Neuerscheinungen Frühjahr 2016, de/en

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Neuerscheinungen / New Publications
F RÜ H L I N G / S P R I N G 2 0 1 6
New Publications
Frühling / Spring
2016
Neuerscheinungen # 890165
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H ATJ E CA N TZ
Hatje Cantz Verlag
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Kaufmännische Geschäftsführung /
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Programmleitung / Program Directors
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Ulrike Ruh
58
64
96
116
Kunst / A rt
Fotografie / Photography
Architektur / Architecture
128
4
Programmbereich Fotografie / Consulting Editor for Photography Art Books
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Index
ROBERT LONGO 28
WOLFGANG TILLMANS 30
TARYN SIMON 35
KATI HECK 75
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ANDREAS GEFELLER 114
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Fax +44 20 72747103
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Liebe Leserinnen und Leser,
Dear Readers,
auch dieses Programm ist mit seiner Vielzahl neuer Titel
With its wide range of new titles, this spring’s program is
sowohl der Tradition unseres Verlages als auch der
again committed to the tradition of our publishing house as
Innovation und zukunftsweisenden Auseinandersetzungen
well as to the innovations and future-oriented examination
mit gesellschaftspolitischen Fragenstellungen verpflichtet.
of sociopolitical issues. We continue to uphold the time-
In bewährter Tradition verlegen wir die bedeutendsten
proven tradition of publishing the most important artists
Künstler der Geschichte und Gegenwart in umfangreichen
from the past and the present in extensive exhibition
Ausstellungskatalogen. Getreu der Vorstellung, dass
catalogues. True to the belief that humans are only fully
der Mensch nur da ganz Mensch ist, wo er spielt, widmen
human when they play, in 2016 three major exhibitions
sich 2016 drei große Ausstellungen spielerischen,
devote themselves to playful, experimental facets of art.
experimentellen Facetten der Kunst. Die Kataloge zu Jean
The catalogues on Jean Dubuffet and Alexander Calder &
Dubuffet und Alexander Calder & Fischli/Weiss in der
Fischli/Weiss at the Fondation Beyeler as well as on
Fondation Beyeler sowie den Pionieren der Comic-Kunst
the pioneers of comic-book art at the Schirn Kunsthalle
in der Schirn Kunsthalle zelebrieren diese scheinbar
celebrate these seemingly light artistic positions. The
leichten künstlerischen Positionen. Innovativ stellt das
Institut für Zeitgenossenschaft innovatively presents
Institut für Zeitgenossenschaft Die 100 wichtigsten Dinge
Die 100 wichtigsten Dinge, based on which well-known
vor, anhand derer renommierte Autoren humorvoll
authors scrutinize our consumer behavior in a humorously
subversiv unser Konsumverhalten hinterfragen. Konsum
subversive way. On the other hand, consumption and
und der daraus resultierende Abfall wiederum sind das
the resulting waste is Paul Bulteel’s photographic subject.
Fotothema von Paul Bulteel. Und in World of Malls vom
And in World of Malls from the Architekturmuseum in
Architekturmuseum in München wird die Shopping
Munich, the shopping mall is examined as architecture of
Mall als Bautyp des Konsums betrachtet. Werke von Peter
consumption. Works by Peter Bialobrzeski, Alec Soth, and
Bialobrzeski, Alec Soth und vielen anderen namhaften
many more noted photographers deal with the unbalanced
Fotografen beschäftigen sich in 1% Privilege in a Time of
distribution of consumer goods and wealth in the world
Global Inequality mit der unausgewogenen Verteilung von
in 1% Privilege in a Time of Global Inequality. Making Heimat:
Konsumgütern und Reichtum auf der Welt. Making Heimat.
Germany, Arrival Country, the DAM catalogue on the
Germany, Arrival Country, der Katalog des DAM anlässlich
occasion of the German contribution to the 15th
des Deutschen Beitrags für die Architektur-Biennale 2016
International Architecture Exhibition at the Venice Biennale
in Venedig, liefert unter anderem die dringend nötige
2016, includes the urgently needed examination of housing
Auseinandersetzung mit den Bauten zur Unterbringung
for refugees. My personal hope is that contemporary
von Flüchtlingen. Meine persönliche Hoffnung ist es,
architects remember Schiller’s dictum and design buildings
dass sich die zeitgenössischen Architekten dabei an das
in which humans can play and thus be fully human.
Diktum Schillers erinnern und Bauten entwerfen, in denen
der Mensch auch spielen und so ganz Mensch sein kann.
CRISTI NA STEI NGRÄBER
and the HATJE CANTZ team
Ihre CRISTINA STEINGRÄBER
mit dem Team von HATJE CANTZ
HATJE C A NTZ
www.hatjecantz.de
News
Wir gratulieren!
Unsere Veranstaltungen und das Programm sowie alle News
finden Sie unter www.hatjecantz.de
You will find information about our events and the program
as well as all of the latest news at www.hatjecantz.com
Auf folgenden MESSEN werden
wir mit einem Stand vertreten sein
Treffen
mit den
Künstlern
We will have booths at the
following FAIRS :
ART KARLSRUHE
18.–21.2.2016
Auf den Messen bietet
sich auch immer wieder
Gelegenheit, Bücher
signieren zu lassen
und unsere Künstler
kennenzulernen.
Matthias Kessler hat
uns im Juni auf der
Buchmesse in Basel
besucht. Olivo Barbieri,
Robert Voit und weitere
Künstler signierten
auf der Paris Photo im
November. Signierte
Bücher finden Sie auch
auf unserer Website.
LEIPZIGER BUCHMESSE
17.–20.3.2016
LONDON BOOK FAIR
12.–14.04.16
BOOK EXPO AMERICA
11.–13.5.16
ART BASEL
16.–19.6.2016
Handbemalte Sonderausgabe von JULIAN SCHNABELS CVJ /
Hand-painted special edition of JULIAN SCHNABEL’S CVJ
Meet the Artists!
Redaktionssitzung mit /
Editorial meeting with FRANK HORVAT
2
BUCH- und KUNSTMESSEN
BOOK and ART FAIRS
Auch dieses Jahr freuen wir uns über
Auszeichnungen zahlreicher Buchprojekte.
Durch die Juroren des Deutschen
Fotobuchpreises wurden gleich mehrere
Publikationen prämiert: Begegnungen auf
Feuerland. Selk’nam, Yámana, Kawesqar.
Fotografien von Martin Gusinde 1918–1924 und
Jakob Straub Roma Rotunda wurden beide
mit dem Deutschen Fotobuchpreis 2016
in Silber ausgezeichnet. Arwed Messmers
Reenactment MfS (ebenfalls Deutscher
Fotobuchpreis 2016 in Silber) wurde zugleich
auch zu einem der Bildbände des Jahres
durch die Fachzeitschrift Fotoedition gekürt.
Darüber hinaus wurde Chien-Chi Changs
Jet Lag vom Time Magazine zu einem
der besten Fotobücher des Jahres gewählt.
Book fairs time and again
provide opportunities
to have books signed
and to meet our artists.
Matthias Kessler
visited us in June at the
book fair in Basel. In
November Olivo Barbieri,
Robert Voit, and other
photographers held book
signings at the Paris
Photo. Signed books can
also be found on our
website.
Wir werben in /
We advertise in
“The best
quality
books.”
—T I M B U RTO N
Congratulations!
This year we are again delighted by the
numerous awarded book projects. The
jurors of the German Photo Book Prize
honored several Hatje Cantz publications:
Begegnungen auf Feuerland. Selk’nam,
Yámana, Kawesqar. Fotografien von Martin
Gusinde 1918–1924 and Jakob Straub’s Roma
Rotunda were both awarded the silver
2016 German Photo Book Prize along with
Arwed Messmer’s Reenactment MfS,
which was also nominated as one of the
illustrated books of the year by the trade
journal Fotoedition. Moreover,
Chien-Chi Chang’s Jet Lag was chosen
by Time Magazine as one of the best
photo books of the year.
3
E D ITION GE R D H ATJE
www.hatjecantz.de
Die COLLECTOR’S EDITIONS
werden zur EDITION GERD HATJE
COLLECTOR’S EDITION
goes EDITION GERD HATJE
NADAV KANDER
NEDKO SOLAKOV, Knight‘s Graffiti, 2012
I
n diesem Jahr wäre Gerd Hatje, einer der wichtigsten
deutschen Verleger des 20. Jahrhunderts, 100 Jahre
alt geworden. Der von ihm gegründete Hatje Cantz
Verlag feiert zugleich sein 70-jähriges Bestehen.
Anlässlich dieser beiden Jubiläen lancieren wir
unsere EDITION GERD HATJE. Der Kunsthistoriker
Werner Spies nannte Gerd Hatje einen »gentleman
publisher« und »Text- und Bilderverhexer«. Bis heute
steht Gerd Hatjes Name international für zeitlos schöne
Bücher und Editionen, die höchstes künstlerisches
Niveau mit herausragender Qualität in Text und Grafik,
Produktion und Verarbeitung verbinden. Jedes Buch ist
ein mit liebevoller Sorgfalt entwickeltes Kunstwerk, ein
individuelles Produkt aus intensiven Gesprächen mit
Künstlern, Wissenschaftlern, Buchgestaltern, Lektoren,
Übersetzern, Herstellern und vielen mehr.
T
his year, Gerd Hatje, one of the major German
publishers of the 20th century, would have
celebrated his 100th birthday. Founded by him,
Hatje Cantz Verlag also celebrates its 70th
anniversary. On the occasion of these two
anniversaries we are launching EDITION GERD HATJE.
The art historian Werner Spies called Gerd Hatje a
“gentleman publisher” and a “text and image wizard.”
To this day, Gerd Hatje’s name stands internationally for
timeless books and editions that combine the highest
artistic standards with outstanding quality in text
and graphics, production, and processing. Each book is
an artwork developed with loving care, an individual
product of intense discussions with artists, scholars, book
designers, editors, translators, producers, and many more.
5
E DI TI ON G E RD HATJE
www.hatjecantz.de
JULIAN SCHNABEL
Unsere zukünftigen Neuerscheinungen,
die Backlist und weitere
Informationen finden Sie auf der
neuen Website
www.editiongerdhatje.com
Our future new releases, the backlist,
and more information can be found
on the new website
SEAN SCULLY
JOAN JONAS, Blue Bee, 2015
Aus unserem nicht nachlassenden Anspruch heraus,
auch im digitalen Zeitalter weiterhin haptische und
analoge Produkte von höchster Qualität und mit langer
Beständigkeit zu schaffen, haben wir bereits seit Langem
gemeinsam mit unseren Künstlern Editionen und
Künstlerbücher als Collector's Editions entwickelt. Dieses
Experiment wuchs zu einem großen Erfolg heran, der
ab sofort nun unter dem Label EDITION GERD HATJE
fortgesetzt wird. EDITION GERD HATJE ist die konsequente
Fortführung des leidenschaftlichen Interesses, moderne
Kunst, Architektur und Fotografie auch über das Medium
Buch hinaus erfahrbar zu machen. Die ausgewählten
Werke entstehen in engster Zusammenarbeit mit unseren
Künstlern und erzeugen eine besondere Nähe zwischen
Künstler, Verlag, Kunstwelt und Leserschaft. Die Novitäten
in der EDITION GERD HATJE sind alle streng limitiert und
jeweils individuell persönliche Medien der Künstler,
die immer wieder neue Herangehensweisen erlauben.
Jedes in der EDITION GERD HATJE herausgegebene Werk
wird in Gestaltung und Materialität, Inhalt und
Darbietung unterschiedlich sein. So entstehen
außergewöhnliche und einmalige Werke, auf die ich mich
mit Ihnen gemeinsam freue!
ROBERT LONGO
WOLFGANG TILLMANS
6
Ihre
CRISTINA STEINGRÄBER
Out of undiminished drive to continue to create, even in
the digital age, tactile and analog products of the highest
quality and durability, together with our artists, we have
for years been developing editions and artists’ books as
Collector’s Editions. From now on this experiment’s great
success will continue under the label EDITION GERD
HATJE as the logical continuation of a passionate interest
in making modern art, architecture, and photography
tangible through the medium of the book. The selected
works are created in close collaboration with our artists,
selected a special closeness between artists, making
for a special closeness between artists, publisher, the
art world, and our readership. The new EDITION GERD
HATJE publications are all strictly limited and respectively
individualized through the personal media of each artist,
allowing for new approaches again and again. Thus each
work released in the EDITION GERD HATJE will vary in
design and material, content and presentation. I join you in
looking forward to these exceptional and unique works!
Yours,
CRISTINA STEINGRÄBER
7
HIGH LIGHTS
H I GH LI GHTS
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»Britain at its best«:
das Schönste
aus über 2 000
Ausgaben der Vogue
Britain at its best: the
crème de la crème
from more than two
thousand issues
FRED ASTAIRE by ANDRÉ DE DIENES, May 1939
Die britische Vogue wird 100. Das Hochglanzmagazin
war stets stilbildend, und dies weit über den Bereich der
Mode hinaus. Zum 100. Jubiläum bietet dieser Prachtband
anhand spektakulärer Bilder einen faszinierenden Streifzug
durch ein Jahrhundert britischer Kulturgeschichte. Zu den
illustren Fotografen, die diesem glamourösen Kaleidoskop
seit der ersten Ausgabe im September 1916 seinen
einzigartigen Charakter verliehen haben, zählen David
Bailey, Cecil Beaton, Lee Miller, Irving Penn, Lord Snowdon
und Mario Testino. Ein Hauptaugenmerk liegt dabei auf
den Gesichtern, die zu Ikonen wurden: Künstler wie Francis
Bacon, Lucian Freud, Damien Hirst und Henri Matisse; Stars
von Marlene Dietrich bis Gwyneth Paltrow, von Rudolph
Valentino bis zu David Beckham, prominente Frauen wie
Lady Diana Cooper oder Lady Diana Spencer. Natürlich
widmet sich der Band auch den Modedesignern, die das
Jahrhundert definierten – Coco Chanel, Alexander McQueen
und Yves Saint Laurent –, und der sich ewig wandelnden
weibliche Silhouette.
Vogue 100
Hundert Jahre BritChic
Hrsg. / Ed. ROBIN MUIR, Texte von / texts by NICHOLAS CULLINAN, LEON MAX,
ROBIN MUIR, ALEXANDRA SHULMAN, mit historischen Beiträgen von /
with historical material by ALDOUS HUXLEY, VIRGINIA WOOLF, LEE MILLER,
CECIL BEATON, ANTONIA FRASER, LISA ARMSTRONG u. a. / et al.
304 S. / pp., ca. 350 Abb. / ills., 25,4 x 31 cm, Hardcover
Ca. € 49,80 [D], CHF 60,80, $75.00, £45.00
ISBN 978-3-7757-4083-8 (Deutsch)
Februar / February 2016
»Nervöse Leute tun
gut daran, dieses Heft
nicht in die Hand
zu nehmen; es steckt
voller aufregender
Überraschungen … «
British Vogue is turning one hundred. The glossy magazine
has always reflected styles—and well beyond the area
of fashion. On the occasion of its centennial, this luxury
volume provides a fascinating survey of a century of British
cultural history with the help of spectacular images. The
ranks of photographers who have lent this glamorous
kaleidoscope its unique character since the first issue in
September 1916 include David Bailey, Cecil Beaton, Lee
Miller, Irving Penn, Lord Snowdon, and Mario Testino. The
book focuses on faces that have become icons: artists
such as Francis Bacon, Lucian Freud, Damien Hirst, and
Henri Matisse; stars ranging from Rudolph Valentino and
Marlene Dietrich to Gwyneth Paltrow and David Beckham;
and prominent women such as Lady Diana Cooper or Lady
Diana Spencer. The volume naturally also features the
fashion designers who defined the century—Coco Chanel,
Alexander McQueen, and Yves Saint Laurent among them—
and reflects the ever-changing female silhouette.
AUSSTELLUNGEN /
EXHIBITIONS:
National Portrait Gallery,
London
11.2.–22.5.2016
Manchester Art Gallery
24.6.–30.10.2016
— E R ST E AUS GA B E D E R B R I T I S C H E N
VO GUE, S E PT E M B E R 1 9 1 6
ALEXANDER MCQUEEN by TIM WALKER,
10
October 2009
11
H I GH LI GHTS
www.hatjecantz.de
www.hatjecantz.de
Das erste Buch
der letzten
Wahrheiten
The first book
of conclusive
truths
Nach intensiver Recherche und Analyse präsentiert das
Institut für Zeitgenossenschaft IFZ in einem umfassenden
Grundlagenwerk erstmalig die Ergebnisse jahrelanger
Forschungsarbeit: Mit Die 100 wichtigsten Dinge
gibt das IFZ ein Kompendium heraus, das sich jeglicher
simplifizierenden Logik widersetzt und trotzdem schön
anzusehen ist. Das Ziel: die Benennung der letzten
materiellen Wahrheiten in einer endgültigen, auch für den
Nicht-Wissenschaftler verständlichen Auswahl von genau
100 Dingen – den wichtigsten (!) Dingen.
Das mag zunächst wenig spektakulär anmuten, doch mit
der Reduktion auf 100 Texte und 100 Fotografien stellt
dieser Band den ersten Leitfaden zur Orientierung in unserer
heutigen Wissensgesellschaft dar und eröffnet dem Leser
eine völlig neue Perspektive auf die Welt der Dinge. Ein Buch
für jeden, der mehr wissen möchte, als er bisher weiß.
Die 100 wichtigsten Dinge
Institut für Zeitgenossenschaft IFZ
Hrsg. / Ed. SAMIRA EL OUASSIL, TIMON KARL KALEYTA, TILMAN EZRA MÜHLENBERG,
MARTIN MARTIN SCHLESINGER, Texte von / texts by KATJA EICHINGER, RAFAEL HORZON,
SOPHIE HUNGER, DANIEL KEHLMANN, HOLGER LIEBS, MARKUS LÜPERTZ,
MAGNUS RESCH, PETER RICHTER, CLAUDIUS SEIDL, CHRISTIANE STENGER u. a. / et al.,
Fotografien von / photographs by MISCHA LORENZ, Gestaltung von / graphic design by
LANGESOMMER – ATELIER FÜR GRAFIKDESIGN UND TYPOGRAFIE
» D er GeistesBaedeker
der modernen
GroßstadtBohème.
Grandios! «
—MAXIM BILLER,
DAS LITER ARISCHE
Q U A RT E T T
After years of intense research and analysis, the Institut
für Zeitgenossenschaft IFZ is presenting its results for
the first time in a comprehensive compendium: with
Die 100 wichtigsten Dinge, the IFZ ventures to publish a book
that defies any simplifying logic and yet has an attractive
appearance. The goal: designating the conclusive material
truths in a definitive and understandable—even for nonacademics—selection of exactly one hundred things—
the most important (!) things.
This may initially hardly seem spectacular, yet by boiling the
selection down to the number of one hundred texts and
one hundred photographs, this volume constitutes the first
guide for orienting oneself in today’s information society
and introduces readers to a completely new perspective on
the world of things. A book for everyone who wants to
know more than they already do.
256 S. / pp., 100 Abb. / ills., 19,5 x 19,5 cm, Hardcover
Ca. € 20,– [D], CHF 25,30, $30.00, £18.99
ISBN 978-3-7757-4114-9 (Deutsch)
Januar / January 2016
12
13
H I GH LI GHTS
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Von Little Nemo
bis Krazy Kat –
die Inkunabeln der
Comic-Kunst
wiederentdeckt
Bilder für alle: die
Geburtsstunde des
medialen Zeitalters
From Little Nemo
to Krazy Kat—the
first signs of comic
art rediscovered
Pictures for everyone:
the birth of the
media age
Comics entstanden um 1897 in Form von farbigen
Sonntagsbeilagen in den großen amerikanischen
Tageszeitungen. Sie erreichten als erstes bebildertes
Massenmedium zig Millionen Leser pro Tag und setzten
sich sofort an die Spitze der Unterhaltungsindustrie. Lange
wurde übersehen, wie innovativ und experimentell die
frühen Comic-Pioniere waren und dass sich ihre Arbeiten
häufig auf Augenhöhe mit der künstlerischen Avantgarde
der Zeit befanden. Winsor McCay nahm ab 1905 den
Surrealismus vorweg, so wie George Herriman in Krazy
Kat ab 1913 Aspekte des Absurden Theaters etablierte.
Cliff Sterretts Szenarien der späten 1920er-Jahre erinnern
an expressionistische Stummfilme, während Frank O. King
mit Gasoline Alley das Erzählen in Echtzeit probierte.
Lyonel Feininger nicht zu vergessen, der 1906/07
mit zwei Comicserien seinen Weg zur künstlerischen
Unabhängigkeit beschritt.
Pioniere des Comics
Eine andere Avantgarde
Hrsg. / Ed. ALEXAN DER B RAU N, MAX HOLLEI N, Vorwort von / foreword by
MAX HOLLEIN, Texte von / texts by ALEXANDER BRAUN, DAVID CURRIER,
THOMAS SCHEIBITZ, Gestaltung von / graphic design by ALEXANDER BRAUN
Ca. 256 S. / pp., ca. 400 Abb. / ills., 24 x 31 cm, Softcover
Ca. € 35,– [D], CHF 42,70, $55.00, £32.50
ISBN 978-3-7757-4110-1 (Deutsch)
Juni / June 2016
14
Comic strips originated in around 1897 in the form
of colorful Sunday supplements in major American
newspapers. They were the first illustrated mass medium
to reach tens of millions of readers a day and soon ranked
first in the entertainment industry. Just how innovative and
experimental the early comic strip pioneers were and that
their works were on a par with the artistic avant-garde of
the period went without notice for a long time. Beginning
in 1905, Winsor McCay prefigured Surrealism, just as George
Herriman established aspects of Absurd Theater in Krazy
Kat (starting in 1913). Cliff Sterrett’s scenarios from the late
twenties recall Expressionist silent films, while Frank King
tested the real-time narrative with Gasoline Alley. Not to
forget Lyonel Feininger, who in 1906/07 tread the path of
artistic independence with two comic strips.
AUSSTELLUNG / EXHIBITION:
Schirn Kunsthalle Frankfurt
17.6.–18.9.2016
H I GH LI GHTS
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JeanDubuffet
Ein schillernder
Revolutionär der Kunst
in all seinen Facetten
JeanDubuffet
FONDATION BEYELER
FONDATION BEYELER
Jean Dubuffet
Metamorphosen der Landschaft / Metamorphoses of Landscape
Hrsg. / Ed. Fondation Beyeler, Riehen/Basel, RAPHAËL BOUVIER,
Texte von / texts by RAPHAËL BOUVIER, SOPHIE BERREBI, CHRISTINE BURGER,
MICHEL DRAGUET, ANDREAS FRANZKE, CATHERINE ISELIN, SARAH SUZUKI
Gestaltung von / graphic design by HEINZ HILTBRUNNER
Ca. 232 S. / pp., ca. 160 Abb. / ills., 27,4 x 31 cm, Softcover
Ca. € 58,– [D], CHF 70,80, $65.00, £45.00
ISBN 978-3-7757-4098-2 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4099-9 (English)
16
A versatile revolutionary
of art in all of
his facets
Fondation Beyeler, Riehen/Basel
31.1.–8.5.2016
Jean Dubuffet (1901–1985) gelang es mit seiner
wegweisenden, nicht zuletzt von Werken künstlerischer
Außenseiter inspirierten Bildsprache, sich von Traditionen
zu lösen und die Kunst gleichsam neu zu erfinden.
Dubuffets Einfluss ist auch in der zeitgenössischen Kunst
und Street Art noch zu spüren, beispielsweise bei David
Hockney, Jean-Michel Basquiat und Keith Haring. Den
Ausgangspunkt dieser Retrospektive des vielschichtigen
Œuvre bildet Dubuffets faszinierende Vorstellung von
Landschaft, die sich bei ihm auch in Körper, Gesicht und
Objekt verwandeln kann. Er experimentierte mit neuen
Techniken und Materialien wie Sand, Schmetterlingsflügeln,
Schwämmen und Schlacke und schuf dabei ein einzigartiges
Bilduniversum. Neben bedeutenden Gemälden und
Skulpturen aus allen wichtigen Schaffensphasen des
Künstlers zeigt der Band auch Dubuffets spektakuläres
Gesamtkunstwerk Coucou Bazar, in dem Malerei, Skulptur,
Theater, Tanz und Musik zusammenfinden.
»Schöne Landschaften
interessieren mich nicht.
Ich mag Orte ohne
Schönheit, ohne alles
Pittoreske …«
– J E A N D U B U F F E T
With his pioneering visual language, not least inspired by
the work of artists on the margins of the cultural scene, Jean
Dubuffet (1901–1985) succeeded in disengaging himself
from traditions and reinventing art, so to speak. Dubuffet’s
influence can also still be felt in contemporary art and Street
Art, for example in work by David Hockney, Jean-Michel
Basquiat, and Keith Haring. The point of departure for this
presentation of the artist’s multilayered oeuvre is Dubuffet’s
fascinating notion of landscape, which can also change
into a body, a face, an object. He experimented with new
techniques and materials, such as sand, butterfly wings,
sponges, and slag, creating a unique pictorial universe.
Besides important paintings and sculptures from all of the
artist’s creative phases, the volume also features Dubuffet’s
spectacular Coucou Bazar, a synthesis of the arts in which
painting, sculpture, theater, dance, and music converge.
17
H I GH LI GHTS
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»Ich bin aufgewachsen in einem kleinen Dorf
auf der anderen Seite des Rheins.
Der Fluss war zu Fuß in einer halben Stunde
erreichbar. Wandernd durch eine Allee voller
hoher Bäume sah man schon von Weitem
das silbern schimmernde Band des Flusses,
das zugleich Ziel, Ende der Wanderschaft
und Verheißung auf ein anderes,
ein geheimnisvolles Land am anderen Ufer
des Flusses war.« – A N S E L M K I E F E R
Albertina, Wien / Vienna
18.3.–19.6.2016
Die Holzschnitte
von Anselm Kiefer
erstmals in
einem Band
The woodcuts by
Anselm Kiefer,
concentrated for
the first time
in one volume
Anselm Kiefer
Die Holzschnitte / The Woodcuts
Hrsg. / Ed. ANTONIA HOERSCHELMANN, Vorwort von / foreword by KLAUS
ALBRECHT SCHRÖDER, Texte von / texts by PETER SLOTERDIJK, WERNER SPIES,
Interview von / interview by ANTONIA HOERSCHELMANN mit / with ANSELM
KIEFER, Gestaltung von / graphic design by KLAUS GÖLTZ
Ca. 160 S. / pp., ca. 71 Abb. / ills., 24 x 30 cm, Hardcover
Ca. € 39,80 [D], CHF48,60, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4100-2 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4101-9 (English)
März / March 2016
18
Wie kaum ein anderer deutscher Gegenwartskünstler
hat Anselm Kiefer sich mit der Geschichte seines Landes
auseinandergesetzt und im Kontext mit mythologischen,
religiösen und philosophischen Themen vieldeutige
Kunstwerke geschaffen. Subtile Schichtungen,
die abwechselnd überdecken und aufdecken,
die das Wissen über die unabdingbare
Verwandlung und Auflösung aller
Materie in sich tragen – monumental
und materialbezogen zugleich. Diese
grundlegenden Elemente prägen auch seine
Holzschnitte. Der Katalog zur gleichnamigen
Retrospektive der Albertina setzt sich nun
erstmals umfassend mit diesen grafischen
Arbeiten auseinander. Über 35 der
wichtigsten Bildzyklen und Themengruppen
veranschaulichen die Vielfalt, die es zu
entdecken gilt: von den ersten Werken –
auch in traditionellem Buchformat – über
die faszinierenden großformatigen Arbeiten
zum Thema Brunhilde: Grane und den Wegen
der Weltweisheit: Die Hermannsschlacht
bis hin zum Werkblock der Rhein-Bilder.
Unlike hardly any other contemporary German artist,
Anselm Kiefer has rendered the horrors of recent history and
created profound works of art with mythological, religious,
and philosophical themes. Subtle layers that alternately
cover as well as uncover one another; that contain the
knowledge of the inevitable transformation
and dissolution of all matter—monumental
and material-related at once. All of these
fundamental elements that also inform his
woodcuts. The catalogue accompanying
the retrospective of the same name at the
Albertina now thoroughly deals with these
for the first time. More than thirty-five major
works comprise the most important cycles
and thematic groups and demonstrate the
variety to be discovered: from the first works
also in the traditional book format and the
fascinating large-format works on the theme
Brunhilde: Grane, to the Ways of Worldly
Wisdom: Arminius’s Battle and the ensemble
of Rhine woodcuts.
19
H I GH LI GHTS
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Imposant und
weitreichend:
ein Überblick über
die dynamische
Entwicklung der
Skulptur von der
Moderne bis
zur Gegenwart
Imposing and
educational:
an overview of the
dynamic development
of sculpture from
the modern period
to the present
Ausgehend von Spätwerken Constantin Brancusis und
Alberto Giacomettis illustriert dieser einzigartige
Überblicksband die spannenden und vielschichtigen
Entwicklungen des sehr dynamischen Mediums der Skulptur.
Anhand ausgewählter Beispiele wird gezeigt, wie die
klassische Vorstellung und Form von Skulptur in Bewegung
geriet, abstrakter wurde, sich dem banalen Alltagsobjekt
annäherte, räumlich oder konzeptuell entgrenzte oder
auch in der Rückbesinnung auf die figurative Tradition
neu konstituierte. Die lange und hochkarätige Liste der
präsentierten Künstler in der Eröffnungsausstellung
des erweiterten Kunstmuseums Basel reicht von Pablo
Picasso, Henry Moore oder Alexander Calder bis zu Bruce
Nauman und Damien Hirst. Ein vielschichtiger Parcours
mit bedeutenden Leihgaben aus internationalen Museen
und Privatsammlungen sowie Sammlungswerken aus dem
Kunstmuseum Basel eröffnet ein dichtes, überaus reiches
Spannungsfeld.
