Ausstellungsbroschüre "Blickachsen 9 Bad Homburg"

Transcription

Bad Homburg, Schlosspark und Kurpark
Kinder-Blickachsen 2
26. Mai bis 6. Oktober 2013
Eine Veranstaltung der Kinderkunstschule Bad Homburg
Siehe Seite 33
Regelmäßige Führungen im Kurpark
Mittwochs, 18.30 – 20.00 Uhr
Sonntags (und 30. Mai, 3. Okt.), 11.00 – 12.30 Uhr
Angebot des „Blickachsen“-Vermittlungsteams mit Stefanie Bickel, Pascal Heß,
Robert Mondani, Katrin Thomschke und Esther Walldorf.
Informationen
Skulpturen in Bad Homburg
und Frankfurt RheinMain
Ausführliche Informationen zur Ausstellung sowie zu allen Führungen und Begleitveranstaltungen im Internet auf www.blickachsen.de
Kostenloser Ausstellungs-Guide im App-Store®
in Zusammenarbeit mit / in collaboration with
Fondation Marguerite et Aimé Maeght, Saint-Paul-de-Vence,
Frankreich / France
Angebot der VHS Bad Homburg mit Charlotte Lindenberg
zusätzlich an zehn Sonntagen, 15.00 – 16.30 Uhr:
2. Juni, 9. Juni, 23. Juni, 7. Juli, 21. Juli, 4. Aug., 18. Aug., 1. Sept., 15. Sept., 29. Sept.
Die Broschüren „Blickachsen 9“ (Bad Homburg) und „Blickachsen 9 RheinMain“
(Darmstadt, Eschborn, Frankfurt, Kloster Eberbach, Limes, The Squaire) mit Standortplänen und Informationen über die Künstler und Werke erhalten Sie ab Mitte Juni
u.a. bei: Tourist Info + Service im Kurhaus Bad Homburg, Tel.: 0 61 72 - 178 37 10.
Treffpunkt für alle Führungen im Kurpark ist auf dem Schmuckplatz
(gegenüber Kaiser-Friedrich-Promenade 55, 61348 Bad Homburg v.d.Höhe).
Der Katalog Blickachsen 9
Darmstadt – Eschborn – Frankfurt –Kloster Eberbach – Limes – The Squaire
Die Gebühr für alle regelmäßigen Führungen beträgt 6 Euro pro Person
(eine Ausstellungsbroschüre kostenfrei inklusive).
Eine Anmeldung ist nicht erforderlich.
Zur Ausstellung erscheint ein umfangreicher Katalog (Text von Olivier Kaeppelin,
Fondation Maeght). Er wird im Dezember vorliegen und zum Preis von 30 Euro auf
www.blickachsen.de oder unter Telefon: 0 61 72 - 2 89 07 erhältlich sein.
Regelmäßige Führungen im Schlosspark
Die Kataloge zu den vorangegangenen „Blickachsen“ Ausstellungen sind ebenfalls
telefonisch oder auf www.blickachsen.de erhältlich.
Magdalena Abakanowicz | Arman | Hans Arp
Hanneke Beaumont | Caspar Berger | Damien Cabanes
Ricardo Calero | César | Richard Deacon | Erik Dietman
Laura Ford | Gloria Friedmann | Antony Gormley
Camille Henrot | Sean Henry | Kenny Hunter | Fabrice Hyber
Claire-Jeanne Jézéquel | Ilya & Emilia Kabakov
Dietrich Klinge | Masayuki Koorida | Luigi Mainolfi
Yazid Oulab | Jaume Plensa | Peter Randall-Page
Germaine Richier | Jean-Paul Riopelle | Stefan Rohrer
Shim Moon-Seup | Assan Smati | Hans Steinbrenner
Sui Jianguo | Matthäus Thoma | Bernar Venet
Henk Visch | Not Vital | Michael Zwingmann
Sonntags, 15.00 – 16.30 Uhr
Treffpunkt ist am Weißen Turm auf dem Oberen Schlosshof
(Zugang über die Herrngasse, 61348 Bad Homburg v.d.Höhe).
Text: Uwe Rüth,
Skulpturenmuseum
Glaskasten Marl.
Edition Scheffel, 1999
(100 Seiten)
Text: Peter Murray,
Yorkshire Sculpture Park.
(152 Seiten)
Text: Gottlieb Leinz,
Stiftung Wilhelm
Lehmbruck Museum.
(128 Seiten)
Text: Joseph A. Becherer,
Frederik Meijer Gardens
& Sculpture Park.
(152 Seiten)
Lehrerinformationstag
Samstag, 1. Juni, 11.00 – 13.00 Uhr
Text: Rolf Lauter,
Kunsthalle Mannheim.
(144 Seiten)
Text: Jan Teeuwisse,
Museum Beelen aan Zee.
(268 Seiten)
Führungen nach Voranmeldung
Text: Christoph Vitali,
Fondation Beyeler.
(144 Seiten)
Zusätzliche Führungen im Kurpark
Führungen für Erwachsene mit Kinderwagen
Samstag, 24. Aug. und 7. Sept., 15.30 – 17.00 Uhr
Taschenlampenführung nach Einbruch der Dunkelheit
Samstag, 28. September, 22.00 – 23.30 Uhr
Führungen für private Gruppen, Schulklassen, Firmen oder Vereine (an allen
Ausstellungsstandorten) können über die Stiftung Blickachsen gGmbH gebucht werden.
E-Mail: fuehrungen@blickachsen.de
Telefon: 0 61 72 - 2 89 07
Bad Homburg
Förderer / Supporters
Blickachsen 9 wird ermöglicht durch die Förderung von /
Blickachsen 9 is made possible through the generous support of
Deutsche Leasing AG, Freunde der Blickachsen,
KPMG AG Wirtschaftsprüfungsgesellschaft,
Kulturfonds Frankfurt RheinMain, Stefan Quandt
Veranstalter / Organisers
Stiftung Blickachsen gGmbH
Magistrat der Stadt Bad Homburg v.d.Höhe
Kur- und Kongreß-GmbH Bad Homburg v.d.Höhe
Verwaltung der Staatlichen Schlösser und Gärten Hessen
HES SEN
Unter der Schirmherrschaft des Hessischen Ministerpräsidenten Volker Bouffier
Under the patronage of Volker Bouffier, Minister-President of the State of Hesse
www.blickachsen.de
Kurpark
Luigi Mainolfi
Pa
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22 Per quelli che volano, 2011, Gartenbank, Schrift (Gartenbank: 87 x 150 x 60 cm,
Schrift: variable Maße) Sammlung Fondation Marguerite et Aimé Maeght, Saint-Paul, Frankreich
Siamesischer Tempel
Yazid Oulab
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23 Montagne urbaine, 2011, Stahl (350 x 600 x 5 cm)
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Germaine Richier
KurparkWeiher
24 L a Montagne, 1955/1956, Bronzeguss (185 x 330 x 130 cm)
Sammlung Fondation Marguerite et Aimé Maeght, Saint-Paul, Frankreich
12
Tennisclub
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Jean-Paul Riopelle
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25 La Tour, 1971/1972, Bronzeguss (260 x 242 x 74 cm)
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Stefan Rohrer
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26 Miniatus Floridus, 2012, Auto, Stahl, Lack (330 x 260 x 365 cm)
27 Bluebird, 2010, Motorrad, Stahl, Lack (195 x 180 x 430 cm)
Brunnen
Hans Steinbrenner
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28 Opening Up, 1992, Eisen (270 x 25 x 100 cm)
Kaiser-Wilhelms-Bad
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Shim Moon-Seup
29 Figur, 1988, Bronzeguss, schwarz patiniert, Unikat (280 x 49 x 36 cm)
32 Figur, 1987, Bronzeguss, schwarz patiniert, Ex. 2/2 (265 x 75 x 52 cm)
29 33
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Spielcasino
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Schmuckplatz
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34 GRIB 3, 2011, Stahl, brenngeschnitten und gewachst (252 x 505 x 3,5 cm)
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Zum Bad Homburger Schloss
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36 Not God but I will help you, 2011, Bronzeguss, Ex. 2/4 (360 x 430 x 140 cm)
Not Vital
Golfplatz
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37 Tongue, 2010, Edelstahl, Ex. 3/5 (520 x 105 x 125 cm)
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Schlosspark
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Steigenberger Hotel
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Russische Kapelle
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www.blickachsen.de
www.blickachsen.com
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Schlosshof
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Oberer
Schlosshof
Rathaus
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Stiftung BLICKACHSEN gGmbH
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Schlosspark-Weiher
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Ferdinandstraße 19
D-61348 Bad Homburg v.d.Höhe
Tel.: 0 61 72 - 28 90 7
info@stiftungblickachsen.de
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©2013 Stiftung Blickachsen gGmbH, Bad Homburg v.d.Höhe
Blickachsen 9
Skulpturen in Bad Homburg und Frankfurt RheinMain
Magdalena Abakanowicz Polen / Poland
Arman USA
Hans Arp Frankreich / France
Hanneke Beaumont Niederlande / The Netherlands
Caspar Berger Niederlande / The Netherlands
Damien Cabanes Frankreich / France
Ricardo Calero Spanien / Spain
César Frankreich / France
Richard Deacon Großbritannien / UK
Erik Dietman Schweden / Sweden
Laura Ford Großbritannien / UK
Gloria Friedmann Deutschland / Germany
Antony Gormley Großbritannien / UK
Camille Henrot Frankreich / France
Sean Henry Großbritannien / UK
Kenny Hunter Großbritannien / UK
Fabrice Hyber Frankreich / France
Claire-Jeanne Jézéquel Frankreich / France
Ilya & Emilia Kabakov Russland / Russia
Dietrich Klinge Deutschland / Germany
Masayuki Koorida Japan
Luigi Mainolfi Italien / Italy
Yazid Oulab Algerien / Algeria
Jaume Plensa Spanien / Spain
Peter Randall-Page Großbritannien / UK
Germaine Richier Frankreich / France
Jean-Paul Riopelle Kanada / Canada
Stefan Rohrer Deutschland / Germany
Shim Moon-Seup Süd-Korea / South Korea
Assan Smati Frankreich / France
Hans Steinbrenner Deutschland / Germany
Sui Jianguo China
Matthäus Thoma Deutschland / Germany
Bernar Venet Frankreich / France
Henk Visch Niederlande / The Netherlands
Not Vital Schweiz / Switzerland
Michael Zwingmann Deutschland / Germany
Blickachsen 9
From its beginnings in the Bad Homburg Kurpark in 1997, the “Blickachsen” biennial exhi
bition of sculpture has continuously developed into one of the great recurring art events in
the country.
With this ninth edition in 2013, a new chapter in the history of the exhibition series once
again opens: in spring the Blickachsen Foundation was set up and will take over the responsibility for putting on, and – together with the municipality of the city of Bad Homburg, the
Kur- und Kongress-GmbH and the Administration of the Public Stately Homes and Gardens
in Hesse – for organising the “Blickachsen” exhibitions. The foundation was established
with the long-term aim of offering both young and established artists from around the world
an ever expanding platform for their work in the open and public space, not only to promote
new generations of artists but also to heighten popular interest in, and appreciation of the
most varied currents in three-dimensional art.
In the ideal surroundings of Lenné’s Kurpark and the landgraviate castle gardens of Bad
Homburg, “Blickachsen 9” once more makes available to all, in the public open space, a rich
variety of modern and contemporary works of the very highest quality.
In addition, following an initiative by the Kulturfonds Frankfurt RheinMain, “Blickachsen”
has now for the third time significantly expanded into the wider Rhein-Main region. In six
selected locations, “Blickachsen 9 RheinMain” traces an arc spanning the early history of the
region in Roman times through to a vision of its future in a globalised world: there will be
exhibitions at the Limes (the line of former fortifications marking the boundary of the Roman
empire), at the Eberbach monastery, and in Darmstadt and Eschborn, as well as at Frankfurt
University and at Frankfurt international airport.
I am especially pleased, this year, to have at my side the Fondation Marguerite et Aimé
Maeght, and in particular its director Olivier Kaeppelin, as curating partners.
I would like to express my special thanks to the sponsors of “Blickachsen 9”, without whom
the exhibition would not be possible. I also thank all our partners at the different exhibition
sites for their co-operation. Equally, I would like to mention the Children’s Art School of Bad
Homburg for their commitment in arranging “Children’s Blickachsen 2”. I have been deeply
impressed by the support that the “Blickachsen” project has had on so many sides, and
gratified by the extraordinarily positive resonance it has generated.
On behalf of all the organisers I wish visitors to the exhibition an interesting and stimulating
encounter with art.
Christian K. Scheffel
Executive Director, Blickachsen Foundation
Founder and Curator of “Blickachsen”
2
Blickachsen 9
Seit ihren Anfängen im Bad Homburger Kurpark 1997, hat sich die Skulpturenbiennale
„Blickachsen“ kontinuierlich zu einem der großen periodischen Kunstereignisse des Landes
entwickelt.
Mit ihrer neunten Ausgabe wird nun 2013 abermals ein neues Kapitel in der Geschichte der
Reihe aufgeschlagen: Im Frühjahr wurde die Stiftung Blickachsen gGmbH gegründet, die
von nun an die Ausstellungen verantworten und gemeinsam mit dem Magistrat der Stadt
Bad Homburg, der Kur- und Kongress-GmbH und der Verwaltung der Staatlichen Schlösser
und Gärten Hessen veranstalten wird. Die Stiftung wurde mit dem langfristigen Ziel gegründet, durch einen stetigen Ausbau der „Blickachsen“ im öffentlichen und öffentlich
zugänglichen Raum, jungen gemeinsam mit arrivierten Künstlern aus der ganzen Welt eine
Plattform zu bieten und dadurch sowohl den künstlerischen Nachwuchs zu fördern als auch
das allgemeine Interesse und Verständnis für die verschiedensten Positionen der drei
dimensionalen Kunst und deren Wertschätzung weiterhin zu steigern.
