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Tour
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CHICK COREA
Maestro del Jazz, 18 veces ganador de los
premios Grammy, brillante compositor y
virtuoso del teclado, CHICK COREA ha
alcanzado el estatus de leyenda viva luego
de cinco décadas de creatividad sin
precedentes y una producción artística
sencillamente asombrosa.
Desde la obtención de su Grammy 2012 como
Mejor Solista de Jazz de Improvisación, y a lo largo
de su enormemente prolífica carrera, Chick ha
abordado un asombroso espectro de bases
musicales en su impresionante recorrido
profesional – siempre adelante, y a la vanguardia,
desde el bebop a la fusión, de canciones infantiles
a la música de cámara, con algunas incursiones
de largo alcance dentro de la música sinfónica --, y
se ha mantenido a través del tiempo en un nivel
de excelencia verdaderamente impresionante.
Espíritu creativo e incansable, gracias a su
permanente impulso superador, Chick
sigue
reinventándose continuamente a sí mismo en el
proceso.
Innovador y Pionero
Chick comenzó su carrera de la mano de maestros de la talla de Stan Getz, Sarah Vaughan y la banda de
Miles Davis, donde participó en sesiones emblemáticas como In a Silent Way y Bitches Brew. Desde que
decidió embarcarse en su carrera como solista en 1966, Chick ha estado a la vanguardia del jazz, tanto
como pianista de renombre, al tiempo que forjaba nuevos caminos con sus bandas de jazz acústico, así
como tecladista eléctrico innovador con Return to Forever y la Elektric Band. Su extensa discografía
cuenta con numerosos álbumes imprescindibles, comenzando con su clásico de 1968, Now He Sings, Now
He Sobs.
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Proyectos recientes
Chick continúa provocando un significativo impacto sobre la escena, como lo demuestran sus premios
Grammy 2007 por The Enchantment (en dueto con el virtuoso del banjo Béla Fleck), su Grammy 2008,
por The New Crystal Silence (en dueto con su antiguo colaborador Gary Burton), Grammy 2009 por
Returns (documentando su gira 2008, con Return to Forever) año en que también ganó otro Grammy
por Five Peace Band Live (con John McLaughlin, Christian McBride, Kenny Garrett y Vinnie Colaiuta).
En 2012, Corea se llevó a casa dos premios Grammy, incluyendo Mejor Solo de Jazz Instrumental por
Forever, y un set de 2-CD grabados durante su gira Return to Forever en la que conformó un trío acústico
con sus compañeros de banda Stanley Clarke y Lenny White. Ambos premios fueron,
sorprendentemente, los Grammy Nº 17 y Nº 18 de Chick Corea.
Hoy, Chick continúa una cadena ininterrumpida de productividad, luego de tres giras mundiales y cuatro
nuevos álbumes: Further Explorations, ampliamente aclamada por la crítica (con Eddie Gómez y Paul
Motian); The Continents: Concierto para Quinteto de Jazz y Orquesta de Cámara, un nuevo lanzamiento
clásico verdaderamente ambicioso que representa su máximo logro en su faceta como maestro
compositor; Hot House, que trajo una nueva y trascendente novedad en los Grammy, ocasión en la que
formó parte del dúo ganador junto a Gary Burton; y el lanzamiento de su último álbum en vivo de
Return to Forever: The Mothership Returns.
“Una luminaria, exuberante y eternamente joven” The New York Times
“Un maestro venerado”. BBC
“Intensidad de la fuerza de un vendaval, gloriosamente apasionado ”
CHICK COREA and THE VIGIL
Luego de décadas de permanecer en el más alto
nivel de la música progresiva contemporánea,
Chick Corea continúa impulsando la cima del
jazz. Con su último proyecto, CHICK COREA and
THE VIGIL, Chick se ha reinventado a sí mismo,
creando una banda con una conformación
completamente novedosa, con el bajista
Hadrien Feraud, Marcus Gilmore en los
tambores (nieto del ‘dios’ del tambor, Roy
Haynes), Tim Garland en saxo, flauta y clarinete
bajo, y en guitarra, la estrella en ascenso
Charles Altura. THE VIGIL ofrece al público las
sublimes melodías de los obras acústicos de
Chick Corea, tornándolas
composiciones
eléctricas, estremecedoras y absolutamente
brillantes.