Sculpture on the Move 1946–2016
Hrsg. / Ed. KU NSTMUSEUM BASEL, B ER N HAR D MEN DES BÜ RGI,
Texte von / texts by SIMON BAIER, BERNHARD MENDES BÜRGI,
MARKUS KLAMMER, MALIKA MASKARINEC, ANDREI POP u. a. / et al.,
Gestaltung von / graphic design by SOFIE’S KOMMUNIKATIONSDESIGN
Ca. 240 S. / pp., ca. 140 Abb. / ills., 20 x 26,5 cm, Hardcover
Ca. € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4070-8 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4071-5 (English)
April 2016
20
What new paths have sculptors opened up since the end
of World War II? Based on late works by Constantin Brancusi
and Alberto Giacometti, this unique comprehensive volume
illustrates the exciting and multifaceted developments
in this dynamic art form. It demonstrates how the classic
notion of form and sculpture was set in motion, became
more abstract, was brought closer to the ordinary everyday
object, dissolved spatial or conceptual boundaries, or even
reconstituted itself by returning to figurative traditions.
The long and top-class list of the artists being presented
ranges from Pablo Picasso, Henry Moore, and Jean Tinguely
to Franz West, Damien Hirst, and Monika Sosnowska. On the
basis of selected works from the Kunstmuseum Basel and
outstanding loans from international museums and private
collections, the tour opens up a dense, extremely rich
world of contrasts.
Die vorgestellten KÜNSTLER (Auswahl) /
Featured ARTISTS (selection):
Kunstmuseum Basel
19.4.–18.9.2016
Absalon, Carl Andre, Jean Arp, Max Bill, Louise Bourgeois,
Constantin Brancusi, Alexander Calder, John Chamberlain,
Eduardo Chillida, Peter Fischli und David Weiss, Katharina Fritsch,
Alberto Giacometti, Robert Gober, Duane Hanson, Eva Hesse,
Damien Hirst, Donald Judd, Mike Kelley, Jeff Koons, Mario Merz,
Henry Moore, Bruce Nauman, Claes Oldenburg, Gabriel Orozco,
Pablo Picasso, Charles Ray, Richard Serra, Monika Sosnowska,
David Smith, Jean Tinguely, Oscar Tuazon, Danh Vo, Franz West
H I GH LI GHTS
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Ein neues
Haus für die
Kunst von
Christ &
Gantenbein
A new
building
for art by
Christ &
Gantenbein
Kunstmuseum Basel, Neubau
Kunstmuseum Basel, New Building
Das Kunstmuseum Basel eröffnet im April 2016 seinen
Neubau und gewinnt damit rund ein Drittel an zusätzlicher
Ausstellungsfläche. Entworfen vom Architekturbüro Christ
& Gantenbein, steht das Gebäude ganz im Dienste der
Kunst – ein Solitär in seiner Erscheinungsform und doch
eng verbunden mit dem Kunstmuseum, sowohl formal
als auch durch einen unterirdischen Verbindungstrakt.
Mit dieser Publikation wird das Gebäude erstmals in
all seinen Facetten vorgestellt. In ausführlichen Texten
erläutern der Direktor des Kunstmuseums Basel, Bernhard
Mendes Bürgi, und der Architekt Emanuel Christ das
Konzept sowie inhaltliche und künstlerische Aspekte
dieses neuen Gebäudes; Mechtild Widrich betrachtet
es im allgemeinen Kontext der Museumsarchitektur.
Grundrisszeichnungen
und eine umfangreiche
Bebilderung
komplettieren
den Überblick.
In April 2016, the Kunstmuseum Basel is opening its new
building, increasing its exhibition space by approximately
two thirds. Designed by the architectural office Christ &
Gantenbein, the building is completely in the service of
art—solitary in its outward appearance, it is nevertheless
closely linked to the Kunstmuseum, both in formal terms as
well as by means of an underground connecting tract.
This publication introduces the building in all of its facets
for the first time. In extensive texts, the director of the
Kunstmuseum Basel, Bernhard Mendes Bürgi, and the
architect Emanuel Christ describe the concept as well
as the content-related and artistic aspects of this new
building; Mechtild Widrich looks at it in the general context
of museum architecture. Layout drawings and numerous
illustrations complete the overview.
GEÖFFNET AB /
OPEN STARTING:
19.4.2016
Hrsg. / Ed. Kunstmuseum Basel, BERNHARD MENDES BÜRGi,
Texte von / texts by BERNHARD MENDES BÜRGI, EMANUEL CHRIST,
MECHTILD WIDRICH, Fotografien von / photographs by STEFANO GRAZIANI,
Gestaltung von / graphic design by MARIE LUSA
Ca. € 29,80 [D], CHF 36,70, $45.00, £26.99
ISBN 978-3-7757-4090-6 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4091-3 (English)
April 2016
22
CHRIST & GANTENBEIN
Das Architekturbüro
The Basel-based
Christ & Gantenbein
architectural office
mit Sitz in Basel wurde
Christ & Gantenbein
1998 gegründet. Ihre
was founded in
Bauaufgaben reichen
1998. Their building
von Museumsbau
projects range from
bis hin zu Wohn- und
museums to residential
Bürobauten.
and office buildings.
23
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“To me the
most important
thing in
composition
is disparity. ”
– ALEXANDER CALDER
Fondation Beyeler,
Riehen/Basel
29.5. – 4.9.2016
In exemplarischer Weise haben der US-amerikanische
Künstler Alexander Calder (1898–1976) und die Schweizer
Künstler Peter Fischli (*1952) und David Weiss (1946–
2012) Formulierungen gefunden, einen Moment des
fragilen Gleichgewichts – einen zugleich prekären und
verheißungsvollen temporären Zustand – in ihrer Kunst
darzustellen. Mit Calders bahnbrechender Erfindung
des Mobiles in den frühen 1930er-Jahren und mit Fischli/
Weiss’ kreativer Zusammenarbeit, die 1979 begann,
verliehen die Künstler dem Thema der fragilen Balance eine
ikonische Form auf eine jeweils ganz andere Weise. Auf
den ersten Blick scheinen ihre Werke völlig unterschiedlich
zu sein, doch bei näherer Betrachtung erweisen sie sich als
zwei Seiten einer Medaille, als Ergebnis unterschiedlicher
Perspektiven auf das gleiche Thema zu verschiedenen
Zeiten. Dieser aufwendig gestaltete, reich bebilderte
Katalog gewährt mit seinen begleitenden Essays einen
umfassenden Einblick in beide Œuvres.
The American artist Alexander Calder (1898–1976)
and Swiss artists Peter Fischli (*1952) and David Weiss
(1946–2012) have sought and found quintessential ways
of rendering a moment of fragile balance in art—
a temporary state at once precarious and propitious.
With Calder’s groundbreaking invention of the mobile
in the early nineteen thirties, and Fischli/Weiss’s
collaborative creative work from 1979 onwards, these
artists each lent the theme of fragile balance an iconic
form of a very different kind. At first glance, both positions
could hardly be more different; later, however, they proved
to be two sides of the same coin, the result of different
perspectives on the same theme at different times.
The elaborately designed, richly illustrated catalogue with
accompanying essays provides extensive insight into
both oeuvres.
Alexander Calder & Fischli / Weiss
Hrsg. / Ed. FONDATION BEYELER, Riehen/Basel, THEODORA VISCHER,
Gestaltung von / graphic design by TEO SCHIFFERLI
Ca. 210 S. / pp., ca. 180 Abb. / ills., 24,5 x 30,5 cm, Hardcover
Ca. € 58,– [D], CHF 62,50, $ 85.00, £55.00
ISBN 978-3-7757-4126-2 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4127-9 (English)
Juni / June 2016
24
» Am Schönsten ist das Gleichgewicht,
kurz bevor’s zusammenbricht.« – F I S C H L I / W E I S S
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HI GH LI GHTS
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Kunst und
Künstler
in Bewegung
Art and artists
in motion
The Sense of Movement. When Artists Travel ist eine
reich bebilderte Zusammenstellung über Kunst und
Künstler in Bewegung. Die Publikation untersucht
die unterschiedlichen Beweggründe und Ziele von
Künstlerreisen im Laufe der Kunstgeschichte. Von langen
und oft beschwerlichen Reisen der Renaissancemaler,
die sich auf die Suche nach neuen Sujets und Mäzenen
machten, bis hin zu zeitgenössischen Künstlern, die sich –
immerzu in Bewegung – mittlerweile in einer globalisierten
Kunstwelt zurechtfinden. Der Zweck und die Bedeutung
des Reisens werden dabei von jeder Künstlergeneration
neu gestaltet. Anhand von 70 herausragenden Projekten,
mit aufschlussreichen Kommentaren und einer Fülle
von Farbabbildungen versehen, vermittelt diese Publikation
die Faszination und Bedeutung sowie Tragweite
von Künstlerreisen.
The Sense of Movement. When Artists Travel erscheint
anlässlich der BMW Art Journey, einer globalen
Kunstinitiative der Art Basel und von BMW, die Künstler
auf kreative Entdeckungsreisen schickt.
A richly illustrated compilation about art and artists in
motion, The Sense of Movement: When Artists Travel surveys
the countless motivations and destinations that have
defined the intersection of art and travel through art history.
From Renaissance painters’ lengthy and often arduous
journeys in search of new subjects and patrons, to today’s
constant movement of artists through a globalized art world,
the purpose and meaning of travel have been reconfigured
anew in the imaginations of each successive generation
of artists. Highlighting seventy iconic projects with insightful
commentary and an abundance of color illustrations,
this book conveys the excitement and meaning, as well as
the significance of artists’ journeys.
The Sense of Movement: When Artists Travel is published
on the occasion of the BMW Art Journey, the global
art initiative of Art Basel and BMW, which sends artists on
journeys of creative discovery.
ONLINE INTERVIEW:
The Sense of Movement
When Artists Travel
Hrsg. / Ed. BMW Group Munich, ANDRÁS SZÁNTÓ, Texte von / texts by
THOMAS GI RST, MARC SPI EGLER, U RSU LA STRÖB ELE,
LAWRENCE WESCHLER, Gestaltung von / graphic design by DORTEN
200 S. / pp., 90 Abb. / ills, 17,5 x 24 cm, Softcover
€ 29,80 [D], CHF 36,70, $45.00, £26.99
ISBN 978-3-7757-4065-4 (English)
Dezember / December 2015
26
“Artists have to
be willing
to go out there,
deep into reality,
in order to
bring the thing
back whole . ”
— L AW R E N C E W ES C H L E R
Die vorgestellten KÜNSTLER (Auswahl) /
The featured ARTISTS (selection):
Thomas Girst &
Cristina Steingräber
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Marina Abramović
Bas Jan Ader
Max Beckmann
Joseph Beuys
Sophie Calle
Paul Gauguin
Olafur Eliasson
Robert Frank
Paul Klee
Richard Long
August Macke
Ai Weiwei
27
H I GH LI GHTS
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Robert Longo im
Dialog mit
Meisterwerken
des Abstrakten
Expressionismus
Robert Longo in
a dialogue with
masterpieces
of Abstract
Expressionism
Im Mittelpunkt dieses Katalogs stehen Robert Longos
jüngste Serien von Kohlezeichnungen nach bekannten
Gemälden des Abstrakten Expressionismus. Die in Kohle
wiedergegebenen Originalgemälde lassen sich auf den
ersten Blick erkennen, doch es sind die übersehenen oder
kaum wahrnehmbaren Details der komplexen Oberfläche,
der Taktilität der Farbe, der Pinselstriche und des Musters
der Leinwand, die Longo bei seiner Übertragung von farbig
in schwarz-weiß, von Farbe in Kohle sichtbar gemacht hat.
Longos Zeichnungen befassen sich mit seiner ambivalenten
Haltung zur Malerei und mit der historischen Bedeutung
des Abstrakten Expressionismus in kunsthistorischen und
kulturellen Kontexten.
Neben den abstrakt-expressionistischen Zeichnungen
präsentiert das Buch Longos gewaltige 7-teilige Zeichnung
des Kapitols in Washington, D. C. und eine 5,18 Meter
hohe, mit Wachs beschichtete schwarze Skulptur der
amerikanischen Flagge, die zu Boden zu stürzen oder durch
ihn hindurchzufallen scheint.
Robert Longo
Text von / Text by ANDREW DURBIN,
Gestaltung von / graphic design by ÅBÄKE
Ca. € 48,– [D], CHF 58,60, $55.00, £45.00
ISBN 978-3-7757-4107-1 (English)
April 2016
28
Please find more
information at
Ebenfalls lieferbar / Also available
Robert Longo
Charcoal
ISBN 978-3-7757-3196-6 (English)
€ 78,– [D], CHF 95,20, $120.00, £70.00
Robert Longo
Stand
ISBN 978-3-7757-3814-9
(Deutsch, English)
Nur € 20,- statt € 35,€ 20,– [D], CHF 25,30, $30.00, £18.99
This catalogue focuses on Robert Longo’s recent series
of charcoal drawings of well-known Abstract Expressionist
paintings. Rendered in charcoal, the original paintings
are immediately recognizable, but it is the overlooked or
imperceptible details of the complex surface, the tactility
of the paint, the brushstrokes and the pattern of the
canvas that Longo has made visible in his translation from
color to black and white, paint to charcoal. Exploring his
ambivalence toward painting, Longo’s drawings address
the historical magnitude of Abstract Expressionism in art
historical and cultural contexts.
Along with the Abstract Expressionist drawings, the book
includes Longo’s enormous seven-panel drawing of
the U.S. Capitol building and a seventeen foot tall black
wax surfaced sculpture of an American flag that appears
to collapse into or fall through the floor.
29
H I GH LI GHTS
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Endlich wieder
lieferbar, jetzt als
Softcoverausgabe
Die bahnbrechenden
abstrakten Fotografien
des Turner-Preisträgers
Finally available
again, now as
a softcover edition
The ground-breaking
abstract photographs
by the Turner Prize
winner
Neben seinen stilbildenden Porträts, Partybildern und
Stillleben, mit denen er in den 1990er-Jahren bekannt
wurde, haben Wolfgang Tillmans (*1968 in Remscheid)
schon früh abstraktere Motive beschäftigt. In konsequenter
Weiterentwicklung entstanden im vergangenen Jahrzehnt
vollkommen ungegenständliche, Belichtungsprozess
und Bildträger thematisierende Arbeiten. Von den feinen
Farbschlieren der Blushes und Freischwimmer über die
Paper Drops, die gerolltes Fotopapier als skulpturales,
geheimnisvolles Objekt präsentieren, bis zu den farblich
fesselnden Arbeiten der Lighter-Serie wird das der
Abbildfunktion weitestgehend enthobene Foto selbst zum
Kunstobjekt, wie das vorliegende, vom Künstler selbst
gestaltete Buch eindrucksvoll demonstriert.
Apart from his seminal portraits, party images, and still
lifes that gained him recognition in the nineties, Wolfgang
Tillmans (*1968 in Remscheid) long ago began dealing
with more abstract motifs. In the past decade he has
consistently developed his approach to create totally
non-representational works that examine themes such
as the process of exposure and image supports. From the
delicate veils of color in Blushes and Freischwimmer or the
sculptural paper drops made of rolled-up photographic
paper, to the colorfully compelling works of the Lighter
series, the photograph itself—essentially divorced from
its reproductive function—becomes the objet d’art, as
the book here, designed by the artist himself, impressively
demonstrates.
Wolfgang Tillmans
Abstract Pictures
Texte von / Texts by DOMINIC EICHLER, WOLFGANG TILLMANS,
Gestaltung von / graphic design by WOLFGANG TILLMANS
384 S. / pp., 312 Abb. / ills., 29,7 x 27,5 cm, Softcover
€ 39,80 [D], CHF 48,60, $50.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4081-4
(Deutsch, English)
Lieferbar / Available
30
Please find more
information at
“I use whatever the photographic
medium offers to me to make
contemporary pictures.
I have yet to reach its limits . ”
– WO L F GA N G T I L L M A N S
31
Das neue
James-Bond-Archiv
von Taryn Simon
The new James
Bond archive
by Taryn Simon
1936 veröffentlichte ein amerikanischer Ornithologe
namens James Bond die maßgebliche Studie zur Vogelwelt
der Karibik. Ian Fleming, selbst begeisterter Vogelliebhaber,
übernahm den Namen für seinen Titelhelden. Er fand ihn
»flach und farblos«, passend für ein »anonymes … stumpfes
Werkzeug in den Händen einer Regierung«. Für Field Guide
to Birds of the West Indies schlüpft Taryn Simon (*1975)
in die Rolle des originalen James Bond und identifiziert,
fotografiert und klassifiziert jeden einzelnen Vogel in allen
24 James-Bond-Filmen. Viele davon tauchten ungeplant
auf und blieben unbemerkt – sie bilden lediglich eine Art
Hintergrundrauschen des Films, in den sie zufällig geflogen
waren. Simons ornithologische Entdeckungen finden in
einer Grauzone statt – einerseits innerhalb des James-BondUniversums, andererseits völlig außerhalb. Ihre Taxinomie
von 331 Vögeln ist somit die präzise Betrachtung einer
neuartigen Natur, vorgefunden in einer parallelen Realität.
In 1936, an American ornithologist named James Bond
published the definitive taxonomy Birds of the West Indies.
Ian Fleming, an active bird-watcher living in Jamaica,
appropriated the name for his novel’s lead character. He
found it “flat and colourless,” a fitting choice for a character
intended to be “anonymous . . . a blunt instrument in
the hands of the government.” Taryn Simon
Field Guide to Birds of the West Indies
Texte von / Texts by DANIEL BAUMANN, NICO BAUMBACH,
Gestaltung von / graphic design by JOSEPH LOGAN, TARYN SIMON
Ca. 636 S. / pp., ca. 367 Abb. / ills., 19,2 x 29 cm, Hardcover
Ca. € 78,– [D], CHF 95,20, $120.00, £70.00
ISBN 978-3-7757-4092-0 (English)
In Field Guide to Birds of the West Indies, Taryn Simon
(*1975) casts herself as James Bond (1900–1989) the
ornithologist, and identifies, photographs, and classifies
all the birds that appear within the twenty-four films
of the James Bond franchise. The appearance of many of
the birds was unplanned and virtually undetected, operating
as background noise for whatever set they happened to
fly into. Simon’s ornithological discoveries occupy a liminal
space—confined within the fiction of the James Bond
universe and yet wholly separate from it. This taxonomy of
331 birds is a precise consideration of a new nature found
in an alternate reality.
33
H I GH LI GHTS
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B EI DE BÄN DE VON DER KÜ NSTLER I N SIGN I ERT!
Nur 300 Exemplare!
Signiert und nummeriert im Schuber oder in der Edition Gerd Hatje
mit originalen Fotoabzügen der Künstlerin
B OTH VOLUMES HAVE B EEN SIGN ED BY TH E ARTIST!
Only 300 copies!
Signed and numbered in a slipcase or in the Edition Gerd Hatje
with original photographic prints by the artist
AN INVENTORY
WOMEN,
WEAPONS, AND
VEHICLES FROM
OF THE
Taryn Simon
Taryn Simon
An American Index of the Hidden and Unfamiliar
Contraband
ISBN 978-3-7757-3506-3
ISBN 978-3-7757-3971-9
Taryn Simon ist eine der
renommiertesten zeitgenössischen Fotokünstlerinnen
mit Einzelausstellungen in der
ganzen Welt, unter anderem
in der Nationalgalerie in Berlin,
im Jeu de Paume in Paris.
Ihre künstlerische Praxis
beinhaltet ausgiebige Recherchen;
ihre Projekte verbindet ein
ausgeprägtes Interesse an
Kategorisierungen und
Klassifizierungen. Folgende
oben vorgestellte Publikationen
sind derzeit bei uns erhältlich.
34
JAMES
BOND
Taryn Simon
Birds of the West Indies
ISBN 978-3-7757-3663-3
Taryn Simon is one of the
most prestigious contemporary
photographic artists
with solo exhibitions across
the world. From the Neue
Nationalgalerie in Berlin
to Jeu de Paume in Paris and
many more. Her artistic practice
includes extensive research;
her projects combine a keen
interest in categorizations and
classifications. The following
publications listed above are
presently available through us.
Taryn Simon
Set aus / Set containing:
Birds of the West Indies
Field Guide to Birds of the West Indies
Ca. 1076 S. / pp, ca. 577 Abb. / ills., 20,5 x 29,7 cm,
Set aus 2 Bänden / set of 2 volumes,
in Schuber in Lederoptik / in leatherlike slipcase
Please find more
information at
Ca. € 350,– [D], CHF 427,00, $315.00, £525.00
ISBN 978-3-7757-4140-8 (English)
HI GH LI GHTS
www.hatjecantz.de
»Wer das vergisst,
was während der
faschistischen
Zeit geschah, der
kann gezwungen
sein, das Geschehene
wieder erleben
zu müssen .«
– A DA M KÖ N I G
Stefan Hanke
KZ überlebt
Texte von / Texts by STEFAN HANKE,
Jeder neue Tag barg für Stefan Hanke (*1961 in Regensburg)
die Gefahr, einen Menschen weniger kennenlernen
zu können, der eine der größten Katastrophen der
Menschheitsgeschichte überlebt hat, die in Europa
je stattgefunden haben. Beinahe elf Jahre reiste der
Fotograf für sein Projekt Tausende von Kilometern, um
die letzten Überlebenden der nationalsozialistischen
Konzentrationslager zu treffen. Bei diesen intensiven
Begegnungen entstanden Aufnahmen, die uns
Geschichte(n) äußerst reflektiert näherbringen. So traf
Hanke auf die polnische Schriftstellerin Zofia Posmysz am
Morgen nach ihrer Verleihung des Bundesverdienstkreuzes
in einer Baracke des ehemaligen Frauenlagers AuschwitzBirkenau. Den Prager Pavel Stránský hingegen fotografierte
er im Nürnberger Justizpalast, wo sich von 1945 bis
1949 die führenden Vertreter des NS-Regimes vor
Gericht verantworten mussten. Hankes Bilder sind keine
Dokumentationen, sondern Interpretationen dieser
bewegenden Begegnungen.
For Stefan Hanke (*1961 in Regensburg), each new day
harbored the danger of being able to meet one less person
who had survived one of the greatest disasters in the
history of humankind to occur in Europe. For his project,
the photographer traveled thousands of kilometers in order
to meet the last survivors of National Socialist concentration
camps. Photographs were created during these intense
encounters that relate stories and give us an understanding
of history in a highly insightful way. Hanke met with the
Polish writer Zofia Posmysz the morning after she received
The Order of Merit of the Federal Republic of Germany
in a barrack at the former women’s concentration camp in
Auschwitz-Birkenau. And he took pictures of the Praguer
Pavel Stránský in the Nuremberg Palace of Justice, where
the leading representatives of the Nazi regime stood
trial between 1945 and 1949. Hanke’s photographs do not
have documentary character but are instead interpretations
of these gripping encounters.
Gestaltung von / graphic design by ANDREAS PLATZGUMMER
Ca. € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4020-3 (Deutsch)
März / March 2016
AUSSTELLUNGEN / EXHIBITIONS:
Dokumentationszentrum Reichsparteitagsgelände Nürnberg, Juli / July–Oktober / October 2016
Gedenkstätte Theresienstadt, Tschechien, April–Juli / July 2016
Gedenkstätte Auschwitz / Birkenau, Polen, Januar / January–Februar / February 2017
Kunst-und Gewerbeverein e.V. Regensburg, 25.3.–30.4.2017
SOWIE WEITERE STATIONEN / AND FURTHER VENUES
36
37
POTSDAMER BAHNHOF / STRESEMANNSTRASSE
52° 30’ 29,67’’ N, 13° 22’ 39,49’’ 0
52.50824183, 13.37763548
BArch, DVH 60 Bild-GR35-08-049 bis 057 /
ohne Angaben
[POTSDAMER BAHNHOF, 20.15 Uhr]
Einer der Posten wird von zwei Männern mit Katapulten beschossen. Er bleibt unverletzt.
[POTSDAMER BAHNHOF STATION, 8.15 p.m.]
One of the sentries is shot by two men with catapults. He is not injured.
Die zweibändige,
erweiterte Neuausgabe
des vielfach rezensierten
Buches Aus anderer Sicht
The new, two-volume,
expanded editon
of the much-reviewed
book The Other View
Inventarisierung der Macht
Taking Stock of Power
Die Berliner Mauer aus anderer Sicht / An Other View of the Berlin Wall
Hrsg. / Ed. ARWED MESSMER, ANNETT GRÖSCHNER, Texte von / texts by GREG BOND,
OLAF BRIESE, FLORIAN EBNER, MATTHIAS FLÜGGE, ANNETT GRÖSCHNER,
ARWED MESSMER, Gestaltung von / graphic design by CARSTEN EISFELD
Gefördert durch die /
Funded by the
Ca. 1100 S. / pp., ca. 1450 Abb. / ills., 21 x 29,7 cm, Hardcover,
2 Bände, in Schuber / 2 volumes, in slipcase
Ca. € 98,– [D], CHF 116,60, $150.00, £90.00
ISBN 978-3-7757-4095-1
In unserem kollektiven Gedächtnis ist die Berliner Mauer
ein Band aus Beton. 1966 aber bildeten Hausmauern,
Zementplatten, Drahtzäune und Stacheldrahtverhaue
die Grenze. Dieser frühen Berliner Mauer widmen sich der
Fotograf Arwed Messmer und die Schriftstellerin Annett
Gröschner in ihrem Langzeitprojekt. Ausgangsmaterial
waren Fotografien, die von den DDR-Grenztruppen
angefertigt wurden. In ihrem preisgekrönten
Vorgängerband präsentierten die Autoren den
innerstädtischen Mauerstreifen. 2012 stießen sie auf
ein weiteres, ebenso umfangreiches Bildkonvolut. In
der neuen zweibändigen Ausgabe zeigen sie nun mit rund
700 Panoramen aus 3000 Einzelbildern den gesamten
Verlauf der Mauer um Westberlin. Ergänzt werden die
Panoramen durch weiteres bearbeitetes Material aus
dem Bundesarchiv. So vollendet sich ein Projekt von
»dokumentarischer Empathie« (Florian Ebner), von dem
der Fotokritiker Gerry Badger sagte, ihm gelänge es,
»die Interpretation historischer Fakten in einem kreativen
Akt in ein künstlerisches Werk zu verwandeln«.
In our collective memory, the Berlin Wall is a monolithic
concrete barrier, but back in 1966 it was a motley ensemble
of the walls of buildings, concrete and cement slabs, and
barbed-wire mesh. Photographer Arwed Messmer and
author Annett Gröschner have embarked on a long-term
project on this “early Berlin Wall,” based on thousands of
historical photographs taken by East German border troops.
Their first award-winning book presented the inner-city
border strip. In 2012 they came across another extensive
collection of hitherto unknown photographs. In a new
two-volume edition with around seven hundred panoramas
compiled from three thousand single images, Messmer
and Gröschner now present the entire circumference of the
Wall around West Berlin. The panoramas are supplemented
by additional material from the German Federal Archives.
This completes a project of “documentary empathy”
(Florian Ebner), which photo critic Gerry Badger saw as
“transforming the interpretation of historical facts into
a work of art in a creative act.”
und die / and the
(Deutsch, English)
Mai / May 2016
Haus am Kleistpark, Berlin
26.5.–13.8.2016
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Schön und so
beunruhigend:
Fotografien
der reichsten 1%
unseres Planeten
Beautiful but
troubling:
photographs of
the wealthiest 1%
on our planet
Sich einfach mal im Infinity Pool auf der Dachterrasse des
57-stöckigen Marina Bay Sands Hotels treiben lassen und
das Hintergrundrauschen aus Singapurs beeindruckendem
Hochhausmeer genießen. Oder nach einer ausgedehnten
Ballonfahrt über Kenias Wildparks auf einer privaten
Champagnerparty in Empfang genommen werden. Die
aufwendigen Vergnügungen des reichsten Prozents der
Erdbevölkerung stehen im extremen Gegensatz zum Leben
der restlichen 99 Prozent. Die sich immer weiter öffnende
Schere in Bildern zu beschreiben und nachdrücklich vor
Augen zu halten, ist eine Herausforderung, der sich Nina
Berman, Peter Bialobrzeski, Guillaume Bonn, Mikhael
Subotzky und viele weitere Fotografen stellen. Der Band
versammelt ihre Arbeiten, um der Diskrepanz der
unterschiedlichen Lebensverhältnisse in krassen Kontrasten
eine visuelle Evidenz zu verleihen, die ebenso faszinierend
wie schockierend sein kann.
1% Privilege in a Time of Global Inequality
Hrsg. / Ed. Myles Little, Texte von / texts by GEOFF DYER, JOSEPH STIGLITZ,
Gestaltung von / graphic design by JULIA WAGNER, grafikanstalt
80 S. / pp., ca. 50 Abb. / ills., 29,2 x 29,2 cm, Hardcover
Ca. € 35,– [D], CHF 42,70, $55.00, £32.50
ISBN 978-3-7757-4094-4 (English)
“These photographs
vividly capture some
of the symptoms of
this worldwide disease,
and highlight the
imperative to combat it.”
– J OS E P H ST I G L I T Z ,
N O B E L L AU R E AT E
To be able to simply drift in the infinity pool on the
roof terrace of the fifty-seven-floor Marina Bay Sands
Hotel, while in the background you can enjoy the urban
soundscape of Singapore’s imposing sea of high-rises.
Or to be personally welcomed to a private champagne
party after an extended hot-air balloon ride over the Kenyan
wilderness. The extravagant pleasures of the wealthiest
one percent of the earth’s population represent an extreme
contrast to those of the remaining ninety-nine. Describing
the gaping disparities in images is a challenge that has been
taken up by Nina Berman, Peter Bialobrzeski, Guillaume
Bonn, Mikhael Subotzky, and many others photographers.
The volume assembles their works for the purpose of
lending visual evidence to the blatant discrepancy between
people’s living conditions, which can be as fascinating as
it is shocking.
Umfangreiche
Ausstellungsübersicht auf /
Extensive exhibition overview at
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H I GH LI GHTS
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“L agosPhoto is more than just
an exhibition for a month.
We’re building a growing
community in this superenergetic and frenetic city.
That’s how to create alchemy
so that magic can happen.”