„Blickachsen 9“ präsentiert für jeden frei zugänglich in der idealen Umgebung des Lennéschen Kurparks und des landgräflichen Schlossparks in Bad Homburg wieder eine Vielfalt
moderner und zeitgenössischer Werke von höchster Qualität.
Darüber hinaus wurden auf Initiative des Kulturfonds Frankfurt RheinMain die „Blickachsen“
nun schon zum dritten Mal wirkungsvoll auf die Region ausgedehnt. Mit der Auswahl der
sechs Standorte schlägt „Blickachsen 9 RheinMain“ einen Bogen von der frühen Geschichte
der Region in römischer Zeit bis hin zu ihrer in die Zukunft weisenden Bedeutung in der
globalisierten Welt: Ausgestellt wird am Limes, im Kloster Eberbach, in Darmstadt und Eschborn, genauso wie an der Frankfurter Universität und am internationalen Rhein-MainFlughafen.
Ich freue mich ganz besonders, in diesem Jahr die Fondation Marguerite et Aimé Maeght
und namentlich ihren Direktor Olivier Kaeppelin als kuratorischen Partner an meiner Seite zu
haben.
Meinen ausdrücklichen Dank möchte ich an dieser Stelle den Förderern der „Blickachsen 9“
aussprechen, ohne die es die Ausstellung nicht gäbe. Auch allen Partnern an den verschiedenen Austragungsorten möchte ich für ihre Kooperation danken. Ebenfalls hervorzuheben
ist das Engagement der Kinderkunstschule Bad Homburg bei der Ausrichtung der „KinderBlickachsen 2“. Ich bin beeindruckt von der Unterstützung, die das Projekt „Blickachsen“
von so vielen Seiten erfährt und freue mich über die ungemein positive Resonanz.
Im Namen aller Veranstalter wünsche ich den Besuchern der Ausstellung eine interessante
und anregende Begegnung mit der Kunst.
Christian K. Scheffel
Geschäftsführender Gesellschafter Stiftung Blickachsen gGmbH
Gründer und Kurator der „Blickachsen“
3
Partner Museum of the Blickachsen 9 exhibition
The Fondation Marguerite et Aimé Maeght is very pleased to accept Christian Scheffel’s
invitation to help create the selection for the ninth “Blickachsen” exhibition in 2013. Both
the Fondation Maeght and the “Blickachsen” project have sought from their beginnings to
make modern and contemporary art available to the widest possible public.
Opened in 1964 by the writer André Malraux, then Minister of Cultural Affairs, the Fondation Maeght is unique as a private foundation in Europe. This architectural ensemble was
entirely conceived and financed by Aimé and Marguerite Maeght before becoming a public
foundation having as its mission the presentation of 20th and 21st century art in all its
forms. In collaboration with the Catalan architect Josep Lluís Sert, a number of painters and
sculptors created location-specific, often monumental, works for the buildings and gardens,
such as Miró’s Labyrinth – certainly one of the world’s best-known in situ works – the wall
mosaics by Chagall and Tal-Coat, the Giacometti courtyard or the water basin and stainedglass window by Braque.
Situated on the Côte d’Azur, the Fondation Maeght possesses one of the most important art
collections in Europe, with works by artists ranging from Bonnard and Calder through to
Léger, Braque, Chillida, Miró, Giacometti, Ubac and Arp as well as, from our time, Anthony
Caro, Bram van Velde, E. Dietman, Tàpies, E. Kelly, J. Mitchell, Takis, Adami, Arroyo, Del Re,
Monory, Balthus, Brice Marden, Soto, Calzolari and others. There is a permanent collection,
but the Fondation Maeght – true to its founders’ remit of promoting contemporary art – also
organises temporary exhibitions. More than a hundred monographic and thematic exhibitions have thus far been held by the foundation, which each year attracts more than 200,000
visitors, and will celebrate its fiftieth anniversary in 2014.
Presenting sculpture in the open spaces of its courtyards and forested park grounds, the
Fondation Maeght is a natural partner for “Blickachsen’s” Christian Scheffel in the joint
creation of “Blickachsen 9”. From its own collection, the Fondation is contributing to “Blickachsen 9” works by Arp, G. Richier, F. Hyber and L. Mainolfi as well as a work by Riopelle
from the private collection of the foundation’s president, Adrien Maeght.
Seeking to give us all the chance to experience works of art, and engage with the thoughts
of their artists, “Blickachsen” is a truly beautiful and exciting project. Art is the experience
of the diversity of reality, the joy of entering different worlds, and an extraordinary means of
understanding our destiny, or more simply, our story, today. It is an experience made possible with each sculpture chosen for “Blickachsen 9”. It was a pleasure working with the
artists, and with Christian Scheffel, in our joint enterprise of understanding society, the
landscape, the world, and our very old cosmos over our heads.
Olivier Kaeppelin
Director, Fondation Marguerite et Aimé Maeght
4
Partnermuseum der Ausstellung Blickachsen 9
Die Fondation Marguerite et Aimé Maeght freut sich sehr, der Einladung von Christian Scheffel
gefolgt zu sein und die Auswahl der neunten „Blickachsen“-Ausstellung 2013 mitgestaltet zu
haben. Beide, die Fondation Maeght und das „Blickachsen“-Projekt, widmen sich von
Beginn an der Aufgabe, einem möglichst breiten Publikum moderne und zeitgenössische
Kunst zu erschließen.
Die 1964 durch den Schriftsteller und damaligen Kultusminister André Malraux eröffnete
Fondation Maeght ist eine europaweit beispiellose Privatstiftung. Das architektonische
Ensemble wurde von Aimé und Marguerite Maeght geplant und finanziert, bevor eine
gemeinnützige Stiftung gegründet wurde mit dem Auftrag, die Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts in all ihren Erscheinungsformen an die Öffentlichkeit zu tragen. Zahlreiche Maler
und Bildhauer schufen, in Zusammenarbeit mit dem katalanischen Architekten Josep Lluís
Sert, ortsspezifische Werke für die Gebäude und die Gärten. Dazu zählen etwa das Labyrinth
von Miró (eine der weltweit wohl bekanntesten Arbeiten in situ), die Wandmosaiken von
Chagall und Tal-Coat, der Giacometti-Hof oder das Wasserbecken von Braque.
Die an der Côte d’Azur beheimatete Fondation Maeght besitzt eine der bedeutendsten
Kunstsammlungen Europas mit Werken von Bonnard bis Calder über Léger, Braque, Chillida,
Miró, Giacometti, Ubac, Arp und, aus unserer Zeit, Anthony Caro, Bram van Velde, E. Dietman, Tàpies, E. Kelly, J. Mitchell, Takis, Adami, Arroyo, Del Re, Monory, Balthus, Brice Marden, Soto und Calzolari und anderen. Neben der permanenten Sammlung richtet die Fondation – getreu dem Auftrag ihrer Stifter, die Kunst und die Kunstschaffenden der Gegenwart
zu fördern – zusätzlich temporäre Ausstellungen aus. Mehr als einhundert monografische
und thematische Ausstellungen sind bisher in der Fondation Maeght enstanden, die jedes
Jahr mehr als 200.000 Besucher zählt und 2014 ihr fünfzigjähriges Bestehen feiert.
Die Fondation Maeght präsentiert Skulpturen im öffentlichen Raum ihrer Höfe und des
bewaldeten Parkgeländes. Daran knüpfte der Dialog mit Christian Scheffel bei der gemeinsamen Gestaltung der „Blickachsen 9“ auf ganz natürliche Weise an. Aus ihrer eigenen
Sammlung zeigt die Fondation bei „Blickachsen 9“ Arbeiten von Arp, G. Richier, F. Hyber und
L. Mainolfi, ergänzt durch ein Werk von Riopelle aus der Privatsammlung des Stiftungsvorsitzenden Adrien Maeght.
„Blickachsen“ ist ein wunderbares und aufregendes Projekt, das es uns allen ermöglicht,
Kunst zu erfahren und uns mit den Gedanken der Künstler zu beschäftigen. Kunst ist das
Erlebnis der Vielfalt, der Freude an unterschiedlichen Welten, und ein außergewöhnliches
Instrument, mit dem wir unser Geschick, oder einfacher: unsere Geschichte zu verstehen
lernen, heute. Diese Erfahrung wird durch jede der für „Blickachsen 9“ ausgewählten Skulpturen ermöglicht. Es hat Spaß gemacht, mit den Künstlern und mit Christian Scheffel an
unserem gemeinsamen Vorhaben zu arbeiten, das darin bestand, die Gesellschaft, die Landschaft, die Welt und den guten alten Kosmos über unseren Köpfen zu verstehen.
Olivier Kaeppelin
Direktor Fondation Marguerite et Aimé Maeght
5
1 Traction avant, traction après
Arman (USA) *1928 in Nizza / Nice, †2005 in New York
Der französisch-amerikanische Künstler Arman (geb. Armand Pierre Fernandez) zählt zu den
Hauptvertretern des Nouveau Réalisme. Im Bestreben, die Alltagsrealität in die Kunst zu inte
grieren, schuf Arman Werke wie seine berühmten „Accumulations“, in denen er jeweils unzählige identische Gebrauchsgegenstände anhäufte oder rhythmisch anordnete. Die Arbeit „Traction avant, traction après“ zeigt ein verfallenes Auto, einen Traction Avant („Front
antrieb“), wie die ersten Citroën-Serienmodelle mit Vorderradantrieb hießen, die zwischen 1934
und 1957 gebaut wurden. Die Skulptur gehört der Serie „Atlantis“ an, deren Titel das Motiv des
sagenhaften, untergegangenen Inselreichs aufruft. Für diese Arbeiten hat Arman unterschiedliche Alltagsgegenstände in Bronze gegossen und mit einer dichten, opaken Patina überkrustet. So erinnern die Objekte an archäologische Artefakte einer untergegangenen Zivilisation,
die lange im Meer versunken lagen. Doch die scheinbaren Anzeichen eines langen Zerfalls
prozesses sind gerade kein Beleg für Alter und historische Authentizität: Die erkennbare
Modernität der Gegenstände widerspricht einer Projektion in eine mythische Vergangenheit.
Vielmehr bezeichnet Arman diese Arbeiten als „imaginäre Segmente der Archäologie der Zukunft“.
The French-American artist Arman (b. Armand Pierre Fernandez) is one of the leading exponents
of Nouveau Réalisme. In the attempt to integrate everyday reality into art, Arman created
works such as his celebrated “Accumulations”, in which he respectively amassed or rhythmi
cally arranged countless identical everyday objects. His work “Traction avant, traction après”
shows a broken-down old car, a ‘Traction Avant’ (‘Front-wheel drive’), as the first front-wheel
drive Citroën models, built between 1934 and 1957, were called. The sculpture is part of the
“Atlantis” series, a title which calls up the motif of the fabled lost island. For these works Arman
cast a variety of everyday objects in bronze and encrusted them with a thick, opaque patina. In
this the objects recall the archeological artefacts of a lost civilisation, long sunk under the sea.
Yet the apparent signs of a long process of decay are no proof of age or historical authenticity:
the clear modernity of the objects contradicts the projection into a mythical past. Rather,
Arman characterises these works as “imaginary segments of the archeology of the future”.
6
2 Le Pépin géant
Hans Arp (Frankreich / France) *1886 in Straßburg / Strasbourg, †1966 in Basel
Der deutsch-französische Maler, Bildhauer und Lyriker Hans Arp gilt als einer der bedeutendsten
Vertreter des Dadaismus und Surrealismus. In den 1930er Jahren begann Arp, sich intensiv
seiner Arbeit als Bildhauer zu widmen. Sein plastisches Schaffen charakterisiert eine organische und abstrakt-amorphe Formgebung. Das Interesse am Zusammenspiel von Natur, Mensch,
Tier und Dingwelt regte ihn zu einer künstlerischen Sprache an, die als ‚fließend‘ und ‚werdend‘
zu bezeichnen ist – Bewegungen und Metamorphosen werden plastisch formuliert. Mit der
Bronzefigur „Le Pépin géant“ aus der Sammlung Fondation Maeght zeigt die diesjährige
„Blickachsen“-Ausstellung eine Arbeit aus dem Spätwerk des Künstlers. Die im Bad Homburger
Kurpark präsentierte Bronze ist knapp lebensgroß. Der unregelmäßig geformte abstrahierte
Torso vermittelt den Eindruck eines in sich gedrehten Formengebildes. Runde Formen und fließende Bewegungen laden den Betrachter ein, das rundansichtige Werk zu umschreiten.
Durch diese Form einer ‚geleiteten‘ perspektivischen Wahrnehmung wird dem Rezipienten die
Möglichkeit gegeben, seinen Blick über das Kunstwerk hinaus zu richten und die Schau der
Skulptur mit ihrem konkreten Umfeld in Verbindung zu bringen.