“Extraordinario
Jazzwise
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talento
de
clase
mundial”
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ARTURO SANDOVAL
2013 Medalla Presidencial de la Libertad
Ganador del premio Emmy
6 veces ganador del premio Billboard
9 veces ganador del premio Grammy
Protégé del legendario maestro del jazz Dizzy Gillespie, Sandoval nació en Artemisa, un pequeño pueblo
en las afueras de La Habana, Cuba, el 6 de noviembre de 1949, apenas dos años después de que Gillespie
se convirtiera en el primer músico que lograra introducir influencias latinas en el jazz
norteamericano. Sandoval comenzó a estudiar trompeta clásica a la edad de doce años, pero no le tomó
demasiado tiempo dejarse atrapar por la emoción del mundo del jazz. Se fue convirtiendo desde
entonces en uno de los protagonistas y guardianes más reconocidos del universo de la trompeta y el
fliscorno dentro del jazz, así como un reconocido artista clásico, pianista y compositor.
Uno de los artistas vivos más dinámicos y descollantes de nuestro tiempo, Sandoval ha sido visto por
millones de personas en la entrega de los Oscars tocando junto a Celine Dion y acompañando a Justin
Timberlake en los premios Grammy, pero como estrella por derecho propio. También se presentó en los
Premios Billboard con Alicia Keys.
Sandoval ha sido galardonado con 10 premios Grammy y nominado 19 veces; también ha recibido 6
premios Billboard y un Emmy. Este último por su trabajo de composición para el guión de la película de la
HBO basada en su vida, "For Love or Country", protagonizada por Andy García como Arturo. Sus dos
últimos álbumes ganadores de los premios Grammy, "Dear Diz (Every Day I Think of You)” y el tango
"Como Yo Te Siento ", hoy se venden en todo el mundo. A punto de lanzarse, hay un nuevo libro que
relata su relación con Dizzy Gillespie titulado "El Hombre que me Salvó". En el año 2013, Arturo recibió la
Medalla Presidencial de la Libertad. También fue nominado para dos Grammy Latinos ese mismo año.
Sandoval fue miembro fundador del grupo Irakere ganador del Premio Grammy, cuya explosiva mezcla
de jazz, música clásica, rock y música tradicional cubana causó sensación en todo el mundo del
espectáculo. En 1981, dejó Irakere para formar su propia banda, cosechando elogios entusiastas de los
críticos y del público en todo el mundo, y aún hoy continúa haciéndolo.
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Sandoval es además un renombrado músico clásico que toca regularmente con las principales orquestas
sinfónicas de todo el mundo. Ha compuesto su propio "Concierto para Trompeta y Orquesta", que se
puede escuchar en "Arturo Sandoval: El Álbum Clásico". Ha tocado junto a las orquestas más
importantes del país y el extranjero, y grabó el “Concierto para Trompeta” de John Williams con la
Orquesta Sinfónica de Londres. Con su destreza clásica, se ha ganado el respeto y la admiración de los
más prestigiosos directores, compositores y orquestas sinfónicas de todo el mundo.
La versatilidad de Arturo Sandoval se puede apreciar en todas sus grabaciones, ya sea junto a Dizzy
Gillespie, Woody Herman, Woody Shaw, Michel Legrand, Bill Conti, como con Stan Getz, Johnny Mathis,
Frank Sinatra, Paul Anka, Rod Stewart o Alicia Keys, entre muchos otros. Ha tocado junto a John Williams
con la Boston Pops, y en el Super Bowl con Tony Bennett y Patti LaBelle.
EL COMPOSITOR
Arturo Sandoval es un brillante compositor que abarca diversos formatos musicales. Sus melodías,
bellamente compuestas, pueden escucharse en varios estilos como el Jazz, Latin Jazz, Latino, Rock,
Country, Funk, Folk y Clásico, para nombrar solo algunos.