– A Z U N WAG B O G U
Der erste
Überblicksband
zur kreativen
Fotoszene
Afrikas
The first survey
of Africa’s creative
photography
scene
Africa Under the Prism
Contemporary African Photography from LagosPhoto Festival
Texte von / Texts by JOSEPH GERGEL, CHIMAMANDA NGOZI ADICHIE,
AZU NWAGBOGU, MARC PRÜST, SAHARA GROUP
488 S. / pp., 382 Abb. / ills., 21 x 29,7 cm, Softcover
€ 45,– [D], CHF 54,90, $55.00, £40.00
ISBN 978-3-7757-4088-3 (English)
42
Mit rund 17 Millionen Einwohnern ist Lagos, die ehemalige
Hauptstadt Nigerias, nicht nur die größte Stadt Afrikas,
sondern auch eine der bevölkerungsreichsten der Welt. In
dieser Metropole voller Gegensätze und Widersprüche führt
das rasante Bevölkerungswachstum zu infrastrukturellen
Herausforderungen, bewirkt aber auch schnelle Fortschritte
im Bereich der Kreativwirtschaft. Technologie, Fotografie
und neue Medien spielen dabei eine wichtige Rolle.
In Lagos, diesem lebhaften Zentrum Westafrikas, wurde
2010 das erste und bis dato einzige internationale
Fotofestival Nigerias ins Leben gerufen. Eine Plattform,
auf der die Entwicklung zeitgenössischer Fotografie aus
Afrika sowie aus einer größeren Community basiert und
gefördert wird. Wie die Bilder beweisen, sprühen Afrikas
Geschichten vor Lebendigkeit, Lebenslust und Dynamik, die
jeglichen Afropessimismus von sich weisen, dafür aber den
Fortschritt des Landes deutlich unterstreichen.
With a population of nearly seventeen million, Lagos, the
former capital of Nigeria, is not only the largest city in Africa
but also one of the most densely populated cities in the
world. Full of contrasts and contradictions, the enormous
increase in population leads to challenges in infrastructure
and yet rapid advancements in creative industries. A
silent social reawakening is emerging with photography,
technology, and new media playing significant roles.
The first and, to date, only international art festival of
photography in Nigeria, LagosPhoto Festival was initiated
in 2010 in this richly vibrant center. A platform on which the
development of contemporary photography from Africa and
a wider community is established and fostered.
As testified to by the images, their African stories are
bubbling over with vitality, a zest for life, and the dynamics
that deny those proponents of Afropessimism, clearly
underscoring a sense for the continent’s progress.
43
H I GH LI GHTS
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»›Migropolis‹ ist ein
Augenöffner. Belehrender,
umfassender, gebildeter
als in dieser Arbeit ist
zeitgenössische Kunst
selten geworden.«
–T H O M AS ST E I N F E L D,
Süddeutsche Zeitung
(zur Erstausgabe)
Jetzt wieder
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Aktueller denn
je: Migropolis!
Now available
again
More relevant
than ever:
Migropolis!
Migropolis
Venice / Atlas of a Global Situation
Von / By WOLFGANG SCHEPPE, IUAV Class on Politics of Representation,
Essays von / essays by GIORGIO AGAMBEN, VALERIA BURGIO,
WOLFGANG SCHEPPE
1344 S. / pp., 2.078 Abb. / ills., 158 Diagrammdarstellungen / 158 notational systems,
17 x 29 cm, Softcover, 2 Bände mit Banderole / 2 volumes with banderole
Ca. € 58,– [D], CHF 70,80, $85.00, £55.00
ISBN 978-3-7757-4111-8 (English)
44
Seit ihrem Erscheinen hat die durch den Philosophen
Wolfgang Scheppe an der Universität für Architektur
in Venedig (IUAV) unternommene vierjährige Studie
zur globalisierten Stadt den Rang eines Standardwerks
erreicht. Das komplex strukturierte zweibändige Buch
betrachtet Venedig als exemplarischen Fall von
Urbanität unter der Herrschaft der Globalisierung.
In ihr kreuzen sich die Bewegungsmuster der Migration
und des Tourismus. Die breit angelegte Arbeit erlaubt
durch Dokumentationen situationistischer »dérives«,
bildkritische Datenvisualisierungen und vielschichtige
Kartografien ein Eintauchen in die Stadt bis hinunter
auf eine geradezu mikroskopische Ebene. Tausende von
Fotos wechseln sich ab mit individuellen Fallstudien zu
illegalen Immigranten wie zu Vergnügungsreisenden. Ein
Schwerpunkt liegt auf den Konflikten des Ausschlusses, die
vom Grenzregime Europas oder der durch die europäische
Gesetzgebung ebenso erzwungenen wie kriminalisierten
Schattenwirtschaft hervorgebracht werden. In
solchen Widersprüchen liegen die Gründe
für das Zerbrechen des metropolen
Zusammenhangs in die zweigeteilte
Dual City. Die gegenwärtige Debatte zur
Fluchtbewegung aus den Schlachtfeldern
der westlichen Allianzen und den von der
globalisierten Wirtschaft pauperisierten
Zonen der Welt findet hier eine einzigartig
materialreiche Grundlage.
»Aktuell gibt es
keinen besseren
Gegenwartsreport,
als diesen quantitativ
und qualitativ hoch
kompakten ›Atlas einer
globalen Situation‹.«
–THOMAS HUMMITZSCH, taz
(zur Erstausgabe)
Since its publication, the four-year study on the globalized
city conducted by the philosopher Wolfgang Scheppe at
the Università Iuav de Venizia has achieved the status of
being a standard reference. The intricately structured twovolume book, in which the movement patterns of migration
and tourism intersect, looks at Venice as an exemplary
case of urbanity under the control of globalization. By
means of the documentation of Situationist dérives, critical
tools for data visualization and multilayered maps, the
broadly conceived work permits immersing oneself in
the city almost down to a microscopic layer. Thousands
of photographs alternate with individual case studies on
illegal immigrants as well as people on pleasure trips. One
focus is on the conflicts of exclusion, which are brought
about by Europe’s border regimes or by the shadow
economy both compelled and criminalized by European
legislation. The reasons for the break-up of the metropolitan
context into a split “dual city” lie
in such contradictions. The
publication provides a unique
and comprehensive basis for the
current debate on the refugee
movement from the battlefields
of Western alliances and the
zones of the world that have
been pauperized by the globalized
economy.Migropolis
45
H I GH LI GHTS
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Faszinierende
Utopie der Stadt
im Wandel
Fascinating
urban utopia in
a state of flux
“O ur social model will
be . . . f undamentally
different from preceding
models; it will also be
qualitatively superior.”
– CO N STA N T N I E U W E N H U YS
Constant
New Babylon
Interview mit / Interview with REM KOOLHAAS,
Texte von / texts by CONSTANT, TRUDY NIEUWENHUYS,
LAURA STAMPS, WILLEMIJN STOKVIS, MARK WIGLEY
Ca. € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4134-7 (English)
Eine offene Stadt ohne Grenzen, die sich in alle
Richtungen auszudehnen vermag, um ihren Bewohnern
eine ebenso freie wie flexible Entfaltung zu erlauben.
Diese faszinierende Utopie eines architektonischen und
lebensweltlichen Wachsens bildete den Ausgangspunkt für
Constants (1920–2005) lebensumspannendem
Projekt: New Babylon. Der niederländische Maler und
Mitbegründer der Künstlergruppe COBRA arbeitete
zwischen 1956 und 1974 an zahlreichen Modellen,
Gemälden, Zeichnungen und Collagen, um seine Vision der
nomadischen Stadt der Zukunft darzustellen. Der Katalog
betrachtet nicht nur die architektonischen Aspekte, sondern
erfasst diese als das Gesamtwerk eines Künstlers. Neben
seinen Modellen, Zeichnungen und Collagen wird auch
den Entwürfen ein wichtiger Platz eingeräumt, um den
künstlerischen Schaffensprozess nachzuzeichnen. Damit
gewährt der Band einen tiefgreifenden Einblick, nicht nur
in eine utopische Stadtplanung, sondern vielmehr in eine
spezielle Art des Denkens und Imaginierens.
An open city without borders that is capable of flowing out
in all directions to allow its residents to develop as freely
as they do flexibly. This fascinating utopia of architectural
and lifeworld growth forms the starting point of Constant’s
(1920–2005) lifelong project: New Babylon. Between 1956
and 1974, the Dutch painter and co-founder of the avantgarde movement COBRA worked on numerous models,
paintings, drawings, and collages for the purpose of
depicting his vision of the nomadic city of the future. The
catalogue focuses not only on the architectural aspects
but embraces them as an artist’s synthesis of the arts.
Besides his models, drawings, and collages, attention
is also given to the designs in order to trace the creative
artistic process. This not only provides extensive insight into
utopian urban planning, but to a greater degree into a mode
of thought and imagination.
Mai / May 2016
Gemeentemuseum Den Haag / The Hague
46
28.5.–2.10.2016
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Das Phänomen
Shopping Mall
The phenomenon
of the
shopping mall
Der Katalog World of Malls widmet sich einem Bautyp, der
vor knapp 60 Jahren in den Vereinigten Staaten erfunden
wurde und sich schnell weltweit verbreitete. Durch
die zunehmende Ausrichtung des Städtebaus auf den
Autoverkehr wurde die Mall zu einem Ersatzraum für
verlorene Urbanität. Doch wohin geht die Entwicklung der
Shopping Mall heute? Auf der einen Seite gibt es weiterhin
spektakuläre Neueröffnungen in Amerika, Asien, den
Vereinigten Arabischen Emiraten und Europa. Zugleich stehen
aber auch viele Malls leer, und einige werden umgebaut und
umgenutzt. Kaum ein anderer Bautyp wird so kontrovers
diskutiert: Bringt die Shopping Mall nun den Tod der Stadt
oder fördert sie eher deren Wiederbelebung? Stadtplaner,
Ökonomen und Architekturhistoriker wie Anette Baldauf,
Robert Bruegmann, Dietrich Erben, Richard Longstreth,
World of Malls
Architektur des Konsums
Architecture of Consumption
Hrsg. / Ed. ANDRES LEPIK und / and VERA SIMONE BADER,
Texte von / texts by ANETTE BALDAUF, REGINA BITTNER, SETARGEW KENAW,
RICHARD LONGSTRETH, JUNE WILLIAMSON u. a. / et al.
Ca. 272 S. / pp., ca. 210 Abb. / ills., 19,5 x 22,5 cm, Softcover
Ca. € 45,– [D], CHF 54,90, $70.00, £40.00
ISBN 978-3-7757-4138-5 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4139-2 (English)
Juni / June 2016
48
Alain Thierstein, June Williamson und Sophie Wolfrum
untersuchen in ihren Aufsätzen die Transformationsprozesse
der Shopping Mall vom 20. zum 21. Jahrhundert.
The catalogue World of Malls is devoted to a type of building
that was invented in the United States just less than sixty
years ago and quickly spread throughout the world.
Due to urban planning’s increasing orientation toward the
automobile, the mall became a substitute for lost urbanity.
Yet what direction is the development of the shopping
mall taking today? On the one hand, there continue to be
spectacular new openings in America, Asia, the United
Arab Emirates, and Europe. At the same time, however,
many malls are empty, and some are being converted and
repurposed. There is hardly any other building typology that
is being discussed as controversially: does the shopping
mall mean the death of the city, or does it stimulate its
revitalization? In their essays, urban planners, economists,
and architectural historians such as Anette Baldauf, Bob
Bruegmann, Dietrich Erben, Richard Longstreth, Alain
Thierstein, June Williamson, and Sophie Wolfrum examine
the transformation processes of the shopping mall from
the twentieth to the twenty-first century.
“B uy, buy, says the sign
in the shop window;
Why, why, says
the junk in the yard.”
13.7.–22.10.2016
– PAU L M CC A RT N E Y
AUSSTELLUNG /
EXHIBITION:
Architekturmuseum
der TU München
in der Pinakothek
der Moderne
49
H I GH LI GHTS
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The Little Moving Bookshop:
Personalities geht
auf Deutschland-Tour!
In unserem mobilen
Ape-Buchladen
reist das Buch nach
Frankfurt, Hamburg
und Berlin. Dort
treffen wir Freunde
und Freunde von
Freunden.
In Personalities öffnen uns Menschen die Türen zu ihrer ganz
persönlichen, unmittelbaren Umgebung: ihrem Zuhause
und dem Ort ihres Schaffens. So unterschiedlich sie sind,
verbindet sie doch alle etwas ganz Besonderes: die USM
Möbelbausysteme. Wir begeben uns auf eine Reise in ihre
Lebenswelten und lassen uns die Geschichten hinter den
Möbelstücken erzählen – jedes so individuell wie ihr Besitzer.
Während die Stories der Personalities das Herzstück des
Buches bilden, ergänzen namhafte Fachautoren das Thema
»Persönlichkeit« um eine psychologische und soziologische
Perspektive.
Wir machen einen Ausflug in die Persönlichkeitspsychologie,
werfen einen Blick in Richtung Populärkultur und
betrachten Persönlichkeit schließlich im Spannungsfeld
zwischen Haben und Sein, zwischen materieller Kultur
und Lifestyle. Die Diversität der Porträtierten spiegelt
sich in der Vielfalt der begleitenden Essays wider, die auf
unterhaltsame und überraschende Weise die Facetten rund
um den Begriff der Persönlichkeit aufzeigen.
Personalities
Hrsg. / Ed. USM U. SCHÄRER SÖHNE GmbH, Bühl, Texte von / texts by MICHAEL OBERT,
CRAIG SCHUFTAN, ANNA SINOFZIK, LAURA STORFNER u. a. / et al.,
Gespräche mit / conversations with JON AYLING, ANDREAS ERNST, FLORIAN
HOLZHERR, ULI MAYER-JOHANSSEN, KELLY ROBINSON, ANKA ZIEFER u. a. / et al.,
Gestaltung von / graphic design by FREUNDE VON FREUNDEN
192 S. / pp., 120 Abb. / ills, 22,4 x 32 cm, Leinen / clothbound
€ 38,– [D], CHF 46,40, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4080-7
(Deutsch, English)
50
In Personalities, people open doors into their very personal
immediate surroundings: their homes and spaces of
creative work. As different as they are, what connects them
is something very special: the USM modular furniture
system. We set out on a journey into their lifeworlds and
let them tell the stories behind the pieces of furniture—
each one as individual as their owners. While the stories
constitute the heart of Personalities, well-known specialist
authors supplement the subject of “personality” with a
psychological and sociological perspective.
We take a trip into personality psychology, cast a glance in
the direction of popular culture, and ultimately take a look at
personality in the field of tension between having and being,
between material culture and lifestyle. The diversity of those
portrayed is reflected in the variety of the accompanying
essays, which call attention to the facets around the concept
of personality in an entertaining and unexpected way.
»Persönlichkeit ist
für mich ein
Mensch mit Ecken
und Kanten ...«
–ALE X ANDER SCHÄRER ,
Verwaltungsratpräsident US M
51
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Eine Auswahl unserer schönsten
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Blow-Up
Antonionis Filmklassiker und die Fotografie
Der Voyeurismus der Kamera: Vanessa Redgrave,
Veruschka und Jane Birkin im Swinging London
The voyeurism of the camera: Vanessa Redgrave,
Veruschka, and Jane Birkin in Swinging London
€ 9,95 [D], CHF 13,30, $15.00, £8.99
ISBN 978-3-7757-3736-4 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-3737-1 (English)
Nur € 9,95 statt € 35,00
Paul Gauguin
Hilma af Klint
Metamorphosen
Eine Pionierin der Abstraktion /
A Pioneer of Abstraction
Alle Facetten des großen
Malers in einem Band
All facets of the great
painter in one volume
248 S. / pp., 222 Abb. / ills., 23,7 x 27,4 cm,
Einblicke in andere
Dimensionen der Existenz
Insights into different
dimensions of existence
Was ist Kunst? /
What Is Art?
27 Fragen. 27 Antworten /
27 Questions. 27 Answers
Für junge Leser und Erwachsene
For young readers and adults
€ 7,95 [D], CHF 10,90, $15.00, £7.99
€ 19,95 [D], CHF 25,30, $30.00, £17,99
ISBN 978-3-7757-3526-1 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-3488-2 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-3527-8 (English)
Nur € 19,95 statt € 49,80
Nur € 19,95 statt € 39,80
Nur € 7,95 statt € 16,80
Hardcover
€ 19,95 [D], CHF 25,30, $30.00, £17,99
ISBN 978-3-7757-3811-8 (Deutsch)
1914 – Welt in Farbe
Farbfotografie vor dem Krieg
Gregory Crewdson
Beneath the Roses. Werke 2003–2007
Für alle Fans der irritierenden
Fotoinszenierungen
52
Dem Vergessen entrissen und neu entdeckt: frühe
Farbfotografien aus dem Archiv der Medienpioniere Albert
Kahn, Sergej M. Prokudin-Gorskii und Adolf Miethe
For all fans of staged photographs
Wrenched from oblivion and rediscovered:
early color photographs from the archive of media pioneers
Albert Kahn, Sergej M. Prokudin-Gorskii, and Adolf Miethe
140 S. / pp., 128 Abb. / ills., 30 x 41,2 cm, Hardcover
144 S. / pp., 101 Abb. / ills., 24,3 x 28 cm, Softcover
€ 29,95 [D] CHF 36,80, $45.00, £26.99
€ 9,95 [D], CHF 13,30, $15.00, £8.99
ISBN 978-3-7757-2173-8 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-3644-2 (Deutsch)
Nur € 29,95 statt € 58,00
Nur € 9,95 statt € 24,80
53
Sp e c i a l -P r i ce
Maria Sibylla Merian
Künstlerin und Naturforscherin 1647-1717
Die erste zusammenfassende
Monografie zum Œuvre Maria
Sibylla Merians
The first comprehensive
monograph on the work of Maria
Sibylla Merian
Frida Kahlo
Dramatisch, exotisch
und schön: Ein Mythos wird
neu beleuchtet.
Dramatic, exotic, and
beautiful: a new light is
cast on a myth
www.hatjecantz.de
Allen Jones
Fotorealismus
Verner Panton
Matteo Thun
Off the Wall
50 Jahre hyperrealistische Malerei
Spiegel-Kantine
The Index Book
Zum 75. Geburtstag 2012: eine
umfangreiche Monografie über den
britischen Pop-Art-Künstler
So schön kann die Realität sein:
fotorealistische Meisterstücke
aus fünf Jahrzehnten
Verner Pantons Gesamtkunstwerk:
die SPIEGEL-Kantine, eine Orgie
in Orange, Rot und Lila
Architektur und Produktdesign von
Matteo Thun – von seinen frühesten
Arbeiten bis heute, von A bis Z
In celebration of the artist’s seventyfifth birthday in 2012: an extensive
monograph on the British Pop artist
How beautiful reality can be:
five decades of photorealistic
masterpieces
Verner Panton’s synthesis of the
arts: the SPIEGEL cafeteria, an
orgy of orange, red, and purple
Matteo Thun’s architecture and
product design. From his earliest to
his most recent works, from A to Z
€ 9,95 [D], CHF 13,30, $15.00, £8.99
236 S. / pp., 200 Abb. / ills., 20,7 x 27,5 cm,
200 S. / pp., 91 Abb. / ills.,
112 S. / pp., 104 farbige Abb. / ills.,
368 S. / pp., 321 Abb. / ills.,
€ 19,95 [D], CHF 25,30, $30.00, £17.99
ISBN 978-3-7757-3606-0 (Deutsch)
Hardcover, € 19,95 [D], CHF 25,30, $30.00, £17.99
26,2 x 28 cm, Softcover
22,5 x 24,6 cm, Hardcover
23,9 x 28,9 cm, Softcover
ISBN 978-3-7757-3500-1 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-3607-7 (English)
ISBN 978-3-7757-3348-9 (Deutsch)
€ 19,95 [D], CHF 25,30, $30.00, £17.99
€ 14,95 [D], CHF 19,40, $25.00, £13.99
€ 19,95 [D], CHF 25,30, $30.00, £17.99
ISBN 978-3-7757-3532-2 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-3321-2 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-3499-8 (Deutsch, English, Italian)
Nur € 19,95 statt € 35,00
Nur € 14,95 statt € 29,80
Nur € 19,95 statt € 45,00
Nur € 19,95 statt € 68,00
»Ein ausführlich
kommentierter
und prachtvoll
gestalteter
Katalog.«
– D I E Z E I T
(zu Ferdinand
Hodler)
54
Nur € 9,95 statt € 19,80
Nur € 19,95 statt € 35,00
Ferdinand Hodler
Chagall
Meister der Moderne
Die erste große Übersicht über Hodlers
Spätwerk der Jahre 1913 bis 1918
Die Anfänge und das frühe Schaffen
des wegweisenden Avantgardisten
The first extensive overview of Hodler’s
late works from the years 1913 to 1918
The early days and work of the
pioneering avant-garde painter
€ 24,95 [D], CHF 31,60, $40.00, £22.99
€ 19,95 [D], CHF 25,30, $30.00, £17.99
ISBN 978-3-7757-3378-6 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-3464-6 (Deutsch)
Nur € 24,95 statt € 49,80
Nur € 19,95 statt € 39,80
»Ein Universalkünstler, dessen
Welttheater
sich eine
melancholische
Naivität bewahrt.«
– D EUTSCHL ANDFUNK
(zu Chagall)
55
Sp e c i a l -P r i ce
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Andreas Feininger
Arno Schmidt als Fotograf
Kevin Erskine
Mars
Lucien Clergue
Roman Bezjak
Ein Fotografenleben 1906–1999
Entwicklung eines Bildbewusstseins
Supercell
Eine fotografische Entdeckung
Brasilia
Sozialistische Moderne
Ein Werk in seiner schwarz-weißen
Geradlinigkeit und Schlichtheit –
eines Experten unter den Experten
Eindrucksvolle Schwarz-Weißund Farbaufnahmen des
bedeutenden Schriftstellers
Faszinierend und
atemberaubend: großformatige
Unwetter-Aufnahmen
Deutscher Fotobuchpreis
in Gold: spektakuläre Aufnahmen
vom Mars
Hommage an die Grandseigneurs
– der Architekt Oscar Niemeyer
und der Fotograf Lucien Clergue
Ausgezeichnet mit dem
internationalen DAM Architectural
Book Award
A work full of austere blackandwhite lines and simplicity—
from the expert among experts
Striking black-and-white and
color photographs by the
distinguished author
Fascinating and breathtaking
large-format photographs
of severe weather
German Photo Book Award
in Gold: spectacular photographs
of Mars
Homage to the grand seigneurs—
architect Oscar Niemeyer and
photographer Lucien Clergue
Awarded with the international
DAM Architectural Book Award
272 S. / pp., 151 Abb. / ills.,
€ 24,95 [D], CHF 31,60, $40.00, £22.99
€ 29,95 [D], CHF 36,80, $45.00, £26.99
ISBN 978-3-7757-3550-6 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-3713-5 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-3313-7 (English)
Nur € 29,95 statt € 78,00
Nur € 24,95 statt € 48,00
192 S. / pp., 105 farbige Abb. / ills., 28,5 x 38,5 cm, Hardcover
€ 14,95 [D], CHF 19,40, $25.00, £13.99
€ 9,95 [D], CHF 13,30, $15.00, £8.99
€ 29,95 [D], CHF 36,80, $45.00, £26.99
ISBN 978-3-7757-2704-4 (Deutsch, English)
ISBN 978-3-7757-3209-3 (English)
Nur € 14,95 statt € 29,80
»Ron Galella:
Paparazzo
Extraordinaire! –
König der
Paparazzi«
– FEM
56
Nur € 9,95 statt € 29,80
Nur € 29,95 statt € 78,00
Ron Galella
Peter Bialobrzeski
Paparazzo Extraordinaire!
Raw and Cooked
Ron Galella – der ungekrönte
König der Paparazzi
Spektakuläre Bilder aus aller Welt:
eine Auswahl seiner besten Fotos
Ron Galella—the uncrowned
king of the paparazzi
Spectacular images from around the
world: some of his best photographs
200 S. / pp., 104 Abb. / ills., 19,6 x 21,7 cm,
Softcover mit Goldschnitt / gilt-edged
€ 14,95 [D], CHF 19,40, $25.00, £13.99
€ 29,95 [D] CHF 36,80, $45.00, £26.99
Nur € 14,95 statt € 29,80
Nur € 29,95 statt € 68,00
€ 19,95 [D] CHF 25,30, $30.00, £17.99
Nur € 19,95 statt € 39,80
» G roßstadtdschungel,
Vision oder
Wirklichkeit?«
– DIE ZEIT
(zu Peter
Bialobrzeski)
57
H I GH LI GHTS
58
www.hatjecantz.de
Liebe Leserinnen und Leser,
Dear Readers,
finden Sie hier eine Auswahl von Themenschwerpunkten aus unserem
Programm, die das Verlagsteam für Sie zusammengestellt hat. Die Themen
ermöglichen neue Lesarten, lösen die einzelnen Publikation aus
singulären Deutungsmöglichkeiten heraus und erzählen große und
vielfältige Geschichten im neuen Kontext.
Here the spotlight is on a selection of books from our program that
has been assembled for you by the publishing team. The themes
open up the individual publications to reinterpretation and tell great
and myriad stories in a new context.
HANNE DARBOVEN, Unbändig, 2015, ISBN 978-3-7757-4018-0 (Deutsch),
Boundless, ISBN 978-3-7757-4019-7 (English)
59
TH EMEN / THE MES
Künstlerinnen / Female Artists
www.hatjecantz.de
Wie die Kunstgeschichte
jahrhundertelang quasi ohne
den weiblichen Blick auskam,
ist uns noch immer ein Rätsel.
Wir freuen uns, ausgewählte
Publikationen über herausragende
Künstlerinnen zu präsentieren.
Without Restraint. Werke mexikanischer Künstlerinnen aus der Daros
Latinamerica Collection / Works by Female Artists from the Daros Latinamerica
Collection, 2016, Deutsch, ISBN 978-3-7757-4104-0 (English) Juni / June 2016
How the history of art got along
for centuries quasi without
the female perspective remains
a great mystery to us.
MEXIKANISCHE KÜNSTLERINNEN
STELLEN DIE MACHTFRAGE
Teresa Serrano, Ximena Cuevas, Betsabeé Romero, Teresa
Margolles, Claudia Fernández, Melanie Smith und Maruch
Sántiz Gómez präsentieren ihre Lebenswelt in dezidiert
weiblicher Sicht und antworten auf internationale künstlerische
Strömungen mit ganz eigenen Ansätzen.
We are pleased to present selected
publications on outstanding
female artists.
FASZINIEREND
ANDROGYN
»Hannes Leben verlief so
von Obsessionen getrieben,
wie ihre monumentalen
Werke entstanden. Dabei
baute sie sich ihre ganz
eigene Welt. Die einzige,
die je für sie geschaffen war.«
– CARL ANDRE
MEXICAN FEMALE ARTISTS POSE
THE QUESTION OF POWER
Cindy Sherman, ISBN 978-3-7757-3960-3 (Deutsch, English)
CINDY SHERMAN, Untitled Horrors, ISBN 978-3-7757-3486-8 (Deutsch),
ISBN 978-3-7757-3487-5 (English); CINDY SHERMAN, Das Frühwerk
1975–1977. Catalogue Raisonné, ISBN 978-3-7757-2980-2 (Deutsch)
Teresa Serrano, Ximena Cuevas, Betsabeé Romero, Teresa
Margolles, Claudia Fernández, Melanie Smith, and Maruch
Sántiz Gómez present their living environment from a
decidedly female point of view and respond with completely
unique approaches to international artistic movements.
BRUCH DER STEREOTYPE
»Jeder denkt, dass es Selbstporträts sind, aber das ist
nicht meine Absicht. Ich nehme mich als Modell, weil ich
weiß, dass ich mich selbst zum Äußersten treiben und
so jede Aufnahme so hässlich, albern oder verrückt wie
möglich machen kann.« – CINDY SHERMAN
FASCINATINGLY ANDROGYNOUS
BREACH OF STEREOTYPES
“Hanne’s life was so driven by obsession while she was
creating her monumental works. She was in the
process of building her own personal world. The only
world that was ever created for her.” —CARL ANDRE
“Everyone thinks these are self-portraits but they aren’t
meant to be. I just use myself as a model because I know
I can push myself to extremes, make each shot as ugly or
goofy or silly as possible.” —CINDY SHERMAN
LOUISE BOURGEOIS, I Have Been to Hell and Back,
ISBN 978-3-7757-3970-2 (English)
LOUISE BOURGEOIS, The Spider and the Tapestries,
ISBN 978-3-7757-3997-9 (English)
»WOZU? ICH BIN EINE FRAU.«
– so antwortete Louise Bourgeois auf die Frage, ob sie
Feministin sei. Wir freuen uns sehr, zwei großartige
Publikationen der mit dem weltweit höchstdotierten
Kunstpreis, dem Praemium Imperiale, ausgezeichneten
Künstlerin im Programm zu haben.
“WHAT FOR? I AM A WOMAN.”
—replied Louise Bourgeois to the question of whether
she was a feminist. We are delighted to have in our program
two great publications on the artist honored with the world’s
most highly remunerated art prize, the Praemium Imperiale.
HAPPY BIRTHDAY, MY LADY!
Wir gratulieren der Grande Dame der Video- und
Performancekunst Joan Jonas zum 80. Geburtstag!
SICHTBARES UND
UNSICHTBARES
HAPPY BIRTHDAY, MY LADY!
We wish the grande dame of video and performance
art Joan Jonas a happy 80th birthday!
»Floyer vermeidet das Erhabene und
bevorzugt das Prosaische.«
VISIBLE AND
INVISIBLE
“Floyer avoids the sublime and the
prefers the prosaic.”
MARK GODFREY,
S. / p. 158
60
CEAL FLOYER, A Handbook, ISBN 978-3-7757-4077-7 (Deutsch, English)
JOAN JONAS, The Work of Joan Jonas. In the Shadow a Shadow,
ISBN 978-3-7757-3961-0 (English); JOAN JONAS, They Come to Us without
a Word. United States Pavilion 56th International Art Exhibition, Venice,
ISBN 978-3-7757-4051-7 (English)
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61
TH EMEN / THE MES
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Unterwegs / En Route
Reisen, Suchen, Ankommen –
wir freuen uns, ausgewählte
Künstlerpublikationen einer
mobilen Generation zu
präsentieren, die sich durch
Raum und Zeit bewegt.
Traveling, searching, arriving—
we are pleased to present
selected artist publications of
a mobile generation, one that
moves through time and space.
ROADTRIP
TO HOPE
Der sonst für stille Dokumentationen
bekannte Markus Henttonen
nimmt uns mit auf einen Roadtrip
durch die Vereinigten Staaten, in
der sich Langeweile und Exzess
Gute Nacht sagen.
ROADTRIP
TO HOPE
Markus Henttonen is known for
his quiet photo documentation.
