wir lieben bücher. we love books.

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WIR LIEBEN BÜCHER. WE LOVE BOOKS.
Christian Boros & Uta Grosenick
Speculative Ambience (Oculus at Brandenburger Tor), Not in the Berlin Biennale, Videostill / video still, 2016
9. BERLIN BIENNALE FÜR ZEITGENÖSSISCHE KUNST
THE PRESENT IN DRAG
Paradox + Essenz unserer Zeit
Die 9. Berlin Biennale, kuratiert von dem New Yorker Kollektiv DIS, versteht
sich als eine Plattform für Kollaborationen, Ideen, Katastrophen und
E xtreme. Sie will die Paradoxien greifbar machen, die die Welt im Jahr
2016 zunehmend prägen: das Virtuelle als das Wirkliche, Nationen als
Marken, Menschen als Daten, Kultur als Kapital, Wellness als Politik, Glück
als Bruttoinlandsprodukt und so weiter. „The Present in Drag“ erscheint
zur 9. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst und bietet weiterführende
Informationen zu den in der Ausstellung gezeigten Arbeiten sowie Beiträge
von Roe Ethridge, Simon und Daniel Fujiwara, Boris Groys, Katja Novitskova,
Chus Martínez, Bjarne Melgaard, Sean Patrick Monahan, Sabine Reitmaier,
McKenzie Wark und anderen.
German / English
17 × 24 cm
382 pages, approx. 250 color images
Softcover
Release: May 2016
£ 18.95 / $ 30.00
€ 22.00 (D)
ISBN 978-3-95476-155-5
Looking at Art (IX Crate), 2016
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Paradox + Essence of Our Time
Curated by the New York collective DIS, the 9th Berlin Biennale is a
platform for collaborative ventures, ideas, catastrophes, and extremes.
It seeks to materialize the paradoxes that increasingly define the world of
2016: the virtual as the real, nations as brands, people as data, culture as
capital, wellness as politics, happiness as GDP, and so on. “The Present
in Drag” is published as a companion volume to the 9th Berlin Biennale
for Contemporary Art. Providing information on the works shown in the
exhibition, it also includes contributions by Roe Ethridge, Simon and
Daniel Fujiwara, Boris Groys, Katja Novitskova, Chus Martínez, Bjarne
Melgaard, Sean Patrick Monahan, Sabine Reitmaier, McKenzie Wark,
and others.
CEE CEE BERLIN NO. 2
Berliner Highlights / Best of 2014–2016
Mit 30.000 wöchentlichen Lesern ist Cee Cee eines der meistgelesenen Online
Medien für und über Berlin. Seit fünf Jahren beschreibt und kommentiert Cee
Cee das sich ständig wandelnde Stadtbild der hauptstädtischen Kultur- und
Gastronomieszene. Die Auswahl an Empfehlungen ist handverlesen und wird
von Berlin-Fans im In-und Ausland, Expats und Einheimischen gleichermaßen
geschätzt. Nach dem großen Verkaufserfolg von „Cee Cee Berlin“ legen
die Macher nun den Folgeband vor. Das neue Buch wartet mit über 200
weiteren Tipps auf. Versteckte Cafés und alteingesessene Geschäfte werden
vorgestellt, Konzept-Bars und Spezialitäten-Restaurants, Umland-Tipps und
hyperlokale Trends nebeneinandergestellt. Viele Abbildungen und ganzseitige
Stadtansichten zeigen das Berlin von heute als Momentaufnahme. Gastbeiträge
von Berlinern aus Kunst und Kultur sowie Insider-Tipps komplettieren das Konzept und laden dazu ein, die Stadt ganz persönlich zu entdecken. Das zweite
Cee Cee-Buch für Berliner, Liebhaber der Stadt und jene, die es werden wollen.
Eds. Sven Hausherr, Nina Trippel
German / English
20 × 27 cm
Hardcover
Release: September 2016
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90
ISBN 978-3-95476-153-1
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Berlin Highlights / Best of 2014–2016
Cee Cee is one of Berlin’s most widely read online mediums, with 30,000 readers every week. For five years, Cee Cee has charted and appraised the capital’s
perpetually changing urban landscape, tracing the diverse and multifaceted
gastronomy and cultural scenes. The selection of recommendations is carefully
vetted and has become an indispensable guide for Berlin lovers—resident
expats and locals, visitors from Germany and abroad. After the huge success
of “Cee Cee Berlin,” the creators now present the second volume. The book is
chock-full with more than 200 fresh tips: hidden cafés and neighborhood bars,
concept stores and specialty restaurants, destinations further afield in the surrounding countryside, and a dedicated and detailed analysis of the hyperlocal.
Numerous photographs and full-page spreads of the city visualize the Berlin of
today, and recommendations from guest contributors in the art and culture sector as well as insider tips make this book a veritable treasure trove for explorers.
The book is a must-have for locals, Berlin fans, and the Berliners of tomorrow.
Jen Messelier, Egle Tvirbutaite, Purple Fashion 2008
HORST DIEKGERDES
Einer der exzentrischsten Bildschöpfer der letzten zwei Jahrzehnte
Es ist nicht vielen Modefotografen vergönnt, Bilder zu schaffen, die in den
Mainstream der Popkultur eingehen. Doch genau das ist dem Norddeutschen
Horst Diekgerdes gelungen. Seit Mitte der 1990er Jahre fotografiert er für
Publikationen wie AnOther Magazine, Purple, Dazed & Confused, le magazine
double oder self service magazine, aber auch für verschiedene Ausgaben
der Vogue. Kommerziellen Ausdruck fanden diese Arbeiten in internationalen
Kampagnen für Miu Miu, Chloé, Hermès, Sonia Rykiel oder Kenzo, um nur
einige zu nennen. Die erste Monografie von Horst Diekgerdes feiert das
Leben, die Mode und die Fotografie. Sie ist eine Reise von den Mitt-1990ern
zur Gegenwart, die Modefotografien mit persönlichen Tagebuchbildern, Alltags
beobachtungen und unveröffentlichte Arbeiten zeigt. Die Texte stammen
von Anastasia Barbieri, Jean-Pierre Blanc, Urs Fischer, Jefferson Hack,
Jina Khajjer und Véronique Leroy.
Eds. Beda Achermann, Horst Diekgerdes
English
27,5 × 35,5 cm
Hardcover (flex)
£ 45.00 / $ 78.00
€ 48.00 (D)
ISBN 978-3-95476-134-0
Audrey Marnay, IT Magazine 1997
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One of the Most Eccentric Visual Creators of the Past Two Decades
Not many fashion photographers get to see their pictures become part of the
pop-cultural mainstream. Diekgerdes has been working in the scene since
the mid-1990s, for fashion magazines such as AnOther Magazine, Purple,
Dazed & Confused, le magazine double, and self service magazine, but also
for several editions of Vogue. His commercial work has graced campaigns
for Miu Miu, Chloé, Hermès, Sonia Rykiel, and Kenzo, to mention only a few.
Horst Diekgerdes’s first monograph is a celebration of life, fashion, and
photography in the form of a photographic journey from the mid-1990s to
the p
resent, combining fashion photographs with pictures from his personal
diaries, observations of everyday life, and previously unpublished works.
Anastasia Barbieri, Jean-Pierre Blanc, Urs Fischer, Jefferson Hack, Jina
Khajjer, and Véronique Leroy contributed essays.
„Dieses Buch feiert das Leben,
die Mode und die Kunst der Fotografie.“
“This book is a true celebration of life,
fashion and the art of photography.”
Vogue Paris
Alessandro Romualdi, Stylist
André Hönicke, Still & Food Photoartist
CÆTCH
Tableau mit Postkarten / with postcards, 2015
IVO VON RENNER
AUS DER ENTFERNUNG ZU EUCH
CÆTCH – Photography. Aesthetics. Inspiration.
CÆTCH ist eine innovative Plattform, auf der ausgewählte Fotografen und
Stylisten ihre Portfolios präsentieren. Die seit 2014 existierende Internetseite
wird bereits von vielen bekannten Fotografen und Stylisten in Europa genutzt
und bietet eine beeindruckende Fülle kreativer Künstler. Da ihre Arbeiten in gedruckter Form noch einmal eine ganze besondere Wirkung entfalten, sind sie
jetzt als Buch erhältlich. Auf 352 Seiten zeigen 141 Künstler ihre vielseitigen
Werke aus den Bereichen Fashion, Lifestyle, Advertising, Editorial, People,
Still Life und Landscape. Jeder gestaltete ein bis zwei Doppelseiten und
präsentiert sich so ganz nach seinen eigenen Vorstellungen. Damit erhält
der Leser einen abwechslungsreichen und spannenden Überblick über die
Arbeiten der besten und interessantesten Fotografen und Stylisten Europas.
Das Buch dient als Inspirationsquelle für Kreative und Sammler, die auf der
Suche nach neuen Fotografen oder Stylisten sind.
CÆTCH—Photography. Aesthetics. Inspiration.
CÆTCH is an innovative platform on which selected photographers and
stylists present their portfolios. The website, which was launched in
2014, has already attracted a large following of photographers and stylists
throughout Europe and presents an amazingly broad spectrum of creative
artists. Yet nothing could bring out the quality of their work to better effect
than printed paper, and so the makers of CÆTCH decided to produce
this anthology. F
eatured on its 352 pages are the diverse works of 141
artists: fashion, lifestyle, and advertising photography, people, still lifes, and
landscapes. Each contributor was invited to present his or her personal vision
in one or two spreads. The result is a richly varied and engrossing survey of
the art of Europe’s best and most interesting photographers and stylists. The
book hopes to inspire other creatives as well as collectors on the lookout for
new photographers and stylists.
Aus weiter Ferne so nah
Ivo von Renner (geb. 1949 in Hamburg, lebt in Hamburg, arbeitet weltweit)
wurde mit seinen Kampagnen für VW, Triumph-Adler und Pernod zur Ikone
der Werbefotografie. Nun legt der Fotograf, Künstler und Reisende ein sehr
persönliches Buch vor. In über 200 Postkarten, geschrieben an seine Familie
während drei Jahrzehnten, hält er die vielleicht schönste Verbindung zwischen Heimat und Fernweh fest. Momente und Jahre, Orte und Szenarien,
spannende Hintergrundgeschichten und spontane Gedanken fügen sich mit
gekonnt arrangierten Tableaus zu einer unwiderstehlichen Geschichte rund
um den Globus zusammen. Sie ist eine Einladung an Entdecker, Träumer,
Neugierige und Sehnsüchtige. Hier können sie erfahren, dass am Ende jeder
Reise vor allem eines steht: das Gefühl, ein Stück näher bei sich selbst angekommen zu sein. Mit einem Vorwort von Wolfgang Joop.
Ed. Marcel Orth
German / English
22 × 28 cm
Hardcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
English
25 × 32 cm
352 pages, approx. 400 color and b/w images
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-162-3
ISBN 978-3-95476-141-8
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From Faraway, So Close
Ivo von Renner (b. Hamburg, 1949; lives in Hamburg, works around the
world) is best known as the creator of iconic advertising photographs for
campaigns by VW, Triumph-Adler, and Pernod. With “To You from Afar,”
the photographer, artist, and traveler now presents a very personal book.
More than two hundred postcards he wrote to his family over the past three
decades add up to a moving portrait of the comforts of home as well as the
lure of distant lands. Moments and years, places and scenes, gripping plots
and spontaneous ideas coalesce around deftly arranged tableaus to tell an
irresistible story that spans the globe. It invites explorers and dreamers, the
curious and the restless, to discover an important truth: wherever our voyages
take us, the most important souvenir we return with is the sense of being a
little more at home with ourselves. With a preface by Wolfgang Joop.
Rise, Performance, Akademie der Künste, Berlin 2014
CHRISTIAN FALSNAES
ELIXIR
We’re serious. We have hoodies on and we look like a softball team. We all match. We’re all working on the same people, 2015
YNGVE HOLEN
TRYPOPHOBIA
„Ich werde diese Performance mit euch allen machen. Ohne euch gibt es
keine Performance …“,
ruft Christian Falsnaes (geb. 1980 in Kopenhagen, lebt und arbeitet in Berlin)
zu Beginn seiner fesselnden Performance Front. Der Bezug zum Publikum
bildet den Kern von Falsnaes’ künstlerischer Praxis. Seine Vorstellung von
Performance kreist um partizipative Aspekte, im Zuge derer Zuschauer und
Künstler gemeinsam ein Kunstwerk generieren. Falsnaes und die mitwirkenden
„Betrachter“ arbeiten mit unterschiedlichsten Medien, wie Malerei, Collage,
Installation und Video. Im Zentrum dieser dynamischen Beziehung zwischen
Künstler und Publikum liegen die Regeln, Gewohnheiten und Verhaltensweisen,
die zur Interaktion führen. Themen wie Autorität, Unterwerfung und Einzig
artigkeit bilden den Nährboden für die unvorhersehbare und unkontrollierbare
Natur der Performances. Dieses Buch dokumentiert diese vielfältigen Aktionen
und enthält kurze Beschreibungen der Arbeiten von den an ihnen beteiligten
Kuratoren, wie Carson Chan, Catharina Gebbers und Jule Hilgärtner.
“I’m going to do this performance with all of you. Without you there would
be no performance …,”
shouts Christian Falsnaes (b. Copenhagen, 1980; lives and works in Berlin) at
the beginning of his engaging performance, Front. It is his relationship to the
audience that lies at the core of his artistic practice. Falsnaes’s idea of performance revolves around participatory pieces where the spectators and the artist
work in conjunction to produce an artwork. He and the various viewers who
have helped him work with diverse media, including painting, collage, installation, and video. At the core of this dynamic relationship—between the artist
and audience—are the rules, customs, and behavior that give rise to the result
of the interaction. Themes of authority, submission, and uniqueness underwrite the unforeseeable and uncontrollable nature of his performances. This
monograph documents these varied actions and outcomes as well as contains
short descriptions of the works from curators who were involved in them, including Carson Chan, Catharina Gebbers, and Jule Hilgärtner. Wie weit kann man mit einer Idee gehen?
Der norwegisch-deutsche Künstler Yngve Holen (geb. 1982 in Braunschweig,
lebt und arbeitet in Berlin) setzt sich mit Transportmitteln, Technologien und
dem menschlichen Körper auseinander. Die so entstehenden Skulpturen sind
einzig in ihrer Art. Was zunächst technoid und nihilistisch wirkt, zeigt auf den
zweiten Blick das Spannungsfeld zwischen menschlicher Unsterblichkeit und
individueller Verwundbarkeit. Die Werkserien aus den Jahren 2010–2015 wurden mit 3D-Druckern oder Hochdruck-Wasserstrahlschneidern produziert. Sie
verwerten Ersatzteile unserer Verbrauchskultur oder sind Maßanfertigungen,
die die materiellen Grenzen der modernen Industrie und unseres alltäglichen
Umfelds erkunden. „Trypophobia“ ist Holens erste Monografie. Eine sogenannte
SWOT-Analyse von Aedrhlsomrs Othryutupt Lauecehrofn, der Holens Stärken,
Schwächen, Chancen und ihm drohende Gefahren untersucht, bildet den
Auftakt. Es folgen weitere Beiträge von Schriftstellern und Künstlern: Thom Bettridge, Victoria Camblin, Karl Holmqvist, Pablo Larios, S01E01 und Eric Schmid.
Eds. Aaron Bogart, PSM,
Berlin
Eds. Matthew Evans, Yngve Holen
English
21 × 26,5 cm
Softcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
English / German
21 × 29,7 cm
Softcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
ISBN 978-3-95476-145-6
ISBN 978-3-95476-151-7
EDITION
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How Far Can You Take an Idea?
The Norwegian-German artist Yngve Holen (b. Braunschweig, 1982; lives
and works in Berlin) explores themes of transportation, technology, and the
human body. The resulting sculptures are unlike anything you have seen.
The initial impression of technological nihilism is deceptive; these works
visualize the tension between human immortality and individual vulnerability.
The series dating from between 2010 and 2015 were manufactured using
3D printers or high-pressure water jet cutters. They incorporate consumer
spare parts or were custom-made to probe the material limits that define
modern industry and our everyday surroundings. “Trypophobia” is Holen’s
first monograph. It opens with a so-called SWOT analysis of the artist by
Aedrhlsomrs Othryutupt Lauecehrofn that evaluates Holen’s strengths,
weaknesses, opportunities, and threats and also contains contributions by
writers and artists: Thom Bettridge, Victoria Camblin, Karl Holmqvist, Pablo
Larios, S01E01, and Eric Schmid.
Painted Sculpture, Ausstellungsansicht / exhibition view, Anton Kern Gallery, New York 2015
MARK GROTJAHN
PAINTED SCULPTURE
Stephan Balkenhol, Nackter Mann mit goldener Krone, 2015, und/and Jeff Wall, Listener, 2015, Ausstellungsansicht / exhibition view, Leopold-Hoesch-Museum & Papiermuseum Düren, 2016
STEPHAN BALKENHOL & JEFF WALL
FIGURE ON DISPLAY
Ausbruch aus den Gemälden – Mark G
rotjahns Skulpturen
In einem radikalen Akt der Transformation macht Mark Grotjahn (geb. 1968
in Pasadena, lebt und arbeitet in Los Angeles) aus einem gewöhnlichen
Pappkarton ein edles Kunstwerk: eine Bronzeskulptur auf einem Sockel. Mit
groben Ausschnitten für Münder und Augen, angeklebten Papprollen als
Nasen und gerippten Kartonage-Oberflächen erinnern die Assemblagen an
primitive, kindliche Masken. Nachdem sie in Bronze gegossen wurden, bemalt Grotjahn sie in gestischer, expressiver Manier mit Schlieren aus bunter
Ölfarbe. Auf Podeste aus Kiefernholz gestellt, sind die Masken Gemälde und
dreidimensionale Objekte zugleich. Damit werden sie zu Hybriden, zu nie
dagewesenen Kreuzungen. Sie fügen der Genealogie der modernen Kunst
und insbesondere der gefassten Skulptur eine neue Facette hinzu und treten
in Dialog mit den modernistischen Konzepten des gefundenen Objekts, der
Assemblage und der geschweißten Skulptur sowie den Masken und Plastiken
der klassischen Moderne, die von nicht-westlicher Kunst inspiriert wurden.
Masks Bursting from the Flatness of Painting—Mark Grotjahn’s Sculptures
In a radical act of transformation, Mark Grotjahn (b. Pasadena, 1968; lives
and works in Los Angeles) turns an ordinary wobbly cardboard box into a
precious and solid work of art: a bronze sculpture on a pedestal. With rough
cutouts for mouths and eyes, cardboard rolls for noses, and corrugated
surfaces, the assemblages recall primitive infantile masks. Grotjahn casts
them in bronze and then paints them in a gestural expressive style with
streaks of bright oil paint. Set on pinewood bases, the masks are paintings
and three-dimensional objects at once: not just mere combinations of two
techniques but genuine hybrids, never-before-seen chimeras. They enrich
the genealogy of modern art, and of painted sculpture more particularly, with
a new facet, engaging the modernist ideas of found object, assemblage, and
welded sculpture in dialogue and harking back to the masks and sculptures
of classical modernism inspired by non-Western art.
Die Kunst der Gegenüberstellung
Stephan Balkenhol (geb. 1957 in Fritzlar, lebt und arbeitet in Karlsruhe,
Meisenthal/Lothringen, Kassel und Berlin) ist einer der bedeutendsten
zeitgenössischen deutschen Bildhauer. In der Tradition der Porträtbildhauerei
stehend, stellt er anonyme, vertraut wirkende Männer und Frauen aus Holz
dar. Jeff Wall (geb. 1946 in Vancouver, British Columbia, lebt und arbeitet in
Vancouver) gilt als eine der großen Führungsfiguren in der Gegenwartsfotografie. Berühmt wurde er mit großformatigen Diapositiven in Leuchtkästen.
Bereits 1988 verfasste Jeff Wall einen Text über Stephan Balkenhol, da er
von dessen Werken sehr fasziniert war. Nun sind beide Künstler erstmalig in
einer Ausstellung und in einem Buch vereint. Neben Walls Text und einem
Beitrag von Felix Krämer vom Städel Museum in Frankfurt am Main führt der
Galerist Jörg Johnen, der beide vertritt, ein Gespräch mit den Künstlern.
German / English
22 × 30,5 cm
Hardcover with linen, dust jacket
Release: October 2016
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
Ed. Renate Goldmann,
Leopold-Hoesch-Museum & Papiermuseum Düren
German / English
24 × 26 cm (landscape format)
Hardcover with half-linen
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
ISBN 978-3-95476-136-4
ISBN 978-3-95476-140-1
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The Art of Confrontation
Stephan Balkenhol (b. Fritzlar, Germany, 1957; lives and works in Karlsruhe,
Meisenthal/Lorraine, Kassel, and Berlin) is one of the most important German
sculptors working today. Working in the tradition of portrait sculpture, he
creates effigies of anonymous and yet strangely familiar men and women from
wood. The Canadian artist Jeff Wall (b. Vancouver, BC, 1946; lives and works
in Vancouver) is widely regarded as one of the world’s leading contemporary
photographers. He rose to fame with large-format transparencies mounted
on light boxes. Already in 1988 Jeff Wall wrote a text on Stephan Balkenhol’s
work, which he thought extraordinarily fascinating. Now both artists are united
for the first time in an exhibition and a book. In addition to Wall’s essay and a
contribution by Felix Krämer (Städel Museum, Frankfurt am Main), the volume
includes a conversation between Jörg Johnen, who represents Wall and
Balkenhol, and the two artists.
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Cola Project, Ausstellungsansicht / exhibition view, Wall Art Museum, Peking / Beijing 2010
HE XIANGYU
„Nichts, was in China nicht erlaubt ist, kann nicht getan werden …“
He Xiangyu (geb. 1986 in Dandong, Provinz Liaoning, lebt und arbeitet in Peking
und Berlin) gehört zu einer neuen Generation von chinesischen Konzeptkünstlern, die verschiedene Medien einsetzen, um ihre kulturellen und sozialen
Anliegen zum Ausdruck zu bringen. Seine so ambitionierten wie provokativen
Arbeiten haben ihn schnell international bekannt gemacht. Für Cola Project,
2008 kochte er 127 Tonnen Coca-Cola ein Jahr lang ein, bis nur noch ein Berg
von kristalliner erdartiger Masse und eine schwarze Flüssigkeit übrig waren. Von
ähnlicher Dimension ist Tank Project (2011–2013), für das er einen Panzer aus
feinstem italienischen Leder von einem ganzen Nähereibetrieb in Originalgröße
herstellen ließ. Sein Interesse, das Wertesystem zu verdrehen, zeigt sich auch in
der Arbeit 4850g Gold, 62g Protein (2014/15), bestehend aus einem Eierkarton
aus massivem Gold und einem normalen Hühnerei. He Xiangyus erste Mono
grafie beinhaltet Texte von Bao Dong, Li Zhenhua, Lu Mingjun, Sun Dongdong
und Wang Min’an sowie ein Gespräch zwischen Li Zhenhua und dem Künstler.
English / Chinese
22,5 × 28 cm
£ 40.00 / $ 68.00
€ 45.00 (D)
ISBN 978-3-95476-132-6
EDITION
4850g Gold, 62g Protein, 2014/15
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“Nothing that isn’t allowed in China cannot be done …”
He Xiangyu (b. Dandong, Liaoning Province, 1986; lives and works in Beijing
and Berlin) belongs to a new generation of Chinese conceptual artists who
use a variety of media to articulate their cultural and social concerns. His
ambitious and provocative works have quickly brought him international
renown. In 2008, He Xiangyu launched his Cola Project, for which he boiled
down 127 tons of Coca-Cola over the course of a year to extract a crystalline
residue resembling soil and a black liquid. Tank Project (2011–2013) is of
similar gargantuan dimensions: the artist employed an entire sewing studio
to manufacture a full-size replica of a tank out of the finest Italian leather. He
Xiangyu’s interest in twisting the system of values is also evident in 4850g
Gold, 62g Protein (2014/15), which consists of an egg carton made of solid
gold and an ordinary chicken egg. He Xiangyu’s first monograph includes
essays by Bao Dong, Li Zhenhua, Lu Mingjun, Sun Dongdong, and Wang
Min’an as well as a conversation between Li Zhenhua and the artist.
