spain, Italy, EUA and the Netherlands.
| 218
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[8:TENSION] MARTA NAVARIDAS (AT/ES) & ALEXANDER DEUTINGER (AT)
„SPEAKING OF WHICH“
Marta Navaridas @ ImPulsTanz
Performances
2012
The Loose Collective
„Here comes the Crook“ (Choreographer)
CPA*
Other
2010
Alexander Deutinger @ ImPulsTanz
Performances
2012
The Loose Collective
„Here comes the Crook“ (Choreographer)
CPA*
Other
2007
| 219
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[8:TENSION] MARTA NAVARIDAS (AT/ES) & ALEXANDER DEUTINGER (AT)
„SPEAKING OF WHICH“
Komposition und Klangregie
Outside Eye
Dank an
Fotografie
Alex Deutinger und Marta Navaridas
Stephan Sperlich
Helmut Koepping
Hanna Hollmann, Krassimira Kruschkova
Klaus Pichler, www.kpic.at
Tanzquartier Wien
Dauer
45 Minuten
// ABOUT „Speaking of Which“
Rätselhafte Wirklichkeit. Leben wir vielleicht doch in einer Welt, die bloß eine Simulation von
Computerfreaks aus der Zukunft ist? Marta Navaridas und Alexander Deutinger sitzen live auf der
Bühne und sehen ihren gespensterhaften Alter Egos in einem Video zu. Mit einer Reihe absurd
klingender Fragen wenden sie sich an abergläubische Wissenschaft, fanatischen Relativismus,
wahnhaften Realismus und ähnlich reizvolle Grenzfälle. Und das mit einem Witz, der dem Stück erst
seine Tiefe verleiht. Das KünstlerInnenpaar genießt die Momente zwischen dem Nichtbegriffenhaben
und dem Verstehenwollen: „Wären unsere Fragen nicht paradox, und wüssten wir, was wir da tun,
dann könnte man das nicht Forschung nennen, oder?“
*****
In „Speaking of Which“ stellen zwei Performer mithilfe von Gedankensprüngen kaleidoskopartige
Verbindungen zwischen Physik, Philosophie und Theologie her. In einer dialogischen
Verhandlungsstruktur zwischen den Performern auf der Bühne und ihren pixeligen Alter Egos in einem
Tanzstudio wird eine Reihe von Fragen aufgeworfen, die sich mit abergläubischer Wissenschaft,
fanatischem Relativismus, atheistischem Christentum, esoterischer Legitimität, wahnhafter
Konkretheit und anderen faszinierenden Paradoxa auseinander setzen.
„...wenn unsere Fragen nicht paradox wären, wenn wir wüssten, was wir tun, dann wäre es keine
Recherche, oder? Der Moment des Staunens, des Nicht-Verstehens gepaart mit dem Willen zu
Verstehen, der Moment der Überforderung, wo das Gesagte halb begriffen und halb nicht mehr
nachvollziehbar ist. Dieser Moment ist wertvoll.“ Navaridas & Deutinger
// ABOUT Navaridas & Deutinger
Navaridas & Deutinger have been creating text-based performances since 2007. Selected works:
Look at Them Now!, This is Not A Ship, Your Majesties, Your Own Personal Circus, Fandango
| 220
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and Common Consciousness, Speaking of Which. They were Artists-in-Residence at Espacio de
Creación Azala (E), Choreographic Centre Linz (A), Impulstanz Festival (A), Espacio Común (CO),
K3-Zentrum für Choreographie (D) and D.ID. Dance-Identity (A). They received the Tall Order Young
Maker´s Award 2007, the Premio ACT Bilbao 2008 and the BestOFF-Styria Theatre Awards 2010.
Their works have been shown at international festivals and venues such as Escena Contemporánea
Madrid, Gessnerallee Zürich, Frascati Theater Amsterdam, Artium Museum for Contemporary Art
Vitoria, BE Festival Birmingham, Dance Ireland Dublin, Kaserne Basel, Impulstanz Festival Vienna,
DanceWeek Festival Zagreb, Muffatwerk Munich, Spanski Borci Ljubljana, Tanzquartier Vienna,
among others. With their Obama-Performance Your Majesties, Navaridas & Deutinger have been
selected as one of the Aerowaves Priority Companies for 2013.
www.navaridasdeutinger.com
Marta Navaridas
Marta Navaridas studied Translation and Interpreting at Universitat Pompeu Fabra Barcelona,
Choreography at ArtEZ College of Art Arnhem and Mime at the HKA Amsterdam Theater School. She
received the DanceWEB Scholarship 2010. She is cofounder of the international collectives Fingersix
and The Loose Collective. As a performer, she has worked among others with Blood for Roses,
Sarah Vanhee, Sofia Mavragani. Together with Dani Brown she created The Invitation and It´s Gonna
Blow, both produced at Kampnagel Hamburg, Germany. She collaborated with Theater im Bahnhof
at the festival-camp Truth is concrete of steirischer herbst.
Alexander Deutinger
Alexander Deutinge studied Theoretical and Applied Translation Studies at Karl-Franzens University,
Graz and Contemporary Dance at at Anton Bruckner University, Linz. He received the DanceWEB
Scholarship 2007. Research projects with Juan Domínguez, Mathilde Monnier, Philippe Riéra. As
a performer he worked with Rose Breuss, Oleg Soulimenko, Christine Gaigg, Anna Mendelssohn,
Alexander Gottfarb, Dani Brown, Sofia Mavragani. He is founding member of The Loose Collective.
Since 2008 he is based in Graz, Austria, where he has been creating his own works together with
Marta Navaridas.
| 221
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MATHILDE MONNIER / CCN MONTPELLIER
OLISLAEGER (FR)
„QU‘EST-CE
QUI NOUS ARRIVE ?!?“
URAUFFÜHRUNG
(„WAS
(FR)
& FRANÇOIS
IST LOS MIT UNS ?!?“)
„TWIN PARADOX“
(FR)
Mathilde Monnier @ ImPulsTanz
Performances
2011
2010
2010
2008
2006
2006
2004
2004
2004
2004
2001
2000
Mathilde Monnier / CCN Montpellier
„Pudique acide / Extasis“ (restaging) (Choreographer)
CIE. MATHILDE MONNIER & CCN DE MONTPELLIER
„pavlova 3'23''“ (Choreographer)
CIE. MATHILDE MONNIER & CCN DE MONTPELLIER
„Soapéra“ (Choreographer)
Mathilde Monnier & La Ribot
„gustavia“ (Choreographer, Performer )
Mathilde Monnier / CCN Montpellier
„frère&sœur“ (Choreographer)
Mathilde Monnier / „Katerine“
„vallée - pièce pour 7 chanteurs danseurs“ (Choreographer)
Mark Tompkins & Cie. I.D.A.
„tradeMARK - "Dance & Music"“ (Choreographer)
Mathilde Monnier & CCN Montpellier
„Déroutes“ (Choreographer)
„Pièces“ (Choreographer)
„Publique“ (Choreographer)
„Signé, Signés“ (Choreographer)
Cie.Mathilde Monnier
„Signé“
„Sign“ (Choreographer)
| 222
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1999
1999
1996
1996
1994
1994
„Une fantaisie“
1er décembre, Solo de claquettes: getanzte Auszüge aus dem Film Broadway
Melody, Stop (Film nach Arrêtez, arrêtons, arrête) (Choreographer)
„Les lieux de là“ (Choreographer)
COMPAGNIE MATHILDE MONNIER
„Nuit“ (Choreographer)
COMPAGNIE MATHILDE MONNIER
„L'Atelier en Pièces“ (Choreographer)
MATHILDE MONNIER & COMPAGNIE DE HEXE
„Chinoiserie“ (Choreographer)
MATHILDE MONNIER & COMPAGNIE DE HEXE
„Pour Antigone“ (Choreographer)
Research Projects
2007
2006
2004
1997
1994
2011
Coaching Project: „Copié“
Coaching Project: „Du Rapport Texte et Mouvement“
Coaching Project: „Une Lecture Interne“
Pro Series: „Dance as a language“
Pro Series: „Musik und Tanz“
Diskussionsveranstaltung
„Kultur in der Krise“
mit Mathilde Monnier & Michael Stolhofer, in Kooperation mit dem Institut Français
Other
2006
danceWEB (Mentor)
| 223
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OLISLAEGER (FR)
„QU‘EST-CE
QUI NOUS ARRIVE ?!?“
URAUFFÜHRUNG
Konzept
Choreografie
Grafik
Bühnenbild (Stage design)
Assistenz
Sound
Technische Leitung und Licht
Unter Mitwirkung von
Produktion
produziert von
mit Unterstützung von
Koproduktion
Dauer
(„WAS
(FR)
& FRANÇOIS
IST LOS MIT UNS ?!?“)
Mathilde Monnier und François Olislaeger
Mathilde Monnier
François Olislaeger
Annie Tolleter
I-Fang Lin
Thibaut Kaiser
Olivier Renouf
Thierry Cabrera
15-20 AmateurInnen
Anna Fontanesi, Anne Bautz
Centre chorégraphique national de Montpellier
Languedoc-Roussillon
Fondation d’entreprise hermès / new settings programme
Festival Montpellier danse 2013, la Ferme du Buisson - scène
nationale de Marne-la-Vallée
60 Minuten
// ABOUT „Qu‘est-ce qui nous arrive?!?“ („Was ist los mit uns?!?“)
Ein verblüffender Comic des Körpers und seiner oft seltsamen Choreografien. Zeichnungen können
die Posen von Körpern und deren Platzierung in Räumen am besten einfangen. Durch ihre intime
Menschenkenntnis können Comiczeichner den Körper in unsere Wahrnehmung neu einscribbeln. Seit
Ludwig XIV. wird versucht, den Tanz mit Zeichnungen, Notationen, Symbolen grafisch „einzufangen“.
Jetzt beschreiten die renommierte französische Choreografin Mathilde Monnier und der erfolgreiche
belgische Comic-Zeichner Francois Olislaeger in einem Aufsehen erregenden Projekt neue Wege.
Nach ihrem gemeinsamen Comic-Buch „Mathilde. Danser après tout“ erarbeiten sie nun ein
Bühnenstück. In „Was ist los mit uns?!?“ treten keine Profitänzer, sondern Menschen wie Du und
ich auf. Deren Lust an der Bewegung, ihre Tanzerinnerungen und Persönlichkeiten machen die
Wirklichkeitsnähe und Unmittelbarkeit diese getanzte Graphic Novel aus.
******
What drawing best captures as regards dance is body posture. The draughtsman immediately
registers how the body is held in space, how it stands, sits down, rises, lies down, jumps or falls.
Such figures, as they are drawn, become characters, progressively acquiring a body signature that
can be identified.
| 224
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For several years now I have sketched and written my choreographies on notebooks – unfinished
drawings, personal music scores that I use to picture myself on the stage, to memorise and compose
dance. I envision this creation as a life-size sketchbook incorporating rough notes and scores as they
are created. Being so close to drawing led me to imagine a collaboration
with the comic book artist François Olislaeger. This performance will aim at forming a set of
sequences connected with the pyhsicalities and personalities of the non-professionals as they play
and dance. This series of situations shall reveal the connection between the comic strip and the body
and how, and using which instruments, a comic strip writer describes the world moving around him
and how he perceives dance.
In the style of Perec in his book An Attempt at Exhausting a Place in Paris, using daily gestures and
actions from non-professionals, we will develop a story based on their own approach to dance.
Based on the concept of the sketchbook developing in real time we will produce an account by
association of ideas. Sometimes the drawings will come before the action, sometimes they will
coexist, sometimes they will heighten what is going on on-stage by means of veiled references to
history or codes used in comic strips. Although they are non-professionals, the participants do have
a “dancer memory”: in which situation, in which places do they or did they dance ? We shall address
their memory to render movements of daily dance perceptible, to display – on-stage and in drawings
– the emotions of the body and also to carry a trace of the past while getting back to the present.
Mathilde Monnier
The idea to create a book with Mathilde Monnier came from the fascination that I have for
contemporary dance and more particularly for Mathilde. Bringing together these two seemingly
different disciplines was a challenge, a different, new way of working for me. How to adapt the codes
of comic strips to movement ? What is the creative process of a choreographer ? How do the various
artistic practices feed on, respond to, and echo one another ? François Olislaeger
// BIOGRAFIEN
Mathilde Monnier
Seit 1994 ist Mathilde Monnier künstlerische Leiterin des Centre Chorégraphique National de
Montpellier und schuf seitdem mehrere Stücke (Nuit 1995, L’atelier en pièces 1996, Arrêtez, arrêtons,
arrête 1997, Les lieux de là 1998/99). Im Jahre 2000 lud Mathilde Monnier im Rahmen des Festivals
Montpellier Danse zahlreiche KünstlerInnen ein, den Event Potlatch, dérives zu gestalten, der die
Philosophie von Geschenk und Schuld hinterfragte. Danach schuf sie das Dyptichon Signé, Signés,
das in großem Maße auf der Arbeit Merce Cunninghams und John Cages basiert. 2002 präsentierte
sie die getanzte Konferenz Allitérations, die sie gemeinsam mit dem Philosophen Jean-Luc Nancy
für das Festival Agora im Centre Pompidou / Ircam in Paris schuf. Für Montpellier Danse kreierte
sie Multimaterials mit TänzerInnen des professionellen Trainings des Choreografischen Zentrums.
Ebenfalls 2002 entstand Déroutes, das auf einer Novelle von G. Büchner basiert. 2003 wurde sie vom
Opernballett Lyon beauftragt, in Zusammenarbeit mit einem Videokünstler und einem Gitarristen Slide
zu schaffen. 2004 schuf sie Pièces, zusammengesetzt aus vier experimentellen Performances. Beim
Festival Montpellier Danse 2004 zeigte sie außerdem Publique, ein Tanzstück, das auf der Musik des
Rockstars PJ Harvey basiert. 2005 entstanden zwei Produktionen: La Place du singe ist ein Duett mit
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der französischen Schriftstellerin Christine Angot, das auf einem bürgerlichen Thema basiert und bei
Montpellier Danse 2005 Premiere hatte. Frère&soeur wurde vom Avignon Festival 2005 für den Cour
d’Honneur im Palais des Papes in Auftrag gegeben. 2006 kreierte sie 2008 vallée in Kooperation mit
der französischen Sängerin Katerine.
Zur gleichen Zeit aktiv in ihrem Filmschaffen, führte sie für Chinoiseries and Bruit Blanc die CoRegie mit Valérie Urréa und wirkte bei E pour eux in der Regie von Karim Zeriahen mit. Mit zwei
Büchern, die 2001 herausgegeben wurden, leistete sie ihren Beitrag auch in der Veröffentlichung
von Printmedien: Dehors la danse mit dem Philosophen Jean-Luc Nancy und MW mit der Fotografin
Isabelle Waternaux und dem Schriftsteller Dominique Fourcade. 1999 erhielt Mathilde Monnier
den französischen Preis „Grand Prix National des Arts du Spectacle Vivant” vom Ministerium für
Kultur und Kommunikation für die Darstellenden Künste und den „Grand Prix de l’Etoile Dansante”,
gleichrangig an erster Stelle mit Heiner Goebbels, der von der Laura Wolf Andorra Foundation
vergeben wird.
François Olislaeger
François Olislaeger, 34, developed a style that cannot be fitted into any one category. When we
believe we have identified him through a style of drawing stripped to the bare bones, the artist will
take us by surprise with explosions of colours and images with water- colour undertones devoid of
lines. Olislaeger’s lines of work are as varied as the formal aspects of his work. After completing his
studies in Lyon, this Belgian national moved to Paris, where he now works as an illustrator for several
major newspapers such as Le Monde, Les Inrockuptibles and Libération in France, Le Soir in Belgium
or Le Temps in Switzerland. He regularly publishes reports on comic strips for various magazines
and has been collaborating to Avignon Theatre Festival for the past 5 years. He regularly takes
part in several exhibitions, including “La ville dessinée” (The city, illustrated – Architecture & comics
exhibition) at the Cité de l‘Architecture this year, for which he created a 20m-long fresco displaying
the history of comics as seen from various forms of art. The Bi-annual Festival of Contemporary Art
in Le Havre and “2062” exhibition at the Gaîté lyrique will follow. His work Little P. in Echoesland,
created in collaboration with the concept artist Pauline Fondevila and published by Editions Denoël,
saw François Olislaeger enter the world of comics. In Un autre monde est possible, Olislaeger and
co-author Pierre Cattan go back, in drawing, over a report on alterglobalist movement during a social
forum in Caracas, Venezuela.
In La Jérusalem Céleste : The adventures of Wim Delvoye (published by La cinquième couche in
2010), Olislaeger proves that he is not only a careful observer with a gift for highly emotional stories
but also that he is able to convey a sense of humour and the absurd using the comics medium.
François Olislaeger is currently working, in collaboration with the Belgian author and publisher Xavier
Löwenthal, on a work in the grotesque genre, dedicated to Wim Delvoye, Belgian
artist known for tattooing pigs. He is also developing a comic book project on contemporary dance
with French choreographer Mathilde Monnier. Both works will be published this year.
A comic by François Olislaeger on the work of Mathilde Monnier, published by Editions Denoël
Graphic, will be released in spring 2013. This book conveys their conversations, the representation of
works created by Mathilde, their origin and their impact on the audience, the dancers and the creator.
| 226
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„TWIN PARADOX“
(FR)
Choreografie
Musik
Bühnenbild
Lichtdesign
Sound
Kostümdesign
TänzerInnen
Technische Leitung
Inspizienz
Assistenz Inspizienz
Produktion
Koproduktion
Dauer
Mathilde Monnier
Luc Ferrari
Annie Tolleter
Éric Wurtz
Olivier Renouf
Laurence Alquier
Cédric Andrieux, Marion Ballester, Julia Cima, Sonia Darbois,
Guillaume Guilherme, Jung-Ae Kim, Thibault Lac, I-Fang Lin, Felix
Mathias Ott, Jonathan Pranlas
Thierry Cabrera
Marc Coudrais
Jean-Christophe Minart
Anne Fontanesi, Anne Bautz
Festival Montpellier danse 2012, Théâtre de la ville - Paris,
Ruhrtriennale 2012 - 2014, Charleroi danses centre chorégraphique
de la fédération wallonie bruxelles, Centre chorégraphique national
de Montpellier Languedoc-Roussillon
85 Minuten
// ABOUT „Twin Paradox“
Was auch immer passiert, und wenn die Welt zusammenbricht: Der Tanz geht weiter. Um
jeden Preis, als ob er die letzte Zuflucht wäre: Tanzen trotz allem, was auch immer geschieht.
Zehn TänzerInnen gehen dieses Wagnis ein und beginnen eine Art Marathon auf einer Bühne,
deren Boden aus einem orangefarbenen Gitter besteht. Die französische Choreografin Mathilde
Monnier, Leiterin des Choreografischen Zentrums von Montpellier, widmet dieses Stück dem
berüchtigten Zwillingsparadox. Dieses besagt: Wenn einer von zwei Zwillingen mit annnähernd
Lichtgeschwindigkeit zu einem fernen Stern und wieder zurückfliegt, dann wird der andere, auf
der Erde gebliebene älter geworden sein als der heimgekehrte. So erleben auch die Figuren in
diesem Stück zwei Zeiten: eine, die vergeht, und eine andere, die sich aus den Begegnungen und
Verwandlungen beim Tanzen ableitet. In diesem Widerspruch und einem Soundscore, der sich
aus Straßengeräusche, Trommelknattern und Trümmern von Beethovens „Schicksalssymphonie“
zusammensetzt, tanzen die zehn auf ihrem Rost. Sie tanzen um ihr Leben.
*****
I view the stage as a neutral space, as if without a homeland, that crafts its own coordinates, beyond
the world’s geography and perhaps even more so, beyond time. And yet the stage is always there
| 227
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for real somehow, in real life, right at the edge of the real world, of the world’s rumble, at the edge of
history and events.
It is in this near contradiction, this suspension matched by friction, that dance arises, with its
own time-span, and thus stateless, bordering on the world, an infinite space-time that continues
inexorably, and to which one must cling : continuing to dance whatever happens, even if the world
comes crashing down.
The indeterminacy of the stage is where the essence of determination embeds itself : to be constantly
pursued, as if dance were the last refuge against or before the elements, to be continued at all costs
and in every which way, a kind of trajectory where dance becomes a pedestal, a weapon, even a
manifesto but without asserting anything other than its own presence, or as one might dare say, its
survival. To dance in spite of everything. To dance after everything.
The show will unfold as if one were watching a long infinite tracking shot, where the frame is the
stage, and the landscape is the background. In a theatrical landscape that resembles a time-lined
road, if there is anything left to do it’s the persistence of dance, not like a war but like a suspension.
The scenography is a flow that creates a constant out-of-shot. The stage is time passing by as well
as the time of crossroads and transformation of dance. The stage is steeped, setting up natural
atmospherics in a hazy location.
The dramaturgy takes shape though a writing system that wavers between fullness and emptiness,
that unfurls dance in a continuum and creates climaxes. Writing systems will thus emerge in
connection with notions of continuous flux, crescendo, the development of gesture-modules, and
series.
My research for this project has several sources of inspiration, which will feed into the show more as
work-tools than as visible forms, and thereby flesh out the stage’s specific timeframe, its dramaturgy,
and this “insistence” of dance.
I started out by investigating American marathon dances of the 20s, not for their historical significance
nor for their competitive/social usage, but as a way of exploring duration, that craze for incessant
dancing, to the point where dance creates its own world and insists on itself, thus developing a
particular dramaturgy of duration (diffraction, replay, loop, exhaustion etc.), beyond the limits of real
time. Various dances such as the Lindy Hop, the Jitterbug, the Shim Sham (typical of Harlem and the
Savoy Ballroom* in New York) will also serve as anchors.
An ever-present motif throughout this material is the dance-a-deux, the couple, which will serve as a
recurrent figure in my writing, not to illustrate folk or ballroom dancing but quite the contrary, to return
to an archaic and essential structure of dance.
It is about inventing, at the fringes of the great human community, lovers, first form of community.
By this I mean the couple, and not the duo, that clings on to one another in order to carry on, to
advance, to perform, to survive, as well as the couple that transforms, that helps one another, that
dances. The couple as a primary entity of dance, like a primary rhythmic chord or unit.
mathilde monnier
* The Savoy Ballroom, located in Harlem, featured jazz concerts and dancing. It was active from 1926
to 1958 and was open to black clients.
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// BIOGRAFIE
Luc Ferrari
Luc Ferrari was born in Paris in 1929. Fascinated by everyday sounds, he would practice recognizing
car models from the noise they made. In 1958, following studies in musical analysis with Olivier
Messiaen, he pursued his passion by collaborating with the Groupe de Musique Concrète and
inventing “anecdotal music” (which stems from musique concrète and highlights the source of the
recorded sounds) with Hétérozigote (1963) and the series Presque rien.
A highly prolific composer, he has explored repetition with the series Tautologos (1961), written
various works for instruments (Histoires du plaisir et de la désolation, 1979 -1981), specialized in
Hörspiele (L‘Escalier des aveugles, 1991), and subsequently focused on group improvisation
(Impro-Micro-Accoustique, 2004).
He passed away in 2005 in Arezzo, Tuscany, and received the Charles Cros in Memoriam Award
upon the release of his recordings Les Anecdotiques - Exploitation des concepts N°6 and Archives
sauvées des eaux - Exploitation des Concepts N°1.
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// PRESSESTIMME
Marieluise Jeitschko
Tanznetz
23. Oktober 2012
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MEG STUART (BE/US) / DAMAGED GOODS & MÜNCHNER
KAMMERSPIELE (DE)
„BUILT
TO
LAST“
// Meg Stuart @ ImPulsTanz
Performances
2011
2007
2007
2007
2002
2000
2000
1999
1998
1997
1997
1997
1996
1996
Meg Stuart & Philipp Gehmacher
„Maybe Forever“ (Choreographer)
Meg Stuart / Damaged Goods
„It`s not funny“ (Choreographer)
Meg Stuart / Damaged Goods & Eira
„Blessed“ (Choreographer)
„solos and duets“ (Choreographer)
„Disfigure Study“ (Choreographer)
„Highway 101“ (Choreographer)
Meg Stuart & Ann Hamilton & Damaged Goods
„appetite“ (Choreographer)
Gary Hill & Meg Stuart & Damaged Goods
„Splayed Mind Out“ (Choreographer)
Stuart/Lachambre/Paxton/Navas
„Soli“ (Choreographer)
Crash Landing@Wien Damaged Goods, Meg Stuart, Steve Paxton, Mark
Tompkins
„Crash Landing“
CRASH LANDING I, CRASH LANDING II, CRASH LANDING III (Choreographer)
Stuart, Lachambre, Paxton, Navas
„Solo Choreographien
XXX. For Arlene and Colleagues“ (Choreographer)
Compagnie Damaged Goods / Meg Stuart
„No Longer Readymade“ (Choreographer)
Compagnie Damaged Goods / Meg Stuart
„No One Is Watching“ (Choreographer)
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Research Projects
2007
2005
1996
1994
Pro Series: „Everyday Heroes“
Pro Series: „Get off of your cloud“
Pro Series: „Physical Imagery“
Pro Series: „From Concept to Choreography“
Workshops
2010
„Are we here yet?“
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MEG STUART (BE/US) / DAMAGED GOODS & MÜNCHNER
KAMMERSPIELE (DE)
„BUILT
TO
LAST“
Choreografie
Dramaturgie
Musik Dramaturgie
Sound Design
Bühnenbild
Kostüme
Licht
Video
Sound
Produktionsleitung
Technische Leitung
Inspizienz
Assistenz Bühnenbild
Assistenz Kostüme
Hospitanz Dramaturgie
mit besonderem Dank an
Produktion
Meg Stuart
Dragana Bulut, Davis Freeman, Anja Müller, Maria F. Scaroni,
Kristof Van Boven
Bart Van den Eynde, Jeroen Versteele
Alain Franco
Kassian Troyer
Doris Dziersk
Nadine Grellinger
Jürgen Tulzer, Frank Laubenheimer
Philipp Hochleichter
Roy Carroll
Eline Verzelen
Oliver Houttekiet
Pierre Willems
Ana Rocha
Anna Hentschel
Ann-Kristin Danzinger
Carlotta Scioldo
Lena Lauzemis
Damaged Goods (Brüssel) und Münchner Kammerspiele
Dauer
120 Minuten
Meg Stuart und Damaged Goods werden unterstützt von den Flemish authorities und der Flemish
Community Commission
// ABOUT „Built To Last“
Überragend monumentale Musik wie Ludwig van Beethovens „Eroica“ oder Antonín Dvořáks Neunte
Symphonie „Aus der Neuen Welt“ bis hin zu Meredith Monks „Astronaut Anthem“ setzt Meg Stuart
in einen nicht sehr üblichen Bezugsrahmen von Dauer und Ewigkeit. Denn ihre fünf Tänzer auf der
mit äußerst seltsamen Requisiten versehenen Bühne reagieren nicht „normal“: Sie bleiben ungerührt
und lassen sich nicht auf die überwältigende Größe und mitreißende Macht der von Alain Franco
ausgewählten Musikstücke ein. Ihr „verrücktes“ Verhalten erzeugt unglaubliche, geradezu verwirrende
Spannungen. Denn in Stuarts von der Kritik gefeiertem Stück „Built to Last“ geht es um das
Gegenteil des Ewigen. In absurden Szenen unter einem Planetarium an der Decke krachen feierliche
Töne, aufgeregter Text und atemberaubende und zum Teil erschütternd komische Bewegungen
so aufeinander, dass deren ursprüngliche Bedeutung zersplittert. So wird das Versprechen der
Musik, dass eine Ewigkeit auf den Menschen wartet, in eine Wirklichkeit überführt, in der Zerfall und
Innovation einander in rasender Dynamik umkreisen.
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“Why do we erect monuments? This is the tantalising question raised by Meg Stuart’s Built to Last.
In both dance and visual language, as much as in the choice of music, Stuart and her performers
try to breath new life into cultural monuments, and to give us something akin to love and comfort.
Ultimately, the dancers fail in their intention, although they do their very best. Built to Last has it all: an
arsenal of impressive images, virtuoso players and exciting waves of music that keeps the viewer on
the edge of his seat. Built to Last is like a journey that provides us with the space to think about who
and what we are. Liberating.“
Jury of the Flemish Theaterfestival
Music is always on the way, from its point of origin to the moment when perceived and experienced.
In Built to Last, Meg Stuart confronts five performers with overwhelming classical and contemporary
music. Almost each one of these compositions has influenced music history in a significant way,
both on the level of technique and content. These works represent important changes in mankind‘s
relation towards ideals and utopias, and the vulnerable instability of humanity. The dancers and actors
act and react driven by the music of Sergei Rachmaninoff, Ludwig von Beethoven, Iannis Xenakis,
Meredith Monk and Arnold Schoenberg, among others. As if being carried away by a time-machine,
they are forced to deal with constantly changing situations and states of consciousness. The journey
made on stage can’t be described in any logical way. Nevertheless, the encounter of the performers
with the music gradually exposes a glimpse of the „condition humaine“ or a trace of man‘s secret
desires.
Slavoj Zizek: “The same music that served evil purposes can be redeemed to serve the Good. Or
it can be read in a much more ambiguous way. With music we cannot ever be sure. In so far as it
externalizes our inner passion music is potentially always a threat.”
In Built to Last Meg Stuart works for the first time with existing classical music. The sound recording,
a historical meta-composition by music dramaturge Alain Franco, acts as a time machine. Each of
the tracks, by Sergei Rachmaninoff, Ludwig van Beethoven, Iannis Xenakis and Arnold Schönberg
amongst others, reflects an overwhelming sense of monumentality. Five performers travel through
the history of the dance – and possibly into its future. Time and time again they enter an impressive
new world, in which they themselves, through subtle variations in movement, discover a new
consciousness: of the space, the situation, themselves and each other. The constant effort to stay
upright reveals our inherent vulnerability. The title, Built to Last, arouses suspicion. Is it possible,
today, to still believe in eternal values and universality? Things are built up only to fall down again, in
much the same way that we long to constantly rediscover ourselves.
// Interview with Meg Stuart
I usually work with musicians who compose a soundtrack during the creative process. For Built to
Last I wanted to start with existing, overpowering, symphonic music. As a human being, how do
you deal with the enormity of it? In collaboration with Alain Franco a series of pieces have emerged,
resulting from various traditions of classical and modern music. I didn’t carry out a mathematical
analysis and deconstruction of the works, I simply responded to them on an emotional level. What
is it that music releases in us? Slavoj Zizek says something very interesting in The Pervert’s Guide
to Cinema: “The same music that served evil purposes can be redeemed to serve the Good. Or
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it can be read in a much more ambiguous way. With music we cannot ever be sure. In so far as it
externalises our inner passion music is potentially always a threat.”
The soundtrack acts as a time machine. The dancers move this way and that in history. They unfold
a new consciousness in every scene: for themselves, for the space, for the music, for each other.
Many dance sequences have emerged from an exploration of changing laws and codes. Many of
my other choreographies stem from a certain state of mind. But in Built to Last we let the music
force us to adapt to new forms, time and time again. In each form we looked for complex, subtle
manoeuvres. The slightest movement, a single glance, can make iconographic, monumental pictures
into something ambiguous and human.
The expression ‘built to last’ betrays a belief in eternal values, heroism and universality. At the same
time, we have the urge to continue reinventing ourselves. We have to move forward. Many things
are designed to break after a short time. There is also the sense of an approaching end. Everyone is
preparing for it. It is sad, but that’s the way it is.
Interview: Jeroen Versteele
Translation: Gregory Ball
// BIOGRAFIEN
Meg Stuart
Meg Stuart is a choreographer and dancer living and working in Brussels and Berlin. In 1986 she
received her BFA in dance at New York University and continued her training following classes in
Release technique and Contact Improvisation at the dance laboratory Movement Research (New
York). In the 1980s Stuart worked as a dancer with Nina Martin, Lisa Kraus, Federico Restrepo and
Marcus Stern, and from 1986 to 1992 she was a member of the Randy Warshaw Dance Company,
where she was also assistant to the choreographer.
On the invitation of the Klapstuk festival in Leuven, she created her first evening-length piece Disfigure
Study, which launched her choreographic career in Europe. Stuart founded her own company
Damaged Goods in 1994 and made Brussels her artistic home. She collaborated with many artists,
including Pierre Coulibeuf, Philipp Gehmacher, Doris Dziersk, Ann Hamilton, Gary Hill, Benoît
Lachambre, Jorge León and Hahn Rowe. Residencies in Schauspielhaus Zürich (2000–2004) and
Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz Berlin (2005-2010) led to collaborations with theatre directors
Stefan Pucher, Christoph Marthaler and Frank Castorf. In 2010 Meg Stuart/Damaged Goods initiated
a new collaboration with Münchner Kammerspiele where Built to Last premiered in April 2012. With
her Brussels based company Damaged Goods, Stuart has created over twenty productions, ranging
from solos to large-scale choreographies and including site-specific creations and installations. Over
the years she has initiated and taken part in several improvisation projects. Her work has travelled
a wide international theatre circuit and has also been presented at Documenta X (1997) in Kassel
and at Manifesta7 (2008) in Bolzano. Stuart also teaches workshops in a variety of contexts. In 2008
her body of work was honoured with a Bessie Award and a Flemish Culture Prize. In 2012 she is
awarded the German Konrad-Wolf-Preis.
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Dragana Bulut
Dragana Bulut works with choreography and dance. She is from Belgrade, Serbia and currently
living in Berlin where she graduated from HZT in MA SODA, a Master of Arts degree in Solo/Dance/
Authorship. Since 2004 she is developing her own choreographic work which has been presented
in different local and international contexts such as Tanzquartier Wien, InTransit festival Berlin, euroscene Leipzig, iDANS festival Istanbul, Fabrik Potsdam, Dansspace Project NY, eXplore Dance
Festival Bucharest and Balkan Dance Platform, among others. She was awarded with Prix Jardin
d’Europe 2010 European Prize for Young Choreographers, and was recipient of a DanceWeb Europe
Scholarship in 2004 and 2008.
Davis Freeman
Davis Freeman is a performance artist who has been working with Forced Entertainment (Bloody
Mess, The World in Pictures), Meg Stuart (Highway 101, Alibi), Hans van den Broeck (They feed we
eat eat eat), Stephan Pucher (Kirshgarten, Snapshots) and Superamas (Big 2, Big 3, Empire). Along
with this work he started his own company Random Scream with Lilia Mestre. Since 1999 they have
created work together and alone which has toured internationally. For szene Salzburg 2011 Freeman
created a new work Expanding Energy that is currently touring Europe.
Anja Müller is working as a choreographer and performer and lives in Berlin. After her education
in Contemporary Dance in Berlin, she did her Master in Choreography and New Media at the
Amsterdam School of the Arts. In her work she is interested in combining dance with other disciplines
and formats like concerts, comic strips and films to widen her definition of choreography. She is part
of the international artistic network Sweet & Tender Collaborations and works since three years in
the collective Deter/Müller/Martini. They just premiered their latest piece Undead & Delicious in HAU3
Berlin. The duet Interpassive Paradise, which she created together with Dennis Deter won the jury
award of the 100° Festival Berlin 2011. As a performer she worked with and for different artists like
dumb type, cena11, Gui Garrido and Alma Söderberg. Apart from Built to Last, Anja collaborated
with Meg Stuart/Damaged Goods on the group piece Do Animals Cry, Auf den Tisch! in New York
and ATELIER II in Ostend.
Maria F. Scaroni
Maria F. Scaroni lives in Berlin and is an independent performer and dance maker. She worked for
Italian TV dance productions, studied post-modern dance techniques and literature and is committed
to improvisational discourses. During HAU‘s Politics of Ecstasy festival (2009) Maria met Meg Stuart
who curated the Imrov-Series together with Jeremy Wade and Brendan Dougherty. Later in 2011
Meg Stuart invited Maria to take part in the improvisationproject Auf den Tisch! in San Francisco.
Scaroni’s work focuses on the process of collaboration, plays with durational experiences and is
featured by a crossbreeding between performance, choreography and installation. She is part of the
independent artistic networks AADK (Berlin) and P.O.R.C.H. (Ponderosa). With Meg Stuart/Damaged
Goods Maria is performing Built to Last, a coproduction with the Münchner Kammerspiele. And
recently she participated to Sketches/Notebook a project in coproduction with HAU Hebbel am Ufer
in Berlin.
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Kristof Van Boven
Kristof Van Boven was born in Lier (B) and studied Theatre at ArtEZ Institute for the Arts in Arnhem.
As a freelance actor Van Boven collaborated with theater groups in the Netherlands such as
Noord Nederlands Toneel, Toneelgroep Amsterdam and Onafhankelijk Toneel. In 2004 he joined
the ensemble of NTGent where he performed in several pieces by Johan Simons. Van Boven also
collaborated with directors Peter Verhelst and Ivo van Hove and with choreographer Meg Stuart.
Since 2010 Kristof is member of the ensemble of Münchner Kammerspiele where he received a
prize for his acting in 2011. For his part in Simons’ Winterreise Van Boven was awarded the prize for
talented young actor by the journal “Theater heute” and recently he was honored with an Art Prize in
the category of performance awarded by the Academy for the Arts in Berlin.
Bart Van den Eynde
Bart Van den Eynde studied Medieval Studies at the University of Gent (B) and at the Stenhdal II
University of Grenoble (FR) and afterwards Theatre Science at the KULeuven (B). After his studies, he
worked for 4 years at the Flemish Theatre Institute. Then he was invited by director Ivo Van Hove to
work as a dramaturge at Het Zuidelijk Toneel in Eindhoven(NL). During this period he was the fixed
dramaturge of Ivo Van Hove but he also often collaborated with guest directors. Between 2001 and
2007 he was doing repertory research for Toneelgroep Amsterdam. He is also part of the artistic
team of the Flemish youth theatre company Laika, where he directed “Slaapwakker” (2002) and
“Slot” (“La mort de Tintagiles”, M. Maeterlinck) (2005) and “Odilia” (2007). He is currently working as
a freelance dramaturge and worked together with a.o. Peter Verhelst, Guy Cassiers, Judith Herzberg,
Dora van der Groen, Arco Renz, Eric Sleichim, Ugo Dehaes, Susan Sontag, Ramsey Nasr, Hafid
Bouazza, Patricia Portela and Meg Stuart/Damaged Goods. Bart also teaches at the Audiovisual
Art department of the Sint-Lukas Institute in Brussels. Since 2009 Van den Eynde is the artistic
coordinator of the postgraduate formation a.s. (advanced scenography), situated in Brussels.
Alain Franco
Alain Franco studied music at the conservatories of Brussels, Liège, Antwerp and achieved a DEA
master in Music and Music history of the 20th century at the IRCAM-EHESS Institute in Paris. From
1989 until 1993 Franco was the permanent conductor of ensemble Champ d’Action and collaborated
with Ensemble Modern (Frankfurt), Ictus (Brussels), the National Orchestra of Belgium, the Orchestra
of Lyon’s Opera House and Ah Ton ensemble (Oldenburg), among others. As a pianist Franco
worked with Dito Dito, Tg Stan and De Parada as well as with Anne Teresa de Keersmaeker for the
creation of Zeitung (2008). For Tres Scripturae (2010) by Etienne Guilloteau he conceived a selection
from the 20th century music repertory which he also performed live on piano. As a live musician and
music dramaturge Franco contributed to Anarchiv#3: Songs of Love and War (2011) a performance
of the artist’s duo Deufert+Plischke. In the latter performance Franco plays excerpts from Richard
Wagner’s ‘Der Ring des Nibelungen’ on piano. In 2012 Alain Franco has been invited to teach at the
Universität der Künste and works as a freelance collaborator at the Akademie der Künste, both based
in Berlin.
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Kassian Troyer
Kassian Troyer, born in Italy, is both a musician and tonmeister currently based in Berlin. As audio
engineer he works in music production mainly on mastering, vinyl mastering and sound design, but
is also an experienced live mix engineer, having worked on shows and festivals in Europe, North
America and Japan. Further Troyer has ongoing collaborations with Pantha du Prince, Efdemin,
Radian, Fennesz among others. As musician he releases on the Hamburg label Dial, participates to
exhibitions and Festivals in Austria, Belarus, Germany, Italy, Poland and Serbia.
Doris Dziersk
Doris Dziersk is a visual artist who studied Fine Art at Middlesex University, London. In the past
years she worked as a stage designer and / or video artist with directors Enrico Stolzenburg, Gesine
Danckwart, Jarg Pataki, Matthaei & Konsorten, Sebastian Baumgarten, Stefanie Sewella and the
Game Designers „Invisible Playground“. She developed installations for „X Wohnungen“ in Berlin and
Caracas for steirischer herbst in Graz, Volkspalast in Berlin and on invitation by raumlabor_berlin in
several locations. Collaborative Installations with visual artist Anke Philipp were shown in Mousonturm
Frankfurt, “X Wohnungen” Vienna, in Kursdorf and at the HAU Berlin. Doris designed the stage for
FORGERIES, LOVE AND OTHER MATTERS (2004); It’s not funny (2006); Do Animals Cry (2009) and
she created the installations for BLESSED (2007) and All Together Now (2008), all works by Meg
Stuart/Damaged Goods. In 2009 Doris Dziersk was rewarded a Rolf-Mares-Prize for her scenography
for “Ein Volksfeind”, a performance by Jarg Pataki. In 2012 Dziersk has been awarded a New York
Dance and Performance Award, better known as Bessie Award, for the set design of BLESSED a
production by Meg Stuart/Damaged Goods and EIRA.
Nadine Grellinger
Nadine Grellinger was born in Dornach, Switzerland. She completed her training as a tailor in Basel
and afterwards studied Fashion Design at the Hochschule für Gestaltung und Kunst in Basel. During
her studies she completed internships in London and Antwerp. In 2002 she finished her studies with
Honours. She worked from 2002 - 2005 as a Costume Design Assistant at the Kammerspiele in
Munich. Since 2005 she has designed costumes for theater, opera and dance for, among others;
Johan Simons, Meg Stuart, Yona Kim, Jossi Wieler, Roger Vontobel and Peter Kastenmüller.
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// PRESSESTIMMEN
Pieter T‘Jonck
De Morgen
04. Oktober 2012
De Morgen
Built to Last
The American choreographer Meg Stuart appears to be breaking new
ground with her new work Built to Last. Never before has she created a
piece around existing music. This time everything revolves around
monumental, classical compositions, created to stand the test of time, to
defy the centuries. But if it’s in your blood, you can’t avoid it.
Built to Last
New World
Hymnen
Eroica
| 239
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Sarah Vankersschaever
De Standaard
08. Oktober 2012
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| 240
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Katja Schneider
tanz
Juni 2012
| 241
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[W ILDWALK] *MELK PROD. / MARCO BERRETTINI
„IFEEL2“
(CH)
Marco Berrettini @ ImPulsTanz
Performances
2011
2006
Marco Berrettini / *Melk Prod.
„Si, viaggiare“ (Choreographer)
Marco Berrettini / *Melk Prod.
„NO PARADERAN“ (Choreographer)
Research Projects
2011
2006
Coaching Project: „Contamination“
Coaching Project: „Feelings“
Diskussionsveranstaltung
2011
im Rahmen der Ausstellung „Weltraum. Die Kunst und ein Traum“
mit Marco Berrettini und Kuratorin Cathérine Hug, in Kooperation mit der Kunsthalle
Wien
Marie-Caroline Hominal @ ImPulsTanz
Performances
2012
Duchesses (Choreographer, Dancer)
Other
2002
| 242
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[W ILDWALK] *MELK PROD. / MARCO BERRETTINI
„IFEEL2“
(CH)
Konzept und künstlerische Leitung
Performance
Musik
Bühnenbild und Licht
Administration und Vertrieb
Produktion
Koproduktion
Studio residency
Dauer
Marco Berrettini
Marco Berrettini, Marie-Caroline Hominal und
Samuel Pajand
Summer Music
Victor Roy
Tutu Production
*MELK PROD.
adc Genève
adc Genève, Mottatom
Ville de Genève, Pro Helvetia Swiss Arts Council,
Loterie romande, DRAC Île-de-France,
Ernst Göhner Stiftung
70 Minuten
// ABOUT „iFeel2“
Eine junge Frau und ein Mann mittleren Alters tanzen halb nackt in einer tropischen Traumwelt mit
schwebenden Pflanzen. Sie werden beobachtet. Eine erotische weibliche Stimme singt seltsame
Assoziationen zur Natur. Marie-Caroline Hominal und Marco Berrettini bewegen sich in ihrem
sehr speziellen Dance Battle wie in einem existenziellen Warm-Up. „Es gibt eine wachsende
Notwendigkeit, wieder einmal diese Frage zu stellen: Warum sind wir hier, auf dieser Erde?“, sagt
Berrettini. Inspirationen für „iFeel2“ hat er einerseits in dem Buch „Du musst dein Leben ändern“ des
deutschen Philosophen Peter Sloterdijk und andererseits bei Carl Gustavs Jungs Archetypus des
Schattens, der unsere dunklen Seiten bezeichnet, gefunden.
*****
Marie-Caroline Hominal is Raymonda, Marco Berrettini is Taylor. A dance begins…
After iFeel (2009) and its angers inside our modern societies, and Si,Viaggiare (2010) which was
attempting to reset a communion between beings, iFeel2 displays the mutations, the evolutions,
the metamorphosis that the individual and the social « bubbles » practice in real life. There is a real
emerging need to once again ask the question : Why are we here, on this earth? And what value
can we assign to the birth of life? I‘ve been working with some texts and books from the German
| 243
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philosopher Peter Sloterdijk for many years. For iFeel2, I‘ve selected « You have to change your life
» (« Du mußt dein Leben ändern « ), published in 2010. With this latest creation, I am coming back
on stage and I reconnect with the movement, in collaboration with Marie-Caroline Hominal. The
current dance extends from a certain desire of acrobatic virtuosity to some more spiritual streams
flirting
with
psychoanalysis,
religion
and
the
search
of
inner
consciousness,
the
Jungian
shadow.
Our
performance is a mix of this multitrack life.
Finally, the music for iFeel2 has been created beforehand, by the more or less pop band, Summer
Music, formed by Samuel Pajand and myself. We wanted to compose our own libretto, to
choreograph from the music and not the opposite.
Marco Berrettini
« iFeel2 draws its strenghts from our shadows with the certainty that this introspection will make us
brighter… »
Marco Berrettini
« Man deserves to care about himself for he bears in his soul the seeds of his own future. »
Carl Gustav Jung
«
And
to
me
also,
who
appreciate
life,
the
butterflies,
and
soap-bubbles,
and
whatever
is
like
them
amongst us, seem most to enjoy happiness. »
Friedrich Nietzsche
// The concert - performance
Summer Music is an Electro-Pop and experimental music band. The band consists of Samuel
Pajand, composer, singer, arranger and sound technician, and Marco Berrettini, composer, singer
and arranger.
The pair met while working on creations of the *MELK PROD. Dance company, the artistic director of
which is Marco Berrettini and Samuel Pajand, the official composer and sound technician.
Summer Music was born a day of the summer 2009. Marco Berrettini et Samuel Pajand are seated
on the terrace of a pizzeria in Montpellier when Marco receives a call : he is offered to create a
performance in November for the opening of the new Festival at the Centre Georges Pompidou.
Marco hasn‘t then been in contact with a music instrument for more than 10 years
He answers the person on the phone:
Marco :….Could it take the form of a concert ?
The person on the phone (Xavier Boussiron) : Yes...it can take any form you want..
Marco to Samuel : Do you want to do a concert in Beaubourg with me?
Samuel : Yes
Marco to Xavier : Can I invite a friend?
This is how Summer Music was born.. The concert-performance will be called« Marco Berrettini et
Samuel Pajand mettent la gamme ».
Two years later, Marco will try to integrate Summer Music into his piece « Si, Viaggiare », but he
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hasn‘t planned any specific time for the music and only the song « Esfahan » will be left. This time, for
« iFeel2 »,Summer Music will have the means of its ambition to create the soundtrack of the piece,
then two weeks on the set to key the music to the live performance...
// BIOGRAFIEN
Marco Berrettini
His interest in dancing began in 1978, when he won the German championship of Disco Dancing.