The German-French painter, sculptor and poet Hans Arp is considered one of the leading
exponents of Dadaism and Surrealism. In the 1930’s Arp started to devote himself intensively
to his work as a sculptor. His plastic creations are characterised by their organic and abstractamorphous design. His interest in the interplay of nature, Man, animals and the world of things
led him to develop an artistic language that can only be described as ‘fluid’ and ‘becoming’ – movements and metamorphoses expressed in plastic form. The bronze figure “Le Pépin
géant” from the Fondation Maeght collection, on display in this year’s “Blickachsen”, is a late
work by the artist. Standing in the Bad Homburg Kurpark, the bronze is barely life-sized. The
irregularly formed abstracted torso conveys the impression of an entity twisted into itself.
Rounded forms and fluid movements invite the observer to circle around the work. Through this
kind of ‘controlled’ perception of perspective, the observer is led to look beyond the work, to
relate the sculpture visually to its concrete surroundings.
7
3 Ego Vivo / Self-portrait 25
Caspar Berger (Niederlande / The Netherlands) *1965 in Utrecht
Der Bildhauer Caspar Berger erkundet auf vielfältige Weise das Selbstporträt in der dreidimensionalen Kunst. In „Blickachsen 8“ waren zwei seiner Bronzen zu sehen, deren Thema die
eigene Haut als persönliche oder kulturelle Membran zwischen Innen und Außen ist. „Blick
achsen 9“ zeigt nun eine Arbeit, die sich dem Skelett als Identitätsträger zuwendet. Über acht
Meter hoch, inszeniert Bergers „Ego Vivo / Self-portrait 25“ die Nachbildung seines rechten
Oberarmknochens als monumentales Bronzedenkmal auf einem klassischen Sockel. Von einer
Computertomographie hat Berger mithilfe eines 3D-Druckers eine exakte Kopie seines
Knochens erstellt und diese vergrößert. Der Knochen steht als Pars pro Toto für den Künstler,
die dreidimensionale Kopie ist ganz wörtlich ein Abbild seines Innersten. Auf dem Sockel ist
„EGO VIVO“ eingemeißelt. Dieses „Ich lebe“ ist – durchaus mit einem Augenzwinkern – Kommentar zum logischen Widerspruch, der darin liegt, dass die Gebeine gerade nicht Kennzeichen des Lebens sind, sich jedoch über den Tod hinaus erhalten. Mit einer unerwarteten
Bedeutungsfülle verweist Bergers Selbstporträt auf die Themenfelder Identität, Leben und Tod
ebenso wie auf die traditionelle Denkmalkunst und auf die Tradition der Reliquienverehrung.
In a variety of ways the sculptor Casper Berger explores the self-portrait in three-dimensional
art. Two of his bronzes, thematising his own skin as a personal or cultural membrane between
inner and outer worlds, were to be seen in “Blickachsen 8”. This year, “Blickachsen 9” shows a
work dealing with the skeleton as the carrier of one’s identity. More than eight metres high,
Berger’s “Ego Vivo / Self-portrait 25” presents a giant replica of his right upper arm bone as a
bronze monument standing on a classical pedestal. Using a CT scanner and a 3D printer Berger
made an exact copy of his bone and enlarged it. For the artist, the bone functions as a pars pro
toto, a part representing the whole. The three-dimensional copy is literally an image of his inner
self. Carved into the pedestal are the words “EGO VIVO”. This “I live” – delivered, no doubt,
with a wink of the eye – is a comment on the logical contradiction that one’s bones are not at
all a sign of life but rather of what remains after one dies. With an unexpected richness of significance Berger’s self-portrait points to a thematic of identity, life and death, as well as to
the classical art of moumental sculpture and the tradition of veneration of relics.
8
4 Sagesse
Damien Cabanes (Frankreich / France) *1959 in Suresnes
Damien Cabanes, der in Paris lebt und arbeitet, wandte sich zu Beginn der 1990er Jahre von der
Malerei ab, um sich fast ausschließlich der Skulptur zu widmen. Es entstehen zunächst bemalte
menschliche Figuren und abstrakte Formexperimente in Gips und Ton, bevor Cabanes leichte
Kunststoffe als Materialien für seine großformatigen Arbeiten erkundet. In Werken wie seinen
Stapeln identischer geometrischer Körper untersucht er das Verhältnis von Masse und Raum.
Dabei spielt Farbe auch in seinen dreidimensionalen Arbeiten stets eine große Rolle. Die in
„Blickachsen 9“ im Schlosspark ausgestellte, fast drei Meter hohe Arbeit mit dem Titel „Sagesse“
(Weisheit) ist ein charakteristisches Beispiel für die riesigen, bunten, sich in den Raum schraubenden Spiralkörper des Franzosen. Cabanes arbeitet hier mit den räumlichen Eigenschaften
von Farbe und zeigt, dass Farbe die Lautstärke einer Skulptur verändern kann. Sie kann einen
Körper optisch vergrößern oder verkleinern, entfernen oder in die Nähe rücken und auch einzelne Bestandteile hervorheben oder in den Hintergrund drängen – und sie kann den Eindruck
der Bewegung im Raum unterstreichen. In der natürlichen Umgebung fällt „Sagesse“ deutlich
auf und eröffnet dem Betrachter einen großen Assoziationsspielraum.
Damien Cabanes, who lives and works in Paris, turned away from painting in the early 1990’s
to devote himself almost exclusively to sculpture. He at first created painted human figures and
abstract experimental forms in plaster and clay, before starting to explore light plastics as the
material for his large-format works. In his stacks of identical geometric bodies Cabanes investigates the relationship of mass and space. Colour invariably plays a great part here, even in his
three-dimensional works. His almost three-metre high work “Sagesse” (Wisdom), on display in
the Schlosspark in “Blickachsen 9”, is a characteristic example of the Frenchman’s huge, colourful spiral bodies, which seem to twist themselves into their surrounding space. Cabanes here
works with the spatial properties of colour, and demonstrates that colour can alter the volume
effect of a sculpture. It can optically make a body larger or smaller, push it into the distance or
bring it nearer, and highlight its constituent parts, or push them into the background – and can
reinforce the spatial impression of movement. Standing out conspicuously in its natural surroundings, “Sagesse” opens to the observer a huge imaginative space for a play of association.
9
5 Tú
Ricardo Calero (Spanien / Spain) * 1955 in Villanueva del Arzobispo
Ricardo Caleros Skulpturen umgibt – ebenso wie seine Papier- und Mixed-Media-Arbeiten –
eine leise Poesie. In seinem dreidimensionalen Werk verbindet er Materialien wie Holz, Bronze,
Büttenpapier oder Glas und kombiniert sie z.T. mit leichten Eisenkonstruktionen. Er gestaltet
skulpturale Installationen als Orte der Begegnung, in denen Text als Hinweis auf vielschichtig
angelegte Bedeutungsebenen eine große Rolle spielt. Bereits in früheren „Blickachsen“-Ausstellungen hat Calero gezeigt, dass sein Interesse der Interaktion zwischen Objekt, Betrachter
und Umraum gilt. Für „Blickachsen 9“ hat er nun eine Arbeit mit dem Titel „Tú“ entworfen. Sie
besteht aus einem gewöhnlichen, in Bronze gegossenen Stuhl und einer zweiteiligen Metallkonstruktion, die in überdimensionalen Buchstaben das spanische Wort für „Du“ formt. Trotz
ihrer Größe wirken die Buchstaben durch die filigrane Struktur des Gitterwerks leicht und
durchlässig. Frisch gesetzte Ranken werden jedoch an ihnen emporwachsen und die Buchstaben zunehmend in ihre natürliche Umgebung integrieren. Das Du ist Gegenüber und Spiegel
zugleich. Calero lädt den Betrachter zur Kontemplation ein, zum stillen inneren Zwiegespräch,
zur Selbstreflexion – und ihm gelingt eine sehr subtile Thematisierung von Sehnsucht.
In common with his paper and mixed-media works, Ricardo Calero’s sculpture encompasses a
quiet poetry. In his three-dimensional work he uses materials such as wood, bronze, handmade
paper or glass, combining them on occasion with lightweight iron constructions. His sculptural
installations are designed as meeting places, in which text plays a major role in giving clues to
the multiple layers of invested meaning. Calero’s interest in the interaction between object,
observer and surroundings was already apparent in earlier “Blickachsen” exhibitions. For
“Blickachsen 9” he has now designed a work entitled “Tú”, consisting of an ordinary chair, cast
in bronze, and a two-part metal construction forming the Spanish word “Tú” (You) in oversized
letters. Despite their size, the letters are made to seem light and diaphanous by the delicate
structure of the lattice work. And yet freshly planted tendrils will entwine themselves on the
lattice, progressively integrating the letters with their natural surroundings. The “You” is both a
counterpart and a mirror. Calero invites the observer, to a quiet inner dialogue and self-reflection
– and at the same time manages to create an extraordinarily subtle thematisation of desire.
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6 Expansion
César (Frankreich / France) *1921 in Marseille, †1998 in Paris
Der französische Bildhauer und Objektkünstler César (César Baldaccini) wurde in seinem frühen
Werk von Giacometti und Richier beeinflusst, die er nach seinem Studium in Paris kennenlernte.
Ab 1960 schuf César im Dunstkreis des Nouveau Réalisme seine damals aufsehenerregenden
„Compressions dirigées“ (geleitete Kompressionen), für die er Autowracks und andere Metallobjekte mithilfe einer hydraulischen Presse zu kubischen Formen komprimierte. Den entgegengesetzten Aspekt der Verformung vertiefte César in seinen „Expansions“ (Ausdehnungen) aus
einem besonderen Polyurethan-Schaum. Dieser ist zunächst flüssig, an der Luft jedoch ver
größert er sein Volumen deutlich und härtet rasch aus. César goss den Kunststoff aus – und
ohne weiteren Eingriff des Künstlers entstanden abstrakte Bodenskulpturen, deren fladen
artige, amorphe Form allein vom Material bestimmt wird. Ungehindert breitete sich die träge
fließende Masse im Raum aus. Damit verweisen die „Expansions“ auf die Wahrnehmung von
Volumina im Raum und deren Beziehung zu ihrer Umgebung. In „Blickachsen 9“ wird in Bad
Homburg eine der für die Aufstellung im Freien in Eisenguss übertragenen „Expansions“
gezeigt. Hier bildet die Härte des Materials einen Kontrast zur Weichheit der Form.
In his early work, the French sculptor and object artist César (César Baldaccini) was influenced
by Giacometti and Richier, whom he came to know following his studies in Paris. From 1960, in
a climate of Nouveau Réalisme, César created his then sensational series “Compressions dirigées” (Controlled Compressions), using a hydraulic press to compress wrecked cars and
other metal objects into cubic forms. Exploring the reverse, in terms of deformation, he went
on to create his “Expansions” using a special polyurethane foam. Initially liquid, the foam
massively expands in volume on contact with the air and quickly hardens. Pouring out this
synthetic material and with no other intervention by the artist, César created abstract floor
sculptures whose amorphous form is determined by the material alone. Unimpeded, the slowly
moving mass would expand in space. In this, “Expansions” refers to our perception of volumes
in space, and their relation to their surroundings. In “Blickachsen 9”, an “Expansion”, made for
open-air exhibition in cast iron, is on display in Bad Homburg. Here the hardness of the material
stands in contrast to the softness of form.
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7 Siamese Metal #6
Richard Deacon (Großbritannien / UK) *1949 in Bangor
Mit beeindruckender Konsequenz und Experimentierfreude hat Richard Deacon seit den 1970er
Jahren ein komplexes Werk aus abstrakten Raumkonstruktionen geschaffen, für das er bereits
vielfach ausgezeichnet wurde. Seine Auseinandersetzung mit den unterschiedlichsten Werkstoffen und die Freude an der Manipulation seiner Materialien bilden die Grundlage für die
plastische Formgebung. Er bezwingt die Widerständigkeit von Metall und presst Holz in endlose geschwungene Gebilde, die den Raum durchdringen. „Siamese Metal #6“ ist Teil einer
Serie, in der Deacon jeweils zwei Stahlrohr-Strukturen so miteinander kombiniert, dass sie sich
in einem gemeinsamen Bereich überschneiden. Obwohl sie zu einer Gesamtstruktur verbunden
sind, bleiben sie als je einzelne Form erfahrbar. Der Begriff „Siamese“ im Titel dieser Arbeiten
bezieht sich nach Deacon „auf die Zwillingsbildung bei einem Doppelschlauchanschluss für
Rohrleitungen (englisch: Siamese junction) und geht zurück auf die heute [im Englischen] diskreditierte Bezeichnung für körperlich miteinander verbundene Zwillinge, nach einem Akrobaten
paar am Hof des Königs von Siam im neunzehnten Jahrhundert.“ Individualität und Eigenständigkeit werden hier mit Gemeinschaft, Austausch oder Durchdringung in Beziehung gesetzt.
With an impressive consistency and readiness to experiment, Richard Deacon has since the
1970’s produced a complex body of abstract spatial constructions, for which he has already
been awarded many prizes. His exploration of the most varied of working materials, and his
facility in manipulating them, form the basis for his sculptural designs. His works overcome the
resistance of metal, and squeeze wood into endlessly curved shapes which cut through space.
“Siamese Metal #6” is part of a series in which Deacon combines two tubular steel structures
so that they share features at their interface. Although bound together as a single overall
structure, they remain accessible as individual forms. According to Deacon, the term “Siamese”
in the title of these works refers to “the twinning process, as in a Siamese junction in pipework,
and harks back to the now discredited term for conjoined twins, a naming that recalls a pair of conjoined acrobats in the nineteenth century court of the king of Siam.” Individuality and
autonomy are here brought together with notions of community, intersection and exchange.
