ravel daphnis et chloé - Chicago Symphony Orchestra

RAVEL DAPHNIS ET CHLOÉ
POULENC GLORIA
CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA
CHICAGO SYMPHONY CHORUS
JESSICA RIVERA / BERNARD HAITINK
DAphnis et chloé
Chicago Symphony Orchestra
Chicago Symphony Chorus / Duain Wolfe, director
Jessica Rivera, soprano / Bernard Haitink, conductor
FRANCIS POULENC / Gloria
3 4 5 6 1
2
Gloria in excelsis Deo Laudamus te Domine Deus, Rex caelestis Domine Fili unigenite Domine Deus, Agnus Dei Qui sedes ad dexteram Patris
3:05
3:10
3:55
1:22
6:08
6:12
Jessica Rivera, soprano
MAURICE RAVEL / Daphnis et Chloé
Première Partie
9 10 11 12 13 7
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Introduction
Danse religieuse
Scène – Danse générale
Danse grotesque de Dorcon – Scène
Danse lègére et gracieuse de Daphnis Scène – Danse de Lycéion – Scène (les pirates)
Scène – Danse lente et mystérieuse
2:38
4:35
3:18
2:03
3:39
4:01
4:37
Deuxième Partie
14 Introduction
Danse guerrière
16 Scène – Danse suppliante de Chloé
15 2:52
4:50
5:05
Troisème Partie
17 Lever du jour – Scène
Daphnis et Chloé miment l’aventure de Pan et de Syrinx
19 Danse générale
18 total 5:49
6:18
3:41
77:18
DAPHNIS et Chloé
Francis Poulenc / Gloria
In August 1936, while Francis Poulenc, the irrepressible bad
boy of French music, was vacationing in southwestern France,
he learned that fellow composer Pierre-Octave Ferroud had
been beheaded in a car crash. Haunted by the violence of
Ferroud’s death, Poulenc began the first sacred work of his
career. Over the next twenty-five years, as Poulenc examined
his own beliefs and confronted the Roman Catholicism of his
childhood, he developed a unique religious musical style, one
that confirms and, in turn, questions the significance of faith.
The Gloria, completed in 1960, is his last word on the subject.
After Poulenc’s own death in 1963, the American composer
Ned Rorem called Poulenc “a whole man always interlocking
soul and flesh, sacred and profane.” That duality is the heart
of the radiant and moving Gloria he composed shortly before
he died. In six movements, alternately introspective and
breezy, Poulenc’s Gloria resembles no other work of sacred
music. The fanfare-like opening confirms how brilliantly
Poulenc was able to make something fresh and effective of
a style Stravinsky had worn out long ago. The lovely third and
fifth movements, with their ethereal soprano solos, find him
at his most reflective and touching. Of the jauntier sections,
such as the saucy Laudamus te, with its dance-hall rhythms
and off-kilter text settings, Poulenc said they simply reminded
him of a favorite fifteenth-century fresco by Benozzo Gozzoli
in Florence’s Palazzo Medici Riccardi, in which the angels
stick their tongues out at one another.
Maurice Ravel / Daphnis et Chloé
Maurice Ravel’s Daphnis et Chloé is one of the most brilliant
products of Sergei Diaghilev and the Ballets Russes during
their glory years. It was conceived in 1909, before the troupe
had set Paris ablaze with a series of new ballets unlike
anything the worlds of music or dance had known, starting
with Stravinsky’s Firebird in 1910 and climaxing with the
scandalous premiere of The Rite of Spring in May 1913. Ravel’s
contribution, Daphnis et Chloé, was not introduced until
June 8, 1912, due to the composer’s difficulties finishing the
score, compounded by backstage squabbling once rehearsals
began.
The principal players in the creation of Daphnis et
Chloé were a distinguished group: Sergei Diaghilev, the
CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA
impresario; Michel Fokine, the choreographer; Léon Bakst,
the designer; Pierre Monteux, the conductor; and Vaslav
Nijinsky and Tamara Karsavina, the leading dancers. Ravel
worked tirelessly with Fokine to translate the most famous
of the Greek prose pastorals into a scenario for ballet—the
collaboration partly hampered, as the composer admitted,
because Fokine didn’t know a word of French, and Ravel knew
only how to swear in Russian.
At first, there was also a serious difference of opinion about
the style of the piece. Ravel later said that his intent was to
compose a vast musical fresco that was less concerned with
archaism than with reproducing the Greece of his dreams,
which he likened to that imagined by French artists at the end
of the eighteenth century. Fokine, on the other hand, had in
mind the ancient dancing depicted in red and black on Attic
vases. The result has something of the classical austerity
of Jacques-Louis David’s canvases as well as the stunning
clarity of Greek pottery. But it is both more sumptuous and
subtle than either.
In rehearsal, Fokine and Nijinsky fought relentlessly over
the choreography, and Diaghilev grew so tired of serving as
intermediary that he finally threatened to cancel the project.
As it was, he was forced to postpone the premiere twice,
largely because Ravel was having trouble completing the
final dance. (When the music was delivered at last, Diaghilev’s
dancers were stymied by the finale’s asymmetrical 5/4
meter—Ravel suggested chanting “Ser-gei-Dia-ghi-lev” to
each measure to help them keep their place.) Ultimately, the
rancor and tension of the Daphnis rehearsals led to a rift
between Diaghilev and Fokine, who left the company at the
end of the season.
Daphnis et Chloé is the largest orchestral work Ravel would
write; he called it a “choreographic symphony in three parts,”
and in its scale and developmental detail it is as close as
he ever came to tackling symphonic form. It is perhaps the
greatest example of Ravel’s remarkable ear for orchestral
sounds, and of the subtlety with which he shades and colors
his canvas. Few passages in music are as justifiably famous
as the opening of part 3, when the rising sun gently bathes
the music in warmth and light. The use of a wordless chorus,
not only in that scene, but at several key moments in the
2
ballet, creates an extraordinary sonority, remarkable for its
shimmering gradations of color.