This time he takes us on a
roadtrip through the US where
boredom and excess exist side by side.
MARKUS HENTTONEN, Twisted Tales Road to Hope,
»MIR GEHT ES UM
ENTSCHLEUNIGUNG«
BILDER EINER
VERSCHÜTTETEN LIEBE
The Sense of Movement. When Artists Travel,
ISBN 978-3-7757-4065-4 (English)
ZWECK UND BEDEUTUNG
DES REISENS
Lange bevor das Kunstatelier erfunden wurde, waren es vor
allem Reisen, auf denen Künstler nach neuen Sujets
und Auftraggebern suchten: auf Wanderungen, in Kutschen
und Eisenbahnen. In Flugzeugen jetten zeitgenössische
Künstler umher, immer zu in Bewegung, um sich in
der internationalen Kunstwelt zurechtzufinden und zu
vernetzen. Eine Hommage an die Künstlerreise!
Durch das wirtschaftliche Brachland Rumänien führt die Reise
vorbei an zerfallenen Fabriken und bröckelnden Denkmälern
einer sogenannten kommunistischen Zeit, hinein in
unberührte Landschaften und Regionen, in denen Bauerntum
und Traditionen mit der Geburt weitergegeben werden. Als
letzter Augenzeuge tritt der Ungar Tamas Dezso dieser rasch
verschwindenden Welt entgegen.
A journey leads through Romania’s economic wasteland, past
collapsed factories and crumbling monuments of the so-called
communist era into pristine landscapes and regions in which
rural customs and traditions live on, passed from generation
to generation. Hungarian Tamas Dezso encounters this vanishing
world as a last eyewitness.
Borders do not exist in the mobile society. They are difficult
to set. A burnout caused artist Jeppe Hein to experience
the dissolution of mind and body. We are all the more
happy that he has recovered and is presenting his first
extensive retrospective, with which we invite you on a
journey to yourself.
JEPPE HEIN, This Way, 2015, ISBN 978-3-7757-4084-5 (Deutsch)
»TODAY IS MONDAY, SO
THIS MUST BE ZURICH.«
Long before the studio was founded, artists were on the
move searching for subjects and patrons—on foot, by horse
and buggy, and by train. Contemporary artists jet
around the world, always in motion, to find a way and
remain connected in this international art world.
A tribute to the artist’s journey!
– TA M A S D E ZS O
“FOR ME IT IS ABOUT
DECELERATION”
PICTURES OF A BURIED LOVE
PURPOSE AND SENSE
OF TRAVELING
»Wenn jemand klingelt
bleiben wir ruhig,
als wären wir nicht da.«
Grenzen existieren in der mobilen Gesellschaft nicht. Sie zu
setzen fällt schwer. Mit einer Burn-Out-Erkrankung hat
Jeppe Hein die Entgrenzung seines eigenen Körper erfahren.
Umso mehr freuen wir uns, dass der dänische Bildhauer
und Installationskünstler genesen ist, und präsentieren seine
erstmals umfassende Werkschau, mit der wir Sie auf eine
Reise zu sich selbst einladen!
Der renommierte Fotograf Chien-Chi Chang
gibt dem Reisen in der globalisierten Welt,
in der menschliche Nähe eher zufällig passiert,
ein lakonisch-humoristisches Antlitz.
“TODAY IS MONDAY, SO
THIS MUST BE ZURICH.”
The renowned photographer Chien-Chi Chang
gives a laconic, humorist face to traveling
in a globalized world, where human contact
happens more by chance.
TAMAS DEZSO, Notes for an Epilogue, 2015,
ISBN 978-3-7757-4048-7 (English)
CHIEN-CHI CHENG, Jet Lag, 2015,
ISBN 978-3-7757-4025-8 (English)
63
MICHAEL MÜLLER S. / p. 89
BERNHARD LEITNER S. / p. 82
DER KÜNSTLERNACHLASS / THE ARTIST ESTATE S. / p. 81
WOLFSBURG UNLIMITED S. / p. 70
VALENTIN CARRON S. / p. 86
CEAL FLOYER S. / p. 73
LYNN HERSHMAN LEESON S. / p. 77
BASIM MAGDY S. / p. 79
LE CORBUSIER S. / p. 93
Kunst /A
rt
WITHOUT RESTRAINT S. / p. 72
AUF DER SUCHE NACH 0,10 S. / p. 92
KU N ST / ART
www.hatjecantz.de
Hölzerne Meisterwerke aus dem 16. bis 20. Jahrhundert.
Berührend und gespenstisch-schön!
Masterpieces made of wood from the sixteenth
to the twentieth centures. Touching and eerily beautiful!
Dieses Künstlerbuch vermittelt auf
vielschichtige Weise die Differenz, Diversität
und Gruppendynamik, die sich in Ydessa
Hendeles’ Installation From Her Wooden Sleep …
verbirgt. Im Zentrum der Ausstellung am
Londoner Institute of Contemporary Arts steht
eine einzigartige Gesellschaft, bestehend
aus 150 hölzernen Künstlermanikins. Aus
den Jahren 1520 bis 1930 stammend und von
Handflächen- bis zu Lebensgröße reichend,
umgeben sie eine einzelne Figur, auf die sie
ihren kollektiven Blick richten. Dieses Szenario
bildet den Rahmen für Hendeles’ neueste
Untersuchung psychologisch aufgeladener
Artefakte. Berühmt für ihre großräumigen,
ortsspezifischen kuratorischen Kompositionen,
verbindet Hendeles Kunstwerke, Artefakte
und Fundstücke als individuelles Kunstwerk
zu einer transzendentalen Erfahrung. Der von
ihr herausgegebene und mit Anmerkungen
versehene Bildband bietet Zugang zu dem
Werk einer Künstlerin, die bereits einen festen
Platz in der Gegenwartskunst einnimmt.
Ydessa Hendeles
From Her Wooden Sleep . . .
Hrsg. / Ed. WAYNE GOODING, Texte von / texts by YDESSA
HENDELES, Gestaltung von / graphic design by LISA KISS DESIGN
Ca. 480 S. / pp., ca. 312 Abb. / ills., 23,5 x 30,5 cm, Leinen / clothbound
Ca. € 65,– [D], CHF 79,30, $100.00, £60.00
ISBN 978-3-7757-4103-3 (English)
68
“After all, the work
is not about
me, it is about
everyone. We
are wired both
to generalise
and discriminate.
Human beings
need to relate.
No one can
be isolated from
the crowd.”
– Y D ES S A H E N D E L ES
This artist’s book interprets From Her Wooden
Sleep …, artist-curator Ydessa Hendeles’s
multilayered meditation on difference, diversity,
and group dynamics. Central to the show
inspired by and mounted at London’s Institute
of Contemporary Arts is a unique community
of 150 wooden artists’ manikins, dating from
1520 to 1930 and in scale from palm-size
to life-size, surrounding a lone figure exposed
to their collective gaze. This scenario is the
framework for Hendeles’s latest exploration
of psychologically charged cultural artifacts.
Renowned for large-scale, site-specific
curatorial compositions, Hendeles integrates
artworks, artifacts, and found objects to
precipitate a transcendent experience as an
individual work of art. This book of images,
curated by Hendeles and presented with
her notes, provides access to the work of an
artist who has carved a distinctive space
in contemporary art.
69
KU N ST / ART
www.hatjecantz.de
Potenziale einer Stadt – künstlerische
Perspektiven auf Wolfsburg
A city’s potential—artistic perspectives
on Wolfsburg
»In keiner Stadt habe ich die
Geschichte der BRD derart
verdichtet […] vorgefunden.«
– C H R I ST I A N P E T ZO L D
Was ist eine Stadt? Oder besser noch: Was
kann eine Stadt sein? Diese Frage hat der
neue Direktor des Kunstmuseums Wolfsburg
Ralf Beil nicht nur sich, sondern auch einem
Kreis ausgewählter Künstler vorgelegt, um
potenzielle Entgrenzungen, Metamorphosen
und Umdeutungen Wolfsburgs zu erkunden.
Der Katalog versammelt die Ergebnisse dieses
schöpferischen Experimentierens, das sich
nicht auf den musealen Raum beschränkt,
sondern die ganze Stadt als Inspirationsquelle
für Interventionen nutzt. Eigens für die
Ausstellung entstehen groß angelegte
Künstlerprojekte wie eine Totalinstallation
von Julian Rosefeldt, Performances von
John Bock, aber auch Fotoarbeiten von
Eva Leitolf und Peter Bialobrzeski. Die weit
ausgreifenden und vielgestaltigen Arbeiten
spiegeln nicht nur Geschichte und Gegenwart,
sondern auch die Zukunft einer Stadt
zwischen Industrialisierung, Mobilisierung
und Digitalisierung, zwischen Masse und
Individuum, lokaler und globaler Aktion.
Wolfsburg Unlimited
Eine Stadt als Weltlabor
Hrsg. / Ed. RALF BEIL, Texte von / texts by RALF BEIL, PETER
BIALOBRZESKI, JOHN BOCK, MANFRED GRIEGER, CHRISTIANE
HEUWINKEL, ALEXANDER KRAUS, EVA LEITOLF u. a. / et al.,
Gestaltung von / graphic design by KOMA AMOK
Ca. € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4129-3 (Deutsch)
April 2016
Die beteiligten KÜNSTLER / The participating ARTISTS:
Franz Ackermann, Nevin Aladag, Christian Andersson, Ruedi Baur /
Vera Baur, Peter Bialobrzeski, John Bock, Janet Cardiff / George
Bures Miller, Don Eddy, Douglas Gordon, Heinrich Heidersberger,
Peter Keetman, Anselm Kiefer, Eva Leitolf, Rémy Markowitsch,
Arnold Odermatt, Peter Roehr, Didier Rittener,
Julian Rosefeldt, Luc Tuymans, James Welling
What is a city? Or even better: what can a city
be? The new director of the Kunstmuseum
Wolfsburg, Ralf Beil, not only asked himself
this question but also presented it to a circle of
selected artists for the purpose of exploring the
potential dissolution of Wolfsburg’s boundaries,
its metamorphosis, and its reinterpretation.
The catalogue assembles the results of this
creative experiment, which is not only confined
to museum space but uses the entire city
as a source of inspiration for interventions.
Major artists’ projects are being developed
specifically for the exhibition, such as a total
installation by Julian Rosefeldt, performances
by John Bock, or photographs by Eva Leitolf
and Peter Bialobrzeski. The expansive and
multiform works reflect not only the history
and the present but also the future of a city
between industrialization, mobilization, and
digitalization, between mass and individual,
local and global action.
Kunstmuseum Wolfsburg
70
24.4.–11.9.2016
Kunst als soziales Werkzeug für den
kulturübergreifenden Austausch
Art as a social tool for
cross-cultural exchange
Wo geht es lang? Täglich legen wir bewusst
und unbewusst zahlreiche Wege zurück –
nicht nur kleinere und größere Distanzen,
sondern auch innere Wege. Sowohl die Werke
als auch die Inszenierung des dänischen
Künstlers Jeppe Hein (*1974) im Kunstmuseum
Wolfsburg beschäftigen sich damit. In einem
Labyrinth aus Räumen, Wegen, Kreuzungen
und Plätzen trifft der Besucher nicht nur auf
die minimalistischen, kinetischen und sozial
ausgerichteten Werke, sondern wird auch
von neuen und ortsspezifischen Arbeiten
überrascht. Seit dem Burnout des Künstlers im
Dezember 2009 hat sich sein Materialspektrum
erweitert: Klang, Resonanz, Stille, Duft oder
Atem prägen neue Arbeiten und machen
die Auseinandersetzung mit fernöstlichen
Philosophien und Praktiken wie Buddhismus,
Yoga und Meditation spürbar. So persönlich
wie sein Aquarell-Tagebuch in der Ausstellung
ist auch der Katalog. In einem sehr offenen
Gespräch des Künstlers mit der Kuratorin Uta
Ruhkamp sowie den Essays von Finn Janning
und Peter Høeg wird nicht nur der Künstler,
sondern auch die Person Jeppe Hein greifbar.
Which way do I go? We consciously and
unconsciously travel numerous distances every
day—not only shorter and longer distances,
but inner ones as well. Both the works and
the stagings by the Danish artist Jeppe Hein
(*1974) at the Kunstmuseum Wolfsburg address
this theme. In a labyrinth of spaces, paths,
intersections, and squares, visitors not only
encounter the minimalistally, kinetically, and
socially oriented works but are also surprised by
new and site-specific works. After his burnout
in December 2009, he expanded his spectrum
of material: sound, resonance, silence, scents,
or breath characterize his new works and
reflect his examination of Eastern philosophies
and practices such as Buddhism, yoga, and
meditation. The catalogue is also as personal as
his watercolor journal in the exhibition. Jeppe
Hein becomes palpable as both an artist and
a person in a very open conversation with the
curator Uta Ruhkamp as well as in essays by
Finn Janning and Peter Høeg.
Kunstmuseum Wolfsburg
15.11.2015–13.3.2016
Jeppe Hein
This Way
Hrsg. / Ed. RALF BEIL, UTA RUHKAMP, Vorwort von / foreword by
RALF BEIL, Texte von / texts by LISA GROLIG, PETER HØEG,
FINN JANNING, HARTMUT ROSA, UTA RUHKAMP
200 S. / pp., 100 Abb. / ills., 24 x 34 cm, Leinen / clothbound
€ 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4084-5 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4085-2 (English)
»Ich brauche
keinen Porsche.
Ich bin der
Porsche.«
– J E P P E H E I N
KU N ST / ART
AUSSTELLUNGEN /
EXHIBITIONS:
Mexikanische Künstlerinnen: ein subversiver
Blick auf berührende Arbeiten des
lateinamerikanischen Konzeptualismus
Kunstmuseum Bonn
29.10.2015–10.1.2016
Aargauer Kunsthaus, Aarau
19.1.–10.4.2016
Female Mexican artists: a subversive view at
touching works of Latin American Conceptualism
Künstlerinnen in Mexiko präsentieren ihre
Lebenswelt aus dezidiert weiblicher Sicht und
antworten auf internationale künstlerische
Strömungen mit ganz eigenen Ansätzen:
Arbeiten von Teresa Serrano (*1936), Ximena
Cuevas (*1963), Betsabeé Romero (*1963),
Teresa Margolles (*1963), Claudia Fernández
(*1965), Melanie Smith (*1965) und Maruch
Sántiz Gómez (*1975) bilden den Kern dieser
Publikation. Die Fotografien, Videos, Objekte
und Installationen aus dem Bestand der Daros
Latinamerica Collection in Zürich werfen einen
subversiven Blick auf die nationale Identität
Mexikos. So stellen die Arbeiten herrschende
Machthierarchien und die Frauen zugeordneten
traditionellen Funktionen sowie ihre sozialen
Räume innerhalb der mexikanischen
Gesellschaft infrage. Dabei erfährt die
scheinbare Banalität alltäglicher Dinge und
Aktionen – sowohl im häuslich-privaten als auch
im urban-öffentlichen Bereich –eine neue, tiefere
Bedeutung und teils ironische Brechung.
Without Restraint
Werke mexikanischer Künstlerinnen aus der
Daros Latinamerica Collection
Hrsg. / Ed. VALENTINA LOCATELLI, Kunstmuseum Bern,
Texte von / texts by MATTHIAS FREHNER, HANS-MICHAEL
HERZOG, VALENTINA LOCATELLI, ALMA RUIZ,
Gestaltung von / graphic design by GABRIELE SABOLEWSKI
Ca. € 35,– [D], CHF 42,70, $55.00, £32.50
Juni / June 2016
Women artists in Mexico present their lifeworld
from a decidedly female point of view and
respond to international artistic movements
with very different approaches: works by
Teresa Serrano (*1936), Ximena Cuevas (*1963),
Betsabeé Romero (*1963), Teresa Margolles
(*1963), Claudia Fernández (*1965), Melanie
Smith (*1965), and Maruch Sántiz Gómez (*1975)
constitute the core of this publication. The
photographs, videos, objects, and installations
from the holdings of the Daros Latinamerica
Collection in Zurich take a subversive look
at Mexico’s national identity. The works call
prevailing hierarchies of power into question,
including their associated traditional functions
as well as the social spaces of women within
Mexican society. The apparent banality of
everyday things and actions—both in the
domestic-private as well as the urban-public
sphere—experiences new, deeper meaning and
is in part ironically broken.
Kunstmuseum Bern
72
3.6.–23.10.2016
So leicht kann Nachdenklichkeit sein
Thoughtfulness can be so simple
Wer das erste Mal vor Ceal Floyers Arbeiten
steht, mag zunächst verwundert, schließlich
begeistert sein. Äußerst durchdacht spielt
die Künstlerin (*1968) mit gewohnten
Wahrnehmungsmustern, durchbricht sie
mit feinster Ironie und einfachsten Mitteln.
Ihre Werke sind produktive Irritationen,
die mit eigener Logik einen offenen Prozess
des Sehens und Denkens motivieren. So führt
sie uns bereits mit der Arbeit Light Switch (1992)
buchstäblich hinters Licht und zeigt an einer
Stelle des Raumes, an der sich ein Lichtschalter
befinden könnte, das Lichtbild eines
Lichtschalters. Lichtillusionen von Täuschung
und Enttäuschung, die sich auch in späteren
Werken wie der Overhead Projection (2006)
wiederfinden. Hier scheint eine Glühbirne
von der Decke des Raumes zu hängen, die in
Wirklichkeit auf der Fläche des aufgestellten
Overheadprojektors liegt. Erstmals werden
in dieser Publikation 63 von Ceal Floyer selbst
ausgewählte Werke systematisch dokumentiert.
Mark Godfrey und Sergio Edelsztein, zwei
ausgewiesene Kenner ihrer Kunst, sowie Tacita
Dean als Künstlerkollegin und Freundin setzen
sich mit ihrem Werk auseinander und regen uns
zum Nachdenken an.
Those who experience the oeuvre of Ceal
Floyer (*1968) for the first time may initially be
surprised and ultimately delighted. She plays
with conventional patterns of perception in a
highly sophisticated way, piercing through them
with a keen sense of irony and the simplest
of means. Her works are productive irritations
whose inherent logic prompts an open process
of seeing and thinking. With her work Light
Switch (1992) she hoodwinks us by showing us
the photograph of a light switch at a place in
the room where one might be located. Light
illusions of deception and disappointment
also turn up in later works such as Overhead
Projection (2006). In this case, a light bulb
seems to be suspended from the ceiling of the
space that in reality is lying on the projection
stage of an overhead projector. This is the first
publication to systematically document sixtythree works selected by the artist herself. Mark
Godfrey and Sergio Edelsztein—two established
authorities on Ceal Floyer’s art—and fellow
artist and friend Tacita Dean examine her
oeuvre and inspire us to reflect on it.
Ceal Floyer
A Handbook
Hrsg. / Ed. SUSANNE KÜPER, Texte von / texts by TACITA DEAN,
SERGIO EDELSZTEIN, MARK GODFREY, Gestaltung von /
graphic design by YVONNE QUIRMBACH
Ca. € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00
73
KU N ST / ART
Ein Muss für jeden, der sich für finnische
Kunstgeschichte und Kunst interessiert!
Wenn Kunst den Nerv einer Generation trifft:
einziger lieferbarer Werküberblick zu Kati Heck
A must-have for anyone interested in art
history and the stories of Finnish art!
Please find more information at
Das Kunstmuseum Ateneum – das meist
besuchte Museum Finnlands – beherbergt
die älteste und größte Kunstsammlung
des Landes. In diesem neuen, wunderbar
illustrierten Buch wird die Sammlung aus
einem sozialgeschichtlichen Blickwinkel heraus
betrachtet: Wie haben sich historische und
politische Ereignisse auf die Kunst und die
Künstler sowie auf die Museumsarbeit und die
Erwerbungen für die Sammlung ausgewirkt?
Beginnend im Jahr 1809, setzt sich der Gang
durch die Geschichte bis in die 1970er-Jahre
fort. Darüber hinaus wird die Historie
des Ateneum-Gebäudes selbst behandelt,
das seit 127 Jahren das Zentrum der finnischen
Kunstszene ist – nicht nur als Heimstätte
von Sammlungen, sondern auch zwei
bedeutender Schulen.
Der Katalog umfasst 16 thematische Artikel von
Museumsfachleuten und fünf Kurzgeschichten
zeitgenössischer finnischer Autoren.
The Ateneum Art Museum—the most
frequently visited museum in the country—
holds Finland’s oldest and largest art collection.
This new beautifully illustrated book looks at
the collection through a social lens, addressing
how historical and political events have
influenced art and artists as well as museum
work and acquisitions for the collection.
Starting with the year 1809, the storylines run
through to the seventies. In addition, it covers
the story of the Ateneum building itself as
the center of the Finnish art scene for the last
127 years, not only the home of collections
but also of two significant art schools.
The catalogue offers readers sixteen newly
commissioned thematic articles written
by museum specialists along with five short
stories by contemporary Finnish authors.
Stories of Finnish Art
The New Ateneum Guide
Hrsg. / Ed. ATENEUM ART MUSEUM / Finnish National
Gallery, SUSANNA PETTERSSON, Texte von / texts by ERKKI
ANTTONEN, TIMO HUUSKO, MARITTA MELLAIS, RIITTA
OJANPERÄ, HANNA-LEENA PALOPOSKi u. a. / et al., Gestaltung
von / graphic design by MARIA APPELBERG/Station MIR
Ca. 248 S., ca. 250 Abb., 14 x 22 cm, Softcover
Ca. € 25,– [D], CHF 31,60, $40.00, £22.99
ISBN 978-3-7757-4135-4 (English)
ISBN 978-3-7757-4136-1 (Swedish)
ISBN 978-3-7757-4137-8 (Finnish)
März / March 2016
Ateneum / Finnish
National Gallery,
Neueröffnung / New opening:
When art strikes a chord with a generation:
the only available overview of Kati Heck’s works
In der Malerei von Kati Heck (*1979
in Düsseldorf) leuchten der deutsche
Expressionismus und die Neue Sachlichkeit
auf. Ihre monumentalen Bilder bestechen
zudem durch einen humorvollen Stilmix aus
fotorealistisch dargestellten Figuren und
zeichnerischen Elementen. Einzelne Partien
der collagenhaft wirkenden Arbeiten
sind akribisch ausgemalt, andere wiederum
nur summarisch ausgeführt. Wie Robert
Rauschenberg fügt Heck überdies nicht
traditionelle Materialien und alltägliche
Gegenstände zu höchst ungewöhnlichen
Bildschöpfungen zusammen. »Deutlich und
überzeugend stellt sie permanent die Kunst
der Malerei infrage«, kommentierte Jan Hoet
ihr Schaffen. Dieser Band zu Kati Heck
stellt vornehmlich das malerische Werk einer
der interessantesten aufstrebenden
Künstlerinnen der Gegenwart vor.
German Expressionism and New Objectivity
shine forth in the paintings by Kati Heck (*1979
in Düsseldorf). Her monumental paintings
impress viewers with their humorous blend
of styles, consisting of photorealistic figures
together with graphic elements. Some sections
of the collage-like works are meticulously
painted in, while others are quickly executed.
Like Robert Rauschenberg, Heck joins
nontraditional materials and everyday objects
to develop highly unusual pictorial creations.
“She clearly, convincingly, and permanently
questions the art of painting,” says Jan Hoet
about her oeuvre. The volume on Kati Heck
focuses primarily on the painting of one of the
most interesting aspiring artists of today.
Kati Heck
Texte von / Texts by WOODY ALLEN, ANN DEMEESTER,
JAN HOET, LUC TUYMANS im Gespräch mit /
in conversation with KATI HECK
144 S. / pp., ca. 82 Abb. / ills., 24,7 x 29 cm, Hardcover
Ca. € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00
“To hell with all
definitive Ideologies!”
– K AT I H E C K
14.3.2016
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75
KU N ST / ART
www.hatjecantz.de
Die erste umfassende Monografie des
internationalen Stars der Medienkunst
Kaleidoscopic inner world:
the new cycle of films by M+M
The first extensive monograph of the
international star of media art
Der alltägliche Wahnsinn: Wir begleiten den
Protagonisten des Filmzyklus 7 Tage von M+M
durch eine Woche. Die nach den Wochentagen
benannten Zweikanal-Installationen des
Künstlerduos führen direkt in die Abgründe
einer wechselhaften Psyche. Der österreichische
Schauspieler Christoph Luser verkörpert
die ambivalente, teils melancholisch, teils
bedrohlich wirkende Hauptfigur, die höchst
gegensätzlichen Situationen ausgesetzt
ist. Jeder Tag lehnt sich dabei an eine
Schlüsselszene der Filmgeschichte an, wie etwa
aus The Shining oder Saturday Night Fever.
Das Künstlerduo M+M – Marc Weis und Martin
De Mattia – ist bekannt für seine begehbaren,
selbst inszenierten und höchst intensiven
Filminstallationen, die narrative Möglichkeiten
sowohl der Kunst als auch des Kinos erweitern
und gleichzeitig die Linearität der Erzählung
vollkommen auflösen. M+M hinterfragen dabei
Konzepte der Identität vor dem Hintergrund
einer radikal veränderten Zeitwahrnehmung.
Ihr neuer, groß angelegter Zyklus 7 Tage
entstand in einem Zeitraum von 7 Jahren und
wird in der gleichnamigen Ausstellungstour
2015 erstmals vollständig präsentiert.
M+M
Lynn Hershman Leeson gehört zu den
ersten und wohl einflussreichsten
Medienkünstlerinnen. Während der letzten
fünf Jahrzehnte hat sie in den Bereichen
Fotografie, Video, Film, Performance,
Installation und interaktive sowie netzbasierte
Medienkunst Wegweisendes geleistet. Die
großen Themen von Hershman Leeson sind
die Konstruktion von Identität, Überwachung
bzw. Kontrolle und das Leben im Zeitalter
der Gentechnologie. Ihre bekannteste
Werkreihe, Roberta Breitmore (1973–1978),
wird bestimmt durch eine Kunstfigur,
verkörpert von ihr selbst und – teilweise
simultan – von drei weiteren Frauen. Als eine
Art Klon der Künstlerin wird deren Leben
in Echtzeit und in der realen Außenwelt
inszeniert. In ihren jüngsten Arbeiten bezieht
Hershman Leeson Web-Applikationen
und Massenkommunikationsmittel wie
Smartphones mit ein und rückt auch neueste
wissenschaftliche Entwicklungen auf dem
Gebiet der Genetik und der regenerativen
Medizin in den Fokus ihrer künstlerischen
Arbeit – einschließlich 3D-Biodrucker, die Teile
des menschlichen Körpers nachbauen.
AUSSTELLUNG /
EXHIBITION:
Deichtorhallen Hamburg
14.6.2015–17.1.2016
Lynn Hershman Leeson
Civic Radar
7 Tage
Hrsg. / Ed. CASINO LUXEMBOURG – Forum d‘art contemporain,
Luxembourg, Galerie im Taxipalais, Innsbruck, M + M,
Texte von / texts by M + M, KEVIN MUHLEN, JÜRGEN TABOR,
Gestaltung von / graphic design by HEIMANN & SCHWANTES
168 S. / pp., 109 Abb. / ills., 24 x 32 cm, Hardcover
€ 38,– [D], CHF 46,40, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4054-8
(Deutsch, English, French)
76
Kaleidoskopische Innenwelt:
der neue Filmzyklus von M+M
Everyday madness: we accompany the
protagonists of 7 Days, a series of films by M+M,
for an entire week. The artist duo’s two-channel
installations, named for the days of the week,
lead directly into the abysses of a volatile
psyche. The Austrian actor Christoph Luser
embodies the ambivalent main character—
who comes across as partly melancholy, partly
threatening—who is subjected to highly
conflicting situations. Each day, he borrows from
a key scene from cinematic history, for instance
from The Shining or Saturday Night Fever.
M+M—Marc Weis and Martin De Mattia—are
known for accessible, self-staged, and highly
intense film installations that expand the
narrative potential of art as well as cinema
and at the same time completely dissolve the
narrative’s linearity. In doing so, M+M question
concepts of identity against the background
of a radically altered perception of time. Their
new, large-scale cycle 7 Days developed over
a period of seven years and will be presented
for the first time in its entirety in the exhibition
tour of the same name in 2015.
Lynn Hershman Leeson is one of
the first and most influential
media artists. During the past
five decades she has done
pioneering work in the fields
of photography, video, film,
performance, installation, and
interactive and net-based media
art. Hershman Leeson’s major
themes are the construction of
identity, surveillance and control, and
life in the age of genetic engineering.
Her most well-known series is Roberta
Breitmore (1973–78), a fictional character
embodied by her and three other women,
in part simultaneously. A kind of clone of the
artist, her life is staged in real time and
space. In her most recent works, Hershman
Leeson includes web applications and mass
communication media such as smartphones,
as well as the latest scientific developments
in the field of genetics and regenerative
medicine, including 3D bioprinters that create
human body parts.
Hrsg. / Ed. PETER WEIBEL, ZKM | Zentrum für Kunst und
Medientechnologie Karlsruhe, Texte von / texts by ANDREAS
BEITIN, PAMELA LEE, PEGGY PHELAN, RUBY RICH,
JEFFREY SCHNAPP, KYLE STEPHAN, KRISTINE STILES,
TILDA SWINTON, PETER WEIBEL, Interview von / interview
by HOU HANRU, LAURA POITRAS mit der Künstlerin / with
the artist, Gestaltung von / graphic design by
JAN KIESSWETTER
Ca. € 45,– [D], CHF 54,90, $70.00, £40.00
ISBN 978-3-7757-4102-6 (English)
77
KU N ST / ART
www.hatjecantz.de
AUSSTELLUNG/
EXHIBITION:
Kunsthalle Düsseldorf
5.12.2015–6.3.2016
Zeig mir, was Du hast, und ich sag Dir, wer Du bist:
Aus Sammelwut wird Kunst
Erster Überblick über
das Schaffen Basim Magdys
Show me what you have, and I’ll tell you who you are:
collecting mania and recycling become art
First overview of
Basim Magdy’s work
Quadratmeterweise leere Zahnpastatuben,
Stifte, Wollknäuel, Schuhe oder Reinigerflaschen –
alles fein säuberlich aufgereiht: Waste Not, die
spektakuläre Installation von Song Dong (*1966
in Beijing) aus über 10 000 Einzelteilen, reiste
um die ganze Welt und begeisterte zahllose
Ausstellungsbesucher. Die Mutter des Künstlers
verarmte im Laufe der Kulturrevolution und
sammelte zwanghaft Alltagsgegenstände. Die
Installation ordnet ihren gesamten Besitz und
katalogisiert und dokumentiert damit ein Leben.