Los álbumes de Sandoval incluyen más de 200 de sus propias composiciones y arreglos, y se destaca
entre ellos " A Mis Abuelos", que recibió nominaciones al Grammy por "Mejor Composición
instrumental" y "Mejor Arreglo". Esta composición fue presentada en su álbum ganador del premio
Grammy Danzón . Otros puntos destacados de la discografía de Sandoval que ofrecen sus propias
composiciones incluyen : Dear Diz (Every Day I Think of You) ( 2012 ), Live at the Blue Note ( 2005 ,
Rumba Palace ( Grammy 2007) y Hot House ( Grammy 1998 ). Por la película “Los reyes del mambo”,
fue nominado para un Grammy en 1992 a la Mejor Composición Instrumental escrita para una película o
para televisión.
Arturo Sandoval va más allá del mero esfuerzo; sus continuas luchas desde su deserción en Cuba le han
brindado aún más fuerza y energía, instándolo a cumplir y superar sus sueños de la infancia.
Se habla con frecuencia de la capacidad técnica
del virtuoso Arturo Sandoval, y su especialidad en
las notas altas, pero el que lo ha visto en el piano,
líricamente, improvisando una balada, o ha tenido
la oportunidad de disfrutar de la diversidad de su
música a través de sus composiciones en el más
alto nivel del jazz, latin jazz o la música clásica,
sabe que Arturo Sandoval es un músico
absolutamente prominente, y lo reconoce como
uno de los más brillantes, polifacéticas y
reconocidos músicos de nuestro tiempo.
“Con una impresionante capacidad y virtuosismo, Arturo Santoval no desea más que
compartir su don con quienes sienten la misma intensa adoración por la música como él lo
hace.”
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ROGER KELLAWAY
Roger Kellaway no es sólo un pianista
impresionante sino también un compositor de una
capacidad arrolladora, que ahonda en los campos
de la música jazz, clásica y pop, muy destacado
además en sus trabajos para cine y televisión.
La discografía de Kellaway incluye más de 250
álbumes; ha trabajado con los mejores, desde Elvis
a Ellington, Dizzy Gillespie a Yo-Yo Ma, Joni
Mitchell a Mancini y Quincy Jones a Michael Tilson
Thomas.
Kellaway cuenta con un conocimiento musical
verdaderamente enciclopédico y con un estilo
inmediatamente reconocible por su calidad
singular y burbujeante que fluye gracias a una
habilidad única que tiene para incorporar el
swing, boogie y muchos otros estilos en ritmos
totalmente modernos.
Sus aclamados álbumes "Cello Quartet" son descritos por algunos como "crossover", "jazz de cámara"
y por otros, como el comienzo de la música "New Age", y fueron los primeros de una ecléctica
variedad de proyectos a partir de la década de 1960.
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Roger fue comisionado para componer un ballet para George Balanchine y el Ballet de la Ciudad de
Nueva York, piezas orquestales para la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, la Sinfónica Nacional, la
Orquesta de las Américas y un concierto, "Songs of Ascent", por encargo de la Filarmónica de Nueva
York, con Zubin Mehta como director. Escribió una serie de obras de cámara para presentaciones en el
Carnegie Hall y trabajó como director musical para el homenaje del 80º aniversario de Stephane
Grappelli, que incluyó por primera vez el ingreso de Yo-Yo Ma en el Jazz. Más tarde Stephane, Yo-Yo y
Roger viajaron juntos a París. En esta ocasión Kellaway, además de tocar, elaboró todos los arreglos
para el álbum "Anything Goes".