Stranger, 2011
Midnight Rain, Gao Yanjinzi, 2015
Liu Donghong, 2014
STEFANIE SCHWEIGER
CHICKEN ARE NOT NAKED – MANY WAYS TO LIVE AN ARTIST’S LIFE IN BEIJING
CHEN FEI
„Ich male gerne schlechten Geschmack.“
Die Arbeiten von Chen Fei (geb. 1983 in Shanxi, China, lebt und arbeitet
in Peking) gehen in eine neue Richtung der zeitgenössischen chinesischen
Kunst, die sich erheblich von den Themen und der Ästhetik der Avantgarde-
Generation der 1980er und 1990er Jahre unterscheidet. Seine Bilder sind von
zahlreichen Filmen beeinflusst, die er seit seiner Kindheit gesehen hat – vom
Meisterwerk über den Kultfilm bis zum B-Movie. So begann er ein Studium an
der Beijing Film Academy und malte 202 Bösewichte mit ihren Kostümen und
Requisiten aus 197 Filmen. Von „A Clockwork Orange“ bis „Ichi the Killer“, von
„The Shining“ bis „Kill Bill“, von „Hard Candy“ bis „Chucky und seine Braut“.
Der gleiche schwarze Humor findet sich auch in Chen Feis neueren Gemälden
wieder. Unter seinem Pinsel werden Szenen über die menschliche Anatomie
oder den Tod zu harmlosen Witzen. Was ihn wirklich beeindruckt, sind die
Schurken, nicht die anständigen Leute, sagt Chen Fei. Das sei in der Malerei
das Gleiche, Schönheit und Gesundheit langweilten ihn nur.
“I like to paint bad taste.”
The work of Chen Fei (b. Shanxi, China, 1983; lives and works in Beijing)
is part of a new trend in contemporary Chinese art that represents a clear
thematic as well as aesthetic departure from the avant-garde art of the
1980s and 1990s. His pictures evince the influence of the many m
ovies
he has seen since he was a child—masterworks and cult classics as well
as B movies. He actually enrolled at the Beijing Film Academy; a series
of paintings shows 202 villains, with their characteristic costumes and
accessories, from 197 movies ranging from “A Clockwork Orange” to “Ichi
the Killer,” from “The Shining” to “Kill Bill,” from “Hard Candy” to “Bride of
Chucky.” The same morbid sense of humor is evident in Chen’s more recent
paintings. His brush transmutes scenes of human anatomy or death into
harmless jokes. What truly impresses him, Chen Fei says, are the rogues,
not the upstanding citizens, and the same goes for painting: beauty and
good health leave him bored.
Zwischen Tradition und Subkultur – Neun Künstler in China
Neun Künstlerinnen und Künstler in Peking. Eine Fotografin aus Berlin. In
einem politisch nahezu totalitären System wie China kommt Künstlern eine
wegweisende Rolle zu. Die meisten entsagen Wohlstand und Sicherheit zu
Gunsten ihrer künstlerischen Passion. Armut und die Angst vor politischen
Repressionen lassen vielen Künstlern wenig Handlungsfreiheit. Diese
neun schaffen sich dennoch Raum für ihre individuelle Entfaltung zwischen
subjektiven, subkulturellen Idealen, chinesischen Traditionen und der turbo
kapitalistischen chinesischen Gegenwart. Die Fotografin Stefanie Schweiger
lebt seit 2012 in Peking. Nach vielen Reportagen für Die Zeit, das ZEITmagazin
und internationale Medien begann sie Anfang 2014 an ihrem eigenen Projekt
„Chicken are not naked“ zu arbeiten. Sie begleitet Künstlerinnen und Künstler
und nimmt auf persönliche Weise an ihrem Leben fotografisch teil. Dieses
Buch offenbart differenzierte Blickwinkel auf die vielseitige – im Westen noch
nahezu unbekannte – chinesische Kunstszene abseits vom „Mainstream“.
English
21 × 28,5 cm
Hardcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90
Between Tradition and Subculture—Nine Artists in China
Nine artists in Beijing. A photographer from Berlin. In a country ruled by a
virtually perfect totalitarian system, artists have an especially seminal role to
play. Most forsake material prosperity and security in pursuit of their artistic
passion. Poverty and the fear of political repression often closely circumscribe the ambit of their work. Yet these nine have managed to stake out
spaces in which they hatch individual creative projects between subjective
and subcultural ideals, Chinese traditions, and their country’s contemporary
turbo-capitalist development. The photographer Stefanie Schweiger has
lived in Beijing since 2012. After creating numerous reportages for Die Zeit,
ZEITmagazin, and other international media, she launched her own project
“Chicken are not naked” in early 2014. For over a year she has shadowed
artists to create an intimate photographic portrait of their lives. This book
evokes a nuanced panorama of China’s diverse arts scene apart from the
country’s “mainstream”—much of which is virtually unknown in the West.
English / German
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-107-4
ISBN 978-3-95476-137-1
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Deep Gold, Filmstill/film still, 2013/14
JULIAN ROSEFELDT
DEEP GOLD
Untitled, 2013–2015
ODA JAUNE
MASKS
Eloge auf Eros, Emanzipation und Ekstase
Der Schwarz-Weiß-Film „Deep Gold“ ist eine Hommage an eine Szene aus
Luis Buñuels surrealistischem Klassiker „L’Âge d’Or“, 1930. Julian Rosefeldt
(geb. 1965 in München, lebt und arbeitet in Berlin) versetzt das Geschehen
in einen Nachtclub im Berlin der 1920er Jahre, in dessen großstädtischem
Umfeld verschiedene Welten zusammenwirken. Damit ist der Film eine
Erweiterung der schonungslosen filmischen Gesellschafts- und Religionskritik
des spanischen Surrealisten: die Herausforderung einer repressiven Sexual
moral, die Auflösung der gegebenen Geschlechterordnung und der Appell
an eine Emanzipation, die nie die Kraft der weiblichen Sexualität ausschließt.
Rosefeldt zieht Parallelen zwischen der wirtschaftlichen Situation der 1920er
Jahre und heute und hinterfragt die kulturellen Folgen der sexuellen Revolution.
Die filmischen Sprünge zwischen Zeiten und Räumen sagen immer auch etwas
über menschliche Befindlichkeiten aus. Das Buch mit Texten von Dorothée
Brill und Angela Stief dokumentiert den Film mit zahlreichen Filmstills.
An Encomium to Eros, Emancipation, and Ecstasy
The black-and-white film “Deep Gold” pays homage to a scene in Luis
Buñuel’s Surrealist classic “L’Âge d’Or,” 1930. Julian Rosefeldt (b. Munich,
1965; lives and works in Berlin) has transplanted the action to a nightclub in
1920s Berlin, a metropolitan setting in which different worlds interact. In that
sense, his film elaborates the Spanish filmmaker’s unsparing social critique:
the challenge to repressive sexual morals, the disintegration of the prevailing
order of the sexes, and the appeal to an emancipation that never represses
the power of female sexuality. Rosefeldt highlights parallels between the
economic climate of the 1920s and the current situation and scrutinizes
the cultural repercussions of the sexual revolution. Cutting back and forth
between different times and spaces, his film always also reveals something
about basic human sentiments. The book, which documents the film with
numerous still photographs, is rounded out by essays by Dorothée Brill and
Angela Stief.
„Malen muss wehtun.“
Eine stickende Nonne, eine junge Braut, ein von Blumen verdecktes Gesicht –
das sind nur einige Motive, die die deutsch-bulgarische Künstlerin Oda Jaune
(geb. 1979 in Sofia, lebt und arbeitet in Paris) in ihrer zweiten Monografie
präsentiert. Die zwischen 2013 und 2015 entstandenen Aquarelle beschäf
tigen sich mit der Idee der „sozialen Maske“ und stellen Figuren dar, die eine
persönliche Transformation durchlaufen. Das Werk der jungen Malerin, die
als Meisterschülerin bei Jörg Immendorff an der Düsseldorfer Kunstakademie
studierte und später seine Frau wurde, hat in den letzten Jahren große Beachtung gefunden. In ihren Bildern vermischt sich die Vorstellung von Zärtlichkeit,
kindlicher Naivität und Gewalt auf eine surreale, manchmal groteske Weise.
Auch wenn sich die Darstellungen durch eine beinahe körperlich spürbare
Drastik auszeichnen, so liegt ihnen doch immer etwas Schönes und Sublimes
zugrunde. Ein Auszug aus Friedrich Nietzsches Text „Jenseits von Gut und
Böse“ bietet eine gekonnte Einleitung in Oda Jaunes faszinierendes Werk.
Eds. Inga Kleinknecht, Gabriele Spindler,
Landesgalerie Linz
German / English / French
31 × 39 cm
136 pages, 64 color images
Hardcover with passe-partout
£ 50.00 / $ 88.00
€ 58.00 (D)
German / English
25,5 × 30 cm
144 pages, 123 b/w and 54 color images
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-120-3
ISBN 978-3-95476-147-0
EDITION
18
19
“Painting Needs to Hurt.”
A nun working on a piece of embroidery, a face obscured by flowers—
these are only some of the motifs the German-Bulgarian artist Oda Jaune
(b. Sofia, 1979; lives and works in Paris) presents in her second monograph.
The new watercolors, created between 2013 and 2015, explore the idea
of the “social mask” and depict characters going through a personal
transformation. The oeuvre of the young painter, who was Jörg Immendorff’s
master student at the Academy of Fine Arts in Düsseldorf and later his wife,
has drawn wide attention in recent years. Jaune blends ideas of tenderness,
childlike naïveté, and violence in surreal and sometimes grotesque paintings.
Despite the almost visceral intensity of the pictures, they always grow out
of a beautiful and sublime vision. An excerpt from Friedrich Nietzsche’s
book “Beyond Good and Evil” serves as an apt introduction to Jaune’s
fascinating art.
„Ein stolzes Buch!“
“A proud book!”
Westdeutsche Zeitung
BIKINI, 2015
JANET STERNBURG
OVERSPILLING WORLD
MATTHIAS BITZER
Das Sehen ist voller Leben
Kann ein unbewegtes Foto lebendige Wahrnehmung einfangen? Kann es ihrer
Vielfalt Raum geben? Kann die Fotografie als Medium, das Zeit ausschließt,
das Fließen der Dinge abbilden? Kann sie dem überschießenden Reichtum
der Welt gerecht werden? Die Schriftstellerin, Philosophin und Fotografin Janet
Sternburg (geb. 1943 in Boston, lebt und arbeitet in Los Angeles und San
Miguel de Allende, Mexiko) meint: ja. Ihr Werk demonstriert, dass Fotografie
die Bewegtheit unserer sinnlichen Erfahrung erfassen kann. Sie arbeitet ohne
optische Manipulation oder digitale Bearbeitung und mit einfachsten Mitteln –
Einwegkameras und alten iPhones –, um die Facetten, in denen die Welt
sich manifestiert, in einer visionären Zusammenschau sich durchdringender
und vielschichtiger Zeiten und Räume zu versammeln. „Overspilling World“
ist Janet Sternburgs erste Monografie. Mit Texten von Sternburg, dem
Kunsthistoriker Pepe Karmel, der Fotografin Catherine Opie, der Kuratorin
Alexandra von Stosch und dem Filmemacher und Fotografen Wim Wenders.
20
The marble sleep, 2013
Seeing is a Living Thing
Can a still photograph embody living perception? Can it contain its
abundance? Can photography, which is not a time-based medium, render
ongoing flow? Can it do justice to his notion of an over-spilling world? To
these questions, photographer Janet Sternburg (b. Boston, 1943; lives
and works in Los Angeles and San Miguel de Allende, Mexico), a writer
and philosopher as well as a photographer, says yes. Her work proves
that photography can register the living perception that is our experience.
Working without any optical or digital manipulation, and using the simplest
of technical means–disposable and early iPhone cameras–she draws
together the manifold aspects of the world on a single plane, portraying a
vision of interpenetrating and layered time and space. “Overspilling World”
is Janet Sternburg’s first monograph. With texts by Sternburg, art historian
Pepe Karmel, photographer Catherine Opie, curator Alexandra von Stosch,
and filmmaker-photographer Wim Wenders.
Magisch-mystisch aufgeladener Bilderkosmos
In einer Neusichtung der klassischen Moderne kombiniert Matthias Bitzer
(geb. 1975 in Stuttgart, lebt und arbeitet in Berlin) Porträts und geometrische
Konstruktionen und greift häufig auf die Formensprache und geisteshistorischen Zusammenhänge des 19. und frühen 20. Jahrhunderts zurück. Seine
charakteristische Zeichensprache setzt er in verschiedene künstlerische Medien
wie Malerei, Skulptur, Zeichnung, Collage sowie in raumbezogene Installationen
um. Biografien bedeutender Persönlichkeiten wie Anita Berber, Jorge Luis
Borges, Emily Dickinson, Leopoldo Fregoli, Fernando Pessoa und Arthur
Schnitzler werden darin mit seiner eigenen autobiografischen Gegenwart
verwoben. Es entstehen narrative Beziehungsgeflechte, die dem Betrachter
abstrakt-figurative Assoziationen ermöglichen. Diese Publikation dokumentiert
die fortlaufende Entwicklung von Bitzers Raum-Zeit-Konzepten anhand von
vier seiner repräsentativsten Einzelausstellungen. Mit Texten von Augusta
Joyce, Roland Nachtigäller, Ursula Ströbele und Timotheus Vermeulen.
A Visual Universe Full of Magic and Mystery
In a revisionist reassessment of classic modernism, Matthias Bitzer
(b. Stuttgart, 1975; lives and works in Berlin) combines portraiture with
geometric construction, often drawing on the formal vocabulary, plots, and
intellectual history of the nineteenth and early twentieth centuries. His work
in media such as painting, sculpture, drawing, collage, and site-specific
installation art speaks a characteristic symbolic language. Interweaving
the lives of prominent figures like Anita Berber, Jorge Luis Borges, Emily
Dickinson, Leopoldo Fregoli, Fernando Pessoa, and Arthur Schnitzler
with his own biographical experience and contemporary life, Bitzer creates
dense narrative fabrics that accommodate the viewer’s abstract-figurative
associations. The book documents the evolution of Bitzer’s conceptions
of time-space through four of his most representative solo exhibitions.
With texts by Augusta Joyce, Roland Nachtigäller, Ursula Ströbele, and
Timotheus Vermeulen.
English / German
20,5 × 25,5 cm
144 pages, approx. 65 images
Hardcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
German / English
23 × 30 cm
4 books, each 96 pages, approx. 300 color images
Softcovers in slipcase
Release: June 2016
£ 50.00 / $ 88.00
€ 58.00 (D)
ISBN 978-3-95476-133-3
ISBN 978-3-95476-159-3
21
Untitled, 2008
Leiter, 2015
ALINA RUDYA
PRYPYAT MON AMOUR
FRAUKE DANNERT
COLLAGE
Zwischen organisch und architektonisch
Collagetechnik greift auf Vorhandenes zurück und setzt es neu zusammen,
ohne dabei an einen Stil oder ein Medium gebunden zu sein. Frauke Dannert
(geb. 1979 in Herdecke, lebt und arbeitet in Köln und Düsseldorf) hat sich
dieser Methode verschrieben. In zehn Jahren entwickelte sie einen beachtlichen
Formenschatz, den sie heute wahlweise für Arbeiten auf Papier, Wand
malereien, Projektionen, Film und Fotografie einsetzt. Architektur ist Ausgangs
material und Inhalt ihrer Collagen, in denen sie sich mit Fragen der Wahrnehmung, mit Orientierung und Erinnerung beschäftigt. Sie zerlegt Bauten und
untersucht sie auf ihr skulpturales Potenzial. Aus ihrer Bildersammlung von gefundenen und eigenen Aufnahmen wählt sie Erker, Türme, Fensterbänder oder
ganze Fassaden aus, multipliziert sie mit dem Fotokopierer, verändert Größen
verhältnisse und fügt das so gewonnene Material zu futuristisch anmutenden,
schwebenden Strukturen zusammen. Die Texte für die erste Monografie von
Frauke Dannert schrieben Gunda Luyken, Jari Ortwig und Eveline Suter.
Blending the Organic and the Architectonic
Artists who create collages appropriate existing images and assemble them
in new ways without being bound to a style or a medium. Frauke Dannert
(b. Herdecke, 1979; lives and works in Cologne and Düsseldorf) has
dedicated herself to this technique. Over the course of a decade, she has
built a considerable repertoire of forms she now variously applies in works on
paper, wall paintings, projections, films, and photographs. Architecture is the
basic material and subject of the collages in which she explores questions of
perception as well as orientation and recollection. She dismantles structures
to examine their sculptural potential. Drawing on a personal archive of
found pictures and her own photographs, she selects jutties, spires,
ribbon windows, or entire façades, makes multiple photocopies, and alters
dimensions and proportions. Out of the resulting elements she then pieces
together weightless structures with a futuristic air. Gunda Luyken, Jari Ortwig,
and Eveline Suter contributed essays to Frauke Dannert’s first monograph.
Tschernobyl – dreißig Jahre danach
Alina Rudya (geb. 1985 in der Ukraine, lebt und arbeitet in Berlin) wurde im
Alter von einem Jahr nach der Atomkatastrophe von Tschernobyl am 26. April
1986 zusammen mit 50.000 anderen Menschen aus der benachbarten
Stadt Prypyat evakuiert. Ihr Vater, ein Ingenieur, hatte in jener Nacht, in der
der vierte Reaktor bei einem Testlauf explodierte, Dienst im Atomkraftwerk.
Dieser bisher schwerste Unfall in der Geschichte der Kernenergie setzte
eine großflächige hochradioaktive Wolke in die Atmosphäre frei, vor der alle
schnellstmöglich fliehen mussten. Nach einem Studium der Journalistik und
Politikwissenschaften sowie einer Ausbildung in Fotografie kehrte Rudya zum
30. Jahrestag der Katastrophe nach Tschernobyl zurück. Mit dem fotogra
fischen Projekt erzählt die Künstlerin von Menschen, die wie sie Prypyat 1986
verlassen haben. Gemeinsam mit ihnen erkundet Rudya die Vergangenheit
und die ehemaligen Wohnungen und dokumentiert mit neuen und histo
rischen Fotografien die Geschichte einer Stadt, die es nicht mehr gibt.
Eds. Gunda Luyken, Beat Wismer,
Museum Kunstpalast, Düsseldorf
English
25 × 20,5 cm (landscape format)
104 pages, 82 color and b/w images
Hardcover
£ 18.95 / $ 30.00
€ 22.00 (D)
German / English
23 × 29 cm
Hardcover with linen
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
ISBN 978-3-95476-149-4
ISBN 978-3-95476-156-2
22
Chernobyl—Thirty Years Later
When Alina Rudya (b. Ukraine, 1985; lives and works in Berlin) was one year
old, she and fifty thousand others were evacuated from the city of Prypyat after
the nuclear disaster that occurred in the nearby Chernobyl power plant on
April 26, 1986. Her father, an engineer, was on duty in the power station that
night, when reactor no. 4 exploded during a systems test. The worst accident
in the history of nuclear energy to date released an enormous highly radioactive
cloud into the atmosphere, necessitating the hurried resettlement of all local
residents. After studying journalism and political science and training as a
photographer, Rudya returned to Chernobyl for the thirtieth anniversary of
the disaster. In the photographic project “Prypyat Mon Amour,” the artist
tells stories of people like herself whose lives were fundamentally changed
when they had to leave Prypyat in 1986. She joined them on a tour of their
former homes—a journey into their past—and compiled new as well as historic
photographs to document the history of a city that has ceased to exist.
23
Daniel Josefsohn, Selbstporträt / self portrait, 2012
Julian Röder, Selbstporträt / self portrait, 2014
Spatial Objects, Ausstellungsansicht / exhibition view, Southampton City Art Gallery, 2015
BUDE BETT BARGELD / LICHT UNSERER TAGE – RUHRTRIENNALE 2016
MEISTERKURSE DANIEL JOSEFSOHN UND JULIAN RÖDER
DAN HOLDSWORTH
SPATIAL OBJECTS
Junge Fotografie aus dem Ruhrgebiet
Die Ruhrtriennale, das Festival der Künste in der Metropole Ruhr, fördert im
Jahr 2016 junge Fotokünstler. Die renommierten Fotografen Daniel Josefsohn
und Julian Röder geben dabei im Rahmen des Nachwuchsprogramms
Campustriennale Exhibition einen mehrwöchigen Fotografie-Meisterkurs
im Ruhrgebiet. Vier junge Fotografinnen und Fotografen werden unter An
leitung der beiden Fotografiestars neue eigene Arbeiten realisieren und ihre
Formensprache weiterentwickeln. Die während des Projekts entstehenden
Bilder sollen sich visuell mit dem Ruhrgebiet auseinandersetzen und einen
individuellen Blick auf die urbane und dezentrale Realität zeigen. Sie werden
daraufhin im Internet und in den Spielstätten präsentiert und in diesem Buch
veröffentlicht. Die Publikation trägt die gleichen Titel wie die beiden Meisterkurse „BUDE BETT BARGELD“ und „Licht unserer Tage“, die von allen vier
Teilnehmern durchlaufen werden. Da sie gleichrangig nebeneinander stehen,
ist das Buch von vorne und hinten gleichermaßen zu betrachten.
Ein äußerst innovativer Landschaftsfotograf
Dan Holdsworth (geb. 1974 in Welwyn Garden City, England, lebt und arbeitet
in London und Newcastle upon Tyne) schafft großformatige Fotografien und digitale Kunstwerke. Sie zeichnen sich durch den Einsatz traditioneller Techniken
und ungewöhnlich langer Belichtungszeiten sowie ihre radikal abstrakte Geografie aus. „Spatial Objects“ ist das Ergebnis seiner Auseinandersetzung mit
der heutigen Bildproduktion und dem, was er die „Oberflächenschnittstelle des
Bildes“ nennt. In der Informatik sind Spatial Objects Parameter, die zugleich an
einem bestimmten Ort in der Wirklichkeit und in der virtuellen Welt existieren.
Die Serie verknüpft die Kartierung des amerikanischen Westens durch den
U.S. Geological Survey mit der Formensprache minimalistischer Skulptur der
1960er und 1970er Jahre. Die Arbeiten überschreiten die Grenzen der Repräsentation, um die Ränder und Bruchstücke des Pixels sichtbar werden zu lassen, wie er sich, aufgelöst in der Geometrie des Interfaces selbst, in Strukturen
aus purer Farbe und Licht verwandelt. Mit einem Essay von Michele Robecchi.
Young Photography from the Ruhr Area
For 2016, Ruhrtriennale, the arts festival in the Ruhr metropolitan region, has
put the promotion of young photography artists on the agenda. As part of the
mentoring program Campustriennale Exhibition, the renowned photographers
Daniel Josefsohn and Julian Röder will each spend several weeks in the area
to teach a photography master class. Guided by the two star photographers,
four young photography artists will realize new works and hone their visual
language. The pictures to be created during the project will examine the
visual characteristics of the Ruhr district and present individual perspectives
on its polycentric urban reality. They will be presented online and at the
Ruhrtriennale venues and published in this book. Its double title quotes the
headlines of the two master classes—“PAD BED CASH” and “Light of Our
Days”—all four participants will take. Neither class takes priority over the
other, and so the book can be read from either side.
English
16 × 24 cm
Softcover with dust jacket
Release: June 2016
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
Ed. Kultur Ruhr GmbH / Ruhrtriennale
German / English
21 × 27 cm
Softcover
Release: August 2016
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
ISBN 978-3-95476-157-9
ISBN 978-3-95476-158-6
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An Unusually Innovative Landscape Photographer
Dan Holdsworth (b. Welwyn Garden City, England, 1974; lives and works
in London and Newcastle upon Tyne) creates large-scale photographs and
digital art characterized by the use of traditional techniques and unusually
long exposure times, and by radical abstractions of geography. “Spatial
Objects” is the result of Holdsworth’s ongoing enquiry into contemporary
photographic imaging processes and what he calls the “surface interface
of the image.” In computer science, spatial objects refer to values that exist
within a specific place simultaneously in the real and the virtual spheres. The
starting point for his Spatial Objects series is U.S. Geological Survey mapping
data of the American West; it also draws on the vocabulary of Minimalist
sculptural practices of the 1960s and 1970s. Going beyond the limits of
representation, what one sees in these works are the edges and fragments of
the pixel resolved within the geometry of the interface itself, transformed into
structures of pure color and light. With an essay by Michele Robecchi.