The story is adapted from a tale by the fifth-century Greek
author Longus. Daphnis and Chloe, abandoned as children
and raised by shepherds, have fallen in love (Daphnis seduced
Chloe by playing for her on his panpipes). In the first part of
the ballet, Daphnis earns Chloe’s kiss; pirates land and abduct
Chloe. In part 2, Pan and his warriors rescue Chloe. Part 3
reunites the lovers in a magnificent sweep of music that
begins with the gradual awakening of nature, followed by one
of the most celebrated flute solos in music, as Daphnis and
Chloe recreate the old story of Pan wooing the nymph Syrinx,
and concludes with the extraordinary final dance that took
Ravel, perhaps the greatest perfectionist among composers,
a full year to polish.
Phillip Huscher is the program annotator
for the Chicago Symphony Orchestra.
DAPHNIS et Chloé
Francis Poulenc / Gloria
En août 1936, alors que Francis Poulenc, l’infatigable
enfant terrible de la musique française, était en vacances
dans le sud-ouest de la France, il apprit que son collègue
compositeur Pierre-Octave Ferroud avait été décapité dans
un accident de voiture. Hanté par la violence de la mort de
Ferroud, Poulenc commença la première œuvre sacrée de
sa carrière. Et, au cours des vingt-cinq années suivantes,
examinant sa propre foi et confronté au catholicisme de son
enfance, Poulenc développa un style religieux unique, qui
confirme et met en question tour à tour la signification de la
foi. Le Gloria, achevé en 1960, est son dernier mot sur le sujet.
À la mort de Poulenc lui-même en 1963, le compositeur
américain Ned Rorem le décrivit comme « un homme entier
qui entrelace toujours l’âme et la chair, le sacré et le profane
». Cette dualité est au cœur du Gloria radieux et émouvant
qu’il composa peu de temps avant sa mort. Écrit en six
mouvements, tantôt introspectifs et tantôt enjoués, le Gloria
de Poulenc ne ressemble à aucune autre œuvre de musique
sacrée. Le début en fanfare confirme que Poulenc savait de
manière éclatante faire quelque chose de neuf et d’éloquent
d’un style que Stravinsky avait épuisé depuis longtemps.
Les ravissants troisième et cinquième mouvements, avec
leurs solos de soprano éthérés, révèlent le compositeur sous
son jour le plus méditatif et le plus touchant. À propos des
sections gaies, tel que l’aguichant Laudamus te, avec ses
rythmes de danse et ses décalages par rapport au texte,
Poulenc disait qu’elles lui rappelaient une fresque du XVe
siècle de Benozzo Gozzoli qu’il aimait beaucoup, au Palazzo
Medici Riccardi de Florence, où les anges se tirent la langue
l’un à l’autre.
Maurice Ravel / Daphnis et Chloé
Daphnis et Chloé de Maurice Ravel est l’une des productions
les plus brillantes de Serge Diaghilev et de ses Ballets russes
dans leurs années de gloire. L’œuvre fut conçue en 1909,
avant que la troupe n’eût enflammé Paris avec une série
de nouveaux ballets, différents de tout ce qu’avait connu
le monde de la musique ou de la danse, à commencer par
L’Oiseau de feu de Stravinsky en 1910, et culminant avec le
scandale de la création du Sacre du printemps en mai 1913.
L’œuvre de Ravel, Daphnis et Chloé, ne fut donnée que le 8
CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA
juin 1912, car le compositeur avait eu du mal à achever la
partition, outre qu’il y eut des disputes en coulisses une fois
les répétitions commencées.
Les principaux acteurs de la création de Daphnis et
Chloé formaient une équipe prestigieuse : Serge Diaghilev,
l’impresario, Michel Fokine, le chorégraphe, Léon Bakst, le
décorateur, Pierre Monteux, le chef d’orchestre, et Vaslav
Nijinski et Tamara Karsavina, les principaux danseurs. Ravel
travailla inlassablement avec Fokine pour traduire la plus
célèbre des pastorales en prose grecques en un scénario de
ballet – la collaboration fut entravée, comme le reconnut le
compositeur, par le fait que Fokine ne savait pas un mot de
français, et que Ravel ne savait que jurer en russe.
Au départ, il y eut également de graves divergences sur le
style de l’œuvre. Ravel dit par la suite que son intention était
de composer une vaste fresque musicale qui se souciait
moins d’être archaïque que de reproduire la Grèce de ses
rêves, qu’il comparait à celle imaginée par les artistes
français de la fin du XVIIIe siècle. Fokine, en revanche, avait
en tête les danses antiques dépeintes sur les vases attiques
rouge et noir. Le résultat a un peu de l’austérité classique
d’une toile de Jacques-Louis David ainsi que l’étonnante
clarté de la céramique grecque. Mais il est à la fois plus
somptueux et plus subtil que l’une ou l’autre.
En répétition, Fokine et Nijinski se disputèrent sans
arrêt sur la chorégraphie, et Diaghilev se fatigua de servir
d’intermédiaire, au point qu’il finit par menacer d’annuler le
projet. En l’occurrence, il fut obligé de retarder la création
à deux reprises, surtout parce que Ravel avait du mal à
terminer la danse finale. (Lorsque la musique fut enfin
livrée, les danseurs de Diaghilev furent déroutés par la
mesure asymétrique à 5/4 du finale – Ravel leur conseilla
de psalmodier « Ser-gueï-Dia-ghi-lev » sur chaque mesure
pour s’aider à garder le rythme.) Finalement, la rancœur et
les tensions émanant des répétitions de Daphnis finirent par
provoquer la rupture entre Diaghilev et Fokine, qui quitta la
compagnie à la fin de la saison.
Daphnis et Chloé est la plus vaste œuvre orchestrale que
Ravel ait jamais écrite ; ce qu’il appelait sa « symphonie
chorégraphique en trois parties » est ce qui se rapproche
le plus chez lui, dans ses proportions et dans son
développement, de la forme symphonique. C’est peut-être
3
le plus grand exemple de son oreille remarquable pour
les sonorités orchestrales, et de la subtilité avec laquelle
il nuance et colorie sa toile. Peu de passages sont aussi
justement célèbres que le début de la troisième partie,
lorsque le soleil levant baigne délicatement la musique de
chaleur et de lumière. L’utilisation d’un chœur sans paroles,
non seulement dans cette scène, mais à plusieurs momentsclefs du ballet, crée une sonorité extraordinaire, remarquable
pour ses gradations chatoyantes de couleur.