Thereupon he decides to improve his technical skills. In the next following three years, he’ll take
a multitude of classes and workshops in Jazz Dance, Modern Dance and classical ballet. Next
to his regular school education, he works for the Ballroom Dance School Bier in Wiesbaden as a
choreographer for Gala Nights. He directs 28 male and female amateur dancers. In order to improve
the Shows, he watches for the first time in his life American Musical movies. With his dancers he
studies and steals and adapts some dance scenes from West Side Story to Eastern Parade.
After his A levels, he starts a professional dance-formation; first at the London School of
Contemporary Dance, then at the Folkwangschulen Essen, under the direction of Hans Züllig and
Pina Bausch. In Essen and Wuppertal he develops his interest for the German Tanztheater and
choreographs his first contemporary Solo: « the horny Santa Claus ». Since that that time, the Jooss/
Laban/Leeder/Cecchetti technique means everything to him and in the next 10 years he’ll work
under the influence of Pina Bausch’s Tanztheater. Especially concerning the “form” of how a show is
build. There seems to be a great amount of freedom and possibilities. But concerning the “content”,
Berrettini seems much more sceptical. Berrettini belongs to the ‘80s and the psychoanalytical work
of most of the big contemporary companies does not appeal to him. One can feel a change of
generation.
Straight after the diploma as a dancer he tries to build up his own company in Wiesbaden. One must
say, without any success. Retrospectively it can be mentioned that at the beginning of the 80’s the
independent dance companies weren’t really helped at all in Germany and the audience would be
strictly used to frequent the state-theatres. Also, Berrettini’s work wasn’t the most communicative
one. Next to his attempts to be recognised as a good, new, revolutionary choreographer, he studies
European Ethnology, Cultural Anthropology and Theatre-Sciences at the Frankfurt University. For
few years, Berrettini fights rather badly his way through dance. He could have had easily a job as a
classical dancer or at the Wuppertaler Tanztheater, but he seriously believes that one day his career
will work. In the meantime he pays his rent by playing Backgammon and giving amateur-classes.
In 1988 he signs a contract with a French dance company. He is fed up of Germany and hopes
that France will offer him new opportunities. This time he’ll be luckier. Besides his work for the
choreographer Georges Appaix, he creates his own pieces. The name of his Company was «
Tanzplantation ».
In 1999 the Kampnagel Theatre in Hamburg produces his show « MULTI(S)ME ». Following the
advice of the Kampnagel Director Res Bosshart, his Company, strong of 12 members, changes its
name. *MELK PROD. Is born.
Since then Marco Berrettini, in collaboration with his Company, has produced more than 25 pieces
and won some prizes like the ZKB PRIZE at the Theaterspektakel Festival in Zurich. For what it
counts to win prizes in choreography.
In 2005 « No Paraderan » opened at the Theatre de la Ville in Paris. A huge scandal breaks out
| 245
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the Opening night. Few spectators even want to beat Berrettini up, waiting for him at the artist’s
entrance. In less than 6 months the Company looses the support of the theatres *MELK PROD.
used to work with. No money, no gigs anymore. For two years the Company will really have a hard
time and 3 members of the crew will have to leave for financial reasons. But since 2007 the situation
seems to become stable again. His last piece « *MELK PROD. goes to New Orleans » (for which the
Company has really travelled to New Orleans in order to create the piece), reconquers the audience.
His dancers, the youngest 26, the oldest 57 years old, improve through the years. Just like good red
wine.
Berrettini’s work spreads widely. From the Performance in Museums to movie-productions with
foreign film-directors; from Video-Installations at the Palais de Tokyo in Paris to festive dinner parties
with famous people who don’t know him at all. At the present Berrettini works on the piece « iFeel
». A piece for 6 dancers who will try to translate Peter Sloterdijk’s new book: “Anger and Time” in
theatrically exploitable material. The Opening night will be November 2009 in Paris. But his best
“creation” is and will be Stella, his 6 years old daughter with whom he lives in Geneva.
Marie-Caroline Hominal
Marie-Caroline Hominal received a dance training at Schweizerische Ballettberufschule in Zürich
and at Rambert School of Ballet and Contemporary Dance in London, where she joined for 1 year
the National Youth Dance Company. Her choreographic works, mainly solos or duos, are: the
tryptique; “Fly Girl“ (2008), “Yaksu Exit Number 9“ (2010) & “Voice Over“ (2011). “BAT “(2012). The
performances “Patricia poses by the pop machine“ (2011), “ Cindy punch pop acid“ (2011) & “In
bed with MadMoiselle“ (2013). Besides, Marie-Caroline Hominal regularly collaborates with other
artists like François Chaignaud (Duchesses, 2009), Clive Jenkins (Opus 69, 2009), Cristian Vogel
(music video 1968 Holes), Kim Boninsegni (4 Strobs, Some wax, Screwed up timeline, Glitter, Two
voices, One dance, All in one, 2010) and recently with her brother the visual artist David Hominal for
the performance (Two birds at swim, at birds two swim, at two birds swim, 2012). Under the name
MCH, she has made videos that were shown in numerous festivals in Europe and USA. Since 1998
she has been performing with choreographers and companies such as the Tanztheater Basel, Blanca
Li, Gisèle Vienne, Gilles Jobin, La Ribot, Marco Berrettini. She was also guest performer for Human
Writes from William Forsyth and B.O.B from Dick Wong
Samuel Pajand
After completing his audiovisual studies at the Brest university, in 2000, he started working as a
sound technician at the Menagerie de Verre. He created the sound for performances by Judith
Depaule, Gildas Milin, Joachim Latarjet, Vincent Macaigne...
He is a member of the MELKPROD./Marco Berrettini company since 2006 and he collaborates on a
regular basis with Claudia Triozzi and Marta Izquierdo.
Along with Fred costa, he is part of the more or less improvised music band Complexité faible. He
forms a more or less pop band with Marco Berrettini and is an active member of the more or less
punk band Marta and the psycho son‘s.
| 246
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[8:TENSION] MICHAEL TURINSKY
„HETERONOMOUS MALE“
(AT)
Michael Turinsky @ ImPulsTanz
Workshops
2011
„The Narcissus Project - Composing Physical Difference“
| 247
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[8:TENSION] MICHAEL TURINSKY
„HETERONOMOUS MALE“
(AT)
Choreografie, Tanz, Bühne und Text
Musik
Kostüm
Michael Turinsky
Ben Frost
Devi Saha
TANZ*HOTEL, M.A.P. Vienna und MA 7 Kultur
Dauer
30 Minuten
// ABOUT „heteronomous male“
„Als Kind habe ich davon geträumt, Fußball-Trainer zu werden. Jetzt statt dessen ...“, sagt der
körperbehinderte Wiener Choreograf, Tänzer und Philosoph Michael Turinsky in seinem Solo
„heteronomous male“. Heteronom ist das Gegenteil von autonom, also von selbstbestimmt und frei.
Genau so unfrei fluktuiert der Künstler zwischen der Situation eines Kindes und dem Zustand eines
erwachsenen Mannes, zwischen Hilflosigkeit und Eros, den Logiken eines behinderten Körpers
und den Gesetzen von Gesellschaft und Choreografie. In seinem neuen und bisher dritten Stück
bearbeitet dieser außergewöhnliche Choreograf mit Ernst und Ironie so sinnlich wie intellektuell die
Fundamente und Identitäten des gefährlichen Gebiets, auf dem er sich als Mann und Tänzer bewegt.
*****
het·er·on·o·mous
adj.
1. Subject to external or foreign laws or domination; not autonomous.
2.
Biology
Differing
in
development
or
manner
of
specialization,
as
the
dissimilar
segments
of
certain
arthropods.
Was mag es, vor allem in kinästhetischer Hinsicht, bedeuten, ein Mann zu sein und zugleich
fremdbestimmt durch Abwesendes? Spielerisch changierend zwischen der Eigengesetzlichkeit
des behinderten Körpers einerseits und der Gesetzeskraft von Choreographie und Sozietät
andererseits, schwankend zwischen Eros und Hilflosigkeit, zwischen der Position des Kindes und
der des erwachsenen Mannes, oszillierend zwischen Ernst und Ironie, zwischen Sinnlichkeit und
Intellektualität, erkundet heteronomous male die grundlegenden identitätsbestimmenden Achsen
desjenigen Feldes, auf dem ich mich als behinderter Mann und Tänzer bewege.
| 248
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// BIOGRAFIE
Michael Turinsky
Michael Turinsky, academically trained as a philosopher, physically disabled since his birth, is
currently living and working as a theorist, dancer and choreographer in Vienna. First dancing
experiences in the course of regular trainings and small performances with “vimprodaco” (“Vienna
Improvisation Dance Company”). Afterwards artistic collaborations with Sonja Brown, Andreas
Constantinou, Barbara Kraus, Bert Gstettner and others. 2007 trained as Danceability Teacher. 2008
choreography “Rücksicht auf Darstellbarkeit”, 2011 choreography “Narcissus project”.
| 249
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NEEDCOMPANY / GRACE ELLEN BARKEY
„MUSH-ROOM“
(BE)
02. AUGUST | 21.00 UHR | AKADEMIETHEATER
Grace Ellen Barkey @ ImPulsTanz
Performances
2008
2006
2006
2005
2004
2001
Needcompany/Grace Ellen Barkey
„The Porcelain Project“ (Choreographer)
„Chunking“ (Choreographer)
„Isabella‘s Room“ (Costumes)
„Isabella‘s Room“ (Costumes)
„No Comment“ (Dancer)
„Few Things“ (Choreographer)
| 250
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NEEDCOMPANY / GRACE ELLEN BARKEY
„MUSH-ROOM“
(BE)
Choreografie, Regie und Text
Konzept
Musik
Mit Unterstüzung von
Grace Ellen Barkey
Lemm&Barkey
The Residents
Sung-Im Her, Yumiko Funaya, Benoît Gob, Maarten
Seghers, Julien Faure, Mohamed Toukabri,
Catherine Travelletti
Lot Lemm
Elke Janssens
Bart Aga, Pierrick Drochmans
Luc Schaltin
Marjolein Demey
Lieve Meeussen
Myrto Vagiota
Luc Galle
Helen McNamara
Phile Deprez, Maarten Vanden Abeele
Stef Lernous
Needcompany
PACT Zollverein (Essen), Internationales
Figurentheater-Festival (Erlangen)
the Flemish authorities
Dauer
80 Minuten
Bühnenbild und Kostümedesign
Dramaturgie
Sound
Lichtdesign
Licht
Assistenz Lemm&Barkey
Regieassistenz
Produktionsleitung
Sprachtraining
Fotografie
MUSH-ROOM manifesto
Produktion
Koproduktion
// ABOUT „MUSH-ROOM“
Pilze überall. Freiheit für Funghi! Oder Krieg den Champignons? In einem Wunderland aus hängenden
Lampions mit Stengel und Hut lässt die Mitgründerin der belgischen Needcompany Grace Ellen
Barkey das Schwammerl heraus. Besonders auch das sogenannte „psychoaktive“. Zur eigens für
dieses Stück fabrizierten Musik der amerikanischen Avantgarde-Gruppe The Residents wirbeln
erregte Einzeller, rammeln Revolutionäre, mutieren Mysterien. In diesem vergnüglichen Wimmelbild
aus wieselnden Körperaktivisten gerät alles ins Tanzen – inklusive der Gesellschafts-Metaphern, die
den Hintergrund dieser Party bilden.
| 251
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THE MUSH-ROOM MANIFESTO
Some people say a man is made out of mud
A poor man’s made out of muscle and blood
Muscle and blood and skin and bones
Sixteen Tons, Tennessee Ernie Ford
Earth and fire!
Muscle, blood, skin and bones!
They sing: ‘We Are Alive and Kicking’ as hard as they possibly can.
My God, how soft we have become. Have we forgotten how to scream, forgotten that theatre/life is
rock ‘n roll? Have we forgotten that theatre is life and that at its dullest life is bad theatre? How
boring politics has become, and how pointless newspapers. We have to return to theatre to remind
us what life is. No longer as a mirror of reality, but as more real than life itself.
We live in a place that is becoming increasingly complex. Information multiplies exponentially. What
was the truth yesterday may today be a lie. Words lose their meaning and symbols become hollow.
What we take for the truth has to be questioned. The priority is to make new associations, trust
one’s gut feeling and develop a new language. What is necessary is a healthy confusion, feeling
without restraint and an associative approach.
Vitality and virility have become two of our most valuable raw materials. Isn’t it time to yell very
loudly again? Shouldn’t we learn to shout again? Learn to burn? Isn’t that the essential question:
what do you burn for? That’s what I mean by rock ‘n roll. And sharing that burning. A sort of artistic
pyromania. Setting people alight in the hope of transcendental resurrection. Burn away the world’s
landscape because that is the most fertile ground.
It is Grace Ellen Barkey’s mushrooms that shout and grow and swell and attack from under the
ground. Barkey’s fungi that bombard an invisible enemy, but also themselves and ultimately – no!
first of all! – the audience. Because that is what a mushroom wants. To eject its spores and
contaminate. Isn’t that the essence of theatre?
Not highbrow thought, but learning once again.
Once again. Learning. Contemplating. Fighting.
Fighting is good; if we don’t fight we are dead.
Fact: we have to fight to really live.
Fact: we live to fight. But not to hurt each other.
On the contrary.
| 252
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MUSH-ROOM is a story based on images. An imploded narrative in danger of exploding. Because
images are condensed stories, or in this case artistic parcel bombs. And do not – NOT – hesitate to
open this parcel. This performance is explosive, squeezed tightly in the hand. Light the fuse and don’t
let go.
‘BAMGÖTTERDAMMERUNGWHATNEXTWHATWASTHAT!!!’
AND.
‘We shall fight them on the beaches.’
AND.
‘Rage, rage, against the dying of the light.’
AND.
‘If you can’t go back to your mother’s womb, you’d better learn to be a good fighter.’
Is there confusion? Very good.
Because I haven’t finished yet.
When is theatre political? I’m not talking about theatre that’s about politics, but about political
theatre. When it screams for commitment from every fibre, of course. Barkey screams for this
commitment. And for whether we want to scream with her. It is essential to be exposed to the
irrational. That’s the only way to be courageously and vigorously confronted with a world that is not
always meaningful. Would we ever have reached the moon without the short film by Méliès, where
the rocket ends up in the man in the moon’s eye? Imagination is a valuable platform on which to
make possible that which appears impossible. And just as a dream is utterly logical when you are
immersed in it, so Grace Ellen Barkey’s world has a logic of its own that appeals directly to us as
humans. To earth and fire! To muscle, blood, skin and bones!
Colours, forms and plot constantly mutate. Characters shoot up out of the blue in just a few seconds,
from supersoft to megabitch. And the consistent becomes consistently inconsistent. Mutation is
inherent to growth. To wanting to move on. Change now! Mutate! NOW! To battle, not only now,
but always, but now more than ever. To become bigger or smaller, so as not to remain yourself, to
come closer to yourself, fight for the sake of fighting, damn it! MUSH-ROOM evokes the world under
the microscope. Sex and violence among unicellular organisms! That just swarm and squirm over the
stage and speak from instinct rather than reason. In The Lucifer Principle, Howard Bloom regularly
refers to the wars being constantly fought out at a microscopic level. This production reminds me of
that. MUSH-ROOM, not as a mirror of our society, but as a mirror of a fantastic ‘subsoil’ universe
which in this way reflects, parallel with ours.
Somewhere in the land of Funguria live the United Tribes of Snotrooms and Mushlings. They dance,
scream and fight until they drop. Grace Ellen Barkey and Lot Lemm have together built a tank. A big
installation, a perpetuum mobile in which mushroom shapes float up and down to the belligerent
sounds of The Residents. A war machine that bears down on the audience for an hour and a half.
This evening it’s war, and we are fighting because we have to.
Stef Lernous
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// ABOUT Grace Ellen Barkey, Needcompany & The Residents
We’re not kidding! Dreams do come true, wishes are fulfilled: the iconic avant-garde American
performance art collective The Residents has written music for Grace Ellen Barkey and
Needcompany!
The Residents are an oddball American arts collective best known for their avant-garde music and
multimedia work. Their first official release was the single Santa Dog (1974). Since then the group
has made more than sixty albums. They are also the inventors of the video clip (it’s really true!). Their
work can be roughly divided into two categories: deconstructions of Western popular music and
complex pieces centred on a theme, a theory or a plot. Their lyrics are often nonsensical and the
sound over the top. Their video clips have a nightmarish quality, as if they had been conceived by
creatures chewing on Martian mushrooms. The Residents’ songs always contain some great mystery
and are exceptionally sensory. The members of the band have succeeded in remaining anonymous
throughout the time it has been in existence. For several decades they have often appeared in
costumes that include a big eyeball over their heads, crowned with a top hat.
// BIOGRAFIEN
Needcompany
Needcompany is an artists’ company set up by the theatre-maker and Jan Lauwers and the
choreographer Grace Ellen Barkey in 1986. They form the core of the company, and it embraces all
their artistic work: theatre, dance, performance, visual art, writing, etc. Their creations are shown at
the most prominent venues and abroad.
Lemm&Barkey
In 2004 Grace Ellen Barkey & Lot Lemm set up Lemm&Barkey to give shape to their close artistic
cooperation: they designed the costumes for Isabella’s Room (2004) and were responsible for the
concept, set and costumes for Chunking, The Porcelain Project and This door is too small (for a
bear). In 2007 they created a porcelain installation for the production The Porcelain Project. It has
been shown at several museums including BOZAR (Brussels) and the Benaki Museum (Athens). The
curator Luk Lambrecht then invited them to take part in the group exhibition I am your private dancer
(2008) at Strombeek cultural centre, they created works for the group exhibition Het spel van de
waanzin, over gekte in film en theater (2008) at the Dr Guislain Museum (Ghent) and were invited to
take part in the ‘contemporary ceramics’ section of the Down to Earth (2009) exhibition by its curator
Hugo Meert. The curator Pieter T’Jonck has invited Lemm&Barkey to put together an exhibition on
their last three productions: Chunking (2005), The Porcelain Project (2007) and This door is too small
(for a bear) (2009) for the Modemuseum in Hasselt in 2012. It will be part of the third Hasselt Triennale
/ Superbodies: an art project for contemporary art, fashion and design. For this they made 18 video
works entitled The Ontology of a Series of Images, in which images are constructed and
deconstructed almost in passing. Human figures become forms, matter becomes a part of the body,
hesitation becomes eroticism.
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The Residents
The Residents have been regarded as icons in the world of experimental music for nearly forty years.
In addition to their groundbreaking work in the areas of trance, world fusion, electronica, punk,
industrial and lounge music, the group has also been credited with being among the originators of
performance art and music video. Two of their videos are in the permanent collection of the
Museum of Modern Art and their Freak Show CD-Rom has recently been featured in MOMA’s
“Looking at Music 3.0” exhibition. Their four decade long career has also taken them into the world
of film and television music, having scored several episodes of the PEE WEE HERMAN SHOW,
HUNTERS (for the Discovery Channel), THE CENSUS TAKER (1985), HEAVEN (1987), CONCEIVING
ADA (1997), CONDO PAINTING (1997), THOMAS PYNCHON - A JOURNEY INTO THE MIND (2001),
INVESTIGATION INTO THE INVISIBLE WORLD (2002) and STRANGE CULTURE (2007) as well as
several projects for MTV. Having already released ten DVDs, and a 60 episode internet series, The
Residents are also thriving in the world of digital media. In addition, they have recently completed a
70 date world tour, titled The Talking Light, from January, 2010 - April 2011.
Grace Ellen Barkey
Grace Ellen Barkey, born in Surabaya in Indonesia, studied dance expression and modern dance at
the theatre school in Amsterdam and afterwards worked as an actress and dancer. Before
cofounding Needcompany in 1986 and becoming its full-time choreographer, she had
choreographed
several other productions. She created the choreography for Need to Know (1987), ça va (1989),
Julius Caesar (1990), Invictos (1991), Antonius und Kleopatra (1992) and Orfeo (1993). She
also acted in several of these productions, as well as in The Snakesong Trilogy - Snakesong/Le
Voyeur (1994), Caligula (1997), Needcompany’s King Lear (2000), Images of Affection (2002), No
Comment (2003), The Lobster Shop (2006), The Deer House (2008), The art of entertainment (2011),
Marketplace 76 (2012), Needlapb and The House of Our Fathers. She was one of the cast of Goldfish
Game (2002), Jan Lauwers & Needcompany’s first full-length film. For Isabella’s Room (2004) she
joined forces with Lot Lemm to create the costumes under the name Lemm&Barkey. Since 1992 she
has been steadily and successfully building an international career with her own stage creations. Her
first pieces, One (1992), Don Quijote (1993) and Tres (1995) were coproduced by Theater Am Turm in
Frankfurt. These were followed by the Needcompany productions Stories (Histoires/Verhalen) (1996),
Rood Red Rouge (1998) and Few Things (2003). Few Things was received very enthusiastically both
at home and abroad. With (AND) (2002) she transcends all the boundaries of theatre, dance and
music with an irresistible flair. In 2005 Grace Ellen Barkey presented her new stage show, Chunking
and was nominated for the Flemish Community Culture Prizes (2005). For The Porcelain Project
(2007) she created a porcelain installation together with Lot Lemm. In 2010 she made the production
Thisdoor is too small (for a bear). MUSH-ROOM (2013) is her latest production.
Lot Lemm
Lot Lemm has worked at Needcompany since 1993. She initially started as costume designer on
various productions including Le Voyeur (1994), Le Pouvoir (1995), Needcompany’s Macbeth (1996),
Le Désir (1996), Caligula (1997), The Snakesong Trilogy (1998), Morning Song (1999),
Needcompany’s King Lear (2000), Images of Affection (2002), Goldfish Game (feature film, 2002), No
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Comment (2003), Isabella’s Room (2004), The Lobster Shop (2006), The Deer House (2008), The art
of entertainment (2011), Marketplace 76 (2012), all by Jan Lauwers, and All is Vanity (2006) with
Viviane De Muynck. When it comes to Grace Ellen Barkey’s productions, her involvement increases
with each one. She started as a costume designer on Tres (1995), Stories (1997), Rood Red Rouge
(1998) and (AND) (2002). On the productions Few Things (2002), Chunking (2005), The Porcelain
Project (2007), This door is too small (for a bear) (2010) and MUSH-ROOM (working title) (2013) she
also defines the stage setting.
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// PRESSESTIMMEN
Sarah Heppekausen
NRZ/WAZ
25. März 2013
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Nicole Strecker
Kultur heute Deutschlandfunk/Essen
24. März 2013
Exzentrische Performance einer Pilz-Invasion
„Mush-Room“ von Grace Ellen Barkey und der Needcompany auf Pact Zollverein in Essen
Von Nicole Strecker
Die Pilze beherrschen die Welt vermutlich noch dann, wenn die Menschheit durch die Apokalypse
weggerafft wurde. In „Mush-Room“ choreografiert Grace Ellen Barkey genial die Rebellion der Pilze.
Ganz gleich, was geschieht, sie werden bleiben. Zivilisationen mögen untergehen, eine Apokalypse
die ganze Menschheit wegraffen, aber Pilze und ihre Myriaden von Sporen wird es dann vermutlich
immer noch in irgendeinem Winkel dieser Erde geben. „We are mushroom“ lautet jetzt der Kampfruf
der Fungi. Und der erste Ort, an dem sie ihre unausrottbare Präsenz zelebrieren, ist das Theater.
Pilze schießen hier nicht aus dem Boden, sie tänzeln im großartigen Setting von Bühnenbildnerin
Lot Lemm als gigantische Papier-Pilze kopfüber an Seilen in der Luft - wie ein Fanal, dass jeder
Atemzug, den der Mensch nimmt, angefüllt ist von ihren Sporen. Die Welt steht schon immer
Kopf auf der Tanzbühne von Choreografin Grace Ellen Barkey. Als Mitbegründerin der belgischen
Needcompany sieht man die aus Indonesien stammende Tänzerin oft als ätherisches Gefühlswesen
in den düster-bizarren Geschichten von Jan Lauwers. Zuletzt etwa als weibliche Schmerzensikone in
seiner bei der Ruhrtriennale gezeigten Produktion über dörflichen Kindsmissbrauch und rassistische
Diskriminierung.
Barkeys eigene Stücke sind anders, nicht so wund und kritisch. Sie ist weltanschaulich, offenbar
ein spätes Hippiemädchen, für das die wahre Rebellion in lustvoller Durchgeknalltheit liegt - mit der
Anarchie von Sex, Drugs und in diesem Fall: 70er-Jahre Avantgarde-Musik.
Die Band „The Residents“ hat die Musik für Barkeys neues Stück komponiert. Eine mythenumwitterte
Kultgruppe, die seit Jahrzehnten ihr Image als „Thomas Pynchon“ des Pop pflegt. Niemand weiß,
wie sie aussehen, bei Konzerten treten sie verkleidet auf, etwa mit einer Augapfel-Maske vor dem
Gesicht. Und eine ihrer Maskeraden dürfte nun auch Inspiration zum Mushroom-Stück gewesen sein:
Vor bald 40 Jahren persiflierten sie die Beatles - die berühmtesten Pilzköpfe des Globus.
Zum kosmischen Zitate-Sound von „The Residents“ proben die Tänzer auf Grace Ellen Barkeys
Bühne nun eine Art Zwergenaufstand. Sie tragen seltsame weiße Kopfbedeckungen, hinten
Zipfelmütze, vorne eine Kombination aus Gesichtsverband und Strumpfmaske eines Bankräubers.
Halb sind sie Schwerstversehrte, halb Verbrecher. Der Pilz - ein irrer Underdog.
Grace Ellen Barkey hat für ihre Hommage an die Wald- und Weltbesetzer eine Serie origineller
Komikchoreografien geschaffen. Ein Performer muss ein Yoga- Guru sein, jedenfalls verknotet er
seine Gliedmaßen so kunstvoll, dass man nicht mehr weiß, wo oben und unten ist beim dargestellten
Einzeller. Die fantastische Tänzerin Sung-Im Her räkelt sich als super-erotische Sex-Spore barbusig
in einem schlauchartigen Kokon. Andere rumpeln von Vermehrungslust getrieben aufeinander los
und kollidieren mit virtuos präsentierter Plumpheit - hemmungslose Kopulations-Maniacs, die nicht
wissen, wo was reingehört. Dazwischen Ansprachen ans Publikum. Skurrile Nonsense-Texte, in
denen die Pilze den Magic Mushroom herbeisehnen oder die Menschheit mit prolligen Poser-Gesten
| 258
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als Pilz-Esser anklagen und daran erinnern, dass in jedem Winkel des menschlichen Körpers die
Fungi wuchern.
Vieles an diesem Abend will gar nichts anderes sein als verschwurbelter Schmarrn, aber der
ist immerhin genial inszeniert. Jeder Revolution wohnt das Irrationale inne, mit jedem Aufstand
drohen Anarchie, Hybris und Übertreibung. Auch davon erzählt Grace Ellen Barkeys exzentrische
Performance einer Pilz- Invasion. Aber ihre Rebellion verbreitet keine Wut. Nur den Horror
unbesiegbarer Heiterkeit.
© 2013 Deutschlandradio
| 259
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OLIVIER DUBOIS
(FR)
„PRÊT À BAISER“ („READY TO KISS“)
Olivier Dubois @ ImPulsTanz
Performances
2012
2009
2008
Olivier Dubois
„Rouge“ (Choreographer, Dancer)
Cie. Olivier Dubois
„_Faune(s)“ (Choreographer, Dancer)
Olivier Dubois
„Pour tout l‘or du monde“ (Choreographer, Dancer)
Gewinner des Prix Jardin d‘Europe
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OLIVIER DUBOIS
(FR)
„PRÊT À BAISER“ („READY TO KISS“)
Nach „Das Frühlingsopfer“ von Igor Strawinsky
Eine Performance von
Musikalisches Arrangement
Produktion
Koproduktion
Olivier Dubois
François Caffenne
COD
Le CENTQUATRE / Paris
Dauer
50 Minuten
// ABOUT „Prêt à baiser“ („Ready to Kiss“)
Das ruchlose Streben nach dem Künstlersein. Das Opfer der Muse, die des Künstlers Nachwelt
nährt und seinen Körper einer wölfischen Einsamkeit ausliefert. Der Kuss des Todes. Das Erschaffen
der Ewigkeit durch mörderische Lippen. Der französische Choreograf Olivier Dubois, bekannt durch
so spektakuläre Stücke wie „Pour tout l’or du monde“, „Faune(s)“ oder „Rouge“, die bereits bei
ImPulsTanz zu sehen waren, bringt seine Version von Igor Strawinskys „Le Sacre du printemps“
als Männerduett auf die Bühne. Und damit als seinen Einblick in die abgründigen Leidenschaften
zwischen einer maskulinen Muse, die selbst den Status eines Künstlers anstrebt, und dem Künstler
selbst. Wird der Künstler diese Attacke überstehen?
*****
« My Muse...
With my mouth, I will carne you
With my kiss, I will satisfy the insatiable and morbid condition of my desire
To possess, emptied of its vitality, to fulfil my abyssal blackness.
To create the eternal from my murderous lips »
Mixed blessing, to water the seed of the artist, to offer one’s body to the solitary wolf.
The first note, this basson... this lamentation of the huntress. This hot and complicity with the muse.
« Where are you ? Here I am. Where are you ? I am behind the woods.»
Under the lights, the Hollywoodian stereotype - glory ; or evident proof of a murder.
Olivier Dubois
| 261
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//BIOGRAFIE
Olivier Dubois
Choreographer and performer, born in 1972. Olivier Dubois created his first solo performance, Under
cover, in 1999. In 2005, he partnered with Christine Corday to produce the duo Féroces for the
Théâtre de l’Esplanade in Saint-Etienne.
The year after, commissioned by France’s SACD and the Festival d’Avignon to create a performance
as part of the “Sujet à vif” programme, he gave birth to the award-winning Pour tout l’or du monde.
Olivier Dubois also teaches and directs a number of workshops in several international companies
and dance academies, including the National Opera House in Vienna, the Athens National School,
the Cairo Opera House, Troubleyn/Jan Fabre and the Ballet Preljocaj.
In 2007 he was awarded the jury’s special prize by France’s union of art critics (theatre, music and
dance) for his creation and interpretation of Pour tout l’or du monde and won the first price ex-aequo
of Jardin d’Europe 2008. For the Avignon Festival in July 2008, he signed the project Faune(s),
based on L‘Après-midi d‘un faune of Nijinski. He made the following January the choreography of
Offenbach’ La Périchole, staged by Bérangère Jannelle for Lille Opera, Nantes and Limoges.
In October 2009, Olivier Dubois presented an exhibition L’interprète dévisagé during one month
at the Centre National de la Danse in Pantin and premiered, Révolution, in November 2009 at la
Ménagerie de Verre in Paris, work for 14 dancers on Ravel’Boléro variations.
The Monte-Carlo Ballet asked him for a creation based on The rose spectre in April 2010 and Olivier
Dubois created the duo The Atlantic man, based on Frank Sinatra’ music, at la Biennale de la danse
à Lyon in September of the same year. Following Révolution, Olivier Dubois made and interpreted his
new solo Rouge, second part of the trilogy, on december 2011. During the company’ residency at
the Prisme d’Elancourt in 2011, Olivier Dubois made a project with 120 non professionnals, Envers
et face à tous, about theatre and its backstages. This project is now a part of pedagogic actions that
the company leads all over France. In October 2011, the newspaper Dance Europe has mentionned
Olivier Dubois as one of the best 100 dancers in the world.
He got the dance professor state-certificate under special renown in 2012.
The last part of the trilogy, Tragédie, a piece with 18 dancers, was premiered in Avignon festival on
the last 23rd of July and is currently on tour.
A creation for the Ballet National de Marseille will be performed in August 2013, within the frame
Marseille 2013. Olivier Dubois is also working on a new project for 7 african dancers, Souls, for the
end of the year 2013.
Olivier Dubois has performed in numerous plays designed by the following choreographers and
directors :
Jan Fabre, Sasha Waltz, Angelin Preljocaj, Christophe Honoré, Nasser Martin-Gousset, Cirque
du Soleil - Dragone, Marie Pessemier, Charles Cré-Ange, Dominique Boivin, Karine Saporta, Elio
Gervasi, National Opera of Vienna, Andy Degroat, Laura Simi, Damiano Foa ...
| 262
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PADMINI CHETTUR (IN)
„BEAUTIFUL THING 2“
&
DAVID HERNANDEZ
(BE/US)
„FOR MOVEMENT‘S SAKE – THE BEAUTY OF THE IN BETWEEN“
27. + 29. JULI | 19.00 UHR | WELTMUSEUM WIEN
URAUFFÜHRUNG
David Hernandez @ ImPulsTanz
Performances
1997
Crash Landing@Wien
„CRASH LANDING I-III“ (Choreographer)
Research Projects
1998
1997
Pro Series: „Improvisational Suite“
Pro Series: „Spontaneous composition“
Workshops
2012
2011
2010
2009
2008
1998
1997
1996
„Movement Logic“
„Movement Logic“
„Movement & Rhythm“, „Movement Logic“
„Elastic Choreography“, „Movement Logic“
„Elastic Choreography“, „Movement Logic“
„Contemporary Technique“
„Principles of Contact“, „Contemporary Technique“
„Principles of Contact“, „Practical Composition“
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&
DAVID HERNANDEZ
„DIVERTIMENTI“
(BE/US)
URAUFFÜHRUNG
Beautiful Thing 2
Choreografie und Tanz
Musik
Licht
im Auftrag von
Koproduktion
kopräsentiert vom
Padmini Chettur
Maarten Visser
Jan Maertens
Singapore Arts Festival
Szene Salzburg
Festival Bo:m
// ABOUT „Beautiful Thing 2“
Ein monumentaler Ort, hoch konzentrierte Bewegungsfolgen und hinreißend minimalistischer Sound:
Das alles macht dieses Tanzsolo der bedeutendsten indischen zeitgenössischen Choreografin zu
einem großen Ereignis, in dem sich künstlerische Souveränität und pathosfreie Schönheit miteinander
verbinden.
*****
Beautiful Thing 2 position the body almost as an architectural object in an empty stage. Using time
as powerful strategy in the very dramaturgy of presence. The performance prescribes nine ‚lines‘ in
space. The physicality of the body becomes abstracted over time, till the spaces it holds and moves
become more present. The performance remains constantly on the edge of ‚performing‘ and not. In
moments playing with the body‘s potential to grow in space, at others for it to dissolve into space. It
meticulously deconstructs and presents the study of movement mechanics until we are forced to ask
the question ‚what is dance?‘.
Choreographer’s Notes:
It has always been the potential of dance to place the body at the centre of its discourse, that has
fueled my research and processes. The famous statement of my teacher and mentor Chandralekha
- ‚where does the body begin and where does it end?‘ - is perhaps today more relevant than ever.
We cannot anymore reduce the body to being the vehicle for choreographic intention. With Beautiful
Thing 2, it is my wish to centralize and essentialize the body, stripping it of unnecessary narrative and
embellishment until we see it once again as the most important site of our being.
| 264
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// BIOGRAFIEN
Padmini Chettur
Padmini Chettur was born in 1970. She began her training in the traditional Indian dance form of
Bharata Natyam. In 1990, she joined the company of Chandralekha, to date the most important
Indian artist to contemporize dance in India. During the ten years spent working with Chandralekha,
Chettur began her own study and research of the body‘s geometry and its relationship with space.
The politic of developing a contemporary dance idiom from within Indian physical forms, rather than
by a study of western ones continues in her work. She has performed with her company at Théâtre
de la Ville (Paris), Springdance (Utrecht), Kunsten festival des Arts (Brussels), Bozar (Brussels), Seoul
Performing Arts Festival, National School of Drama Festival (New Delhi). This is her eleventh creation.
Jan Maertens
Jan Maertens works predominantly as a light designer within the international contemporary dance
and performance field. He recently created designs for Meg Stuart, Arco Renz, Philipp Gehmacher,
Padmini Chettur and Claire Croizé.
He has also created light designs for theatres and operahouses, including work for Peter Verhelst and
Piet Arfeuille as well as for Festival d‘Aix-en-provence and De Munt/La Monnaie.
Other than designs for formally staged performances, there have also been collaborations on more
site specific projects and installations with a.o. Anat Stainberg and Lawrence Malstaf.
A full scenographic approach and integrating new media digital tools within traditional light design
concepts are strong points of interest and also form the basis for his own academic trajectory and
installation based work..
Maarten Visser
Between 1994 and 1998 Maarten Visser studies saxophone at the ‘Brabants Conservatorium
(Netherlands).
After finishing conservatory in 1998 he goes to Chennai (India).
In 2000 he starts to collaborate with choreographer Padmini Chettur. He composes music for
‘Segment of a Solo’ (2000), ‘Fragility’ (2001), ‘3 Solos’ (2003), ‘Paperdoll’ (2005)’, PUSHED (2006),
Beautiful Thing 1.
In 2008 a cd with saxophone solos has been released.
In 2008 Maarten visser starts a contemporary improvised trio – MV3.
In 2010 he premiered a suite for the trio called ‚The Diva‘
In Jan. 2011 he premieres oto.3, a group that brings together the sound work Maarten has been
doing and the improvisational music in a new performance project. oto.3 is touring in 2013 with a
new repertoire.
In June 2011 Beautiful Thing 2 (Padmini Chettur) has been premiered.
In December 2012, they premiered ‘Wall dancing’.
He is active as a free-lance musician. Maarten visser is part of artist collective Basement 21, a
collective that is interested in the artistic process.
He curates music performances for Plantation House in Bangalore.
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// PRESSESTIMMEN
Helmut Ploebst
Der Standard
27. Juni 2011
Sommerszene Salzburg
Uns treibt die Energie
Davis Freeman und Padmini Chettur überzeugen am Beginn des Festivals Sommerszene Salzburg
(...)
Das genaue Gegenteil zeigte beim Salzburger Sommerszene-Festival die indische Choreografin
Padmini Chettur. Ihr Solo Beautiful Thing 2 führt Elemente indischer Tanztradition und eine an
Heidegger angelehnte Formphilosophie zusammen. Hochkonzentrierte Bewegungssequenzen,
hinreißend minimalistischer Sound von Maarten Visser und eine ausgeklügelte Beleuchtung von Jan
Maertens machen Chetturs Tanz zu einem erstklassigen Statement.
Während in Europa alle Performance im Emotionsrausch tanzt, wagt Padmini Chettur distanzierten
Rationalismus, widerständige Langsamkeit und pathosfreie Schönheit miteinander zu verbinden. Mit
beeindruckendem Erfolg. „Mehr denn je ist Kunst ein Medium des Widerstands“, schreibt Chettur.
Und schließt sich damit Davis Freeman an.
(Helmut Ploebst/DER STANDARD, Printausgabe, 27. 6. 2011)
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Jai Ranjit
The Tossed Salad
12. September 2011
Review: Padmini Chettur’s ‘Beautiful Thing 2’
“The vessel’s thingness does not lie at all in the material of which it consists, but in the void that it
holds.” – Heidegger
The space is expansive, open and yet enclosed; getting here sets the stage as the Clark House
Initiative warehouse sits in an obscure mill compound. Dramatic and enveloping, without seeming
heavy; this space preempts excitement and anticipation.
On the wall to the left of the entrance is handwritten:
“In traditional Geometry a three dimensional object is thought to occupy space. However, once the
object starts moving, it is no longer in a 3 dimensional Newtonian universe, but enters the Einsteinian
cosmology of the ‘fourth dimension’. Gravity is produced by the compression/expansion of space
around and between objects that in reality, do not occupy, space, but rather displace it.” – Padmini
Chettur
The stage is a dance floor created using random tiles and boards found within the old warehouse,
kept in place with cement. Speakers in two corners of the space, straw mats and large sheets
along with metal boxes make up the seating. From the ceiling hangs a set of small metal sculptures
indicating dance forms.
Chettur walks on stage and takes her place. The audience quietens; it begins.
In silence, Chettur walks slowly across the length of the rectangular floor. She pauses, and then
incredibly, almost inhumanly, she begins to move her body with the slightest of changes as she
returns to where she started from. Every muscle in her body flexes and relaxes to its utmost limit as
she concentrates through the tough choreography of the first of nine ‘lines’. Her movements are so
precise and slow that it seems like the black tiles below her feet are being bent, that she is actually
bending space, displacing it. By slowing down the movements in time, she gives us an extremely
unique look at the dynamics of a moving object in space in terms of relativity.
As she moves through the various ‘lines’ across the stage, the speakers come to life with a series of
broken, almost unrelated bursts of sound, which further the dramatics of the moment exponentially.
The balance is shifted constantly, as one looks on, be it by the positioning of her body at a certain
point in the three dimensional space of the dancefloor, or by her movement s across and through
it. She uses her movement studies to attempt to visualize and clarify what we see as space. The
undulating movements of ‘Line 5’, which requires her to lie down and rotate her body using her hips
and legs, leads the eyes along a curving revolution, almost defining the rotations and revolutions of
cosmic bodies like stars and planets.
This is Chettur’s first solo performance in nearly ten years, during which time she has been working
constantly with groups of dancers. A first solo in that long is a daunting enough task, but Chettur is
so sure of herself, her choreography and her team, that she gives it her all and pulls off something
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rare – she makes the audience think. Her skeletal baring of the fabric of time in space begs one to
ask the question – “How do I see myself in the grand motion of the universe?”
On the other hand, Chettur also tackles the problems of perception and the body, particularly, the
female body. In this extremely bare performance, we see Chettur’s own female form from nearly
every angle as she twists and turns her way around the stage space. She considers this piece, like
many others she has done before, to be a form of research into human perception. This is evident
from the post-performance discussion she has with the audience.
Questions are asked of her about everything from the performance itself, to the base concepts
she is working with, all the way to her own process within and without the studio. Light-hearted
conversation is given the seriousness it deserves, and the information exchanged between Chettur
and her audience is very interesting. Spatial and body perception is discussed at length, as is her
process of choreography and thinking. She speaks of connecting with the audience and how that
has an impact on the overall performance itself, her experiences across the world, and her core team,
who she has the greatest respect and love for.
For those who were lucky enough to witness this performance, nay, this ‘Beautiful Thing’, questions
never asked before will have found the beginnings of answers, and memories created for a lifetime.
Chettur’s unbelievably controlled speech through motion was a privilege to be in the presence of, and
if time truly is relative, as she showed here, her performance provokes the question – why don’t we
take a moment to look around and ask a few important questions?
| 268
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&
DAVID HERNANDEZ
„DIVERTIMENTI“
(BE/US)
URAUFFÜHRUNG
Choreografie
TänzerInnen
Musik
David Hernandez
Renate Graziadei, David Hernandez, Colas Lucot
Blindman quartet plays Bach and Buxtehude
// ABOUT „Divertimenti“
Gerade das Verschwommene, Verwackelte und als vermeintlich misslungen Aussortierte besitzt eine
eigene Schönheit und Anmut. Das gilt für die Fotografie wie für den Tanz. Aus diesem eigentümlichen
Zauber erschließt David Hernandez eine neue Bewegungswelt, begleitet von barocken Klängen.
*****
Divertimenti is a project concerned with beauty. I became interested in those thrown away moments,
that photo with a distorted face and position when you were in between words that you quickly
discard. I found that these in between moments taken out of context created a sort of graceful
monster out of us. I was curious how this could be used as movement vocabulary and what kind of
story it could tell that lie between the concrete and abstract. Approaching the music of Buxtehude
as the lesser known father of baroque music, we dance a dance of images and in betweens strung
together. After Cunningham coined the phrase „movement for movement‘s sake“ what is it to ask this
question again in a whole new context. For Divertimenti is a project in series and for the anniversary
of Impulstanz we create a special event for the festival and for the Volkerkunde Museum.
// BIOGRAFIE
David Hernandez
David Hernandez studied studio music & jazz, opera and dance in Miami. He worked as an
apprentice for a time with the Trisha Brown Company. He moved to Europe with Meg Stuart to help
her start Damaged Goods in Belgium, working as a performer, collaborator, training the company
and often assistant to Stuart.
| 269
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He left the company to return to building his own body of work in Brussels under the name
Edwardvzw. He has created several pieces including the solos ‚Love letters‘, the quartet “the essence
of its going“(98) and the sextet ‘Blueprint’ (2002). He frequently collaborates as choreographer,
dancer, composer, pedagogue and dramaturge with Brice Leroux (France), Labor Gras (Berlin),
Rebecca Murgi (Italy), Abnouk Van Dijk (Amsterdam) and Rosas (Brussels).
He developed , in collaboration with Meg Stuart & Christine De Smet, the improvisation project
CrashLanding(1996-1999) which crashed down in such locations as Leuven, Vienna, Paris, Lisbon
and Moscow in major festivals and houses, and did improvisations for several other festivals, with
many wonderful artists such as Katie Duck, Steve Paxton, Vera Mantero among others.
He created several multi-media projects and happenings such as ‘Filter’, ‘Innersections’ and
‘Performance Hotel’ in visual arts spaces and theatres.
He developed and directed The Performance Education Program (PEP) in Leuven in residence at the
Klapstuk festival. He teaches regularly in Belgium and internationally and has been a core professor
at PARTS, teaching technique, composition and improvisation, rhythm and dance and repertory
projects.
| 270
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PHILIPP GEHMACHER
„SAY SOMETHING:
(AT)
SIX SPEECH ACTS “
URAUFFÜHRUNG
Philipp Gehmacher @ ImPulsTanz
Performances
2012
2012
2011
2009
2006
2005
Philipp Gehmacher
„solo with Jack“ (Choreographer & Dancer)
„Programme I-III“
Turning 2011 // Von der Sprache (2011) (Installation)
Meg Stuart & Philipp Gehmacher
„MAYBE FOREVER“ (Choreographer)
Philipp Gehmacher
„walk + talk N°5“ (Choreographer)
Philipp Gehmacher & Alexander Lonquich on the piano
„MOZART CHOREOGRAPHIEN“
„das überkreuzen beyder hände“ (Choreographer, Performer)
Philipp Gehmacher
„incubator“ (Choreographer, Performer)
Research Projects
2012
2007
2009
Coaching Project Practice: „(walk+talk)“
Coaching Project: „On Time“
„ADD Practice and theory of the body in motion and stillness“, „Practice and
theory of the body in motion and stillness“
Other
2009
1996
danceWEB (Mentor)
| 271
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PHILIPP GEHMACHER
„SAY SOMETHING:
(AT)
SIX SPEECH ACTS “
URAUFFÜHRUNG
Dramaturgie
Porduktion
Assistenz
produziert von
Philipp Gehmacher
Claudia Bosse, Tim Etchells, Philipp Gehmacher, Gérald
Kurdian, Maria Hassabi, Liz Santoro
Christine Standfest
Stephanie Leonhardt
Stephanie Rauch
Mumbling Fish und ImPulsTanz Wien
Dauer
120 Minuten
Idee und Konzept
Von und mit
Mumbling Fish wird unterstützt von der Kulturabteilung der Stadt Wien
// ABOUT „SAY SOMETHING: six speech acts“
Die Fähigkeit zu sprechen ist ein großes Geschenk und zugleich als Tanz der Sprache auf den
Bühnen der Gesellschaft eine gewaltige kulturelle Herausforderung. „Sie stand einfach da und
schaute auf die überwältigende Schönheit von Allem.“ Dieses Sprachbild setzt der österreichische
Choreograf Philipp Gehmacher vor sein aktuellstes kuratorisch-künstlerisches Projekt. In „Say
Something: six speech acts“, das bei ImPulsTanz entwickelt und uraufgeführt wird, treffen sechs
außergewöhnliche KünstlerInnen im Burgtheater zusammen: Tim Etchells, Gerald Kurdian, Claudia
Bosse, Maria Hassabi, Liz Santoro und Gehmacher selbst.
Der brillante britische Regisseur und künstlerische Leiter von Forced Entertainment, der
subversive Pariser Performer, Songwriter und Radiokünstler, die radikale deutsche Theater- und
Installationskünstlerin, die beiden experimentierfreudigen Choreografinnen aus den USA und ihr
künstlerischer Gastgeber: sie leeren diese Theatermaschine Burgtheater und füllen das weite
Land der großen Bühne mit „six speech acts“: ein singuläres Bühnenexperiment aus Lust an der
Kommunikation, ihren Wortmaterien und der Freude an der Formulierung, eine Reise der Gesten, der
Bewegungen und Begegnungen.