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8 Le dernier cri
Erik Dietman (Schweden / Sweden) *1937 in Jönköping, †2002 in Paris
Erik Dietmans Werke entziehen sich einer Einordnung in die gängigen Kategorien der Kunst des
20. Jahrhunderts. Zwar war er durch Fluxus und Nouveau Réalisme beeinflusst, schloss sich
aber keiner dieser Künstlergruppen an. Dietman verknüpft in seinen äußerst fantasievollen
Arbeiten Sprache, Poesie, Bedeutung und materiellen Ausdruck. Er experimentiert mit einer Fülle
unterschiedlicher Materialien und Techniken und entwickelt daraus eine sehr eigene visuelle
Sprache. Die großformatige Bronze „Le dernier cri“ wirkt wie eine aus Knetmasse zusammengesetzte Riesenschnecke mit dickem Kugelkopf, deren Haus dreieckig geraten ist. Beim Um
schreiten der dennoch lebendig wirkenden Figur ergeben sich immer neue Ansichten und
Gestaltbildungen. Die Mischung aus assoziativ aufgerufenen visuellen Zitaten, treffsicherer
Beobachtung und der spielerisch-grotesken Grundstimmung des Werkes ist charakteristisch für
Dietmans Arbeiten. Auch der Titel arbeitet nach demselben Verfahren: „Le dernier cri“ ist – neben
der Doppelbedeutung von todschick/Todesschrei – ein Verweis auf Edvard Munchs „Der Schrei“.
Hinter dem ersten Eindruck einer kindlichen Form verbirgt sich eine vielgliedrige Kette gestaffelter Gedanken und Interpretationen, die der Künstler mit Witz und grotesker Fantasie erkundet.
Erik Dietman’s works refuse classification within the conventional canon of 20th century art.
Though he was influenced by the Fluxus movement and Nouveau Réalisme, he never joined
either group. In his highly imaginative works, Dietman combined language, poetry, meaning
and material expression. He experimented with a huge variety of diverse materials and techniques, developing from them a unique visual language of his own. The large-format bronze “Le
dernier cri” seems like a giant snail made of Plasticine with a triangular shell and a big round
head. Encircling this nonetheless alive-seeming figure gives rise to an endless series of new
impressions and shapes. The blend of associatively invoked visual quotations, unerringly precise observations, and the playfully grotesque undertones of the work is characteristic of
Dietman’s output. Even the title works in the same way: “Le dernier cri” – quite apart from its
double meaning of ultrafashionable/death cry – is also a reference to Edvard Munch’s “The
Scream”. A polynomial chain of graduated thoughts and interpretations, wittily and grotesquely
explored by the artist, lies concealed behind the first impression of a child-like form.
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9 Le Gigolo
Gloria Friedmann (Deutschland / Germany) *1950 in Kronach
Die seit 1982 in Frankreich lebende Künstlerin Gloria Friedmann beschäftigt sich in ihren
Skulpturen, Installationen, Videos und Fotografien mit dem Verhältnis des Menschen zu
seiner Umwelt, mit gesellschaftspolitischen ebenso wie mit ökologischen Fragen. Sie hält
uns einen Spiegel vor, erzählt mit unterschiedlichen künstlerischen Mitteln vom Zustand der
Welt und warnt davor, bei allem technologischen Fortschritt die eigene Vergänglichkeit aus
den Augen zu verlieren. Auch die in „Blickachsen 9“ ausgestellte Arbeit „Le Gigolo“ steht in
diesem Kontext. Friedmann greift das mittelalterliche Bildmotiv des Totentanzes auf, um es
– durchaus humorvoll – als zeitgenössisches Thema zu behandeln. Sie führt Leben und Tod
in Gestalt des titelgebenden Gigolos und eines Skeletts zum danse macabre zusammen. In
Umkehrung der traditionell dargestellten Machtverhältnisse hat hier jedoch der überlebensgroße Gigolo (in der eigentlichen Wortbedeutung ein Eintänzer in einem Tanzlokal) die Führung übernommen und trägt erhobenen Hauptes das Skelett mit seiner roten Pappnase
tanzend übers Parkett. Im Widerspruch zum Themenfeld des Totentanzes scheint die einheitliche silberne Farbgebung das ungleiche Paar der Zeit zu entheben.
In her sculptures, installations, videos and photographs Gloria Friedmann, who has lived in
France since 1982, is concerned with the relationship of Man to the environment, with sociopolitical as well as ecological questions. She holds up a mirror to us, portrays the state of the
world using a variety of artistic forms, and warns us not to lose sight of our own transitoriness,
in an age of technological progress. Her work “Le Gigolo”, on display in “Blickachsen 9”, is
also to be seen in this context. Friedmann takes up the medieval pictorial motif of the danse
macabre, treating it – with great humour – as a contemporary theme. She conflates life and
death, in the shape of the eponymous gigolo and a skeleton, in this dance of the dead. Yet
in a reversal of the traditionally represented power relations, here the larger-than-lifesize
gigolo (the word actually means a paid dancing partner) takes the lead and, dancing with
his head held high, carries the skeleton figure with its red cardboard nose across the parquet
dance-floor. Contradicting the thematic of the death dance, the uniformly silver colouring of
this unequal pair seems to suspend time itself.
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10 BURST II
Antony Gormley (Großbritannien / UK) *1950 in London
Antony Gormley hat bereits 2003 und 2005 an den „Blickachsen“ teilgenommen. Er wurde
vielfach für seine Skulpturen und großformatigen Außenraumprojekte ausgezeichnet, in
denen er das Verhältnis des menschlichen Körpers zum Raum auslotet. Die Figur „BURST II“
(dt. Bersten, Ausbrechen) beschreibt der Künstler selbst als den Versuch, „darzustellen, wie
Körperwahrnehmung auf den Raum übertragen wird. Durch die Verlängerung des Körpers
nach oben, unten, links, rechts, vorne und hinten wird er zu einem Schnittpunkt, an dem die
vertikale Achse die beiden horizontalen Achsen mithilfe der Schwerkraft ausbalanciert. Die
Arbeit wurde aus 820 Kilogramm Eisen hergestellt und soll den statischen Charakter von
Architektur mit der Dynamik des menschlichen Körpers in Einklang bringen: Die Volumina
des Körpers werden in Klötze und Balken übersetzt, die durch Vorsprünge, Stapelungen und
Stützen einen statischen Referenzpunkt bilden, gegen den die Bewegung des Betrachters
kalibriert werden kann.“ Auf diese Weise wird der Körper zum Schnitt- und zugleich Ankerpunkt für die Raumerfahrung. In „Blickachsen 9“ ist „BURST II“ auf einer imaginären Geraden zwischen zwei Bäumen im Bad Homburger Kurpark positioniert.
Antony Gormley has previously participated in “Blickachsen” in 2003 and 2005. He has
received numerous awards for his sculpture and large-scale outdoor projects, in which he
investigates the relationship of the human body to space. His figure “BURST II” is described
by the artist as an attempt to “represent the way bodily perception is projected onto space
at large. Extending up, down, left, right, front and back, the body becomes a meeting point
where the vertical axis balances out the two horizontal axes through gravity. Made from 820 kg of iron, the work tries to reconcile the static character of architecture with the dynamic
nature of the human body, translating its volumes into blocks and beams that use cantilever,
stacking and propping to create a static point of reference against which the viewer’s movement can be calibrated.“ In this way, the body becomes the intersection and anchor
point of the experience of space. In “Blickachsen 9”, ”BURST II” is positioned on an imaginary line between two trees in the Bad Homburg Kurpark.
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11 Le prix du danger 7
Camille Henrot (Frankreich / France) *1978 in Paris
In ihren Fotografien, Filmen, Grafiken und Skulpturen integriert die vielseitige Künstlerin
Camille Henrot Motive unterschiedlicher Kulturen und Regionen. Es entstehen Kombinationen
von besonderer Spannung, wie auch die Arbeit „Le prix du danger 7“ demonstriert: In die
Tragfläche eines Sportflugzeugs vom Typ CAP 10B hat Henrot ein melanesisches Totem als filigranes Lochmuster eingearbeitet. Die auffallende Farbigkeit des Fugzeugteils im Blau-WeißRot der französischen Flagge und das markante, aus der Fläche herausgeschnittene Muster
rivalisieren miteinander. Wie vor einem Vexierbild wechselt der Blick des Betrachters zwischen
dem Material und dem Muster, ohne eines davon länger fixieren zu können. Diese Konkurrenz
erhält dadurch besondere Brisanz, dass Teile der pazifischen Inselgruppe Melanesien französisches Überseeterritorium sind. Die traditionellen Malereien und der Totemglaube Melanesiens
gehen mit der europäischen Modernität und Technik eine hybride Assemblage ein. Damit positioniert sich die Arbeit in den postkolonialen Kontext Frankreichs. Der Flugzeugflügel, seiner
ursprünglichen Funktion beraubt, hat eine neue Verwendung gefunden und dient nun als
Träger der melanesischen Bildkultur.
In her photographs, films, graphics and sculptures the multifaceted artist Camille Henrot brings
together motifs from a variety of different cultures and regions. She creates combinations possessing a special tension, as her work “Le prix du danger 7” demonstrates: the filigree design
of a Melanesian totem has been cut out from the wing of a CAP 10B sports plane. The striking
colourfulness of the wing in the red, white and blue of the French flag competes for attention
with the distinctive pattern cut out of its surface. The observer’s attention switches between
material and pattern without being able to fix on either, as in a picture puzzle. This competition
for attention takes on a special topicality in that parts of the Melanesian group of islands are
overseas French territory. The traditional painting and totemic belief system of Melanesia are
combined in a hybrid assemblage with European modernity and technology. The work thus
positions itself within a French post-colonial context. The airplane wing, deprived of its original
function, has found a new use and now serves as a vehicle for Melanesian pictorial culture.
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12 Walking Woman
Sean Henry 13 Italia
14 The Wanderer
(Großbritannien / UK) *1965 in Woking
Mit seinen bemalten Bronzefiguren belebt der britische Bildhauer Sean Henry die Tradition der
polychromen Skulptur neu. Seine Werke sind in erster Linie für die Präsentation in öffentlichen
urbanen Räumen konzipiert. Es sind farbige Darstellungen von heutigen Menschen in alltäglicher Kleidung, die nur auf den ersten Blick sehr realistisch wirken. Bei genauem Hinsehen zeigt
sich, dass der Bekleidung häufig Knöpfe, Reißverschlüsse und ähnliche Details fehlen. Auch
sind die Figuren nie in Lebensgröße ausgeführt, sondern entweder deutlich größer oder aber
kleiner als real gestaltet. Dadurch wird der Eindruck von Hyper-Realismus vermieden. Gleichzeitig erscheinen auch die drei im Bad Homburger Kurpark ausgestellten Figuren Sean Henrys, als
seien sie in einem Moment der Introspektion festgehalten. Dieses Oszillieren der Wahrnehmung zwischen naturalistischem Abbild und Projektionsfigur für menschliche Erfahrung, zwischen verschobenen Dimensionen und vertrauter Alltäglichkeit stößt Denkprozesse zu Themen
wie Gemeinschaft oder sozialer Selbstverortung an. Charakteristisch für Sean Henrys Skulpturen ist folgerichtig die spontane Bezugnahme der Betrachter im Umgang mit ihnen: Interaktive
Momente zwischen Skulptur und Passant bleiben keinesfalls die Ausnahme.
With his painted bronze figures, the British sculptor Sean Henry is reviving a tradition of polychrome sculpture. His works are primarily designed to be presented in urban public spaces.
They consist of representations of present-day people in everyday clothes, which appear realis
tic only at first glance. Closer examination reveals that buttons, zips and other similar details
are frequently missing from their clothes. The figures are also never life-size; they are, rather,
either much larger or much smaller than real people. The impression of hyper-realism is thereby
avoided. At the same time, the three figures by Sean Henry on display in the Bad Homburg
Kurpark appear as if frozen in a moment of introspection. This cognitive oscillation between
naturalistic representation and a figure onto which human experience is projected, between
simple shifts in scale and familiar ordinariness, triggers thoughts on themes such as the nature
of society or one’s own position within it. As a result, Sean Henry’s sculptures are characterised
by the spontaneous references they engender in the observer: interactive moments between
sculpture and observer are by no means the exception.
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15 Horse and Rider (Plinth Trial)
Kenny Hunter 16 Black Swan
(Großbritannien / UK) *1962 in Edinburgh
Kenny Hunter war bereits bei früheren „Blickachsen“ vertreten und sein „Red Boy“ ist dauerhaft
in der Skulpturenallee Bad Homburgs installiert. Für „Blickachsen 9“ hat Hunter eigens zwei
Arbeiten angefertigt. „Horse and Rider (Plinth Trial)“ zeigt ein hohes Holzgerüst, wie sie früher
als vorläufige Sockel bei Probeaufstellungen von Skulpturen zum Einsatz kamen. Damit zitiert
der Bildhauer die Entscheidung Auguste Rodins, seine Skulpturengruppe „Die Bürger von
Calais“ ebenerdig auf Augenhöhe mit dem Betrachter zu präsentieren, ein Schlüsselmoment für
die moderne Skulptur. Wenn Hunter statt eines männlichen Reiterstandbildes, dem Inbegriff
von Macht und Autorität, ein Mädchen mit seinem Pony auf den Sockel hebt, wirft er die Frage
auf, welche Personen und Ereignisse heute als ehrwürdig gelten. „Black Swan“, die zweite Arbeit
Kenny Hunters in der Ausstellung, wurde für den idyllischen Standort des unlängst restaurierten Kurparkweihers geschaffen. Hier ruft der riesige und dennoch anmutige Vogel zusätzlich
zur allgemeinen Symbolik des Schwans weitere Bedeutungsebenen auf. So war „Black Swan“
im englischen Sprachgebrauch des 16. Jahrhunderts – bis zur Entdeckung Australiens und des
dort heimischen Trauerschwans – Ausdruck für eine gänzlich unmögliche Vorstellung.