Pink (Spencer) (one), 2002
Kurt Cobain, 1995
ELIZABETH PEYTON
Untitled (Figure #4), 2005
POLA SIEVERDING
„Ich lese den Melody Maker wie Marcel Proust“,
sagt Elizabeth Peyton (geb. 1965 in Danbury, CT, USA, lebt und arbeitet in
New York und Berlin). Bekannt wurde sie Mitte der 1990er Jahre mit stilisierten, idealisierenden Porträts von ihren Freunden, Popstars und Angehörigen
europäischer Königshäuser. Die androgyn, sexuell ambivalent dargestellten
Personen sind kleinformatig in Öl auf Leinwand oder als Aquarelle, Bleistiftzeichnungen und Radierungen auf Papier ausgeführt. Als Vorlagen benutzt
sie Fotografien, die sie entweder selbst aufnimmt oder in der Yellow Press
findet. Als Vorbild zitiert sie den Maler David Hockney, immer wieder wird
sie auch in der T
radition von Andy Warhol gesehen. Elizabeth Peyton hat
die Gesichter einer ganzen (Künstler-)Generation festgehalten und durch
ein sehr persönliches Moment aufgeladen. In diesem Buch werden Porträt-
Highlights von David Hockney, Kurt Cobain, Jarvis Cocker, Patti Smith,
Robert Mapplethorpe, Jude Law, Jake Chapman, Lady Di und anderen aus
den Jahren von 1994 bis 2014 aus der Sammlung Boros gezeigt.
“I read the Melody Maker like Marcel Proust,”
says Elizabeth Peyton (b. Danbury, CT, USA, 1965; lives and works in New
York and Berlin). She first attracted attention in the mid-1990s with stylized
and idealized portraits of her friends, pop stars, and members of European
royal houses. These characters, androgynous figures rife with sexual ambivalence, appear in small-format pictures executed in various techniques: oil on
canvas, watercolor or pencil drawing on paper, etching. Peyton’s sources are
photographs she either takes herself or sources from the yellow press. The
painter she says she admires most is David Hockney; many critics also see
the influence of Andy Warhol. Elizabeth Peyton has captured the faces of an
entire generation (of artists) in pictures that show a very personal touch. The
book presents highlights of her portraiture created between 1994 and 2014
from the Boros Collection: David Hockney, Kurt Cobain, Jarvis Cocker, Patti
Smith, Robert Mapplethorpe, Jude Law, Jake Chapman, Lady Di, and others.
Körperbilder und ihre Brüchigkeit
Pola Sieverding (geb. 1981, lebt und arbeitet in Berlin) arbeitet mit Fotografie,
Film und Video. In ihren Bildern bewegt sich Sieverding zwischen Dokumentation und Inszenierung, wechselt von distanzierter Sachlichkeit zu dezidierter
Subjektivität und greift dafür auf dokumentarische und künstlerische Arbeits
weisen zurück. Die Arbeiten hinterfragen traditionelle Konzepte von Geschlecht,
Kultur und Normalität, beschäftigen sich mit spezifischen sozialen Orten und
mit den darin agierenden Menschen. Sieverding interessiert dabei primär
die Beziehung ihrer Subjekte zu ihren Körpern, von Frauen in traditioneller
islamischer Kleidung bis hin zu Drag Queens. Häufig porträtiert sie Menschen,
die sich als Teil einer Subkultur oder einer alternativen Kultur verstehen, wie
Hip Hop, die New Yorker Schwulenszene, verschiedene Metal-Richtungen oder
die Berliner Clubszene. Ihre eigene Position begreift sie als die der „aktiven
Beobachterin“. Nur so – einerseits involviert, andererseits durch die Kamera
distanziert vom Geschehen – kann Sieverding derart intime Bilder machen.
Ed. Boros Foundation, Berlin
Ed. Henrik Wobbe
German / English
24 × 32 cm
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
German / English
24 × 31 cm
Release: June 2016
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-076-3
ISBN 978-3-95476-138-8
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Fragile Images of the Body
Pola Sieverding (b. 1981; lives and works in Berlin) works with photography,
film, and video. Her images blend the documentary register with staging,
alternating between impersonal observation and emphatically subjective
creation and combining documentary with artistic techniques. Her works
scrutinize traditional conceptions of gender, culture, and convention, turning
the spotlight on specific stages of social life as well as the human protagonists
who appear on them. A primary interest of her analysis is how her subjects—
ranging from women in traditional Islamic garb to drag queens—relate to
their own bodies. She often portrays people who identify with subcultures
or alternative cultures such as the world of hip hop, New York’s gay scene,
varieties of heavy metal music, or the Berlin club scene. Her own position,
Sieverding says, is that of an “engaged observer.” Only by balancing
involvement with the distance from the action the camera affords her can
she shoot pictures of such focused intimacy.
Neon 38, 2013
Lupa / Die Wölfin, Blaj, Rumänien / Romania 2014
Pin-Up 10, 2014
04-2013-01, Rauminstallation / site-specific intallation, SIM Galeria, Curitiba, Brasilien/Brazil
ACHIM RIETHMANN
ASR 09/16
AURELIA MIHAI
JONNY STAR
SEE ME, FEEL ME, TOUCH ME, HEAL ME
KATINKA PILSCHEUR
PROJEKTE / PROJECTS
Zentrale Leerstellen – Bilder zum Zustand der Welt
Die figurativen Aquarelle von Achim Riethmann (geb. 1979 in London, lebt
und arbeitet in Berlin) sind präzise gezeichnet und wirken sehr ästhetisch.
Doch schon auf den zweiten Blick wird dieser schöne Schein gebrochen:
Die Sujets werden fragmentiert und dekontextualisiert auf weißem Grund dargestellt. Mit einem Text von Isabelle Meiffert sowie einem Gespräch zwischen
dem Künstler und seiner ehemaligen Professorin Leiko Ikemura.
Die Kapitolinische Wölfin – ein investigatives Kunstprojekt
Die rumänisch-deutsche Künstlerin und Filmemacherin Aurelia Mihai (geb.
1968 in Bukarest, lebt und arbeitet in Hamburg) verhandelt in ihren Arbeiten
das Aufeinandertreffen von kulturellen, sozialen und politischen Ereignissen.
„Lupa / Die Wölfin“ ist ein investigatives Kunstprojekt, das ein antikes Kunstwerk zum Anlass nimmt, um die Aufladung mit Bedeutung bis in die heutige
Zeit sichtbar zu machen.
Private Mythologien
Jonny Star (geb. 1964 in Düsseldorf, lebt und arbeitet in Berlin und New York)
kombiniert in ihren Arbeiten verschiedene Materialien und Medien wie
Bronze, Fotografie und Stoff mit installativen Elementen. Sie thematisieren
biografische Erfahrungen, Sexualität, Geschlechterrollen und Identität sowie
deren gesellschaftliche Rezeption. Die Texte für diese erste Monografie
schrieben Ralf Hanselle, Eva Meyer-Hermann und Tina Sauerländer.
Keine Kunst für Ängstliche
Die Werke von Katinka Pilscheur (geb. 1974 in Herdecke an der Ruhr,
lebt und arbeitet in Berlin) sind zugleich Malerei, Skulptur und Architektur
und bieten dem Betrachter eine umfassende Sinneserfahrung. Diese erste
Monografie zeigt Arbeiten aus den Jahren 2003–2015 und beinhaltet ein
Essay von Jurriaan Benschop sowie ein Gespräch zwischen Magdalena
Kröner und der Künstlerin.
Central Voids—Visualizing the State of Our World
The figurative watercolors of Achim Riethmann (b. London, 1979; lives and
works in Berlin) are delineated with great precision and exude a powerful
aesthetic appeal. Look again, however, and the semblance of perfection is
shattered: fragmented and stripped of their context, the motifs appear in
isolation before white backdrops. With an essay by Isabelle Meiffert and a
conversation between the artist and his former teacher Leiko Ikemura.
The Capitoline Wolf—An Investigative Art Project
The work of the Romanian-German artist and filmmaker Aurelia Mihai
(b. Bucharest, 1968; lives and works in Hamburg) brings clashing cultural,
social, and political phenomena and events into focus. “Lupa / The She-Wolf”
is an investigative art project in which a work of ancient art and the vicissitudes of its history exemplify the accretion of meanings that constitutes an
object’s contemporary significance.
Private Mythologies
Jonny Star (b. Düsseldorf, 1964; lives and works in Berlin and New York)
combines a variety of materials and media such as bronze, photography, and
fabrics with elements of installation art. Her ensembles explore biographical
experiences, sexuality, gender roles, and identity and how it is perceived by
society. This is her first monograph. With essays by Ralf Hanselle, Eva MeyerHermann, and Tina Sauerländer.
Art That Is Not for the Faint of Heart
The art of Katinka Pilscheur (b. Herdecke an der Ruhr, 1974; lives and
works in Berlin) functions as both art and architecture for an encompassing
aesthetic experience. Katinka Pilscheur’s first monograph presents works
created between 2003 and 2015. It includes an essay by Jurriaan Benschop
and a conversation between Magdalena Kröner and the artist.
German / English
21 × 26 cm
Release: July 2016
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
ISBN 978-3-95476-143-2
Ed. Susanne Pfleger
German / English
17 × 24 cm
Hardcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
ISBN 978-3-95476-154-8
ISBN: 978-3-95476-154-8
9 783954 761548
28
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German / English
16,5 × 24 cm
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
German / English 28 × 24 cm (landscape format)
Hardcover
Release: May 2016
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-148-7
ISBN 978-3-95476-142-5
Responsorium (Chiasma #50), 2015
O-gee Arch Type, 2015
Gardener, 2016
O. T., 2015
CHRISTOPH M. LOOS
PARUSIA – DIE IDEE IN DEN DINGEN
JAGODA BEDNARSKY
MONO-CHROMO-HORO-SKOP / SYNOPSISM
OLAF HAJEK
PRECIOUS
BASTIAN BÖRSIG
Das Medium Holzschnitt völlig neu definiert
Christoph M. Loos (geb. 1959 in Bad Reichenhall, lebt und arbeitet in Essen)
vertritt eine der radikalsten Positionen im Holzschnitt. Hauchdünne Blatthölzer
werden als Druckträger eingesetzt, die stets von einem als Druckstock verwendeten Baumstamm abgeschält wurden. Das Werkbuch zeigt Holzschnitte,
Installationen und Zeichnungen der letzten zehn Jahre. Texte von Tobias Burg,
Fritz Emslander, Stefan Gronert, Harald Kimpel, Susan Tallman und anderen.
Information und Wissen
In der malerischen Bildwelt von Jagoda Bednarsky (geb. 1988 in Goldberg,
Polen, lebt und arbeitet in Frankfurt am Main) geht es um Fragen der Schichtung und um Ebenen der Verortung. Durch Collagieren und Übermalen von
Gefundenem und Erfundenem entsteht eine scheinbar zufällige und mystische
Synthese ambivalenter Wirklichkeiten. Bednarskys erste Monografie beinhaltet
Texte von Meike Behm, Elke Gruhn, Jenny Kalliokulju und Eric-John Russell.
Farbenprächtige Illustrationen von fantastischen Wunderwelten
Olaf Hajek (geb. 1965 in Rendsburg, lebt und arbeitet in Berlin) ist Maler und
einer der weltweit erfolgreichsten Illustratoren. Er stellt seine Werke international
aus, seine Illustrationen erscheinen in Zeitungen wie der New York Times
und dem Londoner Guardian. Er ist ein Magier der Farben, der in der Tradition
von André Breton surrealistische Traumwelten erschafft. Texte von Philipp
Demandt, Oliver Hilmes, Taiye Selasi und Lisa Zeitz.
Etwas scheint nicht in Ordnung zu sein
Bastian Börsig (geb. 1984 in Schwäbisch Hall, lebt und arbeitet in Karlsruhe)
spielt mit den Assoziationen des Betrachters. Archaisch, emotional und verspielt umschreiben seine Bilder Situatives; man sieht sich in seine bewegten
Erzählungen ein und stellt fest, dass auf den zweiten Blick alles ganz anders
erscheint. Diese erste Monografie mit einem Text von Marc Wellmann und
einem Vorwort von Isabella Gerstner zeigt Arbeiten der letzten vier Jahre.
Thinking the Woodcut Anew
Christoph M. Loos (b. Bad Reichenhall, 1959; lives and works in Essen)
represents one of the most radical positions in woodcutting today. Wafer-thin
sheets of wood are sliced off a tree trunk previously used as a printing block.
The book presents a survey of Loos’s oeuvre of the past ten years: woodcuts,
installations, and drawings. Texts by Tobias Burg, Fritz Emslander, Stefan
Gronert, Harald Kimpel, Susan Tallman, and others.
Information and Knowledge
The painterly universe of Jagoda Bednarsky (b. Złotoryja, Poland, 1988;
lives and works in Frankfurt am Main) revolves around questions of layering
and planes of localization. By collaging and overpainting found and invented
imagery, she creates seemingly haphazard and mystical syntheses of
ambivalent realities. Bednarsky’s first monograph includes texts by Meike
Behm, Elke Gruhn, Jenny Kalliokulju, and Eric-John Russell.
Lavishly Colorful Illustrations of Fantastic Worlds of Wonders
Olaf Hajek (b. Rendsburg, 1965; lives and works in Berlin) is a painter and
one of the world’s most successful illustrators. His works are exhibited internationally; his illustrations have appeared in newspapers including the New
York Times and London’s The Guardian. He is a magician of color, working in
the tradition charted by André Breton, and creates surrealist fantasy worlds.
With texts by Philipp Demandt, Oliver Hilmes, Taiye Selasi, and Lisa Zeitz.
Something Isn’t Quite Right
Bastian Börsig (b. Schwäbisch Hall, 1984; lives and works in Karlsruhe) toys
with the beholder’s associations. Archaic, emotional, and playful, his pictures
limn situations in a few adroit strokes; immersing ourselves in his narratives of
agitation, it dawns on us that everything is not what it first seemed. This book,
the artist’s first monograph, presents works of the past four years. With an
essay by Marc Wellmann and a preface by Isabella Gerstner.
German / English
24 × 32 cm
£ 40.00 / $ 68.00
€ 44.00 (D)
Eds. Maike Behm, Elke Gruhn
Ed. Henrik Wobbe
Ed. Galerie Wagner + Partner, Berlin
German / English
19 × 26 cm
Hardcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
German / English
24 × 31 cm
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
German / English 27 × 21 cm 64 pages, approx. 40 color images
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
ISBN 978-3-95476-129-6
ISBN 978-3-95476-146-3
ISBN 978-3-95476-144-9 ISBN 978-3-95476-109-8
30
31
Distanz, 2014
Insomnia, 2015
Candida Höfer, Fundação Bienal de São Paulo II, 2005
Jupiter 3, 2013
RAINER DISSEL
EVERYMAN AND SELFPORTRAIT – BEYOND FACTS
JONGSUK YOON
SULWHA
CANDIDA HÖFER / RUI XAVIER
SILENT SPACES
MORITZ PARTENHEIMER
NACHT / NIGHT
Subtile Stillleben – impulsive Mitteilungen
Rainer Dissel (geb. 1953 in Gelsenkirchen, lebt und arbeitet bei Frankfurt
am Main) inkorporiert in seine übergroßen aber auch kleinformatigen
Collagen und Temperamalereien persönliche Erinnerungsobjekte wie Fotos,
Zeitungsausschnitte und Stoffe. Dabei betont er die Veränderlichkeit von
Alltagsphänomenen im künstlerischen Prozess. Das Buch zeigt Arbeiten
der letzten zwanzig Jahre. Mit Texten von Danièle Perrier und Hans Thill.
Die schöne Welt – eine Spurensuche
Jongsuk Yoon (geb. 1965 in Onyang, Korea; lebt und arbeitet in Düsseldorf)
verschränkt in ihren Gemälden und Zeichnungen die europäische Mal
tradition mit der asiatischen Formensprache und Ästhetik. Besonders interessiert sie der Mensch zwischen Natur und Kultur und dessen künstlerische
Darstellung. In Yoons Arbeitsprozess werden Materialien als Informations
archiv gesammelt und als Auslöser für neue Werke benutzt.
Fotografien werden zu Bildern und Bilder zu Ausstellungen
Der portugiesische Filmemacher Rui Xavier (geb. 1974 in Porto, lebt und
arbeitet in Lissabon) hat die weltbekannte Fotografin Candida Höfer (geb. 1944
in Eberswalde, lebt und arbeitet in Köln) zwei Jahre lang begleitet und gefilmt.
Das Buch beinhaltet diesen Film auf DVD sowie Abbildungen der wichtigsten
Werke der Künstlerin und Filmstills. Texte von Herbert Burkert, Candida Höfer
und Rui Xavier.
Artifizielle Bühnen ohne Akteure
Die Fotografien von Moritz Partenheimer (geb. 1979 in München, lebt und
arbeitet in München) fangen den besonderen, mitunter rätselhaften Zauber öffentlicher Orte und Räume bei Nacht ein. Durch seine formale Reduktion und
Konzentration auf wenige ausgewählte Objekte erschafft er eine faszinierende,
surreale Welt. Diese erste Monografie enthält Fotoserien, die zwischen 2008
und 2014 in den Vereinigten Staaten entstanden. Text von Matthias Harder.
Subtle Still Lifes—Impulsive Messages
In his collages and tempera paintings on canvas, some oversized, others in
small formats, Rainer Dissel (b. Gelsenkirchen, 1953; lives and works near
Frankfurt am Main) incorporates personal memorabilia such as photographs,
newspaper clippings, and pieces of gauze or fabric, emphasizing the
mutability of everyday phenomena in the creative process. The book presents
works from the past twenty years. With texts by Danièle Perrier and Hans Thill.
The Beautiful World—An Exploration
The paintings and drawings of Jongsuk Yoon (b. Onyang, Korea, 1965; lives
and works in Düsseldorf) combine the European tradition of craftsmanship
in painting with an Asian formal vocabulary and aesthetic sensibility. She is
especially interested in man’s peculiar position between nature and culture
and how art illustrates this. Materials she collects play a crucial role in Yoon’s
creative process, spurring the production of new works.
Photographs Become Images; Images Turn into Exhibitions
The Portuguese filmmaker Rui Xavier (b. Porto, 1974; lives and works in
Lisbon) spent two years shadowing the world-renowned photographer
Candida Höfer (b. Eberswalde, 1944; lives and works in Cologne). This book
includes selected major works by the artist, a DVD of the film, film stills as
well as insightful texts by Herbert Burkert, Candida Höfer, and Rui Xavier.
Artificial Stages Devoid of Actors
The photographs of Moritz Partenheimer (b. Munich, 1979; lives and works
in Munich) capture the peculiar and sometimes mysterious charm that public
places and spaces exude at night. In formally austere pictures defined by his
rigorous focus on few selected objects, he paints the portrait of a fascinating
surreal world. This first monograph presents series of photographs he shot in
the United States between 2008 and 2014. Text by Matthias Harder.
German / English
21 × 27 cm
Softcover with flaps
Release: August 2016
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
German / English
25 × 31 cm
Release: November 2016
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-152-4
ISBN 978-395476-160-9
Eds. Uta Grosenick, Herbert Burkert
Ed. Matthias Harder
German / English
21 × 26,5 cm
Hardcover with linen, DVD (40 min) included
£ 40.00 / $ 68.00
€ 44.00 (D)
German / English
25 × 32,5 cm
Hardcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
ISBN 978-3-95476-116-6
ISBN 978-3-95476-127-2
EDITION
32
33
Heidi Hetzer, Rentnerin/pensioner
CEE CEE BERLIN
DIE BERLINERIN
ASHKAN SAHIHI
Berliner Highlights
Cee Cee ist seit nunmehr fünf Jahren unbestritten das meistgelesene OnlineMedium für Berlin. 2011 zunächst als Newsletter für Freunde gestartet,
beschreibt und kommentiert es das sich ständig wandelnde Stadtbild und vielfältige Treiben der hauptstädtischen Kultur- und Gastronomieszene. Nun stellen
die Macher Sven Hausherr und Nina Trippel über 100 der spannendsten Tipps
in Buchform vor. Die Mischung ist vielfältig und überraschend, vor allem aber
subjektiv und authentisch: Versteckte Bars und verborgene Kunstsammlungen,
individuelle Cafés und aufwendige Restaurants, exzentrische ConceptStores und Berliner Urgesteine stehen nebeneinander. Viele Abbildungen
und ganzseitige Stadtansichten zeigen das Berlin von heute. Exklusive Empfehlungen, Querverweise, Gastbeiträge von Mode-Designern und Musikern
sowie Insider-Tipps der Cee Cee-Community machen das Besondere dieses
Buches aus und laden zum Entdecken und Ausprobieren ein.
TOP
SELLER
Eds. Sven Hausherr, Nina Trippel
German / English
20 × 27 cm
Hardcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
Berlin Highlights
In a mere five years, Cee Cee has grown to be Berlin’s most widely read
online medium. Launched as a n
ewsletter for friends in 2011, it covers
and comments on the capital’s perpetually changing urban landscape and
the multifaceted goings-on in the culture and restaurant scenes. Now the
people behind Cee Cee, Sven Hausherr and Nina Trippel, have compiled a
book presenting over 100 of the most e xciting features. The mix is diverse
and surprising and, more importantly, subjective and authentic: secret bars
and hidden art collections, idiosyncratic cafés and extravagant restaurants,
eccentric c oncept stores and native o riginals. Numerous illustrations and
full-page views show the Berlin of today. Exclusive recommendations, crossreferences, guest columns by fashion designers and musicians, and insider’s
advice sourced from the Cee Cee community make this book a treasure trove
of information for explorers.
Das Porträt einer Stadt: Die Berlinerin
Ashkan Sahihi (geb. 1963 in Teheran) wurde als Fotograf durch seine ein
zigartigen Arbeiten bekannt: Gefangene in der Todeszelle, Hip-Hopper, Literaten,
Soldatinnen oder die Mimik von Nicht-Drogenkonsumenten, verändert durch
unterschiedliche Drogen. Im Alter von sieben Jahren kam Sahihi nach Deutschland und zog 1987 nach New York. Er fotografierte für das ZEITmagazin, das
Süddeutsche Magazin, Spiegel und GEO, das New York Times Magazine, den
New Yorker und die Vogue. Im Jahr 2000 wurde seine Arbeit von der Andrea
Rosen Gallery in New York vorgestellt. Es folgten Ausstellungen im MoMA PS1,
New York, in der Akademie der Künste Berlin und im Macro, Rom. Seine neueste Arbeit ist ein Berlin-Porträt mit einer Serie von 375 Fotografien von in Berlin
lebenden Frauen, gruppiert in Kategorien wie Beruf, Alter, Lebensentwurf oder
gesellschaftliche Schicht. Ein Fragebogen, den die fotografierten Frauen handschriftlich ausgefüllt haben, begleitet jedes Foto. Eine Momentaufnahme Berlins,
mit Texten von Kimberly Bradley, Thomas Hüsken und Olin Roenpage.
TOP
„Ein Buch, das man gar nicht mehr
aus der Hand legen will.“
SELLER
Ed. Olin Roenpage
German / English
24 × 33 cm
848 pages, 375 images, 375 questionnaires
Hardcover
£ 45.00 / $ 78.00
€ 49.90 (D)
“A book you won’t want to put down.”
Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung
ISBN 978-3-95476-101-2
ISBN 978-3-95476-069-5
Cee Cee Berlin No. 2 will be out in October 2016!