*****
‘She just stood there, gazing at the overwhelming beauty of it all!‘
Die leere Bühne. Sechs Personen, ChoreografInnen, TänzerInnen, Musiker, Theatermacher. Sie
verleihen, nacheinander, aneinander, ihren Gedanken Stimme, Form, Gestalt; im Moment ihrer
Äußerung, durch ihre Äußerung. Die Worte, verräumlicht. Was ist da, was ist zu sagen, allein auf
dieser Bühne? Geteilt mit der Gemeinschaft der Zuschauer? Es gibt nichts zu tun, außer da zu sein.
Sie oder er beginnt zu sprechen.
| 272
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Doch was ist dieser Akt der Äußerung? Das Versprechen von Sprechen? Wer oder was bin ich, wenn
ich spreche? Und wer oder was ist mein Gegenüber? Fragen, die kindlich erscheinen, vielleicht auch
kindlich sind, naiv jedenfalls - im Anfang.
Was wird geschehen während dieser Nacht im Burgtheater, wenn diese sechs „Speech Acts“
aufeinander treffen und auf uns, das Publikum? Wenn diese grandiosen PerformerInnen aus drei
Generationen und choreografischen, musikalischen und theatralen Praxen, die immer schon
Fragen der Präsenz mit denen der Repräsentation konfrontieren, sich auf ein Terrain begeben,
das nicht unbedingt ihr „angestammtes“ ist - das Terrain des Theaters, des Sprechtheaters, des
Staatstheaters? Sie begeben sich, einzeln, in einer sehr genau zueinander entwickelten Choreografie,
auf die Bühne des Burgtheaters, mitten in‘s Zentrum dieser Darstellungsmaschine von und für eine
Öffentlichkeit, die vielleicht im Verschwinden, jedenfalls im Umbruch begriffen ist.
Vielleicht aber ist diese Idee von Öffentlichkeit immer schon eine Illusion – „Ein Traum, was sonst?“
–, existent und gehegt nur durch den Glauben an die „Gültigkeit“ von Aussagen und genährt von der
Überzeugung, „etwas zu Sagen zu haben“.
Was passiert nun, wenn auf genau dieser Bühne ein Sprechen stattfindet, das buchstäblich
zeitgenössisch ist - im Sinne einer Zeitgenossenschaft, die ihre Rede ausschließlich aus dem Jetzt,
dem Sprech-Akt bezieht, nicht aus einer Schrift. Was teilt sich uns mit, wenn ein Sprechen stattfindet,
das sich im Moment seines Geschehens selbst versucht?
Die von Philipp Gehmacher eingeladenen AkteurInnen werfen sich - gemeinsam mit ihm selbst
- mitten hinein in diesen Umbruch. Sie bieten sich an, sich selbst und dem Publikum, auf dieser
leeren Bühne als dem leeren Zentrum einer Öffentlichkeit und beleben sie mit ihren Worten und
Überlegungen, mit ihren Gesten und ihrer Mimik, mit Bewegungen und Begegnungen. Sie wird gefüllt
und wieder geleert, und wieder gefüllt ... die Bühne als Ort, an dem sich nach und nach Spuren, aus
persönlichem Material, analytisch, phantastisch, manisch, pathetisch oder sprühend vor Lust an der
präzisen Formulierung, der Freude an der Artikulation, dem Aussprechen und Schmecken der Wörter
am Gaumen ebenso wie am Zu-Hören, am Geneigt-Sein. Also: an der Lust zur Kommunikation – zum
Teilen von Gedanken, Geschichten, Erlebnissen, Beschreibungen, Behauptungen und Träumen.
„Say something“ ¬– Eine nächtliche Reise durch eine Landschaft aus Worten und Begegnungen mit
sechs außergewöhnlichen Persönlichkeiten der zeitgenössischen darstellenden Künste. Einzigartig –
einmalig!
// BIOGRAFIE
Claudia Bosse
Claudia Bosse ist Künstlerin, Choreografin und künstlerische Leiterin von theatercombinat,
einer transdisziplinären Companie. Nach dem Studium der Theaterregie an der Hochschule für
Schauspielkunst Ernst Busch Berlin arbeitet sie im Bereich des experimentellen Theaters zwischen
Installation, (Raum) Choreografie, urbaner Intervention und generiert „politische Hybride“, als
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raumspezifische Settings mit besonderen Konstellationen für unterschiedliche Öffentlichkeiten.
Claudia Bosse entwickelt international Arbeiten für Museum, Architekturen, Theater, sowie
Stadträume. Sie unterrichtet, hält Vorträge, publiziert, initiiert oder nimmt teil an Research-Projekten
und arbeitet zusammen mit KünstlerInnen und TheoretikerInnen verschiedener Genres.
Liz Santoro
Liz Santoro is a New York and Paris-based choreographer and performer. Hailed as «wickedly smart»
by the New York Times, her choreographic work has been presented in New York at PERFORMA09,
Movement Research, Chez Bushwick, Judson Church, Dixon Place, Brooklyn Arts Exchange, The
Field, Danspace Project, The Chocolate Factory and Dance Theater Workshop. Her work has also
been shown in Belgium at The Forum and in France at Théâtre de Vanves and the festival «Il Faut
Brûler Pour Briller».
In 2009 she was a recipient of the danceWEB scholarship at ImPulsTanz in Vienna and became a
2010 artist in residence at Dance Theater Workshop as part of the Fresh Tracks Program. She was
a participant in the fifth edition of SKITe directed by Jean-Marc Adolphe and an artist in residence at
ImPulsTanz in July and August 2011.
She studied Vagonova ballet technique at the Boston Ballet School, graduating from their
Professional Division at the age of seventeen. With the intention of becoming a surgeon, she then
attended Harvard University where she completed a Bachelor‘s degree in neuroscience. Permanently
postponing her medical studies she began rigorously training in improvisation, the physical modality
of Trisha Brown, the techniques of Body-Mind Centering® and Klein, while continuing a practice in
ballet and anatomical studies. Performing contemporary dance work since 2003, both in New York
and internationally, her dance work as an interpreter for others has moved through an expansive,
diverse and exacting range of choreographic work. Among these artists, she has worked with Jack
Ferver, Trajal Harrell, Sam Kim, Heather Kravas, Jillian Peña, Eszter Salamon & Christine de Smedt,
Emily Wexler, David Wampach and Ann Liv Young. She has also performed in the theater work of
John Jahnke/Hotel Savant, Charles Chemin, Pierre Godard and collaborated with visual artist Ryan
McNamara.
Maria Hassabi
„I have watched Hassabi make performances for years and I am always enthralled. As the viewer, I
wonder, I question, I resist and ultimately, I succumb. She exerts control over the total experience—
the
performance
space
is
often
very
ascetic
and
tightly
focused—and
yet
I
find
numerous
ways
to
sit with the work, to enter its nuanced and deep world, and to make it truly my own. She is resolute
in her intention, virtuosic in her physical control, but not afraid to slow down, to restrict her palette
of movement, and to leave aside easy choices. Hers is a dance that lives between object and
movement, a dance that conjures a frame and dares you to resist.“
Time-Based Art Festival, Artistic Director Cathy Edwards, August 5, 2010
Maria Hassabi is a New York-based director/choreographer/performance artist. She is a 2011
Guggenheim Fellow and a recipient of the Foundation for Contemporary Arts, 2009 Grants to Artists
Award. In 2012, she received The President’s Award for Performing Arts from the LMCC.
Her evening length performances include SHOW (2011), Robert and Maria (2010), SoloShow (2009),
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Solo (2009), GLORIA (2007), Still Smoking (2006), Dead is Dead (2004) and LIGHTS (2001). She
has also created several short-form pieces, art installations including CHANDELIERS (2012), and
recently her first short film, The Ladies (2012). Throughout her career she has had numerous ongoing
collaborations with artists from various disciplines.
In the US, Hassabi’s work has been presented in New York at venues such as Performance
Space122, The Kitchen, Dance Theater Workshop, Danspace Project, PS1 MoMA, CCS Bard
Galleries, at Bard College (Hudson, New York), and nationally at Ballroom Marfa (Texas), Portland
Institute for Contemporary Art for the Time-Based Art Festival (Oregon), Museum of Contemporary
Art Chicago (Illinois), Herberger College of the Arts at Arizona State University (Arizona), and has
been featured in the French Institute Alliance Française (FIAF) Crossing the Line fall festivals in 2009
and 2011, the Visual Art Performance Biennial Performa 09, and Lower Manhattan Cultural Council’s
2012 River to River Festival.
Internationally, she has been presented at venues such as Museo Soumaya (Mexico City), Cente d’Art
Contemporain Geneva (Switzerland), Kaaitheater (Brussels, Belgium) deSingel (Antwerp, Belgium)
Middleheim Museum (Antwerp, Belgium), Vienna Art Fair (Vienna, Austria), Musée Géo Charles
(Grenoble, France), Beit Hair Center for Urban Culture (Tel Aviv, Israel), Frascati Theater (Amsterdam,
Netherlands) and at festivals such as Tanz im August (Berlin, Germany), Springdance Festival
(Utrecht, Netherlands), ImPulsTanz (Vienna, Austria), In-Presentable Festival (Madrid, Spain), TSEHSpringdance/Dialogue (Moscow, Russia), City of Women Festival (Ljublana, Slovenia), Panorama
Festival (Rio de Janeiro, Brazil), Festival Contemporâneo de Dança (Sao Paolo, Brazil), and festivals in
Bosnia-Herzegovina, Cyprus, Greece and Portugal.
Born in Nicosia Cyprus, Maria Hassabi moved to the United States in 1990 to study at the California
Institute of the Arts, where she received a BFA in Performance and Choreography. In 1994, she
moved to New York City to study at the Merce Cunningham Studio while continuing her studies in
various release techniques and The Alexander Technique. She is a certified teacher of the Pilates
Method of Body Conditioning and taught Pilates in New York and abroad from 1997-2008. Since
2009, she has been , UKinvited to give choreographic workshops, participate in panels and give
lectures at Universities and Festivals such as Herberger College of the Arts at Arizona State University,
Pacific Northwest College of Art (Portland, Oregon), deSingel Conservatory (Antwerp Belgium),
DANSLAB (Den Haag, Netherlands), at ImPulsTanz Festival (Vienna, Austria) and at City of Women
Festival (Ljubljana, Slovenia). In April of 2012, she was a mentor for the Europe in Motion program at
Springdance Festival (Utrecht, Netherlands).
Her work has received funding from The MAP Fund, a program of Creative Capital, the Jerome
Foundation, The Brown Foundation, Inc. of Houston, the National Performance Network Creation
Fund, Foundation 2021, and from the Manhattan Community Arts Fund, supported by the NYC
Department of Cultural Affairs and administered by the Lower Manhattan Cultural Council.
Philipp Gehmacher
Philipp Gehmacher lebt in Wien.
1993-99 Studium an der London Contemporary Dance School und dem Laban Centre London. in
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the absence, Holes and Bodies und embroyder sind erste choreographische Arbeiten, die zwischen
1998 und 2000 in London entstehen. Die Beschäftigung mit Geste, Berührung und Raum mündet
in das Duett good enough zur Eröffnung des Tanzquartier Wien 2001. Es folgt mountains are
mountains (2003) als Gehmachers erstes abendfüllendes Gruppenstück. 2004 erscheint incubator
als Stationenprojekt mit unterschiedlichen Fassungen in Wien, Berlin, Brüssel und Lyon. Es schließen
sich an: das überkreuzen beyder hände (2006) und Iike there‘s no tomorrow (2007), in dem
Gehmacher erstmals nicht selbst auf der Bühne agiert.
Seit 2007 Zusammenarbeit mit der amerikanischen Choreografin Meg Stuart für MAYBE FOREVER
und the fault lines (2010). MAYBE FOREVER wird an über 40 internationalen Festivals gezeigt und
gewinnt den Special Award am BITEF Festival 2008 in Belgrad.
Seit 2008 Zusammenarbeit mit dem bildenden Künstler Vladimir Miller, u.a. für die Videoinstallationen
dead reckoning (Sammlung Musée de la Danse, Rennes) und at arm‘s length, präsentiert im Leopold
Museum, Wien 2010.
Im März 2008 entwickelt Gehmacher das Format walk+talk , in dem ChoreographInnen über und
in Bewegung sprechen. walk + talk findet 2008 am Tanzquartier Wien und im Kaaitheater Brüssel
(2011) mit jeweils 10 unterschiedlichen ChoreographInnen statt. Philipp Gehmacher’s eigene Version
wird weiterhin an unterschiedlichen Institutionen und Festivals gezeigt. Im Februar 2013 geht die
Dokumentation walk+talk documents auf www.sarme.be online.
2010 Premiere des Gruppenstücks in their name beim steirischen herbst, Graz mit weiteren
Aufführung in Wien, Salzburg, Berlin, Lissabon, Essen und Brüssel.
Auf Einladung des Leopold Museums entsteht im September 2011 die Rauminstallation grauraum
mit Egon Schiele, in der fotographische Arbeiten wie zwei Videoarbeiten: vor der sprache mit dem
bildenden Künstler Jack Hauser und Turning 2011 mit der Tänzerin An Kaler, gezeigt werden
Im Januar 2012 spielt er am Schauspiel Köln in Heinrich von Kleist: Das Erdbeben in Chili (Regie
Laurent Chétouane).
Im Juli 2012 wurde seine neue Bühnenarbeit solo with Jack im Kasino am Schwarzenbergplatz
während des Festivals ImPulsTanz uraufgeführt, die erste Zusammenarbeit für die Bühne mit Jack
Hauser im szenografischen Setting von Vladimir Miller.
Im Juli 2013 findet das von Philipp Gehmacher kuratierte Projekt SAY SOMETHING Seven Speech
Acts im Burgtheater statt, in welchem über das öffentliche, das Bühnen-Sprechen gesprochen
werden wird. 6 KünstlerkollegInnen aus unterschiedlichen Generationen und den Bereichen Tanz,
Theater, Performance wurden eingeladen das Experiment Sprache sprechend zu untersuchen.
Philipp Gehmacher erhielt den Bonnie Bird New Choreography Award, den renommierten Jerwood
Choreography Award und den Förderungspreis des Bundesministeriums für Unterricht, Kunst und
Kultur.
| 276
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Tim Etchells
Tim Etchells (1962) is an artist and a writer based in the UK. He has worked in a wide variety of
contexts, notably as the leader of the world-renowned performance group Forced Entertainment and
in collaboration with a range of visual artists, choreographers, and photographers. His work spans
performance, video, photography, text projects, installation and fiction.
In recent years Etchells has exhibited widely in the context of visual arts, with solo shows at
Gasworks and Sketch (London), Bunkier Sztuki (Krakow) and Künstlerhaus Bremen. His work
has appeared in the biennales Manifesta 7 (2008) in Rovereto, Italy, Art Sheffield 2008, Goteborg
Bienale (2009), October Salon Belgrade (2010), Aichi Trienale, Japan 2010, with Vlatka Horvat and
Manifesta 9 (Parallel Projects) 2012. Selected group shows include Netherlands Media Art Institute
(Amsterdam), MUHKA (Antwerp), Galleria Raffaella Cortese (Milan), Sparwasser HQ (Berlin), MACBA
(Barcelona), The Centre for Book Arts, Canada and Exit Art (all New York) and Kunsthaus Graz.
Etchells’ first novel The Broken World was published by Heinemann in 2008 and his monograph
on contemporary performance and Forced Entertainment, Certain Fragments (Routledge 1999) is
widely acclaimed. A publication based on his 2011 online project Vacuum Days was published by
Storythings in October 2012. He was Legacy: Thinker in Residence (2009-2010) at Tate Research
and LADA in London and Visiting Honorary Professor, School of Arts, Roehampton University (20102012). He is currently Professor of Performance at Lancaster University.
www.timetchells.com
| 277
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[8:TENSION] RODRIGO SOBARZO
„A P N E A“
DE
LARRAECHEA
(NL/CL)
16. + 18. JULI | 19.30 UHR | ODEON
Lichtdesign
Produktion
Koproduktion
Rodrigo Sobarzo de Larraechea
Jan Fedinger
Het Veem Theater
Workspacebrussels and Dance4 Nottingham
PACT Zollverein, Summer Studios by Workspacebrussels und
The International Dance Program Malmö
Dauer
60 Minuten
// ABOUT „A P N E A“
Alles Leben kommt aus dem Wasser. Aber der Mensch hat sich von diesem Medium längst
entfremdet. Fasziniert von dieser Entfremdung versetzt der junge chilenisch-niederländische
Choreograf Rodrigo Sobarzo de Larraechea seinen Körper unter eine imaginäre Wasseroberfläche.
An einen Ort, an dem die dynamischen Qualitäten der Bewegung im flüssigen Medium bei
bestimmten Zuständen die Zeit aussetzen. Hände streichen über einen Plastikvorhang, immer wieder
und immer schneller, bis das Streichen wie Keuchen klingt und die Gegenstände auf der Bühne sich
zu verwandeln scheinen. Bereits mit seinem Solo „Mining“ erregte Sobarzo internationales Aufssehen,
in „A P N E A“ kreiert er mit einfachsten Mitteln einen soghaft-suggestiven Raum, der noch das
Selbstverständlichste um uns herum äußerst sinnlich in Zweifel zieht: Die Luft, die uns umgibt!
*****
Aiming to ‚immortalize‘ the body by means of air privation, specifically during water submersion, we
are seeking to dive into an atemporal territory, created by the vibrant quality of underwater motion.
To arrive to that place of discomfort created by the lack of oxygen and water pressure. To dwell that
state and unfold a performative event that will confront us with what it is normally taken for granted:
the vital and constant presence of air all around us.
Immersion is the main focus in A P N E A: the creation of a space in suspension, as though
underwater; physically and mentally suspended. Deprived of the presence of any water, sound waves
become the substitute of the liquid element.
| 278
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A P N E A it is a worksite of inauthentic elements for the formation of impure crystals
(Gilles Deleuze)
A P N E A is defined as the temporary cessation of breathing.
// BIOGRAFIE
Rodrigo Sobarzo de Larraechea
Rodrigo Sobarzo de Larraechea (CL/NL) studied choreography at the SNDO in Amsterdam, and
theatre at Universidad de Chile in Santiago. He was a recipient of the DanceWeb scholarship in
Vienna in 2009, and currently he is in residency at the Jan van Eyck Academy in Maastricht working
on his new creation S ITE S
His works: MINING (2010) UNITES STATES (2011) THE HARVEST (2012) and A P N E A (2013),
produced by Het Veem Theater in Amsterdam alongside with the support of Workspacebrussels in
Belgium and Dance4 in Nottingham, have been presented in Amsterdam, Bassano, Belgrade, Berlin,
Brussels, Budapest, Gothenburg, Jönköping, Ljubljana, Malmö, Poznan, Stamsund, Stockholm,
Warsaw and, fundamentally, seek to envelope its audience into visual introspection.
In collaboration he created PARAMOUNT MOVEMENT (Hauptstadtkulturfonds 2012) together with
Lea Martini, presented at Sophiensaele in Berlin and Brut in Vienna. In TRAVAIL, by Alma Söderberg,
he made the set design, and as a performer, he has participated in projects by Ivana Müller, Jefta van
Dinther, Martin Nachbar, Jeremy Wade, Vincent Riebeek and An Kaler.
http://autistic-mvmnt.tumblr.com/
| 279
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SILK CIE. (AT) / ASTRID ENDRUWEIT (DE) & MICHAEL LAUB (BE) /
TRAJAL HARRELL (US) / BENOÎT LACHAMBRE (CA) / ARASH T.
RIAHI (AT/IR) / DAVE ST-PIERRE (CA)
„VERSUCHSPERSON SILKE GRABINGER 2.0“
03. + 05. AUGUST | 21.00 UHR | ODEON
URAUFFÜHRUNG
Astrid Endruweit & Michael Laub @ ImPulsTanz
2002
2002
Michael Laub / Remote Control
„Total Masala Slammer“ (Choreographer, Dancer)
Michael Laub / Remote Control
„pigg in hell“ (Choreographer, Dancer)
Benoît Lachambre @ ImPulsTanz
2012
2012
2012
2010
2010
Par B.L.eux / Benoît Lachambre & Clara Furey
„Chutes Incandescentes“ (Choreographer & Dancer)
Par B.L.eux / Benoît Lachambre & Hahn Rowe
„Snakeskins“ (Choreographer & Dancer)
Various Artists
„A Tribute to Franz West“ (Choreographer)
Par B.L.eux / Benoît Lachambre & Louise Lecavalier & Hahn Rowe & Laurent Goldring
Benoît Lachambre / Par B.L.eux
„~~~O oui~~~“ (Choreographer)
| 280
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2009
2006
2004
2002
2000
1997
Par B.L.eux / Benoît Lachambre & Louise Lecavalier & Hahn Rowe & Laurent Goldring
Par B.Leux / Benoît Lachambre
„Délire Défait“ (Choreographer)
Mark Tompkins & Cie. I.D.A.
„tradeMARK - ‚Watching and Writing‘“ (Choreographer)
Benoit Lachambre & Andrew Harwood
„Not to Know“ (Choreographer)
Stuart, Lachambre, Paxton, Navas
Solo Choreographien
„Study for a Crouching Figure“ (Choreographer)
Research Projects
2012
2009
2006
2005
2004
2003
2002
2000
Coaching Project „Shedding Into The Making Of A Solo“
Coaching Project „Body Reflection Or Many States Of Being“
Pro Series: „Common Places“
Pro Series: „Common places“
Coaching Project: „Expanding the Comfort Zone“
Coaching Project: „Sense and Sensation - The Essence of Movement“
Coaching Project
Pro Series: „Body awareness and movement structures“
Workshops
2012
2010
„Body Reflection Or Many States Of Being“
„ADD Body Reflection“, „Body Reflection“
Silke Grabinger @ ImPulsTanz
Performances
2011
2008
Silke SILK Grabinger / Anne Juren / Hubert Lepka / Oleg Soulimenko / Philippe / Dirk
Stermann
„Versuchsperson Silke Grabinger (Choreographer, Dancer)“
Roderich Madl & „SILK“ Silke Grabinger (AT)
„[slik]“ (Dancer)
Other
2012
| 281
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Trajal Harrell @ ImPulsTanz
Performances
2012
2012
2012
2011
2011
2011
Trajal Harrell
„Antigone Jr.“ (Choreographer & Dancer)
Cie. Trajal Harrell
„Antigone Sr.“ (Choreographer & Dancer)
Various Artists
„A Tribute to Franz West“ (Choreographer & Dancer)
Trajal Harrell
„Twenty Looks - Paris is Burning at The Judson Church (S)“ (Choreographer,
Dancer)
Trajal Harrell
„Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (XS)“ (Choreographer,
Dancer)
Research Projects
2009
2008
Coaching Project: „Visual Art, Choreography, and The Practice of Performance“
Coaching Project: „The Future Crash Is A Choreography“
Workshops
2011
„FUTURESHOCK, From Wall to Floor, Flip it, and Reverse it“
Other
2008
danceWEB (Mentor)
| 282
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SILK CIE. (AT) / ASTRID ENDRUWEIT (DE) & MICHAEL LAUB (BE) /
TRAJAL HARRELL (US) / BENOÎT LACHAMBRE (CA) / ARASH T.
RIAHI (AT/IR) / DAVE ST-PIERRE (CA)
„VERSUCHSPERSON SILKE GRABINGER 2.0“
03. + 05. AUGUST | 21.00 UHR | ODEON
URAUFFÜHRUNG
Choreografie
Konzept
Astrid Endruweit & Michael Laub
Michael Laub
Dauer
65 Minuten
// ABOUT „SILK Cie.: Versuchsperson Silke Grabinger 2.0“
An diesem aufregenden Experiment arbeiten die internationalen ChoreografInnen Dave St-Pierre,
Astrid Endruweit & Michael Laub, Trajal Harrell und Benoît Lachambre sowie der Filmregisseur Arash
T. Riahi mit der oberösterreichischen Tänzerin Silke „SILK“ Grabinger. Jede/r dieser KünstlerInnen
wird für und mit der ausgezeichneten Spezialistin für Urban Contemporary Dance ein Solostück
entwickeln. Die Besonderheit: Keine/r von ihnen weiß, was der jeweils andere erarbeitet. Erst am
Abend der Uraufführung bei ImPulsTanz werden die einzelnen Arbeiten miteinander verbunden. Das
war auch das Prinzip des ersten, äußerst erfolgreichen Teils von „Versuchsperson Silke Grabinger“
(2011), damals mit Anne Juren, Oleg Soulimenko, Philippe Riera von Superamas, Hubert Lepka und
Dirk Stermann: ein Abend der Überraschungen.
*****
„Versuchsperson Silke Grabinger Part 2.0“ ist eine Weiterführung des im Sommer 2011 bei der
Sommerszene Salzburg und beim ImPulsTanz Festival 2011 Wien, zur Aufführung gebrachten
Stückes „Versuchsperson Silke Grabinger“.
„Versuchsperson Silke Grabinger“ wurde mittlerweile erfolgreich im Austrian Cultural Forum New York,
CCFM Maputo/Afrika, Schauspielhaus Bochum und beim Arada Festival Wien gezeigt.
5 unterschiedliche, in Österreich lebende Choreograph_Innen arbeiteten mit einer „Versuchsperson“,
dargestellt von Silke Grabinger, zusammen. Daraus entstand ein Stück indem 5 zehnminütige, direkt
aneinander gereihte Einzelstücke zu sehen waren von Anne Juren, Oleg Soulimenko, Philippe Riera
(Superamas), Hubert Lepka und Dirk Stermann. Ausgangspunkt war je eine Neuinszenierung von
vorgefertigten Mustern in der Performance- und Tanzszene. Dieses Agieren mit gleichen Spielregeln
ohne thematische Vorgaben, lässt die Tänzerin / Versuchsperson, - in jeden einzelnen 10 minütigen
Akt verwandeln. Im zweiten neuen Part von „Versuchsperson Silke Grabinger Part 2.0“ stellt sich die
Compagnie SILK noch einmal dem Umkehr Modell „Choreographie“. Nun in einer internationalen
Auseinandersetzung mit den Choreograph_Innen und Künstler_Innen Benoit Lachambre (CAN), Dave
| 283
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St.Pierre (CAN), Trajal Harell (USA), Astrid Endruweit (D) in Zusammenarbeit Michael Laub (BE) sowie
der aus dem Iran stammende österreichische Filmregisseur Arash T. Riahi.
„kein gestalter kennt die arbeiten der anderen. niemand weiß, was der abend in seiner gesamtheit
bringt. der ablauf hat die zufälligkeit von chance-operations in john cage stücken, von william s.
burroughs
cut-up
methode.
der
kontext,
das
gesamtstück
entsteht
im
lauf
der
aufführung.
Im
zufall
der
reihenfolge,
im
aufeinandertreffen
der
unterschiedlichen
geschichten
ergibt
sich
ein
gesamtbild.“
ms
// BIOGRAFIE
Silke Grabinger
geboren in Oberösterreich. Silke Grabingers multimedialen künstlerischen Arbeiten <http://www.
silk.at/silk/nc/projects/installations.html> sind in Ausstellungen in den U.S.A, Kanada und Europa
zu sehen, und sind mit Preisen ausgezeichnet. Im Jahr 1997 kam sie erstmals mit der Tanzform
Breakdance in Berührung. Sie arbeitete international sowohl in Kollektiven als auch Solo. Projekte
mit Pottporus <http://www.pottporus.de/> sowie internationale Touren folgten. Von 2006 bis 2008
tanzte sie in der Cirque du Soleil / The Beatles Kollaboration “LOVE” <http://www.cirquedusoleil.com/
en/shows/love/default.aspx> Solo und als Luftakrobatin und arbeitete mit den Choreographen Dave
St.Pierre (CAN), Margie Gillis (CAN) und Daniel Ezralow (USA) zusammen. Im Jahr 2008 kreierte sie
ihr erstes Solotanzstück mit dem Namen“[SLIK]” <http://www.silk.at/projects/projectsdetail/news/sliksilk-pilottanzt-3.html?tx_ttnews%5BbackPid%5D=11&cHash=dd75edd9f07493b177eca1892e8
dba9f> zusammen mit Pilottanzt (AT). [SLIK] wurde mit dem Tanztage 2009-Preis von Linz09 <http://
www.linz09.at/de/index.html> und Posthof ausgezeichnet und tourt erfolgreich in Europa und Afrika.
2009 beendete sie ihr Studium für raum&designstrategien mit dem Bachelor, sie wurde mit dem
Österreichischen Startstipendium für Darstellende Kunst des Bmukk ausgezeichnet und in einer
Gruppenaustellung mit dem Österreichischen Staatspreis für Design. 2010 spielte sie in der
Klangwolke in Linz, in der Inszenierung vonLawine Torren <http://www.torren.at/produktionen/
aktuell/baby-jet.html> , vor 70.000 Zuschauern die Hauptrolle. Sie kreierte den Charakter ANIMA
<http://www.silk.at/projects/projectsdetail/news/play-gulda-play-11-mai-2012-32.html?tx_ttnews
%5BbackPid%5D=7&cHash=5b1657d6e555a536a34d1d4209b6137c> in playGuldaplay für
Friedrich Gulda, mit Paul Gulda, Martha Agerich, Willi Resetarits u.a. im Wiener Konzerthaus <http://
konzerthaus.at/> . In ihrer momentanen Arbeit stellt sie sich als Versuchsperson unterschiedlichen
Choreographen wie Anne Juren, Oleg Soulimenko, Philippe von dem Künstlerkollektiv Superamas,
Hubert Lepka und dem Kabarettisten Dirk Stermann für zehn Minuten zur Verfügung. 2012
entwickelte sie eine Tanznotation für Musiker und erarbeitet mit dem Komponisten Bernhard Lang
das Performancestück „Moving Architecture“ <http://www.silk.at/projects/projectsdetail/news/
monadologie-xviii-moving-architecture-bernhard-lang-silke-grabinger-37.html?tx_ttnews%5Bback
Pid%5D=11&cHash=7df11fc9c85d5c8fc77f46f18286524b> , welches auf die Architektur des
Austrian Cultural Forums New York <http://www.acfny.org/> aufgebaut ist und dort im Mai 2012 mit
dem Argento Ensemble <http://www.argentomusic.org/> Uraufgeführt wurde.
| 284
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SIMONE AUGHTERLONY
„SHOW
AND
TELL“
(CH/NZ)
Simone Aughterlony @ ImPulsTanz
Performances
2004
Simone Aughterlony
„Public Property“ (Choreographer)
Workshops
2002
„Reality Check“
| 285
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SIMONE AUGHTERLONY
„SHOW
AND
TELL“
(CH/NZ)
PerformerInnen
Setdesign
Lichtdesign
Sound
Management
Produktion
Koproduktion
Finanziert von
Dauer
Simone Aughterlony
Simone Aughterlony und Phil Hayes
Constanze Schellow und Jorge León
Janina Audick
Florian Bach
Susanne Affolter
Anna Wagner
Verein für allgemeines Wohl
La Bâtie – Festival de Genève, Gessnerallee Zürich,
Hebbel am Ufer Berlin
Schweizer Stadt Zürich Kultur, Fachstelle Kultur Kanton Zürich,
Pro Helvetia Kulturstiftung
70 Minuten
// ABOUT „Show and Tell“
Die fragile Beziehung zwischen Reden und Handeln untersuchen die beiden charismatischen
PerformerInnen Phil Hayes und Simone Aughterlony. Sie tun, was sie sagen, und sie sagen, was sie
tun - als spielerischer, humorvoller Dialog, in dem Sinn und Sinnlichkeit gleich viel bedeuten und Wort
und Tanz sich gegenseitig „anstecken“. Vor einer rosa Kulissenwand mit fünf Türen und einer weißen
Wolke zeigt und erzählt das Duo die Geschichte(n) eines Körpers, der nie einfach so da ist, sondern
sich vor allem dann ins Bewusstein drängt, wenn er zusammenzubrechen droht.
Phil Hayes ist Regisseur, Musiker und Perfomer, u.a. bei Forced Entertainment. Simone Augtherlony
war Mitglied von Meg Stuarts Damaged Goods und ist seit 2003 mit ihren eigenen Stücken äußerst
erfolgreich.
// BIOGRAFIEN
Simone Aughterlony
Simone Aughterlony, geboren in Neuseeland, produziert seit 2003 eigene Performances. Davor
arbeitete sie u.a. als Tänzerin für Meg Stuart. „Show and Tell“ ist der erste Teil einer Trilogie, die der
Biographie eines Körpers anhand von existenziellen Zuständen folgt: seiner Gegenwart in Fleisch und
Blut, post mortem und angesichts un/möglicher Zukünfte. In ihrem nächsten Duo „After Life“ widmet
sich Simone mit dem britischen DJ und Performer Nic Lloyd der Frage, was vom Körper nach dem
Tod bleibt.
| 286
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Phil Hayes
Phil Hayes, geboren in England, entwickelt unter dem Label First Cut Production regelmäßig
Performances so z.B. Where were we und Awkward Human. Zur Zeit spielt er außerdem in The
Coming Storm von Forced Entertainment und arbeitet gemeinsam mit Maria Jerez und Thomas
Kasebacher an Legends and Rumours, das im Sommer 2013 Premiere hat. Mit Simone arbeitete er
erstmals in „The Best and the Worst of Us“.
| 287
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// PRESSESTIMMEN
Lilo Weber
Zürcher Zeitung
19. Jänner
Der Körper, ein weidwundes Tier
Er ist attraktiv, eloquent und witzig der britischen Art. Durchaus denkbar, dass die Herzen im Saal
des Theaterhauses Gessnerallee für ihn schlagen. Doch das reicht Phil Hayes nicht. Unser Herz
muss mit ihm schlagen, mit seinem Herzen genau. Also gilt es: Puls fühlen, einatmen, ausatmen und
anpassen – nicht vorauseilen. Sonst fühlt sich der Brite billig und blöd, wie nach Simone Aughterlonys
Frage: «Wo ist das Geld?» Ist auch wirklich fies. Da stöhnt sich der Performer den Schmerz aus
dem Leib, schnauft, ächzt, röchelt, winselt, schreit – und dann die profane Frage nach dem
schnöden Mammon. Er hätte etwas ganz anderes erwartet, so wird sich Hayes später beklagen, ein
Schmerzmittel beispielsweise, gereicht von irgendeiner barmherzigen Seele im Publikum.
Von Zusammenbrüchen
«Show and Tell», das gemeinsame Stück von Simone Aughterlony und Phil Hayes, dreht sich,
man ahnt es schon, um den Körper. «Letztlich beide Geschichtenerzähler(in) und Show(wo)man,
vermessen Aughterlony und Hayes die Geschichte(n) eines Körpers, der nie ganz gegeben ist,
sondern vor allem in Momenten des Zusammenbruchs in unser Bewusstsein tritt», schreiben die
Neuseeländer Tänzerin und der britische Performer zu ihrer Produktion. Einfacher gefragt: Was ist mit
diesem Körper, der immer dann spürbar ist, wenn er weh tut?
Es gilt also, von den Wunden zu reden. Nur, da sind keine. Phil Hayes möchte die Narben zeigen,
von Schnitten, die tief ins Fleisch drangen, ganz tief. Sie scheinen indes keine Spuren hinterlassen
zu haben. Hayes sucht den Körper ab, entblösst dabei mehr und mehr davon, bis er nackt vor uns
steht. Allein, ihm muss etwas anderes weh tun. Derweil hat Simone Aughterlony angefangen, das Klo
zu deblockieren. Und schöpft literweise Blut auf die Bühne. Woher kommt es? Von den Leichenteilen
des Osiris, von denen sie zu Beginn des Stücks erzählte? Aus Phil Hayes‘ Herzen? Oder den
Organen seines Freunds Darren, der eins ums andere gespendet hatte, weil er der Obsession
verfallen war: etwas von sich wegzugeben in einen anderen Körper hinein?
Das Blut auf dem Boden bleibt Zeichen, ungedeutet, wie jene Steine, die Simone Aughterlony unter
dem Tanzboden begräbt. Das ist das Problem dieser Arbeit und gleichzeitig ihr Reiz. «Show und Tell»
ist nicht einfach ein weiteres Ich-und-der-Körper-Stück in der langen Reihe, sie seit den neunziger
Jahren nicht mehr abbrechen will. Die Rede über den Körper wird hier ständig unterminiert und das
Thema ins Absurde verschoben.
Körper und Raum
Wohl steht der Körper hör- und sichtbar im Zentrum. Die Tänzerin lotet die Grenze aus, zwischen
Körper und Raum, setzt die Balance aufs Spiel und somit den aufrechten Gang, dreht sich
um vervielfachte Achsen. Der Performer spricht von Organen, Wunden, Schmerzen. Sie ohne
jedes Charisma, wie man das von ihr kennt, mit leerem, gelangweiltem Blick ins Publikum oder
ins Nirgendwo. Er mit britischem Charme – sofern es diesen denn gibt. Die Würze liegt in den
Zwischenräumen, zwischen dem, was die Performance-Künstler sagen, und dem, was sie tun.
| 288
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Erklärtermassen sollte sich das decken. Tut es aber nicht. Und da ist das Stück am spannendsten.
Es wirkt merkwürdig fragmentarisch und ist doch ein ausgeklügeltes System von Geschichten und
Reden darüber, wie diese Geschichten zu erzählen sind.
Diese wirken so banal wie die Kommunikation zwischen den beiden Künstlern. Und da liegt der
Witz: in der Diskrepanz zwischen Pathos und Lakonie, der verqueren Beiläufigkeit, mit der das
grossgekochte und grossgekotzte Thema verhandelt wird.
| 289
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Andreas Tobler
ZÜRITIPP
16. Jänner 2013
DAS TRÄGE, SELTEN ELEGANTE DING
Die Tänzerin Simone Aughterlony und der Performer Phil Hayes gehen der Biografie ihrer Körper auf
den Grund.
Berühmte Menschen schreiben ihre Memoiren. Weniger Berühmte und Geltungssüchtige tun das
auch. Und auch wir Normalos erzählen uns Geschichten über unser Leben, über Liebesbeziehung,
Erfolge und Niederlagen. Aber was ist mit dem, was von uns übrig bleibt, wenn wir sterben: dem
Körper, diesem schweren, manchmal trägen und selten eleganten Ding? Wie liesse sich seine
Biografie erzählen? Das ist die Frage, die Simone Aughterlony in ihrem neuen Stück untersucht.
Dafür hat sich die Tänzerin und Choreografin ein fleischfarbiges Halbrund auf die Bühne bauen lassen
und einen männlichen Bühnenpartner dazugeholt: In «Show and Tell» steht die Neuseeländerin
zusammen mit dem britischen Performer Phil Hayes auf der Bühne, der – gemäss Ankündigung –
«als Herzschlag-Pirat den Organismus des Publikums» kapern wird.
Gemeinsam und gegeneinander umspielen Aughterlony und Hayes in «Show and Tell» den Titel des
Stücks: Sie erkunden die Grenze zwischen dem Sagbaren und dem, was man nur mit dem Körper
zeigen kann. Die Körperforschung ist die Domäne von Aughterlony, einer Ausnahmetänzerin, die
2000 mit Meg Stuart in die Schweiz kam, in «Highway 101» und weiteren Stücken mitspielte – und
die schliesslich, als die berühmte Choreografin Stuart zusammen mit Christoph Marthaler die Stadt
wieder verliess, in Zürich blieb, um ihre eigenen Projekte zu machen.
Für Simone Aughterlony ist der Körper mehr als Haut, Fleisch und Knochen. Er ist unter anderem
das, was uns für andere sichtbar macht. Zugleich hat jeder Körper aber eine Geschichte, die sich –
das zeigt Performer Phil Hayes – anhand seiner Narben erzählen lässt. «Show and Tell» ist also ein
bewusstseinsstärkendes Bühnenstück, in dem der Körper nicht mehr als ein Ganzes, sondern als
eine Serie von Geschichten und Bewegungen erscheint. Dabei wird uns auch klar gemacht, wie stark
wir im Alltag den Körper ignorieren, der unser waches Bewusstsein umgibt. Eigentlich nehmen wir ihn
nur dann wahr, wenn wir krank sind oder etwas anderes mit ihm nicht stimmt. Ganz schön gemein
von uns.
| 290
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TRAJAL HARRELL
(US)
& FRIENDS
„IMPULSTANZ @ 30: LICENSE
9. JULI | 21.15 UHR | HAUPTHOF
URAUFFÜHRUNG
TRAJAL HARRELL
„TWENTY LOOKS
(US)
OR
PARIS
TO PARTY “
DES
MUSEUMSQUARTIERS
IS
BURNING
AT
THE JUDSON CHURCH (XS)“
IS
BURNING
AT
THE JUDSON CHURCH (S)“
26. JULI | 19.00 UHR + 20.00 UHR | DSCHUNGEL WIEN
TRAJAL HARRELL
„TWENTY LOOKS
(US)
OR
PARIS
22. JULI | 19.00 UHR | KASINO
AM
SCHWARZENBERGPLATZ
TRAJAL HARRELL (US) / CECILIA BENGOLEA (FR/AR) / FRANÇOIS
CHAIGNAUD (FR) / MARLENE MONTEIRO FREITAS (PT)
„(M)IMOSA / TWENTY LOOKS
CHURCH (M)“
OR
PARIS
AM
SCHWARZENBERGPLATZ
[WILDWALK] TRAJAL HARRELL
„ANTIGONE JR. / TWENTY LOOKS
JUDSON CHURCH (JR.)“
IS
BURNING
(US)
AT
THE JUDSON
OR
PARIS
IS
BURNING
AT
THE
OR
PARIS
IS
BURNING
AT
THE JUDSON
21. JULI | 23.00 UHR | GARAGE X
TRAJAL HARRELL
(US)
„ANTIGONE SR. / TWENTY LOOKS
CHURCH (L)“
TRAJAL HARRELL
(US)
„JUDSON CHURCH IS RINGING IN HARLEM (MADE-TO-MEASURE) / TWENTY
LOOKS OR PARIS IS BURNING AT THE JUDSON CHURCH (M2M)“
TRAJAL HARRELL (US) & PRO SERIES
„RITE OF SUMMER“
PARTICIPANTS
11. AUGUST | 21.00 UHR | MUTH
URAUFFÜHRUNG
| 291
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Trajal Harrell @ ImPulsTanz
Performances
2012
2012
2012
2011
2011
2011
Trajal Harrell
„Antigone Jr.“ (Choreographer & Dancer)
Cie. Trajal Harrell
„Antigone Sr.“ (Choreographer & Dancer)
Various Artists
„A Tribute to Franz West“ (Choreographer & Dancer)
Trajal Harrell
„Twenty Looks - Paris is Burning at The Judson Church (S)“ (Choreographer,
Dancer)
Trajal Harrell
„Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (XS)“ (Choreographer,
Dancer)
Research Projects
2009
2008
Coaching Project: „Visual Art, Choreography, and The Practice of Performance“
Coaching Project: „The Future Crash Is A Choreography“
Workshops
2011
„FUTURESHOCK, From Wall to Floor, Flip it, and Reverse it“
Other
2008
danceWEB (Mentor)
| 292
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// BIOGRAFIE
Trajal Harrell
Trajal Harrell’s work has been presented at many venues including The Kitchen, Danspace Project,
Dance Theater Workshop, P.S. 122, Institute of Contemporary Arts (ICA) Boston, Dance Mission
(San Francisco, CA), the former San Francisco Institute of Choreography, Cornell University’s
Schwartz Center for the Performing Arts, Brooklyn Arts Exchange (BAX), Snug Harbor Cultural
Center, and CUNY’s Martin Segal Theater and Proshansky Auditorium, among others. Internationally,
his work has toured to international festivals in France, Austria, the Netherlands, Switzerland,
Portugal, Belgium, Brazil, Germany, Poland, Croatia, and Mexico including prestigious festivals
such as such as Rencontres Chorégraphiques-Paris, Festival d’Avignon, Impulstanz-Vienna, and
Panorama Festival- Rio de Janeiro, Brazil.
A graduate of Yale University with a B.A. in American Studies with a concentration in Creative
Processes, he has been an artist-in-residence at The White Oak Residency and Dance Center,
Montpellier Danse, Snug Harbor Cultural Center, Movement Research, Bennington College, CDC
Toulouse, ICA Boston, PACT Zollverein (Essen, Germany), Workspace Brussels, Wp Zimmer
(Antwerp, Belgium), Impulstanz Vienna International Dance Festival, Tanzhaus Düsseldorf,
TanzWerkstatt-Berlin, Skite 2010 (Caen, France), CCN de Montpellier Languedoc-Rousillon, CCN
de Franche-Comté à Belfort, and CNDC Angers. He has been a guest artist in the studios of
Mains d’Oeuvres (St. Ouen, France), an interdisciplinary art center just outside of Paris, as well as
a space grant recipient at Le Centre National de la Danse (Paris). He has received grant support
from The James E. Robison Foundation (2012, 2011, 2006, 1999); National Dance Project touring
support (2012); FUSED- French US Exchange in Dance (2012, 2010, 2008); The Mertz-Gilmore
Foundation (2012), Art Matters Foundation (2012), Foundation for Contemporary Arts Emergency
Grant (2011, 2006); The Jerome Foundation (2012, 2010); The MAP Fund (2012, 2009, 2007); US
Artists International (2009), NYC Department of Cultural Affairs (2008-2010), The Trust for Mutual
Understanding (2008), The Mary Duke Biddle Foundation (2008); The Alfred Meyer Foundation
(2006-2012, 2003, 2001); The Zacks Family Foundation (2006-2008, 2002, 2000); Allied Domecq
Inc. (2002); JP Morgan Chase Foundation (2001); Harkness/Purchase College (2000-2004), People
PC Inc (2000), National Foundation for Advancement in the Arts (1999), and Georgia Council of the
Arts (1993).
He was awarded the prestigious Guggenheim Fellowship in 2012, as well as a Saison Fellowship in
2011 to study in Japan.
His training in dance has taken place primarily in the following institutions: Movement Research,
The Trisha Brown School, Centre National de la Danse (Paris) with Yvonne Rainer, City College
of San Francisco, the former San Francisco Institute of Choreography, Martha Graham School of
Contemporary of Dance, Brown University, Roger Williams University (Bristol, RI), and Trinity Rep
Conservatory (Providence, RI). As well as a primary research in the Voguing ballroom scene, he has
also studied voguing and whacking with master teachers Archie Burnett and Lassandra Ninja.
His first full-evening length work Notes on Less Than Zero premiered at Danspace Project in June
2004 followed by Before Intermission, a half-evening creation, which premiered at The Kitchen
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| 293
in February 2006. Showpony, premiered at Danspace Project in January 2007, and has toured
internationally to Melkweg Theater (Amsterdam, the Netherlands), Prisma Forum (Mexico City,
Mexico), InTransit Festival 2009 (Berlin, Germany), and CNDC Angers (Angers,France). In 2007,
he was awarded a FUSED (French-US Exchange in Dance) grant to support the presentation of
Showpony and the creation of Quartet for the End of Time. This work takes the story of Olivier
Messiaen’s famous music of the same name (composed and first performed by Jewish and Christian
musicians in a Nazi prisoner-of-war camp) as a foundation for investigating the antagonism between
sincerity and irony in contemporary expression, behavior, and stage representation. Quartet for the
End of Time premiered October 2008 at Dance Theater Workshop and was chosen by TimeOut New
York Magazine as one of the best dances of 2008.
In 2008, he was appointed co-artistic mentor for the DanceWeb program at The Impulstanz Vienna
International Dance Festival. He has also been active in artist-led curatorial and educational initiatives.