Der Band gibt erstmals einen Überblick über
alle Werkreihen des Konzeptkünstlers, in denen
er Themenfelder wie Konsum, Nachhaltigkeit,
Erinnerung oder Spiritualität behandelt. So
arrangiert Song Dong alte Türen und Fenster
aus Abrissgebäuden zu neuen Wohnräumen,
in Doing Nothing Garden auf der dOCUMENTA
(13) verwandelte er einen Müllberg in einen
begrünten Hügel, oder er baut aus Süßwaren
moderne Stadtlandschaften nach: Eating the City –
ungesund, aber lecker, Reinbeißen erlaubt!
Basim Magdy (*1977 in Assiut, Ägypten) –
»Künstler des Jahres« 2016 der Deutschen
Bank – war mit seinem vielfältigem Werk
bereits an zahlreichen internationalen
Gruppenausstellungen beteiligt. Hierzu zählen
unter anderem die Biennalen in Schardscha und
Istanbul 2013 und die Biennale von Montreal
2014, aber auch die Ausstellungen Welcome
to the Jungle im KW Institute for Contemporary
Art, Berlin, und Ocean of Images. New
Photography 2015 im MoMA, New York.
Im Mittelpunkt seiner Filme, Fotografien
oder Zeichnungen stehen Strukturen des
Sehens, Erinnerns und Archivierens. Häufig
lassen die Werke an surreale Erzählungen voll
abgründigen Humors denken. Mit in ihrer
Farbigkeit psychedelisch anmutenden Bildern
und Montagen hinterfragt Magdy kollektive
Utopien und formuliert Zweifel an Dogmen
und Ideologien. Zugleich appelliert er an die
Imaginationskraft des Betrachters und lässt
alternative Realitäten und gesellschaftliche
Entwürfe aufscheinen.
Basim Magdy
Would a Firefly Fear the Fire that Burns in Its Heart?
Hrsg. / Ed. Deutsche Bank, Texte von / texts by REGINE BASHA,
Song Dong
Texte von / Texts by FENG BOYI, SONG DONG, LENG LIN,
BARBARA LONDON, SARINA TANG, PHILIIPPE VERGNE
u. a. / et al., Gestaltung von / grahic design by JI YANG
€ 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4063-0 (English)
Square meters of empty toothpaste tubes and
bottles of cleaning solution, pencils, balls of
wool, or shoes—all of it in neat rows: Waste
Not, the spectacular installation by Song Dong
(*1966) comprising more than ten thousand
individual items, traveled around the whole
world, inspiriting countless exhibition visitors.
The artist’s mother fell into poverty during the
Cultural Revolution and compulsively collected
everyday objects. The installation arranges
everything she accumulated, cataloguing and
documenting her life.
This is the first volume to provide insight into all
of the series of works by the Conceptual artist in
which he deals with issues such as consumption,
sustainability, memory, or spirituality. Song
Dong arranges old doors and windows from
demolished buildings to create new living spaces.
In Doing Nothing Garden at documenta 12, he
transformed a mountain of garbage into an
attractive recreation area, or he recreates modern
cityscapes out of candy:
Eating the City—unhealthy,
but yummy. Taking a
bite is allowed!
LAUREN CORNELL, BRITTA FÄRBER, FRIEDHELM HÜTTE,
Basim Magdy (*1977 in Assiut, Egypt)—the
Deutsche Bank’s 2016 “Artist of the Year”—has
already presented his multifaceted oeuvre in
numerous international group exhibitions. These
include the biennales in Sharjah and Istanbul
in 2013, the Biennale de Montréal in 2014, as well
as the exhibitions Welcome to the Jungle at the
KW Institute for Contemporary Art, Berlin,
and Ocean of Images: New Photography 2015 at
the Museum of Modern Art in New York.
Magdy’s films, phot0graphs, and drawings focus
on structures of seeing, remembering, and
archiving. His works often call to mind surreal
narratives full of abysmal humor. The artist uses
his psychedelically colored pictures and montages
to scrutinize collective utopias and express
doubt about dogmas and ideologies. At the same
time, he appeals to the viewer’s power of
imagination and causes alternative realities and
designs for society to shine out.
AUSSTELLUNG/
EXHIBITION:
Deutsche Bank KunstHalle, Berlin
78
29.4.–3.7.2016
OMAR KHOLEIF, STEFAN KRAUSE, Gestaltung von /
graphic design by KERSTIN RIEDEL
Ca. 224 S., ca. 160 Abb., 28 x 28 cm, Hardcover
€ 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4128-6
(Deutsch, English)
Mai / May 2016
“Maybe I’m more
interested in
issues that are not
particularly pleasant,
but I have to say
that my favorite
reaction to the
work I make is when
people look at it
and smile or laugh.”
— BA S I M M AG DY
79
»In jeden anständigen Haushalt gehört
ein Narwalzahn.« – LEHMANN BERNHEIMER
Ewige Kunst! – ewige Aufgabe?
Zum richtigen Umgang mit
Künstlernachlässen im 21. Jahrhundert
“Every decent household should have
a narwhal tusk.” – LEHMAN N B ER N H EIMER
Der Legende nach stellte das Horn eines
Einhorns ein wirksames Mittel gegen
Vergiftung dar und sollte die Kraft besitzen,
Wasser zu reinigen. So pflegte Lehmann
Bernheimer obigen Sinnspruch über jenen
Gegenstand, der jahrhundertelang im
Besitz der Familie als Horn des Fabelwesens
gehandelt wurde.
Konrad Bernheimer ist vier Jahre alt, als ihn
sein Großvater 1954 aus Venezuela, wohin
die jüdische Familie vor den Nazis geflohen
war, zurück nach München holt. Dorthin,
wo die Bernheimers einst als Kunst- und
Antiquitätenhändler bekannt waren und wo
es jetzt gilt, von vorn anzufangen. Hier steht
im Salon des Großvaters ein Narwalzahn,
der Glücksbringer der Familie, der sie durch
alle Höhen und Tiefen begleitet …
Lebendig und faszinierend erzählt Konrad
Bernheimer die Geschichte seiner Familie,
einer deutsch-jüdischen Kunsthändlerdynastie,
und gewährt Einblicke in den ebenso
spannenden wie ungewöhnlichen Alltag eines
Kunsthändlers, der mit Werken von Lucas
Cranach bis Peter Paul Rubens zu tun hat.
Great Masters and Unicorns
The Story of an Art Dealer Dynasty
Text von / Text by KONRAD O. BERNHEIMER
€ 29,80 [D], CHF 36,70, $45.00, £26.99
ISBN 978-3-7757-4069-2 (English)
80
Legend has it that the horn of the unicorn could
counteract poison and purify water. Lehmann
Bernheimer used to say this aphorism about
the object which for centuries had been
collected and treasured as the horn of the
mythical unicorn.
In 1954, when Konrad Bernheimer is four years
old, his grandfather brings him back from
Venezuela, where the family had fled from Nazi
persecution, to Munich. The Bernheimers had
been renowned art antique dealers there, and
the time has come to start all over again. In the
grandfather’s salon there is a narwhale tusk,
a family talisman, which has accompanied them
through highs and lows . . .
In this vivid and fascinating narrative, Konrad
Bernheimer tells the story of his family, a
German-Jewish dynasty of art dealers, and
gives insights into the exciting and unusual life
of an art dealer between Lucas Cranach and
Peter Paul Rubens.
Everlasting art!—everlasting responsibility?
On the proper handling of artists’
estates in the twenty-first century
»Death can really make you look like a
star.« Diesen Satz hinterließ uns Andy
Warhol. Doch das Ableben per se stellt
keinen Katalysator für die Bedeutung eines
Künstlers dar. Zur posthumen Bewahrung
und Entwicklung des künstlerischen
Erbes ist die passende Nachlassstruktur
von entscheidender Bedeutung. Den
möglichen rechtlichen Gestaltungsrahmen,
passende Finanzierungsmodelle sowie
den richtigen Umgang mit Markt, Museen
und Wissenschaft stellt das Handbuch von
Loretta Würtenberger vor. Ihr Unternehmen
Fine Art Partners berät seit vielen Jahren
Künstler und Künstlernachlässe bei Aufbau
und Entwicklung von Nachlasskonzepten
sowie operativen Fragen. Anhand zahlreicher
internationaler Beispiele erläutert die
Autorin die verschiedenen Varianten zur
Betreuung eines Künstlernachlasses und gibt
Handlungsempfehlungen, wie heute nach dem
Ableben eines Künstlers mit Arbeit, Archiv und
Andenken idealerweise zu verfahren ist.
Andy Warhol bequeathed us the words “Death
can really make you look like a star.” But death
per se is not a catalyst for the relevance of
an artist. What is of crucial importance is
the proper management structure for the
posthumous preservation and development
of an artistic estate. The handbook by Loretta
Würtenberger presents the possible legal
framework, appropriate financing models,
as well as the proper handling of the market,
museums, and academia. Her business, Fine
Art Partners, has advised artists and artists’
estates for many years in their structuring
and development of estate concepts as well
as in operative questions. Based on numerous
international examples, the author explains
the different alternatives for maintaining
an artist’s estate and makes recommendations
on how to ideally handle work, archives, and
mementos following the death of an artist.
Der Künstlernachlass
Handbuch für Künstler, ihre Erben und Nachlassverwalter
The Artist Estate
A Handbook for Artists, Executors, and Heirs
Text von / Text by LORETTA WÜRTENBERGER, KARL VON TROTT,
Interviews mit / interviews with Rainer Judd Foundation (RAINER
JUDD), The Estate of Martin Kippenberger (GISELA CAPITAIN),
The Estate of Max Beckmann (MAYEN BECKMANN), The Henry
Moore Foundation (RICHARD CALVOCORESSI) u. a. / et al.
Ca. € 29,80 [D], CHF 36,70, $45.00, £26.99
ISBN 978-3-7757-4132-3 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4133-0 (English)
Mai / May 2016
81
KU N ST / ART
www.hatjecantz.de
Die Skizzen des visionären TonRaumKünstlers
eröffnen der Kunst neue Wege
Chinesische Skulptur trifft auf englische Gartenkultur
Neuerwerbungen der Cass Sculpture Foundation
AUSSTELLUNG /
EXHIBITION:
The sketches by the visionary sound
artist open up new paths for art
CASS Sculpture Foundation, Sussex
Mai / May–November 2016
Wer Ohren hat zu hören, dem vermittelt sich
Bernhard Leitners Kunst unmittelbar. Radikale
Tonexperimente, verdichtete Klangfelder.
Leitner, ausgebildeter Architekt, schafft mit
Klängen (durch-)wandelbare Räume, kreiert
innovative, intime akustische Räume, um
Klang-Bewegungen im Körper selbst zu erleben,
integriert Arbeiten als mediale Kunst am Bau,
nutzt Ausstellungsbesucher als Resonanzkörper
und spielt mit deren akustischen Gehirnen. Nach
den ersten Entwurfsskizzen zu einem Soundcube
(1969) folgten in den nächsten Jahrzehnten
TonRaumskulpturen in beeindruckender
Vielfalt. Auf detailreichen, fragilen Zeichnungen
entwickelt Bernhard Leitner seine künstlerischen
Vorstellungen, die teils erst umgesetzt werden
können, wenn die technischen Voraussetzungen
dafür erfunden oder produziert worden sind.
Die vorliegende Publikation ermöglicht erstmals
einen direkten Einblick in Leitners visionäre
Skizzenbücher und Ideennotizen.
Bernhard Leitner
Skizzenbuch / Sketchbook
Notation Ton-Räume / Notation Sound Spaces
Text von / Text by EUGEN BLUME, Gestaltung von / graphic design by
MARIANNE FRIEDEL, BERNHARD LEITNER
224 S. / pp., 113 Abb. / ills., 28,5 x 29 cm, Hardcover
€ 48,– [D], CHF 58,60, $75.00, £45.00
Bernhard Leitner’s art communicates directly
with those who have ears to hear with. Radical
sound experiments, dense fields of sound.
Leitner, a trained architect, uses sounds to
generate mutable spaces; creates innovative,
intimate spaces in which one can physically
experience the movements of sound; integrates
media-based works of art into his architecture;
uses exhibition visitors as resonating bodies;
and plays with their acoustic brains. Initial
drafts for a Soundcube (1969) were followed by
decades of TonRaumskulpturen (Sound Space
Sculptures) in striking variety. Bernhard Leitner
develops his artistic ideas in detailed, fragile
drawings that can in part not be implemented
until the technical conditions for them have
been invented or produced. The present
publication is the first to provide direct insight
into Leitner’s visionary sketchbooks and notes.
Chinese sculpture meets English horticulture
New commissions of the Cass Sculpture Foundation
In der Geschichte der Cass Sculpture
Foundation – 1992 von Wilfred und Jeannette
Cass als gemeinnützige Institution gegründet –
eröffnet erstmals eine Ausstellung mit
jüngst in Auftrag gegebenen Skulpturen
von Gegenwartskünstlern aus Großchina. In
Bronze gegossen, aus Holz geschnitzt oder
in Stein gemeißelt, haben 19 herausragende
Künstler vollkommen neue Werke geschaffen,
die sich mit der gegenwärtigen Kultur,
Politik und Gesellschaft auseinandersetzen.
Anders als die meisten Kataloge bietet diese
Publikation zudem einzigartige Einblicke
in den Entstehungsprozess einer Ausstellung.
Der Band begleitet die Arbeiten auf ihrem
Weg von China bis nach West Sussex – von
ihrem Entstehen im Atelier bis zum Aufbau –
und bietet auf diese Weise die einzigartige
Gelegenheit, dem Werden der Kunstwerke
beizuwohnen.
For the first time in the history of the
Cass Sculpture Foundation—a nonprofit
institution founded in 1992 by Wilfred and
Jeannette Cass—its first exhibition of newly
commissioned sculptures by contemporary
artists from Greater China will be unveiled.
Cast in bronze, carved from wood, or chiseled
out of stone, nineteen outstanding artists
have created new works that reflect on
contemporary culture, politics, and society.
Unlike most catalogues, this publication
provides unique behind the scenes perspectives
on the making of the exhibition. Moreover, the
volume accompanies the works as they travel
from China to West Sussex, from the artists’
studios through to their production process
and installation, providing the reader with
a unique opportunity to witness their progress
as works of art.
A Beautiful Disorder
Texte von / Texts by CLARE HINDLE, ELLA LIAO,
CLAIRE SHEA, WENNY TEO u. a. / et al.
Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4130-9
(Chinese, English)
Juni / June 2016
»Mit dem Knie höre ich
besser als mit der
Wade« – B E R N H A R D L E I T N E R
82
83
KU N ST / ART
In Deutschland lebende junge Künstler
hinterfragen gesellschaftliche Konventionen
Unterwegs mit einem
genialen Allrounder
Young artists living in Germany
scrutinize social conventions
On route with an
ingenious allrounder
Der ars viva-Preis wird seit 1953 jährlich an
junge in Deutschland lebende Künstlerinnen
und Künstler vergeben, deren Arbeiten
sich durch richtungsweisendes Potenzial und
hohe künstlerische Qualität auszeichnen.
»Die diesjährigen Preisträger spiegeln
ihre direkte Erfahrungswelt. Das Private
wird politisch und führt zu aktuellen
gesellschaftlichen Fragestellungen«, so der
Kulturkreis der deutschen Wirtschaft. Flaka
Haliti (*1982 in Priština) beschäftigt sich
in ihren medienanalytischen Arbeiten mit
gesellschaftlichen Strukturen. Hanne Lippard
(*1984 in Milton Keynes) arbeitet in ihren textund zeitbasierten Arbeiten, Performances,
Kurzfilmen und Tonstücken mit ihrer Stimme
als Gestaltungsmittel. Calla Henkel & Max
Pitegoff (*1988 in Minneapolis / *1987 in Buffalo)
realisieren kooperationsbasierte Inszenierungen
und rücken in ihren fotografischen Arbeiten
das Soziale und Private in den Fokus.
ars viva 2016
Flaka Haliti. Hanne Lippard. Calla Henkel & Max Pitegoff
Hrsg. / Ed. Kulturkreis der deutschen Wirtschaft, Texte von / texts by
ANDREW BERARDINI, CAROLINE BUSTA, PHILIPP EKARDT,
PAUL FEIGELFELD, Gestaltung von / graphic design by HARRI KUHN
128 S. / pp., 39 Abb. / ills., 21 x 28 cm, Softcover
€ 24,80 [D], CHF 31,40, $40.00, £22.99
ISBN 978-3-7757-4087-6
(Deutsch, English)
Since 1953 the ars viva Prize is awarded annually
to young artists living in Germany whose
work stands out due to its remarkable potential
and high artistic quality. According to the
Kulturkreis der deutschen Wirtschaft, “This
year’s prizewinners reflect their direct world
of experience. The private becomes political
and leads to the formulation of topical social
questions.” Flaka Haliti (*1982 in Priština) deals
with social structures in her media-analytical
works. In her text- and time-based works,
performances, short films, and audio pieces
Hanne Lippard (*1984 in Milton Keynes) works
with her voice as a creative medium. Calla
Henkel & Max Pitegoff (*1988 in Minneapolis /
*1987 in Buffalo) develop collaboration-based
presentations, and in their photographic
works they concentrate on the social and the
private spheres.
Städtische Galerie Karlsruhe
9.10.2015–17.1.2016
Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig
20.2.–17.4.2016
Index – The Swedish Contemporary Art Foundation, Stockholm
84
11.6.–21.8.2016
AUSSTELLUNG /
EXHIBITION:
Sammlung Goetz,
München / Munich
28.11.2015–23.4.2016
Die Kunst des Kanadiers Rodney Graham mag
leichtfüßig daherkommen, tatsächlich verbirgt
sich dahinter aber eine außerordentliche
inhaltliche und mediale Vielschichtigkeit. So
finden sich in seinen Fotografien, Objekten,
Gemälden, Filmen, Texten und Musikstücken
Verweise auf Philosophie und Literatur, Kunstund Kulturgeschichte, die von Erasmus von
Rotterdam über Edgar Allan Poe bis zu Sigmund
Freud, Richard Wagner und Kurt Cobain
reichen. Während Graham in seinem Frühwerk
die Annäherung an seine Materialquellen noch
mit großer konzeptueller Strenge vollzieht, sind
die späteren Arbeiten in ihrer spielerischen
Ambivalenz zwischen wissenschaftlicher
Faktizität und fantasievoller Fiktion vor allem
von großem, intelligentem Humor geprägt.
In der Sammlung Goetz befinden sich Arbeiten
aus allen Schaffensphasen und Gattungen.
Diese Publikation ermöglicht einen profunden
Einblick in das umfassende künstlerische Werk
dieses Allrounders aus den letzten 40 Jahren
und lädt zur Entdeckungsreise ein.
The art by the Canadian Rodney Graham may
come across as light-footed, yet in reality it
harbors an extraordinary complexity in terms
of content and its use of media. His
photographs, objects, paintings, films, texts,
and compositions contain references to
philosophy and literature, to the history of
art and culture, that range from Erasmus of
Rotterdam and Edgar Allan Poe to Sigmund
Freud, Richard Wagner, and Kurt Cobain. While
in his early oeuvre he still approaches his
sources of material with a great deal
of conceptual rigor, in their playful
ambivalence between scientific
factuality and imaginative fiction his
later works are marked primarily by
an enormous and intelligent sense
of humor. The Goetz Collection
includes works from all of his creative
phases and genres. This publication
provides substantial insight into this
all-rounder’s extensive artistic work of
the last forty years and extends
an invitation to set out on a journey
of discovery.
Rodney Graham
Hrsg. / Ed. INGVILD GOETZ, LEO LENCSÉS, KARSTEN LÖCKEMANN,
Sammlung Goetz, Texte von / texts by TACITA DEAN, INGVILD
GOETZ, KIM GORDON, RODNEY GRAHAM, LEO LENCSÉS,
KARSTEN LÖCKEMANN, DOROTHEA ZWIRNER, Gestaltung von /
graphic design by HERBURG WEILAND, München / Munich
€ 35,– [D], CHF 42,70, $55.00, £32.50
»Es mag eine Last sein,
sich immer wieder
neu zu erfinden,
aber es macht die
Dinge interessanter.«
– RO D N E Y G R A H A M
85
KU N ST / ART
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Ausstellungskatalog zum senkrechtstarter
der Schweizer Kunstszene
Auf Expedition in fremdvertrauten Welten
Overbeck-Gesellschaft, Lübeck
Exhibition catalogue on the rising star
of the Swiss art scene
22.11.2015–7.2.2016
Als Valentin Carron (*1977 in Martigny) im Jahr
2013 den Schweizer Pavillon auf der Biennale
von Venedig mit seinen Skulpturen bespielen
durfte, war der internationalen Kunstszene
längst klar, dass er zu den herausragenden
Schweizer Künstlern seiner Generation
zählt. Doch was macht das Werk des jungen
Wallisers aus? Zum Großteil sicher seine
innige Heimatverbundenheit, die als eine der
entscheidenden Inspirationsquellen gelten
kann – im Wallis ist Carron aufgewachsen,
hier lebt und arbeitet er. Dabei entfalten seine
Arbeiten noch eine zweite entscheidende
Komponente: Carrons Werk provoziert immer
wieder die Frage nach Original und Kopie,
danach, was Tradition und Identität sein können.
Indem er bekannte und traditionelle Formen
seines Landes durch neue Materialien nachbildet,
lässt er ihrer ikonischen Bedeutung und
Wirkung Raum, um sie mit ironischem Gestus
auszustellen. Das Edelweiß wird hierdurch auch
immer wieder als Edelkitsch entlarvt.
Valentin Carron
Hrsg. / Ed. OLIVER ZYBOK, Texte von / texts by
GIOVANNI CARMINE, OLIVER ZYBOK
Ca. € 30,– [D], CHF 36,80, $45.00, £26.99
ISBN 978-3-7757-4123-1
(Deutsch, English)
März / March 2016
86
When Valentin Carron (*1977 in Martigny)
was free to install his sculptures in the Swiss
Pavilion in the Venice Giardini within the scope
of the 2013 Biennale, the international art
scene long since knew that he was one of the
outstanding Swiss artists of his generation. Yet
what constitutes the young Valaisian’s oeuvre?
For the most part surely his profound affinity
for his home, which can be considered one of
his crucial sources of inspiration—Carron grew
up in Valais and still lives and works there.
At the same time, Carron’s works develop a
second, defining component: they repeatedly
ignite the issue of original and copy, of what
tradition and identity can be. By reproducing
familiar and traditional forms from his country
using new materials, he allows space for
their iconic meaning and impact in order to
exhibit them with an ironic gesture. By doing
so, the pristine white edelweiss is time and
again exposed as being pristine white kitsch.
On an expedition to
foreignly familiar worlds
Vergilbte, stockfleckige Buchseiten
sind das Trägermaterial für Martin
Neumaiers vielschichtige Collagen, in
denen er sich intensiv mit dem Thema
des europäischen Kolonialismus und
Imperialismus auseinandersetzt. Aufgeklebte
grafische Elemente dynamisieren dabei
die Druckerschwärze der Schriften und
Darstellungen und überführen sie in eine
konstruktivistische und abstrakte Bildlichkeit.
Auf den zweiten Blick gewinnen die Arbeiten
eine zusätzliche Komponente und werden
zu Überlagerungen unterschiedlicher
Kulturen. Die Bücher, die Neumaier (*1970
in Hürth) als Grundlage für seine Arbeit
dienen, sind Lehr- und Wissenschaftsbücher
vom 18. bis 20. Jahrhundert, die in ihrer
Bearbeitung eine Umdeutung, Umarbeitung
und Neubestimmung erfahren: Die engen
Repräsentationen der Buchseiten gewinnen
in dem Palimpsest eine ästhetische Freiheit,
die auch ihre Bedeutungsdimensionen
vervielfältigt, um schließlich auf immer neue
Weise andere Möglichkeiten des Sehens
abzugewinnen.
Yellowed, moldy book pages are the support
material for Martin Neumaier’s multilayered
collages in which he carries out an intense
examination of European colonialism and
imperialism. Glued-on graphic elements
dynamize the printing ink of the lettering
and depictions and translate them into
constructivist and abstract imagery. At second
glance the works acquire an additional
component, becoming superimpositions
of different cultures. The books that Neumaier
(*1970 in Hürth) uses as the foundation
for his works are textbooks and science
books from the eighteenth to the twentieth
centuries, which experience a reinterpretation,
adaptation, and redefinition in their processing:
in their palimpsest, the narrow representations
on the pages achieve an aesthetic freedom
that also duplicates their dimensions of
meaning to ultimately acquire any number of
other possible ways of perceiving them visually.
Martin Neumaier
Hrsg. / Ed. OLIVER ZYBOK, Texte von / texts by MARCUS
ANDREW HURTTIG, OLIVER ZYBOK, Gestaltung von /
graphic design by BOBBI FLEISCH
176 S. / pp., 110 Abb. / ills., 16,6 x 24 cm, Hardcover
Ca. € 29,80 [D], CHF 36,70, $45.00, £26.99
87
KU N ST / ART
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Ausstellungspolitik aus aktueller Sicht
Vielseitig, anspruchsvoll und provokativ:
der Katalog zu Michael Müllers Einzelausstellungsdebüt
in den Kunst-Werken, Berlin
New perspectives on curatorial politics
Seit den 1990er-Jahren bewegt sich der
Diskurs im Bereich des Kuratierens rund um
die Figur des professionellen Kurators. Folglich
wurde Ausstellungspolitik üblicherweise
als direktes Ergebnis bewusster Intentionen
von Kuratoren verstanden. Heute jedoch
geben neue Modelle von Institutionen und
andere Ausstellungsmethoden gemeinsam
mit zentralen Verschiebungen in der
Finanzierungs- und Sammlungspolitik von
Ausstellungshäusern den Blick frei auf
Felder kuratorischen Handelns, über die der
Ausstellungsmacher wenig bis keine Kontrolle
hat. Der vorliegende Band stellt eine Reihe
von Essays anerkannter Kunsttheoretiker und
Kulturwissenschaftler zusammen, die über den
Fokus auf den agierenden Kurator hinausgehen
und diese bislang unerforschten Ebenen der
Ausstellungspolitik aufdecken.
Curating and Politics
Hrsg. / Ed. HEIDI BALE AMUNDSEN, GERD ELISE MØRLAND,
Texte von / texts by HEIDI BALE AMUNDSEN, EKATERINA DEGOT,
T. J. DEMOS, REESA GREENBERG, GERD ELISE MØRLAND,
ANDREA PHILLIPS, CECILIA SJÖHOLM
128 S. / pp., 15 x 21,5 cm, Softcover
Ca. € 29,90 [D], CHF 36,80, $45.00, £26.99
ISBN 978-3-7757-4079-1 (English)
Since the nineties, curatorial discourse has
revolved around the figure of the professional
curator. Consequently, curatorial politics
is usually considered the direct result of a
curator′s deliberate acts and intentions. Now,
however, new institutional models and modes
of exhibition practice together with key shifts in
funding and collecting strategies have revealed
aspects of curatorial politics over which the
exhibition organizer has little or no control. The
present volume presents a series of essays by
noted art theorists and cultural scientists that
go beyond the perspective of the individual
curator to reveal these previously unexplored
levels of curatorial politics.
“. . . the political potential
of art is not necessarily
inherent in the artwork as
such, but may emerge
through the ways in
which it is displayed.”
– H A N N A H A R E N DT
88
AUSSTELLUNG /
EXHIBITION:
KW Institute for Contemporary Art, Berlin
29.11.2015–24.1.2016
Multifaceted, challenging, and provocative:
the catalogue accompanying Michael Müller’s solo exhibition
premiere at the KW Institute for Contemporary Art
In ständig sich verändernden Formationen und
quer durch alle Genres thematisiert Michael
Müller (*1970 in Ingelheim) die Gestaltungsund Übersetzungsprozesse bildender Kunst.
Sein Werk ist dabei von einer Vielgestaltigkeit
gekennzeichnet, die sich historische wie
gegenwärtige künstlerische Codes aneignet,
aber zugleich auch als etwas Ganzes erfahren
wird. Sei es durch Müllers Erzählinstanzen
Hermes und Hermaphroditos, die durch die
Ausstellung wie durch den Katalog führen,
oder durch den Künstler selbst, dessen
Handschrift in den adaptierten Werken doch
immer wieder impliziert ist und sichtbar wird.
Schnell wird klar, dass der Ausstellungstitel
Wer spricht? immer auch die Fragen »Was wird
gesagt?« und »Warum wird gesprochen?«
beinhaltet. Dass es darauf keine eindeutige
Antwort, sondern immer mehrere gibt, macht
die besondere Erfahrung von Müllers Werken
aus. Es lohnt sich zuzuhören und hinzusehen!
Michael Müller
Wer spricht? / Who’s Speaking?
Michael Müller (*1970 in Ingelheim) examines
processes of composition and translation in
visual art in continually changing formations
that cut across all artistic genres. His oeuvre is
characterized by a versatility that appropriates
historical as well as contemporary artistic
codes, yet which is experienced in
its coherence at the same time. Be
it through Müller’s narrative voices
Hermes and Hermaphroditos, which
guide us through the exhibition as well
as the catalogue, or through the artist
himself, who is repeatedly implied
and becomes visible in the adapted
works. It quickly becomes clear that
from Müller’s perspective, the title
Who’s Speaking? also means “what
is being said?” and “why?” The fact
that there is no unequivocal answer
to these questions makes up the
special experience of Müller’s
works. It pays to listen and to look!
Hrsg. / Ed. KW INSTITUTE FOR CONTEMPORARY ART, Texte von /
texts by ELLEN BLUMENSTEIN, TRAVIS JEPPESEN, DANIEL
TYRADELLIS, Gestaltung von / graphic design by HIT STUDIO, BERLIN
Ca. € 35,– [D], CHF 42,70, $55.00, £32.50
89
KU N ST / ART
www.hatjecantz.de
Zurück in die Zukunft: Pavel
Peppersteins enigmatische Bildwelten
Back to the future: Pavel Pepperstein’s
mysterious visual worlds
Pavel Pepperstein.