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Ebru, Kosmetikerin/cosmetician
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Portrait of a City: Berlin Woman
Ashkan Sahihi (b. Tehran, 1963) is a photographer known for his unique work:
prisoners on death row, hip hoppers, writers, female soldiers, explorations
of the facial expressions of people under the influence of various drugs they
are trying for the first time. Sahihi’s family left Iran for Germany when he was
seven; he moved to New York in 1987 and subsequently created photographs
for the weekend magazines of Die Zeit and Süddeutsche Zeitung, Spiegel and
GEO, the New York Times Magazine, the New Yorker, and Vogue. His work was
presented at New York’s Andrea Rosen Gallery in 2000 and featured in shows
at MoMA PS1 in New York, the Berlin Academy of Arts, Macro in Rome, and
elsewhere. His most recent work is a portrait of Berlin comprising 375 photographs of women living in Berlin grouped by categories such as professions,
age brackets, lifestyles, social strata. Each photograph is accompanied by a
brief questionnaire: a moment in the city’s life in a dense description. With
essays by Kimberly Bradley, Thomas Hüsken, and Olin Roenpage.
„Eine Liebeserklärung an die
arbeitende Frau und an Berlin.“
“A declaration of love to the
working woman and to Berlin.”
ZEITmagazin
FREUNDE VON FREUNDEN
FRIENDS
FREUNDE VON FREUNDEN
BERLIN
Spannende Mischung aus Ästhetik und Intimität
Ein Interview-Magazin aus dem Internet wird zum Buch. 25 Berliner Kreative
in ihren Arbeits- und Lebensräumen werden vorgestellt. Gezeigt wird vor
allem der Mensch in seinem privaten Umfeld. Hier wirkt nichts inszeniert,
Authentizität und Eigenheiten der porträtierten Personen – darunter viele
Trendsetter wie Galeristen, Sammler, Künstler, Fotografen, Illustratoren,
Architekten, Ladeninhaber und Unternehmer – stehen im Vordergrund. Ein
einmaliger und exklusiver Einblick in das so oft beschriebene Leben der
Berliner Kreativen mit Liebe zum Detail, Hintergrundinfos, Geheimtipps
und professionellen Fotos. Freunde von Freunden wurde 2009 als Internet
portal von dem Designstudio NoMoreSleep mit einem Team aus Fotografen,
Redakteuren, Gestaltern und Netzwerkern gegründet und hat inzwischen
monatlich über 150.000 Leser. Es versteht sich als Forum der Kultur- und
Kreativszene, nicht nur in Berlin.
TOP
SELLER
Ed. Freunde von Freunden
German / English 22 × 30 cm
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-942405-40-9
An Exciting Mixture of Aesthetics and Intimacy
An online interview magazine is coming out in print. The book presents twentyfive Berlin creatives in their workspaces and homes. The pictures focus on
human beings in private settings. Nothing seems staged; the photographs
emphasize the authentic qualities and idiosyncrasies of the sitters, including
many trendsetters such as gallerists, collectors, artists, photographers,
illustrators, architects, shopkeepers, and entrepreneurs. Professional photo
graphy and a loving eye for detail unite to offer a unique and exclusive
glimpse into the storied lives of Berlin’s creatives. With background infor
mation and insiders’ tips. The design studio NoMoreSleep, working with
a team of photographers, editors, graphic designers, and networkers,
launched Freunde von Freunden as an online portal in 2009; the site now
has a monthly readership of more than 150,000, providing a forum to the
culture and creative scenes in Berlin and beyond.
Der Bestseller, jetzt international
Nach dem großen Erfolg von „Freunde von Freunden – Berlin“ verlässt das
Interview-Magazin FvF den Kosmos Berlin. In einem neuen Buch werden
„Freunde von Freunden – Friends“ präsentiert: 40 kreativ Schaffende vor der
Kulisse ihrer Heimatstädte – Amsterdam, Barcelona, Beirut, Frankfurt, Helsinki,
London, Los Angeles, Manila, Mexico City, New York, Paris, San Francisco, São
Paulo, Tokio, Stockholm und anderen. Wieder sind es sehr persönliche Innenaufnahmen, die dieses Mal von atemberaubenden Blicken in die New Yorker
oder Tokioter Skyline ergänzt werden. Andere Porträts entstanden auf dem
Land in romantischer Umgebung und blühender Natur. Im Zusammenspiel von
Fotografen, Redakteuren und Netzwerkern aus aller Welt sind unter der Regie
von FvF authentische Einblicke in die internationale Kreativszene gelungen.
Gezeigt werden Trendsetter wie Galeristen, Sammler, Künstler, Fotografen,
Blogger, Illustratoren, Architekten, Ladeninhaber und Magazinherausgeber.
„Je virtueller die Welt wird, desto mehr
wünschen sich Menschen das Fassbare.
Eindrucksvoll zeigt dies der Bildband
Freunde von Freunden – B
erlin.“
TOP
SELLER
“In an ever more virtual world, people long
for something to hold in their hands. For an
impressive illustration, look to the picture
book Freunde von Freunden – Berlin.”
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-008-4
Boersenblatt.net
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Ed. Freunde von Freunden
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The Bestseller, Now International
After the great success of “Freunde von Freunden—Berlin,” the interview
magazine FvF now ventures outside the Berlin universe. A new book presents
“Freunde von Freunden – Friends”: 40 creatives before the backdrops
of the cities where they live and work—Amsterdam, Barcelona, Beirut,
Frankfurt, Helsinki, London, Los Angeles, Manila, Mexico City, New York,
Paris, San Francisco, São Paulo, Tokyo, Stockholm, and others. Intimate
shots of interiors are complemented by breathtaking glimpses of, say, the
skylines of New York or Tokyo. Other portraits were taken in the countryside,
in romantic settings surrounded by blossoming nature. The collaboration
between photographers, editors, and networkers all over the world directed
by FvF has produced authentic insights into the international creative scene.
The subjects are trendsetters like gallery operators, collectors, artists, photo
graphers, bloggers, illustrators, architects, storeowners, and magazine editors.
Ausstellungsansicht / Exhibition view, Neue Nationalgalerie, Berlin 2012; Duane Hanson, Riot (Policeman and Rioter), 1967
DIE SAMMLUNG DER NATIONALGALERIE 1945 –1968
DER GETEILTE HIMMEL
Harte Fronten, schroffe Kontraste – Kunst, Film, Literatur und
Performance zwischen 1945 und 1968
Wirtschaftswunder, Mauerbau, Kuba-Krise und Vietnam-Konflikt – harte Fronten prägten die Jahre zwischen 1945 und 1968. Die Atmosphäre des Kalten
Krieges beeinflusste die Kunst; Ost und West trennten die Figuration und Abstraktion. Im Ostblock stellte der Sozialistische Realismus den Ausgangspunkt
für weitere Entwicklungen dar. Der Westen verklärte den abstrakten Expressionismus und die Pop-Art zu Symbolen der Freiheit. Im zweiten Teil der großen
Ausstellungsdokumentation der Nationalgalerie geht der Blick jedoch betont
über alle Grenzen hinweg. Thomas Wagner hat zu diesem künstlerischen Kompendium historische Textbeiträge von Samuel Beckett, Ray Bradbury, Bertolt
Brecht, Rolf Dieter Brinkmann, William S. Burroughs, Albert Camus, Paul
Celan, Bob Dylan, Allen Ginsberg, Ernst Jandl, Elfriede Jelinek, Heiner Müller,
Mao Tsetung, Oswald Wiener und Christa Wolf ausgesucht. Mit Essays von
Joachim Jäger und Philip Ursprung sowie einem Vorwort von Udo Kittelmann.
38
Ausstellungsansicht / Exhibition view, Neue Nationalgalerie, Berlin 2010; Ernst Ludwig Kirchner, Potsdamer Platz, 1914 (links / left)
DIE SAMMLUNG DER NATIONALGALERIE 1900 –1945
MODERNE ZEITEN
Rigid Frontlines, Sharp Contrasts: Art, Film, Literature, and
Performance Between 1945 and 1968
The postwar economic boom, the building of the Wall, the Cuban missile crisis,
the conflict in Vietnam—rigid frontlines defined the years between 1945
and 1968. The atmosphere of the Cold War informed the visual arts; East
and West were divided by figuration and abstraction. In the East, Socialist
Realism was the basis for any innovation; the West glorified Abstract Expressionism and Pop Art as symbols of freedom. This book, which documents the
second in a series of major exhibitions held by the Nationalgalerie, deliberately
transcends such divisions. Excerpts from the work of contemporary writers,
Samuel Beckett, Ray Bradbury, Bertolt Brecht, Rolf Dieter Brinkmann, William
S. Burroughs, Albert Camus, Paul Celan, Bob Dylan, Allen Ginsberg, Ernst
Jandl, Elfriede Jelinek, Heiner Müller, Oswald Wiener, Christa Wolf, and Mao
Zedong complement the survey of the art of the period. With essays by
Joachim Jäger and Philip Ursprung as well as a preface by Udo Kittelmann.
Einzigartige Reflexion über Geschichte, Kunst, Literatur und Politik
In den letzten Jahren wurde der Sammlungsbestand der Berliner National
galerie aufgearbeitet und in drei großangelegten Ausstellungen präsentiert:
„Moderne Zeiten, 1900–1945“ (März 2010 bis Oktober 2011), „Der geteilte
Himmel, 1945–1968“ (November 2011 bis September 2013) und „Ausweitung
der Kampfzone, 1968–2000“ (November 2013 bis Dezember 2014). Der erste
Teil dieser Sammlungspräsentation liegt nun in Buchform vor und verdichtet
sich zu einem atmosphärischen Panorama der Avantgarden. Der Fokus liegt
auf der modernen Malerei und Bildhauerei, Höhepunkte aus Expressionismus, Dada, Neuer Sachlichkeit, Bauhaus-Kunst und Surrealismus werden
um historische literarische Texte u. a. von Else Lasker-Schüler, Kurt Tucholsky
und Stefan Zweig ergänzt. Der Autor Florian Illies lädt zu einem Spaziergang
durch die Neuhängung ein, während Dieter Scholz der deutschen Geschichte
und damit der tiefen Verflechtung der Neuen Nationalgalerie in die Ereignisse
des 20. Jahrhunderts nachspürt. Mit einem Vorwort von Udo Kittelmann.
Eds. Udo Kittelmann, Joachim Jäger,
Dieter Scholz, Nationalgalerie,
Staatliche Museen zu Berlin
Eds. Udo Kittelmann, Joachim Jäger,
Dieter Scholz, Nationalgalerie,
Staatliche Museen zu Berlin
German
19,5 × 26 cm
Hardcover
£ 50.00 / $ 88.00
€ 58.00 (D)
German
19,5 × 26 cm
Hardcover
£ 50.00 / $ 88.00
€ 58.00 (D)
ISBN 978-3-95476-074-9
ISBN 978-3-95476-054-1
39
A Unique Reflection on History, Art, Literature, and Politics
Over the past several years, the Nationalgalerie, Berlin, has reviewed its
collections and presented its treasures in three major exhibitions: “Modern
Times. 1900 – 1945” (March 2010 to October 2011), “Divided Heaven.
1945 – 1968” (November 2011 to September 2013), and “Expansion of
the Combat Zone. 1968 – 2000” (November 2013 to December 2014). The
first part of this collection presentation is now available as a book that lays
out a densely atmospheric panorama of avant-garde art. The focus is on
modern paintings and sculptures—highlights of Expressionism, Dada, New
Objectivity, the art of the Bauhaus, and Surrealism, complemented by historic literary texts by Else Lasker-Schüler, Kurt Tucholsky, Stefan Zweig, and
others. The writer Florian Illies takes the reader on a stroll through the new
hanging; Dieter Scholz traces German history and the entanglements of the
Neue Nationalgalerie in the events of the twentieth century. With a preface
by Udo Kittelmann.
Chrystal growth 4, 2011, Ausstellungsansicht / exhibition view, Langen Foundation, Neuss 2015
OLAFUR ELIASSON
WERKE / WORKS 1994 –2015
„Die Natur trägt eine große illusorische Qualität in sich.“
Die Umsetzung physikalischer Naturphänomene in spektakuläre Kunstwerke
hat ihn international berühmt gemacht. Olafur Eliasson (geb. 1967 in Kopenhagen, lebt und arbeitet in Berlin und Kopenhagen) untersucht elementare
Grundstoffe wie Wasser oder Licht, erzeugt damit Lichtreflexe oder Spiegelungen und spielt mit der Rezeption und der Erwartung des Betrachters. Eine Auswahl von Rauminstallationen, Fotografien, Objekten sowie eine Außenskulptur
wurden in der Architektur von Tadao Ando in der Langen Foundation in Neuss
gezeigt; die Werke aus den Jahren 1994 bis 2015 stammen aus einer der
größten Privatsammlungen mit Arbeiten des dänischen Künstlers isländischer
Herkunft. Das dazugehörige Buch ermöglicht einen Blick auf Eliassons Werk
aus der Perspektive der Sammler und bietet mit Arbeiten von den Anfängen
des Künstlers bis heute zugleich einen repräsentativen Überblick. Mit einer
Einführung von Christiane Maria Schneider, Texten von Christian Boros, Bruno
Latour und Joanna Warsza sowie einem Selbstinterview von Olafur Eliasson.
Aus/From Iceland series, 1998
OLAFUR ELIASSON
CONTACT IS CONTENT
“There is a profoundly illusory quality to nature.”
He rose to international fame with translations of natural physical phenomena
into spectacular works of art: Olafur Eliasson (b. Copenhagen, 1967; lives and
works in Berlin and Copenhagen) examines elementary substances and basic
materials such as water or light to create reflections and mirror effects. In
striking experiments, he toys with the viewer’s perceptions and expectations.
A selection of expansive installations, photographs, objects, and an outdoor
sculpture were on display in the setting of Tadao Ando’s architecture at the
Langen Foundation in Neuss; the works created between 1994 and 2015
stem from one of the biggest private collections of works by the Danish artist
with icelandic roots. The accompanying book presents a view of Eliasson’s
art from the collectors’ perspective while also offering a survey of the artist’s
oeuvre. Introduction by Christiane Maria Schneider, essays by Christian
Boros, Bruno Latour, and Joanna Warsza, interview with the artist by Olafur
Eliasson himself.
Inhalt durch Beziehung – zwischen Landschaft und Kunst, Körper und
Wetter, Licht und Dunkelheit
Seit vielen Jahren reist der dänisch-isländische Künstler Olafur Eliasson (geb.
1967 in Kopenhagen, lebt und arbeitet in Berlin und Kopenhagen) regelmäßig nach Island, um die Landschaft mit seiner Kamera zu erkunden. Es ist
ein ambitioniertes, fortlaufendes Projekt – geradezu kartografisch angelegt –,
in dessen Zuge bis heute rund achtzig Fotoserien entstanden sind, ebenso
wie eine Fülle an Einzelaufnahmen von Gletschern, Wasserfällen, Flüssen,
Vulkanen und Höhlen. Eliassons dynamische Bilder sind Reflexionen über
unsere Beziehung zur Natur, über den physisch fassbaren Raum, in dem wir
leben, und die vom Körper wahrgenommene Bewegung durch diesen Raum.
Neben Eliassons Fotografien präsentiert das opulente Buch weitere Arbeiten,
die dem Leser Einblick in seinen Inspirationsprozess geben: Die Bildsequenz,
von Eliasson selbst kuratiert, spürt den intuitiven Verbindungen zwischen der
Landschaft und den verschiedenen Ausdrucksformen des Künstlers nach.
TOP
German / English
24 × 32 cm
£ 40.00 / $ 68.00
€ 44.00 (D)
40
SELLER
English
30 × 34 cm
Hardcover bound in gauze
£ 115.00 / $ 175.00
€ 125.00 (D)
ISBN 978-3-95476-099-2
ISBN 978-3-95476-084-8
EDITION
EDITION
41
Content Through Contact—Between Landscapes and Artworks, Bodies and
Weather Conditions, Light and Darkness
Over the years, Danish-Icelandic artist Olafur Eliasson (b. Copenhagen,
1967; lives and works in Berlin and Copenhagen) has continually returned to
Iceland to investigate its landscape with his camera. The ambitious, ongoing
venture—almost cartographical in its scope—has resulted in approximately
eighty photo series to date, and a wealth of individual photographs of glaciers,
waterfalls, rivers, volcanoes, and caves. Eliasson’s vibrant images reflect
on our relationship to nature, the physical space in which we exist, and the
body’s felt motion through space—central concerns in his oeuvre. Alongside
Eliasson’s photographs, the opulent book presents a selection of further works
by the artist, granting the reader a glimpse into the process of inspiration
leading from physical experience to abstraction. The sequence of images,
curated by Eliasson himself, traces the intuitive connections between the
landscape and the different modes of expression employed by the artist.
Aloha #1, 2000
Schwarz, Rot, Blond #1, 2006
JOACHIM BALDAUF
PHOTOGRAPHS + THE WALLPAPER* YEARS
Diese Bilder erzählen alles
Die Arbeiten des deutschen Fotografen Joachim Baldauf (geb. 1965 im Allgäu,
lebt in Berlin, arbeitet international) bestechen durch ihre Klarheit und eine gewisse Ironie. Sie sind mehr als nur Fotografien, mehr als nur Modeaufnahmen,
mehr als nur Jugendkultur und mehr als nur Lifestyle. Diese Bilder stellen
den Menschen immer als Individuum dar. Die Nummer 1 der deutschen
Mode- und Porträtfotografen hat seine Fotos in allen namhaften Magazinen
veröffentlicht. Die erste Monografie von Joachim Baldauf enthält seine besten
Fotografien und eine Auswahl seiner Arbeiten für das Londoner Magazin
Wallpaper, das er in den Jahren von 1999 bis 2002 visuell stark geprägt hat.
Mit einem Gespräch zwischen Tyler Brûlé, Gründer und ehemaliger Chefredakteur von Wallpaper und jetziger Herausgeber von Monocle, und Ariel Childs,
damalige Bildredakteurin von Wallpaper, einem Text von Tillmann Prüfer,
Redakteur der Zeit und Style Director des ZEITmagazin, sowie einem Vorwort
von Uta Grosenick.
€ 58.00
NOW:
€ 25.00
German / English
24,5 × 30,5 cm
Hardcover (flex)
£ 19.95 / $ 29.90
€ 25.00 (D)
ISBN 978-3-95476-009-1
EDITION
42
Berlin, 2004
München, 2002
„Werde ich je in meinem Leben wieder ein Paar Sneakers tragen?“
Als Daniel Josefsohn (geb. 1961 in Hamburg) im November 2012 einen Schlaganfall erleidet, gerät sein Leben aus den Fugen. Ein Jahr später erhält er das Angebot vom ZEITmagazin, seinen Kampf zwölf Monate lang zu dokumentieren. Mit
seiner Lebensgefährtin Karin Müller begibt sich einer der wichtigsten deutschen
Fotografen in das schonungslose Karussell der Selbstreflexion. Seine Fotos
werden von tagebuchartigen Notizen begleitet, die sich mit den vergangenen Geschichten eines libertinen Lebensstils zu einem leidenschaftlichen Panoptikum
zusammensetzen. „Am Leben“, so der Titel der ZEITmagazin-Kolumne, feiert
das Überleben mit den Mitteln des Humors und der absoluten Liebe zum Leben.
Im November 2014 wurden Josefsohn und Müller von der Lead Academy in der
Kategorie Reportage mit Gold ausgezeichnet. Unter dem neuen Titel „Fuck Yes“
sind nun zum ersten Mal alle Kolumnen in deutscher und englischer Sprache
versammelt. Vorwort von Christoph Amend, Chefredakteur des ZEITmagazins,
Interview-Beitrag vom Publizisten und Kulturtheoretiker Holm Friebe.
“Will I ever wear a pair of sneakers again before I die?”
When Daniel Josefsohn (b. Hamburg, 1961) suffers a stroke in November
2012, his life unravels. A year later, ZEITmagazin invites him to document
his struggle in a yearlong series. With his girlfriend Karin Müller, who puts
his observations into words, one of Germany’s leading photographers takes
a ride on the relentless merry-go-round of introspection. His photographs are
accompanied by diary-like notes that blend episodes from his current diminished existence with recollections of his past life of freewheeling libertinage to
unfold a panorama of his passions. The original column ran in ZEITmagazin
under the title “Am Leben” (Alive): a celebration of survival buoyed by humor
and an unconditional love of life. In November 2014, Lead Academy awarded
Daniel Josefsohn and Karin Müller gold in the reportage category. Now titled
“Fuck Yes,” the book presents the collected columns in German and English.
With a preface by Christoph Amend, editor-in-chief of ZEITmagazin, and an
interview by the writer and cultural theorist Holm Friebe.
DANIEL JOSEFSOHN
FUCK YES
These Pictures Tell All
The German photographer Joachim Baldauf (b. in the Allgäu, 1965; lives
in Berlin, works internationally) creates pictures of captivating clarity and
subtle irony. They are more than just photographs or fashion shots, more
than just youth culture or lifestyle—his pictures always present the human
subject as an individual. Baldauf is the unchallenged number one among
Germany’s fashion and portrait photographers and an influential leader in
matters of style; his work has appeared in all renowned magazines. This
book is the first monograph on Joachim Baldauf’s work. The artist presents
his best photographs and a selection of works for the London-based magazine
Wallpaper, whose look he helped define between 1999 and 2002. The book
includes an conversation between Tyler Brûlé, the founder of Wallpaper and
present editor-in-chief of Monocle, and Ariel Childs, the former photo editor
at Wallpaper, an essay by Tillmann Prüfer, an editor at Die Zeit and the style
director at ZEITmagazin, as well as a preface by Uta Grosenick.
TOP
„Joachim Baldauf gilt als einer der einfluss
reichsten Porträt- und Fashionfotografen
in Deutschland.“
SELLER
“Joachim Baldauf is considered one of the most
influential portrait and fashion photographers
in Germany.”
German / English
20,5 × 26,5 cm
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
ISBN 978-3-95476-097-8
EDITION
Bild
43
karo bube, 2011
Andrzej Wróblewski, Armour, nicht datiert/not dated
Marina Cruz, Thin Red Line, 2014
Eko Nugroho, When The Soldier Is Cursed By His Superior, 2012
SHILA KHATAMI
STRAIGHT EDGE
DE.FI.CIEN.CY – ANDRZEJ WRÓBLEWSKI,
RENÉ DANIËLS, LUC TUYMANS
WASAK!
FILIPINO ART TODAY
SIP!
INDONESIAN ART TODAY
Geometrische Formen zwischen Alltag und Kunst
Shila Khatami (geb. 1976 in Saarbrücken, lebt und arbeitet in Berlin) greift
in ihren Arbeiten die geometrische Formensprachen aus verschiedenen
Zusammenhängen auf: angefangen bei den Konstruktivisten und ihrem
gescheiterten Anspruch, die Gesellschaft zu verändern, über ihr Wiederauftauchen im Gebrauchsdesign der 1950er und 1980er Jahre bis hin zu ihrer
Nutzung heutzutage. Mit Texten von Konrad Bitterli und Andreas Schlaegel.
Gemälde von unvergleichbarer, bitterer Schönheit
Drei sehr unterschiedliche Maler: Andrzej Wróblewski (lebte 1927 – 1957 in
Polen), René Daniëls (geb. 1950 in Eindhoven) und Luc Tuymans (geb. 1958
in Mortsel bei Antwerpen). Gemein ist ihnen eine bestimmte Unzulänglichkeit
in der Notwendigkeit der Darstellung. Mit Kommentaren von Dominic van den
Boogerd, Joanna Kordjak, Ulrich Loock und Luc Tuymans, einem Interview
zwischen Tuymans und Anda Rottenberg sowie einem Essay von Ulrich Loock.
Die wichtigsten Künstler der Philippinen
Dies ist der erste umfassende Überblick über die zeitgenössische Kunstszene
der Philippinen. Zu entdecken gibt es rund zwei Dutzend Künstler, die gerade
dabei sind, den westlichen Kunstmarkt zu erobern. Sie werden mit einem
fundierten Text über Konzept und Technik, Abbildungen ihrer wichtigsten
Arbeiten und einem Porträt vorgestellt. Mit einem ausführlichen Essay von
Norman Crisologo und Erwin Romulo.
„Siiiiip!“ – gut, sehr gut, cool, großartig
In Indonesien kann man noch aufregende Kunst entdecken, und indonesische
Kunst war gerade in den letzten Jahren das Thema zahlreicher Aus
stellungen. Dennoch gab es bisher kein Buch über die bekanntesten Künstler
des L andes. „Sip! Indonesian Art Today“ schließt diese Lücke und stellt 16
etablierte und junge Künstler vor. Damit wird das Buch zu einem unverzichtbaren Kompendium für Sammler, Kuratoren und Kunstinteressierte.