In January of 2012, he will end his five-year tenure as the guest artist editor-in-chief of The Movement
Research Performance Journal. At Danspace Project, he was recently the artist-curator of a sixweek festival “certain difficulties, certain joy” a part of Danspace Project’s Platforms 2010. During the
platform he also led sixteen choreographers in a choreographic lab called The Adventure. He has
taught, mentored, and/or led workshops and master classes in contemporary dance in the following
contexts: Gati Dance/Goethe Institute, New Delhi, India (2011); Impulstanz Vienna International
Dance Festival, Vienna, Austria (2011, 2009, 2008); Performing Arts Research and Training
(P.A.R.T.S) Exchange, New York, NY and Brussels, Belgium (2009); International Contemporary
Dance Conference and Performance Festival, Bytom, Poland (2008); Cornell University, Ithaca, NY
(2008); Director of Education, Movement Research, New York, NY (1999-2004); Dancemakers in the
Schools, New York, NY (1996-2001); Bennington College, Bennington, Vermont (1998); Coalition
for Hispanic Family Services Summer Program, Brooklyn, NY (1998); Urban Horizons Summer Arts
Program, Bronx, NY (1997); New England Citybridge/Concord Academy, Concord, MA (1994); and
Project Harvest Summer Program, Eatonton, GA (1991). During the fall of 2011, he will be a guest
teacher in the dance department at Colorado College.
During the fall of 2009, he premiered the first work in a new series entitled Twenty Looks or Paris
is Burning at The Judson Church at The New Museum, co-presented by Danspace Project and
Crossing the Line Festival. This work, Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (S),
has also been shown in international festivals and at The Institute of Contemporary Arts Boston in
partnership with Summer Stages Dance/Concord Academy. It was also chosen by Time Out New
York Magazine as one of the best dances of 2009. Most recently, he premiered Twenty Looks or
Paris is Burning at The Judson Church (M) aka (M)imosa, also chosen by Time Out New York as one
of the best dances of 2011 and supported by a FUSED grant. Twenty Looks…(XS) also premiered at
The Kitchen alongside (M) in February 2011.
Besides the New Museum, where he was the first performing artist to have a work invited back for
an encore performance-run, he has also shown work in visual art contexts such as, The Margulies
Art Warehouse (Miami), Fondation Cartier (Paris), Performa Biennial, The Newhouse Center for
Contemporary Art (Staten Island, NY), The Bronx Museum of the Arts, and Art Basel-Miami Beach/
Rosa de La Cruz Collection where he collaborated with visual artist assume vivid astro focus. A
collaboration with visual artist Sarah Sze entitled The Untitled Still Life Collection premiered at The ICA
Boston/Summer Stages Dance in November 2011 as part of the Dance/Draw exhibition. His ongoing
| 294
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performance projects, The Conspiracy of Performance and Tickle the Sleeping Giant /The Ambien
Piece have been shown in galleries in New York, Paris, Berlin, Tokyo.
Antigone Sr./Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (L) premiered at New York
Live Arts (formerly Dance Theater Workshop) in April 2012. The last performance size in the Twenty
Looks…series, Judson Church is Ringing in Harlem (Made-to-Measure)/Twenty Looks or Paris is
Burning at The Judson Church (M2M) premiered in October 2013 at Danspace Project in New York.
Antigone Sr. was recently awarded The 2012 Bessie, the New York Dance and Performance
Award for Outstanding Production, for daring to create a 21st century drama where postmodern
dance, voguing and Greek tragedy collide, and in so doing offer new possibilities for the future of
performance.
| 295
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TRAJAL HARRELL
(US)
& FRIENDS
„IMPULSTANZ @ 30: LICENSE
TO PARTY “
09. JULI | 21.15 UHR | HAUPTHOF
URAUFFÜHRUNG
DES
MUSEUMSQUARTIERS
Choreografie
TänzerInnen
DJ Set
MC
Trajal Harrell
Cecilia Bengolea, François Chaignaud and others
Dj Aguila
Legendary Selvin
Dauer
45 Minuten
// ABOUT „ImPulsTanz @ 30 License To Party“
Mit einer Crew aus zeitgenössischen TänzerInnen und voguing Divas und Divos aus Paris, Helsinki,
New York, Brüssel und Buenos Aires, bringt der New Yorker Shooting Star Trajal Harrell den Catwalk
im Haupthof des Wiener Museumsquartiers zum Beben! „They will be werkin‘ the catwalk not
only with savoir faire but with a serious license to party!“ Kommentiert von Legendary Selvin vom
Legendary House of Mizrahi, NYC, und begleitet an den Turntables von DJ AGUILA.
| 296
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TRAJAL HARRELL
„TWENTY LOOKS
OR
(US)
PARIS
IS
BURNING
AT
THE JUDSON CHURCH - THE SERIES“
// ABOUT „Twenty Looks or Paris is Burning at the Judson Church - The Series“
In seinem brillanten sechsteiligen Projekt führt der New Yorker Trajal Harrell zusammen,
was seinerzeit nicht zusammengehörte: die queere Voguing-Ball-Szene aus Harlem und die
postmodernen Tanzpioniere des Judson Church Dance Theatre. In einer bislang einzigartigen
Werkschau zeigt ImPulsTanz nun alle Teile – von (XS) bis (M2M) – „Made to Measure“!
*****
Between 2008-2012 Trajal Harrell created and collaborated on a seminal body of work- The Twenty
Looks or Paris is Burning at The Judson Church series. The works take a new critical position on
postmodern dance aesthetics emanating from the Judson Church period. By developing his own
work as an imaginary meeting between the aesthetics of Judson and those of a parallel historical
tradition, that of Voguing, Trajal Harrell re-writes the minimalism and neutrality of postmodern dance
with a new set of signs.
“What would have happened in 1963 if someone from the voguing ball scene in Harlem had
come downtown to perform alongside the early postmoderns at Judson Church?“ is the central
question uniting all the pieces in the series. Twenty Looks or Paris is Burning ... has henceforth been
produced in six sizes of performances, from extra small (XS) to made-to-measure (M2M). There
is even a medium-sized version known as (M)imosa, made in collaboration with Cecilia Bengolea,
François Chaignaud, and Marlene Monteiro Freitas; and the (XL) publication will eventually follow
these performance works. Rather than illustrating a historical fiction, these new works transplant the
question/proposition into a contemporary context. What we experience was neither possible at The
Balls nor at Judson. In the construction of an imagined audience --- that of a 1963 Judson Church
Dance Theater audience --- in the minds of a real audience today, OR put in another way, in the
distance between who we imagine a work is being performed for and its actual performance for those
present, what kind of new relations can be created, adapted, and reassigned between performer(s)
and audience? What we experience can only be created in the here and now – with those in the
room tonight and/or today.
| 297
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TRAJAL HARRELL
„TWENTY LOOKS
(US)
OR
PARIS
IS
BURNING
AT
THE JUDSON CHURCH (XS)“
26. JULI | 19.00 UHR + 20.00 UHR | DSCHUNGEL W IEN
Solo
Choreografie
Trajal Harrell
Dauer
25 Minuten
// ABOUT „Twenty Looks or Paris is Burning at the Judson Church (XS)“
Extra miniaturistisch, aber auch extra stimmungsvoll stellt sich die Solo-Version von Trajal Harrells
„Twenty Looks“ dar. In diesem intimen und sensiblen Ein-Mann-Stück ist der Choreograf hautnah als
Tänzer zu erleben, der den Minimalismus der 1960er Jahre neu formuliert. Samtiges Dunkel, dezente
Stehlämpchen, ein berührender Text und eine groß geblümte Schürze machen (XS) zu einer ganz
speziellen emotionalen Erfahrung.
*****
Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church takes a new critical position on postmodern
dance aesthetics emanating from the Judson Church period. By developing his own work as an
imaginary meeting between the aesthetics of Judson and those of a parallel historical tradition, that of
Voguing, Trajal Harrell re-writes the minimalism and neutrality of postmodern dance with a new set of
signs.
“What would have happened in 1963 if someone from the voguing ball scene in Harlem had come
downtown to perform alongside the early postmoderns at Judson Church?“ is the central question
in this new piece by the choreographer. Twenty Looks or Paris is Burning ... will be produced in
seven sizes, from extra small (XS) to extra large (XL). Rather than illustrating a historical fiction,
these new works transplant this proposition into a contemporary context. What we experience was
neither possible at The Balls nor at Judson. In the construction of an imagined audience --- that of
a 1963 Judson Church Dance Theater audience --- in the minds of a real audience today, OR put in
another way, in the distance between who we imagine a work is being performed for and its actual
performance for those present, what kind of new relations can be created, adapted, and reassigned
between performer(s) and audience?
| 298
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TRAJAL HARRELL
„TWENTY LOOKS
(US)
OR
PARIS
IS
BURNING
AM
AT
THE JUDSON CHURCH (S)“
SCHWARZENBERGPLATZ
Solo
Choreografie
Koproduktion
Residency
Trajal Harrell
Workspace Brussels/Working Title Festival, Danspace Project,
The New Museum, Crossing the Line Festival 2009
Workspace Brussels und Tanzhaus Düsseldorf
2009-2010 Danspace Project Commissioning Initiative, the Jerome
Foundation, The Map Fund/Rockefeller Foundation, The Alfred
Meyer Foundation und dem New York City Department of Cultural
Affairs.
Dauer
70 Minuten
// ABOUT „Twenty Looks or Paris is Burning at the Judson Church (S)“
Ist dieser Mann tatsächlich ein Fashion Victim? Oder ist das, was Trajal Harrell hier mit der Mode
macht, einfach die Neuerfindung der Kritik? Was der eindrucksvolle Tänzer aus New York in dieser
(S)-Version seines „Twenty Looks“-Projekts durch seine Kleiderwechsel sagt, ist jedenfalls so explizit
wie doppelbödig. Einmal in knallgelben Gummihandschuhen und Sneakers, dann wieder in einer
Küchenschürze mit einem aufgedruckten Foto, die sich in ein Mäntelchen verwandelt, mimt er zu
jazziger und poppiger Musik ein reichlich unkonventionelles Model.
*****
Privileges and Omissions
by Gérard Mayen Dramaturg,
Translated from the French by Ben Evans
Any informed European audience of contemporary dance is more or less familiarized with the
Judson Church Theater movement, which took place in New York in the early 1960s. During this
time, choreographic artists including Trisha Brown, Yvonne Rainer, Steve Paxton, Lucinda Childs,
and Simone Forti, made a clean sweep of the established rules of dramatic representation in dance
practice. This moment was quite short, but its radical experimentation was such that it continues
to provide a benchmark for a significant amount of dedicated research around performance, release
technique, contact improvisation, interdisciplinary practices, etc. even today.
| 299
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The history of art has not had the same consideration for another dance movement, which started
developing at the same time, also in Manhattan, but this time in Harlem. This was the phenomenon
of ball rooms, in which young and poor African Americans and Latino Americans, most often gay,
competed in extravagant performances of imitation; rather, a decoding, of the most exaggerated
postures of the white world of fashion, of stars, and of glamour. From this movement, at once lowerclass and underground, one could distinguish the figures of the drag queen, and voguing.
Judson reunited middle-class artists and audience, white and culturally selective, politicized and
convinced of the democratic scope of their privilege for an everyday gesture, neutral and full of
“authenticity.” The ballrooms brought together poorer artists and public, non-white, fed by pop
culture and a frantic search for the “realness” of gesture. In a skillful way, this marginal approach
reversed the very terms of their stigmatization.
Do not all these concepts call for a dialogue, each of which is critically charged, in place of the codes
of representation? Twenty looks or Paris is burning at the Judson Church puts these two movements
in friction, each a rebel in its own right; a meeting that could only seem impossible. The durability
of these social and cultural divisions can do nothing but question, and central elements of current
European choreography reactivate specifically this reference to New York’s Judson Church. Which
privileges, which omissions, have tainted the readings and interpretations of history?
In this way, it is incredibly valuable that a choreographic artist from New York comes to record his
own “autofictional” presence, honing these stimulating contradictions. Trajal Harrell himself still
remains quite rare: non-white in the ranks of an informed American contemporary dance practice,
who is also well-acquainted with European practices of performance. Each delicate step, each
studied look, each of his subtle transgendered inflections, pushes the boundaries, with the force of a
knowing caress, light and ironic.
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// PRESSESTIMMEN
Claudia La Rocco
The New York Times
02. Oktober 2009
TRAJAL HARRELL
TWENTY LOOKS OR PARIS IS BURNING AT THE JUDSON CHURCH (S)
DANCE REVIEW | TRAJAL HARRELL
Where All the World’s a Fashion Show
By CLAUDIA LA ROCCO
Published: October 2, 2009
Trajal Harrell frames his program notes for “Twenty Looks or Paris
Is Burning at the Judson Church (S)” with the potentially academic
question, “What would have happened in 1963 if someone from the
ball scene in Harlem had come downtown to perform alongside the
early postmoderns at Judson Church?
The solo, which opened on Thursday night at the New Museum and
is also presented by Danspace Project in association with the
Crossing the Line festival, does address this inquiry, with Mr.
Harrell walking a tightrope — and a runway — between seduction
and didacticism. (The “S,” by the way, is for Small; this piece comes
in sizes.) But the work is not an insider’s historical exercise. Mr.
Harrell is too smart and, thankfully, too ambitious for that.
Instead the solo’s structure (20 different looks, from “West Coast
Michael Falco for The New York Times
Preppy Schoolboy” to “Alt-Moderne Feeling the French Lieutenant’s
Woman”) also becomes an entry point into much larger
meditations on how all of us perform — sometimes reinforcing, sometimes subverting — the big shifting categories
of gender, sexuality and race.
In other words, how we unveil and camouflage the self. This was something the Judson Dance Theater artists were
interested in, with their politically charged examination of what dance could be, and what it shouldn’t be. (Mr.
Harrell’s program also quotes Yvonne Rainer’s “No Manifesto.”) And certainly performing the self is at the heart of
voguing, which says yes to the star and the spectacle.
But as Mr. Harrell repeatedly changed his clothes and his body language, flipping the numbered pages of a notebook
so we knew which look he was performing, he reminded us of how we pose such questions daily in our choice of
outfit and affect. In our answers, successful or not, we try to own and order the space around us.
Mr. Harrell, who has long played with fashion in his work, is a master of owning and ordering. Here the audience sat
on three sides of his spare, visually arresting stage, which was ringed by pale green adhesive strips like a track and
bisected by a utilitarian catwalk (the artist Franklin Evans collaborated on design). His walk-in closet consisted of six
folding chairs in muted pink, yellow and gray, neatly adorned with clothing and shoes.
Mr. Harrell, aided by a collage score, moved between sexy and straitlaced, the legendary and the everyday, creating a
fractured self-portrait of surfaces and interiors. He left just enough chinks in his armor of struts, jutting hips and
commanding gazes to remind us that the most startling power of performance often lives in its exquisite vulnerability.
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TRAJAL HARRELL (US) / CECILIA BENGOLEA (FR/AR) / FRANÇOIS
CHAIGNAUD (FR) / MARLENE MONTEIRO FREITAS (PT)
„(M)IMOSA / TWENTY LOOKS
CHURCH (M)“
OR
AM
PARIS
IS
BURNING
AT
THE JUDSON
SCHWARZENBERGPLATZ
Quartett
Choreografische Kollaboration
Koproduktion
Dauer
Trajal Harrell, Cecilia Bengolea, François Chaignaud,
Marlene Monteiro Freitas
Le Quartz - Scène nationale de Brest, Théâtre National de
Chaillot, Centre de Développement Chorégraphique,
The Kitchen, Bomba Suicida, FUSED
La Ménagerie de Verre, des Laboratoires d’Aubervilliers,
DRAC Poitou-Charentes, Institut Français
125 Minuten
// ABOUT „(M)imosa / Twenty Looks or Paris is Burning at the Judson Church“
Eine elegante Operndiva verwandelt sich in eine Drag Queen mit aufgeklebten Gummibrüsten, ein
zugedröhnter Vamp wird zu Prince, der „Darling Nikki“ singt, ein Melancholiker covert „Alcoholic“ von
Starsailor. In dieser aberwitzigen Show werden Geschlechter wie Kostüme zu einer neuen Freiheit
aufgemixt.
*****
“(M)IMOSA“, a choreographic collaboration between Cecilia Bengolea, Francois Chaignaud, Marlene
Freitas, and Trajal Harrell, is the title given to the Medium version of Harrell‘s series in five sizes, (XS) (XL), entitled “Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church“. The propositional departure
for the series - “What would have happened in 1963, if someone from the voguing ball scene had
come down to Judson Church in Greenwich Village to perform alongside the early postmoderns?“
— is not addressed but reconfigured by „(M)IMOSA“ into a encounter between these four artistic
voices. The Voguing dance tradition refers to the competitive balls staged in Harlem dance halls
beginning in the 1960‘s. A form of social performance practiced primarily by African-American and
Latino gays, transvestites, and transsexuals, voguing imitates archetypal social and gender identities
through fashion, movement, and behavior. At the same historical moment, in the 1960’s, the pioneers
of the postmodern dance broke with the traditional representations of classical and modern dance
and sought to make dance without artifice, based in authenticity. Inspired by “Paris is Burning“, the
seminal documentary film about voguing; their personal research on voguing; and their collective
experience as makers, the four collaborators in “(M)IMOSA“ dare to own and share the immediate
distance between themselves, between them and their inspiration, between what they portend and
what they perform, and between their counteracts.
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// PRESSESTIMME
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Roslyn Sulcas
The New York Times
11. Februar 2011
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Vogueing in a Playground of Gender, Celebrity and Fashion
By ROSLYN SULCAS
Published: February 11, 2011
The postmodern choreographer Yvonne Rainer said no to
rather a lot of things in her famous 1965 manifesto: “No to
spectacle no to virtuosity no to transformations and magic and
make believe no to glamour and transcendency of the star
image.” And more.
That’s the blueprint that Trajal Harrell has addressed and
turned inside out in “Medium (M),” also known as “(M)imosa,”
the latest piece in his multipart work “Twenty Looks, or Paris
Is Burning at the Judson Church.” Mr. Harrell has been working
on “Twenty Looks” for several years, creating differently sized
versions of a response to a not very simple question, noted in
the news release: “What would have happened in 1963 if
someone from the ball scene in Harlem had come downtown
to perform alongside the early postmoderns at Judson
Church?”
photo by Miana Jun
His idea of variously sized dances — so far there is “(S),” which he first presented in 2009, and “Extra Small (XS),”
a solo that ran Thursday and Friday alongside “(M)” at the Kitchen — is taken from fashion, which is, of course, the
point. Mr. Harrell’s seductive, seditious, subversive shows are as much a commentary on fashions in dance and
spectatorship as they are on the industry of glamour and the cult of the star. (Doug Elkins’s 1991 “Where Was
Yvonne Rainer When I Had Saturday Night Fever?” was a brilliant if more scattered take on the same idea.)
“(M),” as the piece is also known, offers the two extremes suggested by the “what would have happened” question.
Over-the-top theatricality and matter-of-fact banality collide as the four performers (Cecilia Bengolea, François
Chaignaud, Marlene Monteiro Freitas, Mr. Harrell) offer a succession of personalities, each insisting that he or she
— and often it’s unclear which is which — is called Mimosa Ferrera.
“I am the real Mimosa,” each claims, but of course there is no real Mimosa. Mr. Harrell suggests that personality,
gender and identity are fluid, slippery constructs, as each performer morphs before our eyes into a new theatrical
construct, applying makeup and changing clothes in the audience, scratching about distractingly in plastic bags
placed on seats in a (possibly over-obvious) refusal of performance etiquette.
At the confluence of the ordinary and the spectacular are both beauty and entertainment. There is a sensational
scene in which ultraviolet light transforms the dancers into blackface voguers, and Ms. Freitas is brilliance incarnate
in her bizarre lolloping, grimacing opening solo and later her uncanny impersonation of Prince.
But she isn’t alone: Mr. Chaignaud, near naked with pasted-on fake breasts, offers a quasi-religious vision of
beatitude in a sculptural solo to slow piano music; Ms. Bengolea is a hilariously uncool Kate Bush; and Mr. Harrell is
mesmerizing in a melancholy solo that alludes to vogueing with subtle, sinuous charm.
The pacing of “(M)” is uneven, and the frequent references to the nonexistent Mimosa feel overworked. But you’re
never less than happy to be there, watching Mr. Harrell and his ever-changing crew say yes to everything.
“Medium (M),” or “(M)imosa,” is continuing on Saturday at the Kitchen, 512 West 19th Street, Chelsea; (212) 255-5793, thekitchen.org.
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[W ILDWALK] TRAJAL HARRELL
„ANTIGONE JR. / TWENTY LOOKS
JUDSON CHURCH (JR.)“
(US)
OR
PARIS
IS
BURNING
AT
THE
21. JULI | 23.00 UHR | GARAGE X
Duett
Choreografie
Performer
Dramaturgie
Sound Designer
Koproduktion und Residency
Trajal Harrell
Trajal Harrell, Thibault Lac
Gérard Mayen
Trajal Harrell
Menagerie de Verre - Paris, Workspace Brussels,
Pact Zollverein - Essen
Dauer
35 Minuten
// ABOUT „Antigone Jr. / Twenty Looks or Paris is Burning at the Judson Church (Jr)“
Leidenschaftlich kämpft Trajal Harrell gemeinsam mit dem Tänzer Thibault Lac für die Schönheit des
Spektakels auf der Bühne und für die Reize des Bezauberns, des Glamours und der Starauftritte. Das
Duett „Antigone jr.“ ist als Teil von Harrells „Twenty Looks“-Reihe ein Hoch auf den expressiven und
dramatischen Tanz und auf dessen amerikanische Ikone Martha Graham. Dafür bildet Sophokles’
Antigone die richtige Grundlage. Da öffnen sich Räume für das Heldentum mitsamt seinen tragischen
Gefühlswelten. Das ist bewegend, erhebend und packend, und damit der beste Stoff für dieses
heroische Männerstück zwischen distanzierter Lässigkeit und aufopfernder Hingabe mit viel
Dresscode und einer Prise Erotik.
*****
In American and English naming tradition, a junior (jr.) is the son of a father with the same name.
Thus, with Antigone jr., the New York choreographer Trajal Harrell purposely scales down Sophocles‘
tragedy to playwright’s first scene depicting the relationship between Antigone and her sister Ismene;
and their tragic fate. This work is part of an ongoing series, also entitled Twenty Looks or Paris is
Burning at The Judson Church, that comes in five regular sizes - Extra Small (XS), Small (S), Medium
known as (M)imosa, and the upcoming Antigone Sr. (L) and Extra Large (XL)- plus this junior size.
They all take on the proposition: “What would have happened in 1963 if someone from the voguing
dance tradition in Harlem had come downtown to Judson Church in Greenwich Village to perform
alongside the early postmoderns?“ Rather than illustrating a historical fiction, Harrell uses this
proposition to rethink our contemporary context. What we see was neither possible at the voguing
balls nor at Judson Church, but a third possibility is created, here and now. This jr. size is unique in
time, relative to the duration of a typical “show”, as well as unisex in its casting.
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Antigone Jr. confronts the postmodern antagonism against tragically dramatic dance epitomized
by Martha Graham‘s mythological Greek dramas by presenting this contemporary dance version
of Sophocles‘ “Antigone“. By imagining a theoretical meeting between Voguing and Post-modern
dance, much of Yvonne Rainer‘s 1965 “No Manifesto“ is put into crisis. Most of the no‘s become
definite maybe‘s: maybe to spectacle, maybe to transformations and magic and make-believe,
maybe to the glamour and the transcendency of the star image, maybe to the heroic, maybe to
involvement of performer or spectator, maybe to style, maybe to trash imagery, maybe to camp,
maybe to seduction of the spectator by the wiles of the performer, and maybe to moving or be
moved. The only thing we know for sure is yes to the heroic and we‘re adding yes to the tragic.
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// PRESSESTIMME
Claudia La Rocco
The New York Times
17. November 2011
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CRITIC’S NOTEBOOK
Two Performa’11 Duets,
Distinct Yet Conversant in Their Shared Themes
By Claudia La Rocco
This city’s fall season is infuriating and exhausting: a relentless assault of performances that seems designed to make serious
art-goers go crazy. Where else do people sigh with relief upon hearing that show X was terrible, knowing they can strike it
from their must-see list?
But there are silver linings to this madness. One of them is the serendipity of catching, back to back, unrelated shows that
nevertheless converse with each other. This is one of the promises of an expansive festival like the Performa 11 biennial, a
promise that has been delivered far away from the disappointing main events.
Last weekend I managed to squeeze in Jack Ferver’s “Me, Michelle,” at the Museum of Arts and Design, and an “avantpremiere” of Trajal Harrell’s “Antigone Jr.,” at Third Streaming gallery. (Both are Performa 11 events, though neither was
produced by the biennial; “Antigone Jr.” will have its official premiere next Thursday in Paris.)
Both works are duets. Both deal with repurposed material, folded into larger questions of identity, history, culture and the
cult of self. And yet Mr. Ferver and Mr. Harrell are very different artists. How satisfying it is to see them enter the same
creative houses, slipping in and out through their own side doors.
Side door or no, Mr. Ferver likes his entrances and exits. He is one of those performers who, no matter the character, is
always also playing himself. In this brief dance-theater escapade, in which intense flurries of stylized movement rough up the
rapid-fire dialogue, he channels the ultimate diva, one Cleopatra.
As the title indicates, “Me, Michelle” also stars the terrifically smart Michelle Mola, who plays pretty much everything to Mr.
Ferver’s queen (and shares a choreography credit). They’re a petulant, vicious, conniving pair. They’re also, of course,
totally charming. And cornered by Cleopatra’s inevitable end — when Ms. Mola tells her queen to “go to hell” after a
dismissive comment, Mr. Ferver meditatively replies: “Too late. Too late.”
Poor old Cleo, mourning her Antony in between blasts of grandeur and self-pity. She’s scrounging after remnants of her
glorious past, and as such is the perfect vehicle for a contemporary chameleon like Mr. Ferver, who skips in and out of the
role so as to construct a meta-character, his references and registers jostling like echoes in his wake. It’s not totally unlike a
Ryan Trecartin video piece, albeit less manic and more immediately legible.
A screechy reality-television affect vies with lines from Shakespeare, knowing asides and, most effectively, sketches of
choreography reminiscent of Martha Graham, who had a quite different approach to ancient history. Here she is the ancient
history, her clawed hands and stomach contractions glinting like archaeological fragments on the two performers’ bodies.
Mr. Ferver and especially Ms. Mola wore these fragments easily as they flitted about the small white room Saturday night,
the lights of New York shining through the museum’s panoramic windows. The Empire Hotel’s blood-red sign was an
especially fortuitous footnote, while Reid Bartelme’s costumes and John Fireman’s music were quietly effective elements
(and the briefest of appearances by a Pomeranian, called “the thing,” was brilliant).
“Me, Michelle” could be more ambitious in its aims and not settle so often for an arch default. Mr. Ferver is such a
charismatic performer it’s easy to simply delight in his death throes. Still, I think he might go somewhere stranger and richer
if he delayed audience satisfaction just a little bit.
Mr. Harrell is already working in that somewhere. For the past few years he has been investigating an imagined intersection
of the Harlem voguing and Judson Dance Theater scenes, creating a series of works that use these parameters to examine
slippery notions of gender, the constructed self and how an ephemeral past can influence a complex present.
On Sunday night he and Thibault Lac occupied the small SoHo gallery Third Streaming for the “unisize” version of this
series.
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True to its size, “Antigone Jr.” is both intimate and outsize. The audience is
pressed up against the performance, with the two dancers entering the first row for costume changes. At times their
energy is gloriously too much, as when the two strut fiercely back and forth, emitting a sultry charge. Mr. Harrell morphs
into a sashaying, voluptuous femme fatale; Mr. Lac scythes his limbs in joint-popping formations, evoking shades of the
miraculous house dancer Javier Ninja from the famed House of Ninja.
Mr. Harrell’s house is far older and more infamous. It is the House of Antigone, with him in the main role and Mr. Lac as
Antigone’s sister, Ismene (here, as in “Me, Michelle,” we see flickers of a more emotive modern-dance history). Mr. Lac
reads the opening pages of that Sophocles play, and later dons dark glasses to sing along to “Another Night In” by
Tindersticks, as Mr. Harrell struts and poses and emotes; camp is one of Mr. Harrell’s tools, too, but he wields it with more
precision than Mr. Ferver, and with a keen awareness of its limitations.
Much of this voguing-meets-Judson series plays with the juxtaposition of over-the-top theatricality and dry-as-a-bone
repetition. Is it possible for the two to coexist, even to support each other? Can we believe in illusions we know to be
false? Mr. Harrell seems driven to make transparent all of the various skins we pull over our original one, to show how alien
they are and how much they matter.
A version of this article appeared in print on November 17, 2011, on page C5 of the New York edition with the headline: Two Performa 11 Duets,
Distinct Yet Conversant in Their Shared Themes.
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TRAJAL HARRELL
(US)
„ANTIGONE SR. / TWENTY LOOKS
CHURCH (L)“
OR
PARIS
IS
BURNING
AT
THE JUDSON
Quintett
Choreografie
Tänzer
Bühnenbild
Lichtdesign
Sound Design
Dramaturgie
Koproduktion
Residency
Dauer
Trajal Harrell
Trajal Harrell, Stephen Thompson, Thibault Lac, Rob Fordeyn,
Ondrej Vidlar
Erik Flatmo
Jan Maertens
Robin Meier
Gérard Mayen
New York Live Arts, CNDC Angers und CCN Belfort
WpZimmer - Antwerp, Workspace Brussels, Pact Zollverein - Essen,
Dansens Hus - Stockholm
135 Minuten
// ABOUT „Antigone Sr. / Twenty Looks or Paris is Burning at the Judson Church (L)“
Wie modern die griechische Mythologie tanzen kann, zeigen in dieser Large-Version von Trajal
Harrells „Twenty Looks“-Projekt fünf mehr als postmoderne Tänzer. Sophokles’ Antigone trifft Harlem
Drag und Judson Dance Theatre. Das braucht nebst Rock und Rap auch die Pop-Stimme von
Britney Spears. Noch dazu sehr extravagante Kostüme, intensives Bühnenlicht, dramatische Worte
sowie augenzwinkernd präsentierte Tragik mit reichlich Catwalk und Voguing. Die queere Drag-Szene
im armen Harlem der Sixties steht hier für eine soziale Realität, gegen deren Diskriminierung erst viel
später aufgestanden wurde.
*****
“In the case of the (L), I wish to re-imagine the classical theater of ancient Greece. Is it possible that
voguing and this theater of antiquity were not so far apart in their performative strategies? It is easy
today when we see men performing as women to classify these forms as drag, camp, travesty, or
to base our conclusions on notions of sexual identity; but sexual identities in Ancient Greece did not
fall into the categories we prescribe today. Therefore, perhaps this performance of mixing genders
had it’s own codes and references. Can we imagine that there was “Greek Theater realness”
where like voguing, gender and class or social status were revealed as constructions of codes of
fashion and movement? It is also easy to forget through layers of classical interpretations that the
theater of antiquity was a intrinsically political theater whose purpose was to educate and potentially
| 308
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problematize the important responsibility bore by the citizens of Athens (all men).
Furthermore, how did cross-dressing in theater roles function as activism to debate potentiality of
female citizenship? Did these artists – actors, directors, and writers – use this particular performativity
to shift the political beliefs of the day? In Antigone, a young woman, albeit royal, goes against the
highest ruler of the land, the king, not only in action and law, but in debate and intellect. Although her
status as a woman makes her actions even more antagonistic, I explore her femalehood as a trope
of politicization to rethink both gender rights in Ancient Greece, but also this ancient performative
context itself as a kind of “gender trouble” perhaps not so different from the discourses of our today.
Therefore, the central aesthetic questions become: how do we vogue the play Antigone? What
new meanings are produced from this operation as well as new relations with the contemporary
theater audience? Furthermore, what would it have meant to vogue Antigone in the context of 1963
Judson Church? Would this had created an aesthetic anachronism that further divided our Harlem
traveler from these new Judson colleagues? Or maybe by voguing Antigone something closer to
Judson aesthetics rather than Graham aesthetic might be created that in turn gives us an even more
“authentic” representation of classical Greek theater? And might this authenticity further problematize
the ways in which we have assimilated and re-imagined Judson aesthetics? These are the questions
that fueled our creation. There is no possible way to know exactly what this theater was like. Video
did not exist, but by reimagining the possibilities, perhaps we reimagine the notions we have today in
respect to gender, class, sexuality, and citizenship.” - Trajal Harrell
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// PRESSESTIMMEN
Claudia La Rocco
The New York Times
27. April 2012
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Another Chapter in a Personal Myth That Keeps
Growing Darker: Trajal Harrell’s ‘Antigone Sr.,’ at
New York Live Arts
By CLAUDIA LA ROCCO
Published: April 27, 2012
By now, just about everyone in the
contemporary dance world is familiar with the
provocative, involved question behind “Twenty
Looks or Paris Is Burning at the Judson Church,”
the series Trajal Harrell began in 2009: “What
would have happened in 1963 if someone from
the ball scene in Harlem had gone downtown to
perform alongside the early postmoderns at
Judson Church?”
It is, of course, an impossible question, and not
one that Mr. Harrell sets out to answer exactly.
Rather, the series functions like an engine,
driving the choreographer through idiosyncratic
explorations, both exacting and unruly, around
big, dizzying themes: race, gender, sexuality,
culture, history.
Andrea Mohin/The New York Times!
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The individual dances in the series can be thought of as containers for these interlocking themes, and are
distinguished, fittingly, by sizes. (There are five works so far; all stand alone but are most compelling when taken in as
parts of a larger whole.) The latest iteration, “Antigone Sr.,” gets the label Large — one it earns, and then some.
An ensemble for five men, including Mr. Harell, “Antigone Sr.” (yes, there is a Jr.) clocked in at just under two and a
half intermissionless hours at its premiere on Wednesday night at New York Live Arts. The work’s pacing was
sometimes maddening and definitely stamina-testing, but Mr. Harrell — who opened the show by announcing, among
other things, that the stage was almost too small for this work — wasn’t going for efficiency.
“We are taking our time,” he declared somewhere in the middle, seated on a low, silver-fabric-covered platform with
the miraculously silken performer Thibault Lac.
The two men issued many “We are” sentences, sometimes speaking in tandem, sometimes alone: “Venus and Serena,”
“Marc by Marc Jacobs,” “MoMA and the Whitney,” “Cage and Cunningham.”
They ended as the sisters Antigone and Ismene, as Mr. Harrell returned to the ancient Greek tragedy he has
increasingly deconstructed throughout the series to fashion his own fierce, ragged mythology — one pieced together
from pop culture, theory, voguing, dance history — and, always, the runway. However much in disarray, its denizens
are fabulous.
The open stage (the set design is by Erik Flatmo) was carved up by four catwalklike strips of blue and gray paper and
studded with three white squares: low daises that the men periodically occupied.
Whether sitting in the aisles or among the audience or disappearing backstage, the performers were frequently
offstage, reappearing to a smartly eclectic soundtrack of songs in an ever-mutating collage of outré headdresses,
dresses, coats and indefinable concoctions, with items continually repurposed and remixed. (The dancers designed the
costumes in collaboration with Mr. Harrell, who also created the sound design with Robin Meier.)
As they changed, their personas changed, morphing in ways subtle and not. Mr. Lac, who also performed in “Antigone
Jr.,” was joined by Stephen Thompson, Ondrej Vidlar and Rob Fordeyn (a marvel among five striking marvels), with
Mr. Harrell serving as something of an outlier. He was sometimes the voluble and humorous M.C., sometimes a griefstricken, almost creaturely figure.
www.tbspMGMT.com
| 310
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!
As “Twenty Looks” has developed, this current of grief has coursed ever more strongly through the series. It has in
the past felt more like a found object, something for Mr. Harrell to turn over in his mind as a way to approach and
sometimes declaw lofty historical subjects.
The grief in “Antigone Sr.” feels wilder and darker, more intimately tied to personal demons. The show must go on
(and on and on), even when it staggers or grinds to a momentary halt, as when Jan Maertens’s terrific lighting design,
which sometimes suffuses the stage in a rich haze, occasionally plunges the theater into complete or almost darkness.
Yes, here is the Judson Church legacy, and the Harlem ball legacy. But this, finally, is the House of Harrell.
“Antigone Sr./Twenty Looks or Paris Is Burning at the Judson Church (L)” runs through Saturday at New York Live Arts, 219
West 19th Street, Chelsea; (212) 924-0077, newyorklivearts.org.
A version of this review appeared in print on April 28, 2012, on page C9 of the New York edition with the headline:
Another Chapter in a Personal Myth That Keeps Growing Darker.
www.tbspMGMT.com
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Renate Klett
tanz Jahrbuch 2012
| 312
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TRAJAL HARRELL
(US)
„JUDSON CHURCH IS RINGING IN HARLEM (MADE-TO-MEASURE) / TWENTY
LOOKS OR PARIS IS BURNING AT THE JUDSON CHURCH (M2M)“
Trio
Choreografie
TänzerInnen
Koproduktion
Dauer
Trajal Harrell
to be confirmed
Danspace Project, MoMA PS1, Tanz im August und
Hau Hebbel am Ufer
MoMA’s Wallis Annenberg Fund for Innovation in Contemporary Art
through the Annenberg Foundation and by Danspace Project’s
2012-2013 Commissioning Initiative, which receives major support
from The Andrew W. Mellon Foundation.
70 Minuten
// ABOUT „Judson Church is Ringing in Harlem (Made-to-Measure) / Twenty Looks or Paris
is Burning at the Judson Church (M2M)“
Die Avantgarde tanzt in Togakleidern an! In einer Art Kirchenschiff, zu dem der New Yorker
Choreograph Trajal Harrell das einzigartige Wiener Odeontheater für seine Zwecke umfunktioniert,
machen drei Männer eine Show. Bei diesem „made-to-measure“-Teil von Harrells umjubeltem
Großprojekt „Twenty Looks or Paris is Burning at the Judson Church“ passiert eine Umkehrung. Die
Frage für die fünf anderen Teile dieses Projekts lautete: Was hätte passieren können, wenn 1963
jemand aus der Voguingszene in Harlem zu den postmodernenen Avantgardisten des Judson Church
Dance Theatre nach Downtown New York gekommen wäre. Bei „M2M“ gilt nun: „Judson läutet in
Harlem an!“ Was, wenn sich die weißen Postmodernen bei den Clubs der queeren Afroamerikaner
gemeldet hätten? Geschichte ist immer auch Fiktion. Daher hat sich Trajal Harrell nicht didaktisch,
sondern mit aufrührerischer Phantasie auf die Gräben und Lücken der Geschichte gestürzt. Das
ist Leidenschaft: Ganze zwölf Jahre Arbeit stecken in dieser kritischen und lustvollen Konfrontation
zweier gänzlich unterschiedlicher Kulturwelten.
*****
Judson Church is Ringing in Harlem (Made-to-Measure) is a custom made size in the Twenty Looks
or Paris is Burning at the Judson Church project.
Only, in this made-to-measure size, the proposition is inverted and the question becomes “What
would have happened if someone from Judson Dance Theater had gone uptown to perform in the
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voguing ballroom scene.” Again, rather than illustrating a historical fiction, what we experience was
neither possible at The Balls nor at Judson, but a third possibility is created, here and now.
In Judson Church is Ringing in Harlem (m2m), Harrell makes a full-evening work for three dancers
which engages the formalism and minimalism of postmodernism with the flamboyancy of voguing.
Combining these contrasting styles, Harrell repositions the influence of jazz, funk, and improvisation in
early postmodern dance alongside the social and aesthetic politic of voguing “church”.
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Claudia La Rocco
The New York Times
15. Oktober 2012
!
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Tension Is Uncorked Before a Parting
‘Judson Church Is Ringing in Harlem’ at St. Mark’s
By Claudia La Rocco
We audience members are always getting attached to companies and
individual performers — it’s one of the deeply human pleasures (and
pains: life spans in dance can be so brief) to be gotten from following a
live art form.
But what about falling for a series? Thursday night in St. Mark’s Church,
where Danspace Project presented the New York premiere of Trajal
Harrell’s latest and final live iteration of a series he has been developing
for about five years, I felt in a way as if I were at a farewell party. The
emotion was both charged and bittersweet; I’ve grown attached.
Hiroyuki Ito for The New York Times!
The work, “Judson Church Is Ringing in Harlem (Made-toMeasure)/Twenty Looks or Paris Is Burning at the Judson Church
(M2M),” and the series are an examination of an imagined meeting, in 1963, of the Harlem voguing and Judson Dance
Theater movements. The series will include one more work in the form of a publication, but this is, apparently, the final live
piece of the puzzle. (Some enterprising institution should present all six performances en masse; New York loves its
marathons.)
!
In “M2M” Mr. Harrell flips the original question, asking, “What would have happened if one of the early postmoderns from
Judson Church had gone uptown to perform in the voguing ballroom scene in Harlem?” (In earlier shows the voguers have
come downtown.) It isn’t a question to be taken literally but rather, as the program note explains, as an invitation for “a
third possibility” to be created “here and now.”
Still, it’s fun to indulge in a bit of literalist interpretation, as “M2M” gets off to its stripped-down and repetitive start.
Dressed in filmy black, togalike shifts designed by Complexgeometries, Mr. Harrell, Thibault Lac and Ondrej Vidlar occupy
three seats in the church sanctuary. They sit upright at first, barely moving, repeating snippets of song lyrics — “Don’t stop
the dancing” — and other phrases over a recorded soundscore like high priests (or priestesses) involved in a deadly serious
ritual. There is something both severe and innocent about it all; you can almost imagine a trio of Judsonite performers as
artsy wallflowers, holding the line for their avant-garde principles (“No” to spectacle and the star image and all that, as
Yvonne Rainer’s manifesto called for) as ravishingly costumed voguers swirl around them.
But, of course, the Judson folks liked to party, too. And one of Mr. Harrell’s propositions is that Judson and voguing shared
many of the same values, as fellow politically minded experimentalists pushing identity and the performance of identity into
new territory. And both groups delighted in the possibilities of movement — the many everyday, marvelous things that the
body can do.
One of these things is walking. Whether one struts down a catwalk in heels or jogs across a loft floor in sneakers, the basic
mechanics are the same.
When these three men finally rise, to the dimming of lights, it is for a glorious and extended deployment of hip-angling,
arched-feet fierceness.
“Conceptual dance is over,” Mr. Harrell chants.
“Work,” the others echo.
The voluptuous physicality offers a release of tension at once pedestrian and glamorous, and it is worth the long wait
through what preceded it.
More than that — the waiting is essential. Much of the work’s power lies in all of the places it doesn’t go, and all of the
space it gives its audience to ponder and question. Restraint and minimalism can be just as sexy and intriguing as vivacity and
flair. Combined, they present a seduction impossible to resist.
A version of this review appeared in print on October 15, 2012, on page C5 of the New York edition with the headline: Tension is Uncorked Before a
Parting.
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Deborah Jowitt
Artsjournal.com
21. Oktober 2012
Don’t Stop the Dance!
Judson Church is Ringing in Harlem (Made to Measure)/Twenty Looks or Paris is Burning at the
Judson Church (M2M) may be the longest title in Trajal Harrell’s series of works titled Twenty Looks
or Paris is Burning at the Judson Church. (As you will note, it results in a sentence that’s practically a
runway.) In keeping with the fashion references that are integral to the idea, Harrell labels each piece
by size—beginning with extra small. He’s made six so far, and the seventh and last is to be a book.
Fans in Japan, Brazil, Canada, and numerous European cities, as well as ones in the U.S., are going
to be very sad that M2M is the opus’s swan song in terms of performance.
Let me append some labels of my own: D (delicious), W (witty), P (provocative),
B (brilliant).
M2M, fittingly, made its debut in St. Mark’s Church as part of Danspace’s Platform 2012: Judson
Now, which celebrates the 50th anniversary of the radical and influential Judson Dance Theater.
Harrell’s series hinges on a premise: “What would have happened in 1963 if someone from the
voguing-ball scene in Harlem had come downtown to perform alongside the early postmoderns
at Judson Church?” What it means in terms of Harrell’s works is that he has been able to imagine
how full-out dancing, glamor, narrative, and emotion might resurface within a climate that celebrated
everyday movement and a neutral performing style in brainy structures and plain-jane settings.
For M2M, he switches his original question around. What would have happened if one of those
downtown adventurers (Yvonne Rainer, say) had gone up to Harlem in 1963 to perform in the voguing
ballroom scene? And he answers that question ingeniously. Minimal movements stretched out over
time, barely audible snippets of spoken text, a lot of repetition? OK, but take that up to Harlem and
right away, the climate change begins to have an impact.
There are three magnificent performers in M2M, all men: Harrell, Thibault Lac, and Rob Fordeyn the
night I attended (Ondrej Vidlar performed October 11 and 13, Fordeyn on October 12). They spend
the first part of the piece either sitting on three chairs set at some distance from one another or
walking between them.
They have not, however, come to the party clad in any-old attire, and they’ve taken the time to paint
their toenails. Lac and Fordeyn wear draped, vaguely Grecian gowns constructed of a filmy black
material (costumes by Complexgeometries), while Harrell’s dress, made of the same fabric, looks a
bit more like something a grieving widow or an uncertain visitor might wear. (Watching the men sit, I
imagine another question for the occasion: “What if Isadora Duncan’s adopted daughters had come
to mourn (retrospectively) the early death of Chopin and been intimidated by all that stained glass?”).
So, yes, they sit, looking lovely, making barely audible remarks now and then; quiet music with a beat
hovers in the background. They all have microphones, but don’t always use them. I hear what could
be song lyrics, place names, allusions to oppression.
Harrell sings more powerfully, almost wailing. Slouching in his chair, he’s less contained than the other
two, his face registering, discomfort, sorrow, petulance. Perhaps he’s the outsider from downtown,
trying to fit in up in Harlem. (Interestingly, he’s the African American while Lac and Fordeyn are
Caucasian, but, then, perhaps they’re virtual Judsonsites too, just a little less worried about the new
atmosphere than he is.)
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The structure that Harrell is building begins to make itself known in ways both discreet and
suspenseful. Very softly, Fordeyn begins to riff on “don’t” and “don’t stop” —repeating it, giving the
words an intermittent rhythm. There’s a taped voice singing in the distance. Now and then Harrell
sings “Good mornin’” under his breath. Gradually words spawn other words, and the men—walking,
sitting, Harrell trying out graceful hand gestures—echo one another. Finally we get, “Don’t stop the
dance,” then “Mama says, ‘don’t stop the dance.’” And Fordeyn occasionally interjects, “ever, ever,
ever.” Except for Harrell’s outburst of song and his evident unease, the three are very self-possessed,
very neutral. Very Judsony in their layering of minimal moves with apparently unrelated text in terms of
subject matter. (I could go on about the deeper resonance of “cool.”)
How much time has passed? Hard to be sure (M2M is over an hour long). And things are definitely
heating up. The lights dim to a ballroom ambiance. Lac turns on a small fan and lets his drapery blow.
Harrell initiates a flouncing runway strut on tiptoe, almost skipping. The other two stop and watch him
strike sultry poses. He’s getting it.
And the room is about to explode. The men don the sneakers that have been sitting beside their
chairs. Finally the rest of the lyrics from Bryan Ferry’s 1985 “Don’t Stop the Dance” emerge on tape.
“Every thought I have don’t mean a thing,” sings the recorded voice. When the men—sometimes
yelling now — start intoning “conceptual dance is over” and “Don’t think! Work!” their words emerge
with a gospel-shout fervency. The downtown artist has become a testifying witness. The music
pounds. Lac cries out “Are you on fire?” And they are. Oh, lord, how they dance! Heads tossing,
shoulders shrugging, knees lifting, feet stomping, hips swinging. Fordeyn and Lac, both long-legged
and skinny, cast their limbs into space in twisting, spiraling craziness. They’re sweating,
hard-breathing marvels. “Work it!” “Work!” Harrell works it heroically, sensually, loving it. Even when
the taped sound mix simmers down into sweet piano music and words of love, need, shame, and
soul-baring filter in, he keeps going. “Don’t stop,” the others remind him.
Harrell is, of course, aware of the irony that erupts. He’s not about to reject thought; he’s a man of
ideas, a lover of concepts and theories, and these are built into the substructure of all the pieces in
his Twenty Looks series. But, thank heaven, he also lives to move. As the song says: “Got to keep
on moving or I will die. Don’t stop Don’t stop the dance. Don’t – mama says – don’t stop the dance.”