The Cold Center of the Sun
“I am primarily an ecologist,
an advocate of an extremely
cautious approach to the
biosphere . . .” – PAV E L P E P P E R ST E I N
Pavel Pepperstein, in Russland längst als
Leitfigur der jüngeren Moskauer Kunstszene
anerkannt, stellt ein wichtiges Bindeglied
zwischen den älteren Vertretern des
Moskauer Konzeptualismus und den jungen
Kunstschaffenden seines Landes dar. Dem
Betrachter eröffnen sich im zeichnerischmalerischen Werk des Künstlers rätselhafte,
hybride Welten. Motive aus der russischen und
antiken Sagenwelt treffen auf avantgardistische
Formen im Stil von El Lissitzky oder Kasimir
Malewitsch, die collagenartig mit Hollywoododer Science-Fiction-Szenen zusammengefügt
werden. Dieser gewagten Mischung fügt
Pepperstein ein kommentierendes Element
hinzu: die Schrift. So erprobt er mit spielerischem
Gestus verschiedene Gestaltungsmöglichkeiten,
durchbricht die Grenzen des Gewohnten und
kombiniert auf ironische Weise russische Ikonen
mit Bildern der westlichen Populärkultur.
Der Katalog widmet sich erstmals nicht nur
Peppersteins Kurzgeschichtensammlung The
Secret of Our Time, sondern geht auch auf seine
jüngsten Arbeiten ein.
Short Stories
Einführung von / Introduction by LORAND HEGYI, OLGA
SVIBLOVA, Texte von / texts by PAVEL PEPPERSTEIN,
Gestaltung von / graphic design by JOCHEN MAHLKE
€ 28,– [D], CHF 34,80, $45.00, £25.99
ISBN 978-3-7757-4066-1
(English, French, Russian)
Pavel Pepperstein, long since acknowledged as
the central figure in Russia’s contemporary art
scene, constitutes an important link between
the older generation of Moscow Conceptualists
and young aspiring artists in his country. In
Pepperstein’s graphic, painterly works, mysterious,
hybrid worlds open themselves up to the viewer’s
gaze. Motifs from Russian and ancient mythology
encounter avant-garde forms in the style of El
Lissitzky or Kasimir Malevich that are combined,
much like collages, with Hollywood or sciencefiction scenes. The artist adds a handwritten,
annotating element to this bold blend. His playful
gestures break through the confines of the
familiar and ironically blend Russian icons with
images taken from Western pop culture.
This catalogue relates a selection of stories by
Pavel Pepperstein, taken from his short story
collection The Secret of Our Time, to his recent
works on canvas.
Zwischen Abstraktion
und Gegenständlichkeit
Between abstraction
and representation
Jedes Sehen ist per se schon eine Abstraktion.
Wahrnehmungs- wie erkenntnisspezifisch
existiert die Welt nie nur für sich, sondern
immer schon für uns. Dass dies auch für die
Kunst gilt, bringt das Werk Vladimír Houdeks
wie kein anderes zum Ausdruck. Was der Titel
Levitationen metaphorisch artikuliert, macht
seine Arbeiten zu einer außergewöhnlichen
Erfahrung für den Betrachter: ein Changieren
zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit,
das die Wahrnehmung in einen ästhetischen
Schwebezustand versetzt. Houdeks Gemälde
und Zeichnungen, Collagen und Filme spielen
mit der Illusion und Täuschung, die durch
eine auf der flachen Leinwand behauptete
Plastizität erreicht wird. Auch wenn die Bezüge
in seinen Werken
durch geometrische
Formprinzipien der
Gegenwart bestimmt
werden, sind
Anklänge an die Ideen
historischer Vorläufer,
wie zum Beispiel des
Konstruktivismus und
seiner Aneignung
von neuen Sinn- und
Wahrnehmungszusammenhängen,
unverkennbar.
AUSSTELLUNG /
EXHIBITION:
Mönchehaus Museum Goslar
13.2.–24.4.2016
Vladimír Houdek
Levitationen
Hrsg. / Ed. O L I V E R Z Y B O K , Texte von / texts by
ZDENEK FELIX, ROSA WINDT, OLIVER ZYBOK,
Gestaltung von / graphic design by BOBBI FLEISCH
Ca. € 30,– [D], CHF 36,80, $45.00, £26.99
All vision is per se already an abstraction. In
terms of perception and cognition, the world
does not exist in itself but for us. Like no other,
Vladimír Houdek’s oeuvre demonstrates that
this also applies for art. As the title Levitations
metaphorically articulates, his works become
an extraordinary experience for the viewer,
an alternation between abstraction and
representation that shifts perception into
aesthetic limbo. Houdek’s paintings and
drawings, collages and films play with the
illusion that is achieved by means of the alleged
three-dimensionality on the flat canvas. Even
though the references in his works are defined
by contemporary principles of geometric form,
similarities to the ideas of historical precursors,
such as, for example, Constructivism and its
appropriation of new contexts of meaning and
perception, are unmistakable.
ISBN 978-3-7757-4122-4
(Deutsch, Englisch)
März / March 2016
KU N ST / ART
Mit einer Vielzahl von Werken aus der
bahnbrechenden Ausstellung von 1915
Including a large number of works
from the pioneering exhibition of 1915
Auf der Suche nach 0,10
“The correlation of elements
found and revealed in a
painting is the new reality . . .”
– I VA N P U N I A N D X E N I A B O G US L AWS K A J A
Es war ein historischer Augenblick der
Kunstmoderne, als Kasimir Malewitsch
unter dem Banner des Suprematismus seine
gegenstandslosen Bilder der Öffentlichkeit
vorstellte und Wladimir Tatlin gleichzeitig
revolutionäre Konterreliefs präsentierte.
Die erbitterten Rivalen standen einander
künstlerisch diametral gegenüber. Die
Plattform, die ihre jüngsten Arbeiten zeigte,
0,10 – Die letzte futuristische Ausstellung
der Malerei, vom Künstlerkollegen Ivan Puni
1915 in Petrograd (heute St. Petersburg)
organisiert, war den 12 anderen dort
vertretenen Künstlern Anlass, sich einem der
Lager zuzuschlagen. Das Ergebnis war eine
stilistisch vielfältige Ausstellung, in der selbst
vom Kubismus inspirierte Arbeiten zu sehen
waren. In der Fondation Beyeler wird zum
ersten Mal wieder eine große Zahl dieser Werke
in einem Ausstellungszusammenhang gezeigt.
Der Katalog bietet Essays von Matthew
Drutt und anderen Fachautoren sowie
historische Dokumente, die teils noch nie
übersetzt veröffentlicht wurden.
Die letzte futuristische Ausstellung der Malerei
Hrsg. / Ed. MATTHEW DRUTT, Fondation Beyeler, Riehen/Basel,
Texte von / texts by SAM KELLER, ANATOLIJ STRIGALEV,
ANNA SZECH, MARIA TSANTSANOGLOU, Gestaltung von /
graphic design by MIKO MCGINTY
272 S. / pp., 188 Abb. / ills., 24,5 x 30,5 cm, Leinen / clothbound
€ 65,– [D], CHF 70,80, $100.00, £60.00
ISBN 978-3-7757-4032-6 (Deutsch)
ISBN 978-3-7757-4033-3 (English)
ISBN 978-3-7757-4119-4 (Russian)
This exhibition celebrates the historic moment
in the history of modern art when Kazimir
Malevich debuted his new non-objective
paintings under the banner of Suprematism
and Vladimir Tatlin introduced his revolutionary
counter-relief sculptures. They were bitter rivals
and diametrically opposed in their creative
thinking, so when an exhibition in which their
new works appeared, entitled 0,10—The Last
Futurist Exhibition of Painting and organized by
fellow artist Ivan Puni in Petrograd in 1915, the
other 12 artists in the show chose sides. It was
a stylistically diverse exhibition, with Cubistinspired works and the first non-objective
paintings and reliefs. The Beyeler’s presentation
includes a large number of the works from
the original exhibition. The catalogue contains
essays by exhibition curator Matthew Drutt
and other leading scholars, as well as
documents gathered together and translated
for the first time.
Fondation Beyeler, Riehen/Basel
92
4.10.2015–17.1.2016
Das französische Original von
1950 erstmals mit deutscher
und englischer Übersetzung
The French original from 1950,
for the first time in German
and English
Poésie sur Alger, 1942 geschrieben und 1950
erstmals veröffentlicht, ist eine selbstironische
Auseinandersetzung Le Corbusiers mit 13
ergebnislos investierten, arbeitsreichen
Jahren, in denen er sich nicht weniger als drei
weitreichenden städtebaulichen Entwürfen
für Algier widmete. Auf seine erste Reise
nach Algerien 1931 folgten zahlreiche weitere.
Der Architekt träumte davon, Algier als
Südpunkt der kulturellen Verbindungslinien
zwischen den Mittelmeeranrainern, zwischen
Paris, Barcelona und Rom, zu installieren –
als »islamischen Pol«, wie er das nannte.
Die Entscheidung, seine sehr persönlichen
und auch selbst illustrierten Gedanken
zu dem »plan directeur« für Algier zu
veröffentlichen, markiert einen wichtigen
Entwicklungspunkt im Œuvre Le Corbusiers.
Poésie sur Alger gewährt auch heute noch
einen interessanten Einblick in das Innenleben
und die Gedankenwelt des Wegbereiters
der Architekturmoderne.
Poésie sur Alger, written in 1942 and published
for the first time in 1950: a self-mocking
examination of thirteen abortively invested,
work-intensive years during which Le Corbusier
devoted himself to the drawing up of extensive
urban plans for Algiers. Numerous additional
plans followed on his first trip to Algeria in
1931. The architect dreamed of installing Algiers
as the southernmost point of the cultural
connection between the littoral states of the
Mediterranean, between Paris, Barcelona, and
Rome—as an “Islamic pole,” as he called it.
The decision to publish his very personal and
self-illustrated thoughts on a “plan directeur”
for Algiers marks an important point in Le
Corbusier’s development. The publication
continues to provide multilayered insight into
the inner life and world of thought of the
pioneer of architectural modernism
Le Corbusier
Poem on Algiers
Texte von / Texts by CLEO CANTONE, LE CORBUSIER
Ca. € 19,80 [D], CHF 25,30, $27.50, £17.99
März / March 2016
“Poetry radiates over
Algiers: a master plan,—
the master plan—
will make this apparent.”
93
KU N ST / ART
Faszinierende Artefakte und illuminierte
Handschriften aus dem 9. bis 12. Jahrhundert
Die gesammelten Schriften Peter Weibels
zur Mediengeschichte in 6 Bänden
Spektakuläre Zeugnisse der technischen Errungenschaften
des Goldenen Zeitalters der arabisch-islamischen Kulturen
Peter Weibel’s collected writings
of the history of media in 6 volumes
Fascinating artifacts and illuminated handwriting
from the ninth to the twelfth centuries
Spectacular evidence of the technical
achievements of the Golden Age
of Arabic-Islamic culture
AUSSTELLUNG /
EXHIBITION:
ZKM | Zentrum für Kunst
und Medientechnologie, Karlsruhe
31.10.2015–28.2.2016
Jahrhunderte bevor erste Automaten in
Europa für Erstaunen sorgten, wurde ihre
Technik in arabisch-islamischen Kulturen
entwickelt: Bereits zwischen dem 9. und
13. Jahrhundert notierten arabische Gelehrte ihr
durch die Übersetzung und Weiterentwicklung
antiker Texte und Ideen erworbenes Wissen
über Maschinen zur Lobpreisung Gottes des
Allmächtigen. Die opulente Publikation stellt
vier Meistermanuskripte des Automatenbaus
vor: zwei Schriften der Banū Mūsā ibn Shākir
aus der Mitte des 9. Jahrhunderts, eine des
Ingenieurs Ibn al-Razzāz al-Jazarī, die wohl um
1200 entstanden ist, sowie ein Manuskript
des andalusischen Ingenieurs Ahmad ibn Khalaf
al-Murādī aus dem 11. Jahrhundert.
Begleitende Essays rekonstruieren aus
medienarchäologischer Perspektive die
Entwicklung der muslimischen Automaten
aus den Traditionen von Alexandria, Rom
oder Byzanz und eröffnen Ausblicke auf ihre
Weiterentwicklung in Europa.
Allah’s Automata
Artifacts of the Arab-Islamic Renaissance (800-1200)
Hrsg. / Ed. SIEGFRIED ZIELINSKI, PETER WEIBEL, ZKM |
Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe, Texte von /
texts by MOHAMMED ABATTOUY, ULRICH ALERTZ,
SALIM T. S. AL-HASSANI, NADIA AMBROSETTI, AYHAN AYTES,
CLAUS-PETER HAASE, SUSANNE RÜHLING, GEORGE SALIBA,
IMAD SAMIR, MONA SANJAKDAR CHAARANI, PETER WEIBEL,
EILHARD WIEDEMANN, SIEGFRIED ZIELINSKI u. a. / et al.,
152 S. / pp., 80 Abb. / ills.,
22,5 x 27,5 cm, Softcover
€ 25,– [D], CHF 31,60, $40.00, £22.99
ISBN 978-3-7757-4106-4 (English)
94
Centuries before the first automata caused
a sensation in Europe, their technology had been
developed in Arabic-Islamic cultures: as early
as between the ninth and thirteenth centuries,
Arabic scholars noted down their knowledge
about machines, which they had acquired
through the translation and further development
of antique texts, in praise of God Almighty. The
opulent publication introduces four master
manuscripts on the construction of automata:
two works by the Banū Mūsā Ibn-Šhākir from the
mid-ninth century, one by the engineer Ibn alRazzāz al-Jazarī written in around 1200, as well as
a manuscript by the Andalusian engineer Ahmad
ibn Khalaf al-Murādī from the eleventh century.
Accompanying essays reconstruct the
development of the Muslim automata from the
traditions of Alexandria, Rome, or Byzantium from
a media-archeological perspective and throw light
on their advancement in Europe.
Von den alten Griechen bis zur Gegenwart,
vom Buch zum Grammofon, von
Gutenberg bis Google – die Veränderungen
der Aufzeichnungs-, Speicher- und
Übertragungsmedien prägen unsere Kultur. Mit
einer sechsbändigen Auswahl seiner Schriften
legt Peter Weibel eine Enzyklopädie vor, die alle
Bereiche der Medienwelt diskursiv abdeckt.
Der erste Band ist bereits 2015 erschienen,
die anderen Bände folgen sukzessive. Band 1
behandelt das gesamte Spektrum der
Architektur unter den Bedingungen der Neuen
Medien. Band 2 widmet sich den medialen
Neuerungen im Bereich der Musik, von Klang
als informationstheoretischem Phänomen
bis zur Theorie einer molekularen Musik. Band 3
thematisiert nun den Einfluss der Neuen
Medien auf die Kunst und zeigt etwa, wie
das Bild interaktiv und der Betrachter Teil des
Werkes wird, wie Realität die Repräsentation
ersetzt. Literatur, Politik und Theorie im
Kontext der Neuen Medien sind die Themen
der weiteren Bände.
From Greek antiquity to the present, from the
book to the gramophone, from Gutenberg to
Google, our culture is defined by changes in
recording, storage, and transmission media.
In a six-volume selection of his writings, Peter
Weibel presents an encyclopedia that addresses
all areas of the media world. Three volumes
will be published in September 2014, and the
remaining three in spring 2015. Volume one
deals with a broad definition of architecture
in the context of new media. Volume two is
devoted to media-related innovations in the
area of music—from automatic methods of
composition in the music of Mozart to a theory
of molecular music. Volume three addresses
the impact of new media on art and discusses
how pictures become interactive and viewers
become part of the work—how reality replaces
representation. The themes of the other three
volumes are literature, politics, and theory in
the context of new media.
Enzyklopädie der Medien.
Band 3
Kunst und Medien
Hrsg. / Ed. UNIVERSITÄT FÜR ANGEWANDTE KUNST
WIEN, ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie
Karlsruhe, Text von / text by PETER WEIBEL,
Gestaltung von / graphic design by RENATA SAS
Ca. 380 S. / pp., ca. 100 Abb. / ills., 16,5 x 24,2 cm, Softcover
€ 29,80 [D], CHF 36,70, $45.00, £26.99
ISBN 978-3-7757-3872-9 (Deutsch)
Mai / May 2016
Weitere Titel der Reihe /
Other books in the series
Band 1 ist bereits erhältlich;
Die Bände 2 und 4 erscheinen im April und Oktober 2016;
die Bände 5 und 6 im März und August 2017 /
Volume 1 is already available;
volumes 2 und 4 will be published in April and in October 2016;
volumes 5 and 6 in March and in August 2017, respectively:
Architektur und Medien, ISBN 978-3-7757-3870-5
Musik und Medien, ISBN 978-3-7757-3871-2
Literatur und Medien, ISBN 978-3-7757-3873-6
Politik und Medien, ISBN 978-3-7757-3874-3
Theorie und Medien, ISBN 978-3-7757-3875-0
95
SARA VANDERBEEK S. / p. 112
OSTKREUZ S. / pp. 100/101
PAUL BULTEEL S. / p. 115
ANDREAS GEFELLER S. / p. 114
ANDRES SERRANO S. / pp. 106/107
OLAF OTTO BECKER S. / p. 109
STEFAN KOPPELKAMM S. / p. 110
BAMBERG SYMPHONY S. / p. 113
99
FOTO GR AFIE / PHOTO G R APH Y
»O STKREUZ, das heißt,
aufrichtig zu sein,
nicht mehr und nicht
weniger.«
Jubiläumsband zum 25. Geburtstag
der »Ostberliner« Agentur
Jubilee publication celebrating
the 25th birthday of the
Berlin-based photo agency
– M A RC US JAU E R
Ostkreuz
25 Jahre
Hrsg. / Ed. OSTKREUZ – Agentur der Fotografen, Vorwort von /
foreword by WOLFGANG KIL, Texte von / texts by LAURA BENZ,
JÖRG COLBERG, Gestaltung von / graphic design by
TILL WIEDECK, HelloMe
159 S./ pp., 166 Abb. / 150 ills., 26 x 35,6 cm, Softcover, in Mappe / in
folder
€ 38,– [D], CHF 46,40, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4062-3
(Deutsch / English / French)
Im Jahr 1990, kurz nach dem Fall der Mauer,
gründeten sieben ostdeutsche Fotografen
die in Berlin ansässige Agentur OSTKREUZ.
Durch Aufträge bedeutender Zeitschriften und
Tageszeitungen wie Stern, GEO, Newsweek
oder die New York Times sowie zahlreiche
Ausstellungen und Publikationen wurden
ihre Mitglieder rasch international bekannt.
Heute ist OSTKREUZ – mit der berühmten
Pariser Agentur Magnum als Vorbild – die
erfolgreichste von Fotografen geführte Agentur
in Deutschland. Ihr gehören inzwischen 20
Fotografen an, die nahezu alle mit nationalen
oder internationalen Preisen ausgezeichnet
wurden. Mit ihren unterschiedlichen Biografien
und Arbeitsweisen bilden sie eine bunt
gemischte Gruppe aus Ost und West, eines
aber vereint sie: ihr gesellschaftlich engagierter
Blick auf die Welt. Fotografie als Haltung.
Wir freuen uns sehr, Ihnen anlässlich des
25-jährigen Bestehens von OSTKREUZ eine
ungemein reiche Jubiläumsedition anbieten
zu können. Die Box versammelt hochwertige
Pigmentprints aller 20 Fotografen der Agentur:
»Jeder von ihnen sieht mit anderen Augen auf
die Welt, jeden interessiert etwas anderes
an ihr, jeder bricht in eine eigene Richtung auf.
Aber es gibt einen Punkt, von dem sie dabei
alle ausgehen und in dem sie sich stets wieder
treffen. Dieser Punkt heißt OSTKREUZ. […]
Es bedeutet, herangehen an die Wirklichkeit.
In ihr das Material finden, mit dem man
arbeitet. Bei dieser Arbeit den Kern der Dinge
erkennen, ihn abbilden und in diesem Abbilden
ehrlich bleiben. […]
In 1990, shortly after the Berlin Wall fell,
seven East German photographers founded
the Berlin-based agency OSTKREUZ. Their
members quickly became internationally
known through assignments from important
magazines and newspapers such as Stern, GEO,
Newsweek, and The New York Times, as well as in
numerous exhibitions and publications. Taking
after the Parisian agency Magnum, OSTKREUZ
is the most successful photographer-led
agency in Germany today. They now have
twenty photographers, and almost all of them
have received national or international awards.
With different backgrounds and work methods,
they are a colorful mixture of East and West,
but they all have one thing in common:
their socially committed view of the world.
Photography as attitude.
In celebration of the 25th anniversary of
OSTKREUZ, we are very pleased to be able
to offer you a tremendously rich anniversary
edition. The box contains high-quality
pigment prints by all twenty of the agency’s
photographers. “Each one of them sees the
world with different eyes; everyone is interested
in something else about it; everyone goes off in
their own directions. But there is one starting
point for all of them, where they always meet
again. This point is called OSTKREUZ. . . . It
means coming closer to reality. Finding in it the
material to work with. While doing this work,
recognizing things, photographing them, and
remaining honest in this process. . . . OSTKREUZ
means being sincere, no more and no less.”
Jubiläumsedition 25 Jahre OSTKREUZ /
OSTKREUZ 25th anniversary edition
Mit Arbeiten von / With photos by:
Marc Beckmann, Sibylle Bergemann, Jörg Brüggemann,
Espen Eichhöfer, Sibylle Fendt, Annette Hauschild,
Harald Hauswald, Tobias Kruse, Ute Mahler & Werner
Mahler, Dawin Meckel, Thomas Meyer, Julian Röder,
Frank Schinski, Jordis Antonia Schlösser, Anne
Schönharting, Linn Schröder, Stephanie Steinkopf,
Heinrich Völkel, Maurice Weiss
19 Pigmentprints auf Museo Silver Rag Papier, in Mappe, in Box /
AUSSTELLUNGEN /
EXHIBITIONS:
Goethe-Institut, Paris ab / starting November 2015 |
24 Beaubourg, Paris ab / starting November 2015 |
19 pigment prints on Museo Silver Rag paper, in folder, in box
Blattformat / Sheet size: 24 x 30 cm
Limitierte Auflage von 25, signiert, nummeriert /
Limited edition of 25, signed and numbered
Schleswig-Holstein-Haus, Schwerin ab / starting Juni / June 2016 |
Kunstfoyer München ab / starting Oktober / October 2016 |
€ 4.500,00
Und weitere Stationen / And further venues
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Eine Elegie auf ein Land:
eine fotografische Reise
durch das besetzte Palästina
Typologie sakraler Baukunst:
eine Fotostudie über armenische
Kirchenbauten in über 25 Ländern
An elegy on a region:
a photographic journey
through occupied Palestine
Typology of sacral sites:
a photographic study of Armenian
church architecture in over
twenty-five countries
Federico Busonero
Zwischen 2008 und 2009 unternahm
Federico Busonero im Auftrag der UNESCO
zwei ausgedehnte Reisen durch das besetzte
Westjordanland. Mit einer Analogkamera und
unverkennbar mit dem Herzen entstanden
Bilder, die uns kulturell bedeutsame, selten
gesehene Orte im Maschrek – der arabischen
Bezeichnung für das »Land der aufgehenden
Sonne« östlich des Nils– vor Augen führen:
Städte und Dörfer mit großer Geschichte,
überwältigende biblische Hügellandschaften
und uralte Olivenhaine, fruchtbare Wadis,
heilige Wüstenfriedhöfe sowie archäologische
Stätte mit jahrtausendealten Schätzen.
Ein kritischer und dennoch neutraler Blick
beleuchtet den drohenden Verlust des
kulturellen Erbes Palästinas in Bildern, die
zeigen, wie die heutige gebrochene Geschichte
gewaltsam von einer anderen Realität besetzt
wird, wie im Land, das bestehen bleibt,
Visionen der Hoffnung dieser Realität zum
Opfer fallen.
Seit 2007 arbeitet Claudio Gobbi (*1971 in
Ancona) an der systematischen Erfassung
armenischer Kirchenbauten vom Mittelalter bis
in unsere Tage. Die Serie mit dem Titel Arménie
Ville umfasst neben eigenen Aufnahmen des
Fotokünstlers auch gefundene Bilder aus
Archiven, dem Internet oder Auftragsarbeiten
anderer Künstler. In den Fotografien aus über
25 Ländern von Westeuropa bis zum Kaukasus
spürt der in Berlin lebende italienische Fotograf
den Besonderheiten sakraler armenischer
Baukunst und der bestechenden Einfachheit
ihrer Formen nach, die seit über 1500 Jahren
unverändert geblieben sind. Hierin setzt
Claudio Gobbi seine konsequente Suche nach
Schlüsselbildern verschiedener Kulturräume
fort und umkreist dabei die Themen Zeit,
Erinnerung, Migration und das kulturelle
Erbe eines Volkes sowie Konzepte von
Urheberschaft, Serialität und Repräsentation.
Commissioned by UNESCO, Federico Busonero
undertook two extensive journeys through the
West Bank of the Occupied Palestinian Territory
between 2008 and 2009. Using a traditional
film camera and unmistakably, his heart,
he created pictures that illustrate culturally
important, rarely seen places in the topography
of the Mashriq—the Arabic “places of sunrise”
to the east of the Nile—villages and cities with
extraordinary heritage, pastoral rolling hills
and ancient olive groves, fertile wadi ecologies,
sacred desert cemeteries, and vanishing
millennial archaeological sites. A critical yet
neutral gaze sheds light on the impending loss
of Palestine’s cultural legacy with images of
today’s broken history being occupied forcefully
by another’s reality, reflecting visions of hope
sacrificed in the land that remains.
Claudio Gobbi (*1971 in Ancona) has been
working since 2007 on the systematic recording
of Armenian religious architecture from
the Middle Ages to the present. Besides the
photographer’s own photographs, the series,
with the title Arménie Ville, also comprises
found images from archives, pictures from
the Internet and from commissioned artists.
Spanning more than twenty-five countries
from Western Europe to the Caucasus, the
Berlin-based Italian artist traces the specific
features of sacral Armenian architecture and
the captivating simplicity of its forms, which
have remained unchanged for more than 1,500
years. Investigating the concepts of authorship,
serialization, and representation, Claudio Gobbi
carries on his quest for key images of various
cultures and in the process addresses the
subjects of time, memory, migration, and the
cultural legacy of a people.
Claudio Gobbi
The Land that Remains – Photographs from Palestine
Texte von / Texts by GIOVANNI FONTANA ANTONELLI,
ANNE SANCIAUD AZANZA, Gestaltung von /
graphic design by BROOKS WALKER
Ca. € 45,– [D], CHF 54,90, $70.00, £40.00
ISBN 978-3-7757-4121-7 (English)
April 2016
Arménie Ville
A visual essay on Armenian architecture
Texte von / texts by HRIPSIMÉ VISSER, MARTINA CORGNATI,
FILIPPO MAGGIA, GIACOMO DANIELE FRAGAPANE,
Gestaltung von / graphic design by ROB VAN HOESEL
Ca. € 45,– [D], CHF 54,90, $70.00, £40.00
ISBN 978-3-7757-4115-6 (English, Italian)
Mai / May 2016
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Fondazione Fotografia
in Modena
Juni / June–September 2016
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2. AUFLAGE
des Bestsellers /
2ND EDITION
of the bestseller
Die bröckelnde Pracht des architektonischen Erbes
Kalkuttas, festgehalten auf prachtvollen Fotografien
The crumbling splendor of Calcutta’s architectural
heritage, captured in marvelous photographs.
Calcutta
Chitpur Road Neighborhoods. Kolkota Heritage Photo Project
Hrsg. / Ed. PETER BIALOBRZESKI, Vorwort von /
foreword by PETER BIALOBRZESKI, Texte von /
Im Kalkutta des 19. Jahrhunderts bildete
sich eine indische Elite, die sich in einem
eklektischen Stilmix aus traditioneller
Mogularchitektur und klassizistischen
Elementen die bengalische Variante der
Fabrikantenvilla errichtete. Heute sind die
einstmals großartigen Villen und Paläste nur
mehr ein Schatten ihres früheren Selbst.
Es scheint nur noch eine Frage der Zeit
zu sein, bis die letzten steinernen Zeugen
eines ehemals glanzvollen bengalischen
Großbürgertums für immer verschwinden.
21 Fotografiestudenten von der Hochschule
für Künste Bremen unter der Leitung von Peter
Bialobrzeski haben als »Kolkata Heritage
Photo Project« dieses unvergleichliche
kulturelle Erbe fotografisch festgehalten.
»Hätte Kalkutta den Appeal von Havanna,
es gäbe längst Coffee-Table-Books über die
alten Paläste«, schrieb die Süddeutsche Zeitung
am 22. April 2007. Wir präsentieren das
Desiderat bereits in der zweiten Auflage.
texts by MANISH CHAKRABORTI, FLORIAN HANIG
144 S. / pp., 74 Abb. / ills., 23 x 30 cm, Softcover
€ 29,80 [D], CHF 36,70, $45.00, £26.99
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In nineteenth-century Calcutta, a financially
strong Indian elite emerged under the rule of
the British East India Company, building up
eclectic Bengali equivalents of industrialists‘
mansions, apparent stylistic blends of
traditional Mughal architecture with more
classical elements. Today the erstwhile
magnificent villas and palaces retain only a
shred of their former splendor, and it seems
only a matter of time before the last stony
reminders of a once brilliant Bengali upper
middle class disappear for good.
Under the guidance of Peter Biaolobrzeski,
twenty-one photography students from the
Hochschule für Künste in Bremen captured
the fading, crumbling grandeur of this
culturally rich heirloom as part of the Kolkata
Heritage Photo Project. On April 22, 2007, the
Süddeutsche Zeitung wrote, “If Calcutta had the
appeal of Havana, its palaces would long ago
have become the subject of various coffee-table
books.” We now present this desideratum in
a second edition.
AUSSTELLUNG /
EXHIBITION:
Galerie Haus Schlangeneck,
Euskirchen
24.4.–21.5.2016
Bilder fremder Schönheit:
Leben zwischen den Geschlechtern
Images of foreign beauty:
life between the genders
Während seines Fotoprojekts Sonnenstraße,
bei dem Frank Gaudlitz (*1958 in Vetschau)
2010 Alexander von Humboldts Spuren über
die Anden folgte, begegnete er immer wieder
Transsexuellen – starken, stolzen Frauen,
die in einem männlichen Körper leben. Von der
Gesellschaft an den sozialen Rand gedrängt,
täglicher Diskriminierung und körperlicher
Gewalt ausgesetzt, bedarf es des Muts der
Amazonen, sich auch öffentlich zu ihrer
gewählten Geschlechtsidentität zu bekennen.