Roger nació en Waban, Massachusetts, el 1º de noviembre de 1939. Se enamoró del piano a la edad
de 7 años, cuando comenzó a estudiarlo. A los 12 ya escuchaba tanto música clásica como jazz, y fue
así como decidió que quería pasar su vida en el mundo de la música. Asistió al Newton High School y
en ese momento ocupó el puesto número tres de la escuela secundaria de los Estados Unidos
estudiando teoría musical a nivel universitario mientras tocaba contrabajo y percusión en la orquesta
de la escuela, interpretando obras de Mozart, Beethoven y Bach; al mismo tiempo tocaba el bajo en
una banda de jazz en forma extracurricular. Luego de la escuela secundaria, fue al Conservatorio de
New England (1957-1959), donde estudió piano, contrabajo y composición. Tras dos años en el
conservatorio, comenzó a tocar el bajo con Jimmy McPartland. En 1960, se estableció en la ciudad de
Nueva York y comenzó a tocar piano de manera independientemente. A los 22, ya era uno de los
pianistas más activos y respetados en Nueva York, tocando en clubs de jazz y trabajando con
cantantes de la talla de Lena Horne. Cuando decidió dedicarse en forma permanente al piano,
Kellaway ganó notable experiencia trabajando junto a Kai Winding, Al Cohn / Zoot Sims y Clark Terry
/ Bob Brookmeyer (1963-1965). Sus grabaciones favoritas durante este período fueron con Sonny
Rollins, Wes Montgomery, Oliver Nelson, Maynard Ferguson, Ben Webster, Clark Terry y Bob
Brookmeyer.
A mediados de los años ‘60, Kellaway se mudó a Los Ángeles para seguir tocando, hacer trabajos de
estudio, y poco más tarde escribir música para películas. Se convirtió en director musical de Bobby
Darin y en 1968 hizo los arreglos y condujo las grabaciones del álbum de canciones de Darin para la
película "Dr. Doolittle". Escribir canciones y arreglos ha sido siempre para Kellaway una pasión que a
veces se expande a la producción, como fue el caso del álbum de Carmen McRae, "I Am Music". La
relación comenzó con la canción de Roger "Tengo la sensación de que he estado aquí antes", obra
escrita especialmente para ella, con letra de los legendarios Alan & Marilyn Bergman. El éxito más
preciado de Kellaway en televisión fue "Remembering You", tema que compuso para el cierre del
innovador "All in the Family". Compuesto en 1970, aún se escucha en la televisión de todo el
mundo. No fue hasta mediados de los años 80 que Kellaway comenzó a tocar jazz casi a tiempo
completo. Sus numerosas grabaciones desde entonces (para Concord, Todo Arte, Stash, y Claroscuro)
dan fe de su impresionante talento. En 1988, Kellaway fue honrado con un premio Grammy por la
música que compuso para el álbum “Memos From Paradise”, para Eddie Daniels. Ha escrito y dirigido
veintinueve bandas sonoras de películas, incluyendo "Nace una estrella", de Bárbara Streisand, por la
que recibió una nominación al Premio de la Academia.
En 1999 Kellaway fue comisionado para componer la música de "Lenny" para una producción de
London’s West End, protagonizada por Eddie Izzard y dirigida por Sir Peter Hall. En el año 2000, la
West German Radio lo comisionó para escribir un espectáculo de dos horas de duración para celebrar
el 100º cumpleaños del compositor Kurt Weill. Además de la organización del espectáculo, también
trabajó como pianista y director de la orquesta. Más tarde ese mismo año, comenzó a trabajar como
director musical con Kevin Spacey en la pre-producción de su película "Beyond The Sea", dedicado a
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Bobby Darin, desempeñándose además en esta obra como director de orquesta y pianista. En 2005,
Roger dirigió el estreno mundial de "Nova" de Sir Paul McCartney en Buenos Aires con la Orquesta
Juvenil de las Américas. "En 2007 tocó y se desempeñó como director musical para la obra "Tributo a
Oscar Peterson” en el Carnegie Hall, y más tarde realizó una gira con Tony Bennett como su director
musical. 2008 comenzó con el Prix du Jazz Classique (equivalente al "Grammy" francés) para su CD
"Héroes" (dedicado a Oscar Peterson), y luego trabajó como director musical de Van Morrison para el
clásico "Astral Weeks" realizando además presentaciones en vivo y grabaciones (CD / DVD) en el
Hollywood Bowl.
En el año 2009 Kellaway trabajó nuevamente con los Bergman en "Visions of America", un retrato
orquestal multimedia de la Democracia. La composición de "Photo-Symphony" para gran orquesta,
jazz piano y coro, con la participación de la gran cantante Patti Austin, fue comisionada por el
renombrado fotógrafo Joseph Sohm. Este espectáculo se estrenó en Filadelfia con The Philly Pops y fue
dirigido por Peter Nero. Más tarde, ese mismo año, Roger tocó como solista en la sala Zankel del
Carnegie Hall a sala llena, y culminó el año realizando la orquestación y conducción para la película de
Clint Eastwood, INVICTUS.