Amen.
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TRAJAL HARRELL
„RITE
OF
SUMMER“
(US)
& PRO SERIES
PARTICIPANTS
11. AUGUST | 21.00 UHR | MUTH
URAUFFÜHRUNG
Choreografie
TänzerInnen
Trajal Harrell
to be announced
// ABOUT „Rite of Summer“
Nach Igor Strawinskys und Vaclav Nijinskys skandalträchtiger Einführung des Frühlingsopfers in
den Tanz, also nach 1913, haben sich zahlreiche weitere ChoreografInnen diesem Stoff gewidmet:
Darunter so berühmte KünstlerInnen wie Mary Wigman, Maurice Béjart und Pina Bausch – sowie
aktuell auch Christine Gaigg im heurigen Festival. Nun kommt der New Yorker Choreograf Trajal
Harrell, der ImPulsTanz 2013 eröffnet sowie die Dancehall-Shows im Harlem der Sixties mit der
damaligen Avantgarde kollidieren lässt, und versetzt mit einer Gruppe von Research-TeilnehmerInnen
den Frühlingsritus in den Sommer. Ein schillerndes und knisterndes Ereignis!
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TROUBLEYN / JAN FABRE
„DRUGS KEPT ME ALIVE“
(BE)
& ANTONY RIZZI
(DE/US)
[W ILDWALK] 31. JULI | 23.00 UHR | SCHAUSPIELHAUS
Jan Fabre @ ImPulsTanz
Performances
2012
2012
2011
2011
2009
2008
1999
1996
1996
Troubleyn / Jan Fabre
„The Power of Theatrical Madness“ (Choreographer)
„This is theatre like it was to be expected and foreseen“ (Choreographer)
„Preparatio Mortis“ (Choreographer)
„PROMETHEUS - Landscape II“ (Choreographer)
„Orgy of Tolerance“ (Choreographer)
„Another sleepy dusty delta day“ (Choreographer)
Wim Vandekeybus / Jan Fabre
„Body, body on the wall“ (Choreographer)
„Universal Copyrights 1 and 9“ (Choreographer)
W. Forsythe / W. Douglas / J. Navas / J. Fabre /A. Miller
„Solo Choreographien
Duett für Emio Greco und Tamara Beudeker“ (Choreographer)
Research Projects
1999
2012
Pro Series (Ausstellung)
„Jan Fabre The Power of Theatrical Madness“
„Working drawings Jan Fabre (1984) - Photographs Robert Mapplethorpe (1985)
(Artist)“
Buchpräsentation
2011
„Jan Fabre: Die Jahre der Blauen Stunde“
Vorstellung des Katalogs zur Ausstellung im Kunsthistorischen Museum (Artist)
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TROUBLEYN / JAN FABRE
„DRUGS KEPT ME ALIVE“
(BE)
& ANTONY RIZZI
(DE/US)
[W ILDWALK] 31. JULI | 23.00 UHR | SCHAUSPIELHAUS
Text, Regie und Bühnenbild
Performer
Dramaturgie
Musik
Kostüme
Technische Koordination
Technik
Produktion & Tourmanagement
Produktion
in Koproduktion mit
Jan Fabre
Antony Rizzi
Miet Martens
Dimitri Brusselmans
Andrea Kränzlin
Geert Van der Auwera
Tim Thielemans
Tomas Wendelen, Katrien Bruyneel
Troubleyn/Jan Fabre (Antwerp, BE)
Maribor 2012 (European Capital of Culture - SI)
Dauer
70 Minuten
Troubleyn/Jan Fabre is supported by the Flemish Government and the city of Antwerp
www.troubleyn.be
// ABOUT „Drugs kept me alive“
„Ich bin eine tanzende Apotheke“, sagt Antony Rizzi selbstironisch in diesem kompromisslosen
Manifest eines unbändigen Lebenswillens. Ein funkelnder, sprühender Poker mit dem Tod,
dargebracht von Ausnahmeperformer Antony Rizzi, dem Jan Fabre nach mehr als 20 Jahren der
Zusammenarbeit einen ekstatischen und gleichzeitig berührenden Monolog auf den Leib geschrieben
hat.
*****
Drugs kept me alive is a monologue about a survivor — a man, exploring all the escape routes. His
compass needle directs him to all the shortcuts between heaven and hell so he always remains one
step ahead of the threatening scythe of death. His speed is his secret weapon, his sense of humour
a strong drug and his accomplices have taken their illustrious names from the upperworld: they are
ecstasy, ketamine, GBH, poppers, speed, cocaine, 2C-B, 2C-1, 2C-7, …
With these nose crystals, blood itchers and brain blinders he leaps down into the magma of what
keeps him alive: that churning desire of permanent intoxication. He travels in a gigantic airship,
high above the clouds, mooring at cloud castles, which seem to continuously change. He creates
fata morganas which seem to lovingly envelope him and which inspire intense happiness. Yet it
| 320
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is precisely this ethereal intensity, which fuels his obsessive desire. An intensity that is replete of a
certain purity: it is sheer ecstasy. What a strange sensation that something can be so vague and yet
so transparent at the same time. Like a soap bubble, which you can slowly wrap around your skin, so
you are gradually submerged allowing you to disappear. This bubble is his second nature, a capsule
where the silence is deafening and where death cannot touch him.
But the ultimate pleasure, a state that is beyond ecstasy is suddenly within reach when the drugs of
the upperworld are mixed with those of the underworld.
In Drugs kept me alive Jan Fabre describes a mortal, a life that is teetering on the edge of death.
The closer to death, the more pills, sachets and drinks are needed to undershore this life. This is the
condition of the protagonist in this monologue: he has looked death in the face and he has decided
that he’s up for a game of poker with the disease in his body: drugs kept me alive.
The monologue was written for Tony Rizzi, a born performer, with whom Fabre has also collaborated
on The Sound of one hand clapping, Glowing Icons, Da un altra faccia del tempo, Histoire des
Larmes, Orgy of Tolerance.
//BIOGRAFIEN
Jan Fabre
Jan Fabre ist anerkannter bildnerischer Künstler, Dramatiker, Opernregisseur, Bühnendesigner und
Choreograf. Nachdem er sein Studium am Städtischen Institut für Schöne Künste und Handwerk in
Antwerpen abgeschlossen hatte, konzentrierte er sich zuerst auf Performance Art und brachte
22-Jährig sein erstes Bühnenstück zur Aufführung. Sein erstes Ballett hatte 1987 seine Premiere,
seine erste Oper 1980. Die Metamorphose bildet ein zentrales Element in seinem gesamten
künstlerischen Schaffen. U.a. dank seiner Bic-Art (Objekte und Bühnenräume, die gänzlich im Blau
des Bic-Kugelschreibers oszillieren) und seiner Insektenskulpturen erlangter er als bildnerischer
Künstler Weltruf.
Fabre war einer der ersten Theatermacher, der in seinen Arbeiten die sogenannte real time
performance praktizierte. Er bricht mit den Konventionen des bestehenden Theaters durch seine
Echtzeit-Performances, die als lebende Installationen bezeichnet werden. Der menschliche Körper ist
dabei Hauptgegenstand seines Interesses.
Antony Rizzi
Antony Rizzi, ein italienischer Amerikaner aus Boston war von 1985 bis 2003 Solist und künstlerischer
Ratgeber von William Forsythe am Ballett Frankfurt.
Seit 1987 unterrichtet er klassisches Ballett und Improvisation, vorerst für das Boston Ballett und in
weiterer Folge für Compagnien, wie das Wuppertal Tanztheater, Münchner Ballett, La Scala Ballet,
Pennsylvania Ballet, das Ballett Frankfurt und andere.
Er schuf seit 1984 eigene Werke für das Royal Ballet, das Boston Ballet, das Frankfurt Ballett und das
Scapino Ballet. Ebenso kreierte er mit seiner eigenen Compagnie Moving Productions: „Snowman
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Sinking“, „Judy was angry“, „The Role I Should Have Done“, „ 1 2 3 you and me“, „Being Human
Being“ und „Some of my best friends are trash“.
Rizzi arbeitet auch als Schauspieler für die Forsythe Company, Jan Fabre und vor Kurzem für die
Deutsche Oper am Rhein in der Oper The Fashion, unter der Regie von Micheal Simon.
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// PRESSESTIMME
Michaela Schlagenwert
Berliner Zeitung
20. August 2012
| 323
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ULTIMA VEZ / W IM VANDEKEYBUS
„WHAT
THE
(BE)
BODY DOES NOT REMEMBER“
15. + 17. JULI | 21.00 UHR | VOLKSTHEATER
NEUBEARBEITUNG / ÖSTERREICHISCHE ERSTAUFFÜHRUNG
„BOOTY LOOTING“
24. + 26. JULI | 21.00 UHR | AKADEMIETHEATER
Wim Vandekeybus @ ImPulsTanz
Performances
2012
2011
2011
2010
2009
2008
2007
2007
2005
2004
2004
2003
Ultima Vez / Wim Vandekeybus
„booty Looting“ (Choreographer)
Wim Vandekeybus & Ultima Vez
„Monkey Sandwich“ (Choreographer)
„Oedipus / Bêt Noir“ (Choreographer & Dancer)
Wim Vandekeybus/Mauro Pawlowski & Ultima Vez
„What‘s the prediction?“ (Choreographer)
Ultima Vez / Wim Vandekeybus
„nieuwZwart“ (new black) (Choreographer)
„Menske“ (Choreographer)
„Spiegel“ (Choreographer)
„The Wim Reel“
filmnight hosted by Wim Vandekeybus (Choreographer)
„Les porteuses de mauvaises nouvelles“ (Choreographer)
„Blush“ (Choreographer)
„Sonic Boom“ (Choreographer)
„Blush“ (Choreographer)
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1999
1999
1997
1995
1994
1993
1991
1989
„In Spite of Wishing and Wanting“ (Choreographer)
Wim Vandekeybus /Jan Fabre
„Body, Body on the Wall“ (Choreographer)
„7 for a Secret never to be told“ (Choreographer)
„Alle Größen decken sich zu“ (Choreographer)
„Mountains Made of Barking“ (Choreographer)
„Her body doesn‘t fit her soul“ (Choreographer)
„Immer Dasselbe Gelogen“ (Choreographer)
„Les Porteuses de Mouvaises Nouvelles“ (Choreographer)
Research Projects
2012
1999
1995
Coaching Project „Fragility Laughing at Strength“
Coaching Project
Coaching Project: „Contemporary“
Workshops
2007
2007
2007
2006
2005
2004
2004
Ultima Vez Repertory: „Ultima Vez Vocabulary ADV*“
Larua Arís Alvarez
Ultima Vez Repertory: „ADD Ultima Vez Vocabulary ADV*“
Larua Arís Alvarez
Ultima Vez Repertory: „Ultima Vez Repertory ADV*“
Muriel Hérault
Ulima Vez Repertory: „Ultima Vez Repertory ADV*“
Iñaki Azpillaga
Iñaki Azpillaga
Iñaki Azpillaga
Ulima Vez Repertory: „ADD Ultima Vez Repertory ADV*“
Iñaki Azpillaga
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„WHAT
THE
(BE)
BODY DOES NOT REMEMBER“
15. + 17. JULI | 21.00 UHR | VOLKSTHEATER
NEUBEARBEITUNG / ÖSTERREICHISCHE ERSTAUFFÜHRUNG
Regie, Choreografie und Bühnenbild
TänzerInnen
Dank an
Wim Vandekeybus
Ricardo Ambrozio, Damien Chapelle, Tanja Marín
Friðjónsdóttir, Zebastián Méndez Marín, Aymara Parola,
Maria Kolegova, Livia Balazova, Eddie Oroyan,
Pavel Masek
Thierry De Mey und Peter Vermeersch
Eduardo Torroja
Isabelle Lhoas
Frédérick Denis
Francis Gahide/Davy Deschepper
Ultima Vez
KVS
Centro di Produzione Inteatro Polverigi, Festival de
Saint-Denis, Festival d‘Eté de Seine - Maritime,
Toneelschuur Produkties Haarlem
Louise De Neef
Dauer
80 Minuten
Originalmusik
Probenleitung
Styling
Assistenz Styling
Licht auf Tour
Produktion
Koproduktion
Koproduktion Originalperformance
// About „What The Body Does Not Remember“
Eine wahre Schockwelle löste dieses Stück, als es 1987 zum ersten Mal der Öffentlichkeit präsentiert
wurde, aus. Extreme Schnelligkeit, äußerste Präzision und atemberaubende Spannung dominieren
Wim Vandekeybus’ Debut-Werk, das den Belgier mit nur 24 Jahren zu einem der weltweit
einflussreichsten Choreographen hochkatapultiert hat. Hart, brutal, verspielt und grandios führt
Vandekeybus seine neun TänzerInnen an die äußersten Grenzen des Möglichen. An den Punkt,
bevor ein Unfall geschieht, in den Moment, bevor die Liebe über einen Menschen hereinbricht,
und an die alles entscheidende Wende im Leben. Was folgt, ist Action pur. Jetzt ist es soweit:
Ein Vierteljahrhundert nach seiner Uraufführung hat Wim Vandekeybus „What the Body Does Not
Remember“ wieder aufgenommen. Es hat nichts von seiner überzeugenden Kraft verloren und
belegt erneut, warum es bis heute als ein Schlüsselwerk des neuen europäischen Tanzes gilt: mit
seinem bis heute unübertroffenen Ausmaß an kontrolliertem Chaos, gespielter Angriffslustigkeit und
akrobatischer Disziplin.
*****
What the Body Does Not Remember is the compelling debut performance by Wim Vandekeybus
and his company Ultima Vez from 1987. In New York Wim Vandekeybus and the composers Thierry
De Mey and Peter Vermeersch received the renowned Bessie Award for this: “brutal confrontation of
| 326
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dance and music: the dangerous, combative landscape of ‘What the Body Does Not Remember’.”
25 years later Wim Vandekeybus and Ultima Vez will be touring the revival of What the Body Does
Not Remember in many different countries all over the world.
“The intensity of moments when you don’t have a choice, when other things decide for you, like
falling in love, or the second before the accident that has to happen; suddenly they appear, with no
introduction, important for me because of their extremeness rather than for the significance to be
given to them. The decision to use this as a basic material for a theatrical composition is at least a
paradoxical challenge, considering a theatrical event as repeatable and controllable. Perhaps when all
is said and done, the body doesn’t remember either and everything is a subtle illusion of lack which
helps to define or exhaust the game.” Wim Vandekeybus
// BIOGRAFIE
Wim Vandekeybus
Geboren wurde der Regisseur, Choreograf, Schauspieler und Fotograf 1963 im belgischen
Herenthout. In der ländlichen Gegend als Sohn eines Veterinärs aufgewachsen, kam Vandekeybus
früh in Kontakt mit Tieren, die sich in der natur frei bewegen konnten. Ihre instinktiven Reaktionen und
Bewegungen sowie ihr Vertrauen in die eigene Körperkraft faszinierten ihn und wurden zum Leitbild
seiner Arbeit. Vandekeybus‘ Laufbahn begann in Leuven mit einem Studium der Psychologie, das
er jedoch abbrach, da ihn, wie er selbst sagte, der Überfluss an „objektiver Wissenschaft“ irritierte.
Was blieb war sein reges Interesse an der komplexen Beziehung zwischen Körper und Geist. Ein
Workshop bei dem flämischen Theaterregisseur und -autor Paul Peyskens brachte Vandekeybus
zunächst zum Theater. Tanzkurse in Klassik, Modern und Tango folgten, und schließlich begann
er sich auch für Film und Fotografie zu interessieren. 1985 nahm Vandekeybus erfolgreich an einer
Audition bei Jan Fabre teil und ging anschließend mit dem Stück The Power of Theatrical Madness,
in dem er einen der beiden nackten Könige darstellte, auf Welttournee. In dieser Zeit lernte er den
Maler und Fotografen octavio Iturbe in Madrid kennen, der später ein wichtiger Partner seines
künstlerischen Schaffens wurde. Es war 1986, als sich Wim Vandekeybus für einige Monate mit
einer Gruppe junger TänzerInnen nach Madrid zurückzog, um an seiner ersten Produktion zu
arbeiten. Unter dem namen „Ultima Vez“ – was im Spanischen „das letzte Mal“ bedeutet - gründete
er seine eigene Kompanie und feierte ein Jahr später mit What the Body Does not Remember im
Toneelschuur in Haarlem (niederlande) Premiere. Damals flogen Kör- per und Steine durch die Luft
– im letzten Moment aufgefangen von den Kollegen. Jede Geste musste auf den Zeitpunkt genau
eingehalten werden. Die PerformerInnen setzten ihr Vertrauen in die Sache und verließen sich auf
ihren Instinkt. Und es funktionierte. obwohl What the Body Does not Remember auf Skepsis stieß,
eroberte das Stück schon bald die internationalen Bühnen.
1988 wurde Wim Vandekeybus in New York für sein Debütwerk, das als „knallharte Konfrontation
von Tanz und Musik“ gelobt wurde, mit dem Bessie Aeward ausgezeichnet. Seitdem kreierte Wim
Vandekeybus an die 20 Performances mit wechselnder internationaler Besetzung und realisierte fast
genauso viele Filme und Videoproduktionen, wobei Musik von Anfang an ein eigener und wichtiger
Teil seiner Stücke war. Die Kompositionen sind unter anderem von Peter Vermeersch, Thierry De Mey,
David Byrne, Marc Ribot, Charo Calvo, Eavesdropper sowie David Eugene Edwards.
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// PRESSESTIMMEN
Brian Seibert
New York Times
27. März 2013
| 329
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Jane Cornwell
3/7/13
The Australian
07. März 2013
When the body resembles a battlefield | The Australian
THE AUSTRALIAN
When the body resembles a battlefield
JANE CORNWELL THE AUSTRALIAN MARCH 07, 2013 12:00AM
Dancers from Ultima Vez perform in What The Body Does Not Remember (1987), created by Wim Vandekeybus. Picture: Danny Willems
Source: Supplied
IN the modernist interior of Brussels' baroque Royal Flemish Theatre, two men are lying on a stage
floor sliced with bars of light. A woman is sitting at a wooden desk behind them, as they jolt upwards,
conducting their movements with a thrum of her fingers, a rap of her knuckles.
Three dancers balance on white breezeblocks that are thrown into the air and caught or neatly ducked.
Other dancers career past each other, yanking off each other's clothes and brightly coloured towels and in
a breath, changing into them. Women are frisked. Dancers get stomped on. Movement feels risky,
instinctive. A spare recorded soundtrack by an electronica duo called Maximalist! underscores a sense of
danger.
A sold-out audience is craning forward; in the front row of the balcony a child has climbed down from his
father's knee and is staring intently at the stage through a gap under the balustrade. Not everyone is so
present: a woman next to me lets her head drop then startles herself awake with a snore.
"Snoring? Haha." Belgian choreographer Wim Vandekeybus is amused. "I suppose that for some people
the show can be like a meditation."
What The Body Does Not Remember polarised audiences when it was first performed in Europe in 1987,
the same year that it had its debut in Belgium in Ancienne Belgique, the cult concert venue in whose cafe
Vandekeybus is sitting.
"In the 1980s I was obsessed with catastrophes and disasters," the 50-year-old says, his blue eyes
twinkling. "I wanted to explore the intensity of those moments when you don't have a choice, like when
you fall in love, or the way the body reacts a split second before an accident."
With his company Ultima Vez, Vandekeybus has gone on to redefine the medium of dance, borrowing
from other disciplines - music, film and photography; text, circus and technology - to create almost 30
movement-based productions and numerous film and video works.
Music runs through his oeuvre like a silver thread; he has commissioned scores for his work from an array
www.theaustralian.com.au/arts/stage/when-the-body-resembles-a-battlefield/story-fn9d344c-1226591860876
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of left-field composers and rock artists including David Byrne and Mark Ribot. While some productions
have been music-led, others emphasise images, or text; classical mythology is also a motif. "I need the
form to be different each time," he says. "The day I feel that I am busy doing something I've already done,
I will stop."
Ultima Vez currently have six shows in repertory, including Oedipus/bet noir in which a cast of 16
reinterpret the tragic myth and Radical Wrong, a punkish theatre-dance fusion hinged on the theme of
youth. Then there's booty Looting [sic] a show that references everyone from Medea to the German artist
Joseph Beuys in its examination of postmodern plagiarism.
"We started creating the show by thinking about this modern day craving for images, about what it means
to be photographed. This Medea kills her sons by putting their faces against the light bar of a
photocopier."
Vandekeybus is disappointed that booty Looting won't be playing alongside What the Body Does Not
Remember at the Adelaide Festival this week: "People in Australia are going to think that What The Body
is all that we do, when we are now 26 years on." A pause. "But they will see the simplicity, the pureness."
Both shows are playing here in Brussels, topping and tailing the celebrations for the 25th anniversary of
Ultima Vez. Tonight Vandekeybus is performing a short dance piece at Ancienne Belgique as part of four
evening concerts by homegrown experimentalists with names like Dans Dans and The Black Heart
Rebellion. "I'm hoping the music these artists make will inspire my work over the coming years," says
Vandekeybus, whose dance intermezzos come with a live soundtrack by his friend, Belgian music star
Mauro Pawlowski. "In my early years I couldn't afford to pay musicians to play live in my shows but I can
now."
The early years were tough. Even when What the Body was awarded a Bessie, the prestigious New York
dance and performance award (critics cited the "dangerous, combative landscape" created by the "brutal
confrontation of movement and music"), Vandekeybus had to borrow money so he could fly to the US
and accept it.
"We stayed up all night because we couldn't afford a hotel," says the man now widely acknowledged as
one of Europe's top choreographers. "Then we flew straight back again; I was already so in debt I was
nearly in jail."
He flashes a grin. While Ultima Vez now owns a large building in an up-and-coming Brussels
municipality in which it variously rehearses, rents out to other performance companies and organises
educational activities for a range of target groups, Vandekeybus has maintained the rebellious aesthetic
that comes with growing up in the punk era. "Yes, I have," says the father of one, pleased. "Absolutely."
Ask him which artists are currently making work he admires and the list is boundary-pushing: Italian
stage provocateur Romeo Castelluci; firebrand French choreographer Maud Le Pladac; and of course,
Ultima Vez, the company he named after the Spanish phrase for "last time", hinting at the traits that would
become the company's hallmarks: immediacy and energy.
Vandekeybus, who still dances in some of his productions, never set out to be a choreographer. The son of
a vet, he was raised in Flanders, the Flemish region of Belgium, and studied psychology at university
before getting sidetracked by performance.
In 1985 he auditioned for Belgian controversialist Jan Fabre and landed a role as a naked king in his
production The Power of Theatrical Madness, which appeared at the Adelaide Festival the following year.
"Laurie Anderson was there, and also [English post-punk band] the Fall and I remember we all went to a
discotheque in Adelaide somewhere," he says.
Craving autonomy and a different direction ("With Jan Fabre, you finish each performance with a fifth of
the audience left and the rest running out screaming at the end") he withdrew to Madrid for several
months with a group of young dancers and set up Ultima Vez. There were people who didn't believe
Vandekeybus could do it on his own.
But then he got the Bessie and two years later another one. The accolades have continued to pile up for
shows that were originally filed under Flemish new wave, lumping them in with the work of such Belgian
mavericks as Fabre, Anne Theresa De Keersmaker and Alain Platel.
"We all came from different genres and were not doing what we were supposed to do," he says. "We didn't
get institutionalised and we didn't follow any rules. I still have the freedom to say I will make a piece and
just see what happens. A guy from a big opera company just asked me to do an opera in 2015, and he
wanted to know what it would be about!"
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www.theaustralian.com.au/arts/stage/when-the-body-resembles-a-battlefield/story-fn9d344c-1226591860876
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He looks astonished. "I would rather go on with making movies. I like the fact that a movie can be years
in production."
Having spent five years writing the script for his feature film Galloping Mind, an English-Hungarian coproduction about separated twins and gangs of kids on horseback (and nothing to do with dance
whatsoever), he can't wait to get to Hungary to direct it.
That is, of course, after he has taken What The Body and its cast of nine to Adelaide. "The themes in the
show are still relevant," he says. "I was looking at things like urban alienation, and the way nature is
always indifferent to human passion. The drama is in the movement," he adds. "All this formed the basis
of my language."
The time for chat is over. Vandekeybus looks at his watch. "Now if you'll excuse me," he says, unfolding
himself with a smile, "I really must go and dance."
What The Body Does Not Remember, by Ultima Vez, is at the Dunstan Playhouse, Adelaide, from tonight
until March 10.
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„BOOTY LOOTING“
(BE)
24. + 26. JULI | 21.00 UHR | AKADEMIETHEATER
Regie, Choreografie und Bühnenbild
mit besonderen Dank an das
Wim Vandekeybus
Jerry Killick, Birgit Walter, Elena Fokina, Luke Jessop,
Kip Johnson, Milan Herich
Dymitry Szypura
Elko Blijweert
Danny Willems
Greet Van Poeck
Davy Deschepper, Francis Gahide, Wim Vandekeybus
Antoine Delagoutte
Isabelle Lhoas
Frédérick Denis
Máte Mészáros
Davy Deschepper
Antoine Delagoutte
Ultima Vez
Dance Biennale 2012 (Venice, IT), KVS (Brussels, BE),
Schauspiel Köln (Cologne, DE)
Archa Theatre (Prague, CZ)
Dauer
110 Minuten
Mitgestaltung von
Originalmusik Live
Live Fotografie
Künstlerische Assistenz und Dramaturgie
Lichtdesign
Sounddesign
Styling
Assistenz Styling
Assistenz Bewegungsrecherche
Licht auf Tour
Sound auf Tour
Produktion
Koproduktion
ULTIMA VEZ wird unterstützt von den Flemish Authorities und der Flemish Community Commission of
the Brussels Capital Region (BE)
// ABOUT „booty Looting“
Trickserei, Ablenkung und Täuschung überall. Das ist das Thema dieses rasanten, mit Spannung,
Schweiß und Lebenssaft vollgepackten Stücks, in dem sich vier TänzerInnen, zwei SchauspielerInnen
und ein Live-Fotograf einen Kampf bis zum dramatischen Ende liefern. Dabei wird der Performer Terry
Gillick zum Joseph Beuys, der mit einem Rudel Kojoten im Käfig sitzt. Und dann verwandelt sich
die Dühnendiva Birgit Walter in eine verstörte Medea, die ihre Söhne im Fotokopiergerät umbringt.
Diese Maschine ist ein Killer. Die Kamera von Danny Willems dagegen ist das Auge des Betrachters
und dessen trügerisches Gedächtnis zugleich. Willems macht auf der Bühne Schnappschüsse
eines aufbrandenden Dramas vom Leben als Raubzug, dessen Beutegut keine Eigentümer kennt.
Das Kopiergerät und der Paparazzo projizieren ihre Bilder live inmitten eines, wie von dem Belgier
Wim Vandekeybus nicht anders zu erwarten, schweißtreibenden Ablaufs. Darin wird gegen Medien
gestichtelt, die die Wirklichkeit verzerren, aber noch mehr gegen die Abzockmentalität, die sich heute
überall ausgebreitet hat.
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For booty Looting Wim Vandekeybus has composed a group of six performers, one musician and
one photographer. Music, movement, spoken word and photography are on an equal footing with
each other. Every medium adds something or erases something.
In booty Looting photography is a means that enables Vandekeybus to talk about memory. Wim
Vandekeybus: “Memories are often created or distorted on the basis of photographs. Proust once
accused the visual memory of actually erasing memories. Taste and touch are much more sensitive,
but the visual is dominant. Which is why you can perfectly well remember things you have never
experienced, simply because you have seen pictures of them.”
The title booty Looting is intended to point to this process of distorting the memory. booty Looting
refers to a double form of plundering: the plundering of what has already been plundered, stealing
what was already stolen, looting the booty. Wim Vandekeybus: “booty looting is a highly individual
piece. The audience will have to get involved and will have to imagine things. And who knows, it may
itself occasionally feel it has been robbed.”
A magician invented a mirror with a memory. I looked in it and I remembered my own birth. My
mothers dress. The hospital room.
A sequence of frozen moments.
Ice on a beard. Flames through the trees. Two drunks holding each other up. A dirty doll, lying in the
street. A brand new Mercedes – Benz, never driven. A vodka bottle, passed in the firelight.
A photograph kills the present and freezes the past. Memories take root in these frozen moments
and grow. A couple gets married and poses for the camera. A guy reckons he can remember his
own birth and is beaten up bad. A dead child sits upright in its mother’s arms. A father holds his son’s
hand. Both try to walk. Bodies move and sweat drips while inside the frame nothing changes.
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// PRESSSESTIMMEN
Nicole Strecker
K.West
04/2013
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Helmut Ploebst
Der Standard
08. August 2012
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W ILLIAM KENTRIDGE (ZA)
PHILIP MILLER, DADA MASILO, CATHERINE MEYBURGH
„REFUSE
THE
HOUR“
(ZA)
01., 03. + 04. AUGUST | 21.00 UHR | VOLKSTHEATER
Konzept und Libretto
Mitwirkende
Musik und Ko-Orchestrierung
Choreografie
Video & Schnitt
Dramaturgie
Bühnenbild
Bewegungsrecherche
Kostümdesign
Maschinendesign
Lichtdesign
Assistenz Lichtdesign
Musikalische Leitung/Ko-Orchestrierung
Sounddesign & Technik
PerformerInnen
Tanz
Sopran
Gesang
Gesang
Schauspiel und Gesang
Schauspiel
Dirigent, Trompete und Flügelhorn
Percussion
Violine
Posaune
Pianist
Tuba
Produktion
Tomorrowland
Technische Leitung & Lichttechnik
Requisite/Bühnenbau
Tontechnik
Videotechnik
Assistenz Videotechnik
Assistenz Videoschnitt
Koproduktion
William Kentridge
Philip Miller
Dada Masilo
Catherine Meyburgh
Peter Galison
Sabine Theunissen
Luc de Wit
Greta Goiris
Christoff Wolmarans, Louis Olivier, Jonas Lundquist
Urs Schoenebaum
John Torres, John Carroll
Adam Howard
Gavan Eckhart
William Kentridge
Dada Masilo
Jacobi de Villiers
Ann Masina
Joanna Dudley
Bahm Ntabeni
Thato Motlhaolwa
Adam Howard
Tlale Makhene
Waldo Alexander
Dan Selsick
Vincenzo Pasquariello
Thobeka Thukane
Caroline Naphegyi
John Carroll
Charles Picard
Gavan Eckhart
Kim Gunning
Boris Theunissen
Snezana Marovic
Holland Festival, Festival d’Avignon, RomaEuropa
Festival and Teatro di Roma, Onassis Cultural Center
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Marian Goodman Gallery (New York and Paris),
Lia rumma Gallery (Naples and Milan), the Goodman
Gallery (Johannesburg and Cape Town)
Dauer
85 Minuten
// ABOUT „Refuse The Hour“
Ist es möglich, Zeit auf der Bühne darzustellen, oder zu materialisieren? Der preisgekrönte
südafrikanische Künstler William Kentridge schuf nach umjubelten Produktionen an der Brüsseler
Oper La Monnaie („Die Zauberflöte“) und an der New Yorker Met mit „Refuse the Hour“ eine
spektakuläre Multimedia-Oper, die seine herausragende dOCUMENTA-Installation von 2012,
„The Refusal of Time“, weiterführt. Die Musik dafür schuf Philipp Miller, mit dem Kentridge bereits
für mehrere Projekte zusammenarbeitete, die Choreografie kommt vom südafrikanischen TanzShooting-Star Dada Masilo und die Videos von der bereits mit mehreren Preisen ausgezeichneten
Filmregisseurin und Cutterin Catherine Meyburgh.
Inmitten einer dadaistischen Traumlandschaft tritt William Kentridge selbst als zeitgenössischer
Erzähler auf, der seine Geschichte mit dem Mythos von Perseus beginnt und mit Einsteins visionären
Erkenntnissen beendet. Gemeinsam mit dreizehn TänzerInnen, MusikerInnen, SängerInnen und
einem Wissenschaftler begibt sich Kentridge auf eine Reise an die Grenzen von Wissenschaft,
Theater und Kunst und kreiert ein ebenso verspieltes wie hintergründiges Gesamtkunstwerk.
„Why is the art world so drawn to William Kentridge? Because he’s the rarest of political artists: a
subtle, funny one.“
New York Magazine
*****
Refuse the Hour is the chamber opera companion to The Refusal of Time. The performance was
created in June 2012 in Amsterdam and started touring in July. William Kentridge interleaves an
astonishing range of visual and sound languages, setting dance, original music from Philip Miller,
video construction by Catherine Meyburgh and machines, performance, lectures and drama against
one another. Kentridge is on stage to deliver a fragmented lecture; Dada Masilo appears as both
choreographer and dancer. The piece also sets on stage a performer, four singers or vocalists, seven
musicians, a number of strange machines, and video projection. Refuse the Hour is played as a
frontal device, in a theatre or concert hall.
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// BIOGRAFIEN
William Kentridge
William Kentridge’s work has been seen in museums and galleries around the world since the 1990s,
including Documenta in Kassel, Germany (1997, 2003), the Museum of Modern Art in New York
(1998, 2010), the Albertina Museum in Vienna (2010), Jeu de Paume in Paris (2010). Kentridge’s Also
in 2010 the Musee du Louvre in Paris presented Carnets d’Egypte, a project conceived especially
for the Egyptian room at the Louvre. In the same year, Kentridge received the prestigious Kyoto Prize
in recognition of his contributions in the field of arts and philosophy. In 2011, Kentridge was elected
as an Honorary Member of the American Academy of Arts and Letters, and received the degree of
Doctor of Literature honoris causa from the University of London. In 2012, he presented the Charles
Eliot Norton Lectures at Harvard University; was elected member of the American Philosophical
Society, of the American Academy of Arts and Sciences and has been named as a laureate for the
Dan David Prize awarded by Tel Aviv University.
Philip Miller
Philip Miller is a South African composer based in Johannesburg. Born in 1964, he first practiced
law before establishing a career in music. His work is not easily categorized, often developing out of
collaborative projects in theatre, film and video. One of his most significant collaborators is the
internationally acclaimed artist, William Kentridge. His music to Kentridge’s animated films, and
multimedia installations, has been heard in some of the most prestigious museums and galleries all
over the world, including MoMA, SFMOMA, The Guggenheim Museums (both New York and Berlin)
La Fenice Opera House and the Tate Modern. Out of this collaboration, the live concert series Nine
Drawings for Projection and Sounds from the Black Box has evolved, touring Australia, the UK,
Germany, Italy, Belgium, France and the US. In 2007, Miller conceived and composed Rewind, a
Cantata for voice, tape and testimony, an awardwinning choral work, based on the testimonies of the
Truth and Reconciliation Commission in South Africa. The cantata had its international debut in New
York at the Celebrate Brooklyn Festival and has been performed at the Williams College 62 Centre
for Theatre and Dance, the Market Theatre, Johannesburg, and the Royal Festival Hall, London.
In 2008, Miller’s sound installation Special Boy was selected as a finalist for Spier Contemporary,
a major, national art exhibition in South Africa. Amongst his more recent commissions, Miller’s
composition Can you hear that? was performed for the New York based Ensemble Pi in 2009. He
has released many CDs of his music which include: Rewind, a Cantata for voice, tape and testimony,
William Kentridges’ 9 Drawings for Projection, Black Box/ Chambre Noire, The Thula Project, African
Soundscapes and Shona Malanga.
Catherine Meyburgh
Catherine Meyburgh has worked in film since 1983. She has worked extensively as editor on
documentaries, short films and feature films. Including The Guguletu Seven, Portrait of a Young Man
Drowning, Gugu & Andile, Heartlines, Sophiatown, amongst others. She has worked with William
Kentridge on his films since 1998. In television she has edited the drama series Yizo Yizo, Zero
Tolerance, Soul City. She has also directed documentaries, including Alan Paton’s Beloved Country,
Kentridge & Dumas in Conversation, Madiba, A Hero for All Seasons. She has collaborated with
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artists Leora Farber, Georgia Papageorge, Willem Boshoff. Her work has been exhibited in Moma,
New York, The Louve, Paris, Museum of Modern Art, Tokyo. She has worked in theatre and opera:
Rewind: A Cantata for Voice, Tape & Testimony, by Philip Miller and Gerhard Marx, William
Kentridge’s “The Nose” New York 2010 and “The Magic Flute” La Monnaie, Brussels 2005.
Dada Masilo
She studied at The Dance Factory, the National School of the Arts, Cape Town’s Jazzart Dance
Theatre and at the Performing Arts Research and Training Studios in Brussels (P.A.R.T.S.).
She received the 2008 Standard Bank Young Artist Award for Dance. In addition to collaborations
with other choreographers, she has created and performed 11 new works including ROMEO AND
JULIET, CARMEN, SWAN LAKE and THE BITTER END OF ROSE MARY. She has also performed
in Tanzania, Mali, Madagascar, Mozambique, the Netherlands, Russia, the UK, the USA, Mexico,
Germany, Israel and France. In 2011 was named by The Star (daily newspaper) as one of the Top 100
achievers: `Her technical prowess is only surpassed by her artistic daring and conceptual flair.’
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// PRESSESTIMMEN
Mark Stevens
New York Magazine
20. Februar 2006
Moral Minority
Why is the art world so drawn to William Kentridge? Because he’s the rarest of political artists: a
subtle, funny one. By Mark Stevens
(Photo: Robyn Twomey)
At the age of 6, the South African artist William Kentridge came upon photographs of the Sharpeville
Massacre, the killings in 1960 that galvanized the anti-apartheid movement in his country. It was
not just the facts of death—the bullet holes, the blood-stained ground, the rag-doll corpses—that
shocked him. The images also shattered the internal compass of the child: The world was not as he
had thought. Although his mature work is often steeped in the shadowy melancholy of middle age,
Kentridge has nonetheless continued to insist (as children reliably do) upon first principles—notably,
the struggle between good and evil. He’s preserved that original shock. He’s retained that moral
scale. It amounts to a kind of knowing innocence.
Today’s art world is powerfully drawn to Kentridge because he’s mastered one of our period’s
greatest challenges: how to create an art of cultural authority, one that takes the moral measure of
our time. Although many artists make what’s called “political art,” their work usually appears tinny,
dull, and painfully grandiloquent. (Some even turn historical injustice into a form of career support,
using rape, racism, and genocide to bolster their importance.) Kentridge, by contrast, has developed
a subtle but bold sensibility that avoids the traps of consciousness that typically bedevil political art.
And he’s formed a distinctive means to convey that sensibility: flickering animated films, based upon
charcoal drawings, that depict the psychic cost of the apartheid era.
But there’s something else about Kentridge that’s powerfully attractive, especially to young artists.
He seems unusually free. He does many things at once. He creates films, drawings, and operas. He
tells stories. He crosses genres and makes new connections. He has roots in South Africa but moves
easily around the world. Is that the way art should be today? Kentridge is becoming a kind of model,
a symbol of possibility for the new century. In New York, he gained widespread recognition in 2001
during a retrospective at the New Museum of Contemporary Art. He will soon have another important
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New York moment: He’s been immersed in The Magic Flute, directing (and designing sets for) a
production that’s touring Europe and will come to the Brooklyn Academy of Music in the spring of
2007.
A beguiling hint of what’s in store for us is now at the Marian Goodman Gallery on 57th Street.
Kentridge’s interpretation of The Magic Flute, a masterpiece of the Enlightenment, offers him a way
to explore nothing less than the founding ideas of secular Western culture. As he’s worked on the
large production, he has also created some fresh, utterly distinctive works of art inspired by the
opera. For the Deutsche Guggenheim in Berlin, he’s devised a miniature or toy theater called Black
Box/Chambre Noir that dramatizes the dark side of the Enlightenment, notably the idealism that
paradoxically helped support German imperialism and justify genocide in Africa. His second miniature
theater (at the Goodman gallery) will surprise many people for whom, Kentridge himself says wryly,
“I’d become the image of doom and gloom.’’
Kentridge knows good and evil can be distinguished but are also inseparable. He’s
outraged, but without slogans.
Amid a show of charcoals made for The Magic Flute, this new theater celebrates the brighter side of
the Enlightenment. Kentridge has given life to moments of radiant, astral release and focused upon
the childlike bird-catcher, Papageno. “There’s something in the anarchy and foibles and weakness
of Papageno,” he says, “that we hang on to desperately—and Mozart hangs on to desperately—to
keep the exalted but dead world of Sarastro in balance.” In short, Kentridge is once again invoking
the titanic clash between good and evil. But he hasn’t left out the good. And he has a sense of
humor.
Kentridge, who comes from a prominent Jewish family in South Africa—one known for opposing
apartheid—doesn’t look like the usual Chelsea artist in designer jeans and stylish rumpled blazer.
Actually, he doesn’t look like an artist at all. He resembles a writer from the fifties, someone who’d
be at home with the big, questing talkers of that era, such as Harold Rosenberg (who insisted upon
taking Dostoyevsky personally). He loves to tease apart shifting ideas. He’s attracted not just to the
music in The Magic Flute but to the libretto, which, he is quick to point out, Goethe admired. It is
altogether natural for him to refer to “the flickering between knowing and not knowing, trying to grasp
and not being able to grasp.” Kentridge is an artist of dramatic black and white who can think in gray.
He knows good and evil can be distinguished but are also inseparable. He reveres the lofty heights
and studies the ambiguous shallows. He’s outraged, but without slogans.
A sensibility of this kind can take a long time to develop. The young Kentridge tried many
approaches. He was always interested in drawing but also attracted to theater and politics. Early
on, however, he came to an essential realization about moral scale: A person from his privileged
background could not speak directly for the oppressed or adopt the perspective of a disenfranchised
victim of apartheid. If he was to tell all of the truth, he must tell it—as Emily Dickinson suggested—
“slant.” (Art Spiegelman understood this aspect of scale when, in Maus, he used the cartoon to
address the subject of the Holocaust.) In the early nineties, Kentridge began collaborating with the
Handspring Puppet Company in South Africa, developing productions such as Faustus in Africa! that
made use of puppets as well as actors. Puppets are deeply mysterious creatures, both more and
less human than their handlers. They can give you a great slant.
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Kentridge’s signature films have that same slanted scale. The figures are more like moody puppets
than like flesh and blood, and the protagonists have the archetypal power found in cartoons,
puppet shows, and operas. One, for example, is an evil real-estate tycoon called Soho Eckstein.
Another, named Felix, is a melancholy artist. (Kentridge’s 1994 film, Felix in Exile, is on view in the
contemporary galleries of the Museum of Modern Art, and his 9 Drawings for Projection, from 2005,
is on view from February 15 through 20.) The horrors of apartheid irradiate the films and emerge
through drawings—such as one of a murdered man—but do not always claim center stage. As the
cosmic chorus plays in the background, Kentridge creates a foreground full of modernist ambiguity.
At one point we see Felix shaving and staring in the mirror. As he shaves, he’s erasing his face stroke
by stroke.
Despite their philosophical aura, Kentridge’s animations are extraordinarily physical and nothing like
the slick animation of the digital era. (He likes to call his animation “illiterate.”) They get much of their
feel from the charcoal drawings upon which they are based. Charcoal itself is a primitive, visceral
way of drawing, like using a burnt stick. It perfectly captures the “black and white” in Kentridge’s
sensibility, and, equally, the changeable grays of his ambiguity. Very little of Kentridge’s hand is lost
in the filming. I’ve never seen film so insistent upon the sensation of touch—upon making and erasing
marks. The tactile quality of Kentridge’s art not only grounds his abstractions but, like puppetry,
brings the viewer very close to the stories being told. When you look at a charcoal drawing, you can
almost feel the dust on your fingers. You’re implicated.
Charcoal can also appear old-fashioned, something to be used by students in art school, and
Kentridge’s art has a retro surface that bothers some people. His animation evokes the earliest
days of film, his drawings depict out-of-date objects like heavy black telephones, and his style has
close connections to the German Expressionism of Otto Dix and Max Beckmann. Is Kentridge,
then, a nostalgic throwback to the World War I era? Not at all. His relationship to history is one
of standards, not debts. An artist like Kentridge simply has to have the past present. The past
becomes a character. It comes to life because this moralist holds the past—the Enlightenment
itself!—accountable to the present. At the same time, the past can also judge the present. Mozart is,
of course, a living artist.
Moralists are usually dreary. Kentridge is playful. When he was in New York recently, he particularly
enjoyed the current Rauschenberg show at the Metropolitan Museum, he says—especially
Rauschenberg’s earlier Combines. He found them “so much more painterly, and so much wittier”
than he’d anticipated. He liked the artist’s “lightness” in moving among imagery and genres and his
insistence that meanings not be prefabricated but, instead, discovered in the making. He described
the attitude as: “Do them, and then you’ll find what they add up to, what the metaphor means.”
Kentridge himself loves when meaning slides around in a morally pointed, seriously playful manner.
An important character in his Magic Flute, for example, is a rhinoceros. (In the opera, Tamino charms
“the wild beasts” with his artful playing.) For the dark Berlin presentation, Kentridge included horrifying
archival footage of a white hunter proudly executing—there’s no other word for it—a magnificent
rhino. For the light New York show, he created a comical animation of a rhinoceros doing an
acrobatic handstand. The animal can symbolize a wild beast, a victim, and a marvel—even, perhaps,
Africa itself.
Copyright © 2013, New York Media LLC
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Donna Bryson
AP foreign
17. September 2011
Artist William Kentridge on stage in South Africa
JOHANNESBURG (AP) — South African artist William Kentridge is perhaps best known for his
charcoal drawings and videos in which those drawings seem to dance.
But he works in a wide variety of media — putting his drawings on stage amid a polyphony of
keyboards and brass curious instruments salvaged from antique shops, and text from Shakespeare
to Gogol. Dancers, puppets and singers thread their way through the maelstrom of his pieces.
Over the past month, hometown audiences have had a chance to immerse themselves in the
collages of image, sound and movement that have made Kentridge a major international figure.
„Refuse the Hour,“ a two-week festival of his work at Johannesburg‘s renowned Market Theatre,
culminates this weekend with „Dancing with Dada,“ a new piece of dance, spoken word, live music
and video. Kentridge, 56, is so prolific it sometimes seems he is everywhere: directing opera in
New York, mounting a mixed-media retrospective in Paris, projecting a video onto a curtain at
Venice‘s main opera house. In an interview Saturday in the studio behind his hilltop Johannesburg
home, Kentridge said that his charcoals remain central even as his work has branched out in many
directions.
Drawing is „a way of thinking aloud,“ he says. Kentridge, though, calls himself a bad drawer — but
says that‘s an advantage because it forces him to use his imagination to fill in the gaps between what
he sees and what he draws. The ideas he turns into international projects start in his Johannesburg
studio, so the two-week festival here has been a sort of coming home. The series grew from requests
to give a local public performance of „I am not me, the horse is not mine.“ The quirky lecture has
been seen around the world, but in Johannesburg it‘s only been viewed only by friends in his studio.
Soon, other work was added to the program. The Johannesburg festival culminates in „Dancing with
Dada,“ a piece featuring dancer and choreographer Dada Masilo. Kentridge recruited the 26-yearold after seeing a solo performance she choreographed two years ago. Kentridge paces the stage
for much of the piece, a Prospero in dark pants and white shirt, shadowed by Masilo. Masilo based
dance movements on Kentridge‘s walk and gestures, transforming them into something rich, strange
and graceful. On one level, the piece is named for its choreographer. On another level, the title
references the whimsy and sarcasm of Dada art.
In 2012, another version of the show will become part of Documenta, a German contemporary art
exhibition that takes place every five years. He plans to expand the piece and rename it „The Refusal
of Time.“ „The whole question of time and wanting to take it back“ began to resonate more and more
as the project evolved, said Masilo, who worked through a hamstring injury to perform.
Kentridge‘s two-week festival opened with that requested performance of „I am not me, the horse is
not mine.“ During the monologue, he takes the audience through the ideas and images that informed
his production of the Dmitri Shostakovich opera „The Nose“ at New York‘s Metropolitan Opera
House last year. New York Times critic Anthony Tommasini lauded the way Kentridge „unleashed his
imagination on Shostakovich‘s bitterly satirical and breathless opera.“
Kentridge is known for confronting dark themes in his work, including the oppression and brutality
of apartheid. His father, Sydney Kentridge, was a prominent anti-apartheid lawyer in South Africa
who represented Steve Biko‘s family at an inquest into the activist‘s death. Biko, a symbol of black
resistance, was killed by apartheid police 34 years ago this month and remains an icon.