L’histoire est adaptée d’une fable d’un auteur grec du Ve
siècle, Longus. Daphnis et Chloé, abandonnés dans leur
enfance et élevés par des bergers, sont tombés amoureux
(Daphnis a séduit Chloé en jouant de la flûte de Pan). Dans
la première partie du ballet, Daphnis obtient un baiser de
Chloé ; des pirates accostent et enlèvent Chloé. Dans la
deuxième partie, Pan et ses guerriers partent à la rescousse
de Chloé. La troisième partie réunit les amants dans une
musique magnifique qui débute par le réveil progressif de
la nature, suivi de l’un des solos de flûte les plus célèbres de
toute la musique, au moment où Daphnis et Chloé recréent la
vieille histoire de Pan courtisant la nymphe Syrinx, avant de
conclure avec l’extraordinaire danse finale que Ravel, peutêtre le plus grand perfectionniste parmi les compositeurs, mit
une année complète à peaufiner.
Phillip Huscher est le rédacteur des programmes
du Chicago Symphony Orchestra.
Traduction: Dennis Collins
DAPHNIS et Chloé
Francis Poulenc / Gloria
Als Francis Poulenc, das unverbesserliche enfant terrible
der französischen Musik, im August 1936 seine Ferien
im Südwesten Frankreichs verbrachte, erfuhr er dass der
Komponist Pierre-Octave Ferroud bei einem Autounfall
regelrecht enthauptet worden war. Zutiefst betroffen von
der Grausamkeit des Todes von Ferroud, begann Poulenc
mit der Arbeit an dem ersten Sakralwerk seiner Karriere.
Im Laufe der nächsten 25 Jahre, während Poulenc seinen
eigenen Glauben ergründete und sich mit dem Katholizismus
seiner Jugend auseinandersetzte, entwickelte er einen
einzigartigen religiösen musikalischen Stil, der die Bedeutung
des Glaubens zugleich sowohl unterstreicht, als auch in Frage
stellt. Das Gloria, vollendet im Jahre 1960, stellt sein letztes
Wort zu diesem Thema dar.
Nach Poulencs Tod im Jahre 1963 nannte ihn der
amerikanische Komponist Ned Rorem „einen ganzen
Menschen, immer in Fleisch und Seele verbunden, heilig und
profan.“ Dieser Dualismus ist das Herz des strahlenden und
bewegenden Gloria, das er kurz vor seinem Tod komponiert
hat. In sechs abwechselnd introspektiven und forschfröhlichen Sätzen geschrieben, gleicht Poulencs Gloria
keinem anderen musikalischen Sakralwerk. Die fanfarenhafte
Einleitung bestätigt, wie es Poulenc gelang aus einem Stil,
den Strawinsky schon vor langer Zeit aufgebraucht hatte,
etwas neues und frisches zu schaffen. Im lieblichen dritten
und fünften Satz mit den ätherischen Sopransoli, zeigt
sich Poulenc von seiner introspektivsten und rührendsten
Seite. Von den fröhlicheren Abschnitten, wie zum Beispiel
dem frechen „Laudamus te“ mit seinen Tanzrhythmen
und ungleichmäßig betonten Texten, sagte Poulenc, dass
sie ihn an eines seiner Lieblingsfresken des fünfzehnten
Jahrhunderts von Benozzo Gozzoli im Palazzo Medici Riccardi
in Florenz erinnern, in welchem sich die Engel gegenseitig die
Zunge ausstrecken.
Maurice Ravel / Daphnis et Chloë
Maurice Ravels Daphnis et Chloë ist eines der brillantesten
Erzeugnisse von Sergei Diaghilew und den Ballets Russes
während ihrer Glanzzeit. Es wurde 1909 konzipiert, noch
bevor die Truppe Paris mit einer Reihe von Balletts auf den
Kopf gestellt hatte, wie sie die Welt noch nie zuvor gesehen
CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA
hatte, beginnend mit Strawinskys Feuervogel 1910 und
gipfelnd mit der Skandalpremiere der Sacre du printemps im
Mai 1913. Ravels Beitrag, Daphnis et Chloë, wurde erst am
8. Juni 1912 aufgeführt, aufgrund der Schwierigkeit en des
Komponisten, die Arbeit an der Partitur zu Ende zu bringen,
und erschwert durch Streitereien hinter den Kulissen, als die
Proben endlich begannen.
Die Hauptakteure in der Entstehungsgeschichte von
Daphnis et Chloë bildeten eine herausragende Gruppe:
Sergei Diaghilew, Impresario; Michail Fokin, Choreograph;
Leon Bakst, Bühnenbildner; Pierre Monteux, Dirigent; und
Waslaw Nijinsky und Tamara Karsawina, die Tänzer in den
Hauptrollen. Ravel arbeitete rastlos mit Fokin daran, den
berühmtesten griechischen Hirtenroman in Ballettszenen
zu übersetzen — wie der Komponist zugab, wurde die
Zusammenarbeit dadurch erschwert, dass Fokin nicht ein
Wort Französisch sprach und Ravel auf Russisch nur fluchen
konnte.
Anfangs gab es zudem ernsthafte Meinungsunterschiede
über den Stil des Stückes. Ravel sagte später, dass es seine
Absicht war, ein weitläufiges musikalisches Fresko zu
komponieren, dass weniger um Archaik bemüht war, als um
die Reproduktion des Griechenlands seiner Träume, welches
er mit dem imaginären Griechenland der französischen
Maler gegen Ende des achtzehnten Jahrhunderts verglich.
Fokin andererseits schwebten die in schwarz und rot auf
attischen Vasen dargestellten antiken Tänze vor. Das Resultat
hat sowohl etwas von der klassischen Strenge der Gemälde
Jean-Louis Davids, als auch von der beeindruckenden
Klarheit griechischer Töpferkunst. Dennoch ist es zugleich
aufwändiger und subtiler als beide.
In den Proben stritten Fokin und Nijinski erbarmungslos
über die Choreografie, und Diaghilew wurde seiner
Vermittlerrolle dermaßen müde, dass er gar drohte, dass
Projekt gänzlich abzusagen. Letztendlich war er gezwungen,
die Premiere zweimal zu verschieben, hauptsächlich weil
Ravel Schwierigkeiten hatte, den Schlusstanz fertigzustellen.