En 2010, Roger recibió un doctorado honorario de su alma mater, el Conservatorio de Música de New
England, y comenzó a pasar la mayor parte de su tiempo en esta etapa componiendo, sólo se detuvo
el tiempo suficiente para tocar algunos conciertos. En el año 2011, la aclamada “Live at the Library of
Congress”, con Eddie Daniels, fue seguida por la participación en varios festivales de jazz. The Boston
Pops realizó una versión ampliada de “Visions of America” en 2012, dirigida por Keith Lockhart y con
coro dirigido por Peter Mansfield. Los cantantes Patti Austin y Steve Tyrell ralizaron varias
presentaciones con Kellaway en el piano. En el otoño, Roger grabó "Duke At The Roadhouse – en vivo
en Santa Fe", su tercer CD grabado en dúo con Eddie Daniela, esta vez añadiendo cello.
En enero de 2013, la New West Symphony interpretó "Visions Of America: A Foto Symphony",
conducido por Marcelo Lehninger. En su versión revisada, se presentó un espectáculo de cincuenta
minutos donde Kellaway tocó jazz piano, incluyendo un coro de veinticuatro integrantes, los cantantes
Judith Hill & Steve Tyrell, con u n total de noventa y cinco artistas en el escenario! El trabajo más
reciente que le fue comisionado, una pieza de veintidós minutos para dos pianos, bajo y batería, es
una exploración de Jazz de nueve canciones escritas por Sir Paul McCartney. Los meses de verano
incluyeron tres Festivales con Eddie Daniels; San Francisco Jazz, Johannesburgo, África del Sur y el
Festival de Jazz de Detroit.
2014 comenzó con el Gran Prix du Jazz (equivalente al "Grammy" francés para ‘Grabación del Año’)
con "Duke At The Roadhouse", junto a Eddie Daniels y un invitado especial: James Holland. Más tarde,
Roger realizó dos conciertos en Nueva York, uno en el Apollo y otro en el Town Hall, para celebrar el
50 º aniversario de los Beatles.
Actualmente reside en Ojai, California, con su esposa Jorjana.
Ecléctico Maestro, hoy Roger Kellaway continúa grabando, realizando conciertos en los EE.UU. y
Europa, y escribiendo para producciones teatrales y cine.
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EDDIE DANIELS
"Es un caso raro en el jazz,
donde un hombre puede casi
reinventar un instrumento,
llevándolo a una nueva etapa
de su evolución". Leonard
Feather
“Eddie Daniels combina elegancia y
virtuosismo de una manera que hace recordar
a Arthur Rubenstein” - Leonard Bernstein
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Eddie Daniels es uno de los pocos músicos, entre los más excepcionales, que se destacan tanto
en el mundo del jazz como en el ámbito de la música clásica, sobresaliendo en ambos con un
impresionante virtuosismo.
El eminente crítico de jazz Leonard Feather dio su experto testimonio sobre Eddie: "Es un caso
raro en el jazz, donde un hombre puede casi reinventar un instrumento llevándolo a un nuevo
escenario de evolución".
Eddie Daniels nació en Nueva York, Estados Unidos, el 19 de octubre de 1941 en el seno de una
familia judía. Si bien es mayormente conocido como clarinetista de jazz, toca también el saxo
alto, el saxo tenor y el saxo soprano, instrumento con el que participó en el concurso juvenil
Newport Jazz Festival cuando tenía solo 15 años.
Posteriormente, ya al iniciar sus estudios superiores, se decantó por el clarinete, instrumento
con el que ha conseguido mayor fama.
Eddie llamó por primera vez la atención del público de jazz como saxofonista tenor con la
Orquesta Thad Jones-Mel Lewis. Cuando Thad y Mel organizaron por primera vez su banda en
1966 para tocar los lunes por la noche en el Village Vanguard de Nueva York (donde sigue
tocando), Eddie fue uno de los primeros músicos que llamaron. Más tarde ese año, tomó un
vuelo de ida y vuelta a Viena para participar en el Concurso Internacional de Jazz Moderno, un
concurso organizado por el pianista Fredrich Gulda y patrocinado por la ciudad de Viena, y
ganó el primer premio de saxo. Continuó trabajando con Thad y Mel por mucho tiempo en los
años siguientes y recorrió Europa extensamente con ellos.