Westerners often remark on the freshness of Kentridge‘s work. He says that might be a result of the
isolation of apartheid, which ended in 1994. Until that time, cultural boycotts meant he was working
| 345
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without much idea of what was happening in the major art centers around the world.
„I developed great confidence in not knowing what I was doing, and discovering it later on,“ he said.
Long term collaborators also took part in the festival featuring Kentridge‘s work, among them
composer Philip Miller, who first wrote for Kentridge films in 1994. He and Kentridge have worked
together so long, they barely need words to communicate. During a rehearsal of „Dada,“ that sense
of deep creative cooperation was evident among all the musicians, singers, dancer and cast of
production managers, movement coaches and multimedia wizards.
„One of the skills I do claim is the skill of working with good collaborators, people whose language I
understand,“ Kentridge says.
| 346
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Eberhard Spreng
Der Tagesspiegel
12. Juni 2012
Theaterfestival in Avignon
Das zerbrochene Stundenglas
Diktatur der Uhr. In der Kammeroper „Refuse the Hour“ von William Kentridge (r.) widersetzt sich ein
afrikanisches Ensemble westlichen Zeitvorstellungen.
(....)
Wie Lina Saneh und Rabih Mroué ist auch der südafrikanische Künstler William Kentridge bei der
Kasseler Documenta und in Avignon zugleich präsent. Metronome klacken, bizarre Holzskulpturen
recken ihre beweglichen Gliedmaßen in die Luft. Die Kammeroper „Refuse the Hour“ funktioniert
wie die persönliche, autobiografisch beeinflusste Ergänzung zu Kentridges Kasseler Installation
„The Refusal of Time“. Der Künstler bleibt während der Aufführung das Zentrum des Geschehens
und motiviert seine Meditationen über Takt, Zeit, Raum und Schicksal mit einer Erinnerung aus
seiner Kindheit. Da las sein Vater ihm auf einer Zugfahrt die Geschichte von Perseus und dessen
Großvater Akrisios vor, die Geschichte eines Orakelspruches und einer fatalen Verkettung, die
mit der versehentlichen Tötung des Großvaters endet. Der Achtjährige wollte die Serie falscher
Entscheidungen, die in den tragischen Tod münden, und den Zeitstrahl des Schicksals nicht
akzeptieren.
Kentridge lässt zwei Welten in der Aufführung aufeinanderstoßen: die westliche Organisation der Zeit
und der unwillkürliche afrikanische Widerstand gegen eine als Kolonialismus verstandene Taktung von
Sekunden, Minuten, Stunden, Tagen, Monaten und Jahren. Es geht darum, der Logik zu entkommen,
die von der Ordnung in die Unordnung führt und vom Leben in den Tod. Für Kentridge ist diese
Umwandlung die physikalische Dimension der Tragödie, die den griechischen Mythos umtreibt.
In kosmischem Maßstab sind es, wie der Künstler im weißen Sommerhemd mit seinem Monokel
erklärt, die schwarzen Löcher, die Licht, Geschichte und Leben letztlich in sich aufsaugen und mit
ihnen natürlich auch alle westlichen Techniken der Zeitmessung. Dann übernimmt der afrikanische
Teil des Ensembles die Geschicke auf der Bühne. Die als Errungenschaft der Moderne gefeierte
Synchronisation von Uhren, Ablauf, Mechanik hat ausgedient.
(...)
| 347
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[8:TENSION] W ILLY PRAGER
„THE V ICTORY DAY“
(DE/BG)
Willy Prager @ ImPulsTanz
2001
danceWeb (Scholarship Recepient)
| 348
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[8:TENSION] W ILLY PRAGER
„THE V ICTORY DAY“
(DE/BG)
Konzept
PerformerInnen
Musik
Beratung
Lichtdesign
Beratung
Produktion
Willy Prager
Iva Sveshtarova, Jea Ae Lim, Willy Prager
Iva Sveshtarova
Emilian Gatsov-Elbi
Angelina Georgieva
Galina Borisoova
Lutz Deppe
Rhys Marin
HZT-Berlin,Tanztage-Berlin , Goethe-Institut Bulgarien, Willy Prager
Dauer
60 Minuten
// ABOUT „The Victory Day“
Drei äußerst unterhaltsame Aufrührer entern das Theater und bringen mit, was für die Revolution
nötig ist: Euphorie, Flugblätter und Entertainment. Und dann? Kann die Energie gehalten werden?
Was wird aus dem Aufstand? Mit theatralem Glamour und ganz ohne Zynismus überführt Prager die
Begeisterung in eine ebenso fragile wie realistische Abmessung ihrer Möglichkeiten.
*****
“The Victory Day” takes up the “revolution” as a subject of investigation to be presented as a stage
event. But it doesn’t go into the direction of representing a certain revolutionary action, but
of “playing” with the semiotics of revolutions from the last century till today, which appeared to be
very similar. The piece uses the figure of the revolution as an already automatized machine; it puts
it into action by rediscovering the well known tricks and means of the theatrical machinery. Working
with revolutionary signs and symbols, and putting them in one shared space and time on the stage,
the performance deals mainly with the issues of the revolutionary enthusiasm and disappointment
aiming also to convey those affects on the audience. It manipulates its perceptions about what is
going on the stage and provokes the spectators to be “with” or “against” the show. Appropriating
revolutionary signs, symbols and accessories as a material, the piece investigates their performativity.
Dealing with it explicitly, the project questions further the possibility of revolutions to be efficient today,
when their theatricality seems to have become more significant and appealing.
| 349
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I personally grew up in such times and my life has been marked by the socio-political changes in
Bulgaria after 1989. It was a period of transition from totalitarian regime to democratic political
system. It was time when the human, cultural and social values devaluated as quickly as the
Bulgarian currency – the lev. No revolution in classical sense happened, but a 20 years transition.
What took place can be seen as a prolonged revolution of a new kind – A REVOLUTION ON SLOW
CADANCE, with a lot of halts - perplexed, protracted, exhausting, but at the same time charming,
peaceful, emotional, multi-layered and multifunctional.
The aim of the performance ‚‘The victory day‘‘ is to investigate how, in a performance situation, the
audience can get affected by an idea of a revolution. I am appropriating elements from revolutionary
events of the last century to create a performative simulation of a revolution. I am investigating how
these signs become eventually commercial products, how their value changes in the years and how
the propaganda is working in the theater.
| 350
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// PRESSESTIMME
Tom Mustroph
tanzraumberlin
Januar/Februar 2013
Tanz mit Armen und Beinen
Vorausblick auf ein körperbetontes Festival
(...)
Weil auch Willy Prager sich mit „The Victory Day“ einem genuin politischen Thema zuwendet, darf
man feststellen: so viel Politik war lange nicht bei den Tanztagen. Der Absolvent von 4XC Sofia
fiel bereits bei den letzten Tanztagen mit einer radikalen Hüpf- und Lächelperformance auf, die
irgendwo in der Kategorie Musical angesiedelt war. Körper bebten, Becken kreisten, Bier schäumte
– doch immer blieb die Lächelhaltung intakt. In seiner neuen Produktion eignet der Choreograf
sich nun Zeichen und Gesten revolutionärer Bewegungen an, die er im Laufe der Performance als
verkaufsträchtige Symbole entlarven will. Offen bleibt, ob ¬Prager selbst nur auf dieser Welle reitet,
oder es ihm tatsächlich gelingen wird, die Einverleibung zu problematisieren.
(...)
Tom Mustroph
Tanzraum Berlin
| 351
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XAVIER LE ROY
„LOW PIECES“
(DE/FR)
27. JULI | 21.00 UHR | HALLE G | MUSEUMSQUARTIER
NEUINSZENIERUNG / ÖSTERREICHISCHE ERSTAUFFÜHRUNG
Xavier Le Roy @ ImPulsTanz
Performances
2010
2009
2009
2002
2002
Xavier Le Roy
„Product Of Other Circumstances“ (Choreographer)
Xavier Le Roy
„Le Sacre du Printemps“ (Choreographer)
Xavier Le Roy
„Self-Unfinished“ (Choreographer)
Xavier Le Roy
„Giszelle“ (Choreographer)
Xavier Le Roy
„Self-Unfinished“ (Choreographer)
Research Projects
2011
2010
2006
Pro Series: „Retrospective as mode of production“
Coaching Project: „Specific Abilities (Labour in Exile: Le Sacre & Powered by
Emotion)“
ProSeries: „Lets try again“
| 352
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XAVIER LE ROY
„LOW PIECES“
(DE/FR)
27. JULI | 21.00 UHR | HALLE G | MUSEUMSQUARTIER
NEUINSZENIERUNG / ÖSTERREICHISCHE ERSTAUFFÜHRUNG
Konzept
Mit
Management / Touring:
Xavier Le Roy
Salka Ardal Rosengren, Sasa Asentic, Eleanor Bauer, Mette
Ingvarsten, Anne Juren, Krõõt Juurak, Neto Machado,
Luìs Miguel Félix, Jan Ritsema, Manon Santkin, Christine De Smedt,
Jefta van Dinther und Xavier le Roy
Le Kwatt – Montpellier
Centre chorégraphique national de Montpellier
Languedoc-Roussillon, Festival In-Presentable - Casa Incendida
Madrid, Julia Stoschek Collection - Dusseldorf, The Center for
Advanced Visual Studies - MIT - Boston, Tanzquartier - Wien,
Southbank Centre - London, Hebbel Am Ufer - Berlin,
Festival d‘Avignon 2011, DRAC Languedoc-Roussillon
Illusion & macadam - Montpellier
Dauer
90 Minuten
Produktion
//About „Low Pieces“
Das Publikum taucht in eine andere Welt ein. Alle Hektik bleibt draußen, und die Bühne strahlt
tiefen Frieden aus. Anmutig rastet eine Herde von Tieren in der Sonne, dann wieder wiegen sich
edle Bäume im sanften Wind. Und nackt sind die Tänzer, darunter so bekannte Namen wie Mette
Ingvartsen, Anne Juren oder Jefta van Dinther, die diese Szenen wie Tableaux vivants komponieren.
In diesen seinen „Low Pieces“ spielt der einflussreiche französische Choreograf Xavier Le Roy mit
den Sinnen der Zuschauer und mit der Wahrnehmung von Körpern als animalische, vegetabile oder
mechanische Erscheinungen. Dabei verwandelt sich das Theater in einen sozialen Raum, in dem
wundersame Hybride entstehen, die zu einem neuen Blick auf das Menschsein einladen.
*****
What if opening and closing a show with a conversation was the simplest way to create a link
between artists and spectators? For Xavier Le Roy, what is shown is as important, if not less, as the
discussions that result from it: all of his pieces offer a basis for reflection. Two moments of exchange
between the public and the performers therefore open and close low pieces. The presentation of the
movements that these spaces of words frame like mirrors, is disrupted when the dancers, with whom
the spectator were talking a few minutes earlier, are found undressed on stage, lying down or on all
| 353
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fours. Are they really the same anyway? How does the perception of both dancers and spectators
change? How are they going to recreate a common space?
Faced with these naked bodies, the social image of the dancer having a conversation, present in the
eyes of the spectators only a moment before, fades away. Any word that might describe this feeling
seems short of or beyond what we are shown. The scene could represent a herd of animals at rest, a
pack of lions basking in the sun, a plant composition... These images come one after the other in our
imagination. The group of individuals transforms into a group of an undetermined nature, capable of
receiving all our projections. Xavier Le Roy thus plays on our senses and once again questions in this
creation the way we perceive a body. In rejecting dress codes and removing movement from social
habits, he proposes a community released from its humanity to the spectator. Animal? Mechanical?
Vegetal? Before our eyes, a series of choreographic landscapes suggests another form of being in
the world.
Maxime Fleuriot in Programme du Festival d’Avignon 2011
// BIOGRAFIE
Xavier Le Roy
Xavier Le Roy erhielt seinen Doktortitel für Molekularbiologie an der Universität von Montpellier und
arbeitet seit 1991 als Tänzer und Choreograf. Zwischen 1996 und 2003 war er Artist-in-Residence
bei Podewil, Berlin. Von 2007 bis 2008 war er „associated artist“ am Centre Chorégraphique National
de Montpellier in Frankreich. 2010 war er Artist-in-Residence beim MIT Programm für Kunst, Kultur
und Technologie (Cambridge, MA).
Mit seinen Soloarbeiten „Self Unfinished“ (1998) and „Product of Circumstances“ (1999) hat er neue
Perspektiven für den Tanz erschlossen und mit seinem individuellen Zugang den akademischen
Diskurs über Körperkunst und Choreografie radikalisiert.
Le Roy entwickelt seine Arbeit durch Recherche, konzentriert sich dabei auf die Beziehungen
zwischen dem Arbeitsprozess und dem Produkt, sowie auf seine eigene Beteiligung an diesem
Prozess. Er initiiert regelmäßig Projekte, die die Produktionsweisen hingerfragen, so etwa
bei „E.X.T.E.N.S.I.O.N.S.“ (1999-2000), „Project“ (2003), and „6 Months 1 Location“ (2008).
Seine jüngsten Arbeiten beschäftigen sich wesentlich mehr mit der Beziehung zwischen dem
Zuschauer und den Performern: die Solos „Le Sacre du Printemps“ (2007) und „Product of Other
Circumstances“ (2009), und das Gruppenstück „low pieces“ (2010-2011).
| 354
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// PRESSESTIMME
Helmut Ploebst
Der Standard
09./10. Oktober 2010
Spinnenbau in Platons Höhle
(...)
Als solche Aporie - hier: Ausweglosigkeit - stellte sich Le Roys Choreografie low pieces in der Halle G
des Tanzquartiers nicht dar. Das Theater erscheint hier in seiner Paraderolle: als Metapher auf Platons
Höhle, deren Bewohner die Realität als Schattenprojektion erleben. Sowohl die Zuschauer als auch
die neun Performer sind Teil des Gleichnisses. Zu Beginn und am Ende werden die Besucher zum
Gespräch eingeladen, erste Frage: „Was ist Wirklichkeit?“
Die low pieces sind kurze Szenen, die durch längere Blackouts voneinander getrennt sind. In der
ersten Szene formen die nackten Tänzer, darunter Größen der zeitgenössischen Choreografie
wie Anne Juren, Jan Ritsema, Krõõt Juurak und Christine De Smedt zwei Inseln mit sich in einem
unhörbaren Wind wiegenden Bäumen. Danach bilden sie Konstellationen von Körpern in Bewegung
und Ruhe. Später heult er doch, der Wind, und Vogelgeschrei dringt aus dem Dunkel. Schließlich
verwandeln sich alle in Tiere, die gemeinsam rasten.
In diesem genau strukturierten Stück ergeben Licht und Dunkel, Timing und Sound eine Komposition,
die dem Lärm von Krise und Kommerz radikal entgegenstehen, wie das im Tanz schon lange nicht
mehr zu sehen war. Dennoch ist hier das Licht der Aufklärung nicht platonisch ideal gemeint, sondern
von Finsternissen durchsetzt.
(...)
| 355
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[8:TENSION] ZEINA HANNA
„NEVER LIVE TWICE“
(DE/LB)
16. + 18. JULI | 19.00 | ODEON
Tänzerin im Video
Kamera
Assistenz Kamera
Installationsperformance
Sound/On digital
Sound/On tape
Sound/On Lp
Emmanuelle Santos
Zeina Hanna
Céline Larrère
Zeina Hanna und Miriam Jakob
The original soundtrack of the video with background music of
Micachu „Calculator” and Treat her right “I think she likes me” .
a Charles Bukowski reader “Run with the hunted”.
see the cover
CDC Toulouse (Centre de développement chorégraphique
Toulouse Midi/Pyrénée) im Rahmen von DEPARTS.
Dauer
30 bzw. 120 Minuten
Das Projekt wurde im Rahmen von Zeina Hannas Master studies in Choreografie im HZT
(Hochschulübergreifendes Zentrum Tanz Berlin) in Zusammenarbeit mit der Universität der Künste
Berlin (UDK) und der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch, Berlin realisiert
// ABOUT „Never live twice“
Eine junge Frau in Sneakers schüttelt sich, zuckt, tobt in einem kurzen, intensiven Solo durch’s
Studio, bearbeitet das Klavier mit verschiedensten Körperteilen. All das in einem Video, das Zeina
Hanna projiziert und mit ihm zeichnerisch interagiert. Aus Bild, Sound und Aktion komponiert sie eine
so rauhe wie zarte Performance zwischen Bildender Kunst und Choreografie.
*****
Never live twice is a video installation performance based on a 5 minutes sequence-shot dance video
that I have created and filmed. The challenge to create the video was: no cuts, no stops, no editing
just one long shot choreography.
In the performance this video is played in loop and projected on a patchwork of crumpled sketching
paper laid out on the surface of a wall. The performance is an orchestration of this video with a sound
score a drawing score and a movement score.
| 356
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The mode, duration, and frequency of visiting the performance depends on the desire of the
spectator. It is a flexible format, thought to be presented in the context of a festival before and/or
after other pieces. But it can also be seen from beginning to end (one to two hours depending on the
format of the festival).
The way it has mostly been presented until now, is that some spectators attend to the first and last
30 minutes of the performance and in between another scheduled show. In the six times I have
shown this work many spectators choose to stay and attend the totality of the work.
The location of the performance is quite important, it should be an open but isolated area at the same
time and dark enough for the projection. Preferably not a theatre space and where people can easily
come in and out at any time. I set up the space to make it comfortable for people to be seated or to
move around.
With a game of play and pause on the sound and the image, I trace elements, with only black or
white pens, emphasizing on shapes, lines, motifs, details, adding layers of attention, and intentionally
or unintentionally omitting others. I notice patterns, signs, that I under or over-line, without time to
define them. When the spectator start to understand the score they start imagining the shapes and
lines they would trace and cover. It creates different layers of relations on different levels, transforming
a very concrete digital image to an abstract drawing. I become part of a dance that is like a manual
mechanism for editing perception.
At every performance the movement score unfolds itself differently and so will the drawing look
different.
The performance ends when I stop adding layers and the space is left with music and beverage; a
convivial space to open up a discussion which has most of the time bin the case.
For the last presentations in Tanztage Berlin 2013 I have added a station with a computer that the
spectator can consult at any time showing the 20 previous attempts that lead me to this last video
shot.
| 357
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OCCUPY
THE
MUSEUM
MAGDALENA CHOWANIEC (AT/PL), LAIA FABRE (AT/ES) & THOMAS
KASEBACHER (AT), MALIKA FANKHA (AT/CH), FLORENTINA HOLZINGER (NL/
AT), KRÕÕT JUURAK (NL/EE), ANDREA MAURER & THOMAS BRANDSTÄTTER
(AT), DANANG PAMUNGKAS (TW), AMANDA PIÑA (AT/CL) & DANIEL
ZIMMERMANN (AT/CH), LINDA SAMARAWEEROVÁ (AT/CZ) & KARL KARNER
(AT), ELISABETH TAMBWE (AT/CD)
03. AUGUST | 17.00-20.00 UHR | WELTMUSEUM WIEN
04. AUGUST | 16.00-19.00 UHR | WELTMUSEUM WIEN
URAUFFÜHRUNGEN
// ABOUT Occupy The Museum
Ein ethnologisches Museum mit zeitgenössischer künstlerischer Arbeit zu besetzen, birgt die
Möglichkeit, sich mit einer Fülle von historischen, kulturellen und gesellschaftlichen Zusammenhängen
in Beziehung zu setzen. Für 14 KünstlerInnen wird das Weltmuseum Wien für zwei Wochen zum
Arbeitsplatz und Kontext. Dabei entsteht eine lebendige Ausstellung von Unikaten; von Performances,
Tänzen, Filmen und Installationen. Dem Publikum wird eine Neuorientierung des Museumsaufenthalts
geboten, vorhandene Elemente erhalten ungewohnte Interpretationen, Fremdkörper bereichern und
verwandeln die Wahrnehmung.
Für Künstlerinnen mit afrikanischem (Elisabeth Tambwe), lateinamerikanischem (Amanda Piña)
oder asiatischem (Danang Pamungkas) Hintergrund ist der eurozentristische Blick unserer
Museumssammlungen eine Herausforderung. Requisiten wie die Federkrone Montezumas, der
berühmte Penacho, stehen für Aneignung und museale Deformation einer ursprünglichen Funktion.
Laia Fabre und Thomas Kasebacher wie auch Florentina Holzinger performen mit der ethnologischen
Gegenwart und der Frage: „Was wird von uns ins Museum wandern?“ Andrea Maurer und
Thomas Brandstätter ermöglicht eine filmische Sicht kulturelle Entwicklungen einzuordnen und zu
kommentieren. Krõõt Juurak, gerade noch im estnischen Pavillon der Biennale von Venedig zu sehen,
führt das Publikum zu verschiedenen Museumsobjekten und stellt erstaunliche Zusammenhänge
her. Auch Linda Samaraweerova & Karl Karner oder Daniel Zimmermann agieren im Kontext von
ausstellen, anordnen und ausgestellt werden. Musik bringt Magdalena Chowaniec in den Parcours.
Entwickelt wurde das Programm von Michael Stolhofer und Ong Keng Sen.
Occupy the Museum richtet sich auch als Aufforderung an das Publikum. Innerhalb des ImPulsTanz
Festivals ist das Weltmuseum ein Ort des Austausches, ein Treffpunkt und Aufenthaltsort besetzt mit
performativen Dialogen zu künstlerischen und gesellschaftlichen Fragen.
| 358
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A FUTURE ARCHEOLOGY
EIN INTERNATIONALES R AUM -P ERFORMANCE -P ROJEKT
BERLIN / W IEN / KAIRO
HOSTED BY I M P ULS TANZ
15. JULI
- V IENNA INTERNATIONAL DANCE FESTIVAL
- 11. AUGUST | SPIELSTÄTTE TO BE ANNOUNCED
Silke Bake @ ImPulsTanz
Talk
2011
from dusk till dawn and further a long night of talks (Concept, Moderation)
Lisa Hinterreithner @ ImPulsTanz
Performances
2012
„Watch! The Poster Show“ (Choreographer)
Workshops
2011
2010
„The Poster Workshop“
„Analysing Dance“
Peter Stamer @ ImPulsTanz
Performances
2005
2005
2005
2005
Peter Stamer
„AT HOME“ Guest: Benoît Lachambre (Choreographer)
Peter Stamer
„AT HOME“ Guest: Ismael Ivo (Choreographer)
Peter Stamer
„AT HOME“ Guest: Jan Ritsema (Choreographer)
Peter Stamer
| 359
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2005
„AT HOME“ Guest: Meg Stuart (Choreographer)
Peter Stamer
„AT HOME“ Guest: Paz Rojo (Choreographer)
Talk
2011
from dusk till dawn and further a long night of talks (Concept, Moderation)
Research Projects
2009
2007
Coaching Project: „Time, Structure, Decisions And All The Rest In Five Days“
Coaching Project: „On Time“
Christine Standfest @ ImPulsTanz
Research Projects
2010
Coaching Project: „Clubbing“ (14:00 - 19:00 in the studio; as of midnight in the clubs)
Workshops
2011
„The Poster Workshop“
| 360
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A FUTURE ARCHEOLOGY
EIN INTERNATIONALES R AUM -P ERFORMANCE -P ROJEKT
BERLIN / W IEN / KAIRO
HOSTED BY I M P ULS TANZ
15. JULI
- V IENNA INTERNATIONAL DANCE FESTIVAL
- 11. AUGUST | SPIELSTÄTTE TO BE ANNOUNCED
von und mit
Silke Bake (DE), Igor Dobricic (NL/RS), Ismail Fayed
(EG), Adham Hafez (EG), Peter Stamer (AT/DE),
Christine Standfest (AT/DE), Bettina Vismann (DE) und
Kegham Djeghalian (FR/EG/AM), Lisa Hinterreithner
(AT), Mariam Saddik (US/EG), Mey Sefan (DE/SY) und
weiteren Gästen.
Gefördert durch und in Zusammenarbeit mit
Haupstadtkulturfonds Berlin, ImPulsTanz – Vienna
International Dance Festival, International Research
Center „Interweaving Performance Cultures“ (Berlin),
Wien Kultur, Goethe-Institut Kairo, bmukk Österreich,
Tanzfabrik Berlin, Uferstudios für zeitgenössischen
Tanz (Berlin), Adham Hafez Company (Kairo),
GARAGE e.V. (Wien)
Ein Projekt initiiert von
Bake, Fayed, Hafez, Stamer
// ABOUT A Future Archeology
Hütten, Häuser, Habitate: Von Kairo über Berlin nach Wien und zurück spannt sich das internationale
Raum-Performance-Projekt „A Future Archeology“. Der von Silke Bake, Ismail Fayed, Adham
Hafez und Peter Stamer initiierte interkulturelle Austausch macht nun vom 15. Juli bis 11. August
Station bei ImPulsTanz in Wien. Ausgehend von den politischen Umbrüchen in Nordafrika und
den ökonomischen und gesellschaftspolitischen Krisen in Europa entwerfen, KünstlerInnen,
DramaturgInnen und ArchitektInnen aus dem Nahen Osten und Europa eine „Gemeinschaft auf
Probe“. An einem öffentlichen Platz bauen sie einen temporären Produktionsort und arbeiten zu
Fragestellungen und Praktiken von (kultureller) Differenz, Zusammenarbeit und künstlerischem Tun.
Der Titel „A Future Archeology“ bezieht sich darauf, dass gewachsene (soziale) Strukturen zunächst
freigelegt werden müssen (vergleichbar mit der Archäologie), um ihre Entstehung zu verstehen und
mögliche Potenziale für Veränderungen in der Zukunft (Future) zu identifizieren. Das Arbeitskonzept
nimmt dabei Bezug auf die jeweiligen Kontexte und Bedürfnisse vor Ort.
In Wien behandeln vier Research Projekte wichtige von „A Future Archeology“ aufgerufene Themen
und funktionieren als Testfelder, durch welche der Bauvorgang sowohl beeinflusst wie auch
reflektiert wird: das Bauen als gemeinschaftliches Tun, die Problematisierung von kultureller Identität
im zeitgenössischen Tanz, die Gelingensbedingungen von Politik in künstlerischen und sozialen
Gemeinschaften, die Wechselwirkung von kultureller und wirtschaftlicher Verschwendung.
Darüber hinaus richtet sich das Projekt nicht nur an die professionelle Tanz-Community, sondern
lädt Festivalgäste und StadtbewohnerInnen, die sich für die politisch und ästhetisch brandaktuellen
Fragestellungen dieser internationalen „Gemeinschaft auf Probe“ interessieren, zum Mitbauen ein. | 361
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Der Ort, an dem sich „A Future Archeology“ in Wien niederlässt, sowie Informationen zu den aus dem
Projekt entstehenden speziellen öffentlichen Veranstaltungen werden in Kürze auf der
ImPulsTanz-Website unter www.impulstanz.com/afuturearcheology/ bekannt gegeben.
// A FUTURE ARCHEOLOGY - MISSION STATEMENT
Building
difference
The recent socio-political change in Northern Africa and the Middle East resonates with a widespread perception of crisis in Europe, both merging in the question: What is the society we want to
live in? What kind of conditions shall we create for it to take place? Egyptian and European artists,
architects, and cultural workers from the fields of choreography, architecture and theatre trace these
questions in Berlin, Vienna and Cairo in 2013. They intend to build spaces in and for the given local,
cultural, and social contexts which respond to the needs and questions of the environment they
meet.
The Berlin slot (March 2013) is conceived to dig deeper into practices of collaboration, its conditions
and politics. In the context of an already given art space, at the Ufer studios, Berlin we create a
walk-in ‚social plastic’ (Joseph Beuys), a habitat of togetherness inside a dance studio. Moving on to
Vienna in July/August 2013, together with Viennese residents, the international working group may
set out to create a village-like compound consisting of huts, dwellings, houses in a public park. For
the Cairo slot (autumn 2013), the group invites activists, artists, art makers to concertedly create a
space designed by and dedicated for e.g. the contemporary performing arts. Thus reflecting upon
the needs by doing (what is contemporary art? who is doing it? who participates? how does this
reflect a new society?) we aim at stabilizing a social field in favour of forceful political consciousness
and confidence. The construction sites in these three cities are meant to facilitate monuments of
togetherness, to erect (con)temporary social architectures, to re-claim space as public domain and
civic right.
Both in Europe and in the Middle East, we are in need of spaces where we can develop and
exercise „civic imagination“ (Okwui Enwezor), a force of togetherness that condenses in a common
creative practice. We are in need of spaces for encounter where we condition and instigate an
understanding of „agonistic plurality“ (Chantal Mouffe) in order to challenge the notions of community
and communality. The question how shall a community look like where communality can be
produced within necessary difference is of utmost urgency both for the future of Europe in its present
post-democratic state and the given transition period of Egypt and the Middle East on its way to
democracy.
We assume that performing art, its practices, discourses, theories offer an appropriate platform for
these questions which at the moment seem to be unsolvable on a social level. Since they are a)
too complex for the given political agents and their stratagems, and b) since society doesn’t hold
open any spaces to develop possible models which may answer the questions at stake other than
artistic ones. We comprehend the multiple social crises as we see them in different societies to
manifest themselves as ‚crises of space’. In order to open ‚Other Spaces’ (Foucault) we count on the
competence of choreographers, dancers and other relevant practitioners of space taking. For besides
creating movement, choreography also renders visible the space in which movement takes place.
| 362
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Thus, space is never abstract, but foremost a social category. Choreographic methods then allow for
contemplation about given spatial practices and look at them as cultural phenomena. The buildings,
habitats, spatial structures we aim at allow for spatial reflection and social emulation. In regards to the
local social conditions both in terms of processing and use, we shall create spaces which not only
allow for asking the aforementioned questions but are foremost interested in tackling these questions
within the process of building itself. Henceforth we set out to manufacture an ‚agora’, a public
space for settlement with the social protocol of the agora itself: the title A Future Archeology mirrors
the conviction that allegedly grown social structures have to be revealed, to be dug out to understand
their constructedness in order to create new conditions for an alternative future.
Some notes on SPATIALITY
Since the beginning of the project’s collaboration, we have been interested in putting individual artistic
styles aside and rather look at potentials and conditions for politics instigated by artists, politics of art
production, and cultural policies. Regarding ourselves working in the field of choreography and being
engaged in choreographic thinking, the notion of creation and mobilization of space is in the focus
of our practices. One of the main questions sets out to create a shared space of being and working
together, a space that ties together artistic practice and theoretical reflection, that is nourished by
mutual interest in order to provide a space for understanding and creating politics.
The political and social cataclysms taking place in Egypt and the Middle East render questions about
spatiality even more urgent. Across the Arab World, modes of and channels for public expression,
moderation and mediation are up to today completely controlled or suppressed. The Egyptian
upheaval of disenfranchised citizens against their brutal regime could only gain momentum as it
successfully turned Tahrir Square into a public space, rendering vox populi internationally audible.
The square in downtown which until then was a neglected spot on the mental topography has gained
more than a symbolic role in the process of democratization. The outpour of masses of people taking
to the streets, directing and formulating a public discourse, very reminiscent of the ‚agora’, offered a
direct, immediate, and urgent mode of expression and formation of what could be termed a process
of ‚civility’. The revolution‘s most striking feature has thus been the reappropration of public space
by the people to become a constitutive space. Yet, the lack of democratic protocols in the past has
instantly put tremendous pressure on public space to fulfill too many roles in the self-representation of
a nation in no time. And nation building is still pending.
From a non-Egyptian perspective, media reports on the revolution and its aftermaths seem to
have struck a chord in diverse strands of Western society. Since people seem weary with what
they experience as capitalist democracy, they eagerly take up the spirit of protesting and publicize
their critique of capitalism. Yet, whilst in the so-called West, repoliticization of space aims mainly
at abolishing neoliberal tendencies and corporate privatization of the public sector, and thus at
reestablishing commons, in Egypt it is about guaranteeing the right of citizens for free speech and
free assembly, the right to live in an uncontrolled society, to be governed by an elected parliament, to
put an end to political nepotism, in short: to establish a democratic system that deserves its name.
And Western democracies are not safe at all either. In fact, they are endangered by the so-called
economic crisis and the forces that are responsible for it. They are also in danger because their
peoples tend to confuse policies with politics: whereas policies create diverse sets of rules to
regulate and save interests of a few by establishing ideological and moral matrices to saveguard
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the needs of a potent minority, politics have to provide the difficult means to maintain conditions for
mutual negotiation in order to grant the same rights and duties to everyone. And since corporates or
other lobby groups pursue their policies by taking advantage of the underlying democratic principle
provided by politics, it seems to be much easier for them to sell their agenda and promote easy
decisions. Balancing different agendas in order to monitor that danger is a highly important task for
democratic structures which needs attention and civic commitment.
And yet any comparison of the Egyptian revolution with the Western movements doesn’t seem to
be appropriate. Glorification of the developments in Egypt by the West as acts of a people on their
way to democracy speaks much more about the needs and projections of their own political shortcomings. In fact, there are more differences than similarities one can observe looking at the current
situation in Egypt in regards to public movements (such as Occupy and other leftist initiatives) in
Europe. The body politics in Egypt at stake lead to another question asking if political space will be
accessibly at hand once the aftermaths of the revolution have reached their aim, once parliament
has seized control over the military somehow lurking in the dark and the president who is ruling the
country without any legislative control; what if the momentum of a political practice as it is executed
at the moment drops once politics is handed over to (elected) politicians who rule by the power
of paper, by the power of laws and legislation? What if the country follows the choreography of a
democracy but neglects the performance that is needed to protect themselves from policies that turn
public space into a space of commodity, into a space of private interest? What if the idealistic power
of envisioning one’s own society dries out?
In order to safeguard and make visible still important „civic imagination“, a term coined by Okwui
Enwezor, the project A Future Archeology tries to create a potential space for ‚a future’ and wants
to set its conditions at the same time. We are interested in creating a space that conceives of the
future as a site of archeological excavation of ideas and practices which haven’t gained momentum
so far. We want to historicize the future of society and politics with the help of choreographic thinking
and spatial practice. We don’t understand choreographies as mere aesthetic, but rather as multiple
methodologies for the creation of political spaces and social knowledge production. We want to set
an example of and for togetherness, both a theoretical and ‚real’ space accessible for the public at
any time as the political crisis we are facing right now is foremost a crisis of space: a less and less
irreconcilable clash of private and public space, of advancing policies versus agonistic politics, of
conditions that manifest themselves and the multiple reverberations stemming from it, crystallizing in
everyday life.
Thus, A Future Archeology aims at taking part in the project of re-democratization, making use of
artistic practices and discourses, daring to dig out the future, daring to instigate a social archeology in
order to create an inventory of social futurity. A main constituent of this project is to create and build
spaces in which sharing, agonism and production of community can be negotiated – achieving the
creation of „locus agonistes“ (Enwezor), of spaces of common dispute and mutual creation, of future
of society and a society of future.
Some notes on BUILDING
In the course of five months in 2013, a dozen artists set out to instigate a practice on that matter by
commiting to the process of building together, reassigning a different notion of space and investing
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a practice of mutual effort, negotiation, and agonism in Berlin, Vienna, and Cairo. We definitely mean
to construct buildings, taking the local conditions and particularities into account. The concept of
‚building’ embraces any kind of forms a building can take on during the process. Taking the shape
of a simple hut or a complex habitat depends on the negotiations the partaking artists undertake
with each other. It’s not our aim to layout a blueprint beforehand, since we conceive of negotiations
to be an important and basic part of the creative project. We aim at creating a multitude of spaces
for mutual encounter by creating the conditions that constitute the work as such, by conceiving
and building the spatial core that is needed to work and exchange. We literally erect a construction
site where we stimulate democratic structures, becoming a group of builders that has to find
rules of togetherness, of sharing, of a common practice. We are steered by the convictions that
participants are mutually interested in one another, moved by one another, inspired by one another,
sharing practice in order to exercise democracy and agonistic togetherness. We aim at achieving
cultural knowledge by intercultural exchange that goes beyond lip service of cultural policy. In order
to be able to meet with the given challenges and at stakes of the immediate environment and
neighbourhood, we are interested in a context-sensitive practice that integrates local knowledge and
counsel. We want both the process of construction and the constructed building itself to be used
after the building process is over. Our understanding and projection of social, aesthetic, architectural
space aim at sustainability since the buildings should grant access to a multitude of diverse bodies
afterwards: How can we institutionalize the buildings without running the risk to solely administrate it?
To what kind of local and international requirements do we want to find a response? Which kinds of
artistic work are the buildings supposed to bring forth, if at all?
THE CONDITIONS OF BUILDING
Building the building is not subject to preconceived rules, yet conditioned by a set of ethical protocols
we attempt to mutually agree upon:
- process/product are both cause and result of a common learning process in which everyone
is equally regarded to be (not) knowing. Thus we share a working and thinking practice that is
encountered and executed from the same starting point. For we want to start from a ground zero and
attempt at finding out what are the steps to be done to get ahead. Ground zero is not supposed to
dismiss the diversity of knowledge, to the contrary, it is supposed to support diversity for we don’t
conceive of knowledge as personal status.
- we conceive of collaboration as an action without assignment. Doing what is necessary without
neither imposing it nor letting it go. Laissez-faire, often understood as ‚anything goes’ and thus
suspected to be arbitrary, means for us to ‚make doing’. There is an important ethical momentum
which favours the question of ‚what can I do’ rather than ‚what am I SUPPOSED to do’. If the
individual wants to initiate changes h/she is asked to undertake necessary steps instead of waiting for
them to be undertaken. Thus our working space is free of any kind of policing.
- we act on the assumption that creativity is a basic artistic motive that articulates itself in a practice
and willingness to create. It’s this understanding of creativity in the sense of self-empowerment for
action that we advocate with this project.
- production of process and product follow a mutual interest within the participants that is based on
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being willing to understand each other. Mutuality is based upon the attempt at understanding the
other, but not on mutual agreement. To agree or disagree necessitates an attempt at understanding
in the first place. This is subject to negotiations where the conditions of understanding themselves are
subject to scrutiny.
- responsibility stems from responsiveness, in the same way as response stems from responsibility:
shared responsibility does not mean to ask for already given answers, but rather looks for responses.
- we don’t attempt at distinguishing between value-adding or non-value-adding labour. Any process
taking place within these months is part of the building process. Accordingly, we don’t distinguish
between material and non-material work, as we don’t distinguish between result and process of this
work.
The project has already begun. Our first stop at Uferstudios Berlin in March 2013 didn’t only produce
a series of spatial sets or saw intense public encounters; we have also gained physical experience,
manual skills we are now able to apply during our Viennese phase. In general, as knowledge and
experience grow the more people are involved in the project, we are eager to present the project at
diverse institutions and invite them for collaboration. Taking on the concept of a platform, A Future
Archeology is to be developed continuously to become a space of reflection also outside of Berlin,
Vienna, and Cairo since we are convinced that our questions raise translocal interest and gain thus
international relevance.
// BIOGRAFIEN
Silke Bake
Silke Bake, based in Berlin, works as curator and dramaturge. She has worked for diverse festivals
(including Theater der Welt 1999 in Berlin) and institutions (including TAT Frankfurt, Hebbel-Theater
Berlin, Tanzquartier Wien) and developd topic-bound program series for the House of World Culture,
the Academy of the Arts Berlin, and Theaterformen Braunschweig. Together with André Lepecki
(curator), she was responsible for the IN TRANSIT Performing Arts Festival at the House of World
Cultures in 2008 and 2009 – as dramaturge and managing director. She has been involved as a
free-lance dramaturge in various contemporary performance and dance projects, such as with Jana
Unmüssig (D) and Milli Bitterli (A); she is continuously working as a dramaturge and artistic manager
with Anne Juren (F/A) as well as mentor in art educational environments. Together with Peter Stamer
she was the curator of the biennial NU Performance Festival in the cultural capital programm of Tallinn
2011. In 2012 she realised a project on John Cage’s Songbooks at the Academy of the Arts Berlin
in cooperation with the HZT/Inter University Centre for Dance Berlin (together with Reinhild Hoffman,
Kattrin Deufert, Thomas Plischke and Manos Tsangaris) and the first edition of performance platform.
body affects at Sophiensaele Berlin, together with Bettina Knaup.
Igor Dobricic
Based in Amsterdam. Studied dramaturgy at the Academy of Dramatic Arts in Belgrade, (former)
Yugoslavia. Between 1995, and 1999 he worked as a dramaturge for the Belgrade International
Theatre Festival (BITEF). From 1999 onwards he is living and working in Amsterdam. Between
2000 and 2004 he was a student of DasArts. Until December 2008 he was holding a position of
the programme officer for the arts at the European Cultural Foundation. In that role he initiated the
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ALMOSTREAL project platform (www.almostreal.org). He is regularly collaborating as a dramaturge
with a number of choreographers /theatre- & dance makers (Nicole Beutler, Diego Gil, Keren Levi,
Katrina Brown, a.o). For the last three years he has been teaching concept development to students
of the Amsterdam School for New Dance (SNDO). As a research fellow with the Amsterdam School
of the Arts, Igor is realising a long-term research project called „Table Talks“. His professional interests
lie in the exploration of parameters of performative action in-between different fixed production
contexts (theatre and visual arts, professional and non-professional status, individual and group work,
aesthetics and ethics).
Ismail Fayed
Ismail Fayed, based in Cairo, is an arts critic, dramaturge, and writer, with a BA and MA in Political
Science (Cairo University and American University in Cairo). Ismail’s background in Arts History,
Middle East History, Philosophy, Gender, Anthropology and Politics have enabled him to work
in-between the lines and norms of contemporary artistic practices. He has worked with several
choreographers and performers (Adham Hafez/Egypt, Marie AlFajr/France, Pere Faura/Spain, or
Lilibeth Cuenca/Denmark) in productions, performances and research contexts. Ismail creates
texts, blogs, performances, video-lectures. His works have been presented in Cairo, Amsterdam,
Istanbul, Brussels, and Berlin, and he has been published in several languages throughout the past
years. He was the Critic-In-Residence for the KunstenfestivaldesArts in Belgium, Co-Curator of
„TransDance Series“ in Egypt, Arts-Lab Critic and Festival Blogger for the In Transit Festival / Haus
der Kulturen der Welt in Germany. Currently, he’s the Editor of the new publication „CAIROGRAPHY“
that will be the first publication focused on Performance and Choreography Studies in the Arab
Speaking World, translating World renowned critiques into Arabic for the first time.
Adham Hafez
Adham Hafez, based in Cairo, is engaged in practice and theory around rituals, site-specificity, new
choreographic systems, physical dramaturgy, cultural policy and new artistic hybrid forms. Adham
creates dance performances, concerts, lectures, installations, workshops. He has produced a large
body of work through Adham Hafez Company which has been presented in Egypt, the Middle
East and Europe. He holds his MDa degree in Choreography from the Amsterdam Theatre School
(AHK/The Netherlands). He is the founder and program director of HaRaKa, the first movement and
performance research project in Egypt, as well as the artistic director for the „TransDance“ festival
series and the founder of „Cairography“, the first publication in Egypt dedicated to critical writing
on choreography and performance. He is the first Egyptian fellow invited to join the International
Society of Performing Arts ‚ISPA‘ (NY), was awarded First Prize for Choreography by the Cairo
Opera House, Egyptian Ministry of Culture, awarded certificates of Merit and Excellence by the
Bibliotheca Alexandrina, Helwan University, as choreographer and as musician, and is the grantee
of US Leadership Program. He was selected the „Performing Arts Entrepreneur of the Year“ by the
British Council in 2008. Adham is a fellow and member of the International Society of Performing
Arts (New York) and UNESCO‘s International Dance Council (Paris /Athens). Currently, he teaches
contemporary dance and performance theory at the American University in Cairo, and has just
completed the first book in the Arab World ever written on transmission of physical information and
dance education.
Lisa Hinterreithner
Lisa Hinterreithner, freelance artist, born in Salzburg and based in Salzburg and Vienna.
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Latest works: Kollaborateure / system collapse now together with Martina Ruhsam, Amanda Piña
und Valerie Oberleithner premiered in February 2012 at the Tanzquartier Vienna; Here you are, a
site-specific performance in the woods together with Rotraud Kern and Daniel Zimmermann in
the frame of sommerszene salzburg 2011 and the nature-piece tree me tree with Rotraud Kern
and Nils Olger, Tanzquartier Wien. The nomadic performance-installation project POSTERS was
presented in different formats and frames as watch! the poster show in February 2011, Salzburger
Kunstverein, with Philipp Gehmacher, Lisa Hinterreithner, Anne Juren, Amanda Piña, Chris Standfest,
at the Choreographic Platform Austria 2012 in the ÖSTERREICH PAVILLON and together with a new
set of „choreographies on poster“ with Julius Deutschbauer, Andrea Maurer, Linda Samaraweerová,
Doris Stelzer, space by Stepha Rauch in Salzburg in the frame of the Open Mind Festival 2012.
As a dancer and performer she worked with Paul Wenninger, Julius Deutschbauer, Hubert Lepka,
Claudia Heu, Mia Lawrence and Editta Braun. Between 2005 and 2008 she headed the Training &
Workshop programme at Tanzquartier Wien. Hinterreithner is a coproducer of the platform tanzbuero
Salzburg since 2009. Since April 2010 she is also co-heading the platform and off-space nadaLokal
in Vienna. External lecturer at the institute for dance science, Salzburg University.
Peter Stamer
Peter Stamer works as freelance director, dramaturg, curator, and performer in the field of
contemporary performing arts. In his artistic projects, he is foremost interested in exploring conditions
of discursive empowerment within given performative setups. Selection of his projects: Urban
installations HEAD ROOM – YOU ARE HERE – LES BOÎTES – LA CAJA NEGRA (Beijing 2006, Vienna
2006, Lyon 2008, Istanbul 2008, Gijon 2010 [with Daniel Aschwanden]) // Author and performer
of radio-play and performance CHINESE WHISPERS (Vienna 2006/2007, Berlin 2009 [with Daniel
Aschwanden]) // Festival dramaturge and lecturer at Young Choreographers’ Project (Beijing 2007)
// Coaching project ON TIME and ON DRAMATURGY at IMPULSTANZ (Vienna 2007 [with Philipp
Gehmacher], Brussels 2007, Vienna 2009) // Curator of Artistic Block at DASARTS (Amsterdam/Tel
Aviv 2009) // Artistic Director and curator of the dance biennal TANZNACHT BERLIN (Berlin 2008)
& PRACTICE (Berlin 2008) // Mentor and artist-in-residence at APT (Antwerp 2008, Kortrijk 2009)
// Author and director of TV project DRAMA QUEENS (Vienna 2009) // Performative documentary,
installation, and theatre performance of PATH OF MONEY (China 2008/2009, Beijing, Berlin, Vienna,
Salzburg 2009/2010, [with Daniel Aschwanden]) // Host of marathon artistic talk FROM DUSK TILL
DAWN AND FURTHER at Impulstanz (Vienna 2010 [with Silke Bake]) // Curator of and performer
at THE VILLAGE (Berlin 2010) // Performer in dance piece JOY (Plovdiv & Berlin 2011 [WILHELM
GROENER]) // curator of NU Performance Festival (Tallinn 2011 [with Silke Bake]) // artistic codirection and performer in THE BIG EVENT (Vienna 2012 [toxic dreams]) // performance project FOR
YOUR EYES ONLY (Stockholm, Viljandi, Berlin & Vienna 2010-2013) // new project at EMPAC Troy/
New York 2014. www.peterstamer.com
Christine Standfest
based in Vienna. After and during studies of literature, linguistics, gender and cultural studies and
pedagogics in Regensburg, Berlin and Lancashire she turned from political activism to theatre,
performance and theory. Since 1997 she works with theatercombinat and director Claudia Bosse in
Vienna, Berlin, Geneva, Podgorica and other cities, i.e. in Fatzer by Bertolt Brecht, Massakermykene,
Sieben, Anatomy Sade/ Wittgenstein, madcc psukb, Sleep against Düsseldorf, Mauser by Heiner
Müller, Firma Raumforschung, Où est donc le tableau, Palais Donaustadt; from 2006-2009 she
researched and performed in theatercombinat‘s theatrical series Producers of Tragedy. Besides
coaching, teaching (Universities of Leipzig, Bochum, Innsbruck, Vienna) and writing activities, she
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works as a dramaturg with i.e. Barbara Kraus (fuck all that shit, ImPulsTanz 2005) or Peter Stamer
(sans papiers, Dance Congress Berlin; For Your Eyes Only, Vienna/Berlin 2012), dasschaufenster/
Hannes Fishy Wurm, Vienna, Doris Uhlich, Gin/i Müller, Philipp Gehmacher and many others. She
also collaborates with institutions such as Donaufestival/Krems, Tanzquartier Vienna and as a
constant dramaturgical support of the ImPulsTanz - Vienna International Dance Festival. Own works
include Völker.Schlachten.Sprechen, Völkerschlachtdenkmal, Leipzig and others.