Zwischen 2013 und 2015 lebte Gaudlitz jeweils
mehrere Monate unter ihnen. In seinen Porträts
hält er die Fragilität und Verletzlichkeit fest,
die selbst hinter dick aufgetragener Schminke
schlummert. Hochstilisierte, stilllebenartig
wirkende Arrangements unterstreichen die
Melancholie seiner Bilderzählungen und
wirken wie Metaphern von Schönheit und
Vergänglichkeit, von Paradies und Qual.
Nachdem Gaudlitz’ Bilder bereits in zahlreichen
Ausstellungen zu sehen waren, erscheinen sie
nun in diesem anspruchsvollen Fotoband.
Frank Gaudlitz
A Mazo. Die Amazonen des Amazonas
During his photo project Sonnenstraße, during
which Frank Gaudlitz (*1958 in Vetschau)
followed the tracks of Alexander von Humboldt
over the Andes in 2010, he time and again
encountered transsexuals—strong, proud
women who live in male bodies. Marginalized
by society, exposed to discrimination and
physical violence on a daily basis, it requires
the courage of the Amazons to publically
admit to their choice of gender identity.
Between 2013 and 2015, Gaudlitz lived among
them for several months. In his portraits
he consistently succeeds in capturing the
fragility and vulnerability that slumbers even
underneath thickly applied makeup. Highly
stylized, almost painterly still life arrangements
support the melancholy of this pictorial
narrative and come across as metaphors
of beauty and impermanence, of paradise
and torture. After having been presented in
numerous exhibitions, the images are now
being published in this sophisticated volume
of photographs.
Text von / Text by CLAUDIA SCHUBERT,
Gestaltung von / graphic design by KARSTEN FRIEMEL TENY
136 S. / pp., 56 Abb. / ills., 24,5 x 28 cm, Leinen / clothbound
€ 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4075-3 (Deutsch, English, Spanish)
TM
www.hatjecantz.de
Ein neuer Blick auf Israel jenseits der
allgegenwärtigen Nachrichtenbilder
A new look at Israel beyond
the ubiquitous news images
Andres Serrano (*1950 in New York),
einer der profiliertesten internationalen
Gegenwartkünstler, erlangte vor allem
mit seiner Arbeit Piss Christ große Bekanntheit,
die bis heute nichts von ihrer verstörenden
Wirkung verloren hat. Religion, Sexualität
und Tod sind beherrschende Elemente
in seinem Werk. Katholisch aufgewachsen
in Williamsburg, Brooklyn, interessierte
Serrano sich schon früh für die chassidistische
Gemeinde Williamsburgs. Eine Einladung nach
Israel erweiterte auch seine künstlerische
Herangehensweise: Mit seiner Mamiya RB 67
näherte er sich dem Thema Glauben über
die Landschaft. Er besuchte die heiligen
Stätten, Bethlehem, Ramallah, Galiläa und
das Tote Meer, ging dann Schritt für Schritt,
Bild für Bild näher an die Menschen heran,
folgte ihnen durch den Alltag und zu Festen,
um zuletzt in intensiven Studioaufnahmen die
Spuren der Identität eines ganzen Staates in
den Gesichtern abzubilden. Ein eindrückliches
Zeugnis, aufgenommen kurz vor dem
Wiederauflammen des Nahostkonflikts.
Royal Museum of Fine Arts
of Belgium, Brüssel / Brussels,
18.3.–21.8.2016
MEP, Paris
Herbst / Fall 2016
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“I had no agenda other than
to photograph and investigate
as much of Jerusalem and
Israel as possible” – A N D R E S S E R R A N O
Andres Serrano (*1950 in New York), one
of the most celebrated representatives of
international contemporary photography and
art, achieved major prominence for his work
Piss Christ which to this day has not lost any
of its unsettling impact. Religion, sexuality,
and death are pervasive elements of his
oeuvre. Raised as a Catholic in Williamsburg,
Brooklyn, he became curious about the
Hasidic community there from an early age.
An invitation to Israel also expanded his
artistic strategy: using a Mamiya RB67, he
approached the subject of religious faith via
the landscape and the people. He visited sacred
sites, Bethlehem, Ramallah, Galilee, and the
Dead Sea; came closer to people step by step,
picture by picture, following them through
their everyday lives and to celebrations, to
ultimately depict the traces of the identity
of an entire nation in their faces in intense
studio photographs. Striking testimony
captured on film shortly before the resurgence
of the Middle East conflict.
Andres Serrano
Salvation
Gestaltung von / Graphic design by ALEX WIEDERIN, Buero New York
Ca. € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4124-8 (English)
März / March 2016
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Ein Traum aus Eis, ein Traum in Weiß …
Blau, Grün und Grau:
im Spiegelsaal der Gletscherhöhlen
Olaf Otto Beckers spektakuläre Fotobücher im Set zum Sonderpreis!
A dream out of ice, a dream in white . . .
blue, green, and gray: in the
hall of mirrors of the glacier caves
Olaf Otto Becker’s set of three spectacular photo books at a special price!
Bernd Nicolaisen
Restlicht. Photographs | Tableaux | Lightboxes
Iceland 2004–2015
Vorwort von / Foreword by KLAUS HONNEF, Texte von / texts by
ANDREA HENKENS, STEPHAN REISNER, CHRISTOPH
SIGRIST, ANDRES STAEGER, Gestaltung von / graphic design by
WALTER STÄHLI
192 S. / pp., 103 Abb. / ills., 25,6 x 30 cm, Leinen / clothbound
€ 58,– [D], CH 70,80, $85.00, £55.00
IBN 978-3-7757-4061-6
(Deutsch, English)
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Eindrucksvolle Dokumentationen nordischer Landschaften
zwischen Natur, Zivilisation und Klimawandel
Striking documentation of Nordic landscapes between nature,
civilization, and climate change
Gletscher, Vulkane und Höhlen – Orte der
Einsamkeit, Stille und Melancholie. Zugleich
Orte von ungemeiner Erhabenheit. Seit
2004 zieht es den Schweizer Fotografen
Bernd Nicolaisen (*1959 in Aarberg) für seine
Aufnahmen immer wieder nach Island, dem
Land der Gletscher und Geysire. Mit einer
Großbildkamera ausgerüstet, begibt er sich
auf faszinierende Expeditionen tief ins Innere
von Eishöhlen – das imaginäre Bild stets vor
Augen. Weder Mensch noch Tier haben die
eisigen Spiegelsäle jemals zuvor betreten
oder zu Gesicht bekommen, in denen allein
bizarre Eis- und Gesteinsformationen den
Raum beherrschen und das Licht in magischer
Weise brechen. Aus der Distanz betrachtet,
gewinnen Nicolaisens Fotografien an Form und
Tiefe, während sie in der Nahsicht in kristalline
Strukturen zerfallen. Durch die extremen
Lichtbedingungen, dem Rest Licht, das in
die Höhlen dringt, wird jedes Bild zu einer
Entdeckungstour, die es in diesem Katalog
zu erleben gilt.
Seit über zehn Jahren bereist Olaf Otto Becker
(*1959 in Travemünde) den hohen Norden,
um nach dem noch nie gesehenen Bild der
Urlandschaft zu suchen, in der das Auge an
die Grenzen des gewohnten Sehens stößt
und die Natur zum Spiegel der Seele wird.
Er beobachtet geografische Besonderheiten
und wartet optimale Lichtverhältnisse ab,
bis er Bilder erschaffen kann, die von großer
Klarheit, Weite und Konzentration zeugen.
Ob entlang der Küstenlinie und im Inlandeis
Grönlands (Broken Line und Above Zero)
oder in den entlegensten Regionen Islands,
immer offenbaren seine Fotostudien neben
der überwältigenden Schönheit dieser
Eislandschaften auch deren existenzielle
Bedrohung. Selbst in vollkommen unbelebten
Gegenden hat der menschliche Einfluss fatale
Folgen: Staub und Ruß aus der Luft lagern sich
als schwärzliche Krusten ab, was zusätzlich
zur globalen Erwärmung das Abschmelzen
des Eisschildes noch beschleunigt – mit wohl
unabwendbar katastrophalen Folgen.
Glaciers, volcanoes, and caves—places of
solitude, tranquility, and melancholy. At the
same time places of tremendous sublimity.
Since 2004, the Swiss photographer Bernd
Nicolaisen (*1959 in Aarberg) has been
drawn time after time to Iceland, the land
of glaciers and geysers. Equipped with a largeformat camera, he sets out on fascinating
expeditions deep into the bowels of glacial
caves in search of fabulous images. Neither
man nor animal has ever set foot in or their
eyes on the frigid halls of mirrors, in which
the space is dominated solely by bizarre ice
and rock formations that magically refract
the light. Viewed from a distance, Nicolaisen’s
photographs gain form and depth, while
up close they disintegrate into crystalline
structures. Due to the extreme light conditions,
the residual light that penetrates into the caves,
each of the images in the catalogue takes
readers on a truly spectacular discovery tour.
For over ten years now, Olaf Otto Becker
(*1959 in Travemünde, Germany) has traveled
the Far North on a search for the first ever
image of the primeval landscape, where
the eye reaches the limits of familiar vision
and nature becomes a mirror of the soul. He
observes distinctive geographic features and
waits for the ideal light conditions for taking
photographs that testify to great clarity,
breadth, and concentration. Whether along
the coastline or on the Greenland ice sheet,
or into Iceland’s most remote regions (Broken
Line and Above Zero), his photographic studies
always reveal the overwhelming beauty of
these icescapes as well as their existential
endangerment. Even here, in these completely
uninhabited regions, human influences have
fatal consequences: dust and soot in the air
form black, crusty deposits that, in conjunction
with global warming, accelerate the melting
of the ice sheets—with no doubt unavoidable
catastrophic consequences.
Olaf Otto Becker-Set
Set aus / Set containing:
Broken Line, Above Zero, Under the Nordic Light
488 S. / pp., 244 Abb. / ills., 34 x 27 cm, Set aus 3 Bänden,
Leinen / set of 3 clothbound volumes
€ 128,– [D], CHF 153,80, $195.00, £120.00
ISBN 978-3-7757-4117-0
109
Stadtraumreisen:
ein Gang durch drei Werkzyklen
Einfach genial: im Spiel von
Differenz und Wiederholung
Journeys through urban space:
a walk through three cycles of works
Simply brilliant: difference
and repetition at play
Mit Häuser Räume Stimmen fängt Stefan
Koppelkamm (*1952 in Saarbrücken) nicht
nur grundlegende Elemente des Stadtraums
ein, er inszeniert mit ihnen auch ein Spiel
unterschiedlicher Zeiten. Im Zentrum des
Katalogs steht das Ortszeit-Local-TimeProjekt, mit dem der Fotograf 1990 begann.
Kurz nach dem Fall der Mauer reiste er durch
Ostdeutschland und hielt in Schwarz-WeißAufnahmen Häuser, Straßen und Plätze
fest. Zehn Jahre später suchte er diese Orte
wieder auf und fotografierte sie von den exakt
gleichen Standpunkten aus ein zweites Mal.
Die Veränderungen sind frappierend: Ein
gesellschaftlicher wie ökonomischer Wandel
zeigt sich in jedem dieser Bilder. Ergänzt
durch aktuelle Stadtimpressionen – riesige
Fensterfassaden und
überdimensionale
Werbeplakate –
sowie urbane
Klangcollagen, entwirft
Koppelkamm ein
Panorama, das nicht
nur den Raum, sondern
auch die Zeit umfasst.
Stefan Koppelkamm
Häuser Räume Stimmen /
Houses Rooms Voices
AUSSTELLUNG /
EXHIBITION:
Museum der bildenden
Künste Leipzig
14.2.–29.5.2016
Texte von / Texts by ARNOLD BARTETZKY,
BERNADETTE DUFRÊNE, VALENTIN
GROEBNER, ANNETT GRÖSCHNER,
HANS-WERNER SCHMIDT, INES WEIZMAN
Ca. € 35,– [D], CHF 42,70, $55.00, £32.50
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With Houses Rooms
Voices, Stefan
Koppelkamm (*1952 in
Saarbrücken) not only
collects basic elements of urban space. The
catalogue also uses them to stage a game with
different times. It focuses on the Local Time
project, which the photographer initiated in
1990. Shortly after the fall of the Berlin wall, he
travels through eastern Germany and captures
houses, streets, and squares in black-and-white
photographs. Ten years later, he seeks out
these places a second time and takes pictures
of them from exactly the same position. The
changes are remarkable: social and economical
transformations permeate each of these
images. Supplemented by contemporary urban
impressions—enormous window façades
and huge billboards—as well as urban sound
collages, Koppelkamm creates a panorama that
embraces not only space, but time as well.
Peter Liversidge ist ein Konzeptkünstler, der
die Grenzen der Kunst im 20. Jahrhundert
erweitert hat. Sein facettenreiches Œuvre
hat einen einzigartigen Ausgangspunkt –
maschinenschriftliche Vorschläge, durch die
er fast jedes Medium erkundet: Zeichnung,
Performance, Installation, Fotografie,
Druckgrafik, Malerei, Skulptur, Interventionen
und Künstlerbücher. Dieses Buch bringt zum
ersten Mal Liversidges außerordentliche
Werkgruppe zusammen, in der er mithilfe der
Sofortbildfotografie das Vergehen der Zeit und
der Erinnerung untersucht. Mit einer Handkamera
nimmt Liversidge zwei Bilder auf –
das ursprüngliche, sorgfältig ausgewählte Bild
leitet die Komposition des zweiten Bildes, das
aufgenommen wird, sobald das erste entwickelt
worden ist, und das versucht, das zu replizieren,
was genau zum Zeitpunkt der ursprünglichen
Belichtung erfasst wurde. Zwangsläufig treten
Unterschiede zwischen den beiden Aufnahmen
zutage. Diese manchmal großen, manchmal
feinen Unterschiede sind die Schlüssel zu den
Werken, nicht nur hinsichtlich ihrer Interpretation,
sondern auch, weil sie das Vergehen der Zeit
festhalten – was die jeweils einzelnen Bilder für
sich genommen nicht können.
Peter Liversidge
Twofold
Hrsg. / Ed. SEAN KELLY, Texte von / texts by ALEC SOTH,
COLM TÓIBÍN, Gestaltung von / graphic design by
VERENA GERLACH
Ca. 192 S. / pp., ca. 80 Abb. / ills., 24,2 x 29 cm, Leinen / clothbound
A conceptual artist pushing the boundaries of
art in the twenty-first century, Peter Liversidge’s
diverse oeuvre has a singular starting point, typewritten proposals through which he explores
almost every medium: drawing, performance,
installation, photography, printmaking, painting,
sculpture, interventions, and artist’s books.
This book, for the first time, brings together
Liversidge’s extraordinary body of work
investigating the passing of time and memory
through instant photography. Using a hand-held
camera, Liversidge takes two images—the initial,
carefully selected image guides the composition of
the second image, which is taken moments after the
first is developed and which attempts to replicate
what was captured at the exact point of the original
exposure. Sometimes profound, sometimes subtle,
inevitable differences between the pair become
evident. These differences are key to the works, not
only in their reading, but also through their record
of the passing of time—a quality not present in the
individual images on their own.
Ca. € 45,– [D], CHF 54,90, $70.00, £40.00
ISBN 978-3-7757-4120-0 (English)
März / March 2016
111
www.hatjecantz.de
Musik erleben in Wort und Bild
Innovative Arbeiten im Spannungsfeld
zwischen Installation und Fotografie
Der Jubiläumsband zum 70-jährigen Bestehen
eines der zehn besten Orchester der Welt
Innovative works in the interplay between
installation and photography
Sara VanDerBeek
Experience music in words and pictures
Sara VanDerBeeks (*1976 in Baltimore)
fotografische und skulpturale Arrangements
greifen die aus der Dichtung bekannte
ökonomische Verwendung von Struktur,
Phrasierung und Rhythmus auf, um
Bilder und multiple Prozesse innerhalb
eines rigoros gestalteten Rahmens
aufzuheben. Diese erste Studie in Buchlänge
präsentiert eingehende Interpretationen
von VanDerBeeks Experimenten mit der
fotografischen Aufnahme, mit Abzügen,
Gussbetonformen und gebauten Umgebungen,
die auf verschiedene materielle Kulturen
zurückgreifen.
Letztlich bietet das Buch eine reichhaltige
Auswahl von Zufällen, Prozessen, Physikalitäten,
Reflexionen über und Erinnerungen an Orte
in Detroit, New Orleans, Los Angeles, Rom,
Paris, Neapel, Rotterdam und New York, die
sie von 2006 bis 2016 besucht hat.
Beiträge internationaler Fachleute
und Kuratoren betrachten nicht nur
VanDerBeeks grundlegende Praxis aus
einem ungewöhnlichen Blickwinkel, sondern
untersuchen auch, wie sie die derzeitigen
Debatten über die Beziehung zwischen Bild
und Objekt in der zeitgenössischen Kunst prägt.
Gespräch mit / Conversation with ROXANA MARCOCI,
Text von / text by INA BLOM, MARK GODFREY, Gestaltung von /
graphic design by GABRIELE SABOLEWSKI
Ca. 176 S. / pp., ca. 110 Abb. / ills., 21 x 29,7 cm, Softcover
Ca. € 35,– [D], CHF 42,70, $55.00, £32.50
ISBN 978-3-7757-4108-8 (English)
Mai / May 2016
Sara VanDerBeek’s photographic and sculptural
arrangements emulate a poet’s economic
use of structure, phrasing, and rhythm
to suspend images and multiple processes
within a rigorously shaped framework.
This first book-length study presents close
readings of VanDerBeek’s (*1976 in Baltimore)
experimentation with photographic capture,
prints, cast-concrete forms, and built
environments that draw on diverse
material cultures.
Ultimately, the book richly distills
the chance, process, physicality, reflection,
and recollection of her site visits to Detroit,
New Orleans, Los Angeles, Rome, Paris,
Naples, Rotterdam and New York between
2006 and 2016. Contributions by international
scholars and curators offer an oblique angle not
only into VanDerBeek’s vital practice, but also
the ways she shapes current debates on the
relationship between image and object within
contemporary art.
In celebration of the seventieth anniversary
of one of the ten best orchestras in the world
Kann man die Faszination von Musik auch
in Text und Bild ausdrücken? Dieser Frage
gehen die Lyrikerin Nora Gomringer und der
Dokumentarfotograf Andreas Herzau in einer
neuartigen Versuchsanordnung nach. Sie
tauchen ein in den Kosmos der Bamberger
Symphoniker: Zuhause in Bamberg, auf
Tournee in der Welt – das ist der Alltag dieses
außergewöhnlichen Orchesters. Während
Herzau die Position des teilnehmenden
Beobachters ausfüllt, entlockt die IngeborgBachmann-Preisträgerin 2015 mit ihrem
lyrischen Ansatz dem Orchester die dazu
gehörige Stimme. Sowohl das Spiel auf als
auch hinter der Bühne wird eingefangen, der
einzelne Musiker wie auch sein Anteil am
Ensemble beleuchtet.
Das Ergebnis ist ein Buch, in dem Lyrik und
Fotografie zusammentreffen und einen
gemeinsamen Ton finden, um das Unsichtbare,
die Musik, sichtbar zu machen!
Can the fascination for music also be
expressed in words and pictures? The lyricist
Nora Gomringer and the documentary
photographer Andreas Herzau pursue this
question within the scope of an innovative test
arrangement. They plunge into the cosmos of
the Bamberg Symphony: at home in Bamberg,
on international tours—this is the daily routine
of this extraordinary orchestra. While Herzau
assumes the role of the participant observer,
with her overall lyrical approach this year’s
winner of the 2015 Ingeborg Bachmann Prize
coaxes the necessary voice from the orchestra.
They capture what is being played both on
as well as behind the stage, and shine a light
on individual musicians as well as their place
within the group.
The result is a book in which lyric poetry and
photography act in concert for the purpose of
making the invisible, the music, visible!
Bamberg Symphony
Texte von / Texts by NORA GOMRINGER, Fotografien von /
photographs by ANDREAS HERZAU
Ca. 136 S. / pp., ca. 90 Abb. / ills., 24,5 x 31,5 cm, Leinen mit
Schutzumschlag / clothbound with dustjacket
Ca. € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00
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Die Zukunft ist jetzt: ein
fotografisches Experiment
Die Reste der Gesellschaft –
gesammelt und zurückgewonnen
The future is now:
a photographic experiment
Society’s leftovers—
collected and reclaimed
Andreas Gefeller (*1970 in Düsseldorf) suchte
bereits in seinen Serien Supervisions und The
Japan Series nach dem großen Überblick. In
seinem jüngsten Fotoprojekt Blank nähert
er sich der Erde zunächst aus dem All
und präsentiert verführerisch strahlende
Satellitenbilder von Ballungszentren bei Nacht.
In ihnen verbinden sich technoide Lichtbahnen
und Leuchtgitter zu kristallinen Schaltbildern
menschlicher Existenz. Scheinbar in die
leuchtenden Zentren hineinzoomend, verliert
sich dann in den extrem überbelichteten
Aufnahmen jeder Haltepunkt, an dem das
Auge Orientierung finden könnte. Selbst
massiv erscheinende Fassaden und Raffinerien
werden zu filigranen, fast zeichnungsartigen
Strukturen auf weißem, blankem Papier,
und die Konturen von Containersilos oder
Serverräumen gerinnen zu pulsierenden
Mustern, die an binäre Codes erinnern: Das
Licht verwandelt die Fläche des Fotos in einen
randlosen und transparenten Raum und
wird zur Metapher für eine in Sinnesreizen
ertrinkende Welt. Die Grenzen der Fotografie
werden sprichwörtlich aufgelöst.
Andreas Gefeller
Blank
Text von / Text by DAVID CAMPANY, Gestaltung von /
graphic design by ANDREAS GEFELLER
Ca. € 40,– [D], CHF 48,70, $60.00, £35.00
März / March 2016
114
Andreas Gefeller (*1970 in Düsseldorf) sought
the greatest overview as early as in his series
Supervisions and The Japan Series. In his
most recent photo project, Blank, he initially
approaches the earth and presents seductively
radiant satellite images of conurbations by
night. The images combine technoid strips
of light and light grids to become crystalline
circuit diagrams of human existence.
Apparently zooming in on the radiating
centers, the eye finds no halt in the extremely
overexposed photographs. Even massive
façades and refineries become filigree, almost
drawing-like structures on blank white paper,
and the contours of container silos or server
rooms congeal to become pulsating patterns
that are reminiscent of binary codes: the light
transforms the photograph’s surface into a
borderless and transparent space and becomes
a metaphor for a world drowning in sensory
stimuli. The boundaries of photography are
proverbially dissolved.
Er gehört zum Leben wie die Luft zum Atmen:
Die Rede ist von Müll. Wenn er nachlässig
verwaltet wird, zerstört er Lebensräume
an Land, in Flüssen und Meeren und
verursacht gravierende Gesundheitsschäden.
Müllvermeidung und Recycling sind daher von
großer Bedeutung.
Aber was versteht man überhaupt unter
Wiederverwertung? Auch wenn der Begriff
geläufig ist, hat kaum jemand Bilder von
Wiederverwertungsanlagen vor Augen.
Der belgische Fotograf Paul Bulteel nimmt
sich dieser Aufgabe an, fasziniert vom
Massenausstoß der Konsumgüter und einem
Prozess, der weggeworfenem Papier, Metall,
Glas- und Kunststoffprodukten, komplexen
Haushaltsgeräten und Maschinen
immer neue Formen verleiht. Seine gut
dokumentierten Aufnahmen faszinieren,
machen aber auch nachdenklich.
Waste: like the air we breathe, it is part of life.
When badly managed, it destroys habitats on land,
pollutes the air, and befouls our rivers and oceans.
For human populations this translates into major
health issues. Avoiding excess consumption and
recycling waste are therefore crucial.
But what does recycling really mean? Although
the term is familiar, hardly anyone can form
a mental picture of what recycling actually
entails. Belgian photographer Paul Bulteel takes
on this task in a series of striking and highly
illuminating photographs of what happens
when our discarded paper, metal, glass, plastic,
appliances, clothing and countless other
industrial byproducts and leftovers are broken
down and transformed into new materials.
Visually fascinating and well documented,
these images give us food for thought.
Paul Bulteel
Cycle & Recycle
Einführung von / Introduction by JOHAN PAS, Texte von / texts by PAUL
BULTEEL, Gestaltung von / graphic design by JULIA WAGNER, grafikanstalt
176 S. / pp., ca. 101 Abb. / ills., 29 x 24 cm, Hardcover
Ca. € 45,– [D], CHF 54,90, $70.00, £40.00
ISBN 978-3-7757-4105-7 (English)
115
UP UP S. / p. 123
UP UP S. / p. 123
KIRSTEN & NATHER S. / p. 125
UP UP S. / p. 123
ELEMENTAL S. / p. 120
GLASS | WOOD S. / p. 122
118
UP UP S. / p. 123
119
www.hatjecantz.de
2. Auflage des Bestsellers: das Standardwerk
des Direktors der Architekturbiennale
2016 in Venedig
Katalog zum Deutschen Pavillon auf der
Architekturbiennale von Venedig:
Einwanderung im Fokus
Second edition of the bestseller: the standard
work by the director of the 2016 International
Architecture Exhibition in Venice
Catalogue accompanying the German Pavilion
at the International Architecture Exhibition
in Venice: immigration in the spotlight
Aus Elemental, das als akademische Initiative
zur Verbesserung der Lebensqualität
armer Bevölkerungsschichten begann,
ist ein professioneller Do Tank geworden,
der das gesamte Spektrum innovativer
Stadtentwicklung anbietet. Alejandro Aravena
(*1967 in Santiago de Chile) gründete das Büro
2001 in seiner Heimatstadt mit der Absicht,
die soziale Not unmittelbar zu lindern, anstatt
auf mehr Gerechtigkeit über einen Ausgleich
in den Einkommensverhältnissen zu hoffen.
Kein Dach über dem Kopf zu haben, bedeutet
das geringere Übel gegenüber mangelndem
Zugang zu Bildung, Arbeit, Gesundheit
und Freizeit. Neben dem Bau öffentlicher
Einrichtungen und Sozialwohnungen
entwickelt Elemental neue Ansätze, um die
Ressourcen und das Potential von Städten
durch Infrastruktur- und Transportprojekte
weltweit neu zu organisieren. Die Publikation
dokumentiert die soziale Arbeit und Geschichte
des internationalen Teams und zeigt Strategien
der Finanzierung, etwa durch partizipativen Bau.
Elemental
Incremental Housing and Participatory Design Manual
Texte von / Texts by ALEJANDRO ARAVENA, ANDRÉS
IACOBELLI, Gestaltung von / graphic design by ELEMENTAL
512 S. / pp., 200 Abb. / ills., 17.4 x 24.2 cm, Softcover
€ 39.80, CHF 48,60, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4142-2
(English, Spanish)
März / March 2016
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What began as an academic initiative to
improve the quality of life of poor strata
of the population has meanwhile become
a professional “do tank” offering services
that cover the entire spectrum of urban
development. Alejandro Aravena (*1967 in
Santiago de Chile) founded Elemental in 2001
in his hometown with the goal of alleviating
social deprivation directly instead of hoping
for a balance of income relations. Besides
building public facilities and public housing,
Elemental also develops new approaches
for the reorganization of resources and the
potential of cities by means of projects devoted
to infrastructure and transportation. This
publication documents the social activity and
history of the international architectural team
and sheds light on its financing strategies, for
example through participative building.
Die aktuelle Flüchtlingssituation ist
der Ausgangspunkt für die Ausstellung
im Deutschen Pavillon auf der 15.
Architekturbiennale 2016 in Venedig.
Nicht nur der Status quo überfüllter
Erstaufnahmeeinrichtungen oder notwendige
Ad-hoc-Planungen für neue Unterkünfte
sind das Thema des Pavillons. Was passiert
danach, damit aus den Neuankömmlingen,
die legal in Deutschland bleiben, Einwanderer
werden, die sich in die deutschen Gesellschaft
integrieren? Das Buch Arrival City des
kanadischen Journalisten Doug Saunders
hält dazu einige überraschende Antworten
parat, sodass Saunders als Berater in das
Team des Deutschen Pavillons aufgenommen
wurde. Seine anhand von Recherchen in über
20 Städten auf 5 Kontinenten entwickelten
Forderungen lassen sich auch auf die Situation
in Deutschland übertragen. Einige von
Saunders´ Thesen sind konsensfähig, andere
provozieren.
The current refugee situation is the starting
point for the exhibition in the German
Pavilion at the 15th International Architecture
Exhibition at the Venice Biennale 2016. The
theme of the pavilion is not only the status
quo of overcrowded reception centers for
refugees or the necessary ad hoc plans for new
housing. What happens afterwards, so that
the new arrivals remain in Germany legally,
achieve immigrant status, and are integrated
into German society? The book Arrival City by
the Canadian journalist Doug Saunders has
several surprising answers to this question
at hand, with the result that he was taken
on as a consultant for the German Pavilion.
His demands, which he developed based on
research conducted in more than twenty cities
on five continents, can also be applied to the
situation in the German cities of arrival. While
some of Saunders’s theories draw a consensus,
others are provocative.
Making Heimat
Germany, Arrival Country
Hrsg. / Ed. OLIVER ELSER, PETER CACHOLA SCHMAL,
ANNA SCHEUERMANN, Texte von / texts by DOUG
SAUNDERS u. a. / et al., Gestaltung von / graphic design
by SOMETHING FANTASTIC, Berlin
Ca. € 9,80 [D], CHF 11,80, $8.99, £15.00
ISBN 978-3-7757-4141-5 (English)
Mai / May 2016
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ARCH I TEKTUR / ARC HIT E C T U R E
Kengo Kuma: transzendente
Architektur in maximaler Reduktion
Kengo Kuma: transcendental
architecture reduced to a maximum
“Without this project,
I do not think that I would
be the person I am today.”