(Als die Musik endlich vollendet worden war, waren
Diaghilews Tänzer vom asymmetrischen 5/4-Takt des
Finales verwirrt — Ravel schlug vor, die Silben „Ser-gei
Dia-ghi-lew“ zu jedem Takt zu singen, um ihnen zu helfen,
sich zurechtzufinden.) Die Spannungen und die Bitterkeit
4
während der Proben zu Daphnis führten letztlich zu einem
Bruch zwischen Diaghilew und Fokin, der die Truppe am Ende
der Saison verließ.
Daphnis et Chloë ist das größte Orchesterwerk, das Ravel
je schreiben sollte; er nannte es eine „choreografische
Symphonie in drei Teilen“, und gemessen an seinem
Umfang und den strukturellen Details bleibt es seine größte
Annäherung an die symphonische Form. Es ist vielleicht
das großartigste Beispiel für Ravels erstaunliches Ohr für
Orchesterklänge und für die Subtilität, mit der er seine
Leinwand schattiert und ausmalt. Wenige musikalische
Passagen sind zu Recht so berühmt, wie der Anfang
des dritten Teils, als die aufgehende Sonne die Musik in
Wärme und Licht badet. Der Gebrauch eines wortlosen
Chores, nicht nur in dieser Szene, sondern auch in
verschiedenen Schlüsselmomenten des Balletts, schafft eine
außerordentliche Klangfülle, die bemerkenswert ist für ihre
schillernden Farbabstufungen.
Die Handlung ist einer Geschichte des griechischen
Autors Longus aus dem fünften Jahrhundert entnommen.
Daphnis und Chloe, als Kinder ausgesetzt und von Schäfern
aufgezogen, verlieben sich ineinander (Daphnis hat Chloe mit
seinem Panflötenspiel verführt). Im ersten Teil des Balletts
gewinnt Daphnis Chloes Kuss, erobert Land und entführt
Chloe. Im zweiten Teil retten Pan und seine Krieger Chloe.
Der dritte Teil vereint die Liebenden erneut in einem großen
musikalischen Bogen, der mit dem allmählichen Erwachen
der Natur beginnt, gefolgt von einem der berühmtesten
Flötensolos der Musikgeschichte als Daphnis und Chloe die
alte Geschichte von Pans Umwerbung der Nymphe Syrinx
nachstellen und der mit dem außergewöhnlichen Finaltanz
endet, für dessen Vollendung Ravel, als der möglicherweise
größte Perfektionist unter den Komponisten, ein ganzes Jahr
benötigte.
Phillip Huscher ist der Programmkommentator
des Chicago Symphony Orchestra.
Übersetzung: Milos Kovacevic
DAPHNIS et Chloé
CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA
5
Gloria
1. Gloria in excelsis Deo.
Et in terra pax hominibus bonae
voluntatis.
Glory to God in the highest,
and on earth peace to men of
good will.
Gloire à Dieu, au plus haut des cieux,
et paix sur la terre aux hommes de
bonne volonté.
Ehre sei Gott in der Höhe Und auf Erden,
Friede den Menschen, die guten
Willens sind.
2. Laudamus te. Benedicimus te.
Adoramus te. Glorificamus te.
Gratias agimus tibi propter magnam
gloriam tuam.
We praise you, we bless you,
we adore you, we glorify you.
We give you thanks for your
great glory.
Nous te louons, nous te bénissons,
nous t’adorons, nous te glorifions,
nous te rendons grâce,
pour ton immense gloire,
Wir loben Dich, wir preisen Dich.
Wir beten Dich an, wir verherrlichen Dich.
Wir sagen Dir Dank ob
Deiner großen Herrlichkeit.
3. Domine Deus, Rex caelestis,
Deus Pater omnipotens.
Lord God, heavenly King,
God the Father almighty.
Seigneur Dieu, roi du ciel,
Dieu le Père tout-puissant.
Herr und Gott, König des Himmels,
Gott, allmächtiger Vater.
4. Domine Fili unigenite Jesu Christe.
Lord Jesus Christ, the only-begotten Son.
Seigneur, Fils unique, Jésus Christ,
Herr Jesus Christus, eingeborener Sohn.
5. Domine Deus, Agnus Dei, Filius Patris.
Qui tollis peccata mundi,
miserere nobis.
Qui tollis peccata mundi, suscipe
deprecationem nostram.
Lord God, Lamb of God, Son of the Father,
who takes away the sins of the world,
have mercy on us.
Who takes away the sins of the
world, receive our prayer.
Seigneur Dieu, Agneau de Dieu, le Fils du Père.
Toi qui enlèves le péché du monde,
prends pitié de nous
toi qui enlèves le péché du monde,
reçois notre prière ;
Herr und Gott, Lamm Gottes, Sohn des Vaters,
Du nimmst hinweg die Sünden der Welt:
Erbarme Dich unser. Du nimmst hinweg die
Sünden der Welt:
Nimm an unser Gebet.
6. Qui sedes ad dexteram Patris,
miserere nobis.
Quoniam tu solus sanctus.
Tu solus Dominus.
Tu solus Altissimus, Jesu Christe.
Cum Sancto Spiritu, in gloria
Dei Patris.
Amen.
Who sits at the right hand of the Father,
have mercy on us.
For you alone are holy.
You alone are the Lord.
You alone, Jesus Christ, are most high,
with the Holy Spirit, in the glory of
God the Father.
Amen.
toi qui es assis à la droite du Père,
prends pitié de nous.
Car toi seul es saint, toi seul es Seigneur,
toi seul es le Très-Haut, Jésus-Christ,
avec le Saint-Esprit, Dans la gloire de
Dieu le Père.
Amen.
Du sitzest zur Rechten des Vaters:
Erbarme Dich unser.
Denn Du allein bist der Heilige.
Du allein der Herr.
Du allein der Höchste, Jesus Christus.
Mit dem Heiligen Geist, zur Ehre
Gottes des Vaters.
Amen.