Bettina Vismann
Bettina Vismann lives and works in Berlin. She studied architecture and city planning at the TU
Stuttgart, at the Kingston Polytechnic in London and at the ETH, Zurich. After her studies she worked
at the architecture offices Armstrong Associates, London, at Suter&Suter, Sauerbruch and Hutton in
Berlin, with a focus on design and realisation. During teaching activities at the TU Berlin, ETH Zurich
and at AA London, she conceived of diverse exhibition projects. In 1999, she collaborated with
Annemarie Hürlimann on the concept of the exhibition „Fremdkörper“ (alien bodies) at the Deutsche
Hygiene-Museum in Dresden. She showed her work in numerous exhibitions, a.o. at the 9. Biennale
for Architecture in Venice, at the Art Frankfurt in 2002 or contributed to the exhibition OZ, Berlin,
with a walkable spatial installation. Since 2001 she works as freelance architect. Together with Floris
Dreesman, she founded the office DREESMAN VISMANN in 2004 for architecture and interior design.
Next to her architectural practice, Vismann undertakes two long-term research projects on theories of
dust and waste economies.
Kegham Djeghalian
Art historian, designer and stylist. Holds MA from Goldsmith university in visual arts, and BA of visual
arts from AUC in Egypt, with work focusing on bodies in relation to visual representation, construction
of identities, costumes, installations and in relation to objects. Palestinian Armenian, born in Holland,
raised in Egypt, but lives in Paris. He believes space is constructed by people who inhabit it, and
people who inhabit construct it through first constructing themselves through their second-skins,
representations and their personal histories embodied in attire and presence.
Mey Sefan
Choreographer, dancer and cultural organizer. After studying classical ballet in Damascus (19881998), she continued her education in contemporary and classical dance at Frankfurt’s high school
for music and dramatic arts in Germany. Sefan was a member of the administration office of dancers
and dance groups in Nuremberg until August 2008, where she was also one of the organizers of the
dance festival „Nürnberg tanzt 2008“. She is a founder of several festivals and educational facilities in
Damascus. Since the Syrian revolution has turned into a war, Mey Sefan no longer works in Syria.
Mariam Sadik
Performance artist and painter. Holds BA in visual arts from the American University in Cairo, and
studied dance and performance history as well during her university years. Performed her work
in Egypt and the States, creating performances dealing with national identities, political realities,
representation of women in the arts, the framing of Arabness in art. Her work is often raw and
unedited.
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// IMPULSTANZ BUCHPRÄSENTATION
// MEETING WITH AKRAM KHAN AND GUY COOLS
Der britische Choreograf Akram Khan und Dramaturg und Autor Guy Cools sprechen über Khans
neues Stück „iTMOi“ und Cools Booklet-Edition „Body:language #1-7“.
Body:language #1-7“: Artist Talks by Guy Cools with Sidi Larbi Cherkaoui, Akram Khan, Tim
Etchells, Jonathan Burrows, Matteo Fargion, Dana Caspersen, Rosemary Butcher and Alain Platel.
Gespräch und Buchpräsentation: 20. Juli, 19.30 Uhr, Halle E Foyer Museumsquartier
// ABOUT body:language #1-7
body:language #1-7 is the publication of a series of public conversations in which choreographers
and artists consider the role of the body in their work. Curated by writer and dramaturg Guy
Cools, the discussions focus not only on the human form in dance and live performance, but also
how artists’ understanding of it relates to other fields, such as philosophy, science, medicine,
anthropology and other arts. The series and the publication were commissioned by Sadler’s Wells
in London as part of their Jerwood Studio research programme. Thusfar it includes talks with Sidi
Larbi Cherkaoui, Akram Khan, Rosemary Butcher, Jonathan Burrows and Matteo Fargion, Dana
Caspersen, Tim Ethcells and Alain Platel.
For the book launch at Impulstanz there will be a new conversation with Akram Khan focusing on his
new creations, Desh and Itmoi (In the mind of Igor) that are both presented at the festival.
Guy Cools is a dance dramaturg and Associate Professor for dance studies at the Fontys
Hogeschool voor de Kunsten in Tilburg in Holland. Having previously worked as a dance critic
and curator and policy maker for dance in Flanders, he is now dedicating himself to production
dramaturgy, contributing to work by choreographers all over Europe and Canada. He also regularly
lectures and publishes, and has developed a series of workshops that aim to support artists and
choreographers in their creative process.
// BIOGRAFIEN
Guy Cools
Guy Cools wurde 1964 in Antwerpen (BE) geboren.
Nach seiner Ausbildung zum Dramaturgen, wurde Guy Cools in den 1980-er Jahren mit den
Entwicklungen von Tanz in Flandern konfrontiert, ursprünglich als Tanzkritiker und ab 1990 als
Tanz- und Theaterregisseur beim Arts Centre Vooruit in Gent.
Als Vizepräsident des Tanzrates setzte er sich für den Tanz in der flämischen Kulturpolitik ein. Er
kuratierte Tanzveranstaltungen in Frankfurt, Düsseldorf, Venedig und Montreal. 2002 verließ er
Vooruit, um sich gänzlich der Dramaturgie zu widmen und arbeitete mit Koen Augustijnen – Lisi
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Esteras, Les Ballets C. de la B. (BE), Sidi Larbi Cherkaoui (BE), Anabel Schellekens (BE), Lia Haraki
(CY), Danièle Desnoyers (CA), Akram Khan (UK), Christopher House, Toronto Dance Theatre (CA)
zusammen. Seit 2010 ist er Dramaturg am Danshuis Station Zuid in Tilburg (Holland), und seit 2011
Dozent an der Fontys Hogeschool voor de Kunsten.
Zusammen mit Lin Snelling und Ginelle Chagnon entwickelte er eine Workshopreihe für die Förderung
des kreativen Arbeitsprozesses von KünstlerInnen und ChoreografInnen im speziellen. Er unterrichtet
und publiziert in Belgien, Kanada, England, Deutschland, Holland, Griechenland und Zypern.
Repeating Distance ist sein Debut als Tänzer.
Akram Khan
Akram Khan is one of the most acclaimed choreographers of his generation working in Britain today.
Born in London into a family of Bangladeshi origin, he began dancing at seven and studied with the
renowned kathak dancer and teacher Sri Pratap Pawar.
Khan began presenting solo performances of his work in the late 1990s, maintaining his commitment
to classical kathak as well as developing modern work. He was Choreographer-in-Residence and
later Associate Artist at the Southbank Centre London. Khan is currently an Associate Artist of MC2:
Grenoble and Sadler‘s Wells, London in a special international co-operation.
DESH (2011), Khan‘s first full-length contemporary solo, is a part-autobiographical work which is at
once intimate yet epic. Khan‘s latest contemporary ensemble work Vertical Road (2010) and recent
creation Gnosis (2009), where he combined his classical Indian and contemporary dance roots,
received critical acclaim and continue to tour worldwide.
Khan‘s notable company works are bahok (2008), originally produced in collaboration with National
Ballet of China; Variations (2006), a production with London Sinfonietta in celebration of Steve Reich’s
70th birthday; ma (2004), with text by Hanif Kureishi; Kaash (2002), a collaboration with artist Anish
Kapoor and composer Nitin Sawhney.
Besides his company work, Khan also created duets: In-I (2008) with Oscar-winning actress Juliette
Binoche, Sacred Monsters (2006) with internationally acclaimed dancer Sylvie Guillem, and awardwinning zero degrees (2005) with Sidi Larbi Cherkaoui in collaboration with Antony Gormley and Nitin
Sawhney.
In 2006 Khan was invited by Kylie Minogue to choreograph a section of her Showgirl concert, which
opened in Australia in November that year. He has also been chosen to choreograph a section of the
London 2012 Olympics Opening Ceremony.
Khan has been the recipient of numerous awards throughout his career including the Laurence Olivier
Award, the prestigious ISPA (International Society for the Performing Arts) Distinguished Artist Award,
South Bank Sky Arts Award, UK Critics‘ Circle National Dance Award and The Age Critics’ Award
(Australia).
Khan was awarded an MBE for services to dance in 2005. He is also an Honorary Graduate of
Roehampton and De Montfort Universities, and an Honorary Fellow of Trinity Laban.
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| 371
Guy Cools @ ImPulsTanz
Research Projects
2012
2008
Coaching Project: „Standup PerformDance“
Coaching Project: „Repeating Distance“
Akram Khan @ ImPulsTanz
Performances
2011
2008
2003
2002
2001
2001
2001
2001
Akram Khan Company
„Vertical Road“ (Choreographer)
Akram Khan Company & National Ballet of China
„bahok“ (Choreographer)
ImPulsTanz ON SCREEN: Akram Khan
Akram Khan Company
„Kaash“ (Choreographer, Dancer)
Akram Khan Company
„Half And Nine“ (Choreographer, Dancer)
Akram Khan Company
Akram Khan Company
„Loose in Flight“ (Choreographer, Dancer)
Akram Khan Company
„Fix“ (Choreographer, Dancer)
Research Projects
2004
2001
Coaching Project: „The Dancer The Actor And The Musician“
Coaching Project: „Kathak -Meltdown“
| 372
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// IMPULSTANZ AUSSTELLUNG
GEORG BLASCHKE & LAURENT ZIEGLER
„GRAS“ (INSTALLATION)
(AT)
11. JULI - 11. AUGUST | AN SPIELTAGEN EINE STUNDE VOR VORSTELLUNGSBEGINN
ODEON | EINTRITT FREI
Georg Blaschke @ ImPulsTanz
Performances
2012
2009
2005
Programme II + III
„Your Dancer. Ein somatisches Portrait von Liz King“ (Choreographer)
Georg Blaschke
„Jetzt bist du dran“ (Choreographer)
Georg Blaschke/Pilottanzt
„12manandawomanwaltzes / i feel sick“ (Choreographer)
Workshops
2012
2011
2010
2009
2008
2007
2006
2005
„present body / narrative body“
„Trainings-Lab Feldenkrais|Contemporary“
„Functional Expressivity“, „Trainings-Lab Feldenkrais|Contemporary“
„Physical Theatre Training“, „Trainings-Lab Feldenkrais|Contemporary“
„Physical Theatre Training“
„Contemporary Techn.“
Laurent Ziegler @ ImPulsTanz
Workshops
2012
„Living Sculptures - Bilder des Augenblicks“ (6-10 Jährige)
| 373
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GEORG BLASCHKE & LAURENT ZIEGLER
„GRAS“ (INSTALLATION)
(AT)
11. JULI - 11. AUGUST | AN SPIELTAGEN EINE STUNDE VOR VORSTELLUNGSBEGINN
ODEON | EINTRITT FREI
// ABOUT GRAS
Der Körper wird zum Untergrund, zum Boden für serielle Anordnungen und Überlagerungen
organischer Substanzen ... ein anziehendes Spiel zwischen Fotografie, Choreografie und Aktion. Fünf
lebensgroße Abbildungen des Tänzers und Choreografen Georg Blaschke in einer von ihm und dem
Fotokünstler und Performer Laurent Ziegler eigens für ImPulsTanz entwickelten Installation.
*****
The body becomes the ground for choreographic structures and amazing overlaps with organic
substances ... an astonishing interplay between photography, choreography and action. Five
lifesize images of the dancer and choreographer Georg Blaschke situated in an ongoing installation
especially developed for ImPulsTanz #30 together with photographer and performer Laurent Ziegler.
GRAS ist das erste Projekt einer Serie von Raumokkupationen 2013 unter dem Titel the balanced
room. Eine Produktion von M.A.P. Vienna - Movement Art Programmes Vienna, mit freundlicher
Unterstützung von Wien Kultur, BMUKK und ImPulsTanz.
// BIOGRAFIEN
Georg Blaschke
Georg Blaschke lebt in Wien und arbeitet als freischaffender Choreograf, Tänzer und Tanzpädagoge
im In- und Ausland. Seine Tätigkeiten als Tanzlektor besonders in den Bereichen Contemporary
Dance Technique und Movement Research folgen Einladungen von international renommierten
Festivals, Hochschulen und Workshops für Tanz.
Als Performer und Produzent eigener Arbeiten hat er über mehrere Jahre hinweg seine signifikante
choreografische Sprache konsequent weiter entwickelt und in unterschiedlichen Formaten von
Kollaborationen erfolgreich präsentiert. Die aktuelle Choreografie „figure 5“ setzt diese Sprache
in Beziehung zu phänomenologischen Überlegungen über Raum und Skulptur, ausgehend vom
bewegten Körper, fort.
Aktuelle Arbeiten:
„figure 5“
„Your Dancer.“ / ein somatisches Porträt von Liz King
„On the Platform With My Father“ / Soloperformance
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| 374
Laurent Ziegler
Laurent Ziegler wurde 1968 in Wien geboren und absolvierte seine Tanzausbildung bei Spiral[e]
in Wien. Er unterrichtet Kinder und Jugendliche seit 2003 und ist als freier Fotograf mit einem
Schwerpunkt auf Tanz und Performing Arts tätig. Laurent interessiert sich für die Schnittstelle
zwischen Performance und Dokumentation und sucht den Austausch mit TänzerInnen und
MedienkünstlerInnen – u.a. mit Akram Khan, Ko Murobushi, Georg Blaschke und Victoria Coeln. In
der Arbeit mit Kindern geht es Laurent um einen spielerischen, natürlichen Zugang zu Bewegung und
dem Erzählen von Geschichten - auf der Bühne wie im öffentlichen Raum.
| 375
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// IMPULSTANZ ZWISCHENSPIEL
LUX FLUX (AT)
„DEINE DICH LIEBENDE VALESKA“
DAS LUX FLUX PROJEKT ZU VALESKA GERT (BAND 5)
26. + 30 JULI | 19.00 UHR | SCHREYVOGELSAAL
01. AUGUST | 19.00 UHR | SCHREYVOGELSAAL
Inge Kaindlstorfer @ ImPulsTanz
Performances
2000
1999
1998
1997
1989
LuxFlux - Saira Blanche Theatre - KV
„CAKP. Einladung an Nijinski“ (Choreographer)
LuxFlux - Saira Blanche Theatre
„Wahlverwandtschaften“ (Choreographer)
LuxFlux - Saira Blanche Theatre
„Neznajka „(Choreographer)
LuxFlux
„Narzissenhörner, Haremsfallen“ (Choreographer)
CHOREOGRAPHISCHE WERKSTATT WIEN
FINALE DER CHOREOGRAPHISCHEN WERKSTATT WIEN
„Ein Stück in Arbeit 2 - Von Frauen und Männern“ (Choreographer)
Workshops
2012
2011
2010
2009
2005
2004
2002
„Kreativer Kindertanz“ (4-6 Jährige), „Tanzküche“ (7-10) Jährige)
„Kreativer Kindertanz“ (4-6 Jahre)
„Kreativer Kindertanz“ (4-6 J.), „Kreativer Kindertanz“ (6-9 J.)
„Kreativer Kindertanz“ (4-6 J.), „Kreativer Kindertanz“ (6-9 J.)
„Laboratory for improvisation“
„Solo Improvisation“
„Improvisation/Labor“
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LUX FLUX (AT)
„DEINE DICH LIEBENDE VALESKA“
DAS LUX FLUX PROJEKT ZU VALESKA GERT (BAND 5)
26. + 30 JULI | 19.00 UHR | SCHREYVOGELSAAL
01. AUGUST | 19.00 UHR | SCHREYVOGELSAAL
Konzept
DarstellerInnen
Choreografie
Dramaturgische Begleitung
Produktion
Organisation
Jack Hauser, Inge Kaindlstorfer
Inge Kaindlstorfer, David Ender
Inge Kaindlstorfer
Jack Hauser
Lux Flux
Im_flieger und Lux Flux
Projekt von Lux Flux in Kooperation von Im_flieger
Wir bedanken uns beim Institut für Theater-, Film- und Medienwissenschaften für die freundliche
Unterstützung.
// ABOUT „Deine dich liebende Valeska“
Die Wiener Performancegruppe Lux Flux – Inge Kaindlstorfer, David Ender & Jack Hauser – widmet
sich seit einiger Zeit einer der aufregendstenTanzavantgardistinnen der 1920 Jahre: Valeska Gert. In
einer außergewöhnlichen Bespielung des historischen Schreyvogelsaals, für gewöhnlich Seminarraum
des Instituts für Theater-, Film- und Medienwissenschafter der Uni Wien im Herzen der Hofburg,
präsentieren sie „Band 5: Deine Dich liebende Valeska“ – ein Portrait-in-Dauer, das schonungslos
vom Gespenst Valeska Gerts befeuert wird!
*****
Das Projekt zu Valeska Gert
Von und mit Inge Kaindlstorfer, David Ender & Jack Hauser
Die erneute Beschäftigung mit der Choreographin und Tänzerin Valeska Gert (1892-1978), die mit
„Ziegenstall Headquarters“ (1994) begann, führte zu einem Projekt mit verschiedenen Stationen, bei
denen unterschiedliche Aspekte beleuchtet werden. Es gibt also nicht eine Fassung des Stückes, die
immer wieder aufgeführt wird, sondern das Werk erscheint wie ein Comic-Strip in mehreren Bänden.
•
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•
•
Lux Flux baut einen Comic Strip aus dem Werk Valeska Gerts (aus Fotos, Filmausschnitten
und ihren Texten als Grundlage des Plots).
Lux Flux navigiert dabei durch die Wirklichkeit der Umwege und der Geschmacklosigkeit,
durch das Gebrochene, Gewöhnliche, Vulgäre, Banale, das Ausgeblendete und
das Unbenannte.
Lux Flux macht Kunst als Comic als Anschauungsmaterial, ohne Erlösung anzubieten. Nun
können neue Berührungen entstehen.
Lux Flux untersucht die Hierarchien der Wahrnehmungsebenen.
Lux Flux hat sich in diesen Prozess eingezeichnet, der schonungslos vom Gespenst Valeska
Gerts befeuert wird.
| 377
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•
Lux Flux improvisiert auch für andere Lebewesen.
Band 1: „comic für valeska“, April 2012, im_flieger, Wien
Zum Einstand eine Doppelfolge. Deutliche Vorstellung der Protagonisten, mit harter Feder,
Spitzlichtern und vorsichtiger Färbung gezeichnet. Quasi eine Vorstellung des Gesamtwerks.
Band 2: „solo mit vanessa“, Mai 2012, im Rahmen von Tanz*Hotel all inclusive, Theater Nestroyhof
Hamakom, Wien
Feature in einem anderen Magazin, mit kräftigen Farbseiten. Nach außen gerichtete Groteske spinnt
sich als undurchsichtiger Faden kreuz und quer, um dem Leser den Weg ins Labyrinth zu erleichtern.
Die theatrale Fassung.
Band 3: „wie steht mir tod?“, Juli 2012, Essl Museum, Klosterneuburg
Viele Aspekte einer Bewegungssequenz werden bei der Darstellung durch mehrere Personen in
ihrer Unterschiedlichkeit erst sichtbar; Inhalte werden verdichtet, vereinzelt und herausgeschält. Die
ritualhafte Wiederholung nimmt den äußeren Schein und gibt den Blick auf tiefere Schichten frei. Ein
Daumenkino mit volleren und leereren Seiten.
Diese Folge mit: David Ender, Inge Kaindlstorfer, Jack Hauser, Eleonore Rabitsch, Heinz Trattner, Julia
Geldner, René Geldner, Elisabeth Zimmermann, Angela Püskül, Flora Diviak, Vivian Frey, Katharina
Weinhuber, Susanne Gökcen, Anna Grüssinger, Marcella Pascal, Gina Battistich
Band 4: „vanessa trifft valeska“, März 2013, PORT, Wien
Action, aber auch viel Text in der neuen Ausgabe. Valeska oder Vanessa begegnet der jeweils
anderen und findet dadurch die Kraft, sich in einer denkwürdigen Battaglia dem Gert zu stellen.
// BIOGRAFIEN
Inge Kaindlstorfer
1963 in Wien/Österreich geboren
1981–1986 Tanzausbildung in zeitgenössischen Tanztechniken und Improvisation in Wien und New
York
1986–1992 Gesangsunterricht
1988–1994 Ausbildung in Biodynamischer Körperpsychotherapie und Psychoposturaler Integration
u.a. bei Gerda und Ebbah Boyesen
2002–2005 Fortbildung in Cranio Sacraler Therapie
seit 1985 kontinuierliche Unterrichtstätigkeit und Seminarleitung in Körperarbeit, Tanz und
Improvisation in Wien, Rußland, Portugal, Kap Verde, USA und Rumänien, u.a. bei den Wiener
Internationalen Sommertanzwochen
1986–1994 zahlreiche Performances und Auftritte bei verschiedenen Festivals in Wien, Schweiz,
Belgien, Holland und England mit Panta Rhei Theater
1993–1996 Mitglied des Improvisationsensembles Damen-Improvisation, diverse outdoor- und
indoor-Performances in Wien und Österreich
1996-2000 Gemeinschaftsprojekte Lux Flux & Saira Blanche Theatre (Rußland)
seit 1994 künstlerische und tänzerische Forschungen mit Lux Flux: Projekte und Performances
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bei verschiedenen Festivals in Wien (u.a. ImpulsFestival `97 und `98, Wiener Festwochen `99 und
tanz2000.at), Österreich, Moskau und St. Petersburg/Russland, Odessa/Ukraine, Polen, Tschechien,
Kroatien, Slowenien, Deutschland, Lissabon/Portugal, Kap Verde, Budapest/Ungarn, New York/USA
und Bukarest/Rumänien.
Jack Hauser
1958 born in Horn.
1983–86 Studium elektroakustischer Musik.
Gründungsmitglied von lux flux.
Redaktionsmitglied von www.corpusweb.net
Kollektive, kooperative und choreographische Projekte:
Milli Bitterli, David Ender, Karlheinz Essl, Sabina Holzer, Barbara Kraus, Elke Krystufek, Markus
Schinwald, Simon Wachsmuth, u.a.
Publikationen (Auswahl):
2002 Luther Blissett: The Invisible College, edition selene
2003 David Ender & Jack Hauser: Myriam van Doren, edition selene
2005 The Secret Service: SECRET SERVICE, springerin
2006 Jack Hauser: Der Name. Die Hülle. Das Abenteuer. Eigenverlag
Experimentelle Arbeiten mit diversen Medien (Werkauswahl):
2001 Jahresperformance „Art from and inspired by the Open Pop Star Luther Blissett/Expanded
Cinema“//All over the world
2002 „Banditengesänge“ in der Ausstellung „say hello - wave goodbye“//Galerie Hohenlohe & Kalb
2003 „Miryam van Doren – 40 Days of Expanded Now Fiction w/Appendices“ (23. Juni – 01. August
2003)//Wien
2004 „25.05.1988 Wien 13 Uhr/John Cage“ als DVD-Installation für die Sammlung Essl//
Klosterneuburg.
2005 Ausstellung „Jack Hauser: Der Name. Die Hülle. Das Abenteuer.“//Lentos Kunstmuseum Linz.
2006 „Singing/A Chance To See Tenderness“ mit David Ender & Sabina Holzer//Lentos
Kunstmuseum Linz.
2007 „LIVE (Possession & Poetry Part 2)“ mit Sabina Holzer/Machfeld/Martin Siewert//TQWien.
David Ender
Geboren in Wodonga, lebt in Wien als Musiker, Komponist, Performer, Improvisator, Schriftsteller,
Übersetzer und Verfasser von technischen und Software-Handbüchern.
War oder ist Mitarbeiter und/oder war oder ist Mitbegründer von:
Freier Puls (1978–81), Jack Hauser (Zusammenarbeit in Text, Musik, Bild und Performance seit
1984), F.Wake (1984–1989), Ent-Art Orckesta (1986–87), Miki Malör (seit 1991), Lux Flux (seit 1994),
Damen-Improvisation & Herren-BIGbäng (1995–2000), tiefe Töne (seit 1998), Stoned Genies (seit
2000), Baitrunner (seit 2001), brpobr (2007), Westbahnhof Gitarrenquartett (2007).
Kooperationen und gemeinsame Performances mit Saira Blanche Theatre, Bilderwerfer, Andrea Bold,
Sabine Sonnenschein, Barbara Kraus, Oleg Soulimenko, Annette Pfefferkorn, Katharina Weinhuber
und einigen anderen.
| 379
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// PRESSESTIMME
Helmut Ploebst
Der Standard
23. April 2012
Die Kunst des Handelns mit Valeska
Michikazu Matsune & Paul Wenninger im Tanzquartier und Lux Flux bei Im_Flieger
Wien - Mit viel Inszenierung versucht das Infotainment in TV und Internet, aus der Realität eine
Fiktion zu machen. Im zeitgenössischen Tanz passiert gerade das Gegenteil. Da wird die Wirklichkeit
durch Arbeit an der Erfindung wiederhergestellt. Das jedenfalls verbindet die Installation Villareal von
Michikazu Matsune und Paul Wenninger mit einem choreografischen Comic für Valeska der Gruppe
Lux Flux.
Villareal im Tanzquartier Wien: Jedem der etwa 20 Besucher wird ein Platz auf der Bühne
zugewiesen. Auf einer Kloschüssel zum Beispiel oder in einem Auto, hinter Musikinstrumenten, auf
einem Siegerpodest. Eine Stimme vom Band listet Verschiedenheiten unter den Menschen auf, in
wertungsfreier Nüchternheit. „Manche Leute gehen rückwärts. Manche schneiden Zwiebeln. Manche
Leute spielen Trommel, als würde heute die Welt untergehen.“
Manche Leute, das sind wir. Auf die Liste folgt eine Komposition aus Sounds und Lichtwechseln. Alle
Besucher kommen ins Scheinwerferlicht. Aus der Kloschüssel quillt Theaterrauch. Schwer, da sitzen
zu bleiben. Also wechselt der umnebelte Zuschauer zu einer Hängeschaukel. Das ist es. Wir könnten
etwas tun, aber wir sind nicht unbefangen genug.
Man fürchtet, sich zu blamieren, denn Kunst ist ein unsicheres Terrain. Alles Mögliche kann
passieren, wenn der Theaterraum zur schwer einschätzbaren Umwelt wird, mit jedem Anwesenden
zu spielen beginnt und die Fiktion so zur Realität macht. Kaum haben wir einigermaßen gelernt, uns
im Cyberspace zu bewegen, schon lädt die Performance zur Navigation im Realraum ein. Am Ende
ist Villareal das, was das Sample an Besuchern der inszenierten Struktur dazugibt - ein Lächeln, eine
Geste, ein Gitarrenriff, ein Orts- oder Blickwechsel. Eine Kunst des Handelns.
Zu einer solchen macht bei Im_Flieger das Wiener Lux-Flux-Kollektiv die Bildergeschichte. Comic
für Valeska ist die Übersetzung der Geschichte der legendären deutschen Grotesktänzerin und
Kabarettistin Valeska Gert (1892-1978) in ein choreografisches Geschehen. Inge Kaindlstorfer
verkörpert die Ausnahmekünstlerin dabei mit einer offensiven Expressivität, wie sie seit Jahrzehnten
auf der Tanzbühne ein absolutes No-Go gewesen ist.
Nichts ist heute so tot wie der Ausdrucksschwulst alter Schule. Aber Gert galt in ihrer Radikalität
als singuläre, unpathetische Erscheinung und eignet sich heute ganz offensichtlich wieder als
Projektionsfläche. Lux Flux nutzt Gert zur Untersuchung des Abweichenden und Aberwitzigen im
Verhalten des Performers. Meisterhaft zieht Kaindlstorfer zusammen mit David Ender und Jack
Hauser ihre Figur herüber in die Gegenwart. Dabei achtet das Trio streng auf witzige Einmischungen:
Josephine Baker schwindelt sich herein, und Gert als Comicfigur kann es sich leisten, den Hexentanz
der Mary Wigman zu persiflieren, bevor Jack Hauser im Boden versinkt.
Mit diesem „ersten Band“ ihres Performance-Comic hat die Gruppe Lux Flux, die in den 1990ern eine
der wichtigsten Formationen der avancierten choreografischen Performance war, wieder ein kräftiges
Lebenszeichen von sich gegeben. Band 2 wird im Mai bei Tanz*Hotel im Nestroyhof aufgeblättert.
| 380
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TANZ COMPANY GERVASI (AT)
„SOLO WITH GUESTS (PART 2)“
11. + 12. OKTOBER | 20.00 UHR | ODEON
Tanz Compagnie Gervasi @ ImPulsTanz
Performances
2012
2012
2008
2007
2005
2003
1995
„tracce-in“ ImPulsTanz Special 2012 (Choreographer & Dancer)
„Erinnern und Vergessen“ ImPulsTanz Special 2012 (Choreographer & Dancer)
„Seikes“ (Choreographer)
„EXIT 2-4-1“ (Choreographer)
Tanz Company Gervasi / Catherine Guerin
„Fuga-ce“ (Choreographer)
„12-seny-6“ (Choreographer)
DANCE COMPANY ELIO GERVASI
„Il Cortile“ & „Schemata“ (Choreographer)
Workshops
2012
2011
2008
2007
2006
2005
2004
2003
2002
2000
1999
1998
1997
1996
1995
„Moderner Tanz“ (Golden Age)
„Modern Dance“
„Moderner Tanz“ (G.A.)
„Moderner Tanz“ (G.A.), „Relaxation/Revitalization/Dance“
„Moderner Tanz“ (G.A.), „Relaxation/Revitalization/Dance“
„Intro to Modern“, „Relaxation/ Revitalisation/Dance“
„Intro to Modern“, „Relaxation/Revitalisation/Dance“
„Introduction to Modern“, „Modern Technique“, „Relaxation/Revitalization/Dance“
„Moderner Tanz“, „Relaxation/Revitalization/Dance“
„Modern Dance“
„Modern Dance“, „Relaxation, Revitalization, Dance“
„Modern Dance“
„Moderner Tanz“
„Moderner Tanz“
„Modern Technique“, „Contemporary Technique“
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TANZ COMPANY GERVASI (AT)
„SOLO WITH GUESTS (PART 2)“
11. + 12. OKTOBER | 20.00 UHR | ODEON
Konzept und choreografische Leitung
Tanz und Choreografie
Elio Gervasi
Leonie Wahl, Yukie Koji, Elio Gervasi, Hannah Timbrell,
Patric Redl, Raymond Liew, Jin Pin, Sara Marin
// ABOUT „Solo With Guests (Part 2)
Diese neue Arbeit von Elio Gervasi mit sieben TänzerInnen beschäftigt sich mit Ordnung und Chaos:
Was passiert, wenn unsere im Einzelnen mühevoll entwickelten Ordnungsmuster sich zueinander
chaotisch verhalten?
*****
Einen geregelten Zustand zu suchen, oder sich in einer Ordnung wiederzufinden, ist ein menschliches
Grundbedürfnis, eine Überlebensstrategie. Das Chaos soll einschätzbar und handhabbar gemacht
werden, bricht aber dennoch immer wieder über sämtliche Disziplinierungsversuche hinweg aus. Der
Versuch, Regelmäßigkeiten herzustellen, impliziert gewöhnlich die Hoffnung auf ein ausschließbares
Chaos. Die gefundenen Ordnungsmuster jedoch verhalten sich ihrerseits oftmals chaotisch
zueinander.
// BIOGRAFIE
Elio Gervasi
Elio Gervasi absolvierte sein Ballettstudium am Centro Nazionale Di Danza Classica in Rom. Seine
moderne Tanzausbildung führte ihn zu Peter Goss nach Paris, Merce Cunningham und Susanne
Linke. An der von Germaine Acogny geleiteten Mudra-Schule in Senegal studierte er Traditionellen
Afrikanischen Tanz. Eine langjährige Zusammenarbeit verbindet ihn mit Bob Curtis, in dessen
Compagnie er über sieben Jahre als Solist und choreografischer Assistent tätig war. Beim Film ist vor
allem seine Mitwirkung an den Fellini-Filmen „Ginger e Fred“ und „La Nave Va“ hervorzuheben.
1987 gründete Elio Gervasi seine eigene Tanzcompagnie in Wien, die sich durch ihre kontinuierliche,
stilbildende Arbeit auszeichnet, wiederholt Preise gewann und als ein bedeutender Bestandteil der
heimischen zeitgenössichen Tanzszene gilt. Zu seinen bekannten Stücken zählen: „Spazio Sei“
(1991), „Il Cortile“ (1994), „Der Feigenbaum“ (1997), „Crash Control“ (2001, 2002) „12-seny-6“ (2003),
„Fuga-Ce“ (2003), „7interiors“ (2004), „exit-2-4-1“ (2007), „F“ (2010) u.a. Als Gastchoreograf schuf er
Werke für das Staatsopernballett in Wien und für Compagnien im In- und Ausland.
| 382
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// IMPULSTANZ WORKSHOPS
15. JULI
BIS
09. AUGUST
Sherapy, Songs of Horror, Popping oder Schuhplattln, Folks!... zeitgenössischer Tanz in seiner
ganzen Vielfalt lässt sich bei der 30. ImPulsTanz-Ausgabe über vier Wochen lang in über 200
hochkarätigen Workshops & Researchprojekten entdecken: am besten mit dem eigenen Körper und
unter der Regie der weltweit Besten ihres Faches!
ImPulsTanz Workshops 2013 | die Studios
Arsenal / Art-for-Art-Werkstätten und Probebühnen des Wiener Burgtheaters | dancearts studio
| Dschungel Wien | MuTh Augarten | Tanzquartier Studios | Probebühne des Akademietheaters |
Probebühne der Volksoper Wien
ImPulsTanz Workshops 2013 | die Themen
How to sit at a desk, work at a computer and maybe even enjoy it! | Tanz*Architekten | Dancing like
water | Ruhestandstanz | A Surprised Body | Living Sculptures | Your Own Best Teacher | Ultima Vez
Vocabulary | West Coast Style | Dance for Health | Yoga Teacher Training | Becoming Animal | Sein
kann alles…
Internationales Flair zieht am 14. Juli ins Wiener Arsenal ein, wenn ImPulsTanz-DozentInnen zur
Workshop-Eröffnungsveranstaltung «impressions ‘13» live zu den Rhythmen westafrikanischer
Trommeln oder argentinischer Tangobeats erste Einblicke in ihre Kurse geben. Bei freiem Eintritt!
AnfängerInnen vor!.. heißt es in mehr als 80 Workshops speziell für Tanzneulinge. Ob bei
„Voguing“-Ikone Archie Burnett, der schon Madonna als Schülerin hatte, die kantigen Moves der New
Yorker Clubkultur studieren, bei HipHop- und Street-Jazz-Legende Jermaine Browne Ausdruckskraft
und Sinnlichkeit schöpfen oder bei Francesca Harper, der Ballettberaterin zum Kinofilm „Black Swan“,
in die Welt des zeitgenössischen Balletts eintauchen: Make your move!
How to sit too much and maybe even enjoy it? Wie man sich leichter durch den Alltag bewegen
kann, zeigen die SpezialistInnen der BodyWork und Contemporary Departments von ImPulsTanz.
So etwa Fabiana Pastorini, die ihren Workshop „Dance for Health“ auf Grundlage der 5 Elemente
der TCM (Traditionelle Chinesische Medizin) ausrichtet. Leichter wird es manchmal, wenn man mit
der Schwerkraft geht, so das Motto der Myoreflex-Trainerin Kerstin Kussmaul in „Gravity Happens“.
Und größeres Wohlbefinden durch Körperpräsenz versprechen Nicole Berndt-Caccivios Kurse „Full
Presence Ahead“ und „Inspirationen“! Letzterer richtet sich an Bewegungshungrige ab 55+, die sich
im umfangreichen Golden Age Workshop-Programm der puren Freude am Tanz hingeben können:
u.a. mit Elio Gervasi, Doris Uhlich und Mårten Spångberg.
Gestern auf der Burgtheater-Bühne, heute im Arsenal! Wer letztes Jahr das fulminante
Tanzstück „Drumming Live“ von Rosas im Burgtheater gesehen hat, kann sich heuer unter der
Leitung von Marta Coronado das Repertoire dieser Choreografie aneignen. Dass bei ImPulsTanz
auch ein Workshop zu einer Performance führen kann, beweisen zwei Sterne der jüngeren
Tanzgeneration:
| 383
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Doris Uhlich wird mit den WorkshopteilnehmerInnen aus dem Vorjahr ihr Stück „more than naked“ im
Rahmen des 30. ImPulsTanz Festivals zur Premiere bringen und Trajal Harrells diesjährige ResearchProjekt-TeilnehmerInnen zelebrieren am letzten Festivaltag in „Rite of Summer“ den 100. Geburtstag
des „Sacre Du Printemps“ in einem exzessiven Ritual: Mit Make-Up und geheimen Wünschen.
Bollywood Stars, Super(wo)men und Little Yogis erobern die Bühne bei den Workshops und
Ateliers der ImPulsTanz Sommerakademie für Tanz, Performance und Theater für junges Publikum
in Kooperation mit dem Dschungel Wien. Ein eigenes Stück mit Performance-Magier Yosi Wanunu
entwickeln, bei Mareike Dick das eigene Improvisationstalent auf die Probe stellen oder zu den
würzigen Choreografien des Bollywood-Superstars Terence Lewis tanzen; weitere Abenteuer gibt es
in insgesamt 18 Ateliers und Kursen für Kinder und Jugendliche im Alter von 4 bis 20 Jahren.
Darüber hinaus entwickelt der renommierte Choreograf Ives Thuwis mit Jugendlichen ein Stück über
das Phänomen „Liebe“, das am 23. Juli bei ImPulsTanz zur Premiere gebracht wird.
Unter der Leitung des ImPulsTanz-Mitbegründers Ismael Ivo geht mit Biblioteca Do Corpo ein neues
Ausbildungsprojekt für junge professionelle TänzerInnen diesen Sommer an den Start, das am 9.
August im Odeon Theater die Premiere einer in Wien erarbeiteten Choreografie feiert, bevor es auf
Gastspiel-Tournee in Brasilien geht.
Yogafans dürfen sich freuen, wenn die internationale Yoga-Aktivistin Sri Louise nach
Unterrichtstätigkeiten in Indien und den USA nun Wiens erstes „Yoga Teacher Training for Dancers“
bei ImPulsTanz ankündigt. Außerdem für TanzexpertInnen: Das im Bereich zeitgenössischer
Tanzpädagogik weltweit einzigartige Projekt IDOCDE hat eine Onlineplattform zur Dokumentation
von Lehr- und Ausbildungsmethoden im zeitgenössischen Tanz geschaffen und ist im Rahmen von
ImPulsTanz vom 26. bis 28. Juli 2013 Gastgeber des internationalen Syposiums „The return of the
idocs“, das dem einschlägigen Fachpublikum offen steht.
Vom Tahrir-Platz in Kairo über Berlin und Wien zurück nach Kairo spannt sich das von Silke
Bake, Ismail Fayed, Adham Hafez und Peter Stamer initiierte Projekt A Future Archeology, bei
dem europäische und ägyptische Künstler_innen aus den Bereichen Choreografie, Architektur
und Dramaturgie sich über die vier Festivalwochen in Wien ansiedeln, um buchstäblich einen
Produktionsort zu bauen, an dem diese „Gemeinschaft als Test-Run“ Möglichkeiten und Praktiken
von (kultureller) Differenz, Zusammenarbeit und künstlerischem Arbeiten „by doing it“ verhandelt.
Von „FURNISHING THE GROUP über „Wasting Practices“ zu Fragen nach einem „Wir“ und der
De-Konstruktion von Identitäten durch Tanz untersuchen vier ImPulsTanz Coaching Projekte aus
unterschiedlichen Perspektiven Möglichkeiten für die Politik einer differenten Gesellschaft: So
entstehen „Testfelder“, eingebettet in das kreative Baugeschehen. Zu diesem Projekt sind alle
BürgerInnen Wiens und die internationale Festivalcommunity eingeladen!
| 384
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// IMPULSTANZ WORKSHOPS
15. JULI
BIS
09. AUGUST
ERÖFFNUNG «impressions ‘13»
Opening Lecture
14. Juli, 16:00 • Arsenal
ABSCHLUSS «expressions ‘13»
Final Student Showing
10. August, 16:00 • Arsenal
Workshop-Phasen
Week1:
15. - 19. Juli
Intensive1: 20. + 21.Juli
Week2:
22. – 26. Juli
IDOCDE:
27. – 28. Juli
Week3:
29. Juli – 2. August
Intensive3: 03. + 04. August
Week4:
05. – 09. August
Workshop Info & Anmeldung:
www.impulstanz.com/workshops/
| 385
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// DOZENTINNEN UND DOZENTEN
WORKSHOPS 2013
Russell Adamson (FI/UK)
Paola Aguilera (AT/DE)
Joe Alegado (CZ/US)
Alito Alessi (US)
Adriana Almeida Pees (AT/BR)
Daniela Amoroso (BR)
Laura Arís Alvarez (BE/ES)
Ziya Azazi (AT)
Iñaki Azpillaga (BE/ES)
Thierry Baë (FR)
Susanne Bentley (BE/NZ)
Adam Benjamin (UK)
Nicole Berndt-Caccivio (DE/CH)
Georg Blaschke (AT)
Adriana Borriello (IT)
Brahms “Bravo“ LaFortune (US)
Jermaine Browne (UK/US)
Archie Burnett (US)
Jonathan Burrows (BE/UK)
Maya Matilda Carroll (DE/IL)
Bruno Caverna (GR/BR)
Gabriella Cimino (AT/IT)
Shannon Cooney (DE/CA)
Aitana Cordero Vico (NL/ES)
Marta Coronado (BE/ES)
Andrew De Lotbinière Harwood (CA)
Mareike Dagmar Dick (AT/DE)
Ivo Dimchev (BE/BG)
Zoi Dimitriou (UK/GR)
Daybee Dorzile (DE/FR)
Defne Erdur (TR)
Laia Fabre (AT/ES)
Matteo Fargion (UK/IT)
Libby Farr (DE/US)
Frey Faust (DE/US)
Gabriel Francisco-Medvin (PL/US)
Salim Gauwloos (US/BE)
Elio Gervasi (AT/IT)
Zvi Gotheiner (US/IL)
Jared Gradinger (DE/US)
GUEM (FR)
Ákos Hargitay (AT/HU)
Saju Hari (UK)
Francesca Harper (US)
Jack Hauser (AT)
Keith Hennessy (US/CA)
Jassem Hindi (FR/SA)
Ismael Ivo (DE/BR)
Damien Jalet (BE/FR)
Peter Jasko (BE/SK)
German Jauregui (BE/ES)
Inge Kaindlstorfer (AT)
Thomas Kasebacher (AT)
Martin Keogh (MX/US)
Matej Kejzar (BE/SI)
Kira Kirsch (US/AT)
Koffi Kôkô (FR/BJ)
Gia Kourlas (US/GR)
Sascha Krausneker (AT)
Kerstin Kussmaul (AT/DE)
Karine LaBel (AT/HT)
Benoît Lachambre (CA)
Corinne Lanselle (FR)
Charmaine LeBlanc (CA)
Leech (AT)
Terence Lewis (IN)
Nita Little (US)
Anouk Llaurens (BE/FR)
Sri Louise (US)
Mamadou M‘ Baye (DE/SN)
Malcom Manning (FI/UK)
Veronika Mayerböck (AT)
Gilsamara Moura (BR)
Ko Murobushi (JP)
Kevin E. Osenau (AT/DE)
Rasmus Ölme (SE)
Franca Pagliassotto (IT)
Janet Panetta (US)
Sabine Parzer (AT)
Fabiana Pastorini (AT/AR)
Nicole Peisl (DE/AT)
Hanna Pessl (AT)
Maria Probst (AT)
Nadja Puttner (AT)
Cornelia Rainer (AT)
Vera Rebl (AT)
Dieter Rehberg (AT)
Antony Rizzi (DE/US)
Edilson Roque (FR)
Francesco Scavetta (NO/IT)
Angela Schubot (DE)
Gabi Seeleitner (AT)
Sandra Selimovic (AT)
Shelley Senter (US)
Marjory Smarth (US/HT)
Sabine Sonnenschein (AT)
Risa Steinberg (US)
Storm (DE)
Anastasia Stoyannides (AT/GR)
Kenji Takagi (DE)
tanzmed.at (AT)
Bruce Taylor (FR/US)
Doris Uhlich (AT)
Anouk Van Dijk (AU/NL)
Yosi Wanunu (AT/IL)
Samantha van Wissen (BE)
Gavin Webber (DE/AU)
Angélique Willkie (BE)
Hagit Yakira (UK/FR)
Bruce Ykanji (FR)
David Zambrano (NL/VE)
Laurent Ziegler (AT)
| 386
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// IMPULSTANZ RESEARCH
Zusätzlich zu seinem breit gefächerten Angebot an Workshops bietet ImPulsTanz fortgeschrittenen
und professionell tätigen TänzerInnen und Performanceschaffenden eine auserlesene Reihe an
Research Projekten. Von dem opulenten Performance Programm und der daraus resultierenden
Anwesenheit zahlreicher ChoreografInnen nutznießend, möchten wir teilnehmende KünstlerInnen
in ihrer Weiterbildung und dem Austausch untereinander fördern, sowie den anwesenden
ChoreografInnen Möglichkeiten bieten, neue Ideen auszuprobieren. Die Research Projekte
bestehen mal aus individuellem Coaching, Experimenten in der Gruppe oder intensiven
Improvisationserfahrungen, die durch den/die ProjektleiterIn stimuliert werden. Es handelt sich
entweder um prozess-orientierte Arbeit oder um die Erarbeitung einer öffentlichen Präsentation.
Der wichtigste Aspekt der Research Projekte besteht jedenfalls darin, eine Plattform für
höchstkonzentrierte Auseinandersetzung und künstlerischen Austausch im Bereich des
zeitgenössischen Tanzes und Performance zu bieten.
ImPulsTanz Research Projekte sind in diesem Sinne offen für alle, die sich aktiv mit diesem Bereich
beschäftigen. Dazu wurden eigens drei verschiedene Formate für die unterschiedlichen Ansprüche
dieser jungen TanzkünstlerInnen entwickelt, die sich in ihrer Dauer unterscheiden:
// Field Projects 2013
5 Tage zu je 6 Stunden, meist prozess-orientiert
Mit: Silke Bake & Igor Dobricic | Amanda Piña & Veronika Zott | Bettina Vismann | Ann Liv Young
| Jérôme Bel & Trajal Harrell | Ismail Fyed & Adham Hafez | Damien Jalet | Alice Chauchat & Alix
Eynaudi | DD Dorvillier | Peter Stamer & Christine Standfest
// ProSeries 2013
8-12 Tage zu je 6-7 Stunden, manchmal prozessorientiert, manchmal in eine Präsentation mündend
• Jennifer Lacey & Valentina Desideri:
„Dario Argento, Rebecca Horn and Dan Flavin walk into a bar…“ | 15. – 26. Juli
• Mårten Spångberg
„Indigo Hangout: At The Disco Time Is Pitch Black and Universal“ | 22. Juli – 02. August
• Trajal Harrell:
„Rite of Summer“ | 03. August – 11. August
// Choreographers‘ Venture 2013
10-28 Tage zu je 7-8 Stunden, in eine Präsentation mündend
2013 begibt sich Magdalena Chowaniec & Valeria Oberleithner mit den Choreographers’Venture
TeilnehmerInnen auf die Suche mit „In A Search For We“.