Das alte und das neue Leben im
modernistischen Hochhaus
Johannesburgs mondäne Wolkenkratzer
als Zeitzeugen der politischen Geschichte
– KENGO KUMA
The old and the new life in the
modernist highrise
Ausblicke, Durchblicke, Einblicke – Kengo Kuma
(*1954) und Erieta Attali (*1966) ergänzen sich
in ihrer künstlerischen Aussage ideal: Für beide
liegt das Hauptaugenmerk ihrer Arbeit im
Einbezug der Landschaft, nicht die vorgestellte
Architektur spielt die Hauptrolle, sondern
deren Kommunikation mit der Außenwelt.
Naturausschnitte und die Verschränkung
von Innen- und Außenraum prägen die
erstklassigen Fotografien von Erieta Attali.
Kengo Kuma verbindet in seinen einzigartigen
Arbeiten auf unverwechselbare Art und
Weise japanische Architekturtraditionen mit
denen der Architekturmoderne. Architektur
bildet dabei eine Brücke für die Begegnung
des Menschen mit der Natur. Mit seinem
sensiblen Erweiterungsbau für eine von Philip
Johnson gebaute Mid-century-Ikone in New
Canaan, Connecticut, den die vorliegende
Monografie einfühlsam porträtiert, wurde
Kuma im Westen bekannt.
GLASS | WOOD
Erieta Attali on Kengo Kuma
Texte von / Texts by ALESSIO ASSON ITIS, ER I ETA ATTALI,
KENGO KUMA, JOAN OCKMAN, KEN TADASHI OSHIMA,
SUSAN LEAMING POLLISH, Fotografien von / photographs by
ERIETA ATTALI, Gestaltung von / graphic design by KENYA HARA
Ca. € 48,– [D], CHF 58,60, $75.00, £45.00
ISBN 978-3-7757-4086-9 (English)
122
Kengo Kuma (*1954) and Erieta Attali (*1966)
complement one another perfectly in terms
of their artistic statement: both focus on
the inclusion of the landscape. It is not the
architecture as such that plays the primary role
but the way it communicates with the outside,
the surrounding world. Details from nature
and the intricate connection of interior with
exterior space characterize the photographs by
the first-class photographer Erieta Attali. In
his unique works, Kengo Kuma combines
Japanese traditions in architecture with those
of modern architecture. His architecture
constitutes a bridge where the individual and
nature meet. Kuma became famous in the
West for his sensitive extension to the midcentury icon by Philip Johnson in New Canaan,
Connecticut, which this exquisite monograph
insightfully discusses and portrays.
Johannesburg’s mundane skyscrapers as
contemporary witnesses of politial history
Die Publikation Up Up – Stories of
Johannesburg’s Highrises präsentiert eine
Auswahl von Gebäuden in der Innenstadt
von Johannesburg. Der Schwerpunkt liegt auf
hohen modernistischen Türmen, die zur Zeit
ihrer Erbauung Prestigebauten waren. Als
Zeugen tiefgreifender Umschwünge in der
politischen Geschichte der Metropole haben
sie umfangreiche Veränderungen durchlaufen.
Dokumentiert werden die Bauten in zwei
Erzählsträngen: Einerseits wird anhand von
Fakten, Grundrissen, Archivmaterial und
zeitgenössischen Innen- und Außenansichten
die Architektur formal vorgestellt. Andererseits
gibt es zu jedem Gebäude eine Reportage
oder einen subjektiven Essay über dessen
Innenleben. Interviews mit Bewohnern,
gründlich recherchierte Texte zu aktuellen
Themen und Beiträge unabhängiger Autoren,
Künstler und Fotografen gestatten Einblicke
in das alte und neue Leben dieser Türme.
The publication Up Up— Stories of
Johannesburg’s Highrises presents a selection
of buildings in the inner city of Johannesburg.
The focus lies on tall modernist towers that
stood out at the time they were constructed.
Witnesses to profound shifts in the political
history of the metropolis, the buildings have
gone through immense changes. They are
documented in two distinct sections: on the
one hand, the formal architecture is presented
with facts, floor plans, archival discoveries,
and contemporary images of the interior and
the exterior. On the other, each building is
accompanied by a reportage or subjective
essay on the inner workings of the building.
Interviews with residents, research-based texts
on contemporary issues, and independent
contributions from invited writers, artists, and
photographers allow brief insights into the
old and new lives of these towers.
Up Up
Stories of Johannesburg’s Highrises
Hrsg. / Ed. NELE DECHMANN, FABIAN JAGGI, KATRIN
MURBACH, NICOLA RUFFO, Fotografien von / photographs
by MPHO MOKGADI, Gestaltung von / graphic design
by GREGOR HUBER & IVAN STERZINGER
Ca. € 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4093-7 (English)
März / March 2016
123
www.hatjecantz.de
Erstes Überblickswerk zu den Bauten von Franz
Roeckle, einem fast vergessenen Architekten
Eine Trouvaille: Wiederentdeckung eines Berliner
Architektenteams der Nachkriegsmoderne
The first comprehensive volume on the buildings
by Franz Roeckle, a largely neglected architect
A lucky find: rediscovery of a Berlin-based team
of architects from the modern postwar period
Es mag erstaunen, dass ein Überblickswerk
zu den Bauten des Liechtensteiner
Architekten bis dato ausblieb. Der ambigue
Werdegang, den Franz Roeckle (1879–1953)
beschritt, und die Unvereinbarkeit seiner
politischen und ästhetischen Positionen
mögen zu Teilen Antwort darauf geben:
Kurz nach dem Studium bei Theodor Fischer
gewinnt er den Wettbewerb für den Bau
der Westend-Synagoge. Sie wird eine seiner
bedeutendsten Bauten und verschafft ihm
weitere Großbauprojekte im Raum Frankfurt.
Zu ihnen gehören das Krankenhaus der
Israelitischen Gemeinde und das Israelitische
Schwesternheim. 1923 sympathisiert der
Architekt mit der NSDAP, der er 1932 beitritt.
Dennoch entsteht 1924 das Institut für
Sozialforschung unter seiner Federführung.
Zudem ist er ausführender Architekt der
Heimat-/Riedhofsiedlung unter Leitung
von Ernst May und maßgeblich am Bau der
Karlsruher Siedlung Dammerstock von Walter
Gropius beteiligt. Diese Publikation liefert
ein umfassendes und kritisches Bild des fast
vergessenen Architekten des Neuen Bauens.
Franz Roeckle
Bauten 1902-1933
Vorwort von / Foreword by CORNELIA KOLB-WIECZOREK,
Texte von / texts by HUBERTUS ADAM, FLORIN FRICK, PETER GEIGER,
CHRISTOPH JOBST, WOLFGANG VOIGT, Gestaltung von /
graphic design by PETER ZIMMERMANN
176 S. / pp., 235 Abb., 25 x 30 cm, Leinen / clothbound
€ 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4089-0 (Deutsch)
124
It may come as a surprise that a comprehensive
volume on the buildings by the Liechtenstein
architect has never been published. A partial
reason for this may be found in the ambiguous
personal background of Franz Roeckle (1879–
1953) and the incompatibility of his political and
aesthetic stances: shortly after studying under
Theodor Tischer, he won the competition for
the construction of the Westend synagogue.
It would become one of his most notable
buildings and earned him further largescale construction projects in the region
of Frankfurt, including the hospital of the
Israelite community and the Israelite nurses’
residence. In 1923 the architect sympathized
with the National Socialist German Workers’
Party, which he joined in 1932. Yet in 1924 he
was in charge of the building of the Institute
of Social Research. He was furthermore the
architect responsible for the Riedhof residential
estate under the direction of Ernst May and
was instrumental in the construction of the
Dammerstock colony by Walter Gropius.
This publication provides a comprehensive
and critical picture of the all-but-forgotten
architect of New Building.
Die Berliner Baugeschichte wäre ärmer
ohne sie: Das Architekturbüro von Klaus
Kirsten (1929–1999) und Heinz Nather
(*1927) zeichnete verantwortlich für eine
Reihe von individuellen, unkonventionellen
Wohnbauten und baukünstlerisch
herausragenden Fabrikationsgebäuden.
Seine Wiederentdeckung verdankt das
Architektenteam der Umnutzung und
Wiederbelebung des Rotaprint-Geländes im
Berliner Wedding mit seinen beiden kubischen
Betontürmen. Die Initiatoren von ExRotaprint
und heutigen Betreiber der Anlage begannen –
motiviert von der faszinierenden Architektur –
Material über die Architekten zu sammeln
und fanden über eine Anzeige in der Bauwelt
schließlich zu Heinz Nather und dessen Archiv.
Das entstandene Buch gibt einen Überblick
über das Gesamtwerk von Kirsten & Nather
und ordnet es in die bundesrepublikanische
Nachkriegsmoderne ein. Besondere Beachtung
finden dabei ihre überraschend offen und
komplex gestalteten Wohngrundrisse
der 1950er- und 1960er-Jahre sowie die
Fabrikationsbauten der beiden Architekten
als frühe Beispiele für eine »Corporate
Architecture«.
Kirsten & Nather
The architectural history of Berlin would be
poorer without them: the architects Klaus
Kirsten (1929–1999) and Heinz Nather (*1927)
were responsible for a number of individual,
unconventional residential buildings and
outstanding manufacturing plants. Their
rediscovery is ascribable to the Rotaprint
complex in the Wedding district of Berlin with
its two cubical concrete towers. Inspired by
the fascinating architecture, the initiators
of ExRotaprint and current operators of the
plant began to collect material about the
architects and discovered Heinz Nather and
his archive by way of an announcement in the
journal Bauwelt. The resulting book provides
an overview of Kirsten & Nather’s body of
architectural work and classes it with the
modern postwar period in the Federal Republic
of Germany. Special attention is given to their
surprisingly open and complexly designed
residential floor plans from the fifties and the
sixties as well their manufacturing plants as
early examples of corporate architecture.
Wohn- und Fabrikationsgebäude zweier West-Berliner Architekten
Hrsg. / Ed. DANIELA BRAHM, LES SCHLIESSER / EXROTAPRINT, Texte
von / texts by FRANK SEEHAUSEN, ALEXANDER HOFF,
GUNDULA LANG, ELMAR KOSSEL, DANIELA BRAHM,
LES SCHLIESSER, THOMAS STEIGENBERGER, Gestaltung von /
graphic design by DANIELA BRAHM, CARSTEN EISFELD
272 S. / pp., 245 Abb. / ills., 19 x 26 cm, Halbleinen / half cloth
€ 39,80 [D], CHF 48,60, $60.00, £35.00
ISBN 978-3-7757-4068-5 (Deutsch)
125
BI LD N ACHWE IS / C RE DITS
2
Redaktionssitzung mit Frank Horvat;
Julian Schnabel beim Signieren
von CVJ, © VG Bild-Kunst, Bonn 2015
6
Robert Longo at the printer, 2014,
© VG Bild-Kunst, Bonn 2015
7
Julian Schnabel painting, 2015,
8/9
Wolfgang Tillmans, Freischwimmer 26,
2003, © Wolfgang Tillmans, courtesy
of Galerie Buchholz, Berlin, Cologne,
David Zwirner, New York, and Maureen
Paley, London
11
Fred Astaire by André de Dienes, May
1939, © Condé Nast Inc.; Alexander
McQueen by Tim Walker, October
2009, © Tim Walker
13
Photos: Mischa Lorenz, Institut für
Zeitgenossenschaft
15
George Herriman, Krazy Kat (1913–
1944), private collection; Charles
Forbell, Naughty Pete (1913), 16.11.1913
(New York Herald), private collection;
Frank King, Gasoline Alley (since 1918),
25.9.1936, private collection
17
Jean Dubuffet, Bocal à vache, 1943,
private collection, photo: P. Schälchli,
Zürich; Monsieur Plume pièce
botanique (Portrait d’Henri Michaux),
1946, © VG Bild-Kunst, Bonn 2015
19
Anselm Kiefer, Die Rheintöchter, 1982–
2013, © Anselm Kiefer, © Albertina;
Für Robert Fludd, 1996, © Anselm
Kiefer, © Albertina
21
Pablo Picasso, La guenon et son
petit, 1951, © Succession Picasso/VG
Bild-Kunst, Bonn 2015, Sammlung
im Obersteg, 2004, © photo:
Kunstmuseum Basel, Martin P. Bühler;
Jeff Koons, Rabbit, 1986, collection
Museum of Contemporary Art
Chicago, partial gift of Stefan T. Edlis
and H. Gael Neeson, © Jeff Koons, New
York, © photo: Nathan Keay
23
Photo: Julian Salinas; Grundriss
Kunstmuseum Basel, © Christ &
Gantenbein
126
www.hatjecantz.de
24
41
Alexander Calder, Snow Flurry, 1950,
private collection, © 2015 Calder
Foundation, New York / Artists
Rights Society (ARS), New York / Pro
Litteris, Zurich, photo: courtesy Calder
Foundation, New York / Art Resource,
New York
Varvara in Her Home Cinema, Moscow,
2010, photo: © Anna Skladmann;
Opéra de Monte-Carlo, Monte Carlo,
Monaco, 2009, photo: © David Leventi
25
Peter Fischli/Weiss, David, Die
Gesetzlosen (aus der Serie: Equilibres),
1984/85, © 2015 Fischli/Weiss
27
Chris Burden, Death Valley Run,
1976 (performance), © Chris Burden,
courtesy of the Chris Burden Studio
and Gagosian Gallery; Eduard
Spelterini, Die Pyramiden von Gizeh,
Ägypten, 1904, from the collection of
the Swiss National Library
29
Robert Longo, After Frankenthaler
(Mountains and Sea, 1952), 2014,
© VG Bild-Kunst, Bonn 2015;
installation view of Gang of Cosmos
at Metro Pictures, 2014, © Robert
Longo, photo: all rights reserved,
courtesy Metro Pictures, New York,
31
Wolfgang Tillmans, Blushes #52,
2000; Edinburgh Builders, b, 1987,
© Wolfgang Tillmans, courtesy of
Galerie Buchholz, Berlin, Cologne,
David Zwirner, New York, and Maureen
Paley, London
33
01:15:56 Swiss Alps, Switzerland, 1969,
© 2015 Taryn Simon; Bird skin: #88399 |
Genus: Amazona; Species: guildingii;
Subspecies: — | Common name: St.
Vincent Parrot | Location: St. Vincent,
British West Indies; Country: Lesser
Antilles | Collector: Bond, J. | Date
collected: 1/6/1930 (from the archives
of the Academy of Natural Sciences of
Philadelphia), © Taryn Simon
37
Stefan Hanke, Leon Weintraub vor der
Zeppelintribüne auf dem ehemaligen
Reichsparteitagsgelände in Nürnberg,
2014; Maria Gniatczyk in einer Straße
der Warschauer Altstadt, 2014;
Zofia Posmysz in einer Baracke des
ehemaligen Frauenlagers des KZ
Auschwitz-Birkenau, 2012; Kazimierz
Smoleń im ehemaligen Stammlager KZ
Auschwitz-Birkenau, 2011
38/39
BArch, DVH 60 Bild-GR35-08-049
bis 057 / ohne Angaben; BStU MfS HA I
3287, Bl. 23, © Arwed Messmer
43
Photo: © Nicola lo Calzo; photo:
© Jerome Delay
45
Photos: © Wolfgang Scheppe
47
Constant Anton Nieuwenhuys, Klein
Labyr, 1959, photo: Tom Haartsen,
© Constant / Fondation Constant c/o,
© VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Sectoren
in berglandschap, 1967, photo: Tom
Haartsen, © Constant / Fondation
Constant c/o Pictoright Amsterdam,
49
Jon Jerde, Horton Plaza, © The Jerde
Partnership; photo: www.sephlawless.
com; Paul Miller’s Circus at Shoppers’
World in the 1960s, photo: Peter Besh,
© Framingham History Center
51
Jon Aylings Wohnraum, Fotografie
an der Wand: Bernhard Praud;
photo: Laurent Burst für fvonf.com
58/59
Hanne Darboven, © Hanne Darboven
Stiftung, Hamburg / VG Bild-Kunst,
Bonn 2015
60
© Cindy Sherman; Hanne Darboven,
© Hanne Darboven Stiftung, Hamburg /
VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Ceal Floyer,
Nail Biting Performance, 2001,
61
Teresa Serrano, Boca de tabla, 2007,
Daros Latinamerica Collection,
Zurich; Louise Bourgeois, © Easton
Foundation, © VG Bild-Kunst, 2015;
© Joan Jonas
62
Qiu Zhijie, Railway from Lhasa to
Kathmandu, 2007 (detail), © Qiu
Zhijie, courtesy of ARNDT Berlin;
Tamas Deszo, Carpet Sellers (Pojorâta),
2012
63
© Markus Henttonen; Jeppe Hein,
Breath, 2015, courtesy: König Galerie,
Berlin and 303 Gallery, New York,
photo: Jeppe Hein / Studio Jeppe
Hein; Chien-Chi Chang, Venice Marco
Polo Airport, 2009
64/65
Kati Heck, Danke, das wär’s dann alles,
2013, private collection, Brussels,
courtesy Tim Van Laere Gallery,
Antwerp, photo: Julia Wlodkowski
68/69
© Ydessa Hendeles, photos:
Robert Keziere
71
Jeppe Hein, This Way, 2015, photo:
Jeppe Hein, Studio Jeppe Hein; I
Don’t Expect Anything but I’m Open
for Everything, 2014, courtesy: König
Galerie, Berlin, 303 Gallery, New
York and Galleri Nicolai Wallner,
Copenhagen, photo: Studio Jeppe
Hein
72
Melanie Smith, Photo for Spiral
City (II), 2002, Daros Latinamerica
Collection, Zurich; Maruch Sántiz
Gómez, Vax alak’ (Los niños no deben
comer patas de pollo...), 1994, Daros
Latinamerica Collection, Zurich
73
Ceal Floyer, Drop, 2013 (HD video /
video without sound), © VG BildKunst, Bonn 2015
74
Hugo Simberg, The Wounded Angel,
1903, Ahlström Collection, Ateneum
Art Museum, photo: Finnish National
Gallery / Hannu Aaltonen
75
Kati Heck, »Bälck«, 2011, Collection
Elke Segers, Antwerp, Belgium,
courtesy Tim Van Laere Gallery,
Antwerp, Belgium
76
Marc Weis und Martin De Mattia,
Freitag_12.13; Samstag_10.11
(screenshots), © VG Bild-Kunst,
Bonn 2015
77
Lynn Hershman Leeson, Reach from
the series Phantom Limb, 1987,
© Lynn Hershman Leeson; Roberta
Breitmore, © Lynn Hershman Leeson
78
Song Dong, Eating the City in Beijing,
2003; Tearing Books: The Book of
Mao, 1995
79
Basim Magdy, The Everyday Ritual
of Solitude Hatching Monkeys, 2014,
(film stills), commissioned by Art
in General, New York and HOME,
Manchester, UK
80
Photos: Archiv Konrad Bernheimer;
portrait Konrad O. Bernheimer, photo:
© Frank Lübke
81
Rainer Judd, Marfa Texas, 2014, photo:
Vara Olana Kingsley
82
Bernhard Leitner, Ton-Bewegungen
am Körper, durch den Körper, n.d.;
Soundcube, 1969, © Atelier Leitner
83
Wang Yuyang, Identity, 2015 (artwork
fabrication, Beijing), courtesy of
Wang Yuyang
84
Hanne Lippard, Reading for Fans, 2014
(performance), photo: Joanna Szproch,
courtesy: the artist, Flaka Haliti, I See a
Face. Do You See a Face, 2014, courtesy:
the artist, LambdaLambdaLambda,
Priština, Kosovo
85
Rodney Graham, Aberdeen, 1998, (film
still), courtesy Sammlung Goetz,
Medienkunst, Munich; Canadian
Humourist – Green, 2012, Courtesy
Sammlung Goetz, Munich, photo:
Jens Ziehe
86
Valentin Carron, Pot I, 2013; We You
You They I, 2013; I I You He We, 2012,
courtesy the artist and Galerie Eva
Presenhuber, Zurich
93
Le Corbusier, © FLC/VG Bild-Kunst,
Bonn 2015
94
Rekonstruktion des Musikautomaten
nach der Beschreibung der Banū Mūsā
ibn Shākir, Programmierungen und
Feinmechanik: Liang Zhipeng und
Petja Ivanova; Animation: Olivia von
Pilgrim; Produktion: Stefanie Rau
96/97
Bernd Nicolaisen, Cave of Sounds, 2014
(Vatnajökull Mountain, Iceland)
100
Photo: Marc Beckmann; photo: Jörg
Brüggemann
101
Photo: Lynn Schröder; photo:
Sibylle Fendt; photo: Jordis Antonia
Schlösser; photo: Dawin Meckel
102
Federico Busonero, Waiting at the
Crossroad of Route 60 with the Road to
Sanur, n.d.; An-Nabi Musa, n.d.; Peace
Center Betlehem, n.d.
87
103
Martin Neumaier, o. T., 2013, private
collection; o. T., 2013 private collection;
o. T., 2012, private collection; o. T.,
2015, courtesy Galerie Kai Erdmann,
Hamburg; o. T., 2013, courtesy Galerie
Parisa Kind, Frankfurt am Main; o. T.,
2012, private collection
Claudio Gobbi, Gndevank, Part of a
Southarmenian Monastery from the
10. Century, n.d.; Hovhannavank, Oldest
Part of a 13. Century Monastery, n.d.
89
Michael Müller, I, 2013;
Weltempfänger: Ich-Oper, 2010/11
(sound installation), courtesy Galerie
Thomas Schulte and the artist,
photos: Mathias Schormann,
90
Pavel Pepperstein, Ecological Studies
on Past and Future. Immortal Girl
Coming from the Sky in the Cristal.
Immortal Old Man Rising Up from
the Earth in the Cristal, 2015,
© Pavel Pepperstein, courtesy the
artist and Kewenig, Berlin | Palma
91
Vladimír Houdek, Levitationen,
installation views OverbeckGesellschaft, Lübeck, 2015, photos:
André Giesemann; Ohne Titel, 2015,
courtesy Polansky Gallery, Prag,
photo: André Giesemann
92
Kazimir Malevich, Suprematist
Composition, 1915, Fondation Beyeler,
Riehen/Basel, Sammlung Beyeler,
photo: Robert Bayer, Basel
104
Kolkata Heritage Photo Project,
Nakhoda Mosque, Zakaria Street, n.d.
105
112
Sara VanDerBeek, installation view,
Metro Pictures, New York, 2013; Second
Chance, 2015; Roman Woman I, 2013,
courtesy of the artist and Metro
Pictures, New York.
113
Photos: Andreas Herzau
114
Andreas Gefeller, CS 13, 2011, courtesy
Thomas Rehbein Galerie Köln; CS
02, 2010, courtesy Thomas Rehbein
Galerie Köln; IP 12, 2012, courtesy
Thomas Rehbein Galerie Köln
115
© Paul Bulteel
116/117
Photo: courtesy Erieta Attali
120
Photos: © Cristóbal Palma
122
Photo: courtesy Erieta Attali
123
Eingangsportal des Sanlam Buildings,
photo: Mpho Mokgadi
124
Franz Roeckle, Siedlung Dammerstock,
Karlsruhe, 1928/29; Entwurf Friedhof
Venloer Strasse, Köln, 1913/14
125
Rotaprint Fabrik, Berlin, Tischlerei- und
Lehrwerkstättengebäude, 1958; Haus
Rudolph, Berlin, 1957
Frank Gaudlitz, Naturaleza muerta con
carachupa y zapallo, n.d.; Kiomi Chavez
Cainamari, 30, n.d.
106
Andres Serrano, Dead Sea Tree, n.d.
107
Andres Serrano, Burst of Light, n.d.;
Arabian Nights. Old City of Jerusalem,
n.d.; Eliazer with His Daughter, n.d.;
Noga Moscowitz, n.d.
108
Bernd Nicolaisen, Searching, 2012
(Vatnajökull Mountain, Iceland);
Jammed in the Ice, 2014 (Vatnajökull,
Iceland)
110
Stefan Koppelkamm, Zittau, Marstall,
1990 | 2001; Paillettenkleid, 2007
111
Peter Liversidge, 8th Avenue, 2015; Lee,
2011; French Interior, 2014
Die Bildrechte liegen bei den
genannten Rechtehaltern sowie
bei den Künstlern und ihren
Rechtsnachfolgern. / Images
copyrights for works reproduced:
artists and their legal heirs.
COVERMOTIV /
COVER I LLUSTRATION
Pavel Pepperstein, Ecological Studies
on Past and Future. Immortal Girl
Coming from the Sky in the Cristal.
Immortal Old Man Rising Up from the
Earth in the Cristal, 2015 (detail)
© Pavel Pepperstein, courtesy the
artist and Kewenig, Berlin | Palma
BILDUNTERSCHRIFTEN UND BILDNACHWEIS DER ABGEBILDETEN
WERKE / CAPTIONS AND CREDITS
FOR THE REPRODUCED WORKS
im Inhaltsverzeichnis: / in the table
of contents: Jesse Chehak, Hollywood,
California, 2007; Wolfgang Tillmans,
Lighter Blue Convex III, 2010; Espen
Eichhöfer, Ein Staat entsteht, 2011,
© Espen Eichhöfer / OSTKREUZ;
© Sean Scully
auf der Auftaktseite KU NST(von links
nach rechts) / on the double page ART
(from left to right):
Louise Bourgeois and her assistant Jerry
Gorovoy in Italy with marble works in
progress in 1981, © Easton Foundation,
© VG Bild-Kunst 2015, Bonn; Bernhard
Leitner, Schwarze Vertikale, 1991; Michael Müller, Berührung, 2015, courtesy
Galerie Thomas Schulte and the artist,
photo: Mathias Schormann; Peter
Roehr, Ohne Titel (FO 46), 1965, © VG
Bild-Kunst, Bonn 2015; Ceal Floyer, Helix,
2012, © VG Bild-Kunst, Bonn 2015, photo:
Sebastiano Pellion di Persano, courtesy:
Esther Schipper, Berlin; Lynn Hershman
Leeson, Digital Venus-Titian, 1988
© Lynn Hershman Leeson; Le Corbusier,
© FLC/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Le
Corbusier, © FLC/VG Bild-Kunst, Bonn
2015; Valentin Carron, Inca, Cargo, Goal,
2012, courtesy the artist and Galerie Eva
Presenhuber, Zurich; Teresa Serrano,
Boca de tabla, 2007, Daros Latinamerica
Collection, Zurich; Portrait Basim Magdy,
photo: Deridre O’Leary, © Basim Magdy;
0,10 The Last Futurist Exhibition of Painting, installation view, photo: Stedelijk
Museum, Amsterdam
auf der Auftaktseite FOTO GRAFI E (von
links nach rechts) / on the double page
PHOTO GRAPHY (from left to right):
Sara VanDerBeek, Ancient Solstice,
2014; Andreas Gefeller, IP 18, 2014,
courtesy Thomas Rehbein Galerie Köln;
© Maurice Weiss; © Paul Bulteel;
© Olaf Otto Becker; Stefan Koppelkamm,
Verwaltung IV, 2006; Andres Serrano,
Defaced Poster on via Dolorosa, Jerusalem © Andreas Herzau
auf der Auftaktseite ARCH ITEKTU R
(von links nach rechts) / on the double
page ARCHITECTURE (from left to right):
Rotaprint AG, © Martin Eberle, E&E
Berlin; Blick von der Kotze Street auf
das Highpoint Building, photo: Mpho
Mokgadi; Dali Tambo in seinem Garten,
photo: Mpho Mokgadi; Klaus Kirsten &
Heinz Nather; photo: courtesy Erieta Attali; Empfangstheke des leerstehenden
Sun Hotels, photo: Mpho Mokgadi; ©
Cristóbal Palma; Rotaprint Fabrik, Berlin,
Technisches Büro, 1956, photo: Foto
Wisch, Berlin; Konstruktionsschema des
Standart Bank Centers, photo: SAAR
Preisänderungen, Lieferbarkeit
und Irrtümer vorbehalten. /
Prices, specifications, and terms subject
to change without notice.
Redaktionsschluss / Copy deadline:
30.11.2015
127
I N DE X
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1% Privilege in a Time of Global
Inequality 40/41
100 wichtigsten Dinge, Die 12/13
A
Africa Under the Prism 42/43
Allah’s Automata 94
Ars Viva 2016 84
Artist Estate, The 81
Auf der Suche nach 0,10 92
B
R
Hanke, Stefan 36/37
Heck, Kati 75
Hein, Jeppe 71
Hendeles, Ydessa 68/69
Hershman Leeson, Lynn 77
Houdek, Vladimir 91
Roeckle, Franz 124
I
Inventarisierung der Macht 38/39
K
Bamberg Symphony 113
Beautiful Disorder 83
Becker, Olaf Otto 109
Bulteel, Paul 115
Busonero, Federico 102
Kiefer, Anselm 18/19
Kirsten, Klaus & Nather, Heinz 125
Koppelkamm, Stefan 110
Kuma, Kengo 122
Künstlernachlass, Der 81
Kunstmuseums Base l 22/23
C
L
Calcutta 104
Calder, Alexander 24/25
Carron, Valentin 86
Constant 46/47
Curating and Politics88
Le Corbusier 93
Leitner, Bernhard 82
Liversidge, Peter 111
Longo, Robert 28/29
D
M
E
M+M 76
Magdy, Basim 79
Making Heimat 121
Michael Müller 89
Migropolis 44/45
Edition Gerd Hatje 4–7
Elemental 120
Enzyklopädie der Medien 95
N
F
Kirsten, Klaus & Nather, Heinz 125
Neumaier, Martin 87
Nicolaisen, Bernd 108
Dubuffet, Jean 16/17
Fischli/Weiss 24/25
Floyer, Ceal 73
G
Gaudlitz, Frank 105
Gefeller, Andreas 114
Graham, Rodney 85
Great Masters and Unicorns 80
Gobbi, Claudio 103
128
H
O
Ostkreuz 100/101
P
Pepperstein, Pavel 90
Personalities 50/51
Pioniere des Comics 14/15
S
Sculpture on the Move 20/21
Sense of Movement, The 26/27
Serrano, Andres 106/107
Simon, Taryn 32–35
Song Dong 78
Special-Price 52–57
Stories of Finnish Art 74
T
Taking Stock of Power 38/39
Themen / Themes 58–63
Tillmans, Wolfgang 30/31
U
Up Up 123
V
VanDerBeek, Sara 112
Vogue 100 10/11
W
Without Restraint 72
Wolfsburg Unlimited 70
World of Malls 48/49
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64
96
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Fax +91 11 23266102
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