Kenny Hunter, whose work has been shown in previous “Blickachsen” exhibitions, and whose
“Red Boy” is on permanent display in Bad Homburg’s Skulpturenallee, has created two special
works for “Blickachsen 9”. “Horse and Rider (Plinth Trial)” features a high wooden trestle of the
kind formerly used as a temporary plinth in trial installations for a sculpture’s eventual display.
In this, Hunter refers specifically to Auguste Rodin’s revolutionary decision to present his
“Burghers of Calais” on ground level, a pivotal point in modern sculpture. And in presenting a
girl on a pony on this plinth instead of a male rider on horseback with all its connotations of
power and authority, he is deliberately inverting a traditional value system. “Black Swan”, the
second of Kenny Hunter’s works on display, was made specially for its idyllic location by the
recently restored pond in the Kurpark. Here the giant yet graceful bird expands the traditional
symbolism of the swan with new layers of meaning. For until their discovery in Australia in 1697, the term “black swan” was commonly used in the English language to mean “an impossibility”.
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17 Homme de Bessines
Fabrice Hyber (Frankreich / France) *1961 in Luçon
Fabrice Hyber, der 1997 den Goldenen Löwen auf der Biennale in Venedig erhielt, befasst sich
mit Skulpturen, Installationen, Malerei und Performances. Seine Themen sind breit gefächert
und reichen von Objekten, die sich ironisch mit ihrer ‚Nützlichkeit‘ auseinandersetzen („POF:
prototypes d‘objects en fonctionnement“) bis zu anthropomorphen Skulpturen. Dennoch liegt
seinen Arbeiten ein gemeinsames Konzept zugrunde: Sein Gesamtwerk entwickelt sich
wuchernd wie ein Rhizom. Vorangegangene Arbeiten liefern die Inspiration für weitere Ideen,
Ableger entstehen, ein Netzwerk breitet sich aus, eines wird zur assoziativen Grundlage des
andern. Tatsächlich bilden biologische Prozesse wie die Zellteilung das Vorbild für Hybers
Arbeitsweise. Auch „Homme de Bessines“ ist auf diese Art entstanden und gewachsen. Für den
kleinen französischen Ort Bessines gestaltete Hyber 1989 die erste grüne Skulptur als ironisches
Zitat traditioneller Brunnenfiguren. Wie ein Außerirdischer steht dort dieses kleine grüne Männ- chen, dem aus allen Körperöffnungen Wasser entströmt. Gleichzeitig ist es der Ursprung einer
nahezu viral oder klonartig wachsenden Population weiterer grüner Männchen, die sich international ausbreitet und nach Shanghai, Tokyo und London nun auch Bad Homburg erreicht hat.
The work of Fabrice Hyber, who won the Golden Lion at the 1997 Venice Biennale, spans sculpture, installations, painting and performance art. His themes range from objects ironically concerned with their ‘usefulness’ (“POF: prototypes d’objets en fonctionnement”) through to
anthropomorphic sculpture. Yet his works are founded on a common thread: they proliferate
like rhizoma. Previous works provide inspiration for new ideas, offshoots are created, the network expands, one thing forms the associative groundwork for another. Indeed biological
processes such as the division of cells are a model for Hyber’s working method. “Homme de
Bessines”, also, was created and has grown in this way. In 1989 Hyber created in the small
French commune of Bessines the first of his green sculptures as an ironic comment on tradi
tional fountain figures. This little green man stands there like an extraterrestrial, water
streaming from every bodily orifice. At the same time he is the original for a growing population
of more little green men that has spread like a virus, with clones around the world from Shanghai to Tokyo and London – and now, Bad Homburg.
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18 Avec et sans retenue (n°3)
Claire-Jeanne Jézéquel (Frankreich / France) *1965 in Fontenay-aux-Roses
Das vielfältige Werk der französischen Künstlerin Claire-Jeanne Jézéquel umfasst neben Skulpturen exakte Bleistiftzeichnungen auf Millimeterpapier, Collagen sowie farbige Aquarelle.
Unabhängig von der verwendeten Technik verbindet die Arbeiten das Interesse an organischen und geometrischen Formen, und dabei vor allem an deren Ausbreitung auf der Fläche
oder im Raum. Die Arbeit „Avec et sans retenue (n°3)“ (Mit und ohne Grenzziehung) besteht
aus drei auf dem Boden ausgelegten Aluminiumplatten. Sie sind jeweils an einer oder an zwei
Seiten gerade angeschnitten und in präzise Winkel gebracht, während sie zur anderen Seite
wie aus flüssigem Material zu zerfließen scheinen. Bewusst bricht Jézéquel mit den gängigen
Vorstellungen einer plastischen Skulptur und einer flächigen Malerei. Ihre abstrakten Objekte
aus dünnen Platten unterschiedlicher Materialien lassen eher an Tafelmalereien denn an dreidimensionale Werke denken. Selbst die an dünne Latten erinnernden Elemente auf der Skulptur „Avec et sans retenue (n°3)“ erscheinen wie Überreste einer Staffelei, die jedoch ihrer
Funktion beraubt ist: Die Präsentation auf dem Boden ist raumgreifend, sodass die Arbeit
abgeschritten und umrundet werden muss, um der gewaltigen Raumausdehnung gerecht zu werden.
In addition to sculpture, the multifaceted work of the French artist Claire-Jeanne Jézéquel comprises minutely rendered pencil drawings on graph paper, collages and watercolours. Irrespective of the technique used, the works are united by her interest in organic and geo
metric forms, and in particular by their extension over surface or space. Her work “Avec et sans
retenue (nº3)” (With and Without Demarcation) consists of three aluminium sheets laid on the
ground. They are each cut straight on one or two sides and joined at precise angles, while their
other side seems to melt as if made of liquid material. Jézéquel deliberately breaks with current
conventions of plastic sculpture and two-dimensional painting. Her abstract objects made of
thin sheets of different materials call up panel painting rather than three-dimensional work.
Even the parts of the sculpture reminiscent of thin bars seem like the remains of an easel shorn
of its function: the layout on the ground is space-consuming, so that the work must be walked
around and encircled to do justice to its massive extension in space.
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20 Twist
Masayuki Koorida 19 Twist
21 Twist
(Japan) *1960 in Kyoto
Die in Granit und Marmor ausgeführten Skulpturen des japanischen Künstlers Masayuki Koorida bestechen durch das Zusammenspiel von äußerst ungewöhnlicher abstrakter Form und
Ebenmäßigkeit der polierten Oberfläche. Verschiedene der durch ihre vollendeten Rundungen
artifiziell und doch zugleich belebt wirkenden Steinskulpturen Kooridas waren bereits in früheren
„Blickachsen“-Ausstellungen zu sehen. In diesem Jahr werden nun drei seiner jüngst entstandenen Arbeiten mit dem Titel „Twist“ im Bad Homburger Kurpark ausgestellt – und weitere
Werke am „Blickachsen“-Standort auf dem Gelände des Römerkastells Feldberg. Anschaulich
steht im Fokus der monumentalen „Twists“ die titelgebende Torsion. Zwei pralle Auswölbungen
ein und desselben Körpers scheinen sich in entgegengesetzte Richtung zu drehen. Es ist, als
bewegten sich diese Gebilde vor unseren Augen. Die Härte seines steinernen Materials überführt Koorida in organische Veränderlichkeit und Weichheit. Dennoch stehen diese Arbeiten
durch ihre glatte, auf Hochglanz polierte und daher spiegelnde Oberfläche in deutlichem Kontrast
zu ihrer natürlichen Umgebung. Es gelingt Koorida, im vielschichtigen Erscheinungsbild seiner
formal reduzierten Skulpturen der Fantasie des Betrachters einen endlosen Spielraum zu eröffnen.
The granite and marble sculptures of the Japanese artist Masayuki Koorida impress through the
interplay of their unique abstract form and the evenness of their polished surfaces. A number
of stone sculptures by Koorida – their perfect curves making them seem artificial yet at the
same time alive – could be seen in earlier “Blickachsen” exhibitions. This year, three of his most
recent works, entitled “Twist”, are on display in the Bad Homburg Kurpark, and further works
can be seen at the “Blickachsen” location on the site of the Roman fort of Feldberg. The torsion
suggested by the title of these monumental “Twists” is vividly present. Two bulging protrusions
of one and the same body mass seem to twist against each other in opposite directions. It is as
if they were in motion before our very eyes. The hardness of the stone is transformed by Koorida
into an organic mutability and softness. Yet these works, polished to a high gloss, with their
smooth, and thus reflective, surfaces, stand in sharp contrast to their natural surroundings.
Through the multi-layered visual presence of these formally reduced sculptures, Koorida succeeds in opening in the observer’s imagination an infinite room for play.
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22 Per quelli che volano
Luigi Mainolfi (Italien / Italy) *1948 in Rotondi
Das Werk des seit den 1970er Jahren in Turin lebenden und arbeitenden Künstlers Luigi Mainolfi
umfasst Skulpturen und Zeichnungen ebenso wie Aktionskunst und Lichtinstallationen. Vor
allem für seine in aufwändigen handwerklichen Arbeitsprozessen hergestellten Tonskulpturen
und seine „Himmelszeichnungen“ genannten filigranen Metallkonstruktionen wurde der Künstler bekannt. In den letzten Jahren wandte er sich zunehmend multimedialen Formen und Installationen zu. Die in „Blickachsen 9“ auf dem Dach der Bad Homburger Spielbank im Kurpark platzierte Arbeit „Per quelli che volano“ (Für die, die fliegen) thematisiert die flüchtige,
immaterielle Sphäre von Himmel, Luft und letztlich Imagination. Die Installation besteht aus
zwei Teilen: einer ganz gewöhnlichen grünen Parkbank und einem in schwarzen Lettern ausgeführten Schriftzug, der zugleich Titel des Werks ist. Zur Skulptur wird der wohlvertraute Gegenstand vor allem durch seine ungewöhnliche Position oben auf dem Dach und durch die Interaktion
mit dem auf der Mauer darunter angebrachten Schriftzug. Die vier Worte sind spöttische
Bemerkung, Denkanstoß und surreale Gebrauchsanweisung in einem. Der gänzlich absurde
Standort ruft ein Stutzen hervor und löst einen mentalen Perspektivwechsel aus.
The work of the artist Luigi Mainolfi, who has lived and worked in Turin since the 1970’s,
embraces sculpture and drawing as well as performance art and light installations. Mainolfi
became known above all for his elaborately crafted clay sculptures and his filigree metal constructions dubbed “heavenly drawings”. In recent years he has turned increasingly towards
multimedial forms and installations. His work “Per quelli che volano” (For Those Who Fly), on
display in “Blickachsen 9” on the roof of the Bad Homburg casino in the Kurpark, addresses the
fleeting, immaterial notions of heaven, air and finally, imagination. The installation consists of
two parts: an ordinary green park bench and a legend in black letters which is at the same time
the title of the work. Here, this very familiar object becomes a sculpture primarily by virtue of
its unusual position up on the roof and its interaction with the inscription on the wall beneath
it. In one stroke, the four words form an ironic commentary, provoke thought, and constitute a
surreal operating manual. The absurd position of the bench produces a momentary dislocation
which triggers an imaginative shift in thought.
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23 Montagne urbaine
Yazid Oulab (Algerien / Algeria) *1958 in Algerien / Algeria
Yazid Oulab hat an den Kunstakademien in Algier und Marseille studiert. Seit 1988 lebt und
arbeitet er in Marseille. Er beschäftigt sich mit unterschiedlichen Medien wie Zeichnung,
Video, Skulptur und Installation und verbindet in seinen formal reduzierten Arbeiten zeitgenössische Formen mit spirituellen Traditionen. Dabei spielen für ihn als Grenzgänger zwischen
den Kulturen Vorstellungen der Verbundenheit, der Begegnung und des Übergangs eine große
Rolle. In „Blickachsen 9“ hat Oulab auf einer Wiese unterhalb des Bad Homburger Schlosses
eine fast zweidimensionale Konstruktion mit dem Titel „Montagne urbaine“ (Stadtgebirge)
installiert, die sich über sechs Meter Breite und drei Meter Höhe erstreckt. Drei Metallstangen
tragen die Umrisslinie einer städtischen Dachsilhouette und bilden mit ihr eine Art doppelten
Rahmen oder Durchgang, der durch herabhängende Drähte wie mit einem Schnurvorhang
gefüllt ist. Auf den an der Silhouette zusätzlich angebrachten Stegen balancieren kleine Figuren. Diese knüpfen an das Motiv des Säulenheiligen an, mit dem sich Oulab bereits in
früheren Arbeiten auseinandergesetzt hat. Durch ihre verblüffende Immaterialität wirkt die blickdurchlässige Skulptur wie ein Bindeglied zwischen dem natürlichen und dem architektonischen Raum.