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• Magdalena Chowaniec & Valerie Oberleithner: „In A Search For WE / And Ad-Venture (Manifest in a
Search for We)“ | 15. – 24. Juli
Im Verlauf von 10 Tagen treffen 12 Leute aufeinander um radikale Lösungen für eine Verbesserung
des Energieflusses der heutigen Performancekunst auszutesten.
Durch eine Wiedererweckung des Geistes des antiken griechischen Chores werden sie zu
einer kollektiven sozio-politischen Tanz-, Gesangs- und Erzähleinheit. Durch die Rückforderung
vergessener Strategien verkörpern sie zuerst und diskutieren danach. Sie bejahen unbekannte
Praktiken und reaktivieren künstlerische und soziale Courage durch körperliches Engagement.
Durch das Verfolgen der Scores entstehen neue Arten der Zusammenarbeit; Stunden, die in einer
virtuellen Realität verbracht wurden, werden in Stunden einer körperlichen Hingabe umgewandelt.
Anstatt als kreative Individuen zu agieren, werden diverse wieder gewonnene Strategien verkörpert,
um die kollektive Einheit zu verstärken. Sie bieten ihre Körper als Bindeglieder an, um bestehende
Machtverhältnisse zu brechen.Überlebensstrategien im Angesicht von Naturkatastrophen werden
ausgetestet. Strategien der Vernunft werden angewandt. Überlebensstrategien in der Wildnis
werden verkörpert, Rezession wird durch körperliche Praktiken überwunden, durch die das WIR
aus einer schwierigen politischen und sozialen Lage befreit wird. Alte Überlebensstrategien aus
Kriegssituationen werden zurück gewonnen. Durch körperliche Aktionen wird der Körper von
Umweltverschmutzungen gereinigt.
Dieses Venture eröffnet die Suche nach einem WIR. Die Suche wird fortgesetzt, bis ein WIR gefunden
ist.
RESEARCH 2013
Silke Bake (DE)
Jérôme Bel (FR)
Alice Chauchat (DE/FR)
Valentina Desideri (NL/IT)
Igor Dobricic (NL/RS)
DD Dorvillier (FR/US)
Samir El-Kordy (EG)
Alix Eynaudi (AT/FR)
Ismail Fayed (EG)
Adham Hafez (EG)
Trajal Harrell (GR/US)
Damien Jalet (BE/FR)
Jennifer Lacey (FR/US)
Valerie Oberleithner (AT)
Amanda Piña (AT/CL)
Mårten Spångberg (SE)
Peter Stamer (DE)
Christine Standfest (AT)
Bettina Vismann (DE)
Ann Liv Young (US)
Veronika Zott (AT)
Informationen zu den einzelnen Researchprojekten: www.impulstanz.com/research/
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// IMPULSTANZ
MIXEDABILITIES
„Wer atmen kann, kann tanzen“
Das ist das Motto von DanceAbility, einer einzigartigen Methode, die 1987 von Alito Alessi und Karen
Nelson geschaffen wurde. Seit 1989 ist Alito Alessi der Leiter dieser Schule. DanceAbility nutzt
improvisierten Tanz zur Förderung des künstlerischen Austauschs zwischen Menschen mit und ohne
Behinderung. In der ImPulsTanz MixedAbilities Schiene 2013 werden drei Workshops angeboten, in
denen nach der DanceAbility Methode gearbeitet wird:
In „DanceAbility THE DANCE-GANG“ von Vera Rebl kommen Kinder zwischen 6 und 10 Jahren
in all ihrer Unterschiedlichkeit und mit ihrer jeweiligen Herkunftsgeschichte zusammen, um Spaß
zu haben, sich künstlerisch zu entfalten und eine gemeinsame Bewegungssprache zu entwickeln.
In diesem Workshop werden Elemente von Contact Improvisation herangezogen, das ist eine Art
über vorsichtigen Körperkontakt miteinander zu tanzen, die jede/r erleben und dabei erlernen kann.
Improvisationen werden von den Kindern erarbeitet und zu kleinen Tanzstücken zusammengefügt.
Der Begründern der DanceAbility Methode, Alito Alessi, wird dieses Jahr seinen Workshop
„DanceAbility_Moving on“ leiten. In diesem werden Basisübungen zum grundlegenden Verständnis
von Bewegungsimprovisation weitergegeben, die alle TeilnehmerInnen, ob mit oder ohne
Behinderung, ausführen können. Diese Klasse bietet eine Einführung in die einzigartige Körper- und
Bewegungssprache jedes Einzelnen und lehrt, wie man nonverbal mit einem Partner oder in der
Gruppe kommunizieren kann. Das ergibt die Entstehung von kurzen Tanzstücken, die von den
Kleingruppen selbst gestaltet werden.
Dieses Jahr wieder mit dabei ist der international renommierte Choreograf und Lehrer Adam
Benjamin mit „Integrated Dance“. Der preisgekrönte Choreograf und Lehrer von Weltrang war
Mitbegründer und künstlerischer Leiter der CanDoCo Dance Company sowie Künstlerischer Leiter
der Tshwaragano Dance Company in Südafrika. Im Rahmen von Integrated Dance wird er mit
TänzerInnen und PerformerInnen mit und ohne Behinderungen arbeiten, die bereits Erfahrung mit
inklusivem Tanz haben und in diesem Bereich aktiv sind. „Ein Lehrer mit einer seltenen Vision und
einem einzigartigen Kommunikationstalent“ – The Sunday Times
Anlässlich des 30-jährigen Jubiläums von ImPulsTanz vergibt Casinos Austria 30
Stipendien für die MixedAbility-EinsteigerInnen-Workshops von Alito Alessi bzw. Vera Rebl.
Anmeldung
mittels
kurzem
Schreiben
und
Biografie
im
Workshop
Office.
„MixedAbility
verbindet
Menschen
mit
und
ohne
Behinderung
im
Tanz.
Es
baut
Barrieren
ab,
schafft
Verständnis und schenkt Freude. Für Casinos Austria bietet die Veranstaltungsreihe die Möglichkeit,
zwei große Anliegen zu verbinden: Kultur und Humanitäres. Daher unterstützen wir dieses Projekt mit
großer Freude und Überzeugung.“
Mag. Dietmar Hoscher,
Vorstand Casinos Austria
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// IMPULSTANZ RESIDENCIES
ImPulsTanz als eine Brutstätte für ChoreografInnen, TänzerInnen, LehrerInnen, PerformerInnen,
StudentInnen, PräsentatorInnen, JournalistInnen, Studios, Theatern, Lounges etc. bietet eine
höchst-kreative Umgebung für den künstlerischen Austausch und dadurch auch für die Schaffung
von Kunst. Jedes Jahr laden wir sowohl aufstrebende als auch bereits etablierte KünstlerInnen ein,
um bei einer Residency zu arbeiten, recherchieren, zu kreieren und zu schreiben.
// Residencies 2013
Cecilia Bengolea (FR/AR) & François Chaignaud (FR)
Aitana Cordero (NL/ES)
Ivo Dimchev (BE/BG)
Laia Fabre (AT/ES) & Thomas Kasebacher (AT)
Malika Fankha (AT/CH)
Zeina Hanna (DE/LB)
Florentina Holzinger (NL/AT)
Kaori Ito (FR/JP)
Ismael Ivo (DE/BR)
Eisa Jocson (BE/PH)
Iris Julian (AT)
Krõõt Juurak (NL/EE)
An Kaler (DE/AT)
Antonija Livingstone (CA)
Melanie Maar (US/AT)
Andrea Maurer & Thomas Brandstätter (AT)
Danang Pamungkas (TW)
Amanda Piña (AT/CL) & Daniel Zimmermann (AT/CH)
Carla Rizzu (IT)
Emily Roisdon (SE/US) & Eleanor Bauer (BE/US)
Linda Samaraweerová (AT/CZ) & Karl Karner (AT)
Liz Santoro (FR/US)
Akemi Takeya (AT/JP)
Elisabeth Tambwe (AT/CD)
Trip The Light Fantastic (AT)
Doris Uhlich (AT)
United Sorry/Frans Poelstra & Robert Steijn (AT/NL)
Jana Unmüßig (DE)
David Wampach (FR)
Brigitte Wilfing (AT)
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// TURBO Residencies
Artists-in-Residence im Rahmen von TURBO-plattform junger tanz in wien bei ImPulsTanz 2013
TURBO ist eine Initiative zur Förderung österreichischer NachwuchschoreografInnen. Die Residencies
beinhalten Proberaum-Nutzung, Workshops und Research Projekte, Performancetickets sowie
individuelles Coaching durch erfahrene KünstlerInnen.
TURBO Artists-in Residence bei ImPulsTanz 2013:
// „ONS“
by Ihu Anyanwu (AT/US) & Marta Navaridas (AT/ES)
The beginning of a beautiful friendship...
Ihu und Marta trafen sich 2012 beim ImPulsTanz Festival im Voguing Workshop von Archie Burnett.
Daraufhin lud Ihu Marta als Choreografin für ihr Musikvideo „Autonomy“ ein. Nun planen die beiden,
ausgehend von ihren unterschiedlichen künstlerischen Backgrounds, eine gemeinsame Sprache
zwischen Musik und Choreografie zu finden, aus der das Performance-Projekt ONS hervorgehen soll.
Motivation
ONS ist eine choreografische Recherche, die mit Klangproduktion als primärer Inspirationsquelle
experimentiert.
ONS ist die Motivation einer Sängerin und einer Choreografin, ihre individuellen künstlerischen
Terrains gemeinsam in eine Bühnensprache zu übersetzen.
Live-Sound und Live-Composition treffen auf zeitgenössischen Tanz und provozieren einander
gegenseitig, mit dem Ziel, ein gemeinsames Handlungsfeld zu schaffen.
Für dieses Projekt haben die Musikerin und Sängerin Ihu Anyawu und die Choreografin Marta
Navaridas zunächst eine vierwöchige Recherche geplant, in der sie verschiedene Kreuzungspunkte
zwischen Musikkomposition und Choreografie bearbeiten wollen.
Geplant ist auch die Zusammenarbeit mit der Wiener Galerie Lisa Ruyter, in der diverse Aspekte
dieses künstlerischen Aufeinandertreffens in Form einer Ausstellung aufbereitet werden.
Research-Fragen
Wie lässt sich der Prozess der elektronischen Live-Composition visuell und performativ attraktiv
gestalten?
Wo treffen die Prinzipien von Loop-Stations mit choreografischen Prinzipien zusammen?
Wie läft die Aufmerksamkeitstrennung im Performancemodus bei gleichzeitiger Tanz- und
Musikproduktion im Körper? Wann beginnt dieser körperliche Zustand für den Zusher / Zuhörer
interessant zu werden?
Ihu
Anyanwu
Geboren in Nigeria, aufgewachsen in den Vereinigten Staaten, lebt und arbeitet in Wien. Sie
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arbeitet unter dem Künstlernamen G.rizo als Sängerin, Produzentin, DJane. Erster eigener Release
2003 „Je Me Mentis“ (Codek Records), zweiter Release 2006 „Eye Wanna C U“ (Gigolo Records).
Künstlerische Zusammenarbeit u.a. mit Patrick Pulsinger, I-Wolf, In Flagranti, Trio Exklusiv,
Eletronicat, Snax, Dubbelstandart, Daniel Givens, Maximilian Skiba, Donovan. Remixes für Mosh
Mosh („Im Keller“) und Mother’s Ruin („Godzilla“). Live Performances für Seven/Bernard Wilhelm (New
York), Hugo Boss (Fashion Week Beijing), Galerie Meyer Kainer (Wien), Dante Fried Chicken (New
York), Radio Soul Wax Tour 07 (Schweiz, Schottland), Die Registratur (München), Rio (Berlin), Salon
Des Artistes (Düsseldorf), Paris-Paris, Nouveau Casino, Triptyque/Les Chiennes Hi-Fi (Paris), Icke
Micke, Flex, Donaukanaltreiben (Wien), Spring Festival (Graz), Dachkantine, Zukunft (Zürich), Scenic,
Nublu (New York). Aktuelle Single: Autonomy (2013).
www.hezekinapollutina.com
Marta
Navaridas
Marta Navaridas studierte Choreografie am ArtEZ College of Art Arnhem und Mime an der HKA
Amsterdam Theater School. Sie erhielt das danceWEB-Stipendium 2010. Sie ist Gründungsmitglied
der internationalen Künstlerkollektive Fingersix und The Loose Collective. Seit 2008 arbeitet sie von
Graz aus als Tänzerin und Choreografin, u.a. mit Blood For Roses (NL), Sarah Vanhee (BE), Dani
Brown (DE(US), Sofia Mavragani (GR), Christine Gaigg (AT). Ihr choreografisches Debüt „Look at
them now!“ gewann bei zwei choreografischen Wettbewerben in Linz und Bilbao den 1. Preis. Ihre
Folgearbeiten „The Invitation“ und „It’s Gonna Blow“ wurden auf Kampnagel Hamburg produziert.
Ihre Arbeiten wurden auf zahlreichen nationalen und internationalen Festivals und Spielorten wie z.B.
Escena Contemporánea Madrid, Gessnerallee Zürich, Frascati Theater Amsterdam, Artium Museum
for Contemporary Art Vitoria, brut Wien, BE Festival Birmingham, Dance Ireland Dublin, Kaserne
Basel, ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival, DanceWeek Festival Zagreb, Access to
Dance Festival München, Tanzquartier Wien gezeigt. Mit ihrer Obama-Performance „Your Majesties“
wurde Marta Navaridas zusammen mit Alex Deutinger zur Aerowaves Priority Company 2013
gewählt. Zuletzt arbeitete sie im Rahmen des steirischen herbst Festivalcamps „Truth is concrete“ mit
dem Theater im Bahnhof Graz.
www.navaridasdeutinger.com
// „Krrr“
Veronika Burger (AT) & Nora Jacobs (AT/DE) & Nicole Sabella (AT/DE)
Motivation
Ausgehend von der jüngst für den Wiener Offspace „Ve.Sch“ entwickelten Installation und
Performance „Krrr“ sind Veronika Burger, Nora Jacobs und Nicole Sabella an einer Adaptierung der
ursprünglich ortsgebundenen Arbeit für andere Räume und Kontexte interessiert. Für die Dauer der
Residency werden sie ihre Arbeit an „Krrr“ unter den Leitbegriff des Choreografischen stellen.
Da sie eine körperbasiert Performancepraxis verfolgen, liegt es nahe, für ihr Vorhaben einen Ort mit
tanzbasierter choreografischer Kompetenz und Offenheit für Performanceprojekte aus dem Bereich
der Bildenden Kunst aufzusuchen.
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Projektbeschreibung
Für die neue Performanceserie „ROW“, die sich als temporärer performativer Eingriff in die räumliche
und programmatische Struktur des Ve.Sch versteht, entwickelten Veronika Burger, Nora Jacobs und
Nicole Sabella eine ortsspezifische Installation und Live-Performance.
Überlegungen hinsichtlich diverser Klischees von (Live-)Performance als „weiblichem, da „ephemerem
Medium“, als „Showeinlage“ und „theatralischem Event“ führten zur Beschäftigung mit einem
verwandten Genre: dem mit „Showeffekten“ und weiblichen Rollenklischees gespickten Horrorfilm.
In Reaktion auf die Barsituation des Ve.Sch und als Gegenkonzept zum „ephemeren“ Charakter
von Live-Performance wurden oberhalb der Bar zwei Schaukeln und ein Trapez montiert. Der
Boden wurde mit weißer Silofolie überzogen und im angrenzenden Nebenraum mit einer KunstblutLache übersehen. Auf den Schaukeln sitzend, Figuren markierend, montierten Veronika Burger,
Nora Jacobs und Nicole Sabella live Sounds und gesprochene Passagen aus Horrorfilm-Scripts
ineinander.
Die räumliche Intervention funktionierte. Mit der Aufforderung, den Barbetrieb zwischen unseren
baumelnden Performerinnenbeinen wieder aufzunehmen, durchbrachen wir vorzeitig die Spannung.
Neukonzeption des Projekts
Reagierten Schaukeln, Trapez, Bodenabdeckung und Kunstblut gezielt auf die spezifische
Raumsituation im Ve.Sch, stellt sich bei Weglassen dieser raumbezogenen, installativen Elemente die
Frage, auf welche Ebene(n) sich die Aufmerksamkeit verlagern soll.
Ist es die auditive Ebene? Die Bewegungsebene? Welches andere visuelle Setting ist denkbar? Wie
können die verschiedenen medialen Ausdrucksformen überraschender mit- oder gegeneinander
agieren, wie noch konsequenter eine Choreografie der Brüche und Leerstellen verfolgt, wie wie ein
interessantes Spiel mit Wiederholungen, Aneinanderreihungen etc. entwickelt werden?
Weiterhin bilden populäre Horrorfilme, insbesondere deren Scripts, die Arbeitsgrundlage. Losgelöst
vom originalen Filmkontext erschaffen Veronika Burger, Nora Jacobs und Nicole Sabella selbständige
(Frauen-)Charaktere, die ihr vormaliges Schicksal überwinden, es gleichsam selbst in die Hand
nehmen, Raum (be-)setzen, ihn mit Bewegung, Sprache, Sound markieren:
The Bride: Carrie, Frankensteins Braut, Unschuld, Hochzeit. Neubesetzung des mit Klischees
beladenen Bildes der weißen Braut. Kleine Details wie: der Zipp geht nicht zu, das Kleid hat viele
Tragespuren und Gebrauchsflecken; weder schöne Schuhe noch Make-up werden getragen;
Sportunterwäsche unter dem Kleid ermöglicht Bewegung und Akrobatik; aus dem statischen, für
einen einzigen Anlass gedachten Kleidungsstück wird ein bewegtes,
ungewöhnliche Bewegungsabläufe zulassendes polyfunktionales Performancetool.
The Horsewoman: Adaption des Charakters von Janet Leigh aus Alfred Hitchcocks „Psycho“. Janet
Leigh stirbt nicht, sondern entkommt und beginnt ein neues Leben als Reitlehrerin; doch auch die
Unsterblichkeit hat ihre Tücken; Sekretärinnenlook
The Black Hole: die queere Abstraktion der Frauenrollen
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Auch der Arbeit an der Soundebene soll verstärkte Aufmerksamkeit zukommen.
Welche Mittel sind zu wählen - musikalische Verfremdung, eine Art Klangteppich, Störgeräusche...
– um welche Effekte hervorzubringen – ein Gefühl, ausgelöst durch ein abstraktes, beunruhigendes
Geräusch. Ein Pumpen vielleicht, oder eine Art Summen: „zzzzzzzzzzzzz“.... endlos, monoton,
Beklemmung erzeugend. Kein ganzer Soundtrack?, vielmehr eine bestimmte Art von
unterschwelligem Noise mit enthebender Wirkung?...
Das Verhältnis von Film und Choreografie lohnt gleichfalls näherer Untersuchung.
Was bedeutet es, Film in eine körperbasierte Livesituation zu übersetzen? Wie entsteht aus einem
„Krrr“-Laut eine (von Stereotypen losgelöste) Bewegung? Wie können Montage-, Collage- oder LiveSchnitt-Techniken zum Einsatz kommen?
Folgende von Maya Derens „Choreocinema“- Konzept abgeleitete methodische Ansätze können bei
der praktischen Erprobung von Nutzen sein:
*die filmische als choreographische Geste
*der „Tanz mit der Kamera“
*das „In-Bewegung-Schneiden“ („Cutting-into-movement“)
*die Hybridisierung der Formen
// Tiina Sööt (EE) & Dorothea Zeyringer (AT)
Sööt / Zeyringer is an artist duo that works together since 2012, developing a choreographic praxis
on the edge of fine arts and dance.
After performing on small festivals and in a gallery their first performance „Never Name The Shelf“ was
shown at imagetanz Festival 2013 at brut Wien.
In „Never Name the Shelf“, Tiina Sööt and Dorothea Zeyringer examine a notion of work which does
not comply with the desire for a concrete result. The two of them observe the working process of
assembling furniture with the utmost concentration and in the process shift the focus from the real
aim of the procedure – the completed object – toward the sequences of movement for assembly.
Each hand movement is translated into linguistic instructions and makes the proximity between work
and worker clearly noticeable. A choreographic work sequence that revises the relationship between
production and product.
“Never Name the Shelf” / Trailer: https:/vimeo.com/63268230
For our next project we want to go into the subject of loneliness in relation to space. In „Never
Name the Shelf“ the idea of naming all our movements was used as the central structure of the
performance. In the new piece we create a different kind of central structure that continues through
the whole piece. Our general working method is to start with a broad, abstract idea and work it out
into a minimalistic and conceptual expression.
We want to run a project about spaces of loneliness, because loneliness has important role in the
lives of us both. Loneliness, lonesomeness, solitude is for us a burden as well as a privilege. We need
solitude to work, to think, to function and we also need company and closeness in order to work, to
think and to function. We aim to study the spaces as producers and maintainers of loneliness and
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also explore the relationship of a lonely body to the space. What kind of spaces a loner seeks? What
kind of shapes does a body that feels loneliness take in a specific space? How can we be alone if we
always carry our body with us?
As a paradox we start to deal with the topic of loneliness together as a duo. The working process
takes partly place in separation – as Tiina is based in Tallinn for the next few months for her MA
studies - we approach the work individually, making research and collecting ideas in different cultural
contexts. By sharing those ideas with each other and reflecting on them, we hope to gain more
thorough and diverse insight to this topic both theoretically and aesthetically. In the second phase of
this project, we seek to find possibilities to work physically in the same space, in residencies.
Our research starts with writing tasks for the other person. These tasks focus on spaces that connect
in different ways with loneliness. For example Tiina could suggests Dorothea to go to a specific public
space like a crowded bar, church, school, park etc. to feel and study loneliness there. Dorothea
would then send Tiina a picture, a video, a recording or any other kind of documentation together
with a description of her experiences, an event outline or a personal story. Such practice of giving
and executing tasks, taking notes, giving feedback and mutual reflection should lead us to deeper
understanding of this phenomena.
Out of many tasks like this we create a pool of material that can be used directly, edited or developed
further for the final performance. The result should end in a performance, approximately 40 minutes
long that will be performed several times. The two directors Tiina Sööt and Dorothea Zeyringer are
also the performers and responsible for the stage design.
Until July we go through the first separated research phase. From July on, we will start to work
physically together. For the second phase we seek possibilities in Vienna to work and explore in a
studio with our two present bodies.
After two or three weeks of studio work, we plan to have a public showing to try out the material that
we have worked with and experiment with the relation to the audience. Because we both perform
on stage we need someone watching from outside with a critical eye. Discussion, questioning and
feedback would be of critical value at this point. It would be great for us to have a coach that we can
ask for dramaturgical advice or that has knowledge in using text and voice that is besides the body
an important element in our performances.
What we also appreciate about this residency is the possibility to connect and exchange ideas with
other artists and have the possibility to see relevant works and get new input besides having intensive
rehearsing hours. The chance to participate in workshops would contribute to the general working
quality in the studio, as our bodies are our central material.
sootzeyringer.wordpress.com
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// „Martin & The Evil eyes of Nur“
Nora Kurzweil (AT)
„Martin & The evil eyes of Nur“ arbeiten momentan an einem umfangreichen Projekt namens „Dei ex
Machina/Superhelden“
Es handelt sich um eine Performance und einen Kunstfilm die sich mit dem Begriff der „Götter aus
der Maschine-Dei ex Machina“ auseinandersetzen.
Der Dreh für den ca. 15min. Kurzfilm ist im September, danach wird die Performance als allein
stehende Aufführung ausgearbeitet.
Die selbsternannten Superstars Herr Leitung und Pussy Hass werden in „Dei ex machina/
Superhelden“ zu „Göttern aus der Maschine“, um mit Pomp und Posen die Welt zu retten. Sie
verwandeln sich in Superhelden die in einer Endlosschleife umherirren, Flugversuche in High Heels
unternehmen und nicht zuletzt queere Protestkultur zur Heldentat erklären, bevor sie sich im finalen
Showdown dem schlimmsten aller Gegner stellen - sich selbst.
Projektbeschreibung
„Martin & The Evil eyes of Nur“ planen im Rahmen ihrer Turbo-Residency eine BewegungsRecherche, die in die Verwirklichung des Filmes und vor allem in die Umsetzung der LivePerformance fliessen soll.
Grundthema der Untersuchung ist die Metamorphose der beiden Kunstfiguren zu Superhelden,
die kritische und ironische Auseinandersetzung mit den Körpern/der Verkörperung von Helden
in der Popkultur. Herr Leitung und Pussy Hass konfrontieren sich mit der sehr eng gefassten,
heteronormativen Form von Männlichkeit und Macht, die Heldenfiguren stereotyp zur Verfügung
steht. Sie entwickeln ihre eigene Interpretation von Heldenhaftigkeit. Ihre minutiös ausgearbeiteten
Posen und Gesten, die Zitatlastigkeit ihrer Bewegungen, bilden den Grundstock der Performance.
Körperspannung, Gang, Dominanzgesten, Gesichtausdruck, Siegespose etc.
All diese Dinge wollen erlernt, untersucht, dekonstruiert, und neu Interpretiert bzw gedeutet werden!
...Die Macht muß als etwas analysiert werden, das zirkuliert oder vielmehr als etwas, das nur in
Art einer Kette funktioniert. Sie ist niemals hier oder dort lokalisiert, niemals in den Händen einiger
weniger, sie wird niemals wie ein Gut oder wie Reichtum angeeignet. Die Macht funktioniert und
wird ausgeübt über eine netzförmige Organisation. Und die Individuen zirkulieren nicht nur in ihren
Maschen, sondern sie sind auch stets in einer Position, in der sie Macht ausüben; sie sind niemals die
unbewegliche und bewusste Zielscheibe dieser Macht, sie sind stets die Verbindungselemente....
(Michel Foucault: „Dispositive der Macht“, Merve)
Regiestatement
In „Die ex machina/Superhelden“ widmen sich die künstlichen, überhöhten Superstars mit queerem
Potenzial einem relativ neuen gesellschaftlichen Phänomen: Der Bedeutungsverschiebung, die
Medien-Stars wie HollywoodschauspielerInnen, Popmusikstars und Co. in der Populärkultur in
den letzten Jahren erfahren - die inhaltliche Überblendung und Gleichstellung von Superstar und
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Superheld. In der Öffentlichkeit Stars immer öfter die Rolle der Helden und Retter in Gesellschaft
und Politik. Sei es, weil die realen Personen/SchauspielerInnen mit den in Hollywoodschinken
verkörperten HeldInnen „verwechselt“ werden, oder in ihrer Rolle als UN-Friedensbotschafter,
Adoptiveltern einer multiethnischen Kinderschar, überbordendem karitativen Engagement etc.
... Als bekanntestes Beispiel kann hierfür „Brangelina“ angeführt werden, das mythenumrankte
Medien- Hybridwesen aus Angelina Jolie und Brad Pitt. „Martin & The evil eyes of Nur“ sezieren und
kommentieren in ihrem neuen Video ironisch die Rolle der „Pop-Royalty“ als bedeutungsüberfrachtete
Projektionsflächen in den Medien.
[Zitiert nach Wikipedia: „Der Deus ex machina (lat. Gott aus einer/der (Theater-) Maschine) in
eine Lehnübersetzung aus dem Griechischen und bezeichnet ursprünglich das Auftauchen einer
Gottheit mit Hilfe einer Bühnenmaschinerie. Heute gilt der Ausdruck auch als eine sprichwörtlichdramaturgische Bezeichnung für jede durch plötzliche, unmotiviert eintretende Ereignisse, Personen
oder außenstehende Mächte bewirkte Lösung eines Konflikts.”]
Die Rolle der plötzlich auftauchenden “Heroes without a cause” ist Pussy Hass und Herr Leitung auf
den Leib geschrieben. Gefangen in der (ästhetischen) Dauerschleife drehen sie, eingespannt in die
Maschine/Maschinerie, ihre Runden.
Wichtige Themen
Dekonstruieren von Rollenbildern und ihrer Bedeutung, insbesondere durch Zitate männlich/weiblich
konnotierter Körpersprache; Verwendung eines Popsongs als Verweis auf das transzendentale
Potential der Popkultur; Protestkultur, in Gesten politischer und privater Natur aufgeschlüsselt;
formale Bezugnahme auf den Actionfilm als ironisches Statement; abschließend ein großes
Showdown, das anstatt in Gewalt der Superhelden in der Superstar- Performance des Songs „Zone
of Nur“ kulminiert; Überlagerung und/oder Übertragung von Star zu Held und zurück.
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// LIFE LONG BURNING
2013 – 2018
Life Long Burning ist ein neu initiiertes fünfjähriges europäisches Projekt, das sich ab Juli 2013
der Förderung und Entwicklung einer aufstrebenden europäischen zeitgenössischen Tanzszene
widmet. Bestehend aus zwölf Tanzinstitutionen, -vereinen und Compagnien steht Life Long
Burning für ein ganzes Bündel an Aktivitäten im Bereich des zeitgenössischen Tanzes: Residencies
bei herausragenden Compagnien, interdisziplinäre Forschung mit wissenschaftlichen Instituten,
Dokumentation von Entwicklungsprozessen im zeitgenössischen Tanz, Symposien für bereits
etablierte Tanzpädagoginnen oder auch Stipendien für junge KünstlerInnen.
Weiters sollen im Rahmen des Projekts jährlich 10 bis 15 Werke aufstrebender ChoreografInnen
koproduziert werden, 4-5 davon nehmen am Wettbewerb Prix Jardin d’Europe teil. Der mit ¤
10.000,- dotierte europäische Tanzpreis für junge Choreografie wurde erstmals 2008 im Rahmen
des ImPulsTanz-Festivals an die KünstlerInnen Dalija Acin aus Belgrad und Oliver Dubois aus Paris
verliehen. Nach Stationen bei anderen europäischen Festivals in Brüssel (2009), Istanbul (2010),
Bukarest (2011) sowie abermals bei ImPulsTanz in Wien (2012) wird der Prix Jardin d‘Europe
als Teil des Life Long Burning Projekts für die kommenden 5 Jahre in Wien etabliert: In diesem
Jahr sind 11 Produktionen für den Preis nominiert, sie sind im Rahmen der [8:tension] Young
Choreographers’ Series zu sehen. Die Auszeichnung wird dabei um einen Publikumspreis erweitert,
der die ZuschauerInnen dazu einlädt, auf der Website von Life Long Burning für ihren Favoriten / ihre
Favoritin zu stimmen.
Life Long Burning Projektpartner
danceWEB (AT)
4Culture (RO)
Centre Chorégraphique National de Montpellier (FR)
Cullberg Ballet (SE)
Het Veem Theater (NL)
Lokomotiva (MK)
Station - Service for Contemporary Dance (RS)
Tala Dance Center (HR)
Uferstudios (DE)
Ultima Vez (BE)
Workshop Foundation (HU)
workspacebrussels (BE)
Life Long Burning Projekte
Prix Jardin d’Europe - europäischer Tanzpreis für junge Choreografie
Dance Radar Europe - virtuelle PR Plattform
Dance Works! - Koproduktionen
Critical Practice - Weiterbildungsprogramme für junge TanzkritikerInnen
danceWEB Scholarships - Stipendienprogramm für zeitgenössischen Tanz und Performance
Wild Cards - Residencies, Workshops und Stipendien
Performance Situation Room - Module für Forschung und Wissensvermittlung
teachback - Research zu Tanzpädagogik
Dance fiction - Open Source Dokumentation der LLB Projekte
SuSy Support System - Weiterbildungsprogramm für aufstrebende AdministratorInnen
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// danceWEB 2013
PROJEKT VON LIFE LONG BURNING
•
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eine Initiative, die jährlich Stipendien an ca. 70 aufstrebende TanzkünstlerInnen aus 40 Ländern
verleiht und diesen während des ImPulsTanz-Festivals 35 Tage voller Begegnungen im Zeichen
kritischer Konfrontationen ermöglicht
ein Netzwerk, an dem TänzerInnen, ChoreografInnen, Compagnien und PädagogInnen teilhaben
ein jährliches Forum, das Karrieren von TänzerInnen/ ChoreografInnen unterstützen und forcieren
soll
Das danceWEB Stipendienprogramm 2013 findet im Zeitraum von
10. Juli - 14. August 2013 statt und beinhaltet folgende Leistungen:
•
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Ein vom danceWEB-Team gestalteter 5-wöchiger Austausch und Kommunikations-Prozess
Teilnahme an den Research Projekten von ImPulsTanz 2013 (ProSeries & Field Projects)
Teilnahme an ca. 210 Workshops mit 140 Lehrenden von ImPulsTanz 2013
Freikarten für die Produktionen des Performance-Festivals ImPulsTanz 2013
Ideenaustausch und Kontakt mit internationalen TrainerInnen und ChoreografInnen
Spezielle Projekte, die ausschließlich danceWEB-StipendiatInnen angeboten werden
Zugang zu und Präsentation innerhalb einer jährlich wachsenden, internationalen
danceWEBdatabase
• Unterkunft in Wien während der Zeit des Stipendienprogramms
• Künstlerische Betreuung durch den diesjährigen danceWEB Mentor Ivo Dimchev
• Zugang zu Tanzfilmen und Videodokumentationen von bei ImPulsTanz vertretenen KünstlerInnen
und Compagnien
© Judith Lutz
danceWEB Mentor 2013
Ivo Dimchev (AT/BG)
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Zur Übersicht
// danceWEB 2013
PROJEKT VON LIFE LONG BURNING
danceWEB StipendiatInnen 2013
68 junge TänzerInnen aus 37 Ländern erhalten dieses Jahr ein danceWEB Stipendium
ÄGYPTEN -Ahmed El Gendy
ARGENTINIEN - Ollantay Rojas
AUSTRALIEN - Emily Ranford
BELGIEN / ISLAND - Inga Hakonardottir
BELGIEN / FINNLAND - Mikko Hyvonen
BELGIEN - Fleur Khani
BELGIEN / USA James McGinn
BELGIEN / FRANKREICH - Gaetan Rusquet
BELGIEN / NIEDERLANDE - Karin Verbruggen
BULGARIEN - Iskren Petkov | Denitsa Dikova
CHINA - Wei Ming Pak | Zhenxin Zhang
DÄNEMARK - Marie Topp
DEUTSCHLAND / PORTUGAL - Antonio Pedro De Almeida Coimbra Maia
DEUTSCHLAND / USA - Jorge De Hoyos
DEUTSCHLAND - Verena Brakonier | Rebecca Egeling | Marc Philipp Gabriel | Claudia Garbe | Magda
Korsinsky | Katharina Maschenka Horn | Claire Vivianne Sobottke
DEUTSCHLAND / AUSTRALIEN - Martin Hansen
DEUTSCHLAND / RUSSLAND - Sonya Levin
DEUTSCHLAND / ARGENTINIEN - Ana Laura Lozza
DEUTSCHLAND / TÜRKEI - Leyla Postalcioglu
DEUTSCHLAND / ÖSTERREICH - Thomas Proksch
DEUTSCHLAND / IRLAND - Cathy Walsh
ESTLAND - Karl Saks
FINNLAND - Arttu Palmio
FRANKREICH / USA - Bryan Campbell
FRANKREICH / BRASILIEN - Ana Maria Krein
FRANKREICH / SPANIEN - Fernando Lopez Rodriguez
GRIECHENLAND - Kostas Tsioukas
GROSSBRITANNIEN - Janine Harrington | Gillie Kleiman | Louise Tanoto
ISRAEL - Asher Ben Julius Lev | Yuli Kovbasnian
KONGO (DEMOKRATISCHE REPUBLIK) - Jolie Ngemi
NIEDERLANDE - Fernando Belfiore | Merel Severs
NIEDERLANDE / IRAN - Setareh Fatehi
NIEDERLANDE / TSCHECHISCHE REPUBLIK - Eva Susova
NIEDERLANDE / BELGIEN - Lisa Vereertbrugghen
NIEDERLANDE / PORTUGAL - Rita Vilhena
NIEDERLANDE / ÖSTERREICH - Oneka von Schrader
ÖSTERREICH - Teresa Vittucci | Nanina Raffaella Kotlowski
POLEN - Hygin Delimat | Weronika Pelczynska
PORTUGAL - Joana Castro
RUMÄNIEN - Dorin Eugen Ionescu
SCHWEDEN - Adele Essle Zeiss | Rebecka Stillman
SCHWEIZ / VENEZUELA - Sophia Rodríguez
SLOWENIEN / UNGARN - Gyula Cserepes
SLOWENIEN - Jasmina Krizaj
SPANIEN - Acerina Ramos | Irene Cantero Sanz | Angela Peris Alcantud
SÜDAFRIKA - Kieron Jina
SÜDKOREA - Jin Young Park
UGANDA - Catherine Nakawesa
USA - Macklin Kowal
USA / IRLAND - Mica Sigourney
ZYPERN - Eleana Alexandrou
| 400
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// IDOCDE
International Documentation of Contemporary Dance Education
Seit 8. April 2013 können sich unter www.idocde.net TanzpädagogInnen über das „Was” und „Wie”
zeitgenössischer Tanzpädagogik austauschen. Im Mittelpunkt steht die Dokumentation der Lehr- und
Ausbildungsmethoden im Unterricht von zeitgenössischem Tanz weltweit.
Das internationale IDOCDE Projekt (International Documentation of Contemporary Dance Education)
wurde 2011 initiiert, um vorbildliche Lehr- und Ausbildungsmethoden für den Unterricht von
zeitgenössischem Tanz herauszuarbeiten und zu dokumentieren. Ziel des Projektes ist es, die
internationale Zusammenarbeit von TanzdozentInnen zu fördern und gleichzeitig die Aufmerksamkeit
für diese Kunstform weiter zu erhöhen. ImPulsTanz ist Gründungsmitglied der von Tanz- und
PerformancekünstlerInnen erdachten und betriebenen EU-Leonardo-Initiative.
Während der vergangenen zwei Jahre hat sich eine Pilotgruppe regelmäßig zum Austausch, zur
gemeinsamen Recherche und zum Aufbau einer Online-Datenbank getroffen. Seit 8. April ist das
Ergebnis online zu sehen: Auf www.idocde.net sind TanzdozentInnen weltweit dazu eingeladen, ihre
Unterrichtspraxis in Wort, Bild und Film online zu dokumentieren und ihre Erfahrungen mit KollegInnen
zu teilen. IDOCDE heißt darüber hinaus LeserInnen aus allen Disziplinen willkommen und lädt zum
interdisziplinären Austausch von LehrerInnen/ForscherInnen im Tanz mit KollegInnen aus anderen
Disziplinen, z.B. den Sozial- oder Naturwissenschaften. IDOCDE ist aber mehr als eine OnlinePlattform: Der persönliche Austausch zwischen den NutzerInnen der Website soll durch Symposien
und Arbeitstreffen gefördert werden. Das nächste Offline-Event ist das IDOCDE Syposium “The return
of the idocs“ und findet vom 26. bis 28. Juli 2013 im Rahmen von ImPulsTanz - Vienna International
Dance Festival statt:
// „The return of the idocs” – IDOCDE Symposium | 26. bis 28. Juli 2013
26.
Juli,
18:00
-
22:00,
Studio
A 27.
&
28.
Juli,
09:00
-
22:00,
Studio
1-4,
Studio
A
&
C
ImPulsTanz ist Gastgeber des ersten öffentlichen IDOCDE Offline-Events: „The return of the
idocs” vom 26. bis 28. Juli 2013, das sich in erster Linie an Tanzlehrende, Studierende und
Forschende richtet. Ein Symposium wie bei den alten Griechen, wo sich Wissensaustausch und
gemeinschaftliches Feiern verbinden: Mehr als 150 TeilnehmerInnen werden im Wiener Arsenal
erwartet, darunter ImPulsTanz KünstlerInnen und IDOCDE ExpertInnen.
Anmeldung unter www.impulstanz.com/workshops/
// IDOCDE Netzwerk Partner
Kerstin Kussmaul / Wiener Tanzwochen (Vienna, A); Iñaki Azpillaga / Ultima Vez vzw (Brussels, B); Jan
Burkhardt / K3 - Zentrum für Choreographie / Tanzplan Hamburg (Hamburg, D); Stephanie Maher / Ponderosa
Tanzland / (Stolzenhagen, D); Malcolm Manning / Eastern Finland Sports Institute (Joensuu, FIN); Sophie
Gérard / Le Pacifique / CDC (Grenoble, F); Eszter Gál / Workshop Foundation (Budapest, HU); John Taylor
/ ICKamsterdam (Amsterdam, NL); Maja Delak /Emanat (Ljubljana, SLO); Rasmus Ölme / Cullberg Ballet
(Stockholm, S); Defne Erdur Bektik / Mimar Sinan Güzel Sanatlar Üniversitesi (Istanbul, TR), Charlotte
Darbyshire (Former UK mentor: Gill Clarke) / Independent Dance (London, UK).
| 401
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// IMPULSTANZ
SOÇIAL
THE PARTIES
// ImPulsTanz Party
Freitag, 19. Juli 2013 | 22.00 Uhr
© MOONLIGHT BREAKFAST
MOONLIGHT BREAKFAST live (Bukarest/ Wien)
98.3 Superfly DJ support:
Preddy & Monsieur Smoab
(Rare and Well Done / 98.3 Superfly)
© Helena Wimmer
// danceWEB Party
Freitag, 9. August 2013 | 22.00 Uhr
DAVIDECKS & DRUMS live (Wien)
98.3 Superfly DJ support: Raphael Zucalli (Zorillah / 98.3 Superfly)
& Kido Soon (Praterei / 313 Radio / 98.3 Superfly)
Kasino am Schwarzenbergplatz (3., Schwarzenbergplatz 1)
Eintritt: ¤ 12 / ¤ 10 (für ImPulsTanz workshops & research TeilnehmerInnen)
in cooperation with
Info: www.impulstanz.com/social/2013/parties/
| 402
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// IMPULSTANZ SOÇIAL
festival lounge
// 10 Jahre ImPulsTanz festival lounge
Because of you.
Jedes Jahr unter ein anderes Motto gestellt, wird die
ImPulsTanz festival lounge von Mitte Juli bis Mitte August
zum Hotspot des sommerlichen Wiener Nachtlebens.
Das Vestibül wird mit einem abwechslungsreichen
Programm aus DJs, Konzerten und Special Events
zu einer täglich kochenden Tanzfläche, einem Ort
an dem Tanzbegeisterte auf Partyfreudige und
ImPulsTans festival lounge 2012 © Judith Lutz
MusikliebhaberInnen auf Festival-ZuschauerInnen treffen.
Ob selbst das Tanzbein schwingend oder in einem Liegestuhl auf der Wiese vor dem Vestibül kann
man hier einen ereignisreichen ImPulsTanz-Tag ausklingen lassen.
Mit ImPulsTanz artists, staff & guests on decks, Sofas, Cocktails und Snacks, Konzerten,
Karaokenacht, dem Superfly DJ Kollektiv und einer Wiese mit Liegestühlen.
9. Juli - 11. August 2013
täglich ab 22 Uhr | Eintritt frei
Burgtheater Vestibül (1., Universitätsring 2)
// Programm
09.07.
10.07.
11.07.
12.07.
13.07.
14.07.
15.07.
16.07.
17.07.
18.07.
ImPulsTanz festival lounge OPENING feat. Austrian Apparel live
DJ Urbs (G-Stone)
Heal & Seidi (Strom.Club)
98.3 Superfly presents Mr. Guan & Dereck Foreal (The Love Movement / 98.3 Superfly)
Jahson the Scientist & The Science Report live
DJ Buzz (Waxolutionists) & Chrisfader
Affine summer session feat. Zanshin & The Clonious
Mr. Wisdom (Blue Flowers) & Zuzee (Waxos)
Nebenzimmer Sessions live
mikeBurns (Disco Fetish / Kojak Giant Sounds)
ImPulsTanz on decks
Franco Forte (francophil / Lockendisco)
98.3 Superfly presents Shantisan (One Note Samba / 98.3 Superfly) & Thomas de
Martin (BJK Music / 98.3 Superfly)
| 403
Zur Übersicht
19.07.
20.07.
21.07.
22.07.
23.07.
24.07.
25.07.
26.07.
27.07.
28.07.
29.07.
30.07.
31.07.
01.08.
02.08.
03.08.
04.08.
05.08.
06.08.
07.08.
08.08.
09.08.
10.08.
11.08.
geschlossen
ImPulsTanz on decks
Karaokenacht feat. MC Faris Endris Rahoma aka The Screaming Cat
DJ support by Clemens Drössler
Team Tool Time - Bee Pop live
Agent Well (Sweet Heat)
Roman Rauch (Tenderpark / Quintessentials) & Joja (V ARE)
ImPulsTanz on decks
98.3 Super flypresents Crazy Sonic (Crazy @ Flex / 98.3 Superfly) & Ken Hayakawa
(Schönbrunner Perlen / 98.3 Superfly)
Funk Food
ImPulsTanz on decks
Romantic Battle hosted by IDOCDE
Rough & Cutex
Porcelain Hip live
Katja Schröckenstein
ImPulsTanz on decks feat. special appearance by Elijah & Skiliiam
98.3 Super flypresents WillFling (Praterei / 313 Radio / 98.3 Superfly) & 7 Citizens
(Praterei / MCDE / 313 Radio / 98.3 Superfly)
Sweet Heat feat Agent Well & A++
ImPulsTanz on decks
DJ Como (Swell Time)
Affine summer session feat. Cid Rim & Dorian Concept
ImPulsTanz on decks
Luis Forever (The Love Movement) & Wahsko
98.3 Super flypresents Jonatore & Fabio Wolkenstein (Deephousemafia / 98.3 Superfly)
geschlossen
ImPulsTanz on decks feat. special appearance by Summer Music
The P´s live
Pezo Fox (p.o.m.)
in cooperation with
| 404
Zur Übersicht
// IMPULSTANZ
KULTUR
SOÇIAL
UND
WEIN
Kultur und Wein
Zum 30jährigen Jubiläum begibt sich ImPulsTanz
auf eine ganz neue Ebene des Genusses - bei den
Premierenfeiern im Burgtheater / Vestibül werden
dem internationalen Publikum im Rahmen von
ImPulsTanz soçial Winzerinnen und Winzer aus
Österreich vorgestellt.
9. Juli - 11. August 2013
im Rahmen von ImPulsTanz #30 - Vienna International Dance Festival
Kultur und Wein © francophil
// WinzerInnen 2013
Weingut Setzer, Hohenwarth (Weinviertel)
FM Mayer Vitikultur, Wien (Wien)
Weingut Zissler, Sierndorf an der March (Weinviertel)
wein.gut_wellanschitz, Neckenmarkt (Mittelburgenland)
Punk´s Finest, Höflein / Wien (Carnuntum)
Weingut Alexander Zöller, Dross (Kremstal)
Weingut Fischer, Rossatz (Wachau)
Weingut Beck, Gols (Neusiedlersee)
Winzerhof Landauer-Gisperg, Tattendorf (Thermenregion)
Weingut Hirsch, Kammern (Kamptal)
Weingut Gregor Nimmervoll, Engelmannsbrunn (Wagram)
Weingut Schmid, Pillichsdorf (Weinviertel)
Weinbau Nössing, Wien (Wien)
LOOOS, Dross / Wien (Kremstal)
Weingut Sorger, Trausdorf (Burgenland)
Weingut Schmid, Pillichsdorf (Weinviertel)
Stefan Gebharter, Kulm / Wien (Südburgenland)
Weinbau Obermann, Wien (Wien)
Herist Wein, Rechnitz (Südburgenland)
Quantum Winery, Maissau (Weinviertel)
L-S-D, Leithaprodersdorf (Burgenland)
H3O, Wien (Wien)
www.impulstanz.com/social/2013/cultureandwine
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| 405
// SPONSOREN
UND
KOOPERATIONSPARTNER
Öffentliche Förderer von ImPulsTanz
Hauptsponsoren von ImPulsTanz 2013
Internationale Partner
Medien- und Kooperationspartner
Spielstätten
Konzertsaal der Wiener Sängerknaben
| 406
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