Con un solo de clarinete grabado junto a la orquesta Thad Jones- Mel Lewis como solista, "Live
at the Village Vanguard" atrajo la suficiente atención de la crítica internacional para permitirle
ganar el Premio New Star en Clarinete de la revista Downbeat. Esta revelación en el clarinete
no fue nueva, pues Eddie comenzó a estudiarlo a los 13 años y recibió su Maestría en las
Escuelas Juilliard. Ganador de numerosos premios y nominaciones a los Premios Grammy,
Eddie Daniels revolucionó la fusión del jazz con la música clásica.
La máxima ambición de Eddie es llegar al mayor número posible de personas con su música,
para ampliar su público tanto del jazz como del mundo de la música clásica, y al mismo tiempo,
derribar los muros que los separa. A manos de Eddie, la música de Mozart puede ser tan
atractiva como la de Charlie Parker, y un concierto que incluya a ambos puede ser una
experiencia única y gratificante para el público.
Memos From Paradise , Live at the Library of Congress figuran entre sus álbumes más afamados.
Eddie Daniels es claramente un músico renacentista, un virtuoso tanto en el jazz como la
música clásica, destinatario de elogios sin reservas de sus pares, de la crítica y del público.
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HERBIE HANCOCK
Award Typ
Year
Award Category
Name
e
2007
Grammy®
Best Contemporary Jazz
River: The Joni Letters
Album
2007
Grammy®
Album Of The Year
River: The Joni Letters
2004
NEA Jazz Masters Award
2004
Grammy®
Best Jazz Instrumental Solo
Speak Like A Child
2002
Grammy®
Best Jazz Instrumental Solo
My Ship
2002
Grammy®
Best Jazz Instrumental Album Directions In Music
2001
VH1s 100 Greatest Videos
10th Greatest Video
Rockit
1998
Grammy®
Best Jazz Instrumental
Gershwins World
Performance
1998
Grammy®
Best Instrumental
St. Louis Blues
Arrangement Accompanying
Vocal(s)
1997
Festival International Jazz de
Miles Davis
Montreal Prix
1997
Soul Train Music Award
Best Jazz Album
The New Standard
1996
Grammy®
Best Instrumental
Manhattan (Island Of
Composition
Lights And Love)
1994
Grammy®
Best Jazz Instrumental Album Tribute To Miles
by a Group
1989
BMI Film Music Award
Colors
Colors
1988
Playboy Music Poll
Best Jazz Instrumentalist
1988
Keyboard Magazine Readers Best Jazz Pianist
Poll
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1988
BMI TV/ Film Award
25 Years of Affiliation
1987
Playboy Music Poll
Best R&B Instrumentalist
1987
Keyboard Magazine Readers Best Jazz Pianist
Poll
1987
Grammy®
Best Instrumental
Call Sheet Blues
Composition
1987
Keyboard Magazine Readers Best Jazz Keyboardist
Poll
1986
Los Angeles Film Critics
Best Score
Round Midnight
Association
1986
Playboy Music Poll
Best Jazz Keyboards
1986
Oscar
Original Score
Round Midnight
1986
U.S. Radio Award
Best Original Music Scoring
Thom McAnn Shoes
1986
BMI Film Music Award
1985
French Award Officer of the
Round Midnight
Paris
Order of Arts & Letters
1985
Playboy Music Poll
Best Jazz Group
1985
Gold Note Jazz Awards
Best R&B Instrumental
Rockit
Performance
1985
Playboy Music Poll
1985
NY Chapter National Black
Best Jazz Album
Future Shock
Rockit
MBA association
1984
MTV Video Awards
Best Video Editing
1984
MTV Video Awards
Best Special Effects in a Video Rockit
1984
MTV Video Awards
Most Experimental Video
Rockit
1984
MTV Video Awards
Best Art Direction in a Video
Rockit
1984
MTV Video Awards
Best Concept Video
Rockit
1984
Grammy®
Best R&B Instrumental
Sound System
Performance
1983
Grammy®
Best R&B Instrumental
Rockit
Performance
1983
Keyboard Magazine Readers Poll Best Jazz & Pop Keyboardist
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Herbie Hancock es un verdadero
Ícono de la música moderna. En
su intensa exploración musical ha
trascendido limitaciones y géneros,
con una inconfundible voz que
marca su sello. Desarrollando una
ilustre carrera que abarca cinco
décadas y 14 Premios Grammy,
incluyendo Álbum del Año para el
sello River -The Joni Letters-, sigue
sorprendiendo al público de todo el
mundo.