Geometry between Life and Art
The works of Shila Khatami (b. Saarbrücken, 1976; lives and works in Berlin)
bring the geometric shapes she encounters in different contexts into focus;
from the historic constructivists and their failed ambitions to change society
to the reemergence of geometry in industrial and product design in the 1950s
and again in the 1980s to the variety of geometric design elements in today’s
world. With texts by Konrad Bitterli and Andreas Schlaegel.
Paintings of Incomparable, Bitter Beauty
Three very different artists: Andrzej Wróblewski (lived 1927 – 1957 in P
oland),
René Daniëls (b. Eindhoven, 1950), and Luc Tuymans (b. Mortsel near
Antwerp, 1958). The shared feature of their oeuvres is a certain inadequacy
implicit in the necessity of depiction. With comments by Dominic van den
Boogerd, Joanna Kordjak, Ulrich Loock, and Luc Tuymans, an interview
between Tuymans and Anda Rottenberg as well as a text by Ulrich Loock.
The Most Important Philippine Artists Working Today
This groundbreaking volume presents the first well-researched overview of
the Philippine contemporary arts scene, inviting the reader to discover around
two dozen artists who are about to take the Western art market by storm.
Each is featured with an outline of his ideas and techniques, photographs of
major works, and a portrait. With an extensive essay by Norman Crisologo
and Erwin Romulo.
“Siiiiip!”—good, very good, great, splendid
Over the past years, a growing number of exhibitions have presented
Indonesian art. What has been sorely lacking is a book about the country’s
best-known artists. “Sip! Indonesian Art Today” closes that gap by introducing readers to 16 established and young artists. This makes the book an
indispensable compendium for collectors and curators, students of art and
everyone who is interested.
Eds. Kunstverein Dillingen
Autocenter, Berlin
German / English
23 × 29,5 cm
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
Ed. Ulrich Loock
Ed. Matthias Arndt
Ed. Matthias Arndt
English / Polish
19,5 × 26 cm
Hardcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
English
23 × 27,5 cm
Hardcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
English
23 × 27,5 cm
Hardcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
ISBN 978-3-95476-121-0
ISBN 978-3-95476-117-3
ISBN 978-3-95476-007-7
ISBN 978-3-95476-131-9
EDITION
44
45
ART COLLECTION TELEKOM
FRAGILE SENSE OF HOPE
AUTOCENTER
SPACE FOR CONTEMPORARY ART BERLIN
GEORG BASELITZ
SKULPTUREN / SCULPTURES
JOHN BEECH
Überblick über die spannendsten Künstler aus Ost- und Südosteuropa
„Fragile Sense of Hope“ bringt den Grundtenor einer gesamten Region zum
Ausdruck. Der Fall des Eisernen Vorhangs hat dramatische Veränderungen
für Osteuropa mit sich gebracht, begleitet von einem fragilen Gefühl der Hoffnung auf eine bessere Zukunft. Vergessen und Erinnern generieren sich als
zentrale Themen auch in der Kunst. Das Buch präsentiert die erzählerische
Kraft der Kunstszene Ost- und Südosteuropas anhand von 70 Arbeiten.
13 Jahre Autocenter in einem Buch
Seit 13 Jahren prägt das Autocenter die zeitgenössische Kunstszene Berlins.
Die Flüchtigkeit der 160 Ausstellungen mit über 750 Künstlern, die in den
frühen Jahren zumeist nur zwei Tage zu sehen waren, wird jetzt in einem
bleibenden Buch präsentiert. In der Strenge eines Archivs angelegt, entstand so eine Art Datenbank für zeitgenössische Kunstproduktion im Berlin
der ersten Dekade unseres Jahrhunderts.
Alle Skulpturen von Georg Baselitz erstmals in einem Buch
Georg Baselitz (geb. 1939 in Deutschbaselitz) verstößt in seinem Werk
kontinuierlich gegen festgelegte Kategorien. In der Skulptur, der sich Baselitz
erstmals 1979 widmet, kämpft er wie in seiner Malerei gegen Harmonie und
Symmetrie. So behandelt er das Holz mit Kettensäge, Beil und Stecheisen.
Das Buch ist ein Catalogue raisonné, der alle 58 Skulpturen, die in den
letzten 30 Jahren entstanden sind, dokumentiert.
Absurde Kombination von Minimalismus und Warenwelt
John Beech (geb. 1964 in Winchester, UK, lebt und arbeitet in New York)
verwandelt Alltagsgegenstände in ästhetische Objekte. Sein Ansatz stammt
aus der Minimal Art und erinnert an Künstler wie Donald Judd und Robert
Rauschenberg. Das Buch präsentiert seine neuesten Arbeiten und einen
Überblick über die Skulpturen, Malereien, Zeichnungen und Fotografien der
vergangenen 25 Jahre. Mit einem Essay von Kenneth Baker.
A Panorama of the Most Exciting Art from Eastern and Southeastern Europe
The title “Fragile Sense of Hope” expresses the basic mood of an entire
region. The fall of the Iron Curtain has led to dramatic changes in Eastern
Europe, accompanied by a tenuous sense that a better future is within reach.
Artists create works in which forgetting and remembering are central issues.
This book captures the exciting artistic developments in the countries of
Eastern and Southeastern Europe by showcasing 70 works.
13 Years of Autocenter in a Single Book!
For the past 13 years, Autocenter has put its stamp on Berlin’s contemporary
arts scene. The 160 shows featuring works by more than 750 artists have
always been transient affairs—in the early years, most exhibitions were on
display for a mere two days. Designed with the austere clarity of an archive,
the book constitutes a sort of database of the art made in Berlin during the
first decade of the new century.
The First Book With All of George Baselitz’s Sculptures
Georg Baselitz (b. Deutschbaselitz, 1939) continuously contravenes set
categories and regularities in his work. In sculpture, in which Baselitz first
began to work in 1979, he fights against harmony and symmetry just as he
does in his paintings. Baselitz works the wood with a chain saw, hatchet, and
chisel. This volume is a catalogue raisonné documenting all 58 sculptures
created over the past 30 years.
An Absurd Marriage of Minimalism and Merchandise
John Beech (b. Winchester, UK, 1964; lives and works in New York)
transforms the stuff of ordinary life into aesthetic objects. His approach is
recognizably inspired by minimal art, with reminiscences of Donald Judd,
Robert Rauschenberg, and others. The book presents Beech’s most recent
works and offers an overview of his sculptures, paintings, drawings, and
photographs from the past 25 years. With an essay by Kenneth Baker.
Ed. Deutsche Telekom AG
Eds. Maik Schierloh, Joep van Liefland
English/German
23 × 27,5 cm
232 pages, approx. 300 color and
b/w images
Softcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
English / German
22 × 30 cm
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
Ed. Karola Kraus, Staatl. Kunsthalle
Baden-Baden
Ed. Haus der Kunst St. Josef, Solothurn
German / English
24 × 28 cm
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
German / English
22 × 27,5 cm
£ 45.00 / $ 78.00
€ 49.90 (D)
ISBN 978-3-95476-094-7
ISBN 978-3-95476-059-6
ISBN 978-3-899554-00-7
ISBN 978-3-95476-088-6
AUTOSTADT
GLÜCK
JULES DE BALINCOURT
AS FAR WEST AS WE COULD GO
Dem Glück auf der Spur
Glück war 2014 das Motto der Autostadt in Wolfsburg. Das gleichnamige
Jahrbuch zeigt Impressionen vom Glück in der Autostadt. Zu dieser Chronik
wurden vier Platten aus Aluminium gegossen, auf denen die Worte „Yes!“,
„Happy“, „Glück“ und „If you want to be happy, be“ stehen. Ein mit edlem
Metallic-Leinen bezogener Schuber, in dem die Platten zusammen mit der
Publikation präsentiert werden, macht daraus ein einzigartiges Buchobjekt.
Geschichten aus dem globalisierten Alltag
Jules de Balincourt (geb. 1972 in Paris, lebt und arbeitet in New York) malt
seine flirrenden Straßenszenen und grell beleuchteten Szenarien in einem
ausdauernden Prozess Schicht um Schicht. Seine – scheinbaren – Idyllen
schüren die Erwartung, hinterlassen aber Unsicherheit und Beunruhigung.
Das Buch zeigt eine Auswahl an Arbeiten aus Balincourts jüngerer Produktion.
Mit Texten von Kathrin Balkenhol und Oliver Koerner von Gustorf.
Finding Your Way to Happiness
In 2014, the activities of the Autostadt in Wolfsburg revolved around the theme
of “Glück,” happiness. That is also the title of the yearbook with impressions
of happiness in the Autostadt. The chronicle is accompanied by four cast
aluminum plates inscribed with the words “Yes!,” “Happy,” “Glück,” and “If
you want to be happy, be.” A slipcase lined with fine metallic linen that holds
the plates as well as the publication makes for a unique book object.
Stories from the Globalized Life
Jules de Balincourt (b. Paris, 1972; lives and works in New York) paints his
iridescent street scenes and garishly lit scenarios by patiently building up
layer upon layer. His—ostensibly—idyllic scenes stoke our expectations, but
then leave us with a feeling of uncertainty and disquiet. The book presents
a selection of recent works by Balincourt. With essays by Kathrin Balkenhol
and Oliver Koerner von Gustorf.
Ed. Autostadt GmbH
Ed. Kasseler Kunstverein
English / German
21 × 15 × 4,5 cm
Hardcover
Slipcase with four aluminium cast
plates and book
£ 45.00 / $ 78.00
€ 49.00 (D)
German / English
20 × 30,5 cm
Hardcover, colored edges
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
BERNHARD BUHMANN
AMPHIBISCHE FIGUREN, RITTER, CLOWNS UND
SCHNABELWESEN
Faszinierende Weltentwürfe und leuchtende Charaktere
Bernhard Buhmanns (geb. 1979 in Bregenz, lebt und arbeitet in Wien) Gemälde
sind Zeit-Geister, sensible Spiegel der Bühnen des Alltags. Kennzeichnend für
alle gezeigten Werkphasen (2006–2015) sind Fragen nach der (Re-)Konstruktion von Identität. Mit Texten von Günther Oberhollenzer und Fabian Ziegler
sowie einem Gespräch zwischen Katrina Kufer und Bernhard Buhmann.
Die Künstlerresidenz von Martha und Lionel Feuchtwanger
Anlässlich ihres 20-jährigen Bestehens präsentiert die Villa Aurora Positionen
von neun Stipendiaten. In den Werken von Nairy Baghramian, Rosa Barba,
Peggy Buth, Sabine Hornig, Christian Jankowski, Michael Just, Philipp Lachenmann, Albrecht Schäfer und Thomas Struth kommen Transit- und Exil-Erfahrungen, transatlantische Differenzen und Widersprüche an die Oberfläche. Texte
von Hans-Jörg Clement, Alexandra von Stosch, Laurence Rickels und anderen.
Fascinating Imaginary Worlds and Radiant Characters
The paintings of Bernhard Buhmann (b. Bregenz, Austria, 1979; lives and
works in Vienna) are sprites of our times: sensitive mirrors reflecting the stages
of everyday life. What unites the works from different phases (2006–2015)
is the inquiry into the (re-)construction of identity. With essays by Günther
Oberhollenzer and Fabian Ziegler and a conversation between Katrina Kufer
and Bernhard Buhmann.
Martha and Lionel Feuchtwanger’s Artists’ Residence
On the occasion of its twentieth anniversary, Villa Aurora presents work by
nine fellows—Nairy Baghramian, Rosa Barba, Peggy Buth, Sabine Hornig,
Christian Jankowski, Michael Just, Philipp Lachenmann, Albrecht Schäfer,
and Thomas Struth—that unfold experiences of transit and exile, transatlantic
differences and contradictions. Essays by the curators Hans-Jörg Clement,
Alexandra von Stosch, Laurence Rickels, and others.
German / English
20,5 × 28,5 cm
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN: 978-3-95476-122-7
Ed. Villa Aurora
German / English
20 × 25,5 cm
Hardcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
ISBN 978-3-95476-111-1
ISBN 978-3-95476-110-4
ISBN 978-3-95476-092-3
46
VILLA AURORA
CHECKPOINT CALIFORNIA
47
JIGGER CRUZ
MARIECHEN DANZ
CUBE CELL STAGE
VALENTIN HIRSCH
SYMMETRIES
MATTHEW DAY JACKSON
TOTAL ACCOMPLISHMENT
Der junge Superstar der philippinischen Kunstszene
Jigger Cruz (geb. 1984 in Malabon City, lebt und arbeitet in Manila, Philippinen)
nähert sich in seinen Werken nicht selten der Grenze zum Vandalismus. Der
Malgrund seiner Wandarbeiten ist gefundenes Material: gerahmte Holztafeln, die
er mit historisierenden Motiven nach der Art Alter Meister bemalt und anschließend in „wilder Anarchie“ mit Pigmenthaufen, Spray und Farbe, direkt aus der
Tube aufgetragen, zerstört. Texte von Lisa Ito und Benny Nemerofsky Ramsay.
Vollblutperformerin und Hohepriesterin
Für Mariechen Danz (geb. 1980 in Dublin, lebt und arbeitet in Berlin) ist das
Scheitern hierarchisch aufgebauter Strukturen offensichtlich. Sie hinterfragt die
akzeptierten Codes, in denen sich unser Wissen, unsere Sprache und unser
Bild von anderen Epochen und Kulturen bewegen. In Zeichnungen, Objekten, Installationen, Performances und Musik legt sie fraglos anerkannte Grenzen offen
und holt hervor, was durch koloniale Denkweisen in Vergessenheit geraten ist.
Für immer und ewig
Bereits Anfang der 2000er Jahre verglich der Künstler Valentin Hirsch
(geb. 1978 in Eschwege, lebt und arbeitet in Berlin) seine monströs-graziösen
Tuschezeichnungen mit der Technik eines Tätowierers. 2010 vollzog er den
Wechsel vom Transparentpapier zur menschlichen Haut. Wilde Tiere und
erschreckend anmutige Schädel zieren nun menschliche Gliedmaßen. Mit
einem Text von Gunter Damisch und einem Interview von Uta Grosenick.
Der kulturelle Einfluss der Atombombe
Matthew Day Jackson (geb. 1974 in Panorama City, lebt und arbeitet in New
York) ist einer der erfindungsreichsten Künstler seiner Generation. Seine
innovativen Skulpturen, Bilder, Installationen, Fotografien und Videos nehmen
Bezug auf die westliche Kultur- und Fortschrittsgeschichte. Dies ist die bis
dato umfangreichste Monografie des Künstlers. Sie dokumentiert beeindruckend die Entwicklung seines komplexen Werkes von 2003 bis heute.
The Rising Superstar of the Philippine Arts Scene
The practice of Jigger Cruz (b. Malabon City, 1984; lives and works in Manila,
Philippines) not infrequently verges on vandalism. His wall pieces are painted
on found materials: he covers framed wood panels with historicizing motifs in
an Old Master style and then destroys them in acts of “wild anarchy,” covering them with mounds of pigment, spray lacquer, or paint straight from the
tube. Essays by Lisa Ito and Benny Nemerofsky Ramsay.
A Born Performer And a High Priestess
As Mariechen Danz (b. Dublin, 1980; lives and works in Berlin) sees it, the
failure of hierarchically organized structures is obvious. She questions the
accepted codes with which our knowledge, our discourse, and our view of other
eras and cultures operate. In drawings, objects, installations, performances,
and music, she reveals unquestioningly accepted boundaries and unearths
what colonial habits of thought have obliterated.
Forever and Ever
In the early 2000s, Valentin Hirsch (b. Eschwege, 1978; lives and works
in Berlin) began comparing his monstrously graceful ink drawings with
the technique of a tattoo artist’s. In 2010, he took a leap and switched
from tracing paper to human skin, gracing human limbs with beasts and
shockingly comely skulls. With a text by Gunter Damisch and an interview
by Uta Grosenick.
The Cultural Impact of the Atomic Bomb
Matthew Day Jackson (b. Panorama City, 1974; lives and works in New York)
is one of the most inventive artists of his generation. His innovative sculptures, paintings, installations, photographs, and videos draw on the history of
Western culture and progress. This publication is the most extensive monograph on Matthew Day Jackson to date, illustrating the development of his
multi-layered practice from 2003 until today.
Ed. Matthias Arndt
English
20,5 × 25 cm
Hardcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
Eds. Andreas Beitin, Martin Hartung
English / German
20 × 25 cm
Hardcover, colored edges
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
Eds. GAK Gesellschaft für Aktuelle Kunst Bremen
Kunstverein Göttingen
German / English
22 × 29 cm
Softcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
English
23 × 30 cm
Hardcover
£ 45.00 / $ 68.00
€ 48.00 (D)
ISBN 978-3-95476-103-6
ISBN 978-3-95476-108-1
ISBN 978-3-95476-058-9
ISBN 978-3-942405-86-7
EDITION
ZVI GOLDSTEIN
GRÜNTUCH ERNST ARCHITEKTEN
THE LIMITS OF MY KNOWLEDGE: WORKS 1969 – 2014 DIALOGE / DIALOGUES
SERGEJ JENSEN
SUSANNE KESSLER
FRAMING SPACE
Jenseits der westlichen Moderne
Zvi Goldstein (geb. 1947 in Transsylvanien, lebt und arbeitet in Jerusalem) ist
ein konzeptuell arbeitender Künstler. Er schafft objektartige Skulpturen von
großer sinnlicher und intellektueller Strahlkraft. Das Buch ist um ein Werkverzeichnis aller bekannten Arbeiten von 1969 bis 2013 herum aufgebaut.
Alle ca. 230 Arbeiten sind illustriert und mit ausführlichen Informationen zu
Ausstellungsgeschichte, Bibliografie und Provenienz versehen.
Einfachheit und innovative Raffinesse beim heutigen Bauen
Was ist Raum? Wie kann er sinnlich erfahren, wie in seiner städtischen und
kulturellen Dimension verstanden und neu gedacht werden? Neben einem
Rückblick auf die preisgekrönten Projekte der letzten 10 Jahre zeigt die neue
Monografie auch jüngere Arbeiten und Wettbewerbserfolge. Klassische Projektbeschreibungen werden ersetzt durch persönliche Zwiegespräche, in denen
das Architektenduo über Motivationen und Entwicklungsprozesse reflektiert.
Die erste lang erwartete Monografie
Sergej Jensen (geb. 1971 in Kopenhagen) gibt seit Mitte der 1990er Jahre eine
der bemerkenswertesten Antworten auf die Frage, was Malerei heute noch sein
kann. Malerei im klassischen Sinne spielt dabei nur eine Nebenrolle: Anstelle
von Leinwand verwendet Jensen Jute, Nessel oder Jeans, manchmal bemalt
er diese mit Gouache oder Acryllack, doch meistens appliziert Jensen malerei
fremde Materialien wie Flicken, Geldscheine, Glasperlen oder Glitzerstaub.
Das Prinzip von Vergänglichkeit und Wandel
Susanne Kessler (geb. 1955 in Wuppertal, lebt und arbeitet in Berlin und
Rom) sucht seit den frühen 1980er Jahren nach Möglichkeiten, Malerei oder
Zeichnung plastisch werden zu lassen. Sie baut komplexe, ortsbezogene
Installationen, die für eine begrenzte Zeit mit Mensch und Umwelt kommuni
zieren sollen. Dieses Buch zeigt die wichtigsten Arbeiten der letzten 30 Jahre.
Texte von Achille Bonito Oliva, Vincenzo Mazzarella und Johannes Nathan.
Beyond Western Modernity
Zvi Goldstein (b. Transylvania, 1947; lives and works in Jerusalem) is a conceptual artist who creates object-like sculptures of great sensual and intellectual
radiance. The core of the book is a catalogue raisonné of all known works
created between 1969 and 2013. Each of the approx. 230 works is shown in
an illustration complemented by detailed information on its exhibition history,
provenience, and bibliography.
Simplicity and Innovative Ingenuity in Today’s Building
What is space? How can we experience it, how understand and rethink its
urban and cultural dimensions? The new monograph offers a review of the
award-winning projects from the past 10 years as well as more recent works
and successful competition entries. Instead of traditional project descriptions,
it contains personal conversations in which the two architects reflect on the
motivations that drive their projects and trace their evolution.
The First Long-Awaited Monograph
Since the mid-1990s, Sergej Jensen (b. Copenhagen, 1971) has been offering
one of the most remarkable responses to the question of what painting can
still be today. Painting in the classical sense plays only a minor role: in lieu
of canvas, Jensen uses jute, coarse cotton, and jeans. Sometimes he colors
these with gouache and acrylics, but more often he applies materials foreign
to painting, such as patches, paper money, spices, beads, and glitter.
The Principle of Impermanence and Change
Since the early 1980s, Susanne Kessler (b. Wuppertal, 1955; lives and
works in Berlin and Rome) has sought new ways to lend sculptural depth to
painting and drawing. She sets up complex site-specific installations, which
are meant to communicate with human viewers as well as their environments.
This book shows her most important works from the past 30 years. Texts
by Achille Bonito Oliva, Vincenzo Mazzarella, and Johannes Nathan.
Eds. Eva Meyer-Hermann
The Israel Museum, Jerusalem
English
23,5 × 30 cm
Softcover
£ 40.00 / $ 68.00
€ 44.00 (D)
ISBN 978-3-95476-072-5
Eds. Galerie Neu, Berlin
White Cube, London
Anton Kern Gallery, New York
Eds. Ilka and Andreas Ruby
German and English edition
24 × 32 cm
470 b / w images
£ 45.00 / $ 78.00
€ 49.90 (D)
German / English 22 × 29,5 cm
Softcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-942405-83-6 (GER)
ISBN 978-3-942405-84-3 (ENG)
ISBN 978-3-942405-06-5
German
English
48
49
English / German / Italian
23 × 28 cm
232 pages, 217 color and 20 b/w images
Hardcover
37.50 £ / $ 60.00
39.90 € (D)
ISBN 978-3-95476-119-7
ANSELM KIEFER
JOHANNIS-NACHT
ERIKA KIFFL
FOTOGRAFIEN 1964 – 2014
ALICJA KWADE
ALICJA KWADE
GRAD DER GEWISSHEIT
Eine Erklärung der Welt
1990 erhielt Anselm Kiefer (geb. 1945 in Donaueschingen, lebt und arbeitet
in Frankreich) den renommierten Kunstpreis Goslarer Kaiserring. In diesem
Zusammenhang entstand eine Schlüsselarbeit des Künstlers, Johannis-Nacht.
Nach der Sanierung des Mönchehaus Museum ist Johannis-Nacht endlich
wieder zugänglich und wird in der vorliegenden Publikation umfassend
dokumentiert.
Führende Fotografin der deutschen Gegenwartskunst
Erika Kiffl (geb. 1939 in Karlsbad, lebt und arbeitet in Düsseldorf) hat seit
den frühen 1960er Jahren immer wieder Künstler in ihren Ateliers besucht
und diese mit ihren Arbeiten fotografiert. Dabei hielt sie sich selbst so weit
wie möglich im Hintergrund. Noch vor der bekannten „Becher-Schule“
hinterfragte sie die Unterschiede von dokumentarischer und künstlerischer
Fotografie.
Die ganze Welt des Skulpturalen
Alicja Kwade (geb. 1979 in Katowice, Polen, lebt und arbeitet in Berlin)
kombiniert gewitzt elementare Materialien, alltägliche Dinge und kulturell
geprägte Produkte. Mit ihren eindrücklichen „Bildern“ im Raum ergründet
sie die conditio humana unter dem Einfluss der Physik ebenso wie unter dem
des Spätkapitalismus. Mit Texten von Petra Lange-Berndt und Dietmar Rübel
sowie einem Vorwort von Ulrike Lorenz.
Die Wahrnehmung von Zeit und von ökonomischen Prozessen
In ihren Skulpturen, Videoarbeiten und Installationen thematisiert Alicja
Kwade ökonomische, wissenschaftliche und soziokulturelle Systeme und
deren unsichere Beschaffenheit. Motive wie Uhr, Spiegel, Stein, Lampe,
Materialflächen und (Porzellan-)Figuren kehren immer wieder, bringen
ihre eigene Zeitlichkeit mit und verweisen auf eine traditionsreiche, kunst
historische Ikonografie.