Yazid Oulab studied at the art academies in Algiers and Marseille. He has lived and worked in
Marseille since 1988. He works in a variety of media including drawing, video, sculpture and
installation art, combining contemporary forms and spiritual traditions in his formally reduced
creations. Working on the frontier between different cultures, notions of affinity, bonding and
transition play a central role in his art. For “Blickachsen 9” Oulab has installed an almost twodimensional construction entitled “Montagne urbaine” (Urban Mountain), reaching more than
three metres high and six metres wide in a meadow below the Bad Homburg castle. Three metal
poles support the contour line of an urban roofscape, forming a kind of duplex frame or gateway filled by hanging wires, as in a string curtain. Small figures are balanced on little platforms
attached to the silhouette’s framework. These figures take up the motif of stylites, which Oulab
had addressed in earlier works. In its baffling immateriality this see-through sculpture functions as a kind of connector between natural and architectonic space.
23
24 La Montagne
Germaine Richier (Frankreich / France) *1902 in Grans, †1959 Montpellier
Mit Germaine Richier ist eine der großen Bildhauerinnen des 20. Jahrhunderts bei den “Blickachsen” vertreten. Ab Mitte der 1940er Jahre entwickelte sie ihre charakteristischen Mischgestalten aus Mensch und Tier. Die Künstlerin selbst spricht von eigenständigen fantastischen
Wesen, von Hybrid-Formen, die nervös und kämpferisch sind: poetisch motivierte Transformationen des Vorgefundenen, Lebendigen. „La Montagne“ (Der Berg) ist eine geheimnisvolle
Arbeit, die Richier nur drei Jahre vor ihrem Tod vollendete. Das monumentale Werk wirkt kraftvoll und zerbrechlich zugleich. Zwei sehr gegensätzliche Figuren stehen einander gegenüber.
Unklar ist, was sie verbindet – Kampf, Begegnung, Auseinandersetzung im Gespräch und Austausch
miteinander oder gar elementare Lebensprozesse wie Geburt oder animalische Zeugung? Sie
scheinen zwei konkurrierende Lebensprinzipien zu verkörpern, doch zugleich ist es, als würden
sie sich gegenseitig stabilisieren und in der Balance halten. Ein männliches und ein weibliches
Prinzip scheinen hier aufgerufen. Die Bedeutung des Titels „Der Berg“ bleibt jedoch gänzlich im
Dunkeln. Man könnte annehmen, die Künstlerin habe hier eine Szene aus ihrer Erinnerung
dargestellt, als Titel jedoch den Schauplatz stellvertretend für das Geschehen gewählt.
With Germaine Richier, one of the great sculptresses of the 20th century is represented in
“Blickachsen”. From the mid-1940’s she developed her characteristic hybrid figures from human
and animal forms. The artist herself speaks of fantastic autonomous creatures, of hybrids both
nervous and aggressive: poetically motivated transformations of the found, the living. “La Montagne” (The Mountain) is a mysterious piece, completed by Richier only three years before
her death. This monumental work seems both powerful and fragile. Two highly opposing fig
ures stand facing each other. It is unclear what connects them – a fight, an encounter, a verbal
disagreement or exchange, or maybe even an elementary living process such as a birth or an
animalistic mating? They seem to embody two competing life principles, yet at the same time it
is as though they stabilise each other and keep each other in balance. A male and a female
principle seem to be being suggested here. The meaning of the title “The Mountain” remains,
however, obscure. One could easily imagine the artist has here represented a scene taken from
memory, substituting it, as a title, with the name of the location in which it took place.
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25 La Tour
Jean-Paul Riopelle (Kanada / Canada) *1923 Montreal, †2002 Isle-aux-Grues
Jean-Paul Riopelle, einer der angesehensten Künstler Kanadas, war auch international tätig
und während eines langjährigen Frankreich-Aufenthaltes in namhaften europäischen Ausstellungen vertreten. Als „Wild Canadian“ wurde er durch seine abstrakte Malerei bekannt, die
durch einen pastosen Farbauftrag sowie einen ausdrucksstarken, gestischen Pinselstrich
gekennzeichnet ist. Sein malerisches und zeichnerisches Werk ist vielfältig und reicht von der
Ölmalerei über Tintenzeichnungen zu Collagen und Lithografien. Seit den 1960er Jahren schuf
Riopelle zunehmend auch Skulpturen aus Bronze, die sich immer wieder mit Natur- und Tierformen auseinandersetzen und als Familien- und Schutzsymbole zu deuten sind. Er nimmt darin
das Motiv des Totems auf, das auf der Vorstellung eines Wesens beruht, zu dem der Mensch
qua Urverwandtschaft eine besondere Verbindung unterhält. Der Begriff stammt aus der Sprache der Ureinwohner des heutigen Québec, der Heimat des Künstlers. Der Bronzeguss „La Tour“ kann als charakteristische Skulptur Riopelles gelten, deren prägnante, grobe Oberflächenbeschaffenheit ihnen ihre besondere Lebendigkeit verleiht. Die Form dieser Arbeit weckt
Assoziationen an eine stilisierte menschliche Gestalt mit einem Kopfputz aus Federn.
Jean-Paul Riopelle, one of the best-known Canadian artists, has also worked internationally,
and spent many years in France, during which time his work was displayed in major European
exhibitions. He achieved renown as the “wild Canadian” by virtue of his abstract paintings,
which were distinguished by a pastose application of paint and a highly expressive, gestic
brushstroke. His painterly and graphic work is diverse and ranges from oil painting to ink drawings,
collages and lithographs. Increasingly, since the 1960’s, Riopelle has also created sculptures in
bronze, dealing repeatedly with natural and animal forms, which can be interpreted as symbols
of the family or as tutelary spirits. In this he takes up the motif of the totem, which rests on the
notion of a being to which Man, through a primeval kinship, maintains a special relationship.
The term stems from the language spoken by the native inhabitants of what is today Québec,
the home of the artist. The bronze cast “La Tour” is characteristic of Riopelle’s sculpture, its
rough, uncompromising surface structure lending it a special vitality. The form of this work
arouses associations of a stylised human figure wearing a headdress of feathers.
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26 Miniatus Floridus
Stefan Rohrer 27 Bluebird
(Deutschland / Germany) *1968 in Göppingen
Stefan Rohrers markante Skulpturen entstehen aus alten Autos, Motorrädern oder Rollern, die
er auseinandernimmt und zu eigenständigen Objekten erweitert. In ihnen scheinen sich wie im
Zeitraffer komprimierte Bewegungsabläufe materialisiert zu haben, deren Geschichte sie
erzählen. Stefan Rohrer war bereits bei „Blickachsen 8“ vertreten und zeigt nun zwei neue
Arbeiten in Bad Homburg. Auf dem Schmuckplatz des Kurparks schleudert ein grasgrüner Mini
beim abrupten Halt sein Innerstes nach außen – allen voran den knallroten Sitz, gefolgt von
Tacho, Lenkrad und Reifen – und verwandelt sich augenblicklich in eine rot blühende Pflanze,
deren botanischer Name (wie Rohrer humorvoll impliziert) „Miniatus Floridus“ ist. Über die
Assoziationskette Flower-Power / Gewaltfreiheit schließt er inhaltlich an das vor zwei Jahren
hier installierte, warnende blaue Kriegsgerät „WWIII“ von Joep van Lieshout an. „Bluebird“,
Rohrers zweite Arbeit in „Blickachen 9“, ist aus einem Motorroller, einer Simson Schwalbe,
entstanden. In eleganten Windungen rankt sie sich um einen Laternenpfahl im Unteren
Schlosshof. Ist hier das rasante Tempo kurz vor einem Unfall dargestellt oder der Wildwuchs
eines längst vergessenen Vehikels, das Wurzeln geschlagen hat?
Stefan Rohrer’s striking sculptures are made out of old cars, motorbikes or scooters, which he
dismantles and transforms into autonomous objects. They seem to embody a compressed
sequence of movement, materialised as if in a time lapse, whose story they tell. Rohrer, who
was previously represented in “Blickachsen 8”, now presents two new works in Bad Homburg.
In the Kurpark a grass-green Mini skids to a halt, displaying its innards to the outside world –
most noticeably its bright red front seat, followed by its speedometer, steering wheel and
wheels – transformed as if in the blink of an eye into a blooming red-flowered plant, whose
botanical name (as Rohrer humorously implies) happens to be “Miniatus Floridus”. A chain of
flower power / anti-violence associations links the green Mini with the blue field canon by Joep
van Lieshout, warning of war, displayed in the same spot two years ago. Rohrer’s “Bluebird”, is
made from a Simson Swallow motor scooter, entwined in elegant coils around a lamppost in the
lower castle courtyard. Is it the tremendous speed just before a collision that is being repre
sented here, or the wild growth of a long-forgotten vehicle, that has put down roots?
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28 Opening Up
Shim Moon-Seup (Südkorea / South Korea) *1942 in Chungmu
Im Fokus der Arbeiten von Shim Moon-Seup steht die Spiritualität seiner Werke. Der in Süd
korea geborene Künstler hat bereits international ausgestellt und empfindet Skulpturen, die
keine spirituelle Dimension vermitteln, als leblos. Aus diesem Grund arbeitet er bevorzugt mit
naturnahen Materialien wie Eisen, Stein, Holz oder sogar Luft. Eine besondere Rolle kommt
dem Material Wasser zu, das häufig entweder tatsächlich oder auf poetische Weise in seinen
Installationen präsent ist. Obwohl Shim Moon-Seups Arbeiten oft minimalistisch wirken, stehen sie mit ihrer meditativen Perfektion in einem ausgeklügelten Spannungsfeld. Häufig
untersuchen die Objekte unterschiedliche Extreme, die in ein ausgewogenes Verhältnis zueinander gesetzt werden: hart und weich, Gerade und Kurve, natürlicher Zustand und Bearbeitung. Diese Prinzipien prägen auch die Arbeit „Opening Up“. Das harte Eisenband, das wie zu
einer Schleife zusammengelegt ist, scheint vor Kurzem noch mit Luft oder einem anderen ephemeren Element gefüllt gewesen zu sein. Der Verlust dieser inneren Spannung steht im
Gegensatz zu dem starren Material. Gleichzeitig öffnet sich eine Tür zu einer unbekannten
Welt, die jenseits unserer Dimension zu liegen scheint.
Spirituality lies at the heart of Shim Moon-Seup’s work. The artist, who was born in South
Korea, and whose works have been internationally exhibited, considers sculpture without a
spiritual dimension to be lifeless. For this reason he works predominantly with materials near
to nature, such as iron, stone, wood or even air. Water has a special place in his work, and is
frequently employed either literally or poetically in his installations. Although Shim MoonSeup’s works often seem to be minimalistic, they operate, in their meditative perfection, within
an elaborate field of tension. His objects frequently explore diverse extremes, set against each
other in an equilibrium: hard and soft, straight and curved, in a natural state or worked. These
principles also inform his work “Opening Up”. The hard iron strip, folded into a loop, seems only
recently to have been filled with air, or some other ephemeral element. The loss of this inner
tension stands in contrast to the rigidness of the material. At the same time a door is opened to
an unknown world, which seems to lie in a dimension beyond ours.
27
29, 30, 31, 32, 33 Figur
Hans Steinbrenner (Deutschland / Germany) *1928, †2008 in Frankfurt/Main
Hans Steinbrenner war Bildhauer im ursprünglichen Sinn, d. h. er arbeitete subtraktiv an einem
Holz- oder Steinblock und gestaltete das Material raum- und körperhaft. In den frühen 1960er
Jahren fand er zu einer abstrakten Formensprache, die auf kubische Elemente zurückgreift.
Bald waren diese Quaderkompositionen an menschliche Proportionen angelehnt, von da an
nennt Steinbrenner seine Skulpturen ganz lapidar “Figur”. Mit zeichnerischer Präzision reduziert er die Anschauung des menschlichen Körpers zu streng geometrischen Skulpturen, deren
einzelne Elemente nicht symmetrisch angeordnet, sondern geringfügig gegeneinander verschoben sind. Dadurch entsteht eine lebendig wirkende Silhouette und die rhythmisierte
Vertikale verleiht der Skulptur eine ganz eigene Dynamik. Auch die Bewegtheit der Oberflächen
steht in einem spannungsreichen Kontrast zur strengen Geometrie der Einzelformen. Die Harmonie des Gesamteindrucks entsteht durch das vollendete Austarieren des Verhältnisses aller Teile zum Ganzen, von Symmetrie und Asymmetrie, von Statuarik und Rhythmik. Hiervon
zeugen die fünf in Bronze gegossenen “Figuren” aus den Jahren 1969 bis 1988, die bei “Blickachsen 9” als Gruppe beieinander stehen.
Hans Steinbrenner was a sculptor in the original sense, in that he worked by subtracting from a
block of wood or stone, shaping the material spatially and bodily. He developed his formal
language, drawing on cubic elements, in the early 1960’s. These cuboid compositions were
quickly adapted to the proportions of the human body, after which Steinbrenner started simply
to call his works “Figures”. With graphical precision he reduces the shape of the human body
to a strictly geometrical sculptural form, whose individual elements are not symmetrically
arranged but are, rather, slightly displaced. An apparently living silhouette is thus created, in
which the rhythmically arranged verticals confer a dynamic of their own to the sculpture. The
worked quality of the surface stands in a tension-filled contrast to the strict geometry of the
individual forms. The harmony of the overall impression is created by the consummate balance
of all the parts to the whole, a balance of symmetry and asymmetry, of statuesque and rhythmical form. This is clearly evident in the five cast bronze “Figures” created between 1969 and
1988, which stand together as a group in “Blickachsen 9”.