Hay pocos artistas en la industria de la
música como Herbie Hancock, que hayan
tenido mayor influencia sobre el jazz
acústico, el electrónico, y el R & B (rythm &
blues contemporáneo).
Herbie ejerce el budismo con el fin de que
su voz, cuando se expresa a través de la
amplitud de su música, pueda conectar los
corazones en todo el universo al servicio
de la paz. Herbie promueve activamente la
música junto al budismo, enseñando y
ayudando a otros a reconocer su propio
potencial para expandir sus vidas y lograr
la verdadera felicidad.
Nacido en Chicago en 1940, Herbie fue un niño prodigio del piano quien, con solo 11
años, realizó un concierto para piano interpretando a Mozart junto a la Orquesta
Sinfónica de Chicago. Comenzó a tocar jazz en la escuela secundaria, y recibió
inicialmente la influencia de Oscar Peterson y Bill Evans. También desarrolló una gran
pasión por la electrónica y la ciencia, y obtuvo una doble licenciatura en música e
ingeniería electrónica en la Universidad de Grinnell.
En sus comienzos, Herbie fue descubierto en 1960 por el trompetista Donald Byrd.
Luego de dos años trabajando como músico de sesión con Byrd junto a Phil Woods y
Oliver Nelson, firmó contrato con Blue Note como solista. Su álbum debut de 1963,
"Takin' Off', fue un éxito inmediato, con el hit “Watermelon Man". En 1963, Miles
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Davis invitó a Herbie a unirse al quinteto de Miles Davis. Durante sus cinco años con
Davis, Herbie y su colegas Wayne Shorter (saxo tenor), Ron Carter (bajo) y Tony
Williams (batería), grabó numerosos clásicos, entre ellos 'ESP', 'Nefertiti' y `Hechicero'.
Más tarde, Herbie realizó varias apariciones para el innovador proyecto de Davis “In a
Silent Way” y "Bitches Brew", que anunció el nacimiento del jazz-fusión".
Su verdadera carrera como solista floreció a partir de Blue Note, con álbumes clásicos
como ' Maiden Voyage ', ‘Empyrean Isles ' y 'Speak Like a Child'. Compuso la banda
sonora de la película 'Blow Up' de Michelangelo Antonioni en 1966, que lo condujo a
una exitosa carrera dentro del cine y la música para televisión.
A lo largo de toda su vida, Herbie pareció haber transcurrido en un viaje de expansión.
En la primavera de 1972, habiendo ya logrado numerosos reconocimientos, siendo un
músico consumado y con una hermosa familia establecida, Herbie se introdujo en un
nuevo sendero de despertar espiritual del que nunca se retiró. Al oír algo nuevo y
profundo en un solo de un compañero de banda, Herbie lo sondeó en cuanto a la
fuente de esa expresión; fue así como éste le transmitió que esta nueva inspiración se
deriva de algo que va más allá del ámbito de la música, fue cuando entonces Herbie
escuchó por primera vez del budismo. "Practicar budismo ha traído varias revelaciones
para mí, que han sido muy importantes en mi propio desarrollo personal y por lo tanto
en mi desarrollo musical”.
Herbie Hancock es una verdadera leyenda del jazz que deleita a su público creando con sus
dedos una red de fino tejido en polirritmia y tonos surrealistas.
Es un verdadero jazz cyborg: mitad humano, mitad robot, pero absolutamente sublime.
R
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