DAPHNIS et Chloé
CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA
6
DAPHNIS et Chloé
CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA
BERNARD HAITINK / CONDUCTOR
With an international conducting career that has spanned
more than five decades, Amsterdam-born Bernard Haitink
is one of today’s most celebrated conductors. He was music
director of the Royal Concertgebouw Orchestra of Amsterdam
for twenty-five years, and he is conductor emeritus of the
Boston Symphony and an honorary member of the Berlin
Philharmonic. Mr. Haitink is a frequent guest with the London
Symphony Orchestra and the Vienna and Berlin philharmonic
orchestras. He received a Grammy® Award in 2004 for his
recording of Janáček’s Jenůfa with the orchestra, soloists, and
chorus of the Royal Opera House, Covent Garden.
Bernard Haitink made his debut conducting the Chicago
Symphony in March 1976, in a series of concerts that included
Mendelssohn’s Scottish Symphony, Stravinsky’s Symphony in
Three Movements, and Shostakovich’s Fourth Symphony. He
was appointed principal conductor of the Chicago Symphony
Orchestra in 2006.
Avec une carrière internationale qui s’étend sur plus d’un
demi-siècle, Bernard Haitink est l’un des chefs d’orchestre
actuels les plus célèbres. Né à Amsterdam, il a été directeur
musical de l’Orchestre royal du Concertgebouw pendant
vingt-cinq ans ; il est également chef émérite du Boston
Symphony et membre honoraire du Philharmonique de
Berlin. Il est fréquemment l’invité du London Symphony et des
Philharmoniques de Vienne et de Berlin. Il a reçu un Grammy
en 2004 pour son enregistrement de Jenůfa de Janáček avec
l’orchestre, les solistes et les chœurs du Royal Opera House,
Covent Garden.
Bernard Haitink a dirigé pour la première fois le Chicago
Symphony en mars 1976, lors d’une série de concerts au
programme desquels figuraient la Symphonie écossaise
de Mendelssohn, la Symphonie en trois mouvements de
Stravinsky et la Quatrième Symphonie de Chostakovitch. Il a
été nommé chef principal du Chicago Symphony Orchestra en
2006.
Mit einer internationalen Karriere als Dirigent seit mehr
als fünf Jahrzehnten, ist der gebürtige Amsterdamer, Bernard
Haitink, einer der meist gefeiertsten Dirigenten unserer
heutigen Zeit. Er war 25 Jahre lang Musikdirektor des Royal
Concertgebouw Orchestra of Amsterdam und er ist Conductor
Emeritus an der Boston Symphony und ein Ehrenmitglied
der Berliner Philharmoniker. Haitink ist ein häufiger Gast
an der London Symphony sowie der Wiener und Berliner
Philharmoniker. Er wurde im Jahr 2004 mit dem Grammy®
Award für seine Aufnahme von Janáček’s Jenüfa mit dem
Orchester, den Solisten und dem Chor des Royal Opera House,
Covent Garden, ausgezeichnet.
Bernard Haitink hatte sein Debut als Dirigent an der
Chicago Symphony im März 1976, in einer Konzertserie,
die Mendelssohns Schottische Symphonie, Strawinskys
Symphonie in drei Sätzen und Shostakovichs Vierte
Symphonie umfasste. Er wurde im Jahr 2006 zum
Hauptdirigenten des Chicago Symphony Orchestra ernannt.
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DAPHNIS et Chloé
CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA
JESSICA RIVERA / SOPRANO
Hailed by The New York Times as a “vocally luminous
young soprano,” Jessica Rivera has forged unique artistic
collaborations with many of today’s celebrated composers
including John Adams, Osvaldo Golijov, and Nico Muhly, and
she has worked with esteemed conductors including Bernard
Haitink, Sir Simon Rattle, David Robertson, Esa-Pekka
Salonen, Robert Spano, and Michael Tilson Thomas.
Ms. Rivera gave the world premiere of John Adams’s opera
A Flowering Tree, singing the role of Kumudha, in a production
directed by Peter Sellars (commercially available on CD). She
made her European operatic debut as Kitty Oppenheimer in
Peter Sellars’s production of Adams’s Doctor Atomic with the
Netherlands Opera (commercially available on DVD), a role in
which she also made her debut at the Lyric Opera of Chicago,
and she joined the Metropolitan Opera’s production of Doctor
Atomic under the direction of Alan Gilbert.
Saluée par The New York Times comme « une jeune
soprano à la voix lumineuse », Jessica Rivera a noué des
collaborations artistiques uniques avec bon nombre de
compositeurs actuels célèbres, dont John Adams, Osvaldo
Golijov et Nico Muhly, et a travaillé avec des chefs aussi
prestigieux que Bernard Haitink, Sir Simon Rattle, David
Robertson, Esa-Pekka Salonen, Robert Spano et Michael
Tilson Thomas.
Jessica Rivera a donné la création mondiale de l’opéra de
John Adams, A Flowering Tree, chantant le rôle de Kumudha,
dans une mise en scène de Peter Sellars (disponible en
CD). Elle a fait ses débuts lyriques en Europe en Kitty
Oppenheimer dans Doctor Atomic de John Adams, mis en
scène par Peter Sellars, avec l’Opéra des Pays-Bas (disponible
en DVD), rôle dans lequel elle a également fait ses débuts
au Lyric Opera of Chicago et rejoint la production de Doctor
Atomic du Metropolitan Opera sous la direction d’Alan Gilbert.
Von der New York Times als „junge Sopranistin mit einer
strahlenden Stimme“ gelobt, kann sich Jessica Rivera
einzigartiger künstlerischer Zusammenarbeit mit vielen
gefeierten Komponisten der Gegenwart erfreuen, darunter
John Adams, Osvaldo Golijov, und Nico Muhly. Sie hat mit
zahlreichen angesehenen Dirigenten zusammengearbeitet,
einschließlich Bernard Haitink, Sir Simon Rattle, David
Robertson, Esa-Pekka Salonen, Robert Spano, und Michael
Tilson Thomas.
Frau Rivera sang die Rolle der Kumudha in der
Uraufführung von John Adams’ Oper A Flowering Tree in einer
Inszenierung von Peter Sellars (erhältlich auf CD). Sie gab
ihr europäisches Operndebüt als Kitty Oppenheimer in Peter
Sellars’ Inszenierung von John Adams’ Doctor Atomic an der
Nederlandse Opera (erhältlich auf DVD), eine Rolle in welcher
sie ebenfalls an der Lyric Opera of Chicago debütierte,
und sang in der Inszenierung von Doctor Atomic an der
Metropolitan Opera unter der Leitung von Alan Gilbert.