An Account of the World
In 1990, Anselm Kiefer (b. Donaueschingen, 1945; lives and works in
France) received the renowned Goslarer Kaiserring art award. In connection
with the prize, he created a key work: Johannis-Nacht. As the Mönchehaus
Museum reopens after renovations, Johannis-Nacht is once again accessible
to the public, and this book presents a comprehensive documentation of
the work.
A Leading Photographer of German Contemporary Art
The German photographer Erika Kiffl (b. Carlsbad, 1939; lives and works
in Düsseldorf) started to visit artists in their studios in the early 1960s,
where her self-effacing style allowed her to create striking pictures of her
hosts and their works. Before the emergence of the well-known “Becher
school,” she examined the differences between documentary and artistic
photography.
The Whole World of Sculptural Creation
Alicja Kwade (b. Katowice, Poland, 1979; lives and works in Berlin) deftly
combines elementary materials and ordinary objects with products that
carry their own cultural histories. Her haunting “pictures” in space probe the
human condition under the sway of physics as well as late capitalism. With
essays by Petra Lange-Berndt and Dietmar Rübel as well as a preface by
Ulrike Lorenz.
Perceiving Time and Economic Processes
The sculptures, video works, and installations of Alicja Kwade explore
economic, scientific, and socio-cultural systems and their uncertainties.
Her installations feature recurring motifs such as the clock, the mirror,
the stone, the lamp, the surfaces of materials, and (porcelain) figurines,
bearing their own temporality and gesturing toward a rich iconographic
tradition in art.
Ed. Mönchehaus Museum Goslar
Ed. Daniel Marzona
Ed. Ulrike Lorenz
Ed. Sylvia Martin
German / English
22,5 × 30 cm
Hardcover
£ 32.50 / $ 50.00
€ 38.00 (D)
German
24 × 30 cm
152 b/w images
Hardcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
German / English
24 × 26,5 cm
Softcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
German / English
21 × 28 cm
160 pages, approx 70 color images
Softcover with linen, dust jacket
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
ISBN 978-3-95476-123-4
ISBN 978-3-95476-051-0
ISBN 978-3-95476-022-0
ISBN 978-3-95476-061-9
KIPPENBERGER & FRIENDS
MISCHA KUBALL
PUBLIC PREPOSITION
ALICJA KWADE
MATERIA PRIMA
MARIA LASSNIG
Martin Kippenberger zum 60. Geburtstag
1997 starb der deutsche Künstler Martin Kippenberger im Alter von 44 Jahren.
Heute wird das Werk des einstigen Enfant terrible international gefeiert
und befindet sich in den wichtigsten Sammlungen und Museen der Welt.
Das Interview- und Fotobuch nähert sich dem Mythos Kippenberger in 25
Gesprächen mit Künstlern, Kuratoren, Galeristen und Freunden. Es enthält
zahlreiche dokumentarische Fotografien, die erstmals veröffentlicht werden.
Veränderte Wahrnehmung bekannt scheinender urbaner Kontexte
Mit public preposition realisiert Mischa Kuball (geb. 1959 in Düsseldorf,
lebt und arbeitet in Düsseldorf) seit 2009 eine Serie von Installationen im
öffentlichen Raum. Die Frage nach der zeitgemäßen Definition dieser Kunstform bewegt Künstler seit den 1970er Jahren; die Antworten haben sich in
dieser Zeit wesentlich verändert. Kuballs Projektreihe positioniert dieses Thema
neu. Texte von Zoran Erić, Blair French, Vanessa Joan Müller, Barbara Steiner.
„Das Staunen und die Unerklärlichkeit des Ganzen inspirieren mich.“
Wenige künstlerische Positionen erfahren zurzeit eine vergleichbare Aufmerksamkeit wie die Arbeiten der Bildhauerin Alicja Kwade. Diese zeigen, wie
leicht sich unsere konstruierte Realität aus den Angeln heben ließe: Dezente
Eingriffe in Alltägliches können die Schwerkraft umkehren und Kieselsteine in
Juwelen verwandeln. Kwade versucht, das Unsichtbare sichtbar zu machen,
das Unvorstellbare zu begreifen.
Die besten Gemälde der Grande Dame der informellen Malerei
Die Österreicherin Maria Lassnig (1919–2014) war eine der radikalsten
Künstlerinnen unserer Zeit. „Die Kunst ist die Waffe, mit der man trifft, aber
man setzt dabei auch das eigene Leben aufs Spiel“, sagte sie. Lassnigs
großer Durchbruch kam erst 1997, als ihre Zeichnungen ein Höhepunkt der
documenta X in Kassel waren. Das Buch zeigt Bilder der jüngeren Werkphasen
ab 1998 sowie bis dato unveröffentlichte Gemälde aus dem Jahr 2009.
Martin Kippenberger on His 60th Birthday
German artist Martin Kippenberger died in 1997 at the age of 44. Today,
the work of the former enfant terrible is internationally celebrated and occupies
a solid place in the world’s most important art collections and museums.
The interview book comes closer to uncovering the myth Kippenberger, via
25 conversations with artists, curators, gallerists, and friends who contributed
numerous documentary photographs, published for the first time.
New Perspectives on Seemingly Familiar Urban Contexts
Public preposition is the title of a series of works in public settings Mischa
Kuball (b. Düsseldorf, 1959; lives and works in Düsseldorf) has realized since
2009. Since the 1970s, artists have explored the fundamental question of
how to conceive art in the public sphere for our time; their answers have
varied widely. Kuball’s projects highlight a new position on this issue. Essays
by Zoran Erić, Blair French, Vanessa Joan Müller, Barbara Steiner.
“Wonderment and the inexplicableness of the whole inspire me.”
Few positions in art currently attract more attention than the works of the
young sculptor Alicja Kwade. They show how easy it would be to lift our
construction of reality off its hinges. Her discreet interventions in scenes of
everyday life can invert gravity and transmute pebbles into jewels. She tries
to render the invisible visible, to comprehend the unimaginable.
The Finest Paintings by the Internationally Renowned Contemporary Artist
The Austrian Maria Lassnig (1919–2014) was one of the most radical women
artists of our time. “Art is a weapon that can hit its target, but the artist also
risks her own life when doing so,” she stated. Lassnig’s great breakthrough
came late, in 1997, when her drawings were the high point of documenta X in
Kassel, Germany. The book shows works from the artist’s more recent period,
since 1998, and previously unpublished paintings from 2009.
50
Ed. Josephine von Perfall
Ed. Vanessa Joan Müller
German / English
19,5 × 27 cm
224 pages, approx. 80 color and b / w images
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
German / English
20,5 × 27,5 cm
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-005-3
ISBN 978-3-95476-114-2
German / English
16,5 × 24 cm
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-942405-58-4
Ed. Helmut Friedel
German / English
21 × 27 cm
Hardcover, dust jacket
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-89955-402-1
51
ANNA LEHMANN-BRAUNS
LE MOUVEMENT
PERFORMING THE CITY
MAREN MAURER
HIC SUNT DRACONES
FLORIAN MEISENBERG
Die bröckelnde Kulisse unserer Erinnerung
Der menschenleere Raum fasziniert die Fotografin Anna Lehmann-Brauns
(geb. 1968 in Berlin, lebt und arbeitet in Berlin). Nur scheinbar kühl und distanziert, verschafft die Schülerin von Joachim Brohm ihren Motiven eine Aura
von Rätselhaftigkeit. Dabei mutet manche Situation, die sie ausschließlich
analog und in vorgefundener Lichtsituation fotografiert, geradezu surreal an.
Mit Texten von Matthias Harder und Sabine Ziegenrücker.
Das Who’s who der zeitgenössischen Performancekunst
Performancekunst im städtischen Umfeld: Im Buch werden sowohl legendäre
historische Perfomances seit 1963 mit einzigartigem dokumentarischen
Bildmaterial vorgestellt als auch aktuelle Positionen untersucht. Die Künstler
liste mit 59 Namen liest sich wie das Who’s who der zeitgenössischen
Performancekunst. Mit Essays und Künstlertexten von Bojana Cvejić, André
Lepecki, Nataša Petrešin-Bachelez und Jan Verwoert.
Skulptur als räumlich-körperliche Dimension
Maren Maurer (geb. 1981 in Scherzingen, Schweiz, lebt und arbeitet in Köln)
studierte an der Düsseldorfer Kunstakademie bei Rita McBride und Rosemarie
Trockel. Seit 2012/13 stellt sie Skulpturen her, die mit dem Wechsel von
Positiv- und Negativform experimentieren und (leeren) Raum als eine Form
des Dazwischen definieren. Offene, undefinierte, prekäre Stellen spielen in
Maurers Werk eine große Rolle. Texte von Barbara Könches und Doris Krystof.
„Die Malerei war und ist für mich Albtraum und Traum zugleich …“
Zu Florian Meisenbergs (geb. 1980 in Berlin, lebt und arbeitet in New York)
Werk gehören, neben Leinwandarbeiten, ganz selbstverständlich auch Web
sites und Videos, Zeichnungen und Bücher, Installationen und Performances.
Hier werden Meisenbergs jüngste Gemälde und seine neuen Videos gezeigt.
Wichtig dabei ist, dass er im digitalen Desktop ein gleichwertiges Äquivalent
für die bemalte Leinwand sieht.
The Crumbling Backdrops of Our Recollections
Deserted spaces capture the interest of the photographer Anna LehmannBrauns (b. Berlin, 1968; lives and works in Berlin). In pictures that suggest cool
dispassion only at first glance, the artist, who studied with Joachim Brohm,
lends her motifs, which she captures using analogue technology and without
artificial lighting, a mysterious and forlorn aura; some situations take on a positively surreal air. With texts by Matthias Harder and Sabine Ziegenrücker.
The Who Is Who of Contemporary Performance Art
Performance art in the public sphere: the book presents unique documentary
materials to introduce readers to legendary historic performance pieces since
1963 and surveys contemporary positions. The roster of 59 contributing
artists reads like a who is who of performance art today. With essays and
artists’ texts by Bojana Cvejić, André Lepecki, Nataša Petrešin-Bachelez, and
Jan Verwoert.
Sculpture as a Spatial-Physical Dimension
Maren Maurer (b. Scherzingen, Switzerland, 1981; lives and works in Cologne)
studied with Rita McBride and Rosemarie Trockel at the Düsseldorf Academy
of Fine Arts. Around 2012/13, Maurer started casting sculptures, experimenting with the alternation between positive and negative shapes to define (empty)
space as an interstitial form. Open, undefined, precarious passages play a
crucial role in her art. With essays by Barbara Könches and Doris Krystof.
“Painting, to me, was and still is a nightmare and a dream at once …”
Making art, not only on canvas, but in the form of websites and videos,
drawings and books, installations and performances, comes naturally to
Florian Meisenberg (b. Berlin, 1980; lives and works in New York). This book
presents Meisenberg’s most recent paintings and new videos. It is important
to note that he regards the digital desktop as a no less worthy equivalent to
the painted canvas.
Ed. Matthias Harder
Eds. Gianni Jetzer, Chris Sharp
German / English
24 × 31,5 cm
Hardcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
English / German / French
21 × 28 cm
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-112-8
ISBN 978-3-95476-083-1
HTTP://WWW.LIVELEAK.COM/VIEW?I=366_1344438832
German / English
19 × 24 cm
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
Ed. Uta Grosenick
German / English
21 × 26,5 cm
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-128-9
ISBN 978-3-942405-98-0
EDITION
EDITION
ANDREAS LUTZ
WUTBÜRGER
KRIS MARTIN
EVERY DAY OF THE WEAK
VERA MERCER
LIFE
VERA MERCER
PARTICULAR PORTRAITS
Deutsche Wut in 13 Akten
Die Videoinstallation Wutbürger befasst sich mit dem individuellen Scheitern
eines deutschen Mannes. Stefan W. durchlebt retrospektiv Stationen seines
Lebens, die ihn in die jetzige Situation, in eine Art Gefängnis geführt haben.
Seine fünfstündige Performance in einer Box wurde aufgezeichnet, die beim
Betrachter die Illusion einer an ihn adressierten Handlung erzeugt. Texte von
Andreas Genschmar, Andreas Lutz, Frauke Nowak, Christoph Tratberger.
„Ich riskiere es, die großen Fragen des Lebens anzureißen.“
Das Werk von Kris Martin (geb. 1972 in Kortrijk, Belgien, lebt und arbeitet in
Gent) vermittelt die intensive Erfahrung der Endlichkeit des Lebens. Die Zeit
ist essenziell für den Künstler, dessen unablässige Beschäftigung mit Sterblichkeit und den flüchtigen Eigenschaften der Kunst seine bisherige Laufbahn
bestimmt hat. Seine Arbeiten umfassen Installationen, Skulpturen, Fotografien,
Zeichnungen, Schrift und Sound.
„Sinnlichkeit kann man in schönen und in schrecklichen Dingen entdecken …“
Die neuen Arbeiten von Vera Mercer (geb. 1936 in Berlin, lebt und arbeitet
in Omaha, NE, USA und Paris) sind kompromisslose Tableaux vivants, die in
ihrer Komposition und Farbgebung einzigartig sind. „Leben und Tod sind zwei
großartige Dinge. Ich wünschte, meine Fotos würden das noch viel mehr zum
Ausdruck bringen.“ Mercers Blumen in voller Blüte, überreife Früchte und tote
Kreaturen sind Memento mori par excellence und eine Eloge an das Leben.
„Sweetness is the last thing I want …“
Vera Mercer (geb. 1936 in Berlin, lebt und arbeitet in Omaha, NE, USA und
Paris) ist – neben Künstlerporträts von ihrem Ex-Mann Daniel Spoerri, Niki de
Saint Phalle, Andy Warhol und Norman Mailer – vor allem für ihre opulenten
Stillleben bekannt. Das Vereinen dieser beiden Genres ist ein Novum in der
Fotografiegeschichte. Dabei geht es ihr nicht um eine allgemeingültige Charakterisierung einer Persönlichkeit, sondern um ein sinnliches Fest des Lebens.
German Rage in 13 Acts
The video installation Wutbürger explores the individual failure of a German
man. Looking back on his life, Stefan W. relives episodes that eventually led
him into the dead end, a prison of his own making. A five-hour performance
set in a box was recorded to produce images that give the viewer the feeling
of being confronted with a live action that addresses him directly. Essays by
Andreas Genschmar, Andreas Lutz, Frauke Nowak, Christoph Tratberger.
“I dare to take up life’s big questions.”
The art of Kris Martin (b. Kortrijk, Belgium, 1997; lives and works in Ghent)
conveys an intense experience of the finitude of life. Time is essential to
this artist, whose relentless engagement with mortality and the evanescent
qualities of art has defined his rising career. His works include installations,
sculptures, photographs, drawings, writing, and sound.
“Sensuality can be found in beautiful things and in horrible ones … ”
The new photographs by Vera Mercer (b. Berlin, 1936; lives and works in
Omaha, NE, USA and Paris) are uncompromsing tableaux vivants whose
composition and palette are without equal. “Life and death are two magnificent
things. I wish my photographs would convey that even more strongly.” Her
flowers in full bloom, ripe fruit on the verge of spoiling, and dead creatures are
a quintessential memento mori and an encomium of life.
“Sweetness is the last thing I want … ”
Apart from her artists’ portraits of her ex-husband Daniel Spoerri, Niki de
Saint Phalle, Andy Warhol, and Norman Mailer, Vera Mercer (b. Berlin, 1936;
lives and works in Omaha, NE, USA and Paris) is internationally known for her
opulent still lifes. Her idea to merge these two genres is without precedent
in the history of photography. Rather than framing a universally valid characterization of a personality, her art sumptuously celebrates life.
Ed. Andreas Lutz
German / English
19 × 30 cm
Hardcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
ISBN 978-3-95476-135-7
Eds. Kunstmuseum Bonn
Aargauer Kunsthaus, Aarau
kestnergesellschaft, Hanover
German / English
24 × 30 cm
Hardcover
£ 40.00 / $ 69.00
€ 44.00 (D)
ISBN 978-3-942405-67-6
52
53
Ed. Matthias Harder
Ed. Matthias Harder
German / English
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
German / English
24 × 30 cm
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-113-5
ISBN 978-3-95476-067-1
ROBERT MONTGOMERY
MARIELLA MOSLER
MIMIKRY MIT ORNAMENT
ANCA MUNTEANU RIMNIC
MICHAEL NAJJAR
OUTER SPACE
Poetische Visionen inmitten der Stadt
Die lyrisch-melancholischen Arbeiten von Robert Montgomery (geb. 1972
in Chapelhall, lebt und arbeitet in London) beschreiben die offenen Wunden
der kapitalistischen Gesellschaft. Sein Blick ist von tiefer Skepsis auf eine blind
fortschreitende Moderne geprägt, und doch glaubt er an die Möglichkeit der
Auflehnung eines jeden Einzelnen. Seine Texte machen das Gedachte sichtbar
und spüren den Erinnerungen eines Ortes und seiner Menschen nach.
Im Spannungsfeld von Opulenz und Minimalismus
Die Arbeiten von Mariella Mosler (geb. 1962, lebt und arbeitet in Hamburg)
bewegen sich an der Grenze von Skulptur und Ornament. Souverän zitiert sie
die Formensprache vom Barock bis zur Moderne. Arabesken aus Fruchtgummi,
filigrane Gebilde aus menschlichem Haar, Reliefs aus Sand oder Bodenmosaike
aus hunderten Kilogramm Liebesperlen dienen ihr dabei als Repertoire. Mit
Texten von Nicole Fritz, Hanne Loreck, Ursula Panhans-Bühler, Annett Reckert.
Die skulpturale Beobachterin
Seit 1999 hat Anca Munteanu Rimnic (geb. 1974 in Bukarest, lebt und
arbeitet in Berlin) ein kraftvolles Werk aus Skulpturen, Fotos und Film-
Performances geschaffen. Sie begegnet den Gegenständen und Personen
ihrer Arbeiten im Supermarkt, im Park oder auf der Straße, um anschließend
die zufälligen Begebenheiten des Alltags leicht zu verschieben und in absurde,
aber visuell reizvolle Bilder und Artefakte umzusetzen.
Der allererste Künstler im Weltall
In naher Zukunft wird Michael Najjar (geb. 1966 in Landau, lebt und arbeitet
in Berlin), einer der renommiertesten deutschen Fotografen, ins All reisen.
Für seine aktuelle Serie outer space unterzog er sich einem intensiven
Astronautentraining im russischen Star City und trieb seinen Körper in
Stratosphärenflügen, Zero-G-Flights und Spacewalktrainings in Extremsituationen, die er mit seiner Kamera festhielt und in diesem Buch dokumentiert.
Poetic Visions at the Heart of the City
The lyrical and melancholy works of Robert Montgomery (b. Chapelhall,
1972; lives and works in London) portray the raw wounds of the capitalist
society. His gaze is informed by profound skepticism about modernity and
its blind progress, but he also believes in the individual’s ability to offer resistance. His texts render his reflections visible and trace the memories of
a place and its people.
Between the Poles of Opulence and Minimalism
The art of Mariella Mosler (b. 1962; lives and works in Hamburg) operates on
the boundary between sculpture and ornamentation. She deftly quotes from
a wide array of visual idioms ranging from baroque to modernism. Mosler
manufactures arabesques out of fruit gum; pours sand to make reliefs; or
creates floor mosaics out of hundreds of pounds of nonpareils. Texts by
Nicole Fritz, Hanne Loreck, Ursula Panhans-Bühler, and Annett Reckert.
The Sculptor as Observer
Since 1999, Anca Munteanu Rimnic (b. Bucharest, 1974; lives and works
in Berlin) has created a powerful oeuvre of sculptures, photographs, and
filmic performances. She encounters the objects and people that wind up in
her works in the supermarket, the park, or the street; slight displacements
transform random incidents of daily life into absurd and yet visually appealing
images and artifacts.
First Artist Ever In Space
In the near future, Michael Najjar (b. Landau, 1966; lives and works in
Berlin), one of Germany’s most renowned photographers, will head for outer
space. For his current series outer space he underwent intense training for
future astronauts in Russia’s Star City. Defying physical limitations, Najjar
pushed his body to extremes in stratospheric and zero-g flights and spacewalk training sessions, recording what happened to him with the camera.
German / English
20 × 29 cm
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
German/English
23,5 × 30 cm
Hardcover
£ 40.00 / $ 68.00
€ 44.00 (D)
Ed. Uta Grosenick
German / English
23,5 × 30 cm
264 pages, 208 color and 56 duplex images
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
Ed. Henrik Wobbe
German / English
20,5 × 26 cm
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-118-0
ISBN 978-3-95476-055-8
ISBN 978-3-95476-073-2
ISBN 978-3-95476-077-0
EDITION
ANDREAS MÜHE
ABC
ANDREAS MÜHE
OBERSALZBERG
THOMAS NEUMANN
THE JAPANESE SERIES
JÜRGEN PARTENHEIMER
DAS ARCHIV / THE ARCHIVE
„Es muss so aussehen, als ob man an einer offenen Tür vorbeigeht …
… kurz reinschaut, und die Szene, die dort passiert, bleibt hängen.“ So
beschreibt der Fotograf Andreas Mühe (geb. 1979 in Karl-Marx-Stadt, lebt
und arbeitet in Berlin) die Wirkung, die er sich von seinen Bildern erhofft.
So wie das Foto des Büros von Helmut Schmidt, das er für das Cover dieses
Buches ausgesucht hat. Dabei überlässt er nichts dem Zufall, sondern
inszeniert jedes Setting bis ins kleinste Detail.
Mit der Kamera ins Herz der Finsternis
Andreas Mühe (geb. 1979 in Karl-Marx-Stadt, lebt und arbeitet in Berlin),
einer der renommiertesten deutschen Fotografen, ist zu Hause angekommen:
mitten in Deutschland. Am sagenumwobenen Obersalzberg ist er mit seiner
Kamera auf Spurensuche gegangen. Dort, wo es noch immer schmerzt und die
Zeit nicht zu vergehen scheint, versucht er einen Mythos zu erfassen und die
liebste Idylle des Nationalsozialismus neu zu sehen.
Die erhabene Schönheit der Natur
Inspiriert von traditioneller Tuschemalerei, hat Thomas Neumann (geb. 1975
in Cottbus, lebt und arbeitet in Düsseldorf) Landschaften in Japan fotografiert. Die handwerklich präzisen Arbeiten des Meisterschülers von Thomas
Ruff sind voller Poesie und Abstraktion. Ein Essay aus der japanischen und
einer aus der deutschen Perspektive, geschrieben von Gregor Jansen und
Harumi Niwa, geben die unterschiedlichen Deutungsweisen wider.
Die Magie von Vorstellung und Wirklichkeit
Jürgen Partenheimer (geb. 1947 in München) ist seit seinen Teilnahmen
an den Biennalen von Paris, Venedig und São Paulo für sein vielschichtiges
Werk international bekannt. In seiner Kunst verbinden sich konstruktive
Elemente der Minimal Art mit lyrischer Intensität. Als Repräsentant einer
subjektiven Abstraktion zählt er zu den bedeutenden deutschen Künstlern
der Gegenwart.
“It has to look as though you’re walking past an open door …
… quickly peek inside, and the scene that’s taking place there gets stuck
on your mind.” That’s how photographer Andreas Mühe (b. Karl-Marx-Stadt,
1979; lives and works in Berlin) describes the effect he hopes his pictures
will have. Like the photograph of Helmut Schmidt’s office he chose for the
cover of this book. In fact, he leaves nothing to chance, staging each setting
down to the smallest detail.
Into the Heart of Darkness, Camera in Hand
Andreas Mühe (b. Karl-Marx-Stadt, 1979; lives and works in Berlin), one of the
most renowned German photographers, has come home: he is back in Germany’s heart. At the legendary Obersalzberg he went to look for traces with his
camera. At the place where the pain has not abated and time seems to have
stopped he tries to capture the myth of this place, and see the Nazi regime’s
favorite idyll with fresh eyes.