28
34 GRIB 3
Bernar Venet 35 GRIB 4
(Frankreich / France) *1941 in Château-Arnoux-Saint-Auban
Das künstlerische Schaffen Bernar Venets ist eng mit einer kunsttheoretischen Auseinander
setzung verknüpft, wobei er sich insbesondere dem Thema der Linie zuwendet. Neben Gruppen
von Geraden und streng geometrischen Bögen realisiert Venet in seinen unverwechselbaren
Skulpturen unregelmäßige Spiralformen und Linienknäuel aus Vierkantstahl. Solche „Lignes
indéterminées“ (Unbestimmte Linien) hat er Anfang der 1980er Jahre auch als Wandreliefs in
Holz ausgeführt. Die Reliefs der in jüngerer Zeit entstandenen Serie „GRIB“, deren Titel sich aus
französisch „gribouillage“ (Gekritzel) ableitet, schließen an diese Vorläufer an. Im Unterschied
zu diesen lassen sie jedoch keinen Anfangs- oder Endpunkt der Linie erkennen. Ihren Ursprung
haben die monumentalen Reliefs in Zeichnungen, die Venet vom Zufall geleitet auf dem Papier
ausführt. Dabei entspricht der Formfindung auf dem Zeichenpapier das Herausschneiden des
Motivs aus einer dreieinhalb Zentimeter dicken Stahlplatte, das mit dem Schneidbrenner per
Hand erfolgt. Aufgrund dieser Technik sind die Formen der Reliefs noch während des Ent
stehungsprozesses nicht genau kalkulierbar. Der Ausdruck und die Dynamik der Linienführung
und deren Übersetzung ins Dreidimensionale sind das Thema der “GRIB”-Serie.
The creative process of the French artist Bernar Venet is closely bound up with a theoretical
preoccupation with art, and in particular with the thematic of the line. In addition to groups of
works exploring straight lines and strictly geometrical arcs, Venet’s unmistakable sculpture
also comprises irregular spiral forms and tangles of lines in square steel. In the early 1980’s he
also created these “Indeterminate Lines” as mural reliefs in wood. His more recent reliefs in the
“GRIB” series, whose title is derived from the French “gribouillage” (scribbles), are an extension
of this earlier work. In contrast to these, however, the newer works have no discernible beginning or end point. The monumental reliefs have their origins in drawings haphazardly scribbled
by Venet on paper. This method of formal discovery on paper is mirrored by the cutting out of
these motifs from a three-and-a-half centimetre thick steel plate, which is done by hand, using
a blowtorch. Because of this, the exact shape of the reliefs cannot be precisely calculated even
as they are being created. The expressiveness and the dynamic of this creation of lines, and its
translation into a three-dimensional form, are the theme of the “GRIB” series.
29
36 Not God but I will help you
Henk Visch (Niederlande / The Netherlands) *1950 in Eindhoven
Das Œuvre des niederländischen Bildhauers Henk Visch zeichnet sich durch eine beachtliche
Vielfalt an Formen und Materialien aus. Es gibt keine kontinuierliche Entwicklung in seinem
Schaffen, keinen einheitlichen Stil. Vielmehr sind seine Arbeiten Ausdruck einer steten Suche
nach der je adäquaten Umsetzung seiner Bildideen. Dabei verpflichtet sich Visch zu einer
grundsätzlichen Offenheit, die er auch dem Betrachter ‚abverlangt‘: Seine Werke entziehen
sich einer eindeutigen Interpretation, sie sind als „Angebote grenzenloser Denkräume“ zu verstehen. In „Blickachsen 8“ wurden bereits zwei Arbeiten Henk Vischs in Bad Homburg gezeigt.
In diesem Jahr ist er mit der großformatigen Figur „Not God but I will help you“ aus dem Jahr
2011 vertreten. Die Skulptur zeigt eine sitzende Gestalt mit rotgefassten Augäpfeln. Die Farbe
des linken Auges läuft – gleich einer Träne – die Wange herab. Der traurige Blick der Figur
scheint nach innen gekehrt. Das formale Spannungsverhältnis von ausgestrecktem und angewinkeltem Bein, aufrechtem Oberkörper und nach unten geneigtem Kopf vermittelt den Eindruck einer Suche nach innerer und äußerer Balance. Es ist das Spiel zwischen Introvertiertheit
und massiver körperlicher Präsenz, das den Betrachter zu Assoziationen anregt.
The work of the Dutch sculptor Henk Visch is distinguished by a striking variety of forms and
materials. There is no continuous development in his output, no unifying style. Rather, his
works are the expression of a constant search for an effective realisation of his visual ideas. In
the process, Visch commits himself to a principle of openness, which he also demands of the
observer: his works refuse straightforward interpretation, they are to be understood as “proposals for a limitless space for thought”. In “Blickachsen 8” two works by Henk Visch were to be
seen in Bad Homburg. This year he is represented by the large-scale sculpture “Not God but I
will help you”, created in 2011. This work shows a seated figure with red eyeballs. The colour of
the left eye runs – like a tear – down the cheek. The figure’s melancholy glance seems to be
directed inwards, and the formal tension of the outstretched and cocked leg, the upright upper
body and the bent down head conveys the impression of a search for an inner and outer equilibrium. It is the very play of introversion and massive bodily presence that stimulates associations in the observer.
30
37 Tongue
Not Vital (Schweiz / Switzerland) *1948 in Sent
Der international bekannte Schweizer Künstler Not Vital lebt und arbeitet in seinem Geburtsort
Sent in Graubünden und seit 1974 verschiedentlich auch in den USA, im Niger, in Italien und
China. Sein vielschichtiges Werk ist bestimmt von sehr unterschiedlichen Techniken und Materialien. Er arbeitet mit Silber, Gold, Bronze, Edelstahl und Aluminium ebenso wie mit Glas,
Marmor und Holz. Auf seinen ausgedehnten Reisen sammelt Vital mit anthropologischer Neugier Techniken, Bearbeitungsverfahren und Formen verschiedener Kulturen, denen er sich
jeweils in einzelnen Arbeitsphasen widmet. So werden seine konzeptuellen Skulpturen und
Installationen etwa von der Glasbläserkunst aus Murano oder der Goldschmiedekunst der Tuareg inspiriert. Die monumentale Plastik „Tongue“ wirkt beinahe wie eine Metapher für diese
absorbierende Lebensphilosophie. Die Zunge, das Sinnesorgan, mit dem das Kind zuerst die
Welt erkundet, ist zugleich das Werkzeug für Sprache und Kommunikation. In Bad Homburg
steht die über fünf Meter hohe „Tongue“ in glänzendem Edelstahl wie ein Denkmal neben dem
Kaiser-Wilhelms-Bad. Die abstrahierte organische Form steht in fesselndem Spannungsverhältnis mit dem anorganischen Material.
The internationally known Swiss artist Not Vital lives and works in his birthplace of Sent in the
Swiss Alps and since 1974, also variously in the USA, Niger, Italy and China. His multi-layered
work is distinguished by his use of highly diverse techniques and materials. Vital works with
silver, gold, bronze, steel and aluminium as well as glass, marble and wood. In his extensive
travels, and with an almost anthropological curiosity, he harvests new techniques, forms, and
methods of working from a variety of different cultures, which he then employs during the
different phases of his work. Thus his conceptual sculptures and installations are inspired by
the art of glass-blowing in Murano, for example, or by the goldsmithing art of the Tuaregs. His
monumental sculpture “Tongue” almost seems to be a metaphor for his absorbing philosophy
of life. The tongue, the organ with which the child first explores the world, is at the same time
the tool for language and communication. In Bad Homburg, the over five metre-high “Tongue”
in shining stainless steel stands like a memorial next to the Kaiser-Wilhelms-Bad, its abstracted
organic form creating a compelling tension with the inorganic material.
31
Förderpreis / Young Artist award
verliehen durch den / given by the Rotary Club Bad Homburg-Schloss
Camille Henrot
Le prix du danger 7, 2011
durchbrochene Flugzeugtragfläche CAP 10B / perforated airplane wing panel CAP 10B
(465 x 122 x 122 cm)
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Kinder-Blickachsen / Children‘s Blickachsen
Die Kinderkunstschule Bad Homburg bietet begleitend zur Ausstellung „Blickachsen 9“ wieder ein eigenes Kinderprogramm an. Mit viel Spaß werden die Kinder an die zeitgenössische
Kunst in den Parks herangeführt und zu eigenem kreativen Ausdruck angeregt.
The Children’s Art School (Kinderkunstschule) of Bad Homburg is once again offering a
special children’s programme to accompany the “Blickachsen 9” exhibition. In an atmosphere of fun, the children will be introduced to the contemporary art on display in the Kurpark, and at the same time stimulated to express themselves creatively.
Workshops (für Kinder ab 8 Jahren / for children over 8)
Sa/Sat, 3. Aug., 17. Aug., 31. Aug. 14. Sept., 28. Sept., 5. Okt., 10-13 Uhr / 10am-1pm
Wochenendkurs / Weekend course
In Zusammenarbeit mit / in collaboration with: Museumspädagogik Schloss Bad Homburg
22. Juni, 10-13 Uhr, 23. Juni, 14-17 Uhr / 22 June, 10am-1pm, 23 June, 2pm-5pm Ferienkurs / Vacation course
4. Juli – 12. Juli, tägl. 10-13 Uhr / 10am-1pm daily
Anmeldung über / registration via: Kinderkunstschule Bad Homburg
Führungen für Kindergruppen können gebucht werden bei /
Guided tours for groups of children can be booked at:
Stiftung Blickachsen gGmbH fuehrungen@blickachsen.de Tel. 06172-28907
Ausstellung / exhibition „Kinder-Blickachsen 2“
15. Juni – 6. Juli 2013
In diesem Jahr veranstaltet die Kinderkunstschule Bad Homburg im Rahmen der „Blickachsen“ zum zweiten Mal eine Doppelausstellung mit Skulpturen von rund 70 Kindern im Alter
von fünf bis zwölf Jahren. Diese Biennale ist eine einmalige Chance für die Kinder, selbst zu
erleben was es bedeutet, an einer Ausstellung im öffentlichen Raum teilzunehmen.
For the second time, under the umbrella of “Blickachsen”, the Children’s Art School (Kinderkunstschule) of Bad Homburg will be putting on an exhibition of sculptures by some 70
children aged between five and twelve. This biennial exhibition provides a unique opportunity for children to experience themselves what it means to take part in an exhibition in a
public open space.
StadtBibliothek (City Library) Bad Homburg, Dorotheenstr. 24
Öffnungszeiten: Di, Do, Fr 11-18 Uhr, Mi 15-18 Uhr, Sa 11-14 Uhr
Opening hours: Tues, Thurs, Fri 11am-6pm, Wed 3pm-6pm, Sat 11am-2pm
Orangerie (Orangery) im Schlosspark
Öffnungszeiten: täglich 9-17 Uhr / Opening hours: 9am-5pm daily
Kinderkunstschule Bad Homburg
Frankfurter Landstraße 83, 61352 Bad Homburg v.d.Höhe, Telefon/Fax: 06172-942390
www.kinderkunstschule-hg.de
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Blickachsen 9 RheinMain
Gefördert von / supported by the Kulturfonds Frankfurt RheinMain
Römerkastell Feldberg
Limes
Kleinkastell
Altes Jagdhaus
Bad Homburg
Schlosspark
Kurpark
Eschborn
Skulpturenpark
Niederhöchstadt
Kloster
Eberbach
M
R hein
ai
Campus Riedberg
Frankfurt
Campus Westend
n
Frankfurt Airport
The Squaire
Darmstadt
Kunsthalle
Von den beiden historischen Parkanlagen Bad Homburgs aus führen auf Initiative des Kulturfonds Frankfurt Rhein-Main nun schon zum dritten Mal symbolische Blickachsen wirkungsvoll an zusätzliche Ausstellungsorte. Hier werden fast 60 der insgesamt über 90
großformatigen Skulpturen bei „Blickachsen 9“ gezeigt.
Vor der Kunsthalle Darmstadt wird eine monumentale Holzkonstruktion des Berliner Künstlers Matthäus Thoma gezeigt. Im Eschborner Skulpturenpark Niederhöchstadt sind zwei
Werke von Hanneke Beaumont und eine Installation von Michael Zwingmann zu
sehen. Arbeiten von Laura Ford, Peter Randall-Page, Jaume Plensa und Sui Jianguo
sind auf den Campi Westend und Riedberg der Goethe-Universität Frankfurt ausgestellt. Im
Kloster Eberbach im Rheingau begegnen dem Besucher 21 Bronzen des Künstlers Dietrich
Klinge. Am Limes im Taunus sind an zwei Standorten Steinskulpturen von Masayuki
Koorida und von Peter Randall-Page platziert. Und schließlich können am Frankfurter
Flughafen im Gebäude The Squaire Werke von Magdalena Abakanowicz, Ilya & Emilia
Kabakov, Jaume Plensa und Assan Smati besichtigt werden.
This year, on the initiative of the Kulturfonds Frankfurt RheinMain, symbolic visual axes
(“Blickachsen”) reach out for the third time from the two park landscapes of Bad Homburg
to additional exhibition sites in the region. Here, almost 60 of the total of over 90 largeformat sculptures in “Blickachsen 9” are being shown.