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DAPHNIS et Chloé
CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA
DUAIN WOLFE / CHORUS DIRECTOR
Duain Wolfe was appointed director of the Chicago Symphony
Chorus in 1994 by Daniel Barenboim and has since prepared
all of the major choral/orchestral works for the CSO, including
Schoenberg’s Moses und Aron (Pierre Boulez, conductor)
and Brahms’s Ein deutsches Requiem (Daniel Barenboim,
conductor) for the Berlin Festtage. He has prepared the
chorus for premieres of Bernard Rands’s apókryphos and
John Harbison’s Four Psalms. His recordings include Sir
Georg Solti’s Grammy® Award-winning Die Meistersinger
von Nűrnberg and Mahler’s Second (forthcoming) and Third
Symphonies (Bernard Haitink, conductor).
He is also chorus director of the Colorado Symphony
Orchestra (whose chorus he founded in 1984), and he
prepares the major choral works for the Canadian National
Arts Centre Orchestra (Pinchas Zukerman, conductor) as well
as the Ravinia and Aspen Music festivals.
Duain Wolfe, nommé chef de chœur du Chicago Symphony
en 1994 par Daniel Barenboim, a depuis lors préparé toutes
les œuvres chorales-orchestrales majeures pour le CSO, dont
Moses und Aron de Schoenberg (direction Pierre Boulez) et Ein
deutsches Requiem de Brahms (direction Daniel Barenboim)
pour les Festtage de Berlin. Il a préparé le chœur pour la
création d’Apokryphos de Bernard Rands et de Four Psalms de
John Harbison. Sa discographie comprend Die Meistersinger
von Nürnberg dirigé par Sir Georg Solti, récompensé par un
Grammy® Award, et la Deuxième (à paraître) et la Troisième
Symphonie de Mahler (direction Bernard Haitink).
Il est également chef de chœur du Colorado Symphony
Orchestra (dont il a fondé le chœur en 1984), et il prépare
les œuvres chorales majeures pour l’Orchestre du Centre
national des arts du Canada (direction Pinchas Zukerman),
ainsi que pour les festivals de Ravinia et d’Aspen.
Duain Wolfe wurde 1994 von Daniel Barenboim zum
Chorleiter des Chicago Symphony Chorus ernannt und hat
seither sämtliche großen Werke für Chor und Orchester
mit dem CSO einstudiert, darunter auch Schönbergs
Moses und Aron (Pierre Boulez, Dirigent) und Brahms’ Ein
deutsches Requiem (Daniel Barenboim, Dirigent) für die
Berliner Festtage. Er hat den Chor für Uraufführungen von
Bernard Rands’ Apokryphos und John Harbisons Four Psalms
vorbereitet. Seine Diskografie umfasst Sir Georg Soltis mit
einem Grammy® preisgekrönte Aufnahme der Meistersinger
von Nűrnberg, sowie Mahlers Zweite (In Vorber.) und Dritte
Symphonie (Bernard Haitink, Dirigent).
Er ist ebenfalls Chorleiter des Colorado Symphony
Orchestra (dessen Chor er 1984 gegründet hat), und bereitet
die großen Chorwerke für das Canadian National Arts Centre
Orchestra (Pinchas Zukerman, Dirigent), sowie für die Ravinia
und Aspen Music Festivals vor.
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DAPHNIS et Chloé
CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA
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CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA
The Chicago Symphony Orchestra’s distinguished history
began in 1891 when Theodore Thomas, then the leading
conductor in America and a recognized music pioneer, was
invited to establish a symphony orchestra in Chicago. Thomas
served as music director for thirteen years until his death in
1905. His successor, Frederick Stock, was music director for
thirty-seven years, from 1905 to 1942, and led the Orchestra
in its first commercial recordings in 1916. Three distinguished
conductors headed the Orchestra during the following
decade: Désiré Defauw from 1943 to 1947, Artur Rodzinski in
1947–48, and Rafael Kubelík from 1950 to 1953.
The next ten years belonged to Fritz Reiner, whose
recordings with the Chicago Symphony Orchestra are still
considered performance hallmarks. It was Reiner who invited
Margaret Hillis to form the Chicago Symphony Chorus in
1957. For the five seasons from 1963 to 1968, Jean Martinon
held the position of music director. Sir Georg Solti, who was
music director from 1969 until 1991, led the Orchestra’s
highly acclaimed first European tour in 1971. The Orchestra
has since undertaken more than thirty overseas tours and
performed on five continents. Daniel Barenboim became the
Orchestra’s ninth music director in 1991, a position he held
until June 2006. Two celebrated conductors assumed titled
positions in 2006: Bernard Haitink became the Orchestra’s
principal conductor, and former principal guest conductor
Pierre Boulez its conductor emeritus. Riccardo Muti becomes
the Orchestra’s tenth music director in 2010.
The Chicago Symphony Orchestra has produced more
than nine hundred recordings since 1916. Recordings by the
Chicago Symphony have earned 60 Grammy® Awards from
the National Academy of Recording Arts and Sciences, more
than any other orchestra in the world. In 2007, the Chicago
Symphony Orchestra launched its new in-house recording
label, CSO Resound.
La prestigieuse histoire du Chicago Symphony Orchestra
débute en 1891, lorsque Theodore Thomas, alors le plus grand
chef d’orchestre américain, pionnier reconnu dans le monde
de la musique, est invité à fonder un orchestre symphonique
à Chicago. Thomas en est le directeur musical pendant treize
ans jusqu’à sa mort en 1905. Son successeur, Frederick Stock,
l’est à son tour pendant trente-sept ans, de 1905 à 1942, et
dirige l’orchestre pour ses premiers enregistrements en 1916.
Trois éminents chefs prennent la tête de l’orchestre dans
la décennie suivante: Désiré Defauw de 1943 à 1947, Artur
Rodzinski en 1947-1948 et Rafael Kubelík de 1950 à 1953.
Les dix années suivantes sont celles de Fritz Reiner, dont
les enregistrements avec le Chicago Symphony Orchestra
sont encore considérés comme des versions de référence.