The Sublime Beauty of Nature
Thomas Neumann (b. Cottbus, 1975; lives and works in Düsseldorf) has captured Japanese landscapes in photographs inspired by traditional ink paintings.
In his pictures, Neumann, a graduate of Thomas Ruff’s master class, blends
precise craftsmanship with poetry and abstraction. Gregor Jansen and Harumi
Niwa have contributed essays that introduce the reader to Neumann’s work
from a Japanese and a German perspective and outline possible interpretations.
The Magic of Imagination and Reality
Jürgen Partenheimer (b. Munich, 1947) rose to international renown with
his participations in the biennials of Paris, Venice, and São Paulo. His multi
faceted oeuvre combines constructive elements of Minimal Art with lyrical
intensity. A representative of subjective abstraction, he is one of the most
important German artists working today.
Ed. Ingo Taubhorn
German / English
23 × 33 cm
Hardcover, dust jacket (folded poster)
£ 45.00 / $ 78.00
€ 49.90 (D)
German / English / Japanese
25 × 33,5 cm
80 pages, 16 triplex and 8 color images
Hardcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
German / English
20 × 25,5 cm
208 pages, approx. 80 color
and 15 historical photographs
Hardcover
£ 40.00 / $ 68.00
€ 44.00 (D)
ISBN 978-3-95476-124-1
Ed. Bayerische Staatsgemäldesammlungen
German / English
16,5 × 24 cm
£ 45.00 / $ 78.00
€ 49.90 (D)
ISBN 978-3-95476-036-7
ISBN 978-3-942405-43-0
EDITION
54
ISBN 978-3-95476-046-6
EDITION
55
CHARLOTTE POSENENSKE / PETER ROEHR
DASSELBE ANDERS / IMMER DASSELBE
CHARLOTTE POSENENSKE (1930 – 1985)
DIE FRÜHEN ARBEITEN
PRIVATZUGANG
DAVID RENGGLI
Wiederholung als Prinzip
„dasselbe anders/immer dasselbe“ war der Titel einer Ausstellung von Charlotte
Posenenske (1930 – 1985) und Peter Roehr (1944 – 1968) im Wiesbadener
Kunsthaus. Für beide Künstler galt „Less is more“, sie arbeiteten in Serien,
entsubjektivierten die Arbeit und liquidierten so den traditionellen Status des
Künstlers, der Unikate als Basis des kommerziellen Kunstbetriebs schafft.
Gestik und Struktur
Nach der gefeierten Wiederentdeckung auf der documenta 12 richtete sich
das weltweite Interesse am Werk von Charlotte Posenenske vornehmlich auf
die technoiden Objekte, mit denen die minimalistische Konzeptkünstlerin
bekannt wurde, und nur gelegentlich, z. B. in diesem Buch, auch auf ihre
Malerei – als Vorarbeit. Nach den Aussagen der Künstlerin sind ihre Bilder an
Cézanne, Mondrian und El Lissitzky orientiert.
Auf einen Blick: Private Kunstsammlungen im deutschsprachigen Raum
Diese Publikation, eine praktische Mischung aus Museums- und Reiseführer, stellt in einem handlichen Format über 60 private Sammlungen
zeitgenössischer und moderner Kunst in Deutschland, Österreich und der
Schweiz mit zahlreichen Abbildungen vor. Größtenteils handelt es sich um
echte Geheimtipps, da sie dem breiteren Publikum unbekannt sind.
Wahrnehmungsfallen aus Farb- und Formkombinationen
Das Werk von David Renggli (geb. 1974 in Zürich, lebt und arbeitet in Zürich)
besteht aus skulpturalen Objekten, Klang- und Lichtinstallationen, Fotografien
und Hinterglasmalerei. Häufig erschafft er scheinbar Bekanntes, das sich
aber bei näherer Betrachtung als surreale, absurde Groteske entpuppt. Die
vorliegende Monografie präsentiert das künstlerische Schaffen von Renggli
von den Anfängen bis heute.
Repetition as Principle
“dasselbe anders/immer dasselbe” (the same thing another way / always
the same thing): that is the title of Charlotte Posenenske’s (1930 – 1985) and
Peter Roehr’s (1944 – 1968) exhibition at the Kunsthaus, Wiesbaden. “Less
is more”: that was true for both artists, who worked in series, stripping their
productions of subjective qualities and liquidating the traditional status on
which the commercial art world is based.
Gesture and Structure
The worldwide interest in the work of Charlotte Posenenske aroused by the
celebrated rediscovery of her art at documenta 12 focuses primarily on the
technoid objects that earned this minimalist conceptual artist her renown, with
only occasional glances (for instance in this book) at her paintings—which
are seen as preparatory studies. According to the artist’s own statements, her
pictures drew inspiration from Cézanne, Mondrian, and El Lissitzky.
In One Glimpse: Private Art Museums in the German-Speaking Region
A practical mix between museum and travel guide, this handy and richly
illustrated publication introduces more than 60 private collections of contemporary and modern art in Germany, Austria, and Switzerland. For the most
part, they are true insiders’ tips the general public is unaware of.
Ed. Kunsthaus Wiesbaden
Ed. Burkhard Brunn
Ed. Skadi Heckmüller
German / English
22 × 28 cm
and b/w images
Hardcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
German / English
24 × 29 cm
Hardcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
German 15 × 21 cm
Softcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
ISBN 978-3-942405-80-5
ISBN 978-3-942405-08-9
Perceptual Pitfalls in Combinations of Colors and Shapes
The oeuvre by David Renggli (b. Zurich, 1974; lives and works in Zurich) encompasses sculptural objects, sound and light installations, photographs, and
reverse glass paintings. His creations often feel familiar, but closer inspection
reveals them to be surreal and absurd grotesques. The monograph presents
Renggli’s oeuvre from his earliest to his most recent works.
English / German
21 × 27,5 cm
Hardcover
£ 37.50 / $ 60
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-090-9
ISBN 978-3-942405-85-0
CHARLOTTE POSENENSKE / MICHAEL REITER
„DIES ALLES, HERZCHEN …“
CHARLOTTE POSENENSKE
MANIFESTO
ROLF SACHS
TYPISCH DEUTSCH?
MICHAEL SAILSTORFER
REIBUNGSVERLUST AM ARBEITSPLATZ
Gegen eine starre, autoritäre Kunst
Die Variabilität einer Arbeit war eine Erfindung der 1960er Jahre, die sich
gegen die als autoritär empfundene Abgeschlossenheit und Starrheit eines
Kunstwerks wandte. Kunst sollte durch die aktive Mitwirkung des Publikums
veränderbar sein. Dies ist ein gemeinsames Anliegen von Charlotte Posenenske
und Michael Reiter (geb. 1952 in München), deren unterschiedliche Performances in diesem Buch dokumentiert sind.
Radikale Serialität
Der vorliegende, von Burkhard Brunn verfasste Kommentar zu Charlotte
Posenenskes Manifest aus dem Jahre 1968 dient dem tieferen Verständnis
von Posenenskes Kunst. Brunn bezieht seine Kompetenz aus der Zusammenarbeit mit der Künstlerin sowie aus den vielen posthumen Ausstellungen, die
er als Verwalter ihres Nachlasses organisiert hat.
Suche nach dem Einklang von Vernunft und Gefühl
Inspiriert von der Vielfältigkeit der deutschen Kultur, ihren Besonderheiten
und Klischees, analysiert der Künstler und Designer Rolf Sachs (geb. 1955
in Lausanne, lebt und arbeitet in London) humorvoll Begriffe wie Reinlichkeit, Wanderlust, Bodenständigkeit, Schwermut und Geselligkeit. Seine
ungewöhnlichen Objekte oder Installationen laden zur Interpretation ein und
bewegen sich im Spannungsfeld zwischen Kunst und Design.
Politik mit Kunstgeschichte – Arbeiten von 2000 – 2014
Die Installationen von Michael Sailstorfer (geb. 1979 in Velden/Vils, lebt und
arbeitet in Berlin) stehen in der Tradition von Marcel Duchamp und Joseph
Beuys und erweitern beständig den Skulpturenbegriff. Banale Materialien und
Objekte, von der Honigmelone bis zum Polizeiauto, kombiniert er spielerisch
neu. Mit einem Interview von Melanie Bono, Essays von Kris Douglas und
Susanne Figner sowie einem Materiallexikon von Kito Nedo.
Seeking to Reconcile Reason with Emotion
Inspired by the diversity of German culture and the particular qualities as
well as stereotypes associated with it, the artist and designer Rolf Sachs
(b. Lausanne, 1955; lives and works in London) takes both an analytical and
humorous look at ideas such as tidiness, wanderlust, attachment to the native
soil, melancholia, and sociability. His singular objects balance between art
and design and solicit the viewer to see things with fresh eyes.
Politics with Art History—Works from 2000 – 2014
The installations of Michael Sailstorfer (b. Velden/Vils, Germany, 1979; lives
and works in Berlin) operate in the tradition of Marcel Duchamp and Joseph
Beuys and continually test the limits of sculpture. He uses banal materials
and objects—from honeydew melons to police cars—and arranges them in
playful new combinations. With an interview by Melanie Bono, essays by Kris
Douglas and Susanne Figner, and a dictionary of materials by Kito Nedo.
Against a Rigid and Authoritarian Art
The variable work of art was an invention of the 1960s, created by artists who
attacked what they felt was the authoritarian closure and rigor of the work.
Art was supposed to be open to change through the active participation of
the audience. This “changeability” of art is a concern that unites Charlotte
Posenenske und Michael Reiter (b. Munich, 1952) whose diverse performances the present book documents.
Radical Serialism
This book, Burkhard Brunn’s commentary on the manifesto Charlotte
Posenenske wrote in 1968, will help build a deeper understanding of her art.
Brunn’s own expertise derives from his collaboration with the artist and the
many posthumous exhibitions he organized as the trustee of her estate.
Ed. Meike Behm
Ed. Burkhard Brunn
Ed. Petra Hesse
German / English
Hardcover
£ 17.50 / $ 30.00
€ 19.90 (D)
English
24 × 29 cm
and b / w images
Hardcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
German / English
21 × 29 cm
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-942405-44-7
ISBN 978-3-95476-052-7
Eds. Freundeskreis Museum Kurhaus
Koekkoek-Haus Kleve e. V.
Rochester Art Center
German/English
24 × 30 cm
Softcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-025-1
ISBN 978-3-95476-104-3
EDITION
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BENJAMIN SAMUEL
ARRAYS OF LIGHT
SAUERBRUCH HUTTON
COLOUR IN ARCHITECTURE
KATHARINA SIEVERDING
MAL D’ARCHIVE
LUZIA SIMONS
Das Gesamtvolumen des menschlichen Geistes
Benjamin Samuel (geb. 1981 in Frankfurt am Main, lebt und arbeitet in
Frankfurt am Main und London) verwertet alles, wofür sein Herz schlägt.
So gesammeltes Datenmaterial verdichtet er nach selbst entwickelten
Algorithmen in ein explodierendes Farbspiel auf von hinten beleuchteten
Diafilmen. Mit einem Vorwort von Henry Keazor sowie Gesprächen zwischen
Benjamin Samuel und den Künstlern Dan Auiler, Anthea Bell und Uri Caine.
Farbe, Raum und Kontext im Werk von Sauerbruch Hutton
Wie kaum andere Architekten haben Sauerbruch Hutton in den 20 Jahren
ihres Schaffens Farbe als Material der Architektur neu definiert. In den polychromen Fassaden ihrer Gebäude spiegeln und verdichten sich die Farben,
Formen und Energien der umgebenden Stadt. Neben berühmten Bauten wie
der GSW-Hauptverwaltung Berlin, dem Umweltbundesamt Dessau und dem
Museum Brandhorst zeigt das Buch jüngere Werke von Sauerbruch Hutton.
Eine herausragende Künstlerin der Gegenwart
Katharina Sieverding (geb. in Prag, lebt und arbeitet in Düsseldorf und Berlin)
kombiniert in „mal d’archive“ in ganz neuer Weise ihre Arbeit Stauffenberg
Block (1969) mit den Serien Maton Solarisation (1969) und Transformer Cyan
Solarisation (1973/74). Bei den drei Werkblöcken handelt es sich um Transformationen des konzeptuell verwendeten Selbstporträts der Künstlerin, und,
letzten Endes, um das Erfassen von Identität im Einzelporträt.
Einzigartige Blumenstillleben zwischen Natur und Illusion
Unter Verwendung einer ungewöhnlichen Bildtechnik hat Luzia Simons
(geb. 1953 in Brasilien, lebt und arbeitet in Berlin) mit ihrer Stockage-Serie
neue Arbeiten geschaffen. Auf einem hochauflösenden Spezial-Scanner
arrangierte sie die Blüten und Blätter verschiedenster Tulpenarten und ließ
so Scanogramme von intensiver farblicher Brillanz und ungeheurer Schärfe
entstehen. Mit Texten von Matthias Harder und Hans-Olaf Henkel.
The Total Compass of the Human Mind
Benjamin Samuel (b. Frankfurt am Main, 1981; lives and works in Frankfurt
and London) takes inspiration from what he loves. The data the artist extracts
is fed into algorithms of his own devising to yield an explosive play of colors
on backlit strips of slide film. With a preface by Henry Keazor as well as
conversations between Benjamin Samuels and Dan Auiler, Anthea Bell, and
Uri Caine.
Colour, Space, and Context in the Work of Sauerbruch Hutton
Sauerbruch Hutton are unique among contemporary architects in their redefinition of colour as an essential material of architecture. The polychromatic
treatment of their buildings reflects and concentrates the colours, forms and
energies of the contemporary city. Beside renowned buildings such as the
GSW Headquarters in Berlin, the Federal Environmental Agency Dessau or
Munich’s Brandhorst Museum, this book also shows their more recent work.
An Outstanding Contemporary Artist
Katharina Sieverding (b. Prague; lives and works in Düsseldorf and Berlin)
presents in “mal d’archive” a novel combination of her work Stauffenberg
Block (1969) with Maton Solarisation (1969) and Transformer Cyan Solarisation
(1973/74). The three ensembles of works are based on the conceptual use
of the artist’s self-portrait. Its continual transformation questions the capacity
of the individual portrait to record the subject’s identity.
Unique Floral Still Lifes between Nature and Illusion
Employing an extraordinary imaging technique, Luzia Simons (b. Brazil, 1953;
lives and works in Berlin) has created enchanting works that make up her
series Stockage. Arranging the flowers and leaves of a wide variety of tulip
species on a specialized high-resolution scanner, she produces scanograms
of intensely brilliant colors and tremendous acuity. With texts by Matthias
Harder and Hans-Olaf Henkel.
Ed. One to One
Eds. Matthias Sauerbruch, Louisa Hutton
Ed. Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen
German / English
21 × 29 cm
and graphics
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
German / English
23,5 × 32 cm
288 pages, approx. 100 colour images and
60 drawings
£ 50.00 / $ 88.00
€ 58.00 (D)
German / English
20 × 26,5 cm
and 12 b/w images
£ 32.50 / $ 50.00
€ 38.00 (D)
ISBN 978-3-95476-126-5
ISBN 978-3-942405-38-6
ISBN 978-3-95476-066-4
German / English / French / Portuguese
24 × 30 cm
Hardcover, belly band
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-942405-57-7
EDITION
THOMAS SCHÜPPING
ZZYZX
ELFIE SEMOTAN
WIEN MITTE
SPIRIT OF AUSTRIA
JULIA STOSCHEK COLLECTION
HIGH PERFORMANCE
Einfachheit – Schönheit, Sinnlichkeit, Melancholie, Poetik
Thomas Schüpping (geb. 1964 in Andernach, lebt und arbeitet in Düsseldorf)
zählt zu den Protagonisten der Mode- und Porträtfotografie. Weitgehend
unbeobachtet ist daneben sein umfangreiches freies fotografisches Werk entstanden. Die Motive werden von Schüpping in radikaler Ausschließlichkeit, nur
in Schwarz-Weiß, mit einem hohen dokumentarischen Anspruch und großem
intuitiven Gespür für die vermeintlich beiläufigen Details aufgenommen.
Ein fotografischer Essay über die Genese eines Gebäudes
Die österreichische Künstlerin Elfie Semotan (geb. 1941, lebt und arbeitet in
New York und Wien) ist bekannt für ihre Fotografien von Models, Künstlern
und Ateliers. In „Wien Mitte“ dokumentiert sie den größten Neubau in der
Wiener Innenstadt seit der letzten Jahrhundertwende. Den Abschluss des
2008 begonnenen Projekts bildet eine spektakuläre Spinnen-Skulptur von
Louise Bourgeois, die im Gebäude aufgestellt wird.
Österreichische Kunst heute
„Spirit of Austria“ zeigt mit der Künstlergruppe Gelatin sowie den Künstlern
Franz Graf (geb. 1954 in Tulln) und Markus Schinwald (geb. 1973 in Salzburg) drei Positionen zeitgenössischer Kunst aus Österreich. Trotz aller Unterschiede verbindet sie eine narrative, gesellschaftsrelevante, manchmal sogar
provozierende Vorgehensweise, die tief in der österreichischen Kunsttradition
wurzelt. Mit Texten von Zdenek Felix, Robert Fleck und Monika Schnetkamp.
Zeitbasierte Medienkunst seit 1996
Dieses Buch beweist, dass die vor 50 Jahren entstandene Videokunst als
künstlerisches Medium nichts von ihrer Kraft eingebüßt hat. Mit über 50
Schlüsselwerken gibt das Buch einen profunden Einblick in die jüngere
Entwicklungsgeschichte der Medienkunst.
Simplicity—Beauty, Sensuality, Melancholia, Poetry
Thomas Schüpping (b. Andernach, 1964; lives and works in Düsseldorf)
is a leading fashion and portrait photographer. On the side, he created an
extensive oeuvre in fine-art photography that has received virtually no public
attention. Schüpping captures his motifs in radical isolation in stark blackand-white pictures that combine a rigorous documentary ambition with a
keen sense for ostensibly peripheral detail.
A Photographic Essay on the Genesis of a Building
The Austrian artist Elfie Semotan (b. 1941; lives and works in New York and
Vienna) is known for her photographs of models, artists, and studios. With
“Wien Mitte” she documents the largest new structure built in central Vienna
in over a century. The completion of the project, which begann in 2008, is
a spectacular spider-sculpture by Louise Bourgeois that will be positioned in
the building.
Austrian Art Today
Spirit of Austria presents three positions in contemporary art from Austria: the
group Gelatin and the artists Franz Graf (b. Tulln, 1954) and Markus Schinwald
(b. Salzburg, 1973). Despite considerable differences, they share a narrative
approach invested in the social relevance of art—and, occasionally, in deliberate
provocation—that has deep roots in the Austrian artistic tradition. With a preface
by Monika Schnetkamp and essays by Zdenek Felix and Robert Fleck.
German / English
126 pages, approx. 80 b/w images,
printed in duotone
Hardcover
£ 45.00 / $ 78.00
€ 49.90 (D)
Ed. Liquid Frontiers, Vienna
Ed. KAI 10, Arthena Foundation,
Düsseldorf
German / English
24 × 31 cm
Hardcover
£ 45.00 / $ 78.00
€ 49.90 (D)
German / English
21,5 × 27,5 cm
b/w images
Hardcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
ISBN 978-3-95476-071-8
ISBN 978-3-95476-016-9
ISBN 978-3-95476-130-2
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Time-based Media Art Since 1996
As this book demonstrates, video art, which first emerged five decades ago,
has lost none of its vitality. With more than 50 key works of video art, the
book offers profound insight into the more recent evolution of media art.
Künstler/Artists: Doug Aitken, Allora & Calzadilla, Francis Alÿs, Ed Atkins, Trisha Baga, John
Bock, Monica Bonvicini, Robert Boyd, Matthew Buckingham, Paul Chan, Keren Cytter, Simon
Denny, Cyprien Gaillard, Christian Jankowski, Jesper Just, Mike Kelley, Klara Lidén, Helen
Marten, Tony Oursler, Mika Rottenberg, Mathilde ter Heijne, Ryan Trecartin, Clemens von
Wedemeyer, Andro Wekua, Aaron Young, Tobias Zielony
English / German
20,5 × 28 cm
160 pages + 66 shortened pages,
approx. 300 color and b/w images
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
ISBN 978-3-95476-075-6
RODEL TAPAYA
THE ART OF TOMORROW
MICHAEL WESELY
PORTRAITS 1988 – 2013
XU ZHEN
Der wichtigste zeitgenössische Künstler der Philippinen
Rodel Tapaya (geb. 1980 in Montalban, lebt und arbeitet in Bulacan, Philippinen) ist einer der vielversprechendsten bildenden Künstler seiner Generation.
Seit er 2011 den renommierten Foundation Signature Art Prize gewonnen
hat, gehört er zu den führenden Künstlern in Südostasien. Tapayas fast
wandbildartigen Gemälde beeindrucken durch ein faszinierendes Aufgebot an
Formen und Motiven. Mit Texten von David Elliott und Heinz-Norbert Jocks.
Ein Ausblick auf die Kunst von morgen
Das Buch zeigt auf jeweils vier Seiten 77 internationale, junge Künstler mit
großem Zukunftspotenzial. Ausgewählt wurden sie von drei Kunstinsidern:
Laura Hoptman, Yilmaz Dziewior und Uta Grosenick. Es richtet sich an ein
Publikum, das heute schon wissen möchte, was morgen in der Kunstszene
läuft. Damit wird es zum wichtigen Überblicksband für Sammler und
Kuratoren, Kunststudenten und Kunstinteressierte.
Malerische Bewegungsunschärfe
Mit seinen extremen Langzeitbelichtungen hat Michael Wesely (geb. 1963 in
München, lebt und arbeitet in Berlin) einen eigenen Weg gefunden, Veränderung darzustellen. Das Buch zeigt über 200 Portraits von verschiedenen
Personen aus den Jahren 1988 – 2013. Sie wurden fast immer mit einer
Belichtungszeit von fünf Minuten (in Ausnahmefällen bis zu 20 Minuten)
fotografiert.
Einer der radikalsten Künstler im heutigen China
Xu Zhen (geb. 1977, lebt und arbeitet in Shanghai) wurde auf der 49. Biennale
di Venezia mit der Arbeit Rainbow (1998) bekannt. Andere Aktionen waren das
„Absägen“ der Spitze des Mount Everest, 8848-1.86 (2005), und die Invasion
in Nachbarländer mit ferngesteuerten Panzern, Schiffen und Hubschraubern,
18 Days (2006). Das vorliegende Buch konzentriert sich auf Xu Zhens Schaffen
bis zum Jahr 2009, als er seine Identität in das Kollektiv „MadeIn“ einbrachte.
The Most Important Philippine Contemporary Artist
Rodel Tapaya (b. Montalban, 1980; lives and works in Bulacan, Philippines) is
one of the most promising visual artists of his generation. His prominent position on the Southeast Asian scene was confirmed in 2011, when he received
the renowned Foundation Signature Art Prize. Tapaya’s paintings—many are in
large formats, almost like murals—cast a spell with their fascinating wealth of
forms and motifs. With essays by David Elliott and Heinz-Norbert Jocks.
A Compelling Forecast of the Art of Tomorrow
This book presents an international selection of 77 young artists who show
great potential for the future. They were selected by three insiders from the
art world: Laura Hoptman, Yilmaz Dziewior, and Uta Grosenick. It is intended
for an audience that wants to know today what will be happening in tomorrow’s art scene. It is thus an important reference for collectors and curators,
for art s tudents, and others interested in art.
Painterly Motion Blur
With his extreme time exposures, Michael Wesely (b. Munich, 1963; lives and
works in Berlin) has found his own way to represent change. This book presents more than two hundred portraits of different people from Wesely’s personal and professional acquaintance made between 1988 and 2013. Most of
them were taken with an exposure time of five minutes (in a few cases, up to
twenty minutes).
One of the Most Radical Artists of Today’s China
Xu Zhen (b. 1977; lives and works in Shanghai) came to prominence at the 49.
Biennale di Venezia with Rainbow (1998). Further actions include “sawing off”
the summit of Mount Everest, 8,848-1.86 (2005), and invading neighboring
countries with radio-controlled tanks, ships and helicopters, 18 Days (2006).
The present book focuses on his early career until 2009, when he subsumed
his identity within the corporate-collective “MadeIn.”