A monumental wooden construction by Matthäus Thoma is on display outside the Kunsthalle in Darmstadt. Works by Hanneke Beaumont and Michael Zwingmann are shown
in the Eschborn sculpture park. Laura Ford, Jaume Plensa, Peter Randall-Page, and
Sui Jianguo are exhibiting on the Westend and Riedberg Campuses of the Goethe-Universität in Frankfurt. Twenty-one bronzes by Dietrich Klinge are installed in the Eberbach
monastery. Works by Masayuki Koorida and Peter Randall-Page are placed along the
Limes, the line of fortifications marking the boundary of the Roman Empire in Germany. Finally,
in the foyer of The Squaire building at Frankfurt airport, works by Magdalena Abakanowicz,
Ilya & Emilia Kabakov, Jaume Plensa, and Assan Smati are to be seen.
„Blickachsen 9 RheinMain“ Partner / Partners
Kunsthalle Darmstadt, Magistrat der Stadt Eschborn, Goethe-Universität Frankfurt,
Stiftung Kloster Eberbach, Naturpark Hochtaunus, KPMG
34
Darmstadt
Kunsthalle Darmstadt
Steubenplatz 1
64293 Darmstadt
Öffnungszeiten: Di – Fr, 11.00 – 18.00 Uhr; Sa, So, Feiertag, 11.00 – 17.00 Uhr
Matthäus Thoma
38 Elvira, 2013, Holzkonstruktion (500 x 1500 x 1500 cm)
35
Eschborn
Hanneke Beaumont
39 Untitled (Installation #56), 2000, Bronze, Eisen, Auflage von 8 (145 x 90 x 200 cm)
40 Melancholia II, 2000, Bronze, Eisen (250 x 85 x 200 cm)
Michael Zwingmann
41Annäherung an das Phänomen der Schwarzen Löcher, 2012, Asphalt,
7-teilig (Installation mit variablen Maßen)
Skulpturenpark
Niederhöchstadt
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36
Künstler-Forum
40
Bürgerzentrum
41
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Frankfurt, Goethe-Universität
Öffentliche Führungen auf dem Campus Westend
Jeden 1. und 3. Dienstag im Monat, 18.30 – 20.00 Uhr
Treffpunkt: vor dem Haupteingang des IG-Farben-Hauses (Poelzig-Bau),
(Grüneburgplatz 1, 60323 Frankfurt/Main). Eine Anmeldung ist nicht erforderlich.
Die Gebühr beträgt 6 Euro pro Person (eine Ausstellungsbroschüre kostenfrei inklusive).
Führungen für private Gruppen, Schulklassen, Firmen oder Vereine an allen
Standorten der Ausstellung „Blickachsen 9“ können gebucht werden unter
E-Mail: fuehrungen@blickachsen.de Telefon: 0 61 72 - 2 89 07
Ausführliche Informationen zu „Blickachsen 9“ in Bad Homburg und „Blickachsen 9
RheinMain“ sowie zu allen Führungen und Begleitveranstaltungen finden Sie unter www.blickachsen.de
Die Broschüren „Blickachsen 9“ (Bad Homburg) und „Blickachsen 9 RheinMain“ mit
Standortplänen und Informationen über die Künstler und Werke erhalten Sie ab Mitte Juni im
Campus-Shop auf dem Campus Westend, Tel.: 069 - 798 - 345 53.
37
Frankfurt, Goethe-Universität
Laura Ford
42Emissary Cats, 2013, Bronzeguss, Ex. 1/2, Installation von 6 Figuren (Höhe: je 225-290 cm)
Jaume Plensa
43 Poets in Frankfurt (Day-Night), 2011, Polyesterharz, Fiberglas, Edelstahl,
LED-Licht (800 x 153 x 131 cm)
44 Poets in Frankfurt (Heaven-Hell-Poetry), 2011, Polyesterharz, Fiberglas,
Edelstahl, LED-Licht (800 x 153 x 131 cm)
45 Poets in Frankfurt (Religion), 2011, Polyesterharz, Fiberglas, Edelstahl,
LED-Licht (800 x 153 x 131 cm)
Peter Randall-Page
46 Corpus, 2009, Irischer Blaustein (235 x 160 x 160 cm)
47 Fructus, 2009, Irischer Blaustein (250 x 160 x 160 cm)
48 Phyllotaxus, 2013, Irischer Blaustein (256 x 188 x 188 cm)
49 By Another Ocean II, 1998, Irischer Blaustein (65 x 95 x 66 cm)
50 By Another Ocean III, 1998, Irischer Blaustein (62 x 97 x 62 cm)
51 Mother Tongue, 1998, Irischer Blaustein (115 x 190 x 111 cm)
38
Sui Jianguo
52 Blind Portrait 2, 2013, Bronzeguss (520 x 180 x 190 cm)
55 Made in China, 2011, Container (270 x 1200 × 230 cm)
Alten
höfer
Campusplatz
allee
Physik
MPI f.Biophysik
49 50
Campus Riedberg
51
Werkstattzentrale
Geowissenschaften
a Fritz Klimsch
Am Wasser, 1929
Hörsaalzentrum
Campusplatz
b
b Jaume Plensa,
Body of Knowledge,
2010
Campus Westend
House
of Finance
Casino
a
52
53
54
IG-Farben-Haus
45
44
43
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42
46
B re m
47 48
55
Fürsten
bergstr
aße
39
Kloster Eberbach
40
Dietrich Klinge
56 eRBe 12, 2012, Bronzeguss, Ex. 1/6 (Höhe: 197 cm)
57 Kruzifix II, 2003, Bronzeguss, Ex. 3/6 (Höhe: 180 cm)
58Metamorph-Seraph-Katalyt, 2010, Bronzeguss, Ex. 1/6 (102 x 170 x 200 cm)
59 Nightheart II, 2008, Bronzeguss, Ex. 2/6 (187 x 120 x 135 cm)
60 Empty Spoon I, 2006, Bronzeguss, Ex. 1/6 (210 x 104 x 82 cm)
61 Gordian I, 2006, Bronzeguss, Ex. 2/6 (127 x 106 x 200 cm)
62 Gordian IX, 2009, Bronzeguss, Ex. 3/6 (Höhe: 275 cm)
63 Gordian VI, 2007, Bronzeguss, Ex. 5/6 (245 x 175 x 98 cm)
64 Gordian IV, 2007, Bronzeguss, Ex. 1/6 (223 x 100 x 95 cm)
65 Konznow Cogitar, 2013, Bronzeguss, Ex. 1/6 (Höhe: 210 cm)
66 Gordian VII, 2007, Bronzeguss, Ex. 1/6 (254 x 122 x 148 cm)
67 Ceres, 2011, Bronzeguss, Ex. 1/6 (Höhe: 255 cm)
68 Gordian X, 2010, Bronzeguss, Ex. 1/6 (228 x 170 x 160 cm)
69 Gordian V, 2007, Bronzeguss, Ex. 1/6 (245 x 190 x 170 cm)
70 In Topia, 2010, Bronzeguss, Ex. 1/6 (188 x 110 x 195 cm)
71 Gifur Mada, 2001, Bronzeguss, Ex. 2/6 (245 x 100 x 98 cm)
72 Gifur Weha, 2001, Bronzeguss, Ex. 1/6 (248 x 91 x 90 cm)
73 Äinschl Alba, 2001, Bronzeguss, Ex. 1/6 (236 x 232 x 240 cm)
74Entwurf für eine große Figur III, 2004, Bronzeguss, Ex. 1/6 (218 x 200 x 314 cm)
75 Mada II, 2001, Bronzeguss, Ex. 1/6 (214 x 100 x 100 cm)
76 Gordian VIII, 2009, Bronzeguss, Ex. 1/6 (240 x 142 x 106 cm)
Kloster Eberbach
Öffnungszeiten: täglich 11.00 – 17.00 Uhr
60
Hotel
Hospital
und
Vinothek
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Klausurgebäude
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Kreuzgang 57
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Prälatengarten
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Basilika
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Klosterschänke
Abteigarten
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Orangerie
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Limes, Römerkastell Feldberg
Parkplatz „Rotes Kreuz“, Taunus
Masayuki Koorida
77Core, 2012, Granit (130 × 60 × 68 cm)
78Core, 2012, Granit (130 × 106 × 80 cm)
79Core, 2012, Granit (76 × 140 × 93 cm)
80Core, 2012, Granit (56 × 100 × 80 cm)
81Core, 2012, Granit (102 x 120 x 90 cm)
82Correlation, 2011, Granit (56 × 140 × 120 cm)
Großer Feldberg
L3025
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Römerkastell
Feldberg
Gasthaus
zum Roten
Kreuz
Limes, Kleinkastell Altes Jagdhaus
Parkplatz „Sandplacken“, Taunus
Kleiner Feldberg
Sandplacken P
Kleinkastell Altes Jagdhaus
Peter Randall-Page
85 Cupressus I, 2008, Granit (103 x 149 x 115 cm)
86 Exhalation, 2008, Granit (91 x 131 x 108 cm)
87 Sum of the Parts, 2001, Granit (84 x 98 x 74 cm)
88Flayed Stone II, 1998, Granit (117 x 118 x 104 cm)
42
L3024
X
L3024
Hohemark
Oberursel
The Squaire / Flughafen Frankfurt
Zugang zur Ausstellung im Atrium der KPMG-Niederlassung: von Mo. bis Fr., 9.30 – 18.30 Uhr
Magdalena Abakanowicz
89 Bird 1, 2008, Holz, Stahl, Sackleinen, Kunstharz (230 x 280 x 220 cm)
90 Bird 2, 2008, Holz, Stahl, Sackleinen, Kunstharz (200 x 280 x 175 cm)
91 Tall, 2003, Sackleinen, Kunstharz (222 x 70 x 120 cm)
Ilya & Emilia Kabakov
92Fallen Angel, 1997/2004, bemalte Fiberglas-Figur, Stoff, Absperrband (Installation mit variablen Maßen)
Jaume Plensa
93 Silhouettes, 2011/2012, Edelstahl, Installation von 16 Elementen (variable Maße)
Assan Smati
94 C
entaure, 2008, Kunstharz, Farbe (290 x 130 x 300 cm) Sammlung Bernard Massini, Nizza, Frankreich
43
Arman
1Traction avant, traction après, 1991, Bronzeguss (157 x 553 x 386 cm) Sammlung Corice Arman, Trustee Arman Marital Trust, New York, USA
Hans Arp
2 Le Pépin géant, 1937/1956, Bronzeguss (162 x 125 x 77 cm) Sammlung Fondation Marguerite et Aimé Maeght, Saint-Paul, Frankreich
Caspar Berger
3 Ego Vivo / Self-portrait 25, 2013, Bronzeguss, Beton, Ex. 1/3 (820 x 180 x 180 cm)
Damien Cabanes
4 Sagesse, 2002, Epoxidharz, Ex. 1/3 (277 x 160 x 165 cm) Sammlung Florence und Daniel Guerlain, Les Mesnuls, Frankreich
Ricardo Calero
5 Tú, 2013, Eisen, Bronze, Pflanzen, 3-teilig (Höhe: 300 cm x variable Maße)
César
6 Expansion, 1991, Eisenguss (260 x 275 x 90 cm) Sammlung Stephanie Busuttil-Janssen, Frankreich
Richard Deacon
7 Siamese Metal #6, 2012, Edelstahl (185 x 185 x 145 cm)
Erik Dietman
8 Le dernier cri, 1994, Bronzeguss, Ex. 1/1 (300 x 212 x 212 cm)
Gloria Friedmann
9 Le Gigolo, 2007, Stahl, Polyesterharz, Gips, Aluminium (220 x 180 x 70 cm)
Antony Gormley
10 BURST II, 2010, Eisenguss (350 x 250 x 81 cm)
Camille Henrot
11Le prix du danger 7, 2011, durchbrochene Flugzeugtragfläche CAP 10B (465 x 122 x 122 cm)
Sean Henry
12 Walking Woman, 2008, Bronzeguss, Farbe, Ex. 5/5 (217 x 76 x 125 cm)
13 Italia, 2004, Bronzeguss, Farbe, Auflage von 4, Ex. EA (201 x 71 x 48 cm)
14 The Wanderer, 2013, Bronzeguss, Farbe, Ex. 1/5 (210 x 94 x 66 cm)
Kenny Hunter
15 Horse and Rider (Plinth Trial), 2013, Kunstharz, Holz, Farbe (310 x 100 x 200 cm)
16 Black Swan, 2013, Kunstharz (400 x 120 x 160 cm)
Fabrice Hyber
17 Homme de Bessines, 1989/2012, Bronze, Farbe, 5 Figuren (Höhe: je 86 cm) Sammlung Fondation Marguerite et Aimé Maeght, Saint-Paul, Frankreich
Claire-Jeanne Jézéquel
18 Avec et sans retenue (n°3), 2012, Aluminiumguss, Stahl (18 x 417 x 504 cm)
Masayuki Koorida
19 Twist, 2013, schwarzer Granit (190 x 190 x 320 cm)
20 Twist, 2012, schwarzer Granit (120 x 220 x 150 cm)
21 Twist, 2012, weißer Marmor (90 x 276 x 168 cm)
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Ferdinandstraße 19
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Siehe Seite 33
Informationen
Frankreich / France
Text: Uwe Rüth,
Skulpturenmuseum
Glaskasten Marl.
(100 Seiten)
Text: Peter Murray,
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Lehmbruck Museum.
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Text: Rolf Lauter,
(144 Seiten)
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Fondation Beyeler.
(144 Seiten)
Telefon: 0 61 72 - 2 89 07
Bad Homburg
HES SEN
www.blickachsen.de
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