C’est Reiner qui invite Margaret Hillis à former le Chicago
Symphony Chorus en 1957. Pour les cinq saisons de 1963
à 1968, Jean Martinon occupe les fonctions de directeur
musical. Sir Georg Solti, directeur musical de 1969 à 1991,
dirige la première tournée européenne de l’orchestre, très
applaudie, en 1971. L’orchestre a depuis lors fait plus de trente
tournées internationales et joué sur les cinq continents.
Daniel Barenboim devient le neuvième directeur musical
de l’orchestre en 1991, occupant ces fonctions jusqu’en juin
2006. Deux chefs célèbres assument des postes attitrés en
2006: Bernard Haitink est nommé chef principal de l’orchestre
et Pierre Boulez, ancien principal chef invité, en devient chef
émérite.
Le Chicago Symphony Orchestra a gravé plus de neuf cents
enregistrements depuis 1916, remportant avec ces disques
60 Grammys de la National Academy of Recording Arts and
Sciences—plus qu’aucun autre orchestre au monde. En 2007,
le Chicago Symphony Orchestra a lancé son propre label
discographique, CSO Resound.
Die berühmte Geschichte des Chicago Symphony
Orchestras begann im Jahr 1891, als Theodore Thomas,
der damals führende Dirigent in Amerika und ein
anerkannter Pionier in Musikkreisen, aufgefordert wurde,
ein Symphonieorchester in Chicago zu gründen. Thomas
war bis zu seinem Tod im Jahr 1905 Musikdirektor, nur
drei Wochen nach der Eröffnung der Orchestra Hall. Sein
Nachfolger, Frederick Stock, war siebenunddreißig Jahre
lang Musikdirektor, von 1905 bis 1942, und hat die ersten
kommerziellen Aufnahmen mit dem Orchester im Jahr 1916
gemacht. Drei berühmte Dirigenten leiteten das Orchester im
darauffolgenden Jahrzehnt: Désiré Defauw von 1943 bis 1947,
Artur Rodzinski von 1947–48 und Rafael Kubelík von 1950 bis
1953.
Die nächsten zehn Jahre standen unter der Leitung
von Fritz Reiner, dessen Aufnahmen mit dem Chicago
Symphony Orchestra immer noch als die Markenzeichen
angesehen werden. Reiner ludt Margaret Hillis ein, im Jahr
1957 den Chicago Symphony Chorus zu bilden. Während
der fünf Saisonen von 1963 bis 1968 war Jean Martinon
Musikdirektor. Sir Georg Solti, der Musikdirektor von 1969
bis 1991 war, nahm das Orchestra auf seine erste berühmte
europäische Tour im Jahr 1971. Das Orchester ist seither
auf mehr als dreißig internationalen Tours gewesen und ist
in fünf Kontinenten aufgetreten. Daniel Barenboim wurde
im Jahr 1991 zum neunten Musikdirektor des Orchestras,
eine Position, die er bis Juni 2006 innehatte. Zwei berühmte
Dirigenten haben im Jahr 2006 wichtige Positionen
übernommen: Bernard Haitink wurde zum Hauptdirigenten
des Orchestras und der ehemalige Hauptgastdirigent, Pierre
Boulez, wurde zum Conductor Emeritus.
Das Chicago Symphony Orchestra hat seit 1916 mehr als
neunhundert Aufnahmen gemacht. Aufnahmen der Chicago
Symphony haben 60 Grammy Awards von der National
Academy of Recording Arts and Sciences gewonnen, mehr als
jedes andere Orchester in der Welt. Diese Veröffentlichung
der Dritten Symphonie von Mahler ist die erste Aufnahme, die
unter dem neuen eigenen Recording Label, CSO Resound.
DAPHNIS et Chloé
CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA
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CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA
Bernard Haitink Principal Conductor
Violins
Robert Chen
Concertmaster
The Louis C. Sudler Chair,
endowed by an
anonymous benefactor
David Taylor
Yuan-Qing Yu
Assistant Concertmasters*
Pierre Boulez Helen Regenstein Conductor Emeritus
Riccardo Muti Music Director Designate
Cornelius Chiu
Nathan Cole
Alison Dalton
Kozue Funakoshi
Russell Hershow
Qing Hou
Nisanne Howell
Blair Milton
Paul Phillips, Jr.
Sando Shia
Susan Synnestvedt
Rong-Yan Tang
Akiko Tarumoto
Baird Dodge
Principal
The Marshall and
Arlene Bennett
Family Foundation Chair
Albert Igolnikov
Duain Wolfe Chorus Director
Osvaldo Golijov and Mark-Anthony Turnage
Mead Composers-in-Residence
Assistant Principal
Lei Hou
Arnold Brostoff
Fox Fehling
Hermine Gagné
Rachel Goldstein
Mihaela Ionescu
Melanie Kupchynsky
Wendy Koons Meir
Joyce Noh
Nancy Park
Ronald Satkiewicz
Florence Schwartz-Lee
Jennie Wagner
Violas
Charles Pikler
Principal
The Prince Charitable
Trusts Chair
Li-Kuo Chang†
Assistant Principal
The Louise H. Benton
Wagner Chair
John Bartholomew
Catherine Brubaker
Karen Dirks
Lee Lane
Diane Mues
Lawrence Neuman
Yukiko Ogura
Daniel Orbach
Max Raimi
Robert Swan‡
Thomas Wright
Cellos
John Sharp
Principal
The Eloise W. Martin Chair
Kenneth Olsen
Assistant Principal
The Adele Gidwitz Chair
Philip Blum
Loren Brown
Richard Hirschl
Katinka Kleijn
Jonathan Pegis
David Sanders
Gary Stucka
Brant Taylor
Basses
Joseph Guastafeste
Principal
The David and
Mary Winton Green Chair
Daniel Armstrong
Roger Cline
Joseph DiBello
Michael Hovnanian
Robert Kassinger
Mark Kraemer
Stephen Lester
Bradley Opland
Harps
Sarah Bullen
E-Flat Clarinet
John Bruce Yeh
Bass Trombone
Charles Vernon
Bass Clarinet
J. Lawrie Bloom
Tuba
Gene Pokorny
Bassoons
David McGill
Principal
William Buchman**
Assistant Principal
Dennis Michel
Burl Lane
Contrabassoon
Burl Lane
Principal
The Arnold Jacobs Principal
Tuba Chair, endowed by
Christine Querfeld
Timpani
Donald Koss
Principal
Vadim Karpinos
Assistant Principal
Percussion
Cynthia Yeh
Lynne Turner
Saxophone
Burl Lane
Flutes
Mathieu Dufour
Horns
Dale Clevenger
Patricia Dash
Vadim Karpinos
James Ross
Richard Graef**
Daniel Gingrich**
Piano
Mary Sauer
Louise Dixon
Jennifer Gunn
James Smelser
David Griffin
Oto Carrillo
Susanna Drake
Principal
Principal
Assistant Principal
Piccolo
Jennifer Gunn
Oboes
Eugene Izotov
Principal
The Nancy and
Larry Fuller Chair
Michael Henoch
Assistant Principal and
Acting English Horn
Principal
Associate Principal
Principal
The Adolph Herseth Principal
Trumpet Chair, endowed by
an anonymous benefactor
Mark Ridenour
Assistant Principal
John Hagstrom
Tage Larsen
Clarinets
Larry Combs
Trombones
Jay Friedman
John Bruce Yeh**
Assistant Principal
Gregory Smith
J. Lawrie Bloom
Principal
Trumpets
Christopher Martin
Scott Hostetler
Principal
Principal
Principal
James Gilbertsen
Associate Principal
Michael Mulcahy
Charles Vernon
*Assistant concertmasters are listed by seniority.