Ed. Matthias Arndt
TOP
SELLER
Eds. Laura Hoptman,
Yilmaz Dziewior, Uta Grosenick
English
22 × 27 cm
156 pages + 16 pages insert,
approx. 100 color images
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
German / English
21 × 27 cm
Softcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-096-1
ISBN 978-3-899554-06-9
German / English
17 × 23 cm
368 pages, approx. 140 color and 60 b / w images
£ 40.00 / $ 68.00
€ 44.00 (D)
ISBN 978-3-95476-043-5
Ed. Christopher Moore
English / Chinese
23 × 30 cm
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-037-4
PAUL THEK / LUC TUYMANS
WHY?!
URBANE KÜNSTE RUHR
ARTS IN URBAN SPACE 2012 – 2014
ZHANG ENLI
FOUR SEASONS
24H SKULPTUR
NOTES ON TIME SCULPTURES
Messbare Distanz zwischen zwei Künstlern
Der Amerikaner Paul Thek (1933 – 1988) war Bildhauer und Maler und schuf
Objekte, die ihn legendär machten. Der belgische Künstler Luc Tuymans
(geb. 1958) malt nach bereits existierendem Fotomaterial gegenständliche
Bilder, die heikle Themen wie den Holocaust und 9/11 erkunden. Das Buch
zeigt in der Gegenüberstellung der beiden sehr verschiedenen Künstler ihren
verwandten Umgang mit Körperlichkeit und dem Moment der Stille.
Das Ruhrgebiet: Eine Kulturmetropole
„Urbane Künste Ruhr“ wurde 2012 im Nachgang zur Kulturhauptstadt Europas
RUHR.2010 gegründet. Gemeinsam mit Künstlern, Wissenschaftlern,
Forschern, Kunstinstitutionen und den Bewohnern des Ruhrgebiets werden
Projekte entwickelt und der Begriff „Kunst im öffentlichen Raum“ als viel
fältige Gestaltung von Stadt neu definiert. Das Buch bietet einen vollständigen
Projekt-Überblick und stellt die über 200 beteiligten Künstler und Partner vor.
Malerischer Zoom in die Natur
Vom Kunst-Boom Chinas der 1990er Jahre eher unberührt geblieben, erhält
das malerische Werk von Zhang Enli (geb. 1965 in der Provinz Jilin, China,
lebt und arbeitet in Schanghai) seit einigen Jahren internationale Aufmerksam
keit. Überzeugt davon, dass auch die Natur empfindungsfähig ist, ist seine
Technik die traditionelle chinesische Malerei, bei der die Bleistiftzeichnung unter
dem Farbauftrag sichtbar bleibt. Texte von Robin Marriner und Gregor Muir.
Die Vergänglichkeit der Kunst
Eine Nacht und einen Tag dauerte die Ausstellung 24h Skulptur in der Galerie
Sexauer in Berlin, die den Zeitskulpturen junger Künstler wie Alicja Kwade,
Humberto Díaz und Awst & Walther etablierte Referenz-Arbeiten von Dennis
Oppenheim, Roman Signer und Franz Erhard Walther gegenüberstellte. Die
meisten Skulpturen veränderten ihre Erscheinung während der Ausstellung
unaufhörlich oder wurden als skulpturale Aktionen aufgeführt.
The Measurable Distance Between Two Artists
The American sculptor and painter Paul Thek (1933 – 1988) created objects
that made him a legend. The Belgian artist Luc Tuymans (b. 1958) paints
pictures based on preexisting photographic imagery, which explore sensitive
issues such as the Holocaust and 9/11. The book hints at close affinities
of these two very different artists by illustrating their engagement with
physicality and the “momentum of silence.”
The Ruhr Area: A Cultural Metropolis
“Urbane Künste Ruhr” was founded in 2012 in connection with the European
Capital of Culture RUHR.2010. It works with artists, academics, researchers,
art institutions, and the people of the Ruhr Area to develop projects and
reenvision “art in public space” as a process of multifaceted urban design.
The book presents an overview of all projects, and profiles the more than 200
contributing artists and partners.
A Painter Zooms In on Nature
The post-socialist art boom in 1990s China mostly passed by the painter
Zhang Enli (b. Jilin Province, China, 1965; lives and works in Shanghai), but
in the past few years, his oeuvre has garnered international attention. Deeply
convinced that nature, too, is capable of feeling, he treats his motifs with
the technique of traditional Chinese painting, applying highly diluted ink in
deliberate brushstrokes. With texts by Robin Marriner and Gregor Muir.
The Impermanence of Art
The exhibition 24h Skulptur at Galerie Sexauer, Berlin, which paired the
time sculptures by young artists like Alicja Kwade, Humberto Díaz, and
Awst & Walther with benchmarks of the genre by Dennis Oppenheim,
Roman Signer, and Franz Erhard Walther, lasted no more than one night and
one day. Most of the sculptures on display presented constantly changing
appearances; other pieces were performed live as sculptural actions.
Ed. Galerie Isabella Czarnowska
Eds. Katja Aßmann, Lukas Crepaz
Ed. Hauser & Wirth Somerset
German / English
16,5 × 24 cm
80 pages, approx 30 color images
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
German / English
22 × 27 cm
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
English / Chinese
23,5 × 30,5 cm
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
ISBN 978-3-95476-018-3
ISBN 978-3-95476-070-1
ISBN 978-3-95476-115-9
Eds. Ursula Ströbele, Andreas Greiner,
Jan-Philipp Sexauer
German / English
17 × 24 cm
Softcover
£ 17.50 / $ 30.00
€ 19.90 (D)
ISBN 978-3-95476-125-8
60
61
NADER AHRIMAN
META-KUBISMUS JAN ALBERS
FLORIAN BAUDREXEL
German / English
23 × 30 cm
192 pages
Hardcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
German / English
21 × 29,5 cm
192 pages
approx. 140 color
and b/w images
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
German / English 21,5 × 26,5 cm
128 pages
Softcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
ISBN 978-3-95476-024-4
ISBN 978-3-942405-79-9
TATJANA DOLL
GIRLS (USED TO) WAIT
MARKUS DRAPER
HAUS, WAND, SPIEGEL
German / English
16,5 × 23 cm
320 pages
Softcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
German / English
16,5 × 23,5 cm
112 pages
approx. 60 color and
b/w images
Hardcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
German / English
20 × 25 cm
96 pages
Hardcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
ISBN 978-3-95476-026-8
ISBN 978-3-942405-46-1
EVA & ADELE
OBSIDIAN
ISBN 978-3-942405-95-9
VIKTORIA BINSCHTOK
WORLD OF DETAILS
RONALD DE BLOEME
SPEISERESTE KATEGORIE 3
German / English
21,3 × 28,3 cm
136 pages
Hardcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
German / English
25,5 × 28 cm
144 pages
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-017-6
ISBN 978-3-942405-49-2
HENNING BOHL
CORNET OF HORSE
BOOKMARKS
UNGARISCHE NEOAVANTGARDE / HUNGARIAN
NEO-AVANT-GARDE
German / English
16,5 × 24 cm
64 pages
Softcover (folded poster)
£ 17.50 / $ 30.00
€ 19.90 (D)
ISBN 978-3-942405-45-4
German / English
20 × 26 cm
88 pages
Softcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
ISBN 978-3-942405-22-5
MIRIAM BÖHM
ROBERT ELFGEN
MICHAEL ENDLICHER
80 pages
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
German / English
19,5 × 25 cm
200 pages
Softcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
German / English
21 × 29,7 cm
140 pages
Softcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
ISBN 978-3-942405-92-8
ISBN 978-3-95476-000-8
ISBN 978-3-95476-095-4
English
21 × 28 cm
106 pages
Hardcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
CHARADE / ROCHADE
German
21 × 29,1 cm
152 pages
Softcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
SHANNON BOOL
INVERTED HAREM
CHRISTIANE FESER
LATENTE KONSTRUKTE
CHRISTIAN FREUDENBERGER
ALTERNATIVE OBJEKTE
German / English
22 × 29,5 cm
96 pages
Hardcover
£ 27.50 / $ 48.00
€ 29.90 (D)
112 pages
Hardcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 35.00 (D)
German / English
20,5 × 27 cm
112 pages
Softcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
ISBN 978-3-942405-61-4
ISBN 978-3-942405-99-7
ISBN 978-3-942405-88-1
JOSEPHA GASCH-MUCHE
GEORGE CONDO
PAINTINGS, SCULPTURE
English / German
24 × 28 cm
112 pages
Hardcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
English
24 × 33 cm
104 pages
Softcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 25.00 (D)
DAS NUMEN
German / English
22,5 × 27 cm
72 pages
Hardcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
THORSTEN GOLDBERG
54° 4 MIN.
MANUEL GRAF
PARALLELSTRASSE
German / English / Polish
20 × 28,5 cm
144 pages
Hardcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
German / English
24 × 31 cm
136 pages
Hardcover
£ 27.50 / $ 40.00
€ 29.90 (D)
ISBN 978-3-942405-78-2
ISBN 978-3-95476-034-3
BIRGIT DIEKER
DERMA
MARK GROTJAHN
CIRCUS CIRCUS
English / German
21 × 27 cm
104 pages
b/w images
Hardcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
DOR GUEZ
AL-LYDD
JANA GUNSTHEIMER
METHODS OF DESTRUCTION
112 pages
Softcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
German / English
22 × 30,5 cm
64 pages
Hardcover with linen,
dust jacket
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
German / English / Arabic 17 × 22 cm
272 pages
(folded poster)
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
176 pages
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-100-5
ISBN 978-3-95476-001-5
ISBN 978-3-95476-082-4
ISBN 978-3-942405-16-4
ISBN 978-3-95476-020-6
62
English / German
24 × 32 cm
112 pages
b/w images
Hardcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
ISBN 978-3-95476-079-4
ISBN 978-3-95476-038-1
ADRIANA CZERNIN
LUKAS GANSTERER /
CLEMENS WOLF
AUTODUCK
ISBN 978-3-95476-068-8
ISBN 978-3-95476-006-0
ISBN 978-3-95476-064-0
German / English
22 × 28 cm
240 pages
£ 40.00 / $ 68.00
€ 44.00 (D)
ISBN 978-3-95476-014-5
ISBN 978-3-95476-106-7
KOEN VAN DEN BROEK
TRACK
LATIFA ECHAKHCH
VON SCHWELLE ZU
SCHWELLE
63
ISBN 978-3-942405-96-6
CHRISTIAN HAAKE
WHITE ELEPHANT
EBERHARD HAVEKOST
AUSSTELLUNG
EBERHARD HAVEKOST
IN INDIA
German / English
21 × 26 cm
48 pages
Hardcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
German / English / French 21 × 31 cm
264 pages
Softcover
£ 50.00 / $ 88.00
€ 58.00 (D)
English
16,5 × 23 cm
160 pages
Softcover, metal plated
£ 16.99 / $ 28.00
€ 19.90 (D)
ISBN 978-3-942405-66-9
ISBN 978-3-942405-14-0
ISBN 978-3-942405-72-0
MELLI INK
German / English
24 × 30 cm
176 pages
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-030-5
JI DACHUN
BIRD PAINTING WITHOUT
BIRD
German / English / Chinese
22,5 × 28 cm
80 pages
Softcover
£ 17.50 / $ 30.00
€ 19.90 (D)
THORALF KNOBLOCH
IM ABSEITS / HINTERLAND
German / English
22,5 × 30 cm
164 pages
Hardcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
ISBN 978-3-942405-74-4
ISBN 978-3-942405-52-2
STEF HEIDHUES
TRESPASSERS ONLY
JULIUS HEINEMANN
ON WHITE
German / English
20 × 25,5 cm
84 pages
approx. 45 color
and b / w images
Hardcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
German / English
20 × 27,5 cm
88 pages
Softcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
German / English
23 × 30 cm
192 pages
approx. 190 color
and 120 b / w images
Softcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-039-8
ISBN 978-3-942405-87-4
JOCHEM HENDRICKS
ISBN 978-3-95476-021-3
EDITH KOLLATH
MANOEUVRE OF PLENTY
SEBASTIAN KUHN
ANALOG
KATA LEGRADY
SMART PISTOLS
German / English
18,5 × 26,5 cm
80 pages
approx. 36 color and b / w
images, 6 lenticular prints
Hardcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
German / English
21,5 × 32 cm
160 pages
approx. 100 images
(spreads), printed in 5 colors
Hardcover with plastic dust
jacket
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
German / English / Chinese
24 × 30 cm
240 pages
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-057-2
ISBN 978-3-95476-040-4
ISBN 978-3-95476-062-6
DIANGO HERNÁNDEZ
LONELYFINGERS
DIANGO HERNÁNDEZ
SOCIALIST NATURE
German / English
21 × 27 cm
140 pages
Hardcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
German / English
13 × 18 cm
168 pages
b/w images
Softcover
£ 12.50 / $ 20
€ 14.90 (D)
ISBN 978-3-942405-73-7
ELMAR HESS
STEFAN LENHART
MELANCHOLIE AL DENTE
German / English
20 × 28 cm
160 pages
approx. 114 color
and b/w images
Hardover, dust jacket
£ 32.50 / $ 50.00
€ 38.00 (D)
German / English
21 × 27,5 cm
128 pages
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-063-3
ISBN 978-3-942405-77-5
OLAF HOLZAPFEL
GEROLD MILLER
German / English
22 × 26 cm
112 pages
Softcover, dust jacket
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
German / English
24 × 30 cm
352 pages
£ 45.00 / $ 78.00
€ 49.90 (D)
ISBN 978-3-942405-97-3
ISBN 978-3-942405-65-2
AGATA MADEJSKA
STEPHAN MELZL
German / English
21 × 27 cm
120 pages
Hardcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
German/English
23 × 30 cm
156 pages
approx. 70 color images,
20 drawings
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
ISBN 978-3-95476-032-9
ISBN 978-3-95476-060-2
ISBN 978-3-95476-085-5
BENEDIKT HIPP
LUXSTÄTT
KLARA HOBZA
EARLY ENDEAVORS
German / English
22 × 30,5 cm
136 pages
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
German / English
19,7 × 26 cm
200 pages
approx. 200 color
and b / w images
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-95476-010-7
ALEX MÜLLER
CASSIOPEIA UND
DER ALBERICH
German / English
23 × 30 cm
72 pages
approx. 60 color
and b / w images
Hardcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
STEFAN MÜLLER
HANG ZUR NEIGUNG
German / English 21,5 × 27 cm
160 pages
Hardcover
£ 37.50 / $ 59.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-899554-07-6
ISBN 978-3-95476-004-6
ISBN 978-3-942405-71-3
OLAF HOLZAPFEL /
SEBASTIÁN PREECE
HOUSING IN AMPLITUDE
GEORG HORNEMANN
BOYS GET SKULLS, GIRLS
GET BUTTERFLIES
German / Spanish / English
17 × 24 cm
176 pages
Softcover, dust jacket
£ 27.50 / $ 40.00
€ 29.90 (D)
German / English
22 × 28 cm
216 pages
£ 55.00 / $ 88.00
€ 59,90 (D)
ISBN 978-3-95476-065-7
ISBN 978-3-95476-031-2
GEORG HORNEMANN
OBJETS D’ART
HEIKE MUTTER UND
ULRICH GENTH
German / English
23 × 28 cm
200 pages
approx. 40 drawings
and 80 color images
dust jacket
£ 40.00 / $ 68.00
€ 44.00 (D)
German / English
23 × 29,5 cm
144 pages
Softcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
ISBN 978-3-95476-105-0
ISBN 978-3-942405-60-7
64
65
MAKI NA KAMURA
TIMO NASSERI
German / English
24 × 28 cm
80 pages
£ 22,99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
English 22 × 26 cm
96 pages
approx. 85 b / w
and color images
Softcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
ISBN 978-3-95476-047-3
ISBN 978-3-942405-54-6
O KUNSTVEREIN,
WHERE ART THOU?
JULIA OSCHATZ
German
23 × 30 cm
184 pages
approx. 200 color
and b / w images
Softcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
German/English
20,5 × 28 cm
192 pages
approx. 340 b/w images and
18 color prints, glued in
by hand
Softcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
ISBN 978-3-95476-041-1
ISBN 978-3-95476-093-0
MATHIAS POLEDNA
IMITATION OF LIFE
TOBIAS REHBERGER
FLACH
German / English
23 × 25 cm
108 pages
approx. 20 color
and b / w images
dust jacket
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
JOHANNES SPEHR
WINDEINSCHLAG / SIEDELN
IN DEN LÜFTEN
MARIA PLOSKOW
PICTURA LINEARIS
German / English
21 × 29,7 cm
112 pages
approx. 90 b/w images
Softcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
German / English
21,5 × 30 cm
72 pages
Hardcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
English and Turkish edition
24 × 31 cm
160 pages
insert 48 pages
£ 45.00 / $ 78.00
€ 49.90 (D)
German / English
21 × 28 cm
128 pages
Hardcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
ISBN 978-3-942405-70-6
ISBN 978-3-942405-03-4
(English)
ISBN 978-3-942405-11-9
(Turkish)
MICHAEL REITER
FRONT AND REAR SPIRAL
CHRISTIAN STOCK
CUBE PAINTINGS
KATJA STRUNZ
DREHMOMENT (VIEL ZEIT,
WENIG RAUM)
SVEN TEMPER
AUSSTELLEN, UM NICHT
AUSZUSTELLEN
192 pages
Hardcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
German / English
18,5 × 18,5 cm
40 pages
Hardcover
£ 12.50 / $ 20.00
€ 15.00 (D)
German / English
21,5 × 29,5 cm
96 pages
Softcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
ISBN 978-3-942405-00-3
ISBN 978-3-95476-086-2
ISBN 978-3-95476-049-7
German / English
23 × 27 cm
96 pages
b / w images
Softcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
German 18 × 21 cm
128 pages
50 b / w images, 50 drawings
Softcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
ISBN 978-3-95476-019-0
ISBN 978-3-942405-90-4
UNDER DESTRUCTION
JUAN USLÉ
VIDEONALE.14
136 pages
Hardcover
£ 32.50 / $ 55.00
€ 34.90 (D)
German / Spanish / English
24 × 31,5 cm
168 pages
Hardcover
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
German / English
21 × 24 cm
146 pages
incl. 2 video DVDs
Softcover
£ 26.99 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
ISBN 978-3-942405-17-1
ISBN 978-3-95476-053-4
MARKUS SAILE
NON-TRAVAIL
MICHAEL SAILSTORFER
FORST
German / English
21 × 27 cm
64 pages
Softcover
£ 17.50 / $ 30
€ 19.90 (D)
German / English
19 × 27 cm
72 pages
Hardcover
£ 17.50 / $ 30.00
€ 19.90 (D)
ISBN 978-3-95476-048-0
ISBN 978-3-942405-81-2
TITUS SCHADE
PROTO
ROLAND SCHAPPERT
FÜRS ALL GENUG
OSKAR SCHMIDT
THE AMERICAN SERIES
ANDRÉ WAGNER
VISIONS OF TIME
German / English
24 × 30 cm
88 pages
Hardcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
German / English
21 × 25,5 cm
56 pages
Hardcover
£ 17.50 / $ 30.00
€ 19.90 (D)
German / English
24 × 30 cm
96 pages
approx. 65 color images,
printed in duotone
Hardcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
German / English
20,5 × 23 cm
176 pages
Hardcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
ISBN 978-3-95476-027-5
ISBN 978-3-95476-098-5
German / English
20 × 27 cm
192 pages
approx. 100 b/w and
gold images
Hardcover, bound in
wallpaper, gilded edges
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
NATALIA STACHON
MATTER SHIFTED
ISBN 978-3-942405-39-3
ISBN 978-3-95476-080-0
ISBN 978-3-95476-033-6
RLF
SERGE SPITZER
MOLECULAR (ISTANBUL)
ISBN 978-3-95476-012-1
ISBN 978-3-95476-089-3
ISBN 978-3-95476-015-2
FRANZ ERHARD WALTHER
STERNENSTAUB. / DUST OF
STARS. EIN GEZEICHNETER
ROMAN / A DRAWN NOVEL
German / English
16,5 × 23,5 cm
320 pages
approx. 71 b / w illustrations
Softcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
KATHARINA VON WERZ
German / English
28 × 28 cm
224 pages
15 b/w images
£ 37.50 / $ 60.00
€ 39.90 (D)
ISBN 978-3-942405-82-9
ISBN 978-3-95476-081-7
ISBN 978-3-942405-53-9
DANIEL SEIPLE
ORGANIZED EXCURSIONS
English/German
22 × 28 cm
192 pages
Softcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
SARA SIZER
PRANEET SOI
JORDAN WOLFSON
German / English
18 × 24 cm
48 pages
Softcover
£ 17.50 / $ 30.00
€ 19.90 (D)
English 21 × 27,5 cm
236 pages
four different books inserted
within each other
Softcover
£ 27.50 / $ 45.00
€ 29.90 (D)
German / English
16,5 × 24 cm
100 pages
Softcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
ISBN 978-3-95476-023-7
English 21 × 30 cm
56 pages
Softcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
ISBN 978-3-942405-48-5
ISBN 978-3-95476-091-6
67
ZHAO GANG
English / Chinese
21 × 27,5 cm
96 pages
Softcover
£ 22.99 / $ 40.00
€ 24.90 (D)
ISBN 978-3-942405-91-1
ISBN 978-3-942405-36-2
ISBN 978-3-942405-42-3
66
AMELIE VON WULFFEN
THIS IS HOW IT HAPPENED
EDITIONS
Die Editionen sind exklusiv bei DISTANZ erhältlich.
The editions are exclusively available at DISTANZ.
Weitere Editionen auf www.distanz.de
More editions at www.distanz.com
Info
Frederik Kugler
Phone +49.(0)30.240833.202
kugler@distanz.de
MICHAEL SAILSTORFER
Kreuzknoten
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YNGVE HOLEN
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2016
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8 × 27 × 6 cm
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50 × 4 × 4 cm, dimensions variable
With certificate
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68
69
ODA JAUNE
Untitled
2012 – 2015
Watercolor on Annigoni paper from Cartiera Magnani
Signed
Sheet format 45 × 35 cm
Frame 54 × 43,5 cm
18 unique works (framed)
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70
71
sunset grey I, 2015
sunset grey II, 2015
sunset grey III, 2015
sunset grey IV, 2015
sunset grey V, 2015
MORITZ PARTENHEIMER
Miami 1
2014
SHILA KHATAMI
sunset grey I – V
2015
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73
OLAFUR ELIASSON
Contact is content at Seljalandsfoss
2014
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2016
2 C-Prints
Signed and numbered, with book “Contact is content” in clamshell box
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74
75
Fleurop, 2008/2015
The Berlin-MitteSuperjew-Boys, 2014/2015
o.T., 2015
Wow, geil, 1992/2015
Deutschland stillgestanden,
München 2002/2015
DANIEL JOSEFSOHN
FUCK YES
2015
ANDREAS MÜHE
Selbstbildnis II
2013
ANDREAS MÜHE
Springer
2009
C-Print
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Image format 15 × 11,5 cm
Edition 8
Museo Silver Rag Pigment Print
Signed and numbered
Image format 12,7 × 10,2 cm
Edition 15
Barite print, air dried
Signed and numbered
Image format 21 × 17 cm
Edition 25
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76
77
ANNA LEHMANN-BRAUNS
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ANNA LEHMANN-BRAUNS
Giraffe
2014/2015
LUZIA SIMONS
STOCKAGE 127
2013
Pigment Print on Hahnemühle, Photo Rag, Ultra Smooth
Signed and numbered
Edition 20
Pigment Print on Hahnemühle, Photo Rag, Ultra Smooth
Signed and numbered
Edition 20
Scanogramm, Lightjet Print / Diasec
Signed and numbered
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Edition 15
€ 550.00 + VAT
€ 550.00 + VAT
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78
79
ANCA MUNTEANU RIMNIC
GOOGLE ME NOT, 2010/2016
WHO SHOULD I SLEEP WITH?, 2010/2016
MUSEUM DIRECTOR LOOKING FOR CURATOR TO FUCK COLLECTOR, 2010/2016
Embossed brass plate
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Edition 10
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wir lieben bücher. we love books.

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