**Principal on Poulenc’s Gloria †On leave ‡On sabbatical
DAPHNIS et Chloé
CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA
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Chicago symphony chorus
Duain Wolfe
Chorus Director
Don H. Horisberger
Associate Director
Cheryl Frazes Hill
Associate Director
Paul Aanonsen
Blake Adams
Robin M. Agne
Alicia Monastero
Akers
Ina R. Allen
Melissa Arning
Rebekah Kirsten
Askeland
Amy Bakalar
Deborah B. Bard
Lisanne
Barnes-Seymour
Michael Barrette
Mary Ann Beatty
William Bennett
Rebecca Berger
Madison Bolt
Michael Boschert
William Bouvel
Lorraine Branham
Heather Braoudakis
Michael Brauer
Terry L. Bucher
Edward Budzilowicz
W. Michael Bultman
Diane Busko Bryks
Catherine
Caccavallo
MaryJo Cally
Stephen Cannon
Michael Cavalieri
Stephanie
Chamberlin
William Chin
Dorea Lynne Cook
Ryan J. Cox
Sandra Cross
Beena David
Todd Diehl
Ann Dieter
Kathleen
O’Brien Dietz
Dawnmarie
Domingo
Katarzyna Dorula
David DuBois
Catherine
Vartanian Duke
Jeffrey Duke
Thomas E. Dymit
Stacy Eckert
Stephen C. Edwards
Daniel Eifert
Mark Eldred
Nicholas Falco
Gerald Frantzen
Gail Friesema
Rachel Fry
Kirsten Fyr
Benjamin Gac
John R. Gauthier
Ruth Gayde
Elizabeth Gentry
Klaus Georg
Nicoleta Ghita
Elizabeth Gottlieb
Cathy Wozniak
Gough
David Govertsen
Nida Grigalaviciute
Elizabeth Grizzell
Deborah Guscott
Elizabeth Haley
Amy Noël Hall
Kevin M. Hall
Margaret Quinnette
Harden
Todd S. Harris
Matthew Hayden
Mary Catherine
Helgren
Daniel Julius
Henry Jr.
Rae-Myra Hilliard
Betsy Hoats-Smith
David Hoffman
Don H. Horisberger
James Houston
Jeanne
Hughes-Seyller
Patricia Hurd
Jeff Jablonski
Tim Janecke
Hyun Suk Jang
Carla Janzen
Jamie Lee Johnson
Marjorie Johnston
Brad Johnstone
Alison Kelly
Jennifer Kerr
Budziak
Amanda King
Susan Krout
Kurt Kuehnert
Nathan Landes
Nancy A. Lass
Diana Lawrence
Emily Joy Lee
Lee Lichamer
Allan K. Lindsay
Samuel Lorenzo
Mary Lutz
Kathleen Madden
Natalie Mann
Donald Manuel
Elizabeth McGhee
Kevin McKelvie
Eric Miranda
Rebecca S. Moan
James Morris, Jr.
Hayden Muhl
Lillian Murphy
Linda Murphy
Lisa Nemeth
Charles M. Olson
Sheri Owens
Wha Shin Park
Juliet Petrus
Amy Pickering
Nancy Pifer
Joe Piszczor
Cari Plachy
Mark Plante
Lisa Pomeroy
Elvira Ponticelli
Angela Presutti
Timothy J. Quistorff
Benjamin D. Rivera
Andrew Rye
Matthew W.
Schlesinger
Cole Seaton
Cindy Senneke
Andrew Seymour
Kristy (Sims)
Sweeney
Joseph Smith
Susan Palmatier
Steele
Diana Stephens
Heidi Jo Stirling
Denise Sullivan
Maia Surace
Andrea Amdahl
Taylor
Joan Teitelman
Paul W. Thompson
Matthew Thurman
Susan L. Turney
Scott Uddenberg
Frank Villella
Elizabeth Walker
Benita Wandel
Eric West
Dodie Morris
Whitaker
Debra Wilder
Charles L. Wolter
JulieAnn Zavala
Rehearsal pianists:
John Goodwin
Sharon Peterson
CSO Resound is underwritten by a generous gift
from Mr. and Mrs. Ralph Smykal.
Producer: James Mallinson
Engineer: Christopher Willis
Audio Post-Production: Classic Sound Limited, UK
Recorded live in Orchestra Hall at Symphony Center
November 8, 9, and 10, 2007.
Design: Todd Land
Photography: Todd Rosenberg
© 2009 Chicago Symphony Orchestra
Poulenc’s Gloria:
© 1960 Salabert. Sole North American agent Boosey & Hawkes.
CSOR 901 906
CSOR 901 908 Hybrid SACD
cso.org/resound